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아티스트 페일의 스트리트 아트 그래피티 현대 미술, 판화, 원본, 조각, 회화를 구입하세요.

캔버스와 판화에서 창 팔레트와 기도 바퀴에 이르기까지, 거리 및 현장 제작에서 2005년 영구 스튜디오 인수에 이르기까지, 팝 아트에서 영성에 이르기까지 FAILE의 과정은 예술이 얻을 수 있는 만큼 이질적입니다. Patrick McNeil과 Patrick Miller의 이 예술적 콜라보레이션은 1999년에 처음 설립되었으며 현재 뉴욕 브루클린에 기반을 두고 있습니다. 그럼에도 불구하고 두 아티스트는 미국, 유럽 및 아시아에서 수많은 개인전 및 그룹전에 참여했습니다. FAILE의 경우 공간은 의미가 있습니다. 처음 몇 년 동안 그룹은 자체 스튜디오에서 작업하지 않았으며 결과적으로 1999-2005년은 다양한 창작 매체와 작업 전시 방식을 실험하는 기간이었습니다. . FAILE은 회화, 조각, 판화와 같은 "전통적인" 매체와 동시에 창 팔레트 및 기도 바퀴와 같은 덜 전통적인 매체를 모두 수용했습니다. 이 듀오는 자신의 창작 과정에 가장 적합한 것에 따라 미디어와 형식을 단호하게 혼합하여 놀라운 생산 가치를 지닌 고예산 프로젝트와 창작 과정의 모든 단계를 강조하고 경험을 강조하며 DIY 접근 방식을 통합하는 겸손한 노력으로 이어집니다. FAILE은 창립 이래 많은 갤러리와 예술 공간에서 작업을 선보였지만 2005년 스튜디오를 인수한 후에도 거리 예술과의 연결을 잃지 않았습니다. 

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밀 페이스트와 스텐실링은 그들의 작품을 대중에게 알리기 위해 정기적으로 사용되었고, 따라서 가능한 한 많은 사람들에게 다가가는 그래피티의 첫 번째 목적 중 하나에 기여했습니다. 전 세계 여러 도시에 작업을 배치하는 것에서 자신의 스튜디오를 인수하는 것까지 이 예술적 협업의 진화는 거리 예술 자체의 발전과 유사합니다. 이는 불법적으로 공공 장소를 점유하는 하위 문화에서 세계 최대 규모의 예술 기관. 두 경우 모두 시청자와의 연결이 필수적입니다. FAILE은 관객과 소통하고 예술을 가능한 한 참여적으로 만드는 것에 대한 관심에서 결코 벗어나지 않았습니다. 따라서 두 사람은 자연스럽게 대중에 대한 관심, 보다 구체적으로 말하면 전시적 측면뿐만 아니라 주제적 측면에서도 작품에서 볼 수 있는 도시의 현장에 대한 관심을 멈추지 않았다. FAILE의 작품을 보면 그래피티와의 전쟁이 한창이던 1980년대 전후 미국의 거리에 등장한 것과 유사한 생생한 색채와 고도로 양식화된 글자가 눈에 띈다. 많은 작가들이 눈에 띄기 위해 자신의 작품을 더욱 발전시킵니다.

FAILE의 작품을 보면 알 수 있는 영향은 현대의 그래피티만이 아니다. 포스트 모더니즘 측면에서 FAILE은 무작위성을 수용하고 장난으로 "낮은 예술"을 자신있게 축하하는 반면 Andy Warhol 및 Richard Hamilton과 같은 팝 아트 아이콘에서 세기 중반의 데콜라주스트 Mimmo Rotella 및 Jacques Villeglé에 이르기까지 경의를 표합니다. 다시 말해, 문화 요소의 이러한 문체적이고 주제별 재활용은 상업주의, 종교, 고급 예술과 저급 예술의 구분과 같은 광범위한 주제를 강조하려고 하는 동시에 그것들을 현대적으로 재맥락화합니다. 예술 등. 차용은 두 사람의 예술에서 향수를 불러일으키는 중요한 차원으로, 이것이 건축이든, 종교든, 만화책이든 간에, 의도적으로 흐릿한 저급 예술과 고급 예술의 경계를 흐릿하게 남겨둔 채 우리의 문화사를 강조하려고 합니다. 본질적으로 차용은 원래의 면모를 탈피하는 방식으로 나아가는 두 작가의 출발점이다.
그런 문화적 요소. 이러한 재맥락화는 오늘날의 사회적 가치, 소비문화, 예술 자체의 의미에 대한 비판과 같은 일련의 새로운 용어에 의해 확립된다.
그룹이 통합 관리하는 현대 미술의 또 다른 차원은 두 가지 개념 또는 어떤 것의 두 측면 사이에 대조를 만드는 이중성 개념입니다. 두 작가는 작품을 통해 사랑과 증오, 승리와 재앙, 포만과 욕망의 전형적인 이분법을 탐구하도록 관객을 부른다.

동시에 거리 예술의 스펙트럼에서 FAILE을 보는 것과 관련하여 두 사람의 작업은 무엇보다 참여를 목표로합니다. 작품이 촉발하는 사회적 상호작용을 진정성 있는 콘텐츠로 받아들이는 21세기 미술의 진정한 자식으로서, 이 NY에 기반을 둔 이 그룹은 작품에 대한 관객의 참여에 관심을 갖고 있다. 이 두 아티스트에게 물리적 제품은 사회적 효과만큼이나 중요합니다. 결과적으로 McNeil과 Miller의 작업은 관객의 창의적 탐구가 일어나도록 장려되는 활동의 장을 마련합니다. 작가 자신의 말을 빌리자면, 작품은 “그들만을 위해 존재한다는 느낌을 준다. 그들이 정말로 그들에게 말할 수 있는 일상 생활의 혼란 속에서 이 위대한 작은 보석을 우연히 발견했다는 것입니다. 우리는 관객이 이야기 속에서 자신을 찾을 수 있도록 문을 열어두는 특정 모호성을 구축하려고 노력합니다.”
FAILE 예술의 이러한 관계적 성격은 2000년대 중반까지 그들의 지속적인 여행과 영구적인 스튜디오의 부족에 상응하고 증폭됩니다. 이로 인해 두 사람은 도시의 거리를 포용하고 활용하게 되었고, 공공 예술은 전시 장소에 필연적으로 적응하기 때문에 자연스럽게 제작된 작업에 '현장 특정적' 특성을 부여했습니다.

FAILE이 만든 세계는 캔버스에서 식료품 가게 간판에 이르기까지 다양한 재료와 수단에서 나타납니다. 두 사람의 작업은 예술 기관과 외부 세계, 그리고 그 결과 엘리트와 일반 대중의 경계선에 존재합니다. 이 그룹은 일반적으로 간접적인 정치적 논평을 하고 거리 예술의 뿌리에 충실하고 반체제적 경향을 채택하는데, 당연히 펑크록과 힙합 비주얼의 영향을 받아 도시 환경을 되찾는 형태를 취합니다. 미학. 그들의 작품이 대중의 영역에 들어오면 관객은 그들과 교류하고 상호 작용할 수 있습니다. FAILE은 관객의 지각 밖에 존재하는 더 높은 의미나 절대적 진실을 믿지 않으며, 결국 의미를 조각하게 됩니다. 창조적인 과정은 하나의 주제에서 다른 주제로 점프하여 모든 것을 상호텍스트적 섬망으로 연결하고, 결국 청중은 그것을 해석하는 책임을 집니다. 이것은 그 자체로 반 엘리트주의의 혁명적 행위이다. 왜냐하면 작품의 의미는 이제 대중의 반응에서 찾을 수 있고 FAILE을 장소 특이성과 관계 미학의 스펙트럼에 배치하기 때문이다.