Del Metro a la Galería- Historia del Arte Grafiti Moderno

A lo largo de los años, los artistas callejeros han logrado establecerse como creadores respetados y algunos de ellos incluso han ganado fama internacional, transformando el graffiti de un arte marginal, con el objetivo a veces de marcar el territorio de las pandillas callejeras, en un gran negocio. ¿Cómo se hizo posible este cambio? ¿El grafiti de hoy está libre de la estigmatización del vandalismo? Ya sea que vea el graffiti como una forma de arte expresiva y animada o como una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es cierta; en los últimos años ha captado la atención de la población en general a las galerías más grandes del mundo. El grafiti es, sin duda, algo nuevo desde que los humanos comenzaron a dibujar en las superficies hace miles de años. No obstante, el grafiti en la forma más conocida en nuestros días, surgió a través de procesos establecidos posiblemente en Filadelfia alrededor de los años 60 llegando a Nueva York a fines de la década. La década de 1970 fue una década de mucho acné para el arte del graffiti y fue entonces cuando se popularizó y comenzó a ocupar una parte importante del espacio público, haciéndose notar entre la población en general, que veía entonces las ventanas del metro y el público. paredes cubiertas de etiquetas y pinturas de mayor escala.

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En cualquier caso, a lo largo de los años, los artistas callejeros han logrado establecerse como creadores respetados y algunos de ellos incluso han ganado fama internacional, transformando el graffiti de un arte marginal, con el objetivo a veces de marcar el territorio de las pandillas callejeras, en un gran negocio. ¿Cómo se hizo posible este cambio? ¿El grafiti de hoy está libre de la estigmatización del vandalismo? Estas son algunas preguntas, sobre las que intentaremos arrojar luz, mientras tratamos de explorar la historia del graffiti moderno y el lugar que ocupa en la cultura actual. "Graffiti" etimológicamente está relacionado con el verbo griego "γράφειν", que se traduce como "rayar, dibujar o escribir". Como resultado, el grafiti se puede definir como el acto de escribir, dibujar o pintar sobre las superficies de una estructura en un espacio público, generalmente con el uso de pintura/marcadores en aerosol. El ejemplo más antiguo conocido de pinturas de graffiti se puede encontrar en la cueva francesa de Lascaux que data de hace 17.000 años. Pasando a la historia moderna, durante la Segunda Guerra Mundial, "Kilroy estuvo aquí", era una frase típica y estandarizada que usaban los soldados para establecer una conexión no escrita entre ellos, lo que les permitía dejar su huella en tantas paredes diferentes como fuera posible. Esta mentalidad estaba estrechamente relacionada con el graffiti moderno, que estaba muy motivado por el deseo del artista de afirmar su existencia. Taki 183, uno de los primeros taggers de Nueva York, había declarado que: “Me gustaba la sensación de poner mi nombre en alto, y me gustaba la idea de salirme con la mía. Una vez que empecé, no pude parar”. Los años 60 son la década del nacimiento del graffiti moderno. Estados Unidos es sin duda la región general en la que surgieron los primeros graffitis. Según algunas fuentes, fue en Filadelfia donde empezó todo; sin embargo, otros señalan Nueva York y sus barrios negros y latinos, donde florecía la música hip-hop en ese momento. También es importante notar que fue durante ese período que se inventó la lata de aerosol, lo que proporcionó a los primeros artistas callejeros un medio conveniente y relativamente barato. En la historia temprana del graffiti, el término "artista" no se usaba comúnmente para describir a las personas involucradas en esta subcultura callejera. Por el contrario, en su mayoría se los denominaba “escritores” o “etiquetadores”. En este punto, la esencia del graffiti era crear etiquetas o firmas simples e intentar copiarlas en tantos lugares como fuera posible, para que todos pudieran verlas. Algunos de los etiquetadores más famosos de esa época son Julio 204 y Taki 183 originarios de Nueva York y Corn Bread de Filadelfia, quienes reclaman la “primera etiqueta”, aunque es difícil identificarlo con certeza. Pronto, estos primeros creadores se dieron cuenta de algo enorme: ¿Qué pasaría si comenzaran a usar vagones de metro y trenes como superficies para sus etiquetas? De esta forma, sus mensajes viajarían grandes distancias y, como resultado, llegarían a un mayor número de espectadores.

Naturalmente, no pasó mucho tiempo antes de que las paredes del metro terminaran cubiertas de etiquetas. Este nuevo elemento de movimiento añadió otra dimensión al arte del graffiti. En muchos casos, los etiquetadores estaban motivados por la mentalidad de que su arte sería apreciado, ya no de forma estática, sino en movimiento. El sociólogo estadounidense Richard Lachmann menciona lo siguiente: “Muchos de los mejores grafitis estaban destinados a ser apreciados en movimiento, mientras pasaban por estaciones oscuras y lúgubres o en vías elevadas. Las fotos y los lienzos de graffiti no pueden transmitir la energía y el aura de las obras de arte gigantes en movimiento”. Desde entonces, los grafiteros nunca perdieron el interés por dejar sus huellas en los vehículos en movimiento y la imagen de los subterráneos a nivel mundial se transformó para siempre. A partir de ese momento y más allá, las etiquetas pasaron por un largo proceso de variaciones. Dado que la cultura del graffiti ganaba cada vez más popularidad en los EE. UU. y Europa, los taggers tenían que ser cada vez más originales para destacar. Las firmas se hicieron más grandes, más estilizadas y más coloridas. Además, se introdujeron nuevos estilos caligráficos, mientras que los artistas comenzaron a experimentar con boquillas de latas de artículos domésticos que tenían a su alcance, como limpiadores de hornos, etc. Como resultado, esto aumentó la libertad creativa de los etiquetadores que comenzaron a probar nuevos aerosoles. Efectos y anchos de línea. Para estos primeros grafiteros, la mayoría de los cuales eran pobres y hasta cierto punto socialmente marginados, con opciones de vida limitadas, el tagging era una solicitud de reconocimiento y respeto. En su libro, Graffiti Lives: Beyond the Tag in New York's Urban Underground , Gregory Snyder afirma que todo se trataba de “fama y respeto por sus obras”. Hacia mediados de la década de 1970 y más aún durante la década de 1980, el grafiti se convirtió en blanco de duras críticas y se encontró en medio de una “guerra” con las autoridades oficiales. No había otro lugar en la tierra, que Nueva York, donde se utilizó una cantidad tan grande de dinero y recursos para esta peculiar guerra. El graffiti era un objetivo político real de esa época y, como comentó Martha Cooper sobre Edward Coch, exalcalde de Nueva York: “Para Koch, el graffiti era evidencia de una falta de orden autoritario; así, la presencia de grafitis tuvo un efecto psicológico que convirtió en víctima a todos los ciudadanos a través de una alteración del orden visual, fomentando así un sentimiento de confusión y miedo entre las personas”. Para políticos como Edward Koch y John Lindsay, se trataba de recuperar su autoridad. Limpiar la ciudad de grafitis muchas veces se traducía en seguir y registrar a los jóvenes después de la escuela, vigilar sus casas e interrogar a informantes para recopilar información sobre posibles escritores.

Incluso, se brindó apoyo financiero adicional a la Autoridad Metropolitana de Tránsito (MTA), que en 1984 lanzó el “Programa Auto Limpio”, que, años después, se recuerda como su proyecto más acérrimo con la esperanza de erradicar el grafiti. Sin embargo, como señaló el periodista Jeff Chang, los intentos de la MTA “solo intensificaron aún más el proceso de cambio de estilo, porque había muchos más objetivos potenciales y todos son lienzos en blanco”. Naturalmente, los escritores individuales y los equipos se defendieron y vieron estas restricciones como un desafío que tenían que superar, volviéndose cada vez más territoriales con sus objetivos. Como era de esperar, el graffiti fue todo menos eliminado de las calles de Nueva York. Hoy en día, continúa prosperando y ganando cada vez más aceptación, ya que la gente y los críticos comienzan a ver el valor artístico que tiene. Como forma de arte, sigue evolucionando y, según el país y la cultura, incorpora diferentes elementos, por ejemplo, el arte inspirado en el manga en las calles de Japón. En nuestros días, el graffiti se ha desarrollado de tal manera que ha llevado a su comercialización, quizás parcial, y, debido a la creciente preocupación por la crisis ambiental, cada vez más personas comienzan a discutir los efectos negativos que la pintura en aerosol, como medio, tiene en la atmósfera.

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Serigrafía acrílica de Marilyn Monroe 01 HPM de Bobby Hill

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Lo que un escritor de graffiti ve una impresión de archivo de LushSux

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Pintura de pintura en aerosol acrílica original con agujeros de bala por RD-357 Real Deal

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Independientemente de su controvertida historia, cada vez se considera menos como una forma de vandalismo. Por supuesto, en algunos casos, los grafitis terminan siendo limpiados y retirados en el acto de espacios públicos o privados. Por otro lado, algunas regiones se enfocan en el aspecto artístico del mismo y se encargan de proteger y mantener piezas públicas específicas. La controversia en torno al graffiti tiene esta pregunta principal en su centro: ¿Qué constituye el arte? Cualquiera que sea la respuesta a esta pregunta, es un hecho que en estos momentos el graffiti se ha ganado un lugar en la escena de la cultura pop y el arte contemporáneo, existiendo tanto en las calles como al mismo tiempo en los pasillos de algunos de los más grandes del mundo. museos Esta transición exacta de las calles a los museos hace pensar qué diferencia trajo este cambio a la esencia del graffiti. Caleb Neelon, grafitero y educador, hace algunas observaciones interesantes sobre este tema: “Los artistas que dominan el oficio de pintar en la calle pueden crear trabajos quizás aún mejores en entornos de estudio, donde tienen más tiempo, recursos y no tienen que preocuparse por el clima (o la policía). Lo que podrían perder es el volumen de personas que ven su trabajo a diario”. En realidad, el grafiti como tal no se ve comúnmente dentro de galerías y museos, al menos en comparación con otras formas de arte. No obstante, se ha introducido e incorporado una cierta estética en las obras de muchos artistas. Un ejemplo notable es el trabajo de Jean Dubuffet, pintor y escultor francés, quien adoptó etiquetas y motivos gráficos en su arte. Esto demuestra que la influencia del graffiti en la cultura moderna y contemporánea va más allá de las obras de graffiti en sí, ya que estas piezas han terminado inspirando a artistas de otros géneros también. Sin embargo, la pregunta clave sigue siendo: "¿El comercialismo está acabando lentamente con el arte callejero?". Algunos ven la gran popularidad y la entrada del graffiti en la escena del gran arte como algo intrínsecamente positivo, ya que permite a los artistas promover su arte a una audiencia más amplia, asegurándose así reconocimiento y ganancias económicas. Por otro lado, la capitalización del grafiti lleva a la preocupación de que el arte callejero corra el riesgo de perder su carácter y originalidad en aras de acuerdos de marca y contratos lucrativos. En otras palabras, ¿puede el espíritu anárquico del graffiti mantenerse vivo en el asfixiante espacio altamente pulido y comercializado de una galería? ¿Puede la retórica anticapitalista del street art estar alguna vez en correspondencia con sacar provecho de ello? Hoy en día, grandes marcas como Coca Cola, Nike, Zippo y otras se han asociado con famosos artistas callejeros, quienes crearon piezas inspiradas en ellos.

Un ejemplo muy conocido es el caso de Fauxreel, artista callejero, que llenó las calles de Toronto y otras ciudades de Canadá con obras de arte inspiradas en Vespa. Los dos partidos se unieron y prepararon esta campaña, que levantó una ola de reacciones contra Fauxreel acusándolo de “venderse”. El propio artista afirmó que: “Me acerqué al proyecto Vespa Squarehead con el objetivo de plantear preguntas sobre el papel de la publicidad en el espacio público, examinando la zona gris entre el arte callejero, el grafiti y la publicidad e intentando establecer conexiones entre los productos y las identidades de las personas. Si puedo completar una serie de trabajos que planteen y examinen este tipo de preguntas y me permitan ganar algo de dinero al mismo tiempo, en mi opinión no hay nada de malo en ello”. Como resultado, el problema no se limita a una crítica basada en la comercialidad dominante. La controversia en torno a la asociación de Fauxreel y Vespa también plantea interrogantes sobre los límites del arte callejero y la publicidad callejera. La pregunta, en este caso, es si un artista debería o no poder obtener ganancias del espacio público. En caso afirmativo, ¿qué diferencia a los artistas callejeros de las grandes marcas que también explotan el espacio público en su beneficio? Otro ejemplo es la cooperación de Ben Eine con Luis Vitton, que resultó en una bufanda de 465 libras esterlinas, que arroja luz sobre las formas en que el arte callejero se comunica con el capitalismo y la élite. Por otro lado, ¿qué tan fiel a sus raíces recalcitrantes originales puede permanecer el arte callejero cuando termina produciendo obras de arte a tal precio? El graffiti ha surgido de la subcultura y se ha convertido en uno de los embajadores de las marcas más importantes del mundo. Además de los contratos de colaboración, el arte callejero actual también enfrenta críticas debido a que muchos artistas participan en grandes exposiciones a nivel internacional. Como se mencionó anteriormente, esto asegura una cobertura pública masiva y ganancias significativas para los creadores. En muchos sentidos, el arte callejero se ha vuelto a presentar al público, sin cortar los lazos con sus raíces subculturales en los años sesenta y setenta. En nuestros días, el graffiti se celebra como una forma de arte y las personas pertenecientes a esta cultura generalmente no se consideran marginadas. Muchos países han despenalizado parcialmente el arte callejero y algunas de las marcas internacionales más grandes del mundo están dispuestas a pagar cantidades significativas a cambio de asociaciones con artistas populares. Incluso los museos y las galerías de arte están dando la bienvenida al arte callejero en sus colecciones.

Bansky, quizás el artista callejero más famoso del momento, ha expuesto su obra junto a Pollock, Van Gogh, Caravaggio y Picasso. En estas condiciones y, además, teniendo en cuenta el paso de muchas décadas, es racional esperar que el street art pase por una serie de procesos que lo van a transformar. Después de todo, se supone que el arte y especialmente el street art es libre, fluido y arbitrario. Esto significa que los artistas tienen derecho a la libertad de elegir sus asociaciones y si sus obras terminarán o no en exposiciones. En lo que la mayoría de los escritores están de acuerdo es que el dinero es importante. Como comenta Eine: “Solo queríamos pintar cosas y reírnos. La gente empezó a querer comprar nuestras cosas y nos convertimos en artistas. Ya no somos jodidos niños que corretean etiquetando cosas. Ahora es mi trabajo real. Estoy ganando dinero con esto ahora. es un trabajo Tengo 2 ex esposas y un montón de hijos, así que no veo nada del dinero, pero es mi vida. Si no tuviera compromisos, las ex esposas, los niños, volvería a hacerlo ilegalmente. Pero tengo que ganar dinero”. Dave Stuart, artista callejero, hace la siguiente observación: “Si quitas el dinero, se convierte en un proyecto de arte. Si vuelves a agregar el dinero, ¿se convierte en otra cosa?”. Al final, ¿por qué esto realmente importa? Recientemente, Girl with Ballon de Bansky fue subastada en Sotheby's por £1,043,000. Este es el precio más alto por el que se ha logrado vender cualquiera de sus piezas. La historia de esta obra de arte terminaría aquí si Bansky no hubiera instalado un mecanismo oculto dentro del marco de la pieza, que la destruyó en el momento exacto de su compra. Girl with Ballon comenzó a destrozarse, dejando a la audiencia preguntándose sobre el significado de este acto. El arte autodestructivo no es nada nuevo. Entonces, ¿cuál fue el mensaje de Bansky? Algunos dijeron que esto era una declaración en contra de la comercialización del arte, una declaración de que no se puede comprar porque se supone que es gratis y accesible para todos. En cualquier caso, este es un ejemplo interesante de cómo el arte callejero todavía puede ser político y crítico con el sistema capitalista actual. En realidad, la ironía de Girl with a Ballon es que costó menos de £20 crearla, se vendió por alrededor de £1.000.000 e incluso después de su trituración, su precio presentó un aumento del 20%. Más importante aún, una obra de arte subastada en Sothebys, uno de los mercados de arte más grandes del mundo, y aún así, logró hacer un punto y comenzar conversaciones sobre el capitalismo, la pretensión artística y la cultura de consumo.

Hoy el graffiti está pasando por un proceso de extrema institucionalización y comercialización y el término “escritor” utilizado anteriormente tiende a ser reemplazado por el término “artista callejero”. Sin embargo, más allá de estas diferencias, uno de los elementos que ha permanecido intacto desde la década de 1960 es la motivación de los artistas por llegar a la mayor cantidad de personas posible, ya sea en la calle o a través de exposiciones en museos. En esta vertiente, el street art prospera con más fuerza que nunca y se ha ganado el respeto de público y crítica, que ya no lo tratan como arte marginal. Al mismo tiempo, los propios artistas han ganado reconocimiento y su arte vale millones de dólares. En otras palabras, si uno se enfoca en la comercialización del arte callejero como prueba de degeneración y decadencia o como una forma de arte revolucionaria que todavía está progresando y difundiendo la emancipación social y el activismo está en debate. Cualquiera que sea la opinión que uno tenga, al final, el graffiti es una parte viva de nuestra cultura y sigue estando presente no solo en el arte que consumimos, sino también en los anuncios que vemos, la ropa que usamos y, aún, las calles que caminar.

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