Pintura Obra de arte original

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Salvage Can 3 Pintura original sobre lata de pintura en aerosol Escultura de técnica mixta Obra de arte del legendario artista callejero y grafitero Eddie Colla. Obra original firmada de 2018, pintada con aerosol, técnica mixta acrílica sobre lata de pintura en aerosol. Tamaño: 3 x 8 pulgadas. «Realicé esta serie de latas en China en 2018. Estaba esperando materiales para empezar a trabajar en piezas más grandes. En la residencia artística donde me encontraba, tenían todas las latas de aerosol vacías. Comencé a crear estas pequeñas piezas con las latas usadas. No fue algo planeado; simplemente tuve mucho tiempo libre inesperado mientras esperaba que llegaran mis materiales, así que trabajé con lo que tenía a mano. Cada lata está firmada y fechada en la base.» - Eddie Colla. La filosofía creativa de Eddie Colla «Salvage Can 3», de Eddie Colla, es una impactante escultura de técnica mixta que ejemplifica la naturaleza innovadora del arte pop urbano y el grafiti. Creada en 2018 como parte de una serie realizada durante una residencia artística en China, esta obra representa una fusión única de espontaneidad e intencionalidad que define el enfoque artístico de Colla. Utilizando latas de pintura en aerosol desechadas como lienzo, Colla transformó estos objetos en obras de arte que invitan a la reflexión, cada una firmada y fechada, plasmando su estilo característico y su comentario sobre temas contemporáneos. En la serie «Salvage Can», Eddie Colla aprovechó el inesperado paréntesis en su proceso creativo para producir una serie que refleja un principio fundamental del arte urbano: la capacidad de crear con cualquier material. «Salvage Can 3» manifiesta el ingenio y la agilidad artística de Colla. Esta serie refleja la esencia del carácter improvisado del arte callejero, en la que Colla reutiliza los botes de aerosol usados ​​de su residencia para crear piezas que dan testimonio del poder transformador del arte. Expresión artística en "Salvage Can 3" El lenguaje visual de «Salvage Can 3» transmite una narrativa conmovedora. La figura representada en la lata, parcialmente oculta por lo que parece ser una máscara, invita a reflexionar sobre temas como la identidad, el ocultamiento y la condición humana en el mundo moderno. El uso de pintura en aerosol y acrílico, técnicas tradicionales del grafiti, sobre un soporte poco convencional, pone de relieve la destreza de Colla en el uso de técnicas mixtas y su capacidad para expandir los límites del arte pop urbano. Impacto cultural del trabajo de Eddie Colla Eddie Colla no es solo un artista callejero, sino un comentarista cultural cuya obra resuena en un público global. «Salvage Can 3», al igual que el resto de la serie, es más que un objeto de interés visual; es un comentario sobre la época y una expresión de individualidad en medio de narrativas colectivas. La obra de Colla es reconocida por su compromiso crítico con temas sociopolíticos, y esta pieza no es la excepción. Es un artefacto cultural que invita a la reflexión y al cuestionamiento, encarnando el espíritu rebelde que suele caracterizar el arte del grafiti. Importancia en el mercado del arte El carácter coleccionable de "Salvage Can 3" reside en su singular historia de origen y en la reputación de Eddie Colla como leyenda del grafiti. Cada pieza es única, marcada por la mano y la firma de Colla, y narra la historia de su creación, convirtiéndola en un objeto codiciado por los coleccionistas de arte urbano. Estas obras ocupan un lugar especial en el mercado del arte, tendiendo un puente entre los murales callejeros efímeros y las piezas de arte coleccionables perdurables. "Salvage Can 3" no es solo una escultura de técnica mixta; es parte de la narrativa continua del arte pop urbano y su evolución en la escena artística contemporánea. "Salvage Can 3" refleja profundamente la habilidad de Eddie Colla para capturar la esencia del arte pop urbano y el grafiti en un solo objeto. Mediante su innovador uso de materiales y su conmovedora narrativa visual, Colla continúa influyendo y definiendo el género del arte urbano. Esta obra se erige como un recordatorio del poder del arte para adaptarse y prosperar, incluso en lugares y formas inesperadas, resonando con un público universal y consolidando la posición de Colla como una figura clave en el mundo del arte.

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Agujeros de bala Original Único en su clase Técnica mixta Pintura acrílica en aerosol sobre lienzo estirado por el popular artista de graffiti callejero RD-357. «Agujeros de bala» de RD-357 - Esta pintura original de graffiti sobre lienzo, realizada con técnica mixta de pintura en aerosol, presenta la firma RD con agujeros de bala y hormigón de fondo. Impresionante y rara obra original sobre lienzo del prolífico artista callejero Real Deal RD357.

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Mapa del metro de la MTA - Verde lima y morado. Obra de arte original única en técnica mixta con pintura acrílica en aerosol sobre papel reciclado del mapa del metro de Nueva York, realizada por un popular artista de graffiti callejero. Mapa del metro de Nueva York pintado a mano, original y único, en tonos verde lima y morado. Medidas: 22 x 33 pulgadas. El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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¿Qué drones? Edición limitada con detalles pintados a mano en aerosol, acrílico, plantilla y técnica mixta sobre panel de madera entelado por Denial Graffiti Street Artist, arte pop moderno. 2015 Edición limitada, firmada y numerada, de la plantilla HPM 5. Tamaño de la obra: 48 x 30 cm. El artista canadiense Denial y el australiano Ben Frost han unido fuerzas en una audaz exposición de obra nueva que explora los límites de la apropiación, confrontando las reinterpretaciones de nuestra actual sociedad distópica. Autodenominados «ladrones visuales», ambos artistas cuentan con una larga trayectoria robando y subvirtiendo los iconos culturales que el mundo publicitario y consumista nos ha impuesto, para crear interpretaciones nuevas y pertinentes, tan provocadoras como humorísticas. Denial y Frost forjaron una amistad instantánea tras conocerse en Canadá en 2011 y desde entonces han creado obras impactantes tanto para la calle como para galerías. «Company of Thieves» lleva su colaboración un paso más allá, con obras de gran y pequeño formato que hacen referencia al Pop Art, el grafiti y el mundo corporativo contra el que se rebelan. El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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"Hacia el bosque", obra de arte original y única en pintura acrílica sobre lienzo tensado con bastidor, del popular artista de graffiti callejero Mandy Tsung. Acrílico original sobre lienzo de Mandy Tsung, 2013, 12 x 9 pulgadas

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Bronx se encuentra con Queens. Conjunto de 2 obras de arte originales y únicas de técnica mixta, realizadas con pintura en aerosol, aerógrafo y acrílico sobre un recorte de zapato de madera por el artista de graffiti L'mour Supreme. 2022. Un par (dos zuecos de madera en total) de zuecos de madera Skewville personalizados por el artista L'Amour Supreme. Cada zueco mide 28 x 14 x 1,3 cm. Serigrafía de madera "Lanzamiento de Zuecos" del set Bronx Meets Queens por Skewville.

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Libro negro de dibujo de graffiti Tg Throw Up Práctica Diario personal por TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Delk x Comet x Kaws Pop callejero moderno Etiqueta, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte de pensamiento. Cuaderno de bocetos de grafiti de varios artistas, c. 1994. Firmado y con firmas originales de artistas, incluyendo a Kaws, ZiNk, Psycho Seen TC5 y Totem del colectivo TC5. Incluye dibujos a color, numerosos tags y dibujos con rotulador, anotaciones personales, números de teléfono antiguos, lugares de reunión, ideas e información privada sobre el colectivo. 50 páginas y la portada repletas de dibujos (también incluye muchas páginas en blanco). Además, incluye a IBM, Squad One, Pilot y MPV. Black Book Graffiti Journal de TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Kaws Este cuaderno de bocetos de 1994 captura un momento extraordinario en la historia del grafiti, representando una convergencia de estilo, rebeldía y experimentación creativa por parte de algunos de los miembros más influyentes del colectivo TC5. El libro de tapa dura de 21,5 x 28 cm no es simplemente un cuaderno de bocetos, sino un archivo profundamente personal de la energía cruda de la calle. El cuaderno incluye vibrantes dibujos a rotulador, superposición de pegatinas, ilustraciones detalladas de personajes, rellenos, ejercicios de throw-up, notas personales y firmas de miembros clave como Totem, Psycho, ZiNk, Delk, Comet, Seen y Kaws. El libro también incluye alias y colectivos paralelos como IBM, MPV y Squad One, ofreciendo una visión compleja de los subgrupos de grafiti interconectados que operaban en la ciudad de Nueva York durante la época dorada de la cultura del cuaderno negro. Evolución de las etiquetas y arte pop callejero y grafiti Las entradas de este diario reflejan la fusión de la estética tradicional del graffiti estilo libre con la sensibilidad gráfica que influiría en el Street Pop Art. Cada página revela una combinación de práctica y performance: contornos de firmas perfeccionados, rellenos psicodélicos, recortes de flyers en collage y bocetos de personajes llenos de humor y actitud. Artistas como ZiNk y Psycho demostraron su destreza técnica en letras tridimensionales, superponiéndolas simultáneamente con personajes lúdicos y fondos surrealistas. La firma inicial de Kaws, que se encuentra aquí bajo las siglas FC y TC5, muestra la incipiente influencia de su iconografía fusión de dibujos animados, que más tarde se convertiría en su sello distintivo tanto en las bellas artes como en las plataformas comerciales. Legado del formato del Libro Negro Los cuadernos negros fueron el corazón de la cultura del grafiti mucho antes de los archivos digitales. Eran galerías itinerantes, espacios de práctica y plataformas de comunicación íntima entre grafiteros. La inclusión en este cuaderno de firmas personales, ubicaciones secretas, números de teléfono y reflexiones emocionales revela que el grafiti era más que una expresión exterior: era una vida interior. El estilo agresivo de Totem, la iconografía urbana estilizada de Delk y los fragmentos clásicos de wildstyle de Comet reflejan años de experimentación en las vías del tren plasmados en papel. MPV e IBM aparecen con frecuencia garabateados en las superficies y bordes de las pegatinas, y aunque el significado específico de IBM en este contexto aún es ambiguo, aparece constantemente junto a firmas reconocidas y conlleva el peso del respeto del colectivo. Peso cultural y significado para los coleccionistas Este cuaderno no solo documenta la época dorada del grafiti en TC5, sino que también refleja un cambio cultural hacia el arte pop callejero y el grafiti estilizados. La profusión de elementos —letras dibujadas a mano, collages de flyers de música, referencias a marcas pop como Richie Rich y Nervous Records, y pegatinas personalizadas— convierte a este cuaderno negro en un objeto cultural multidisciplinario. En el mercado del arte actual, estos cuadernos son venerados por su honestidad, crudeza y la visión que ofrecen de la vida privada de los artistas de grafiti más conocidos. Las firmas manuscritas de Kaws, Psycho, ZiNk y Totem, en particular, hacen de este cuaderno un testimonio digno de museo de la transformación del grafiti, desde los trenes hasta las galerías de arte.

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Cabeza de tiburón - Múltiples pintadas a mano y serigrafiadas en rojo fluorescente sobre panel de madera cortado con láser, listas para colgar, por Shark Toof, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2016​ Firmado Edición limitada numerada HPM Emblesed de 4 piezas. Obra de arte sobre madera, tamaño 10x16. “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el grafiti, donde realmente desarrollé mi propia voz. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarse demasiado en serio, en una especie de vandalismo contra tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. “Me gusta Detroit porque es una ciudad muy independiente y yo soy un artista muy independiente, así que me siento como pez en el agua”.

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Paisaje sangriento. Pintura original de técnica mixta con sangre de Richard Hambleton. Obra de arte única en papel de bellas artes del artista pop de arte callejero. Pintura original de Sangre Humana firmada, 1995. Tamaño 16x12 (enmarcada 23,5x19,5). En buen estado, como se muestra, con un ligero pliegue por manipulación en la parte superior izquierda. La esencia provocativa del arte de Richard Hambleton Richard Hambleton, artista canadiense fallecido en 2017, se erige como una figura enigmática del arte pop urbano. Su pintura «Paisaje de sangre», una obra original de técnica mixta con sangre, ejemplifica el impacto visceral y la cruda intimidad que caracterizan su arte. Terminada en 1995, la obra muestra el uso poco convencional que Hambleton hacía de la sangre humana, añadiendo una capa de fuerza vital, tanto personal como literal, al lienzo. Esta pieza, de 40,6 x 30,5 cm (16 x 12 pulgadas) y enmarcada a 59,7 x 49,5 cm (23,5 x 19,5 pulgadas), representa una audaz declaración en el espacio donde las bellas artes se encuentran con el arte urbano, tal como sucedió para Hambleton a lo largo de su innovadora trayectoria. Richard Hambleton: Un pionero del arte pop callejero Las contribuciones de Hambleton al arte pop callejero se centraron tanto en el medio como en el mensaje. Su decisión de usar la sangre como medio no buscaba simplemente impactar; conectó la condición humana con el paisaje urbano de una manera profundamente íntima. «Paisaje de sangre» encierra no solo la esencia física del artista, sino también la resonancia emocional y psicológica de sus experiencias vitales. Con esta obra, Hambleton continuó su exploración de la mortalidad y la vulnerabilidad, temas recurrentes en su arte callejero, especialmente en su renombrada serie «El hombre sombra», que inquietó las calles de Nueva York en la década de 1980. El estado de «Paisaje de sangre», que se describe como bueno salvo por una leve marca de manipulación en la esquina superior izquierda, refleja las imperfecciones inherentes al arte callejero. En este mundo, lo prístino se valora menos que lo expresivo. Es un testimonio silencioso del paso del tiempo y de la naturaleza perdurable de la visión de Hambleton. La procedencia de la pieza se remonta a la colección de Robert Murphy, lo que garantiza su linaje dentro del ámbito del arte contemporáneo de prestigio. Autenticidad y legado en la obra de Hambleton La autenticidad de la obra está validada por un Certificado de Autenticidad (COA) manuscrito de Robert Murphy y otro de Dirtypilot. Este gesto subraya la importancia de la procedencia en el arte, especialmente en obras tan poco convencionales como «Bloodscape». El reconocimiento por parte del mundo del arte de métodos y medios tan heterodoxos refleja una comprensión más profunda de lo que constituyen los materiales artísticos y de la evolución del arte pop y el arte urbano. Como gran parte de la obra de Hambleton, «Bloodscape» no se limita a la apreciación estética; es una herramienta dialógica, una invitación a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la vida y la permanencia del arte. El uso de la sangre, un fluido sinónimo de vida, como medio en esta pintura de técnica mixta invita al espectador a considerar la vitalidad del artista presente en la obra. Cada pincelada y cada salpicadura es una firma genética, una parte del propio Hambleton, congelada en el tiempo. Esta pintura, una obra singular dentro del arte pop urbano y el grafiti, sigue suscitando diálogo, desafiando percepciones y provocando fuertes reacciones emocionales, demostrando el potencial del arte para conmover el espíritu humano. El legado de Richard Hambleton y obras como «Paisaje de sangre» reside en su audaz exploración de territorios inexplorados de la expresión artística y en su capacidad inquebrantable para provocar la reflexión mucho después de la muerte del artista.

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Joker Brand - Verde Rosa Original Única. Obra de arte de técnica mixta con acrílico y pintura en aerosol sobre madera enmarcada, del popular artista de graffiti callejero Ben Frost. 2022 'Joker Brand' - Acrílico y pintura en aerosol sobre tabla - Variante verde/rosa 60 cm x 60 cm (23,5 x 23,5 pulgadas) Firmado, titulado y fechado al dorso

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Compra Post No Bills- Original sin título, pintura en aerosol única en su tipo y pintura de plantilla, obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de cultura pop Street Art Seen UA. 2018 Cuadro Original Firmado Tamaño 18x24 Craquelado por todas partes. Lienzo sin forro.

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Turk Street AP 01 Pintura original en aerosol sobre papel Coventry Rag Fine Art por Apexer Graffiti Street Artist Arte Pop Moderno. Cuando pinto en la calle, me gusta divertirme. Siempre estoy probando nuevas ideas que luego se transforman en más. En esta pintura, quise usar dos estilos de relleno radicalmente diferentes. Así que la mitad superior tiene mi estilo clásico y en la inferior, juego con la idea de diferentes efectos cromados. Fue muy divertido pintar esta obra en el corazón de San Francisco. Forma parte de mi vocabulario artístico. Esta pieza en particular se llama "Apex" y la pinté con un estilo muy "superburner", pero sobre todo quería explorar nuevas posibilidades de color y estilo. - Apexer

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Fusión Psicodélica- 03 Original Pintado a mano con múltiples técnicas de pintura en aerosol, tinta y técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser, listo para colgar por Tavar Zawacki (Arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. La serie Psicodélica se creó en conjunto con mi reciente exposición individual, Remix. Todas las obras de la serie se diseñaron con énfasis en un marcado contraste visual. Es similar al arte óptico (Op-art), que produce un efecto alucinante. Altera la percepción como si se estuviera bajo los efectos de drogas psicodélicas. Algunos de los diseños psicodélicos que realicé se exhibieron en Remix, y otros los creé específicamente para esta serie. Este diseño en particular, «Sunset Strip», lo desarrollé con mayor complejidad para mi exposición individual Remix. La exposición Remix consistía en intercambiar y combinar diferentes patrones de corte del mismo diseño, en distintos colores, para lograr la pieza final. La serie Psicodélica logra un efecto similar, pero con un estilo más básico: se bloquean los colores y se deja que el espacio negativo se revele.

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Pintura original encuadernada, realizada con aerosol, acuarela y técnica mixta sobre papel artístico por Aelhra, artista de graffiti callejero y arte pop moderno. 201 3 Obra de arte original firmada, técnica mixta, pintura en aerosol y acuarela. Tamaño: 15 x 22

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Muse #668 Obra de arte original única en acuarela sobre papel de acuarela de bellas artes del popular artista de graffiti callejero Conrad Roset. Acuarela original y única firmada, 2014. Tamaño: 12 x 15,7 pulgadas.

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Wild Style Super Jumbo 9252 Pintura en aerosol original de Seen UA Obra de arte única en lienzo de un artista pop de arte callejero. 2023. Pintura original con aerosol firmada. Tamaño: 94 x 34 cm. Arte callejero de graffiti. «Wild Style Super Jumbo 9252», una obra original de Seen UA realizada con aerosol, es un testimonio impactante de la influencia perdurable del grafiti en el arte pop urbano. Esta pieza única, creada por una de las figuras más destacadas del mundo del arte callejero, exhibe la energía vibrante y la estética audaz que definen el estilo de Seen UA. Firmada y fechada en 2023, la obra abarca unas impresionantes dimensiones de 94 x 34 pulgadas, sobre lienzo, un medio que tiende un puente entre la calle y la galería. Esta pieza ejemplifica la técnica del grafiti «wild style», caracterizada por letras y formas intrincadas y entrelazadas que parecen danzar con vitalidad sobre el lienzo. La paleta de colores es la quintaesencia de Seen UA, con azules brillantes y naranjas intensos que crean una sensación de movimiento y profundidad casi tangible. Este estilo en particular tiene sus raíces en los inicios del grafiti en el metro de Nueva York, pero Seen UA lo ha evolucionado hasta convertirlo en una forma de arte sofisticada que resuena con la energía del arte pop urbano contemporáneo. La escala y complejidad de la obra reflejan el dominio del artista sobre la pintura en aerosol, un medio notoriamente difícil de controlar. La pericia de Seen UA transforma la volátil pintura en aerosol en una herramienta precisa y expresiva, dando como resultado una obra de arte que es a la vez espontánea y meticulosamente planificada. El resultado es una sinfonía visual de color, forma y estilo, emblemática de la posición de Seen UA como pionero en la escena del grafiti y el arte urbano. «Wild Style Super Jumbo 9252» es más que una obra de arte; es una narrativa del viaje del arte urbano desde los márgenes hasta la corriente principal, manteniendo su rebeldía y autenticidad incluso al exhibirse en los espacios de las bellas artes. Para coleccionistas y entusiastas por igual, esta obra conecta las raíces del arte pop urbano y el grafiti, encarnando el espíritu rebelde y el talento en bruto que ha impulsado el género al reconocimiento mundial.

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Acera Cerrada. Obra original de graffiti en técnica mixta del artista Sonic Bad. Arte pop moderno sobre letrero de metal real. Letrero de calle original de metal y pintura en aerosol, firmado en 2012. Medidas: 24 x 18 pulgadas. Representa a dos beatboys estilizados de los años 70-80, grafitis neoyorquinos y letras burbuja sobre un letrero de "Calle Cerrada". Oda de Sonic Bad a las calles: La serie 'Acera cerrada' La obra «Acera Cerrada» de Sonic Bad, una pieza original creada en 2012, fusiona el espíritu rebelde de la cultura callejera de los años 70 y 80 con un soporte emblemático de la restricción urbana: una auténtica señal de tráfico metálica. Esta obra de técnica mixta, firmada por el artista, es un ejemplo contundente de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden transformar objetos públicos de regulación en lienzos que desafían y reinterpretan su significado original. Recuperando los símbolos urbanos en el arte callejero La elección de Sonic Bad de un lienzo —una señal de tráfico metálica— transforma un símbolo cotidiano de control en una representación de liberación creativa. La obra, de 61 x 46 cm, rebosa de color y vida, contrastando marcadamente con la función mundana de la señal: marcar límites. Al pintarla, Sonic Bad se apropia del objeto como si fuera arte, al igual que los grafiteros se apropian de las paredes para sus firmas y murales. La pieza en sí es un collage dinámico de grafitis neoyorquinos y letras burbuja, estilos profundamente arraigados en la historia del arte urbano. Presenta a dos beat boys estilizados, figuras que evocan la cultura hip-hop que florecía en las calles de Nueva York durante las décadas de los 70 y 80. Estos personajes no solo representan una época específica, sino que también simbolizan la energía y el ritmo de la vida callejera. El lenguaje visual del grafiti y su evolución La obra de Sonic Bad funciona como un léxico visual de la evolución del grafiti, encapsulando la transición desde las pintadas —a menudo una expresión cruda de identidad basada en texto— hasta obras más complejas y estilizadas. La serie «Acera Cerrada» evoca particularmente este cambio, destacando el paso de simples letras a representaciones elaboradas y coloridas que se centran tanto en el arte del trazo como en el mensaje. La pintura en aerosol, un medio sinónimo del grafiti, aporta autenticidad a la pieza; sus goteos y opacidad evocan las texturas del arte callejero que se observa en la calle. El letrero metálico, antes reflectante y directo, se torna opaco y texturizado bajo capas de pintura, una metáfora de cómo el arte callejero puede transformar la naturaleza y la conversación en torno a los espacios y objetos públicos. Sonic Bad y la historia viva del arte callejero «Sidewalk Closed» de Sonic Bad es más que una obra singular; forma parte de la historia viva del arte pop urbano y el grafiti. Refleja una época en la que la cultura callejera comenzó a impregnar todos los aspectos de la vida urbana, desde la música que sonaba en los radiocasetes hasta el arte que adornaba las paredes y aceras de la ciudad. Esta pieza es una celebración de esa era, un homenaje a las raíces del arte callejero y una declaración sobre su influencia perdurable. El artista, al fusionar la nostalgia con la expresión contemporánea, invita a los espectadores a explorar la profundidad y la amplitud del arte callejero. A través de esta obra, Sonic Bad no solo rinde tributo a los pioneros del género, sino que también se sitúa dentro de la tradición de artistas que han utilizado la calle como su galería. Su legado reside en su capacidad para transformar lo ordinario en extraordinario, asegurando que el espíritu de las calles permanezca vibrante y visible.

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Minksy Original, obra de arte única en su género, técnica mixta, pintada a mano con pintura en aerosol de 7 colores y plantilla sobre papel de bellas artes por el popular artista pop Jeff Gillette. Pintura original firmada, 2018. Tamaño: 8,5 x 11 pulgadas. Jeff Gillette (n. 1959) Minsky, 2018. Técnica mixta sobre papel. 27,9 x 21,6 cm (hoja). Firmado y titulado en el borde inferior.

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Detroit Serie 24 Pintura original Pintura en aerosol, pintura acrílica y técnica mixta sobre madera entelada por Cope2 Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2010. Obra original firmada y titulada. Pintura acrílica en aerosol, técnica mixta, sobre panel de madera entelado. Lista para colgar. Arte de graffiti. Letras burbuja. Tamaño: 24 x 16 pulgadas. Siempre quise hacer una exposición como esta. Últimamente me he dedicado principalmente a la pintura con técnicas mixtas, pero llevo más de treinta años haciendo grafiti puro y duro, si se le puede llamar así. Eso es lo que me convirtió en Cope2. Pero me gusta variar y mostrar mis diferentes estilos. Así que, con esta exposición, puedo mostrar mi evolución estilística y cómo he progresado. "Versátil" muestra de dónde vengo y qué hago ahora", dijo Cope2 desde su estudio en Nueva York. Cope2 y la intersección del arte pop callejero y el arte del grafiti La obra "Detroit Series 24 Original Painting" de Cope2 marca un hito significativo en la fusión del arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza de 2010, de 24x16 pulgadas, es una magistral combinación de pintura en aerosol, pintura acrílica y técnica mixta sobre madera enmarcada, firmada y titulada por el propio artista. La obra, lista para colgar, es un testimonio de la trayectoria de Cope2 en el mundo del arte, que encapsula vívidamente sus más de treinta años de experiencia con lo que él denomina "grafiti hardcore". Esta pieza es una audaz declaración de la evolución del artista, que encarna los diversos estilos que Cope2 ha adoptado y dominado a lo largo de los años. Las letras burbuja de la obra resaltan sobre el panel de madera, mostrando la habilidad de Cope2 para combinar la espontaneidad del arte urbano con la permanencia y la textura que proporcionan los medios artísticos como la madera y el acrílico. "Detroit Series 24" no es solo una obra de arte; Se trata de una narrativa, una autobiografía visual que traza la evolución del artista desde las calles de Nueva York hasta los espacios refinados de las galerías. La adaptación de Cope2 a la pintura con técnicas mixtas es una elección consciente que refleja su deseo de crecimiento y exploración dentro de su oficio, a la vez que rinde homenaje a las raíces del grafiti que sentaron las bases de su carrera. Repercusiones de la evolución artística de Cope2 El compromiso de Cope2 con mostrar su evolución estilística es palpable en "Detroit Series 24". La obra es una manifestación física de la versatilidad de la que habla. Esta versatilidad le ha permitido mantenerse como una figura relevante y aclamada en el arte moderno. A través de esta serie, ofrece una historia visual de su desarrollo personal, mostrando la amplitud de sus capacidades artísticas. La serie celebra el cambio, el potencial del grafiti para adaptarse y prosperar en diversos entornos y formatos. En esta pieza, al igual que en otras de la serie, se establece un diálogo entre la crudeza y la energía del arte callejero y la naturaleza reflexiva e intencional del trabajo de estudio. La obra sirve de puente, conectando el grafiti, a menudo subrepresentado, con la narrativa dominante del arte contemporáneo. Es un testimonio de la legitimidad y la profundidad del arte pop callejero y del grafiti, desafiando la idea de que estas formas de expresión son de alguna manera menos válidas que sus contrapartes tradicionales. El legado de la serie Detroit de Cope2 en el arte pop callejero y el grafiti El legado de "Detroit Series 24" trasciende sus logros estéticos. La obra constituye una importante contribución al debate actual sobre el lugar del arte urbano en el contexto más amplio de la historia del arte. La trayectoria de Cope2 refleja la del propio grafiti, desde un acto de rebeldía hasta una forma de arte respetada que ocupa un lugar destacado tanto en galerías como en colecciones privadas. Su obra, en particular en esta serie, encapsula el espíritu de resiliencia que define gran parte del arte urbano y el grafiti, demostrando una adaptabilidad que ha permitido que esta forma de arte florezca. Cope2 no solo ha documentado su evolución a través de su arte, sino que también ha reflejado la evolución del arte pop urbano y el grafiti. "Detroit Series 24" es una vibrante celebración de esta progresión, un lienzo donde el pasado y el presente coexisten, donde el lenguaje de las calles se traduce al léxico de las bellas artes. La contribución de Cope2 al mundo del arte a través de esta obra y otras de la serie es invaluable, consagrándolo como una figura clave en el reconocimiento y la apreciación del arte inspirado en la calle. En definitiva, "Detroit Series 24" es una audaz declaración sobre el poder transformador del arte y la constante búsqueda de expresión y reinvención del artista. A través de su obra, Cope2 sigue inspirando y desafiando, ampliando los límites del arte pop urbano y el grafiti. Sus piezas no son meras obras para colgar en una pared; son diálogos dinámicos, en constante evolución a la par del propio artista, que invitan al espectador a presenciar la historia de uno de los artistas modernos más influyentes del arte pop urbano y el grafiti.

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Billete de un dólar de George Washington. Pintura al óleo original y única sobre lienzo del artista pop moderno Steve Kaufman SAK. 2002. Obra original firmada, enmarcada a medida y sobre lienzo tensado. Medidas: 27 x 44 pulgadas.

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Compra Post No Bills- Original sin título, pintura en aerosol única en su tipo y pintura de plantilla, obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de cultura pop Street Art Seen UA. 2018 Cuadro Original Firmado Tamaño 18x24 Craquelado por todas partes. Lienzo sin forro.

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Casa sin título. Pintura original en aerosol acrílico de Kunstrasen. Obra de arte única sobre lienzo tensado en bastidor de galería, realizada por un artista pop de arte callejero. 2022 Firmado por Kunstrasen y fechado. Pintura acrílica en aerosol, técnica mixta . Obra de arte original. Tamaño 6x6. Ligero desgaste en el borde de fijación. Explorando la vívida narrativa de la Casa sin título de Kunstrasen La obra «Casa sin título» de Kunstrasen es una cautivadora pieza de arte pop urbano que retrata la sutil interacción entre la tranquilidad doméstica y la disrupción. Creada en 2022, esta obra original es una expresión única que exhibe la energía audaz y cruda característica de los artistas pop urbanos. La obra de Kunstrasen está realizada con pintura acrílica en aerosol sobre un lienzo tensado, ofreciendo una experiencia visual vibrante y llena de textura. La pieza, de tamaño modesto (15x15 cm), es un testimonio de la habilidad del artista para comunicar narrativas complejas en un espacio reducido, una destreza que los artistas pop urbanos han perfeccionado para utilizar con eficacia en espacios públicos. Elementos característicos de la expresión artística de Kunstrasen El estilo característico de Kunstrasen se manifiesta en esta pieza única, que combina técnicas de estarcido propias del grafiti con la vibrante paleta de colores característica del arte pop. La obra presenta una imagen sencilla pero profunda en su simbolismo: una casa que representa familiaridad y seguridad se yuxtapone con un acto de vandalismo, un cóctel molotov en llamas que introduce un elemento de caos y plantea interrogantes sobre la seguridad de la aparentemente serena escena doméstica. El uso de plantillas permite crear líneas nítidas y definidas que caracterizan las formas, mientras que la pintura en aerosol aporta espontaneidad y dinamismo, especialmente visible en las llamas que lamen la fachada de la casa. Resonancia cultural de "Casa sin título" en el arte moderno En «Casa sin título», Kunstrasen explora la resonancia cultural del arte pop urbano al reflexionar sobre temas como la seguridad, el riesgo y los sucesos inesperados que pueden perturbar la paz del hogar. El anonimato de la persona que perpetra el acto y la representación genérica de la casa universalizan el mensaje, permitiendo que espectadores de diferentes orígenes se identifiquen con la obra. Este enfoque refleja una característica esencial del arte pop urbano y el grafiti: su capacidad de comunicarse universalmente, a menudo con imágenes sencillas pero impactantes que un público amplio puede asimilar y comprender rápidamente. Coleccionabilidad e influencia de la obra de Kunstrasen A pesar de su pequeño tamaño, "Casa sin título" tiene un peso significativo en términos de coleccionismo e influencia. Las obras originales de artistas urbanos como Kunstrasen son muy codiciadas, ya que trasladan la esencia del arte callejero a las colecciones privadas, permitiendo apreciar el comentario crudo y a menudo público de las calles en un contexto personal. La pieza, firmada y fechada por el artista, posee la autenticidad e individualidad que los coleccionistas y entusiastas del arte pop urbano y el grafiti valoran profundamente. Obras como esta continúan difuminando las fronteras entre el arte culto y el arte urbano, desafiando las nociones tradicionales de lo que se considera valioso o digno de una galería. En el mundo del arte pop urbano y el grafiti, "Casa sin título" de Kunstrasen es una poderosa declaración, una instantánea del conflicto entre el orden y el caos que define gran parte de la experiencia humana. La obra nos recuerda el poder de la narrativa visual y cómo artistas como Kunstrasen pueden capturar dinámicas sociales complejas en una sola imagen impactante. A medida que crece el aprecio por el arte callejero, obras como esta sin duda seguirán provocando reflexión y conversación, afianzando su lugar en la narrativa en constante evolución del arte contemporáneo.

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Compra STREETSIGN Original Mixed Media Painting Modern Graffiti Pop Art en Real Metal Street Sign del artista ARTIST. 2022 Pintura original firmada en XXXX Tamaño del cartel XXXX INFORMACIÓN

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Dibujo de técnica mixta Polikarpov-Gill sobre papel de bellas artes de Derek Hess, artista callejero de graffiti, arte moderno original. Obra de arte original de técnica mixta, firmada y enmarcada, de 2014. Medidas: 14 x 11,5 pulgadas. Esta pieza incluye un marco de metal negro de 1/2 pulgada montado flotantemente con un paspartú de 2 pulgadas, vidrio con protección UV, respaldo de núcleo de espuma y herrajes listos para colgar. "Mi primera serie la terminé entre 2010 y 2011 y la expuse durante el Festival de la Mojarra más Grande del Mundo en Water Valley, Misisipi. Fue increíble. Todas las obras están hechas con pluma, tinta y acrílico. Mi padre fue piloto de B-26 y él me inculcó el interés por este tema. Dos de las piezas representan un bajo de rock fusionado con un B-26. Son completamente diferentes a lo que suelo hacer, sea lo que sea que signifique 'normal'. En fin, me divertí muchísimo haciéndolas. Mientras que algunas de las obras más intensas que realizo las siento como una necesidad, como una forma de desahogarme, lo cual solo funciona la mitad de las veces (tiendo a cargar con esas cosas). Quería hacer estas por diversión y son una excelente distracción." - Derek Hess

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Arte de la vida Tren Original Estilo Metro Toda la Ciudad Pintura en Escultura de Pared Obra de Arte del Artista Callejero de Graffiti Rek Santiago. Escultura de tren estilo urbano, original, titulada a mano en 2010, realizada con rotulador de pintura en aerosol. Obra única. Tamaño: 20,25 x 5 x 1,75 pulgadas. "La vida en cada aliento". Grafiti original pintado a mano sobre soporte de pared, estilo urbano, para andén de metro. Se exhibe con caja. Presenta suciedad y marcas propias de la edad, pero en muy buen estado.

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Etiqueta del mapa del metro de la MTA - Impresionante obra de arte original y única realizada con rotulador en el mapa del metro de la MTA por el popular artista de arte callejero y cultura pop Stay High 149 - Wayne Roberts. Pintura/dibujo original enmarcado y firmado de 2011 sobre un mapa del metro de Nueva York (MTA). Tamaño: 22,75 x 32,25 pulgadas.

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Minnie Period 12 Edición Limitada, Esténcil de Aerosol HPM de 9 Colores y Acrílico sobre Lienzo Enmarcado con Envoltura de Galería, con detalles pintados a mano, por Jeff Gillette, Artista de Graffiti Callejero, Arte Pop Moderno. Obra de arte original firmada de 2020, realizada con plantilla, pintura acrílica en aerosol, tamaño 20x24 La obra "Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas" de Jeff Gillette es una pieza significativa dentro del arte pop, urbano y del grafiti. Caracterizada por el uso de imágenes icónicas entrelazadas con paisajes urbanos crudos, se erige como un vívido comentario sobre la cultura de consumo y la decadencia social. Jeff Gillette, aclamado artista estadounidense, ha sido apodado "el hombre que destruye Disneylandia", ya que frecuentemente utiliza figuras familiares y nostálgicas de Disney yuxtapuestas a fondos distópicos en su arte. En esta pieza en particular, la reconocible figura de Minnie Mouse es manipulada con un estilo de plantilla de grafiti poco convencional, enfatizando la esencia del arte urbano en su forma más cruda. El "Period 12" hace referencia a la menstruación inoportuna de Minnie y al número de la pintura. Gillette impregna esta obra con una mezcla paradójica de inocencia y desolación. Este contraste no solo critica nuestra sociedad saturada de medios de comunicación, sino que también invita a los espectadores a cuestionar el impacto de las corporaciones en nuestra conciencia cultural colectiva. Con su representación sin filtros de la tensión entre la cultura popular y la realidad, la obra "Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas" de Jeff Gillette se erige como un poderoso ejemplo del arte pop y urbano moderno.

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Air Yeezy 2 - Red October. Obra de arte original única, pintada con pintura acrílica sobre lienzo estirado, del popular artista de graffiti callejero Eric Pagsanjan. 2019. Acrílico firmado sobre lienzo tensado. Medidas: 61 x 46 x 2 cm. Nike Air Jordan x Adidas Yeezy. «Siento respeto y admiración por los artistas que crean su propia ropa. Soy un gran aficionado a las zapatillas y mi colección personal no deja de crecer. Combinando mi pasión por las zapatillas, los diseñadores que las crean y los superhéroes de los cómics, he creado una serie de retratos dedicados a los diseñadores que considero increíbles. Para mí, son superhéroes. Son "SneakerHeroes"». - Eric Pagsanjan

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Black Book Graffiti: Diario de Dibujo Personal Original de Stay High 149 - Wayne Roberts. Arte urbano moderno, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte reflexivas. STAYHIGH149 x Cuaderno de bocetos original firmado de 2003. Dibujo de graffiti en técnica mixta con rotulador, aerosol, acrílico y pegatinas. Tamaño: 8.5 x 11 pulgadas. Buen estado, con algunas marcas de uso y algunas páginas faltantes. Este cuaderno único perteneció al legendario STAYHIGH149, un verdadero ícono de la historia del graffiti. Es más que un simple cuaderno de bocetos: es una pieza cultural digna de un museo. En su interior, encontrarás más de 130 páginas repletas de firmas y obras auténticas, no solo de STAYHIGH149, sino también de su colaborador Dead Leg y figuras influyentes como TRACY 168, entre otros. Este cuaderno rebosa historia visual. La contraportada también está decorada, ofreciendo una visión completa del arte underground de una época. Libro negro histórico de la leyenda del graffiti STAYHIGH149 Este cuaderno de dibujo original es una pieza sumamente rara y de gran importancia cultural, directamente vinculada al fallecido Wayne Roberts, más conocido como STAYHIGH149. Figura clave en los inicios del grafiti neoyorquino, STAYHIGH149 dejó una huella imborrable en el movimiento con su icónico tag del "fumador" y sus letras de gran relieve. El cuaderno negro que aquí se presenta no es solo una colección de páginas; es una pieza digna de museo que revela la esencia de la cultura del grafiti de las décadas de 1970 y 1980 a través de las manos de sus pioneros. Está firmado y anotado en su totalidad, y fue utilizado activamente a principios de la década de 2000, sirviendo como una cápsula del tiempo visual de creatividad, compañerismo y la energía cruda de la calle. Páginas con grafitis a mano de la escuela original del grafiti El cuaderno negro, de 21,5 x 28 cm, contiene más de 130 páginas de tags, throw-ups, personajes y bocetos sin editar, cada uno con capas de marcadores, pintura en aerosol, pegatinas y técnicas mixtas. Algunas páginas están tachadas o desgastadas, mostrando el paso del tiempo y el uso frecuente por parte del artista y su círculo cercano. En su interior, destaca la presencia de Dead Leg, colaborador habitual de STAYHIGH149, junto con obras y dedicatorias de otras leyendas como TRACY 168. Estas obras no han sido seleccionadas; son crudas, espontáneas y rebosan estilo, convirtiéndolas en algunas de las muestras más auténticas de arte pop callejero y graffiti en papel que se conservan. Algunas páginas están completamente saturadas de color, mientras que otras presentan rápidas ráfagas de letras y dibujos de personajes icónicos. Condición física e integridad artística Este cuaderno negro único en su clase muestra las huellas de su uso: le faltan algunas páginas, muchas tienen los bordes desgastados y algunas presentan marcas de tinta de rotulador. Sin embargo, esto no hace sino aumentar su autenticidad como herramienta y compañera de una de las figuras más visionarias del grafiti. Las tapas están profusamente decoradas con tinta y pintura, y la contraportada incluye frases como «Voz del Gueto», un mensaje que conecta directamente con el legado de Wayne Roberts. En su interior, la mezcla de letras de burbuja, firmas clásicas y dibujos estilizados representa décadas de tradición artística urbana trasladada desde los vagones del metro y los muros de la ciudad a un lienzo personal. Legado plasmado en el arte pop callejero y el grafiti Este libro negro no es una reproducción ni una retrospectiva. Es un archivo vivo de la historia del grafiti, creado por las manos de quienes construyeron la cultura desde sus cimientos. STAYHIGH149 sigue siendo una figura imponente en el mundo del grafiti, y este libro refleja la camaradería, la influencia y la implacable energía que definieron toda una era. Es un poderoso ejemplo de cómo el arte pop callejero y el grafiti evolucionaron más allá de las calles de la ciudad para convertirse en una venerada forma de expresión contemporánea. Este libro negro es una oportunidad única para presenciar el mundo del arte underground tal como era: personal, auténtico e inmortal.

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Salvage Can 11 Pintura original sobre lata de pintura en aerosol Escultura de técnica mixta Obra de arte del legendario artista callejero y grafitero Eddie Colla. Obra original firmada de 2018, pintada con aerosol, técnica mixta acrílica sobre lata de pintura en aerosol. Tamaño: 3 x 8 pulgadas. «Creé esta serie de latas en China en 2018. Estaba esperando materiales para empezar a trabajar en piezas más grandes. En la residencia artística donde me encontraba, tenían todas las latas de aerosol vacías. Empecé a crear estas pequeñas piezas con las latas usadas. No fue algo planeado; simplemente tuve mucho tiempo libre inesperado mientras esperaba que llegaran mis materiales, así que trabajé con lo que tenía a mano. Cada lata está firmada y fechada en la base.» - Eddie Colla La innovación de Eddie Colla en el arte callejero «Salvage Can 11» de Eddie Colla se erige como una poderosa declaración dentro del arte pop urbano y el grafiti, una pintura original sobre una lata de aerosol que fusiona técnicas mixtas con la energía subversiva del arte callejero. La obra forma parte de una serie creada en 2018 durante una residencia artística en China, un periodo que Colla describe como marcado por una pausa inesperada, a la espera de materiales, lo que lo llevó a utilizar de forma innovadora materiales desechados para crear algo imprevisto pero profundo. «Salvage Can 11» de Colla es un testimonio del espíritu espontáneo y adaptable que suele impulsar el arte callejero. Ante la demora en su proceso creativo habitual, Colla recurrió a las latas de aerosol vacías disponibles en su residencia, transformándolas de herramientas en lienzos. Este acto de reciclaje dio nueva vida a las latas usadas y desafió la percepción del valor y la utilidad de los materiales artísticos. La obra resultante —una pieza original firmada— es una escultura de técnica mixta que encapsula la esencia del grafiti: cruda, inmediata y profundamente personal. Dinámica visual de "Salvage Can 11" El impacto visual de «Salvage Can 11» es inmediato y visceral. La imagen en la lata resulta inquietante, con los rasgos de la figura sugiriendo una mezcla de humanidad y un anonimato casi enmascarado, un tema recurrente en la obra de Colla, que a menudo reflexiona sobre la identidad y el lugar del individuo en la sociedad. El uso de acrílico y pintura en aerosol añade textura y profundidad, y los intensos tonos negros y morados captan la atención e invitan al espectador a un diálogo contemplativo con la obra. Significado cultural de la obra de Eddie Colla La contribución de Eddie Colla al arte urbano va más allá de sus murales e instalaciones públicas. Acorta la distancia entre la calle y el espacio del coleccionista al plasmar su arte en un soporte tangible y tangible como una lata de aerosol. «Salvage Can 11» encarna la naturaleza transitoria del arte urbano, mientras que su existencia como objeto preservado desafía la fugacidad tradicionalmente asociada a esta forma de arte. La obra de Colla nos recuerda que el arte urbano no se limita a los espacios públicos, sino que es una forma de arte dinámica que puede habitar y adaptarse a cualquier contexto. La resonancia de la serie "Salvage Can" en el coleccionismo de arte La serie "Salvage Can" ocupa un lugar especial en la colección de arte. Cada lata, firmada y fechada por Colla, no es solo una obra de arte, sino una pieza histórica que narra la historia de su creación. Los coleccionistas de arte pop urbano y grafiti suelen sentirse atraídos por obras con una narrativa, y "Salvage Can 11" ofrece precisamente eso: una historia de innovación, adaptación y el proceso creativo que se desarrolló durante una residencia artística alrededor del mundo. "Salvage Can 11" es una escultura de técnica mixta que encapsula el espíritu innovador de Eddie Colla y su estatus como leyenda del grafiti. La obra simboliza la creatividad que florece dentro de las limitaciones del arte urbano, destacando la habilidad de Colla para crear narrativas cautivadoras a partir de circunstancias inesperadas. Es un ejemplo perfecto de cómo el arte pop urbano puede trascender los límites tradicionales y redefinir el concepto de lienzo, invitando a un público más amplio a conectar con el movimiento del arte urbano de maneras nuevas y significativas.

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Mick Jagger Nueva York. Óleo original de Peter Keil. Obra de arte única sobre panel enmarcado de cartón pluma, realizada por el "Hombre Salvaje de Berlín", un famoso artista contemporáneo. 1985. Firmado y fechado por Peter Keil. Óleo sobre panel de masonita. Obra original de 28,5 x 37,5 cm. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que puede presentar desconchones debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo. Representa la cabeza y el rostro de Mick Jagger, de los Rolling Stones, fumando un cigarrillo. El panel de espuma está ligeramente combado hacia adentro en la parte posterior del marco y cuelga un poco separado de la pared. Capturando lo icónico: La interpretación de Mick Jagger por Peter Keil «Mick Jagger New York» de Peter Keil es una pintura al óleo original que captura la esencia de una de las figuras más icónicas del rock and roll. Creada en 1985 y enmarcada sobre un panel de espuma, esta obra representa el estilo vibrante y expresionista de Keil. La obra, firmada y fechada por el artista conocido como El Salvaje de Berlín, mide 72,4 x 95,2 cm, reflejando la predilección de Keil por crear arte audaz. Dentro de la tradición del arte pop, la representación que Keil hace del vocalista de los Rolling Stones es una perfecta fusión entre la cultura de la celebridad y la innovación artística. El uso de pintura espesa y texturizada es característico de la técnica de Keil, añadiendo profundidad e intensidad a la imagen de Mick Jagger, retratado con un cigarrillo que cuelga elegantemente de sus labios. La posible presencia de pintura desconchada añade una dimensión de autenticidad e historia a la pieza, aludiendo al proceso natural de envejecimiento de los materiales elegidos por Keil y a la naturaleza perdurable de sus obras. La pintura es más que un simple retrato del célebre músico; es una obra narrativa que transmite el carisma genuino y el legado perdurable de Jagger. El uso que hace Keil del color y la forma rompe con el retrato convencional, ofreciendo una ventana al alma del sujeto y capturando la esencia de sus facetas pública y privada. En el contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti, la pintura de Keil destaca por su apropiación de iconos de la cultura pop y su capacidad para trasladarlos al ámbito de las bellas artes. La obra se alinea con el espíritu del arte urbano, que a menudo se apropia de imágenes populares para expresar reflexiones sobre la sociedad, la fama y el paso del tiempo. La pintura de Keil lo hace con respeto y creatividad, asegurando que "Mick Jagger New York" no sea solo un retrato, sino una pieza de la historia cultural. En esencia, la obra de Keil es un testimonio de la fusión entre la sensibilidad del arte urbano y la sofisticación de las bellas artes. Su retrato de Mick Jagger está impregnado de una sensación de inmediatez e intimidad, características propias del mejor arte urbano. Con esta pintura, Keil sigue desafiando y expandiendo los límites del arte contemporáneo, consolidándose como una figura clave en la evolución del arte pop y su intersección con la estética callejera.

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Shark- Gold Original Hand-Paint Multiple sobre panel de madera cortado con láser, listo para colgar, por Shark Toof, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2016​ Firmado Edición limitada numerada HPM Emblesed de 7 piezas. Obra de arte sobre madera. Tamaño: 9,25 x 17 pulgadas. “Este nuevo conjunto de obras es una mezcla de mis raíces en el grafiti, donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarse demasiado en serio, en una especie de vandalismo contra tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. “Me gusta Detroit porque es muy autodidacta y yo soy un artista muy autodidacta, así que me siento como pez en el agua”. Shark Toof

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20TwentyMinutes #10 Acrílico original pintado a mano sobre madera de abedul cortada con láser, listo para colgar, por HoxxoH, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «“El tiempo no espera a nadie” ha sido durante mucho tiempo el catalizador que ha impulsado al ser humano a aprovechar su existencia consciente. El tiempo es una magnitud observable creada por el hombre para seguir el curso de nuestro misterioso Universo. Sin embargo, ahora, quizás más que nunca, el ser humano busca utilizar el tiempo para aliviar las presiones de una existencia inexplicable mediante aplicaciones que miden y calculan su valor. Publicaciones y “me gusta” en redes sociales, las fluctuaciones del mercado bursátil, pequeños monitores en nuestras manos que nos vigilan, contando constantemente, subiendo y bajando, ahogándonos en una sobrecarga sensorial. Nos hacen creer que el tiempo puede ser rastreado y controlado mediante un práctico algoritmo. Disfrazan el tiempo en programas destinados a objetivar y simbolizar nuestra presencia como un estatus glorificado en el cosmos». Por Andrew Leshin

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Obra de arte de Crystal Bearbrick, grafito sobre papel en capas sobre pan de oro sobre cartón pluma, del artista de la cultura pop urbana MMont. 2021. Obra original firmada, técnica mixta, pan de oro, dibujo a grafito, enmarcada. Medidas: 9 x 12 pulgadas. Crystal Bearbrick de MMont. Grafito sobre papel, con capas de pan de oro sobre cartón. Bodegón de la colaboración Baccarat/Bearbrick. 23 x 30 cm (enmarcado). Procedencia: Chicago.

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MENTIRA Edward Snowden Pintura original en aerosol, acuarela y técnica mixta sobre papel artístico por Aelhra, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2014 Obra de arte original firmada, técnica mixta , pintura en aerosol y acuarela. Tamaño: 15 x 22 pulgadas.

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Lienzo sin título I Original de una obra de arte de técnica mixta, acrílico y pintura en aerosol sobre lienzo envuelto en galería por el popular artista de graffiti callejero Crash- John Matos. 2022. Pintura original firmada en aerosol y acrílico. Tamaño: 12x12. El lenguaje visual de Crash en "Lienzo sin título I" «Lienzo sin título I», obra original del reconocido artista de grafiti John Matos, alias Crash, es un ejemplo impactante del arte pop urbano y de la capacidad del grafiti para capturar el lenguaje visual de la vida urbana. Esta pintura de 30x30 cm, realizada en técnica mixta con acrílico y aerosol sobre lienzo con bastidor, creada en 2022, es testimonio de la influencia perdurable de Crash en la escena del grafiti. Como original firmado, ejemplifica la singular combinación de meticulosa técnica y expresión espontánea que define su obra. La exploración de la forma y el color por parte de Crash La obra presenta una sinfonía de colores vibrantes y formas abstractas, cada elemento meticulosamente superpuesto para crear una composición armoniosa. El uso de pintura en aerosol por parte de Crash es evidente en los fondos suaves y atmosféricos, y en las líneas nítidas y angulares, que le confieren a la pieza su textura y profundidad características del grafiti. Los acrílicos aportan riqueza y solidez a las formas, resaltando la versatilidad y el amplio registro del artista. «Lienzo sin título I» es una vibrante danza de color y forma que refleja la energía dinámica de las calles de donde proviene Crash. La intersección del arte callejero y el arte pop en la obra de Crash «Lienzo sin título I» simboliza la habilidad de Crash para fusionar la crudeza del arte callejero con la audacia visual del arte pop. Esta obra, con su convincente uso de motivos de la cultura pop y técnicas del arte callejero, refleja una profunda comprensión de ambos géneros. La fusión de estos estilos en la obra de Matos ha sido fundamental para elevar el arte del grafiti de las calles a las galerías, tendiendo un puente entre ámbitos artísticos dispares. La contribución de John Matos al arte contemporáneo Con obras como «Lienzo sin título I», John Matos se ha consolidado como pionero del arte pop urbano y el grafiti. Sus contribuciones han ayudado a derribar las barreras entre el arte culto y la cultura callejera, propiciando un diálogo que ha enriquecido el discurso artístico contemporáneo. Como muchas de sus creaciones, esta pieza no es un mero objeto, sino una parte viva de la narrativa vibrante y en constante evolución del arte urbano. En esencia, «Lienzo sin título I» de Crash es más que una obra de arte; es una narrativa, una declaración y una celebración de la cultura que ha moldeado a John Matos como artista. Es un testimonio vibrante del poder del arte pop urbano y el grafiti para comunicar, desafiar y cautivar.

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Cuaderno negro Dibujo sin título Pintura original de técnica mixta sobre papel artístico por el artista callejero de graffiti Artista pop moderno Sen2. 2005 Firmado Sen2 "Sin título" Dibujo en cuaderno de bocetos Enmarcado Tinta Marcador Lápiz Grafiti Obra de arte enmarcada Tamaño 25.5x19 Dibujo sin título en cuaderno negro de Sen2 Este dibujo sin título de 2005, realizado en un cuaderno de bocetos por el reconocido artista callejero de graffiti Sen2, captura un momento crudo y preciso de la práctica artística de uno de los escritores más icónicos surgidos del Bronx. Realizado con tinta, rotulador y lápiz sobre papel artístico, la obra ejemplifica la energía geométrica, el dominio del color y el dinamismo característicos del artista. La obra enmarcada mide 65 x 48 cm y transmite la intensidad del estilo de dibujo a mano y el juego de letras tridimensionales que definieron la transición del graffiti del metro al estudio. Del estilo salvaje al dibujo de precisión Sen2, cuyo nombre real es Sandro Figueroa García, nació en Puerto Rico y se convirtió en una figura clave del movimiento del grafiti en Nueva York durante la década de 1980. Este dibujo, realizado en su cuaderno de bocetos, plasma su transición desde pintar muros y trenes hasta perfeccionar su técnica dentro de la estructura del trabajo de estudio. Cada trazo de rotulador y cada aguada de color en la obra es intencional, fruto de años de experiencia con aerosol y superficies urbanas. La capacidad de Sen2 para mantener el espíritu rebelde del wildstyle, a la vez que integra la estructura arquitectónica y la claridad visual, lo distingue en el mundo del arte pop urbano y el grafiti. Color en capas y tensión visual La composición rebosa de contrastes. Suaves tonos pastel en azul, amarillo, verde y naranja interactúan con densas sombras negras y líneas nítidas que sugieren movimiento y profundidad espacial. Estas formas superpuestas evocan la energía del arte urbano del metro, a la vez que se asientan en la sofisticación de un dibujo digno de galería. Las flechas, las texturas y los ángulos entrelazados guían al espectador a través de múltiples capas de intención: cada borde refinado, cada patrón de relleno calculado y, a la vez, expresivo. El dibujo captura no solo la forma, sino también la actitud, con un estilo que sugiere movimiento, control y una evolución constante. Estudio Evolución del lenguaje del grafiti La obra sin título de Sen2 se inscribe en un movimiento más amplio donde los cuadernos de bocetos dejaron de ser meras herramientas preparatorias para convertirse en obras de arte con entidad propia. El arte pop urbano y el grafiti suelen comenzar con bocetos, y esta pieza constituye un testimonio definitivo de ese proceso. Documenta un instante de imaginación previo a la ejecución, donde las letras se transforman en armas de estilo y el lenguaje visual de la calle se transcribe a un soporte apto para la galería. Para los coleccionistas, la obra ofrece una ventana al talento en bruto y al proceso creativo de uno de los pioneros modernos del grafiti, preservado con esmero y ahora enmarcado como un ejemplo de la historia del arte en movimiento.

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Optimus Prime 14 Pintura acrílica original de Rich Pellegrino Obra de arte única sobre panel de gesso del artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada de 2014, tamaño 4x4, de Optimus Prime, Transformers, película, cómic y serie de televisión, robot de ciencia ficción. Optimus Prime 14 Pintura acrílica original de Rich Pellegrino Optimus Prime 14 es una impresionante pintura acrílica de 2014 de Rich Pellegrino, un visionario artista del arte pop urbano reconocido por su habilidad para reinterpretar iconos culturales. Pintada sobre un panel de gesso de 4x4 pulgadas, esta obra única captura la esencia de Optimus Prime, el querido líder de los Autobots de la saga Transformers, presente en películas, cómics y series animadas. El estilo artístico de Pellegrino transforma a este héroe robótico en una vibrante pieza de arte contemporáneo, fusionando la nostalgia con una narrativa visual dinámica. El concepto detrás de Optimus Prime 14 La obra Optimus Prime 14 de Rich Pellegrino rinde homenaje a uno de los personajes más icónicos de la ciencia ficción y la cultura popular. Optimus Prime representa el liderazgo, la resiliencia y la lucha por la justicia, valores que han resonado en el público desde su creación en la década de 1980. La interpretación de Pellegrino se centra en el rostro robótico y el casco del personaje, utilizando formas audaces y pinceladas expresivas para enfatizar la fuerza y ​​la determinación. Esta pieza refleja la habilidad de Pellegrino para destilar la esencia de un personaje, infundiéndole a la vez su particular estilo artístico. El tamaño compacto de 4x4 pulgadas de la pintura intensifica su impacto, invitando al espectador a una exploración profunda de la personalidad de Optimus Prime. Mediante el uso de la abstracción y el color, Pellegrino invita a los espectadores a interactuar con el personaje de una manera fresca e imaginativa, trascendiendo los límites de la representación tradicional. Las técnicas artísticas de Rich Pellegrino El enfoque de Rich Pellegrino hacia el arte pop urbano se caracteriza por su magistral uso de la pintura acrílica para crear composiciones vibrantes y texturizadas. En Optimus Prime 14, Pellegrino emplea una paleta de azules, grises y rosas suaves para evocar tanto la naturaleza mecánica del personaje como una emotiva sensación de profundidad. La interacción entre líneas marcadas y pinceladas más suaves y fluidas crea una tensión dinámica en la obra, reflejando el doble papel de Optimus Prime como guerrero y líder. El panel de gesso proporciona una superficie lisa pero absorbente que realza la viveza de la pintura, permitiendo a Pellegrino superponer colores y texturas con precisión. El fondo ligeramente desgastado y las imperfecciones cuidadosamente trabajadas en la superficie de la pintura añaden una sensación de realismo y crudeza, anclando al personaje, de proporciones épicas, en una estética tangible y cercana. El impacto cultural de Optimus Prime 14 Optimus Prime 14 es un testimonio del legado perdurable de la franquicia Transformers y su influencia en la cultura popular. Al reimaginar a Optimus Prime a través del prisma del arte pop urbano, Rich Pellegrino destaca el atractivo universal del personaje y su capacidad para inspirar a públicos de todas las generaciones. Esta obra no solo celebra el heroísmo de Optimus Prime, sino que también lo eleva al ámbito del arte contemporáneo, uniendo los mundos de la ciencia ficción y las bellas artes. Para los fans de Transformers y los coleccionistas de arte pop moderno, Optimus Prime 14 es una pieza única que combina nostalgia con innovación artística. Encapsula el talento de Rich Pellegrino para transformar iconos familiares en obras de arte significativas, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección. Esta pintura ejemplifica el poder del arte pop urbano para reinterpretar y recontextualizar símbolos culturales, ofreciendo nuevas perspectivas sobre personajes entrañables y su lugar en nuestro imaginario colectivo.

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Máscara generativa verde. Pintura acrílica original de Mysterious Al. Obra de arte única sobre lienzo tensado, lista para colgar, del artista pop de arte callejero. 2023. Pintura acrílica en aerosol, técnica mixta, firmada. Obra original. Tamaño: 36x36. Mysterious Al utilizó IA para seleccionar los colores; él pintó la obra a mano. "Estas dos pinturas fueron realizadas en conjunto conmigo utilizando un algoritmo para elegir los colores. Es la primera vez que hago esto, y realmente funcionó." -Al Misterioso. Máscara generativa verde: una síntesis tecnocultural en el arte La unión de tecnología y arte alcanza un clímax fascinante en "Generative Mask Green" de Mysterious Al, una pintura acrílica original que está revolucionando el panorama del arte pop urbano. La obra es un ejemplo paradigmático de cómo los artistas contemporáneos están aprovechando las capacidades de la era digital para redefinir la creación y la percepción del arte. En este caso, la innovación reside tanto en la vibrante estética visual que caracteriza a Mysterious Al como en el proceso creativo que subyace a la pintura. Mediante el uso de inteligencia artificial para seleccionar la paleta de colores, el artista ha fusionado la precisión de los algoritmos con la esencia de la creatividad humana, dando como resultado una obra de arte única que captura el espíritu de la época. El proceso: La IA se encuentra con el acrílico en el arte callejero Con un enfoque innovador, "Generative Mask Green" surgió de la colaboración entre Mysterious Al y la tecnología de IA. La IA se encargó de seleccionar los colores, una tarea tradicionalmente reservada a la intuición del artista. Este método pionero permitió explorar una paleta de colores que, sin la intervención del algoritmo, podría haber permanecido inexplorada, dando como resultado una estética fresca e inesperada. Una vez seleccionados los colores, Mysterious Al se puso manos a la obra, utilizando pintura en aerosol y técnicas mixtas para dar vida a la pieza. Esta obra de 91x91 cm (36x36 pulgadas) personifica la evolución del arte pop urbano y el grafiti, representando un cambio con respecto a los métodos tradicionales del género. El uso de herramientas de IA introduce una nueva narrativa en el arte urbano, un género que siempre refleja las tendencias y tecnologías actuales. La obra lleva la firma del artista, no solo físicamente a través de sus pinceladas, sino también conceptualmente, mediante su disposición a permitir que una máquina participara en el proceso creativo. El resultado de esta colaboración es una pintura que refleja tanto la continuidad de la visión del artista como el advenimiento de una nueva era donde la tecnología se convierte en parte integral del proceso artístico. Captura la esencia del Arte Pop Urbano, que se nutre de la innovación y la ruptura con lo establecido. La pintura es un testimonio de la adaptabilidad de Mysterious Al y su apertura a lo desconocido, cualidades que siempre han estado en el corazón del movimiento del arte urbano. Máscara generativa verde: reflejando el pulso de la sociedad moderna «Generative Mask Green» va más allá de representar la síntesis de la IA y la expresión artística; refleja el pulso de la sociedad moderna y su compleja relación con la tecnología. La pintura es un comentario visual sobre la convergencia de nuestras realidades digitales y físicas. Encarna el espíritu del Street Pop Art, que a menudo funciona como un barómetro cultural, midiendo y expresando los cambios sociales a través de medios visuales. En esta obra, Mysterious Al no es solo un artista, sino un narrador cultural que documenta la era de la IA a través del prisma del arte urbano. La estética de la pintura es inconfundiblemente de Mysterious Al, pero el proceso de selección de color introduce un elemento inesperado. Este aspecto invita a los espectadores a interactuar con la obra a un nuevo nivel, a cuestionar los orígenes de las decisiones tomadas en el lienzo y a contemplar el futuro del arte en una era donde las máquinas pueden desempeñar un papel en la expresión creativa. Para el arte pop urbano y el grafiti, siempre profundamente arraigados en la emoción humana y el discurso social, la introducción de la IA representa una fascinante expansión del arsenal artístico, permitiendo nuevas formas de diálogo y expresión. «Generative Mask Green» no es solo una pintura, sino un símbolo del panorama en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti. Representa un audaz paso hacia un futuro donde se difuminan las fronteras entre artista y máquina, donde la creatividad es una danza entre el impulso humano y la sugerencia algorítmica. Esta obra constituye una poderosa declaración sobre el potencial de la tecnología para influir y potenciar el proceso creativo, ofreciendo una visión de un nuevo horizonte tanto para artistas como para amantes del arte. Mientras Mysterious Al continúa explorando este fértil terreno entre el arte y la inteligencia artificial, el mundo del arte anticipa las innovadoras creaciones que surgirán de esta dinámica colaboración.

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Letrero del metro de la MTA - Ascensor al entrepiso Arte Técnica mixta sobre señalización de la MTA Obra de arte del artista de la cultura pop callejera Cope2. Auténtico letrero original del metro de la MTA. Este letrero metálico de 35,5 x 130 cm (14 x 51 pulgadas) fue pintado con aerosol por Cope2. Nacido en 1968 como Fernando Carlo Jr. en la ciudad de Nueva York, las obras de Cope2 se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de Estados Unidos y otros países. Artista autodidacta, es una leyenda reconocida que ha contribuido durante más de 30 años a la cultura del grafiti. Uno de los grafiteros más prolíficos de Nueva York, comenzó a firmar en el sur del Bronx en 1978. Desarrolló su estilo en el metro y las calles del Bronx, creando obras de grafiti durante las décadas de 1980 y 1990, y obteniendo reconocimiento internacional por su estilo distintivo. Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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Videovigilancia 12x18- II Pintura original de técnica mixta, artista de graffiti, arte pop moderno sobre letrero de metal real de Cope2. Letrero de calle de metal real, pintado con aerosol y con letras burbuja, firmado en 2020. Tamaño de la obra: 12x18. Esta zona está bajo vigilancia las 24 horas.

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SECHOR roller Original Obra de arte única en su tipo, técnica mixta de pintura en aerosol sobre lienzo, del popular artista de graffiti callejero Sechor. 2021. Técnica mixta firmada sobre lienzo sin bastidor de 18x24 pulgadas.

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Obra de arte original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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