Técnica mixta

Pup Art - Escultura de lata de pintura en aerosol blanca de edición limitada. Obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop, Mr Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño de la obra: 3x8 pulgadas. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Exclusivo y muy raro: Mr. Brainwash, la obra de arte en aerosol de edición limitada de Thierry Guetta.

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Impresión artística de edición limitada Florid Cosmos Hand Cut Collage Giclée en papel de algodón para grabado de 315 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Handiedan. Impresión artística giclée, papel de algodón de 315 g/m², 42 x 53,5 cm (16,5" x 21"). Firmada y numerada. Sello de cera caliente. Edición limitada de 33 ejemplares, 2021.

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Cuaderno negro Dibujo sin título Pintura original de técnica mixta sobre papel artístico por el artista callejero de graffiti Artista pop moderno Sen2. 2005 Firmado Sen2 "Sin título" Dibujo en cuaderno de bocetos Enmarcado Tinta Marcador Lápiz Grafiti Obra de arte enmarcada Tamaño 25.5x19 Dibujo sin título en cuaderno negro de Sen2 Este dibujo sin título de 2005, realizado en un cuaderno de bocetos por el reconocido artista callejero de graffiti Sen2, captura un momento crudo y preciso de la práctica artística de uno de los escritores más icónicos surgidos del Bronx. Realizado con tinta, rotulador y lápiz sobre papel artístico, la obra ejemplifica la energía geométrica, el dominio del color y el dinamismo característicos del artista. La obra enmarcada mide 65 x 48 cm y transmite la intensidad del estilo de dibujo a mano y el juego de letras tridimensionales que definieron la transición del graffiti del metro al estudio. Del estilo salvaje al dibujo de precisión Sen2, cuyo nombre real es Sandro Figueroa García, nació en Puerto Rico y se convirtió en una figura clave del movimiento del grafiti en Nueva York durante la década de 1980. Este dibujo, realizado en su cuaderno de bocetos, plasma su transición desde pintar muros y trenes hasta perfeccionar su técnica dentro de la estructura del trabajo de estudio. Cada trazo de rotulador y cada aguada de color en la obra es intencional, fruto de años de experiencia con aerosol y superficies urbanas. La capacidad de Sen2 para mantener el espíritu rebelde del wildstyle, a la vez que integra la estructura arquitectónica y la claridad visual, lo distingue en el mundo del arte pop urbano y el grafiti. Color en capas y tensión visual La composición rebosa de contrastes. Suaves tonos pastel en azul, amarillo, verde y naranja interactúan con densas sombras negras y líneas nítidas que sugieren movimiento y profundidad espacial. Estas formas superpuestas evocan la energía del arte urbano del metro, a la vez que se asientan en la sofisticación de un dibujo digno de galería. Las flechas, las texturas y los ángulos entrelazados guían al espectador a través de múltiples capas de intención: cada borde refinado, cada patrón de relleno calculado y, a la vez, expresivo. El dibujo captura no solo la forma, sino también la actitud, con un estilo que sugiere movimiento, control y una evolución constante. Estudio Evolución del lenguaje del grafiti La obra sin título de Sen2 se inscribe en un movimiento más amplio donde los cuadernos de bocetos dejaron de ser meras herramientas preparatorias para convertirse en obras de arte con entidad propia. El arte pop urbano y el grafiti suelen comenzar con bocetos, y esta pieza constituye un testimonio definitivo de ese proceso. Documenta un instante de imaginación previo a la ejecución, donde las letras se transforman en armas de estilo y el lenguaje visual de la calle se transcribe a un soporte apto para la galería. Para los coleccionistas, la obra ofrece una ventana al talento en bruto y al proceso creativo de uno de los pioneros modernos del grafiti, preservado con esmero y ahora enmarcado como un ejemplo de la historia del arte en movimiento.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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El Portafolio y Catálogo Beautiful Losers, Edición Especial 2004-2010, es un tesoro para los amantes del arte pop urbano y el grafiti. Ofrece una colección completa que captura la esencia de la icónica exposición "Beautiful Losers". Esta edición limitada es un testimonio impecable de un momento clave en el arte contemporáneo y de la creatividad en estado puro del arte urbano entre 2004 y 2010. Cada elemento del conjunto, con su correspondiente número de edición, se encuentra en perfecto estado, lo que garantiza su valor como pieza de colección y parte de la historia del arte. Edición original en caja del portafolio y catálogo de The Beautiful Losers 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Las cajas recopilatorias de Jonathan Levine Projects, tituladas «The Beautiful Losers» (2004-2010), se lanzaron en edición limitada: la «Portfolio Box» con menos de 30 ejemplares y la «Catálogo Box» con 100. Cada caja se presenta en una caja de madera personalizada, impresa y numerada, lo que añade un toque de sofisticación y cuidado a la presentación de estas obras de arte. Las dimensiones de las cajas (66 x 48 x 23 cm) se eligieron cuidadosamente para dar cabida a la variedad de obras y sus diferentes tamaños, garantizando así la integridad de cada pieza. Iconoclast publicó estas cajas con motivo de la exposición itinerante «Beautiful Losers», que tuvo lugar entre 2004 y 2010. Esta exposición, junto con «Transfer», que recorrió diversas ciudades entre 2008 y 2010, puso de manifiesto el talento emergente y las diversas expresiones del arte pop urbano y el grafiti. La exposición Beautiful Losers y sus publicaciones complementarias, incluyendo el libro "Beautiful Losers: Contemporary Art And Street Culture" publicado por Edition Iconoclast en 2005, han sido fundamentales para acercar la vitalidad y relevancia del arte urbano y el grafiti a un público más amplio. La Portfolio Box, un componente esencial de estas colecciones, es un tesoro que reúne obras de 28 de los artistas urbanos y grafiteros más influyentes. Esta colección incluye impresiones de artistas de renombre como KAWS y Shepard Fairey, cada uno aportando su visión y estilo únicos. Cada pieza dentro de esta caja refleja los temas y expresiones artísticas de la exposición Beautiful Losers, subrayando aún más la importancia de esta colección en el arte contemporáneo. La película Beautiful Losers (2008) Acerca de la exposición de arte Beautiful Losers es un documental de 2008 que profundiza en la vida y el arte de un colectivo de artistas que han desempeñado un papel fundamental en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti desde la década de 1990. Dirigida por Aaron Rose y codirigida por Joshua Leonard, esta película fue producida por Sidetrack Films y BlackLake Productions, y cuenta con la participación de artistas como Harmony Korine y Steve "ESPO" Powers. El documental explora la filosofía del "hazlo tú mismo" de estos artistas, cuyo trabajo está impregnado de la estética del skateboarding, el grafiti y géneros musicales underground como el punk rock y el hip-hop. Ilumina la trayectoria de estos artistas desde la cultura callejera más recóndita hasta convertirse en figuras consagradas dentro del mundo del arte convencional, detallando sus sentimientos y convicciones personales durante su transición de crear para sí mismos a trabajar en proyectos comerciales de gran repercusión. Beautiful Losers es más que una película; Forma parte de un fenómeno cultural más amplio que incluye un libro de arte homónimo, editado por Christian Strike y Aaron Rose, y una exposición itinerante que presenta a los artistas y sus obras. Esta exposición sirve tanto de telón de fondo como de eje central del documental, subrayando la amplia influencia de estos artistas y su continua relevancia en el discurso del arte contemporáneo. Serigrafías, fotografías, dibujos y objetos de arte de edición limitada firmados por el artista 2004-2010 Libro de arte contemporáneo y cultura callejera Beautiful Losers 2004 Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Callejera, una antología fundamental publicada en 2004 por DAP/Iconoclast, es una exploración esencial de una vibrante subcultura que transformó la estética de finales del siglo XX y principios del XXI. Esta primera edición es una joya para coleccionistas, encuadernada en tapa dura en buen estado con sobrecubierta. Las tapas de tela roja están grabadas con letras doradas en la portada y el lomo, anunciando el tesoro que encierra una profusión de ilustraciones y obras originales. No se trata de una simple recopilación; es una profunda narrativa que detalla el surgimiento orgánico y espontáneo de un movimiento cultural. Traza la trayectoria de artistas estadounidenses, muchos de ellos recién entrados en la edad adulta, impulsados ​​no por las exigencias del mercado, sino por pura pasión y creatividad. Sin formación académica ni conocimientos especializados, se inspiraron en las calles, influenciados por la vitalidad cruda del skateboarding, el grafiti, la moda urbana y la música independiente. Nombres como Shepard Fairey, Mark Gonzales y Spike Jonze figuran entre los muchos que canalizaron sus experiencias vitales en su arte, aprendiendo a través de la práctica y revolucionando sus medios. «Beautiful Losers» funciona como homenaje y crónica histórica, trazando los hilos culturales desde Jean-Michel Basquiat y Keith Haring hasta exponentes más recientes como Ryan McGinniss y KAWS. Presenta diversas expresiones artísticas en distintos medios, junto con reproducciones de objetos efímeros que encapsulan el espíritu de la época. El libro se enriquece aún más con ensayos de escritores que han apoyado fervientemente a estos artistas desde sus inicios. No es solo un libro de arte; es un archivo de un movimiento que dejó una huella imborrable en el mundo del arte, la moda, la música, la literatura, el cine e incluso el deporte. El espíritu independiente que encarnaron estos creadores puede haber evolucionado, pero su esencia fundamental —un espíritu de rebeldía, innovación y autenticidad— permanece intacta. Beautiful Losers es una celebración de ese espíritu perdurable, una invitación a presenciar la belleza en lo crudo, lo no refinado y lo real. Kaws - Brian Donnelly: Un cordial saludo. Impresión tipográfica, 2005. Firmada y numerada. Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Saludos cordiales», creada en 2005 por KAWS, es una cautivadora obra de arte realizada con tipografía sobre papel, de 20 x 16 pulgadas. Esta obra forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno meticulosamente firmado y numerado por el artista. Fue publicada por Iconoclast Editions para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, marcando un hito en la intersección del arte contemporáneo y la cultura urbana. Esta obra presenta un personaje característico de la obra de KAWS, con sus distintivos ojos tachados y sus manos y pies exagerados de estilo caricaturesco. Esta impresión pertenece a una serie de edición limitada, con solo 200 ejemplares disponibles, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista. Fue publicado por Iconoclast Editions, probablemente para celebrar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture». La exposición, que tuvo lugar entre 2004 y 2009, fue un evento clave que puso de manifiesto la convergencia entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. La obra de KAWS suele tender puentes entre estos dos mundos, combinando una sólida formación en diseño gráfico comercial con una estética sofisticada, digna de galería. Sus personajes, generalmente inspirados en la cultura pop, se representan con un estilo lúdico y crítico, reflejando a menudo el consumismo y las emociones humanas. Shepard Fairey - OBEY: Soup Can I Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada (2005). Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Soup Can 1» de Shepard Fairey es una pieza icónica de 2005, magistralmente reproducida como serigrafía sobre papel de archivo libre de ácido. La obra mide 20 x 16 pulgadas y pertenece a una serie de edición limitada de tan solo 200 ejemplares, cada uno con la firma del artista y su número de edición. Iconoclast Editions lanzó esta impresión para conmemorar la trascendental exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» (2004-2009) y celebrar la relación sinérgica entre las escenas artísticas underground y la cultura mainstream. La impresión «Soup Can 1» ha formado parte de diversas exposiciones prestigiosas, incluyendo la emblemática exposición itinerante «Beautiful Losers», «Transfer» en el Santander Cultural de Porto Alegre, Brasil, y la completa muestra «Supply & Demand». También se exhibió en la muestra "Transfer", ubicada en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo, Brasil, en 2010. La obra de Fairey durante este período está documentada en diversas publicaciones, entre las que destacan la colección "Beautiful Losers" (2005-2009), el libro "Supply & Demand" (Rizzoli, 2009) y la edición de 2010 de "Transfer". Cada una de estas obras ofrece una visión profunda del proceso creativo del artista y del impacto cultural de su trabajo. La procedencia de "Soup Can 1" está firmemente arraigada en el Archivo Beautiful Losers, lo que garantiza su lugar en la historia de la cultura urbana contemporánea y reafirma su estatus como pieza de colección de la historia del arte. Shepard Fairey - OBEY: Sin título. Serigrafía de Angela Davis, 2005. Firmada y numerada. Esta impactante serigrafía del influyente artista Shepard Fairey constituye una valiosa adición a su ilustre obra. Con un tamaño de 8x10 pulgadas, esta pieza sin título forma parte de una edición exclusiva de tan solo 100 copias, cada una impresa, numerada y firmada por el propio Fairey, lo que garantiza su rareza y valor para coleccionistas. Fairey, reconocido por su habilidad para infundir al arte una crítica social, presenta un retrato cautivador sobre un audaz fondo rojo que capta la atención. La silueta de alto contraste plasma la fuerza e intensidad del sujeto, inmortalizando un momento de expresión apasionada. La imagen es un eco visual del pasado, pero a la vez aborda temas contemporáneos de empoderamiento y resistencia. En la esquina inferior izquierda, el emblema característico de Fairey —la estrella rodeada por la palabra «OBEY»— ancla la obra, integrándola en su extensa producción artística, conocida por desafiar al espectador a cuestionar la autoridad y el panorama de la cultura visual. Esta obra es testimonio de la continua relevancia de Fairey en el mundo del arte y de su firme compromiso con la expresión artística. Coleccionistas y admiradores de su obra reconocerán el estilo icónico del artista, convertido en sinónimo del movimiento del arte urbano moderno. Henry Chalfant: Lee, Futura, Dondi. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. Esta cautivadora obra de arte, creada por el prestigioso Henry Chalfant, celebra el movimiento del arte urbano, inmortalizando el trabajo de tres leyendas del grafiti: Lee, Futura y Dondi. Titulada "Lee Futura Dondi", esta pieza de 2004 es una serigrafía impresa en papel de archivo libre de ácido, lo que garantiza su conservación y calidad durante años. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, la obra tiene el tamaño suficiente para crear un impacto visual contundente, a la vez que se adapta a diversos entornos de exhibición. El formato tríptico presenta tres vibrantes vagones de metro estilizados, cada uno adornado con el distintivo estilo de los artistas de grafiti mencionados. El panel superior rebosa de enérgicos rosas y azules, mostrando el icónico estilo de letras de Lee, mientras que el panel central presenta el enfoque futurista de Futura, con formas abstractas y una paleta de tonos fríos. El panel final es un tributo al estilo wildstyle clásico de Dondi, con letras llamativas en tonos rosas que destacan sobre el fondo. La obra de Chalfant no es una mera representación estática; Esta obra transmite el dinamismo y el ritmo del arte urbano del metro, tal como antaño recorría las arterias de Nueva York. Cada pieza de esta edición limitada está firmada y numerada por Chalfant, lo que certifica su autenticidad y su vínculo con el artista. Esta serie se publicó coincidiendo con la innovadora exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que puso de manifiesto las intersecciones e influencias del arte urbano en el arte contemporáneo. Esta lámina es una pieza de coleccionista, no solo por su valor estético e histórico, sino también por su representación de la evolución del arte urbano desde el metro y los muros de la ciudad hasta las altas esferas del arte. Geoff McFetridge: Dibujo original de Kemistry con animación en DVD 2004 Esta pieza, creada por Geoff McFetridge, es uno de los 100 dibujos originales que componen una intrincada secuencia de animación. Realizados con precisión a lápiz sobre papel Canson, cada dibujo mide 22,86 x 30,45 centímetros y captura la estética minimalista y las líneas fluidas características del trabajo de McFetridge. Esta obra muestra una escena lúdica de una figura practicando skateboarding, representada con una línea continua y fluida que transmite movimiento y una sutil sensación de fantasía. Un segundo personaje asoma con curiosidad desde el borde, añadiendo un elemento narrativo a la composición. Junto con la obra original, los coleccionistas reciben un DVD con la secuencia de animación completa, que ofrece una visión única del proceso creativo de McFetridge y la evolución de la animación desde imágenes fijas hasta una experiencia visual dinámica. El artista firma cada dibujo, aportando un toque personal que garantiza su autenticidad. Esta oferta no es simplemente la adquisición de una única pieza de arte; Se trata de una invitación a adentrarse en el mundo visionario de McFetridge, donde el diseño gráfico se fusiona con la narrativa cinematográfica. Esta singular combinación de dibujo tradicional y animación digital ofrece una visión multifacética del enfoque innovador del artista hacia el arte contemporáneo. Ed Templeton: Fotografía de Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers, 2004, firmada. Capturada por la perspicaz lente de Ed Templeton, esta fotografía constituye una pieza significativa de la historia del arte contemporáneo, documentando la vibrante esencia del movimiento artístico "Beautiful Losers". La imagen presenta a Chris Johanson, artista sinónimo del espíritu "hazlo tú mismo" del arte urbano, en la primera exposición de "Beautiful Losers" en Cincinnati, Ohio, en 2004. Se trata de una evocadora impresión en gelatina de plata de Ed Templeton, que retrata a Chris Johanson en la exposición inaugural de "Beautiful Losers". La fotografía, de 20 x 25 cm, forma parte de una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno firmado individualmente por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y autenticidad. Capturada en 2004, esta imagen es una pieza atemporal de la historia del arte, que documenta un momento crucial en la convergencia de la cultura urbana y el arte contemporáneo. Esta fotografía es un registro visual y la encarnación del espíritu de la exposición, que celebra la convergencia underground del skateboarding, el grafiti y el arte urbano con el arte contemporáneo. La composición de la fotografía es espontánea y sin filtros, mostrando a Johanson con el rostro oculto por una tela blanca, una presencia enigmática que despierta curiosidad. Esta elección de presentación alude a los temas de anonimato y misterio que suelen impregnar la cultura del arte urbano. El rostro oculto de Johanson, adornado con gafas de sol sobre la tela y su barba indómita asomando por debajo, crea un contraste impactante, visualmente cautivador y que invita a la reflexión. Firmada por Ed Templeton, esta fotografía constituye una conexión tangible con el momento que captura, introduciendo al espectador en un evento crucial en la historia del arte urbano y pop. La firma de Templeton añade un toque de autenticidad y consagra esta obra como una genuina intersección entre su trayectoria fotográfica y la narrativa artística de Johanson. «Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers» es una fotografía que trasciende su medio, ofreciendo una visión de la comunidad y la camaradería de los artistas que definieron a una generación. Esta pieza ocupará un lugar de veneración para los coleccionistas y entusiastas del movimiento, encapsulando la energía cruda y espontánea que representó "Beautiful Losers". Cynthia Connolly: Página sin título de una máquina de hielo, Arizona. Fotografía de 1999. Firmada y fechada. Esta fotografía de Cynthia Connolly, sin título pero que captura con gran emotividad la esencia de Page, Arizona, es una magistral impresión en gelatina de plata que encarna el espíritu de la exposición "Beautiful Losers". La impresión, de 10 x 15 cm, pertenece a una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno impreso meticulosamente y firmado por la artista, lo que subraya su carácter de pieza de colección. La imagen se centra en una máquina de hielo, un símbolo cotidiano pero icónico de la cultura estadounidense. Fechada el 17/5/95, la fotografía no es solo una representación de un lugar, sino una instantánea de una época. La anotación manuscrita "Page, Arizona" añade un toque personal, evocando un sentido de pertenencia al lugar y situando la obra en su contexto geográfico. La mirada fotográfica de Connolly transforma lo ordinario en extraordinario, invitando a los espectadores a encontrar belleza y narrativa en lo común. El marcado contraste de la imagen en blanco y negro resalta el juego de luces y sombras, otorgando a la máquina de hielo una cualidad escultórica. Esta obra es una sutil exploración de la forma y la textura, donde incluso lo utilitario se convierte en un tema digno de contemplación artística. Esta lámina es esencial para coleccionistas que valoran la intersección entre la fotografía documental y las bellas artes. Es un testimonio del compromiso de Connolly por capturar los rincones olvidados de los paisajes estadounidenses, convirtiéndola en una adición excepcional a cualquier colección que celebre la belleza matizada de lo cotidiano dentro del vasto tapiz de la cultura estadounidense. Barry McGee: Ryze sin título, 2007. Impresión C y fotografía con etiquetas manuales. La obra "Untitled Ryze" de Barry McGee es un pilar del arte contemporáneo, que simboliza la vibrante intersección entre la cultura urbana y las bellas artes. Esta impactante impresión C de 2007, de 40,6 x 50,8 cm, es una pieza de colección muy codiciada, limitada a una edición de 200 ejemplares. Cada pieza de la serie tiene la distinción única de estar firmada y numerada a mano por McGee, un artista que rara vez firma sus obras. La obra se presentó en conjunto con la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se exhibió entre 2004 y 2009 en numerosos museos y galerías de todo el mundo. La imagen captura la esencia de Ryze, figura legendaria del arte callejero bostoniano, y demuestra la habilidad de McGee para plasmar la energía cruda del grafiti en un contexto de galería refinado. La obra de McGee trasciende la fotografía, ya que "Sin título, Ryze" es fundamental en sus instalaciones de mayor tamaño y en sus ensamblajes. La imagen es un testimonio visual del legado del artista y un referente del espíritu cultural que encapsuló The Beautiful Losers. Adquirida directamente de Iconoclast Editions y el Archivo Beautiful Losers, esta pieza representa una oportunidad única para aficionados y coleccionistas de poseer un fragmento de la historia del arte callejero visto a través de la mirada de uno de sus artistas más enigmáticos y célebres: Barry McGee. Barry McGee: Sin título. Hola, mi nombre es. Pegatina original Slap-Up 2005. Etiqueta firmada. Barry McGee, figura influyente del arte pop urbano y el grafiti, ha dejado una huella significativa con su estilo y enfoque únicos. Su obra "Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag" es un ejemplo paradigmático de su trabajo, que fusiona la energía y la crudeza del arte urbano con la estética refinada del arte pop. Esta pieza, creada en 2005, es testimonio de la habilidad de McGee para transformar objetos y temas cotidianos en cautivadoras expresiones artísticas. La trayectoria artística de McGee comenzó en las calles, donde perfeccionó su técnica creando grafiti bajo el seudónimo de "Twist". Este periodo formativo fue crucial para moldear su estilo distintivo, caracterizado por una mezcla de la espontaneidad del grafiti y la audacia y el atractivo del arte pop. Su transición de los muros callejeros a las galerías no mermó la autenticidad de su obra. Al contrario, le brindó un nuevo lienzo para sus expresiones, permitiéndole llegar a un público más amplio sin perder de vista sus raíces en la cultura urbana. Terry Richardson: Autorretrato del diablo sin título, serigrafía, 2004, firmada y numerada. Esta impactante obra visual, un autorretrato sin título de 2004, es una serigrafía sobre papel de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas) perteneciente a una edición limitada de 200 ejemplares. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por el artista, lo que le confiere un toque personal a esta exclusiva obra. La serigrafía muestra al artista sobre un vibrante fondo amarillo, posando con una actitud lúdica y a la vez rebelde. Luciendo cuernos de diablo y empuñando un tridente, el sujeto hace el símbolo de la paz con un gesto juguetón, yuxtaponiendo símbolos tradicionalmente negativos con una actitud desenfadada. El vívido tono amarillo monocromático de la serigrafía realza el impacto de la obra. Esta pieza se presentó en la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" (2004-2009), que explora la intersección entre la cultura pop y el arte urbano, ofreciendo una visión subversiva de la iconografía contemporánea. La procedencia de la obra es notable, ya que proviene de Iconoclast Editions y del archivo Beautiful Losers, lo que garantiza su autenticidad y su conexión con un movimiento significativo del arte moderno. Este autorretrato es más que una simple imagen; es una pieza que captura la esencia del espíritu cultural de una época, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte. Evan Hecox: Grabado en madera de Kyoto Street, 2004. Firmado y numerado. «Calle de Kioto», una cautivadora serigrafía de Evan Hecox, presenta un instante congelado en el encanto atemporal de la antigua capital de Japón. Creada en 2004, esta obra de arte está impresa meticulosamente en papel de archivo libre de ácido y mide 50,8 x 40,6 cm. Pertenece a una edición exclusiva limitada a 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado a mano por el propio Hecox, lo que garantiza su valor como pieza de colección. Esta obra se presentó como parte de la influyente exposición «Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, y se exhibió en diversas ubicaciones. La estampa «Calle de Kioto» se ha exhibido en destacadas exposiciones, como «Transfer» en el Santander Cultural de Porto Alegre, Brasil, en 2008, y en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo, en 2010. En esta obra, Hecox destila la esencia del paisaje urbano de Kioto en marcados contrastes y líneas nítidas, capturando la dinámica interacción de luces y sombras. Faroles adornados con caracteres kanji salpican la escena, proyectando un cálido resplandor sobre el callejón. A su vez, la intrincada red de cables eléctricos añade una capa de complejidad, sugiriendo la vibrante energía de la ciudad. La paleta de colores sobria y el audaz estilo gráfico de la obra evocan una sensación de nostalgia, invitando a los espectadores a contemplar la atmósfera serena y bulliciosa de las calles de Kioto. Conservada en el Archivo Beautiful Losers, «Calle de Kioto» no es solo una estampa, sino una pieza narrativa que se documenta junto a otras obras maestras contemporáneas en los catálogos «Beautiful Losers» y «Transfer». Es una prueba de la habilidad de Hecox para capturar el alma del entorno urbano, convirtiéndolo en una posesión preciada para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con predilección por la estética urbana y la profundidad cultural. Ryan McGinness: Patéticos amuletos de la suerte del hipster tonto. Serigrafía 2004. Firmada y numerada. Ryan McGinness, «Amuletos de la suerte patéticos del hipster tonto». Esta exquisita obra de 2004 es una magistral representación de la iconografía contemporánea, meticulosamente elaborada mediante serigrafía sobre papel. Cada lámina mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 ejemplares, lo que garantiza su singularidad y valor como pieza de colección. Cada lámina está firmada y numerada a mano por el artista, testimonio de su autenticidad y del toque personal de McGinness. La obra se presentó en conjunto con la reconocida exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que destacó la energía vibrante del arte urbano en el contexto del arte contemporáneo. La pieza es una sinfonía de símbolos, un léxico visual que refleja el espíritu irónico y a menudo autocrítico de la subcultura hipster. El uso que hace McGinness de imágenes icónicas, entrelazadas con ingenio y crítica, encapsula un momento en el que arte, cultura y comentario social se encuentran con una gracia natural. Esta obra no es solo una pieza de arte, sino un fragmento de historia cultural, un reflejo del espíritu de la época del paisaje urbano de principios de la década de 2000.” Harmony Korine: Sin título Osama y ET Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta obra es una fascinante serigrafía de Harmony Korine titulada "Sin título (Osama y ET)" de 2005. Se trata de una edición limitada de tan solo 200 copias, cada una firmada y numerada a mano por Korine, lo que la convierte en una pieza de coleccionista. Esta impresión, de 50,8 x 40,6 cm, muestra la visión única de Korine al yuxtaponer dos referencias culturales muy diferentes en una misma imagen. La imagen representa a Osama bin Laden abrazando al icónico extraterrestre ET, de la aclamada película de Steven Spielberg. La fusión de estas imágenes constituye una declaración audaz e invita a múltiples interpretaciones de la convergencia de símbolos culturales dispares. La figura y ET están dibujados con una delicada linealidad que contrasta con la gravedad del tema, creando una impactante paradoja visual. Esta serigrafía se presentó con motivo de la exposición "Beautiful Losers", que celebró la intersección del skateboarding, el grafiti y la moda urbana con el arte contemporáneo. La procedencia de la estampa es impecable, proveniente de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, lo que realza su importancia histórica y artística. La yuxtaposición de figuras tan dispares en esta estampa invita al espectador a reconciliar las emociones y narrativas contrastantes que representa cada personaje. Esta obra es más que una simple declaración visual; es un diálogo sobre la cultura pop, figuras políticas, personajes de ficción y su lugar en la esfera artística. Coleccionistas y aficionados al arte pop urbano apreciarán la profundidad y el carácter provocador de esta estampa, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte contemporáneo. Larry Clark: Obra fotográfica sin título de Shorty, 1996/2007. Firmada y numerada. Esta impactante fotografía, titulada "Sin título (Shorty)", es una obra profunda del aclamado artista Larry Clark. Fue realizada en 1996 y publicada posteriormente en 2007. Está impresa en papel acuarela Anjelica con unas dimensiones de 20 x 13,75 pulgadas. Cada ejemplar de esta edición de 200 está firmado y numerado individualmente por el propio Clark, con una firma y fecha adicionales al dorso, lo que garantiza su autenticidad y rareza. Presentada con motivo de la renombrada exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana" (2004-2009), esta fotografía proviene de Iconoclast Editions y forma parte integral del Archivo Beautiful Losers. Larry Clark, figura influyente en la fotografía y el cine durante más de cinco décadas, ha dejado una huella imborrable en el mundo creativo a través de obras como "Teenage Lust" y "Tulsa", y películas como "KIDS" y "Marfa Girl". La fotografía captura la esencia de Lyle Dean "Shorty" Easky, cuya historia se entrelaza con la del artista y la narrativa más amplia de la cultura juvenil estadounidense. Shorty, de ascendencia nativa americana, falleció trágicamente en 2013. Su vida y su muerte prematura siguen siendo una historia conmovedora, con raíces que se remontan al mismo barrio de Tulsa que inspiró gran parte de la obra temprana de Clark, el mismo lugar que Francis Ford Coppola eligió para "The Outsiders". Raymond Pettibon: Sin título Sol Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta impactante obra, sin título, es una pieza de 2005 del aclamado artista Raymond Pettibon, conocido por sus influyentes contribuciones al arte y la cultura. Se trata de una serigrafía sobre papel, un medio que permite una presentación vibrante y nítida del dinámico diseño de Pettibon. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas), es adaptable a diversos espacios y posee la suficiente presencia como para generar un gran impacto visual. La creación de Pettibon forma parte de una edición exclusiva de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista, lo que proporciona una conexión directa con su proceso creativo. La obra presenta una explosión de líneas que emanan de un punto central, sugiriendo una energía explosiva o un fenómeno cósmico. El uso del negro, junto con toques de azul y amarillo, dota a la pieza de una sensación de profundidad e intensidad, mientras que el texto manuscrito en la parte superior —«¡APLICARLO AL ESTUDIO DE ESPEJOS, ARCOÍRIS O EL SOL!»— invita a la contemplación y aporta una dimensión poética a la experiencia visual. Esta edición se publicó para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró la intersección entre el arte underground y la creatividad urbana. La obra de Pettibon es un testimonio del espíritu de este movimiento, encapsulando la crudeza y la estética audaz que definen el género. Es una pieza de coleccionista no solo por su atractivo estético, sino también por su relevancia cultural dentro del arte contemporáneo. Evan Hecox: Grabado en madera de Chinatown, Nueva York, 2004. Firmado y numerado. «Chinatown NYC» de Evan Hecox, una xilografía de 2004 sobre delicado papel de arroz japonés, plasma con meticulosidad la vibrante energía urbana. Cada lámina de esta serie limitada mide 25,4 x 20,3 cm y forma parte de una edición numerada de 100 ejemplares, lo que subraya su exclusividad. Cada pieza está impresa y firmada personalmente por Hecox, lo que transmite la implicación directa del artista en la experiencia del coleccionista. Esta obra captura la esencia del bullicioso barrio chino de Nueva York con una aguda atención al detalle y un estilo distintivo. El uso de líneas en la xilografía por parte de Hecox traduce la naturaleza dinámica de la ciudad en una imagen estática que palpita con vida. El artista transmite con maestría la complejidad arquitectónica del paisaje urbano, complementada por el elemento humano que insufla vida a la ciudad. La sutil superposición de capas de la lámina, con su intrincado trabajo de líneas y delicadas variaciones tonales, refleja las diversas experiencias de la vida urbana. Reconocido por su habilidad para plasmar la esencia de un lugar en su obra, Hecox presenta «Chinatown NYC» como algo más que una simple representación visual; es una narrativa tejida con tinta y papel, una historia contada al ritmo del paisaje urbano. Esta pieza refleja la destreza artística de Hecox y rinde homenaje al rico mosaico cultural que define Chinatown y a la historia en constante evolución de la propia ciudad de Nueva York. Rostarr- Romon K Yang: Sin título Japón HPM Serigrafía con aerosol 2005 Firmado/Numerado Experimenta la fusión de tradición y rebeldía con «Untitled Japan HPM» de Rostarr, una provocativa obra de Romon K Yang de 2005. Esta impactante pieza, realizada sobre papel con dimensiones de 27,94 x 33,02 cm, es una armoniosa combinación de pintura en aerosol y serigrafía, culminando en una edición limitada de tan solo 100 copias, cada una firmada y numerada individualmente por el artista. La obra es un testimonio del distintivo lenguaje visual de Rostarr, donde los trazos caligráficos se encuentran con la espontaneidad del arte urbano. Audaces formas rojas anclan la composición; sus contornos fluidos y círculos sólidos contrastan marcadamente con las salpicaduras crudas e improvisadas de pintura en aerosol negra. Esta interacción de color y forma crea una tensión dinámica, una sinfonía visual que captura el espíritu del arte contemporáneo. Cada pieza de «Untitled Japan HPM» es una celebración de la expresión única, pintada e impresa a mano, que se erige como una audaz firma del estilo icónico de Rostarr. La escasez de esta obra la convierte en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados deseosos de poseer un fragmento de la historia del arte que tiende un puente entre lo antiguo y lo nuevo, lo planificado y lo espontáneo. «Sin título Japón HPM» no es solo una obra de arte; es un diálogo cultural que resuena con el ritmo de la vida urbana moderna. Rostarr - Romon K Yang: Mariposa en el huracán, 2004. Serigrafía firmada y numerada. Embárcate en un viaje visual con «Mariposa en el huracán», una cautivadora serigrafía sobre papel del aclamado artista Rostarr, creada en el transformador año 2004. Esta pieza ejemplifica la interacción dinámica entre forma y fluidez, con unas dimensiones íntimas de 20 x 16 pulgadas, y forma parte de una edición exclusiva de 200 ejemplares, cada uno con la firma y el número únicos asignados por el propio artista. Creada durante la exploración artística y la ruptura de límites, «Mariposa en el huracán» se presentó junto con la innovadora exposición «Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura urbana», que celebró la confluencia de los movimientos artísticos underground y la corriente principal. La obra presenta una tormenta de formas y curvas abstractas, predominantemente en tonos azules y amarillos, que evocan la gracia caótica de una mariposa atrapada en una tormenta. Los colores vibrantes giran y danzan sobre el papel, invitando a los espectadores a contemplar la relación entre armonía y caos. Esta pieza no es simplemente una obra de arte; Es una declaración, un fragmento de historia cultural y un testimonio de la maestría del artista al fusionar la energía cruda de la cultura callejera con la sofisticación del arte contemporáneo. «Mariposa en el huracán» es una pieza imprescindible tanto para entendidos como para coleccionistas, y promete ser un tema de conversación y una joya de cualquier colección. Craig R Stecyk III: Sin título, 2004. Fotografía serigrafiada HPM única, firmada y numerada. Una pieza singular de Craig R. Stecyk III, esta obra sin título de 2004 es un brillante ejemplo de la fusión entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. Elaborada con meticulosa atención al detalle, la obra presenta un fondo personalizado pintado a mano con aerógrafo, una serigrafía a doble cara aplicada con maestría y detalles a lápiz sobre un robusto papel blanco extra grueso, libre de ácido y de calidad de archivo, de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas). Limitada a una edición de 200 ejemplares, cada pieza está numerada individualmente y lleva la firma del artista, lo que subraya su exclusividad. Esta obra se presentó con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se extendió de 2004 a 2009 y goza de gran prestigio dentro del Archivo Beautiful Losers. La procedencia de esta pieza se remonta a Iconoclast Editions, testimonio de su autenticidad e importancia cultural. Stecyk, figura clave del proyecto Beautiful Losers, creó una instalación que cautivó al público y obtuvo un reconocimiento sin precedentes. Su obra rinde homenaje a las vibrantes subculturas californianas, inspirándose en la cultura de los autos personalizados, el surf y el skateboarding, todo ello plasmado en su extensa documentación fotográfica. Como miembro fundador de Dogtown y Z-Boys, las obras de Stecyk son más que arte; son representaciones llenas de historia de un movimiento cultural decadente, plasmadas en papel con una paleta que resuena con la energía y el espíritu de las calles. Esta pieza es una expresión artística y un artefacto cultural que captura la esencia de las subculturas californianas, inmortalizada a través de la mirada visionaria de Stecyk. Craig R Stecyk III: Prueba sin título. Impresión serigráfica en gelatina de plata. Firmada y numerada. La obra sin título de Craig R. Stecyk III es una declaración de originalidad y desafío artístico. Forma parte de una exclusiva colección de 100 obras, cada una una impresión en gelatina de plata y serigrafía sobre papel, de 10,16 x 15,24 centímetros. La obra presenta con audacia la palabra «PROOF» en prominentes letras rojas, afirmando su autenticidad como impresión fotográfica original. El texto inferior funciona como declaración y restricción, enfatizando el propósito de la impresión como documento contractual y prohibiendo expresamente su reproducción, reventa y exhibición pública. La firma del artista subraya este límite de exclusividad, garabateada con energía sobre la impresión, lo que autentica cada pieza y la identifica como una entidad única dentro de la edición limitada. La firma se convierte en parte integral de la obra, fusionándose con el mensaje textual y el fondo austero, asegurando que cada impresión sea un testimonio de la singular filosofía artística de Stecyk y su legado en la comunidad artística. Tobin Yelland: Sin título. Serigrafía de Andy Roy, 2004. Firmada y numerada. La obra "Sin título (Andy Roy)" de Tobin Yelland es una impactante serigrafía que captura la esencia de la individualidad y la rebeldía, señas de identidad de la cultura urbana. Creada en 2004, esta pieza presenta la imagen de Andy Roy, figura emblemática del mundo del skateboarding, conocido por su estilo crudo y su personalidad sin complejos. Impresa en papel de alta calidad, cada ejemplar de esta edición limitada mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una serie de 200 copias. Cada una está meticulosamente firmada y numerada por Yelland, lo que garantiza su autenticidad y la sitúa dentro de una colección de objetos muy codiciados. La obra fue creada para la influyente exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición fue fundamental para celebrar y reconocer la cultura urbana dentro del panorama artístico contemporáneo, llevando la estética del skateboarding, el grafiti y otras expresiones artísticas al espacio de la galería. Originaria de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, «Sin título (Andy Roy)» es más que un retrato; es una narrativa de la subcultura, un emblema del espíritu rebelde del arte urbano y una instantánea de un movimiento que ha dejado una huella imborrable en el lienzo del arte contemporáneo. Coleccionistas y admiradores del género encontrarán en esta serigrafía una pieza que sigue resonando con la autenticidad y la vitalidad de la cultura callejera. Tobin Yelland: Fotografía firmada y numerada de Skate Smash Window PhotMills La fotografía en blanco y negro "Skate Smash Window Photo" de Tobin Yelland es una imagen cruda y dinámica que captura un momento espontáneo de rebeldía juvenil. Tomada en 2004, esta imagen personifica el espíritu de la cultura callejera y del skate de la época. La foto muestra la espontaneidad e impulsividad inherentes a la subcultura del skateboarding, personificadas en el acto de una patineta que atraviesa la ventana de un auto. La fotografía formó parte de la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición celebró la fusión de la sensibilidad callejera con el mundo del arte, llevando la autenticidad de las experiencias subculturales al contexto de las bellas artes. Procedente del archivo Beautiful Losers, con la garantía de Iconoclast Editions, esta pieza no es solo una fotografía, sino una narrativa, un fragmento de vida de una cultura que a menudo queda sin documentar. La habilidad de Yelland para capturar un momento tan crudo y sin filtros crea una conexión visceral con el espectador, ofreciendo una ventana a los aspectos más desenfrenados de la cultura juvenil. La fotografía "Skate Smash Window Photo" es un testimonio de la época que representa, sirviendo como documento histórico de la rebeldía y la energía disruptiva que caracterizan al skateboarding. Es una pieza valiosa para coleccionistas y entusiastas de la fotografía y la cultura urbana, que ofrece una mirada sin complejos a los momentos que definieron un movimiento. Mike Mills: La policía está dentro de nosotros. Serigrafía 2004. Firmada y numerada. La evocadora obra de Mike Mills, "The Cops Are Inside Us", constituye una profunda declaración en el arte contemporáneo, empleando la técnica cruda de la serigrafía impresa a mano combinada con lápiz sobre papel blanco suave, libre de ácido y de calidad de archivo. Esta obra de 2004 mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 copias firmadas y numeradas. Cada impresión de esta serie es testimonio de la aguda percepción de Mills sobre la interacción entre texto e imagen, creando una narrativa que alude a la lucha interna y la introspección social. El intenso tono rojo que domina la impresión, difuminándose en una representación cruda y realista en la parte inferior, crea un llamativo contraste visual, sugiriendo una dualidad inherente a la condición humana. Esta obra se presentó junto con la trascendental exposición "Beautiful Losers", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. La exposición destacó la importancia cultural del arte urbano y su impacto en las prácticas artísticas contemporáneas. «La policía está dentro de nosotros» refleja el sentir de su época y sigue resonando con los comentarios sociales actuales, convirtiéndose en una pieza atemporal para coleccionistas y amantes del arte con significado. Procedente de la prestigiosa colección Beautiful Losers, esta obra de Mike Mills no es solo una obra de arte; es un comentario cultural, preservado mediante serigrafía, que ofrece una perspectiva del complejo diálogo entre la sociedad y el individuo. Cheryl Dunn: Serigrafía firmada y numerada, y fotografía firmada (2004). «Drafted.» de Cheryl Dunn es una provocativa serigrafía que captura con crudeza un momento de interacción humana sobre un vibrante fondo amarillo. Esta creación de 2004 mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por la artista, lo que subraya su exclusividad. La obra presenta una escena de alto contraste con figuras silueteadas: una sentada en el suelo y las demás aparentemente en movimiento. Las siluetas de Dunn crean una narrativa universal, permitiendo a los espectadores proyectar sus propias historias y significados en la pieza. El título «drafted.» sugiere temas de compulsión y resistencia, resonando con los espectadores a un nivel profundamente personal. Presentada durante la influyente exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que se extendió de 2004 a 2009, esta obra contribuye al diálogo entre la cultura urbana y las bellas artes. La exposición fue un escaparate fundamental para artistas influenciados por expresiones subculturales como el skateboarding, el grafiti y el punk. Procedente del prestigioso archivo Beautiful Losers y producida por Iconoclast Editions, «drafted.» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de un movimiento. Es una poderosa expresión de la perspectiva de Dunn y un comentario visual sobre las fuerzas que dan forma a nuestra sociedad. Los coleccionistas de arte contemporáneo y los amantes de la cultura urbana encontrarán en esta obra una fascinante combinación de audacia estética y relevancia social. Cheryl Dunn: Impresión giclée del pasillo del Tenderloin de San Francisco, C-4, 2004, firmada y numerada. Presentamos una cautivadora impresión giclée de Cheryl Dunn que transporta al espectador al vibrante corazón del barrio Tenderloin de San Francisco. La obra, titulada "C-4 Pasillo del Tenderloin de San Francisco", es un testimonio de la aguda percepción de Dunn por lo crudo y lo real, capturando un momento evocador en un pasillo que susurra historias del tejido urbano de la ciudad. La impresión, de tamaño ideal para exhibición (38 x 25 cm), está meticulosamente numerada y firmada personalmente por Cheryl Dunn, lo que certifica su autenticidad y conexión con la visión original de la artista. Esta edición limitada consta de tan solo 100 copias, convirtiéndola en una pieza única y coleccionable para amantes del arte y admiradores de la exploración urbana. El sujeto se yergue en el estrecho pasillo, personificando una sensación de quietud en medio del potencial caos de la ciudad. Viste una llamativa chaqueta roja y verde, adornada con unas simpáticas orejas de oso que le confieren un aire de inocencia a la escena, por lo demás, cruda. Esta persona sostiene una lata de pintura en aerosol, sugiriendo una historia de arte callejero y expresión. Al mismo tiempo, los bolsillos de su chaqueta están intrigantemente repletos de latas adicionales, insinuando quizás el comentario de la artista sobre la juventud, la rebeldía o la creatividad en los espacios urbanos. La impresión de Cheryl Dunn no solo ofrece una narrativa visual, sino que también evoca una reflexión sobre el pulso cultural de la vida urbana, las múltiples historias que se esconden entre sus muros y los vibrantes personajes que transitan por sus calles. Esta obra es más que una fotografía; es un fragmento del alma de San Francisco, bellamente preservado en una impresión giclée de alta calidad. Cynthia Connolly: Sin título, serigrafía de máquina de hielo, 2004, firmada y numerada. La obra "Sin título" de Cynthia Connolly, perteneciente a su serie "Máquinas de hielo", es una cautivadora serigrafía sobre papel de impresionantes dimensiones (40,6 x 50,8 cm). Esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno con la firma de la artista y un número único que certifica su autenticidad y exclusividad. Creada con una sensibilidad especial hacia la estética estadounidense, esta obra constituye una poética documentación de las otrora omnipresentes máquinas de hielo que salpicaban el paisaje americano, ahora un emblema en extinción de una era pasada. La obra de Connolly es reconocida por su capacidad para capturar estos fugaces instantes de la vida estadounidense, preservando la nostalgia y el significado cultural que encierran estos objetos cotidianos. La serigrafía «Sin título» se publicó para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Callejera», que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición marcó un hito al llevar la crudeza de la cultura callejera a los espacios refinados de las galerías de arte, destacando la obra de artistas que se inspiran en la estética urbana, el skateboarding y las corrientes subterráneas de la subcultura. Las fotografías de Connolly, reconocidas por su conmovedora sencillez y profundidad, forman parte de las colecciones permanentes de prestigiosos museos. Esta serigrafía, perteneciente a la serie «Máquinas de Hielo», refleja su dedicación a documentar elementos de la vida estadounidense que poco a poco se desvanecen. Para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con un toque de nostalgia, «Sin título» de Connolly es una pieza imprescindible. No se trata solo de una serigrafía; es un patrimonio cultural, una profunda reflexión sobre la fugacidad de lo cotidiano y una hermosa obra de arte de una distinguida fotógrafa y artista. Geoff McFetridge: El resplandor oculto. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. «El resplandor oculto» de Geoff McFetridge es un testimonio del dominio del artista sobre el ritmo visual y la narrativa dentro de los límites de la serigrafía. Creada en 2004, esta serigrafía sobre papel mide 50,8 x 40,6 cm, un tamaño que permite que los intrincados patrones y la llamativa paleta de azules envuelvan el campo visual del espectador; cada elemento del diseño teselado palpita con una energía emblemática del arte gráfico de McFetridge. Al observarla con detenimiento, se puede discernir la meticulosa composición de formas abstractas y figurativas. Esta obra de arte con patrones es un sofisticado rompecabezas visual donde las formas geométricas y orgánicas convergen para crear una sensación de profundidad y movimiento. La repetición de los elementos cumple una función estética y teje una narrativa más profunda, aludiendo a la interconexión de los individuos dentro de una comunidad o a la naturaleza repetitiva pero única de los paisajes urbanos. Firmada por el artista, esta pieza lleva el sello personal de McFetridge, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con el proceso creativo. «El resplandor oculto» se incluyó en la renombrada exposición «The Beautiful Losers Portfolio» de la galería Agnes B en Los Ángeles, como parte de una colección que celebra la sinergia entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. También se destaca en el libro fundamental «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», publicado por Edition Iconoclast, que documenta el fenómeno cultural de esta obra. Esta serigrafía es una pieza decorativa esencial para el diálogo entre el arte pop urbano y las escenas artísticas convencionales. Es una pieza de colección que captura la esencia de la influencia de McFetridge en el lenguaje visual del arte contemporáneo. Este lenguaje resuena tanto en el entusiasta del arte exigente como en el apasionado de la vibrante cultura urbana. Ed Templeton: Sin título, Mujer sorprendida, serigrafía, 2004, firmada y numerada. Presentamos una impactante obra de Ed Templeton, "Mujer Sorprendida Sin Título", que encapsula el potencial expresivo y crudo de la serigrafía. Creada en 2004, esta pieza mide 40,6 x 50,8 cm y forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y valor como pieza de colección. Esta serigrafía muestra la singular habilidad de Templeton para capturar la condición humana en sus momentos más vulnerables y sinceros. La obra presenta la imagen de una mujer, su expresión de sorpresa o conmoción, un instante narrativo congelado en el tiempo por la mano experta de Templeton. El uso de colores contrastantes y la superposición de elementos abstractos le confieren a esta pieza una cualidad dinámica que resulta a la vez inquietante y fascinante. La imaginería está impregnada de inmediatez e intimidad, características del enfoque artístico de Templeton. Desafía a los espectadores a confrontar las emociones inesperadas y a menudo perturbadoras que sus sujetos exhiben. Las pinceladas crudas y la deliberada omisión de detalles invitan a explorar los temas de la privacidad, la emoción y la naturaleza voyeurista del arte. «Mujer en shock sin título» se publicó durante la influyente exposición «Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura callejera», que celebró la convergencia entre las escenas artísticas underground y el reconocimiento general. La obra de Templeton es un testimonio del poder del arte pop callejero para transmitir experiencias humanas profundas, lo que la convierte en una valiosa adquisición para coleccionistas y entusiastas del arte contemporáneo. James Jarvis x Amos Toys: Figura firmada de Wiggins de la serie "The Thin Blue Line" (2004) Presentamos "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins", una edición limitada de 100 figuras firmadas de 3.5x6 pulgadas, pieza de colección que fusiona el mundo imaginativo de James Jarvis con el atractivo tangible de los juguetes de arte. Creada en colaboración con Amos Toys, esta figura representa una síntesis única de arte, coleccionismo y narrativa, culminando en una figura de vinilo de 6 pulgadas (aproximadamente 10 cm) llamada Wiggins, parte de una serie exclusiva limitada a tan solo 1660 piezas en todo el mundo. Wiggins, el pequeño oficial de policía, luce orgulloso su uniforme, confeccionado con meticulosa atención al detalle. Desde la visera de su clásica gorra policial hasta las suelas de sus resistentes botas, cada elemento de su atuendo ha sido cuidadosamente diseñado para reflejar la esencia de su personaje. Porta una porra, un accesorio que sugiere su disposición para entrar en acción y restablecer el orden. Sin embargo, su rostro, con un bigote que corona una expresión severa, sugiere una personalidad más profunda que sus deberes oficiales. Cada figura viene en una caja de exquisito diseño, que luce con orgullo la firma de James Jarvis, sello de autenticidad y vínculo directo con el artista. El empaque es una obra de arte tanto como la figura misma, con una ventana que muestra la silueta de Wiggins en una presentación que difumina la línea entre juguete y escultura. Wiggins no es solo un personaje, sino un narrador nato, que encarna las complejidades de su profesión con el toque de humor y perspicacia característicos de Jarvis. Según su historia, cuando no patrulla las calles, escribe poesía confesional, ofreciendo una visión de su alma sensible, en contraste con su figura autoritaria. Esta pieza es imprescindible para los aficionados al arte pop urbano y para quienes aprecian la fusión entre arte y juego. Es un tributo al encanto peculiar y la visión creativa por la que James Jarvis es conocido, lo que convierte a "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins" en una adición destacada a cualquier colección de juguetes de arte o piezas de arte contemporáneo. ESPO - Steve Powers: Sin título, El vecino, serigrafía HPM, 2006, firmada y numerada «Sin título (Vecino...)» de Steve Powers es una obra ejemplar de arte contemporáneo que fusiona la crudeza del arte callejero con la sofisticación de una pieza de galería. Esta serigrafía sobre papel, de 40,6 x 50,8 cm, forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista, lo que garantiza su estatus de pieza de coleccionista. Una característica destacada de esta obra es que cada impresión incluye elementos únicos dibujados a mano por Powers, convirtiendo cada pieza en un tesoro irrepetible. La obra está impregnada del ingenio y el lenguaje visual característicos de Powers, con gráficos audaces y una interacción textual que transmite una narrativa compleja. Publicada en conjunto con la aclamada exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» , que se extendió desde 2004 hasta 2009, esta impresión captura la esencia de un movimiento que difuminó las fronteras entre el arte underground y el mainstream. Los diversos elementos, desde la pieza del rompecabezas "Inadaptado" hasta la figura melancólica con sombrero de copa, aluden a temas como la identidad, las presiones sociales y la búsqueda existencial de sentido. Originaria de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, "Sin título (El vecino de al lado...)" de Powers no es simplemente una obra de arte impresa; es un diálogo con el espectador, un comentario satírico sobre la condición humana y un reflejo de la voz distintiva de Steve Powers (también conocido como ESPO) en el mundo del arte. Esta pieza complementará cualquier colección de arte y dará pie a interesantes conversaciones gracias a sus imágenes vibrantes y a la singular capacidad narrativa del artista. ESPO - Steve Powers: Letreros útiles para conocidos en Nueva York. Impresión personalizada HPM 2006 Steve Powers, también conocido como ESPO, da vida a la esencia dinámica de la comunicación urbana con su obra "Señales prácticas para la gente que conoces en Nueva York" de 2006. Esta colección de pegatinas troqueladas es más que una simple decoración; es una forma de expresión que encarna el pulso de las calles de Nueva York. Cada pegatina, de 30,8 x 26 cm, es una explosión de color y simbolismo, diseñada para captar la atención y provocar la reflexión. Esta pieza categoriza ingeniosamente los diversos arquetipos que uno puede encontrar en la bulliciosa metrópolis: "CONFUSORES" con una mano señalando en azul, "ABUSADORES" con un pulgar hacia abajo en rojo, "USADORES" con un dedo índice señalando en verde y "PRODUCTORES" con un apretón de manos en negro. El vibrante amarillo del fondo actúa como un megáfono visual, amplificando el mensaje de cada señal. La obra de Powers es un comentario sobre la dinámica social de la vida urbana; cada letrero representa las complejas interacciones que definen la experiencia de la ciudad. Presentadas en una lámina de pegatinas troqueladas de alta presión mate (HPM), estas pegatinas están diseñadas para adherirse a cualquier superficie, convirtiendo objetos cotidianos en medios para el diálogo social. «Letreros útiles para gente que conoces en Nueva York» es una pieza de arte interactiva y un artefacto cultural que refleja la aguda observación del artista sobre los personajes que conforman el tejido de la vida urbana. Para coleccionistas y admiradores de la obra de Steve Powers, esta lámina de pegatinas es una mezcla única de diseño gráfico, arte urbano y comentarios irónicos: todas ellas características del estilo distintivo de Powers. Jo Jackson: Serigrafía sin título, 2004. Firmada y numerada. Incluye el libro de artista "States". La obra "Sin título" de Jo Jackson, de 2004, es una serena serigrafía que captura la esencia minimalista de las formas naturales a través del color y la forma. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, esta obra forma parte de una serie de edición limitada, y cada pieza está firmada y numerada por la artista, lo que subraya su exclusividad y valor de colección. "States" es un fanzine desplegable de edición limitada a 100 ejemplares. La serigrafía presenta un pico helado y austero sobre un excelente fondo azul, evocando una sensación de calma y contemplación. La cima de la montaña se corona con un copo de nieve singular y detallado, que sugiere la pureza y la singularidad de las creaciones de la naturaleza. Debajo, un campo de puntos blancos danza sobre la base, reminiscente de una suave nevada o un cielo estrellado. Publicada en el marco de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" (2004-2009), la obra de Jackson refleja las cualidades introspectivas y a menudo meditativas que el arte contemporáneo puede suscitar. La exposición fue un evento histórico que presentó a artistas inspirados en la cultura callejera, el grafiti, el skateboarding y otras expresiones artísticas subculturales. Esta obra, proveniente del archivo Beautiful Losers, representa un momento en el arte contemporáneo donde convergen la sencillez y el simbolismo. Para coleccionistas y aficionados, "Sin título" de Jackson no es solo una impresión, sino una pieza de serena belleza que invita a la reflexión en medio del caos cotidiano. Es un testimonio de la habilidad del artista para destilar emociones complejas en una sola imagen conmovedora. Thomas Campbell: Gente de Pangea. Serigrafía, 2005. Firmada y numerada. «Gente de Pangea, ¡uníos!», de Thomas Campbell, es una cautivadora serigrafía sobre papel que plasma una perspectiva ingeniosa y reflexiva sobre la unidad y el mundo natural. Esta obra de 2005 forma parte de una serie limitada, firmada y numerada individualmente por el artista, lo que convierte cada impresión en una pieza de colección. La obra representa un paisaje surrealista donde las figuras humanas se fusionan con el tronco de un árbol, creando una metáfora visual de la interconexión. En la parte superior, se despliega un bocadillo con el texto: «¿QUÉ CONSERVAN EXACTAMENTE LOS CONSERVADORES?», una provocativa pregunta que invita a la reflexión sobre la responsabilidad política y ambiental. La pieza está salpicada de vibrantes toques de color sobre una paleta de tonos tierra, atrayendo la mirada a través de la lúdica composición. Publicada para la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, la serigrafía de Campbell encarna la celebración de las formas artísticas subculturales y su influencia en el arte contemporáneo que caracterizaba la exposición. La exposición fue un importante evento cultural que trasladó la esencia del skateboarding, el grafiti y el arte urbano al espacio de la galería. «Gente de Pangea, ¡uníos!» es un testimonio de la singular habilidad de Campbell para fusionar lo fantástico con lo crítico, ofreciendo una declaración estéticamente atractiva e intelectualmente estimulante. Para los coleccionistas, esta obra no es solo una pieza de arte; es un tema de conversación que captura un momento distintivo en la historia del arte contemporáneo, caracterizado por su audacia y su capacidad para desafiar el statu quo. Thomas Campbell: Cartera personalizada hecha a mano de edición limitada de T Moe Still Smoking Paul Frank 2005 La cartera "Still Smoking" de Thomas Campbell es una pieza única, hecha a mano, una obra de arte funcional que fusiona utilidad con la vibrante cultura urbana. Creada en 2005, esta edición limitada celebra el estilo personal y el talento artístico. Adornada con una miríada de ilustraciones originales, sello distintivo de la estética de Campbell, la cartera luce un fondo azul claro con imágenes vívidas y contrastantes. Desde la representación lúdica de nubes hasta las estructuras estilizadas y las figuras caprichosas, cada elemento está plasmado con alegría y una audaz sensibilidad gráfica. La cartera se lanzó como parte de la conmemoración de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Este evento mundial marcó un hito al mostrar la intersección del skateboarding, el graffiti y el arte urbano dentro de la escena del arte contemporáneo. La cartera "Still Smoking" de Campbell no es solo un accesorio, sino una pieza de colección que captura la esencia de una época en la que el arte no se limitaba a las galerías, sino que se llevaba en el bolsillo, formando parte de la vida cotidiana. Es un homenaje al espíritu de "Beautiful Losers" y una pieza imprescindible para los coleccionistas que aprecian la fusión entre el arte y la vida diaria. Andy Jenkins: Sin título Hang Unique Impresión HPM 2005 Firmada/Fechada Una obra cautivadora de Andy Jenkins, esta pieza forma parte de una colección única de 100 impresiones de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 28 x 23 cm. Esta obra sin título es una sinfonía de elementos visuales que combina tipografía, diseño gráfico e ilustraciones dibujadas a mano para crear una narrativa compleja. La pieza presenta con audacia la palabra "HANG" en letras sobredimensionadas y escalonadas que dominan el campo visual, sobre un fondo que fusiona de forma intrigante elementos de un calendario y escritura manuscrita, sugiriendo el paso del tiempo y la fugacidad de los momentos. Un cohete esbozado junto a la tipografía añade una sensación dinámica de movimiento y exploración, enriqueciendo aún más la historia que cuenta la impresión. Cada impresión de esta edición limitada está firmada y fechada individualmente por Jenkins, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con la trayectoria creativa del artista. Esta obra no es solo una declaración visual, sino un testimonio del enfoque multidisciplinario de Jenkins, donde texto e imagen se entrelazan para cautivar y desafiar al espectador. Andy Jenkins: Círculo sin título HPM Impresión única 2005 Firmada/Fechada La obra "Circle Untitled HPM Print" de Andy Jenkins, de 2005, es un ejemplo excepcional de grabado contemporáneo que fusiona la simplicidad de las formas geométricas con la complejidad de la expresión individual. Esta pieza, una de cien impresiones únicas de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 28 x 23 cm, demuestra el dominio de Jenkins en la forma, el color y la composición. La obra presenta dos círculos negros y audaces que dominan el campo visual; conforman un estudio de perfecta simetría y equilibrio. Alrededor de estas figuras centrales se aprecian notas manuscritas y garabatos, algunos claros, otros borrosos, que sugieren el proceso creativo del artista o quizás pensamientos intencionalmente crípticos. La impresión se presenta sobre un fondo blanco impoluto, que no solo acentúa la viveza de los círculos negros y los detalles rojos dentro de uno de ellos, sino que también resalta el sutil texto y el trabajo de línea que invitan al espectador a observar con detenimiento. Cada impresión de esta serie está firmada y fechada por Jenkins, lo que denota un toque personal y una autenticidad que los coleccionistas y admiradores del arte suelen buscar. La naturaleza de edición limitada de estas impresiones hace que cada una sea única, tanto por su lugar en la serie como por las ligeras variaciones propias de la impresión de inyección de tinta. «Circle Untitled HPM Print» de Jenkins no es solo una experiencia visual, sino también táctil, ya que la elección del papel y la técnica de impresión por parte del artista contribuyen a la presencia general de la obra. Es una muestra de la habilidad de Jenkins para transmitir profundidad y narrativa dentro de un marco minimalista, invitando al observador a un diálogo silencioso, reflexivo y universal. Con sus líneas puras y detalles intrigantes, esta pieza es una valiosa adición a cualquier colección que aprecie la intersección entre el diseño moderno y la expresión personal en el arte del grabado. Andy "Mel Bend" Jenkins: Serigrafía "Scrabble Scrabble" 2005 Firmada/Numerada «Scribble Scrabble» de Andy Jenkins es una fascinante obra de serigrafía y grafito sobre papel que cautiva al espectador con su audaz estilo gráfico y su ingeniosa interpretación tipográfica. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm, esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno numerado y firmado personalmente por Jenkins, lo que certifica su singularidad y valor como pieza de colección. La composición presenta un puño alzado entrelazado con líneas fluidas que recuerdan a cintas, sobre un fondo de suaves tonos grises, rematado por el lema homónimo «Scribble Scrabble» en llamativos colores negro y rojo. La sensibilidad gráfica de Jenkins, perfeccionada a lo largo de los años como figura clave en la cultura del skateboarding, se muestra en todo su esplendor, fusionando elementos del arte urbano con una delicada sensibilidad artística. Presentada junto con la influyente exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» (2004-2009), «Scribble Scrabble» representa la evolución creativa de la estética del skateboarding en las galerías de arte. Jenkins, un artista polifacético conocido por su trabajo como dibujante de cómics, ilustrador y director creativo, cofundó la revista Dirt con Spike Jonze y Mark Lewman a principios de los 90, consolidando aún más su influencia en la subcultura. «Scribble Scrabble» de Andy Jenkins es más que una lámina; refleja una fuerza creativa que moldeó el lenguaje visual de la cultura del skateboarding. Ocupa un lugar de honor en el Archivo Beautiful Losers, representando una época en la que las fronteras entre la subcultura y la alta cultura se difuminaban y se entrelazaban de forma armoniosa. Terry Richardson: Objeto de arte con gafas Smilen Broadway, 2004 Esta fascinante obra de arte de Terry Richardson, titulada "Gafas Smilen Broadway", es un testimonio de la fusión entre diseño funcional y expresión artística. Presentadas como objeto de arte desde 2004, estas gafas negras representan el distintivo estilo visual de Richardson, conocido por su audacia y franqueza. Las gafas miden aproximadamente 7,6 x 20,3 x 7,6 cm, plasmando un estilo elegante en su formato compacto. Sobre un fondo con la inscripción "Colección Broadway SMILEN EYEWEAR", sugieren una temática que entrelaza el comercialismo con la identidad personal. Las lentes acrílicas transparentes están engastadas en una clásica montura negra, un color con un atractivo atemporal. Estas gafas no son simples accesorios; son piezas que reflejan la personalidad de quien las lleva y la perspectiva única del artista sobre los objetos cotidianos. Elaboradas con meticulosa atención al detalle, las gafas llevan las especificaciones "ESTILO STEVEN COLOR NEGRO TALLA 56-16 PATILLAS 145", lo que denota su carácter personalizado. La obra de arte difumina las fronteras entre los objetos prácticos y los de colección, desafiando los límites de lo que se suele percibir como arte. El trabajo de Richardson invita a reflexionar sobre la intersección entre la cultura visual, la moda y la expresión personal, convirtiéndose en una pieza imprescindible para cualquier colección que valore la integración innovadora del arte en la vida cotidiana. Ari Marcopoulos: Justin, serigrafía, 2004, firmada y numerada «Justin», de Ari Marcopoulos, captura un momento del retrato contemporáneo. Esta serigrafía de 2004, realizada sobre papel de archivo libre de ácido, mide 20 x 16 pulgadas. Forma parte de una codiciada edición limitada de tan solo 200 piezas, cada una meticulosamente firmada y numerada por Marcopoulos, lo que garantiza su exclusividad y valor como pieza de colección. Sobre un fondo rosa intenso, el retrato de «Justin» es un fascinante estudio de carácter y forma. El marcado contraste entre el vibrante fondo y el sujeto monocromático permite que la figura emerja con profundidad e introspección. La expresión neutra del sujeto se plasma con una estética minimalista, capturando una mirada serena pero penetrante que parece trascender el papel. Esta obra se publicó con motivo de la exposición «Beautiful Losers», una celebración del arte que difumina las fronteras entre la cultura urbana y el arte culto. Refleja el espíritu del movimiento, encapsulando una instantánea cruda y auténtica de la juventud y la subcultura. «Justin» no es solo un retrato; es una declaración, una pieza que interpela al coleccionista que aprecia la convergencia del arte con el espíritu de su época. Es una adición atemporal a cualquier colección, que ofrece belleza estética y significado cultural. Ari Marcopoulos: "Puede que me equivoque" Libro de arte del artista 2005 Esta imagen es una impactante pieza visual del libro de arte de Ari Marcopoulos, "I Might Be Wrong", publicado como fanzine de edición limitada y numerada de 100 ejemplares en 2005. Esta cautivadora obra muestra la habilidad de Marcopoulos para capturar la esencia cruda y auténtica de la cultura callejera. La fotografía, impresa en offset para lograr un detalle preciso y nítido, mide 20,32 x 12,7 cm, un tamaño que invita a una observación minuciosa y a una conexión personal con el espectador. En esta representación monocromática, una figura se yergue ante una pared de ladrillo desgastada, con su identidad oculta tras lo que parece ser un radiocasete con ojos, evocando una sensación de anonimato urbano y subterfugio artístico. El radiocasete es un símbolo conmovedor de la música y la escena callejera de las últimas décadas, sugiriendo una narrativa que entrelaza la expresión personal con artefactos culturales. El fondo está cubierto de folletos, incluyendo uno que anuncia la Galería Alleged, proporcionando contexto y situando la imagen en un entorno cultural específico. Esta edición numerada y limitada a 100 ejemplares es una pieza de coleccionista que ofrece una mirada íntima a la perspectiva del artista sobre la vida urbana y el arte. Marcopoulos es conocido por su estilo documental que a menudo explora los márgenes de la cultura dominante, y esta imagen es testimonio de su capacidad para encontrar belleza y significado en lo cotidiano. Coleccionistas y admiradores de la fotografía contemporánea y el arte urbano reconocerán el valor de este libro de arte como referente de la narrativa dinámica y en constante evolución de la cultura callejera. Todd James: Vivo de placer. Serigrafía 2005. Firmada y numerada. Presentamos "Alive With Pleasure" de Todd James, una extraordinaria serigrafía sobre papel de 2005 que vibra con la energía característica y el estilo inconfundible del artista. Esta pieza, de 17,8 x 12,7 cm, forma parte de una exclusiva edición numerada de 100 ejemplares, lo que la convierte en una rara pieza de colección para los amantes del arte contemporáneo. En esta obra, James continúa explorando los temas de alegría y exuberancia que impregnan gran parte de su producción artística. La composición presenta dos figuras representadas en un llamativo y lúdico tono rosa monocromático. En primer plano, destaca un personaje que sostiene un cigarrillo; su expresión de felicidad pura, con los ojos cerrados y una amplia sonrisa que transmite una sensación de satisfacción y deleite, refleja una profunda felicidad. Detrás de ella, una segunda figura, parcialmente oculta, se hace eco de este sentimiento con una mano sobre la boca mientras fuma, sugiriendo risas o un secreto compartido. El trazo de James en "Alive With Pleasure" es fluido y seguro, con una exageración caricaturesca inmediatamente reconocible como su sello distintivo. Los personajes están adornados con detalles como el motivo del arcoíris en la camisa de la figura central, que añade un atractivo visual y podría interpretarse como un guiño a la diversidad y la inclusión. Esta serigrafía no es solo una obra de arte; es una instantánea de felicidad, una representación de los pequeños placeres de la vida y una celebración de los momentos que nos hacen sentir realmente vivos. Es un testimonio de la habilidad de Todd James para capturar la esencia del arte pop urbano y plasmarla en un formato que conecta con el espectador a un nivel visceral. Para los coleccionistas y admiradores de la obra de Todd James, «Alive With Pleasure» es más que una obra de arte: es una inyección de alegría y una fiel representación del atractivo perdurable del artista. Todd James: Serigrafía de BullieJames, 2005, firmada y numerada Presentamos "Bullies" del aclamado artista Todd James, también conocido en el mundo del arte como REAS. Esta serigrafía sobre papel de 2005 es un vibrante testimonio de su renombrado estilo, profundamente arraigado en la cultura urbana y la estética animada. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm, esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista, lo que garantiza su singularidad y valor para coleccionistas. La obra presenta cuatro personajes caricaturescos, cada uno con expresiones y gestos exagerados que transmiten una sensación de movimiento e interacción. Con su tez verdosa y el puño alzado, la figura dominante simboliza el arquetipo del "matón", un tema recurrente en la obra de REAS, que a menudo explora las dinámicas de poder y los roles sociales desde una perspectiva lúdica pero crítica. Presentada en conjunto con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", "Bullies" encapsula la energía y el espíritu del movimiento de la cultura urbana. El uso de colores primarios vibrantes y líneas fluidas caracteriza el estilo de Todd James, donde fusiona elementos del grafiti con una refinada sensibilidad artística. Esta obra es un deleite visual y una pieza clave en el diálogo entre el arte urbano y el arte contemporáneo convencional. Resuena con el espíritu rebelde de las escenas underground de las que surgió Todd James, a la vez que refleja las narrativas sociales más amplias de confrontación y resiliencia. «Bullies» es un ejemplo contundente del impacto de Todd James en la evolución del grafiti y el arte pop urbano, convirtiéndola en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados. Encarna la fusión de la astucia callejera y la elegancia estética, un sello distintivo de la trayectoria artística de James y una valiosa adición a cualquier colección. Wes Humpston: Serigrafía de Bulldog Skates, 2004, firmada y numerada. Con una impactante combinación de imágenes audaces y colores vibrantes, la obra «Bulldog Skates» de Wes Humpston es una pieza profunda que captura la esencia de la cultura del skateboarding. Creada en 2004, esta obra está realizada con serigrafía y grafito sobre papel y mide 50,8 x 40,6 cm. Pertenece a una edición especial limitada a 200 piezas, cada una meticulosamente numerada y firmada personalmente por el artista, estableciendo una conexión directa entre Humpston y el coleccionista. Esta obra se presentó durante la aclamada exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró el rico lenguaje visual de la cultura urbana y su influencia en el arte contemporáneo. «Bulldog Skates» es emblemática del estilo distintivo de Humpston, que incorpora elementos del arte pop urbano y el grafiti. La imagen central —un bulldog de ojos llameantes envuelto en vibrantes llamas verdes— no es solo un logotipo, sino un ícono que representa el espíritu rebelde y la pasión ardiente de los skaters. El texto vertical que bordea la figura central, con reminiscencias de grafitis, lleva el nombre «Bulldog Skates», reforzando la identidad de la marca y sus raíces en la energía cruda y auténtica del arte urbano. La obra de Humpston es un testimonio de la autenticidad y la libertad creativa que definen la escena del skate callejero, conectando tanto con aficionados como con coleccionistas de arte. «Bulldog Skates» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de una época y una comunidad que prospera al margen de las normas sociales. Glen E Friedman: Mis reglas. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. Esta dinámica serigrafía, «My Rules», del aclamado artista Glen E. Friedman, fue creada en 2004. Esta obra, una audaz representación del impacto de la cultura urbana en las artes visuales, mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición limitada de tan solo 200 ejemplares disponibles en todo el mundo. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por Friedman, lo que le confiere una autenticidad personal. Elaborada con la precisión y la viveza características de la serigrafía, «My Rules» funciona como un manifiesto visual del espíritu punk y del skateboarding. La obra se presentó como parte de la icónica exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró la fusión del arte urbano con el arte de galería. «My Rules» es un emblema de la trayectoria del artista, dedicada a documentar el espíritu rebelde de las subculturas juveniles. La serigrafía es un montaje de retratos enérgicos y fotografías de acción real, centrado en una figura imponente que expresa el sentimiento que da título a la obra. La tipografía verde lima eléctrica irrumpe sobre el fondo monocromático, afirmando el tono desafiante de la obra. Esta pieza no es solo una obra de arte; es un archivo histórico que captura la esencia de un movimiento. Encarna la voz de una generación que desafió las normas y vivió según sus propias reglas. Poseer una pieza de esta edición no es solo una inversión en arte; es un reconocimiento de un período transformador en el arte contemporáneo, donde las calles dialogaban con el estudio, y Glen E. Friedman estuvo allí para capturarlo todo. Chris Johanson: Sin título ¿Por qué están tan frenéticos? Serigrafía 2004 Firmada/Numerada Sin título, ¿Por qué están tan frenéticos?, de Chris Johanson, es una impactante serigrafía que transmite un mensaje elocuente a través de su combinación de texto e imágenes. Creada en 2004, esta pieza está impresa meticulosamente en papel de archivo libre de ácido y mide 50,8 x 40,6 cm. Forma parte de una edición limitada de tan solo 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado a mano por el propio Johanson. Esta obra fue concebida para la innovadora exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que celebró los influyentes movimientos del skate, el grafiti y el arte urbano entre 2004 y 2009. La pieza presenta una figura alienígena estilizada con un contorno minimalista, que sirve como vehículo para un mensaje que invita al espectador a reflexionar sobre la histeria y la vulnerabilidad en la sociedad. El fondo verde brillante y llamativo acentúa la urgencia y el carácter reflexivo del texto. La obra de Johanson se exhibió en diversas ciudades como parte de la exposición "Beautiful Losers". Posteriormente, se exhibió en las muestras "Transfer" en Brasil, en el Santander Cultural de Porto Alegre y en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo. La influencia y el alcance de la obra se documentan con mayor detalle en las bibliografías de "Beautiful Losers" y "Transfer". Procedente del Archivo Beautiful Losers, esta obra es una pieza de cultura visual y una instantánea histórica que encapsula el espíritu de un movimiento que difumina las fronteras entre la galería y la calle. Ofrece una oportunidad única para que coleccionistas y aficionados se acerquen a un momento crucial del arte contemporáneo a través de la mirada introspectiva de Johanson. Chris Johanson: Juego de chapas numeradas de Love Not War, edición 2004 «Love Not War» de Chris Johanson es una colección de chapas que invita a la reflexión, con unas dimensiones de 10 x 17,78 centímetros. Esta colección, presentada en una edición limitada de 100 ejemplares, refleja el compromiso de Johanson con temas sociopolíticos contemporáneos, plasmados en los breves y contundentes mensajes de cada chapa. Las chapas, sobre un vibrante fondo amarillo con una destacada en verde, funcionan como arte portátil que invita a la reflexión y al diálogo. Reflejan el compromiso del artista con la paz, su apoyo al emprendimiento local y su crítica a la cultura del consumo y la guerra. Cada chapa es un punto de partida para la conversación, desde la defensa de la vigilancia de los derechos humanos en el comercio global hasta la promoción de la tranquilidad interior y el amor. Esta colección numerada es una obra de arte y un comentario histórico, que captura la esencia del activismo y la expresión personal en pequeños manifiestos. El arte de Johanson convierte el acto de llevar una chapa en una declaración de principios únicos y una llamada a la conciencia social. Mark Gonzales y Harmony Korine: "Adulthood" Artist Art Zine 1995 «Adulthood» es un conmovedor fanzine de arte colaborativo de 1995, obra de Mark Gonzales y Harmony Korine, artistas conocidos por su influyente trabajo en las comunidades del skateboarding y el cine, respectivamente. Este fanzine es un manifiesto físico de la subcultura de la época, plasmado mediante la técnica de la fotocopia, lo que le confiere una estética cruda y auténtica. Con unas dimensiones aproximadas de 20,32 x 12,7 cm, el fanzine es un testimonio tangible del espíritu «hazlo tú mismo» que impregnaba las escenas artísticas underground de entonces. La portada presenta una imagen granulada y de alto contraste de cuatro jóvenes, que evoca el estilo de los retratos de principios del siglo XX, pero rebosante de la actitud desafiante de los años 90. Debajo de la imagen, los nombres «Mark Gonzales» y «Harmony Korine» proclaman con audacia esta colaboración, uniendo dos fuerzas creativas distintas en una visión compartida. El título «ADULTHOOD» destaca en letras mecanografiadas, junto a la fecha «Primero de marzo de 1995, aproximadamente», situando la obra en un momento específico de la producción cultural. Limitada a 100 ejemplares, esta edición es tanto una pieza de colección como un fragmento de historia cultural, que captura el espíritu de una generación en la transición a la adultez, pero profundamente arraigada en la cultura juvenil subversiva de la época. Cada fanzine es una instantánea del período, un artefacto tangible que encarna el espíritu de colaboración y creatividad por el que Gonzales y Korine son reconocidos. Esta obra es imprescindible para coleccionistas y entusiastas de la cultura del skate de los 90, el cine independiente y la energía cruda del arte urbano. Mark Gonzales: Ambientador Krooked de edición limitada, objeto de arte, 2004 Encarnando la estética de la cultura del skate, Mark Gonzales presenta el ambientador Krooked de edición limitada, un vibrante objeto de arte que fusiona funcionalidad con el estilo del arte urbano. Lanzado en 2004 como parte del portafolio Beautiful Losers, estos ambientadores trascienden su uso práctico, convirtiéndose en piezas de colección que reflejan la visión artística de Gonzales. Cada ambientador presenta el carácter lúdico e irreverente de la distintiva marca de skateboarding Krooked, plasmado en contornos gráficos audaces. Disponible en dos diseños, el primero luce un intenso tono púrpura, que representa el motivo de los ojos de Krooked. En contraste, el segundo diseño muestra el personaje característico de la marca en un blanco puro sobre un llamativo fondo azul. Estos objetos de arte fueron seleccionados para la influyente exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que celebró el espíritu DIY en el arte entre 2004 y 2009. La colección captura la esencia de la cultura urbana, impregnando objetos cotidianos con un sentido artístico y de rebeldía contra lo convencional. Originarios de Iconoclast Editions y el prestigioso Beautiful Losers Archive, los ambientadores Krooked ocupan un lugar especial en la historia del arte contemporáneo. Son testimonio del impacto de GGonzales en las comunidades del skateboarding y el arte, y símbolo de la integración del arte underground en la vida cotidiana de la época. Estas piezas de edición limitada son codiciadas por coleccionistas y aficionados, y representan un momento en que la cultura urbana se abrió paso con audacia en el mundo del arte. Phil Frost: Rotulador recargable para pósteres extra anchos personalizados 2004 Phil Frost presenta una fusión única de utilidad y arte con sus marcadores Superwide Marker y Poster Marker, creados en 2004. Estos marcadores de plástico recargables, diseñados a medida, son más que simples herramientas; son obras de arte individuales, de aproximadamente 5 x 12,5 cm, y forman parte de una edición limitada de 00 unidades cada uno. Los marcadores están adornados con los distintivos motivos tribales de Frost en negro sobre un vibrante fondo naranja. Este diseño es fácilmente reconocible para quienes conocen la obra de Frost, famoso por sus intrincados patrones y su agudo sentido del lenguaje visual primitivo y a la vez contemporáneo. Procedentes de Iconoclast Editions y parte del archivo "Beautiful Losers", estos marcadores encarnan el espíritu de la exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana". Este proyecto celebró la cultura del "hazlo tú mismo" y el arte urbano que influyeron en una generación de artistas. Para MMills'srs, estos marcadores son una muestra tangible de la exposición, que encapsula la esencia del impacto de la cultura urbana en el arte contemporáneo. Son un testimonio de la visión donde el objeto cotidiano se convierte en lienzo, fusionando forma y función con la fluidez del arte callejero. Estos marcadores son objetos funcionales y piezas de colección que transmiten el estilo característico del artista a creativos y amantes del arte por igual. Mike Mills: La arquitectura de la tranquilidad (Minilibro de 1999) «La arquitectura de la tranquilidad» de Mike M. Mills es un cautivador libro de artista en rústica que sirve como extensión visual de su cortometraje. Publicado en 1999, esta primera edición mide 17,8 x 10,8 cm y es una pieza de colección poco común, procedente directamente del archivo de Beautiful Losers. En sus páginas, el libro ofrece una rica colección de fotografías y fotogramas que capturan la esencia del viaje de una joven a través de los paisajes suburbanos de Los Ángeles. Estas imágenes se entrelazan para crear una narrativa que explora temas como el aislamiento urbano, la búsqueda de identidad y la reconfortante, aunque a veces estéril, uniformidad del diseño residencial. La obra de Mills es reconocida por su capacidad para destilar profundas observaciones socioculturales en imágenes minimalistas. «La arquitectura de la tranquilidad» no es la excepción, reflexionando con profundidad sobre nuestros entornos y cómo estos moldean nuestras experiencias y percepciones. Esta publicación íntima es un libro y una galería portátil del talento cinematográfico y fotográfico de M. Mills. Para los admiradores de la obra de MMills y aquellos interesados ​​en la interacción entre el cine, la fotografía y la teoría urbana, este artista es una valiosa adición a su colección, ya que ofrece una pieza tangible del espíritu de la época de finales del siglo XX. Clare Rojas: Peggy Honeywell Faint Humms CD Edición Limitada 2004 Esta obra de arte es un CD de edición limitada titulado "Faint Humms" de Peggy Honeywell, de Clare E. Rojas, artista cuyo trabajo abarca diversos medios y que a menudo explora temas de identidad y folclore. Lanzado en conjunto con la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", este CD no solo es un vehículo del arte sonoro de Rojas, sino también un objeto de colección que representa la intersección entre la música y las artes visuales dentro del ámbito de la cultura urbana. El CD se presenta en una llamativa caja naranja, que subraya el audaz uso del color por parte de Rojas en sus obras visuales. La caja está envuelta en una espuma protectora, lo que garantiza la conservación del disco y refleja el cuidado que se suele dar a las obras de arte. El disco, con su superficie reflectante que crea un espectro de colores, evoca el estilo característico de Rojas, que a menudo emplea tonalidades vibrantes y contrastantes. Esta pieza constituye una conexión tangible con el espíritu de la exposición "Beautiful Losers", que celebró las diversas formas de arte surgidas de la cultura urbana y su influencia en el arte contemporáneo. Este CD, de edición limitada, captura un momento singular en la historia del arte y plasma el espíritu creativo de una época en la que se difuminaron las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas para dar lugar a nuevas formas de expresión. Coleccionistas y admiradores de la obra de Clare E. Rojas, así como quienes aprecian el legado de la cultura urbana en el arte, encontrarán en este CD una valiosa adición a su colección. Ryan McGinness: Paquete de pegatinas personalizadas 2005, firmadas y numeradas Esta obra de arte es un paquete de pegatinas personalizado del Multiverso de Ryan McGinness, un artista reconocido por sus representaciones gráficas y formas orgánicas. El paquete, lanzado en 2005, forma parte de una edición especial limitada a 100 copias, cada una meticulosamente firmada y numerada por McGinness, indicando su posición como la número 100. Las dimensiones del estuche son 12,7 x 12,7 cm, un tamaño compacto que encapsula la esencia de la filosofía de diseño de McGinness. Presentado en un elegante estuche plateado con un brillo metálico, el paquete transmite una sensación de exclusividad y modernidad. La firma del artista en el lado izquierdo del sobre certifica la originalidad de la obra. A su vez, el icónico emblema de la corona del logotipo de Ryan McGinness Studios en el lado derecho es un sello de calidad y autenticidad. En el interior, el estuche contiene una variedad de pegatinas, cada una un fragmento del vibrante multiverso de McGinness. Estas no son meros adornos; Son obras de arte adhesivas que permiten llevar consigo un fragmento de la estética de McGinness. Las pegatinas funcionan como una galería portátil, una democratización del arte que constituye la esencia del espíritu de McGinness. Este paquete de pegatinas Multiverse es un objeto de colección que difumina las fronteras entre el arte elevado y el arte accesible de las pegatinas. Para los admiradores de la obra de Ryan McGinness, este paquete representa una oportunidad única para poseer una pieza de la historia del arte interactiva, lúdica y profundamente arraigada en el lenguaje visual de la cultura contemporánea.

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Estudio Remio- 04 Original Único en su Tipo, Técnica Mixta, Pintura en Aerosol, Pintura Acrílica sobre Papel de Bellas Artes del Popular Artista de Graffiti Callejero Remio. Técnica mixta sobre papel de bellas artes. Tamaño: 54 x 50 pulgadas. Lanzamiento: 31 de enero de 2020. Tirada: 1 unidad. Masivo

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Snoopy Bad INC es un artista de graffiti multimedia original: arte pop moderno sobre letreros de metal reales de Sonic Bad. Letrero de seguridad original de 2015, técnica mixta con pintura en aerosol sobre hojalata, firmado. Obra de Sonic BAD INC Snoopy Bad INC. Tamaño: 14x10. Representa a Snoopy, el Barón Rojo de Peanuts, y a Woodstock Bomber en un grafiti estilizado, con pistola, cámara de seguridad y muñeco de nieve. La singular mezcla de iconografía de Sonic Bad: Snoopy Bad INC «Snoopy Bad INC» de Sonic Bad es una obra impactante que fusiona la esencia de los personajes clásicos del cómic con la crudeza del arte urbano, demostrando la habilidad del artista para combinar referencias de la cultura pop con una estética callejera. Esta pieza de 2015 es una obra de técnica mixta sobre hojalata, que utiliza pintura en aerosol para dar vida a una señal de seguridad que de otro modo sería común. Con unas dimensiones de 35,5 x 25,5 cm, esta obra original firmada presenta una versión de los entrañables personajes de Peanuts, Snoopy y Woodstock, reinterpretados como iconos rebeldes en un estilo de grafiti. Interpretando las narrativas callejeras a través de la lente de la cultura pop Sonic Bad, artista reconocido por desafiar los límites del arte pop urbano, dota a "Snoopy Bad INC" de múltiples significados. Al representar a Snoopy el Barón Rojo y a un terrorista, a Woodstock con una pistola, yuxtapuestos con una cámara de seguridad y un muñeco de nieve, la obra reflexiona sobre el estado de vigilancia y la pérdida de la inocencia en la sociedad contemporánea. La imaginería lúdica contrasta con el mensaje subyacente sobre la seguridad, la vigilancia y la militarización de la vida cotidiana. La transformación de figuras familiares y reconfortantes en agentes de anarquía o resistencia es un tema recurrente en el arte pop moderno y el grafiti, donde la recontextualización de imágenes conocidas desafía las percepciones y expectativas del espectador. La representación de Sonic Bad invita a reflexionar sobre cómo la inocencia y la alegría pueden corromperse por el control social y la violencia. Comentarios sobre la elaboración de lienzos y metales La elección de una señal de tráfico metálica como lienzo para "Snoopy Bad INC" resulta especialmente significativa, sugiriendo una subversión de la autoridad y una reivindicación del espacio público, generalmente determinado por este tipo de señales. La adaptación que hace Sonic Bad de la señal, un símbolo diseñado para regular y advertir, convirtiéndola en una obra de arte, subraya la recuperación del poder de decisión, transformando una herramienta de control en un medio de libre expresión. El uso de técnicas mixtas en "Snoopy Bad INC" destaca la versatilidad de Sonic Bad como artista. La pintura en aerosol, elemento básico del arte urbano, aporta un toque urbano a la obra. A su vez, la incorporación de otros medios añade textura y profundidad, creando una pieza visualmente impactante y que invita a la reflexión. La obra se erige como testimonio del poder del arte urbano para transformar objetos e iconos cotidianos en declaraciones profundas. Evolución artística e impacto de Sonic Bad «Snoopy Bad INC» ejemplifica la evolución de Sonic Bad como artista y su impacto en el arte pop urbano y el grafiti. Su habilidad para fusionar elementos de la cultura popular, el estilo del arte urbano y la crítica social lo sitúa entre las figuras más destacadas del género, capaz de generar debate y desafiar las normas sociales. La obra constituye una valiosa aportación al discurso del arte urbano, reflejando la capacidad del género para adaptarse y evolucionar. El trabajo de Sonic Bad, a través de piezas como «Snoopy Bad INC», continúa influyendo e inspirando, garantizando la relevancia y la vitalidad del arte pop urbano en un panorama cultural en constante cambio. El legado de este arte reside en su capacidad para conectar, provocar y perdurar, al igual que el artista que lo creó.

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Obras originales únicas de Supreme Drip: pastas de trigo, tinta y pintura en aerosol sobre madera en capas, del popular artista de graffiti callejero Peter Van Flores. 2022. Obra original firmada de SUPREME Drip Wood Cut. Un homenaje a SUPREME. Tinta, pintura en aerosol y engrudo sobre varias capas de madera tallada a mano. Pieza única. Tamaño mediano. Dimensiones únicas con curvas. Collage original de pintura en aerosol Supreme Drip de Peter Van Flores.

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Van Gogh - Escultura de lata de pintura en aerosol amarilla de edición limitada. Obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop, Mr Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño de la obra: 3x8 pulgadas. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Exclusivo y muy raro: Mr. Brainwash, la obra de arte en aerosol de edición limitada de Thierry Guetta.

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Letrero callejero original de Lagos pintado con aerosol por Atomik Mixed Media. Arte pop moderno de graffiti sobre metal real, listo para colgar. Pintura original firmada de 2023 sobre metal reciclado de una señal de construcción de una carretera urbana. Tamaño de la obra: 36x36 pulgadas. Color: Naranja Atomik sonriente pintado con aerosol. En el vibrante mundo del grafiti moderno y el arte pop, Atomik emerge como una voz única, creando obras que conectan profundamente tanto con los aficionados al arte como con los entusiastas del arte urbano. Su obra de 2023, titulada "Lagos", es un ejemplo perfecto de su genialidad. Realizada sobre una señal de construcción de metal reciclada, esta pieza no es solo una pintura, sino una fusión de arte y elementos urbanos. Con unas dimensiones de 91x91 cm, "Lagos" es una oda al entorno urbano del que Atomik extrae su inspiración. La pieza central, el sonriente Atomik Orange pintado con aerosol, es reconocible al instante y evoca una sensación de familiaridad, tendiendo un puente entre la calle y la galería de arte. El fondo, una auténtica señal de construcción de metal, añade capas de autenticidad y crudeza a la obra. Su aspecto desgastado, marcado por el paso del tiempo, cuenta su propia historia, creando un contraste que realza el vibrante y lúdico Atomik Orange. Esta pintura va más allá de la simple demostración de la destreza técnica de Atomik con el aerosol. Desafía los límites de las formas artísticas tradicionales, difuminando las fronteras entre el grafiti, el arte pop y el arte con objetos encontrados. Al elegir un letrero metálico reciclado como lienzo, Atomik reflexiona sobre la naturaleza transitoria de la vida urbana y la constante evolución de las ciudades. Para quienes aprecian el arte que aborda problemáticas contemporáneas sin renunciar a las técnicas tradicionales, "Lagos" es una muestra de la habilidad de Atomik para capturar el espíritu de la cultura urbana moderna. No es solo una obra de arte; es un punto de partida para la reflexión, una narrativa y un reflejo de la época que vivimos.

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Knockout 17 Edición Limitada Serigrafía Manual Monocromática Acrílico, Pintura en Aerosol y Collage sobre Papel de 250 g/m² Impresión de Greg Gossel Artista Callejero de Grafiti Arte Pop Moderno. Edición limitada HPM de 2015, firmada y numerada (18 ejemplares). Obra de arte con adornos. Tamaño: 18 x 22 pulgadas. La serie «¡Knockout!» es una especie de complemento a mi obra «¡Superficial!» del año pasado. Esta serie representa la otra cara de la moneda del personaje agresivo que aparece en la obra anterior, al que interpreto como una metáfora de los altibajos de la vida cotidiana. En cuanto al proceso creativo, esta serie es una de mis ediciones con más capas. Cada pieza comenzó con una capa de páginas de cómics antiguos en collage para crear una textura base única. Posteriormente, las piezas fueron lijadas, recortadas a mano y reconstruidas con diversas capas serigrafiadas, lavados acrílicos y texturas pintadas con aerosol, lo que le confiere a la serie una superficie muy rica y compleja. Este laborioso proceso imita las capas y el deterioro de los antiguos letreros y anuncios callejeros, haciendo que cada impresión de la serie sea completamente única. - Greg Gossel

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1 • 12 • 5 • 24 Pintura original técnica mixta sobre lienzo de Eddie Colla Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. Obra original firmada de 2017. Acrílico y pintura en aerosol sobre lienzo listo para colgar. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. "A través de esto, nos mantenemos firmes cuando nuestro desafío fue cambiar el destino, no para vencer, esa posibilidad se evaporó, ¿acaso no perseveramos juntos y a menudo solos por todos nosotros, por el mañana y el ayer, por lo que pudo haber sido y es, por lo que es y bien podría ser, para que no nos olvidemos de ninguno de nosotros, y usamos la memoria, el fracaso y la perseverancia cuando perseverar era todo lo que había." -Eddie 1 • 12 • 5 • 24 Pintura original de técnica mixta sobre lienzo de Eddie Colla 1 • 12 • 5 • 24 es una impactante pintura original de técnica mixta sobre lienzo del artista urbano de graffiti Eddie Colla. Creada en 2017, esta obra firmada mide 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas) y está realizada con acrílico y pintura en aerosol. Encarna la energía cruda y las narrativas complejas que definen el Pop Art Urbano y el Graffiti. La pieza presenta un retrato inquietante de una persona enmascarada, plasmado en tonos negros y sepia de alto contraste, con texturas y efectos desgastados que evocan temas de resiliencia, rebeldía y supervivencia. Eddie Colla es conocido por su habilidad para plasmar en su arte el peso psicológico y emocional de las luchas contemporáneas. Sus figuras, a menudo enmascaradas o ataviadas con equipo de protección, reflejan temas de identidad, resistencia e inquietud social. Los bordes con ojales y la superficie desgastada de esta obra refuerzan su estética industrial y urbana, evocando un fragmento de una historia más amplia e invisible. Esta pintura no es solo un retrato, sino una narrativa encapsulada en textura, símbolo y forma, que invita al espectador a reflexionar sobre las implicaciones más profundas de la resistencia, la rebeldía y la memoria. Eddie Colla y su influencia en el arte pop callejero y el grafiti Eddie Colla es un artista callejero y pintor contemporáneo estadounidense cuya obra explora con frecuencia temas como la decadencia urbana, la desobediencia civil y la perseverancia existencial. Su arte está profundamente influenciado por la cultura del grafiti, la estética punk y la narrativa distópica, y a menudo presenta figuras enmascaradas que se desenvuelven en entornos hostiles o inciertos. A través de su obra, Colla aborda cuestiones como la libertad individual, el control gubernamental y las luchas de las comunidades marginadas. 1 • 12 • 5 • 24 ejemplifica su característico lenguaje visual: personajes de identidades ocultas, texturas superpuestas que imitan superficies envejecidas o deterioradas, y numeración o letras crípticas que sugieren mensajes cifrados o historias escondidas. Su uso de plantillas y pintura en aerosol, combinado con elementos pintados a mano, tiende un puente entre el mundo de las bellas artes y la cultura urbana, reforzando el espíritu transitorio y desafiante del grafiti. Esta pintura es una impactante representación de su continua exploración de la supervivencia y la memoria, y funciona tanto como una declaración estética como una reflexión cultural. El simbolismo y el poder estético de 1 • 12 • 5 • 24 La figura enmascarada de esta pintura se erige como un poderoso emblema de protección y protesta. Su mirada, parcialmente oculta pero intensamente expresiva, invita al espectador a la contemplación: ¿a qué se enfrenta el sujeto y qué luchas ha sufrido? El fondo rugoso y texturizado, junto con la paleta de colores apagados, intensifica la sensación de historia que impregna la obra, como si la pintura misma hubiera presenciado conflictos invisibles e historias jamás contadas. La presencia de la enigmática numeración, 1 • 12 • 5 • 24, invita a la interpretación, sugiriendo mensajes cifrados, fechas significativas o una referencia abstracta al tiempo y la memoria. Las superficies desgastadas y superpuestas de Colla reflejan la impermanencia tanto de los paisajes urbanos como de las experiencias humanas. Los ojales en el lienzo realzan aún más la estética industrial, reforzando la idea de que no se trata solo de una obra de arte, sino de una reliquia: un artefacto de un momento de resistencia o de un futuro imaginado donde la supervivencia es un acto de desafío. La capacidad de la obra para evocar emoción a la vez que mantiene un halo de misterio es lo que la convierte en una valiosa aportación al discurso del arte pop urbano y el grafiti. Coleccionabilidad e impacto cultural de la obra de Eddie Colla La obra de Eddie Colla ha alcanzado un gran reconocimiento en los círculos del arte urbano contemporáneo, y sus piezas se han expuesto en galerías e instalaciones públicas de todo el mundo. Su habilidad para plasmar la cultura callejera en bellas artes ha convertido su obra en una pieza muy codiciada por los aficionados al grafiti moderno y al arte distópico. Esta pieza, una obra original de técnica mixta, posee un valor único, ya que captura la esencia pura de su estilo y su enfoque temático. 1 • 12 • 5 • 24 se erige como testimonio de la resiliencia de la expresión humana en tiempos difíciles. Conecta con el público que aprecia el arte visualmente impactante y conceptualmente profundo. La combinación de detalles pintados a mano, estarcido y elementos industriales la convierte en una obra singular dentro del portafolio de Colla, reforzando la importancia del arte como medio de resistencia, memoria y crítica social.

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Where The Hose M30 Impresión giclée HPM con detalles pintados a mano por OG Slick Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares. Impresión con detalles pintados a mano. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 25 ejemplares de HPM (2025), firmada y numerada, intervenida a mano por OG Slick mediante impresión giclée y pintura en aerosol. Tamaño de la obra: 30x30 cm. Impresión giclée HPM intervenida a mano. El patrón de salpicaduras, las pinceladas y el color de la pintura varían. Cada HPM es única. Es posible que no reciba la misma que aparece en la foto; se elige al azar. Where The Hose M30 de OG Slick: Comentario urbano e ingenio del graffiti en el arte pop callejero y el graffiti Where The Hose M30 es una impresión giclée de 2025 intervenida a mano por OG Slick, presentada en una edición limitada de 25 ejemplares. Cada impresión de 76x76 cm está realizada en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares, firmada y numerada por el artista, y acabada a mano de forma única con pintura en aerosol y diversas técnicas de grafiti. El elemento central es una boca de incendios —pintada, con pegatinas y transformada— sobre un fondo austero, con la pregunta escrita a mano «¿Dónde está la manguera?» flotando encima en una divertida tipografía roja. La imagen fusiona un ingenioso juego de palabras con realismo urbano, combinando una ejecución visual impecable con una irreverencia cultural cruda. Cada versión de HPM es diferente, presentando su propia variación de salpicaduras de pintura, aplicación de aerosol y marcas de intervención, reforzando la individualidad y la espontaneidad rebelde inherentes al arte pop urbano y al grafiti. Simbolismo, humor y crítica a pie de calle La boca de incendios en Where The Hose M30 se representa con una estética cruda, adornada con capas de grafiti, firmas y pegatinas, incluyendo el texto japonés característico de OG Slick, guantes de dibujos animados y referencias a la cultura pop. Estas pegatinas le dan a la boca de incendios el aspecto de un objeto público reivindicado desde hace tiempo por artistas urbanos. El título lúdico garabateado encima evoca significados tanto literales como coloquiales, invitando a múltiples interpretaciones: en parte broma callejera, en parte comentario cultural. Ya sea que se lea como una alusión a las rivalidades entre grafiteros, las marcas territoriales o la bravuconería masculina, la pregunta en sí misma es tanto una provocación como un remate ingenioso. Algunas variantes de la edición presentan chorros de aerosol explosivos, otras están superpuestas con un magenta intenso o gestos de blanco pulido, cada una reflejando la naturaleza transitoria y siempre cambiante de las superficies urbanas y la cultura del grafiti. Dentro de Street Pop Art & Graffiti Artwork, OG Slick utiliza esta boca de incendios no solo como tema, sino como símbolo de presión, liberación e infraestructura pública secuestrada por la voz personal. La práctica artística y el lenguaje visual de OG Slick OG Slick, figura clave de la cultura del grafiti en Los Ángeles desde la década de 1980, es reconocido por reinterpretar la iconografía comercial y municipal a través de la estética callejera y el ingenio satírico. Su obra fusiona la familiaridad visual propia de los dibujos animados con la influencia del grafiti más arraigado, incorporando a menudo comentarios sobre la fama, la propiedad y la identidad. En «Where The Hose M30», recontextualiza lo cotidiano, transformando una boca de incendios en un personaje escultórico que transmite actitud, historia y significado callejero. Al superponer sus motivos personales sobre un objeto público, Slick continúa su tradición de convertir lo inadvertido en una audaz narrativa visual. Su atención al detalle, tanto en la forma como en los juegos de palabras, convierte esta pieza en una extensión del muro de grafiti, una superficie plana vibrante de actitud, lenguaje cultural conciso y contradicciones sutiles. Variación de edición y valor de artefacto urbano Como en todas las publicaciones de HPM de OG Slick, cada copia de Where The Hose M30 es única. Si bien la impresión giclée base garantiza la fidelidad al diseño digital original, los añadidos rompen esa uniformidad, introduciendo caos, imperfección y la energía propia de la ejecución manual. Algunas impresiones están saturadas de rosa o pulidas con aerosol blanco, mientras que otras se activan con marcas direccionales y manchas de tinta negra. Estas elecciones otorgan a cada coleccionista una relación única con la obra, similar a cómo las distintas firmas de grafiti evolucionan en la ciudad según quién las ve, las modifica o las cubre. OG Slick captura esa energía en un formato fijo que, sin embargo, se siente en constante cambio. El papel con bordes irregulares añade un marco táctil a la obra, reforzando su estatus como alta expresión artística y subversión cultural. En el ámbito del arte pop urbano y el grafiti, Where The Hose M30 se erige como una obra ingeniosa y técnicamente refinada que recupera el espacio visual público y lo reinventa con actitud, crítica y alma urbana.

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Compre Joven hasta que me muera 1 Pintura en aerosol de medios mixtos, acrílico y estarcido original único en su tipo en papel Royal Sundance de 270 g/m² por el popular artista de graffiti callejero Pez. 2021 Técnica mixta firmada en papel Royal Sundance de 270 g/m² 19,69" × 27,56" / 50 × 70 cm Tamaño de la obra de arte, negro Enmarcado profesionalmente con tapete flotante

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Walk on the Wild Side, impresión serigráfica de técnica mixta de Faile, pintura acrílica en aerosol sobre papel Lennox Fine Art grueso, estirado a mano y con bordes irregulares. Obra de arte de edición limitada. 2023. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada. Obra de arte de 18,11 x 25 cm. Serigrafía, pintura acrílica y aerosol (técnica mixta). Un perro ladrando aparece pegado en una pared de ladrillo mientras una mujer elegante pasea con su perro en Nueva York. Explorando la narrativa urbana: "Camina por el lado salvaje" de Faile La serigrafía de técnica mixta "Walk on the Wild Side" de Faile es un testimonio conmovedor de la interacción dinámica entre el arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza de edición limitada, con solo cien copias existentes, encapsula la vitalidad de la vida urbana a través de sus meticulosas capas de acrílico y pintura en aerosol sobre papel Lenox de bellas artes, grueso y con bordes irregulares, aplicado a mano. Con unas dimensiones de 46 x 63,5 cm, esta obra no es solo una declaración visual, sino una narrativa entretejida en el diálogo estético de la ciudad de Nueva York. Faile, un dúo artístico conocido por su impactante arte que a menudo adorna entornos urbanos, ha plasmado la esencia de la calle en un lienzo tangible. El uso del icónico perro ladrando —un motivo recurrente en su obra— sobre un fondo de pared de ladrillo refleja la energía indómita de la ciudad. El contraste entre la crudeza de la calle y la apariencia refinada de la mujer que pasa con su perro crea una yuxtaposición fundamental en el arte pop urbano. Esta obra captura la esencia del carácter diverso de Nueva York, donde lo refinado y lo rústico conviven. La técnica de serigrafía empleada por Faile para esta obra es un guiño a los métodos tradicionales del arte pop, pero la inclusión de acrílico y pintura en aerosol introduce una profundidad táctil propia del grafiti. La elección de los materiales —el grueso papel Lenox para bellas artes con sus bordes irregulares— enfatiza aún más la fusión de lo refinado con lo urbano. Cada elemento de la impresión, desde el soporte hasta la imagen, es una elección deliberada que subraya la narrativa de coexistencia y contraste. Simbolismo y estilo en el arte de Faile inspirado en la calle El simbolismo de "Walk on the Wild Side" es complejo, con los carteles del perro ladrando como sello distintivo de la herencia callejera de Faile. Estos carteles, comunes en las paredes de ladrillo de la ciudad, representan la voz de la calle: fuerte, sin complejos y ferozmente territorial. Al plasmar este símbolo en papel de bellas artes, Faile tiende un puente entre la naturaleza transitoria del arte callejero y la permanencia que buscan los coleccionistas de arte. La mujer, representada con un estilo clásico, casi vintage, y su perro domesticado contrastan marcadamente con la expresión salvaje e indómita de los carteles del perro ladrando. Es un juego visual sobre la dualidad de la naturaleza humana y las normas sociales que rigen nuestra imagen pública frente a nuestros instintos más profundos. El estilo de Faile en esta obra está inconfundiblemente arraigado en el arte pop callejero. Las líneas audaces, los contrastes marcados y la superposición de diferentes técnicas indican una estética que ha evolucionado desde las calles. Su obra suele reflejar el ruido visual de la ciudad: los anuncios, los carteles políticos, los grafitis, todos compitiendo por captar la atención. «Walk on the Wild Side» es una cuidada selección de este caos, presentada con una claridad que permite apreciar cada elemento por su mérito y su contribución al conjunto. La resonancia cultural de la obra impresa en técnica mixta de Faile "Walk on the Wild Side" no es solo una obra de arte; es un artefacto cultural que resuena con el pulso de la ciudad de Nueva York. Faile ha capturado un instante, una escena que se repite a diario en las aceras de la metrópolis, y la ha elevado a la categoría de obra de arte que invita a la contemplación. La serigrafía sirve como recordatorio del ritmo implacable de la ciudad, del constante choque de culturas y de la belleza que surge de combinaciones inesperadas. Esta obra es una celebración de la identidad de la ciudad, una instantánea de lo cotidiano transformado en extraordinario a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. La edición limitada de la serigrafía añade un elemento de exclusividad, creando una conexión tangible entre el propietario y la escena del arte urbano de la ciudad. Firmada y numerada por el artista, cada lámina es una pieza original del legado artístico de Faile. Los coleccionistas de "Walk on the Wild Side" no solo adquieren una obra de arte; Están preservando un fragmento de la narrativa cultural de la ciudad que sigue influyendo en la trayectoria del arte pop callejero y el grafiti a nivel mundial. En definitiva, «Walk on the Wild Side» de Faile es más que una serigrafía de técnica mixta; es un emblema de la voz de la calle, un diálogo entre lo salvaje y lo refinado, y un testimonio del atractivo perdurable del arte urbano. Encapsula la esencia de una ciudad que es a la vez lienzo y musa, inspirando continuamente a artistas como Faile a crear obras tan provocativas como visualmente impactantes.

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Escultura de técnica mixta Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix. Edición limitada. Obra de arte urbano pop moderno tipo graffiti. Edición limitada de 500 piezas, sellada y numerada de 2023. Escultura de obra de arte. Tamaño de la figura: 2 x 7,3. Cuenco: 8,27 x 8,27. Nuevo en caja. La síntesis artística de la cultura pop y el arte callejero: Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix En el ámbito del grafiti pop moderno y el arte urbano, "Popcorn Bowie", una escultura de técnica mixta de Yusuke Hanai en colaboración con Netflix, se erige como una pieza significativa. Esta creación de 2023 es un testimonio del talento del artista y un comentario cultural que conecta el mundo del entretenimiento con las bellas artes. Con un diseño único, la figura está sellada y numerada como una edición limitada de 500 ejemplares, lo que garantiza su estatus como pieza de colección. La escultura en sí es compacta, con unas dimensiones de 5 x 18,5 cm, y se presenta con un cuenco de 21 x 21 cm, nuevo en su caja. Yusuke Hanai, artista japonés conocido por su estilo distintivo que bebe de la estética tradicional japonesa y la cultura global del surf, ha dotado a "Popcorn Bowie" de un carácter lúdico a la vez que reflexivo. Esta obra es una oda a la era del arte pop urbano, donde convergen la espontaneidad del grafiti y la fascinación del arte pop por la cultura de masas. La escultura rinde homenaje a la icónica figura de David Bowie, un tema idóneo para una obra que busca plasmar el espíritu del arte pop, con su constante diálogo con la cultura popular y la fama. La postura relajada de la figura, junto con la inclusión de un cuenco de palomitas, sugiere un momento de ocio y entretenimiento, temas recurrentes en la obra de Hanai. El título de la obra, «Popcorn Bowie», evoca una sensación de disfrute informal a la vez que hace referencia al legendario icono musical conocido por su personalidad transformadora e innovadora. Esta dualidad es la esencia del arte pop urbano: el encuentro cotidiano entre lo extraordinario y lo mundano, salpicado de destellos de genialidad. Materialidad y significado en Popcorn Bowie: un artefacto contemporáneo Materialmente, "Popcorn Bowie" es una sinfonía de diversos medios, representativa de la tradición del arte pop urbano que utiliza materiales variados para crear obras multifacéticas. La naturaleza mixta de la escultura —que probablemente incluye elementos como resina, pintura y posiblemente sustancias más inusuales— resuena con el principio del arte del grafiti, que utiliza cualquier material disponible para comunicarse con el público. Cada escultura, parte de una serie limitada, lleva la marca de la exclusividad y es una pieza tangible de la visión de Hanai, sellada y numerada para certificar su autenticidad y valor como pieza de colección. La narrativa que encapsula "Popcorn Bowie" refleja la época: una obra moderna que bebe de diversas facetas de la vida contemporánea. La colaboración con Netflix, gigante del entretenimiento moderno, destaca la intersección entre las raíces underground del arte urbano y los fenómenos culturales dominantes. Esta alianza es un testimonio de la naturaleza evolutiva del arte pop urbano y el grafiti, donde los movimientos contraculturales ahora interactúan abiertamente con entidades corporativas, marcando un nuevo capítulo en la historia de esta forma de arte. Implicaciones culturales de la colaboración de Yusuke Hanai con Netflix Las implicaciones culturales de esta colaboración son enormes. «Popcorn Bowie» de Yusuke Hanai se convierte en un deleite visual y un símbolo de la época. Representa la ruptura de barreras entre las distintas disciplinas artísticas y el creciente reconocimiento del arte pop urbano dentro del contexto más amplio de la producción cultural. La conexión de la escultura con Netflix —plataforma que ha revolucionado la forma en que se cuentan y consumen las historias— le añade una dimensión contemporánea, convirtiéndola en un artefacto moderno que es a la vez obra de arte y comentario cultural. En esencia, «Popcorn Bowie» es más que una escultura; es una pieza que invita a la reflexión sobre la naturaleza del arte, el entretenimiento y los espacios que los conectan. Como obra de edición limitada, representa la visión única del artista y captura el espíritu de la época en que fue creada. Los coleccionistas y admiradores del arte pop callejero y del graffiti encontrarán en "Popcorn Bowie" una convergencia de jovialidad y profundidad, un sello distintivo del viaje artístico de Yusuke Hanai y un ejemplo vibrante de la continua evolución del arte inspirado en la calle.

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Leyenda urbana - Juego de 2 piezas originales únicas de pintura acrílica con aerógrafo y técnica mixta sobre un recorte de zapato de madera, realizado por el artista de graffiti Skewville. 2022. Un par (dos zuecos de madera en total) de zuecos de madera Skewville personalizados, firmados. Cada zueco mide 28 cm x 14 cm x 1,3 cm.

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Icono naranja de Mister Melty pintado, impresión serigráfica acrílica HPM de Buff Monster, impresión en cartulina, papel de bellas artes, edición limitada, obra de arte pop callejero. 2023 Acrílico HPM Embellished Edición Limitada de 50 obras de arte firmadas y numeradas. Tamaño de la obra: 9x12. Con abundantes goteos en las áreas pintadas a mano. Icono naranja de Mister Melty pintado, impresión acrílica HPM, serigrafía de Buff Monster La serigrafía acrílica HPM pintada con el icono de Mister Melty naranja, obra de Buff Monster, es una expresión dinámica del arte pop urbano y el grafiti. Creada en 2023 como parte de una edición limitada de 50 ejemplares, firmados y numerados, esta pieza es un vibrante testimonio del lenguaje visual característico de Buff Monster. Con unas dimensiones de 23 x 30 cm, puede parecer compacta, pero irradia un gran impacto gracias a la combinación de la energía de la pintura a mano y la nitidez de la serigrafía. El personaje de Mister Melty —una criatura tuerta que se derrite— funciona como mascota y metáfora, encarnando temas de transformación, absurdo y alegría surrealista a través de un color explosivo y una simplicidad icónica. Diseño visual y técnicas de capas Esta versión en particular presenta un fondo naranja y amarillo intenso con toques de magenta y rojo, sobre el cual se superpone un contorno serigrafiado de Mister Melty. Dominado por un único ojo central rodeado de rosa y gris, el personaje flota en un marco deformado que estructura las salpicaduras y gotas de pintura, por lo demás caóticas. Buff Monster utilizó abundantes detalles acrílicos para añadir textura y caos visual, con capas gruesas de pintura que enfatizan la espontaneidad y el movimiento. El fondo revela patrones de semitonos y salpicaduras, fusionando texturas de grafiti con la bidimensionalidad del arte pop. La importancia del HPM en el proceso de mejora de monstruos La técnica HPM, o Hand-Painted Multiple (Múltiples Pintados a Mano), es clave para el carácter coleccionable de esta impresión. Cada versión de la edición presenta elementos únicos aplicados a mano tras la primera pasada de serigrafía. Esto no solo convierte cada impresión en una pieza única, sino que también le confiere una cualidad pictórica y cruda a lo que de otro modo sería una tirada estrictamente controlada. En esta variante de Orange Mister Melty, dichos adornos se presentan en forma de gotas vibrantes, pinceladas erráticas y superposiciones inesperadas, ofreciendo un impacto visual que evoca tanto la autenticidad del arte urbano como la maestría artesanal. La influencia de Buff Monster en el arte pop callejero moderno Buff Monster, nacido en Estados Unidos, se ha situado desde hace tiempo en la intersección de la cultura de los juguetes coleccionables, el grafiti callejero y el arte pop psicodélico. Su obra incorpora motivos recurrentes como helados, baba, globos oculares y goteos, y refleja una fascinación por la estética pop japonesa y el cómic underground. Mister Melty es uno de sus personajes más reconocidos y funciona como lienzo para la experimentación creativa. La lámina Orange Mister Melty HPM refleja la constante búsqueda de Buff Monster por el detalle artesanal, manteniendo la estética reproducible de la impresión. Representa una fusión entre el acabado industrial y la libertad urbana, creada para coleccionistas que valoran el diseño único y emotivo. Esta lámina no solo existe como objeto de colección, sino como una pieza vibrante de la narrativa visual moderna que define el arte pop callejero y el grafiti en la actualidad.

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Terminator examinando una vieja lata de Krylon. Obra de arte original única realizada con pintura acrílica y aerosol sobre lienzo estirado por el popular artista de graffiti callejero RD-357. Lienzo de 16”x20” pulgadas con una genial y detallada pintura de un Terminator de la franquicia cinematográfica. El Terminator examina una vieja lata de pintura en aerosol Krylon, olvidada por Rd357. Todo pintado a mano por Rd357, un verdadero grafitero que ha perdurado más que el resto en el mundo del grafiti neoyorquino, apodado "El último hombre en pie". De su época, por Rd #357. Rd es auténtico; lleva más de 40 años como grafitero, comenzando en los trenes del metro IRT de Nueva York. Sus firmas de grafiti han aparecido en muchísimas películas, series de televisión y libros filmados en Nueva York (prueba documental en vídeo) a lo largo de 38 años.

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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2 7 Avenue Line OTboys- Arte de letrero plateado Técnica mixta sobre señalización de la MTA Obra de arte de pintura del artista de cultura pop callejera Cope2. Nacido en 1968 como Fernando Carlo Jr. en la ciudad de Nueva York, las obras de Cope 2 se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de Estados Unidos y otros países. Artista autodidacta, es una leyenda reconocida que ha contribuido durante más de 30 años a la cultura del grafiti. Uno de los grafiteros más prolíficos de Nueva York, comenzó a firmar en el sur del Bronx en 1978. Desarrolló su estilo en el metro y las calles del Bronx, creando obras de grafiti durante las décadas de 1980 y 1990, lo que le valió reconocimiento internacional por su estilo distintivo. Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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New Yorker - Trenes Elevados - Taxis en Marcha. Edición limitada. Serigrafía de técnica mixta con detalles pintados a mano sobre papel de 200 libras de Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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LARIVER 2050 AP Prueba de artista HPM Impresión Giclée de Saber Artwork Impresión de edición limitada en papel de bellas artes con bordes irregulares Impresión embellecida a mano Artista callejero de graffiti pop. Prueba de artista AP 2023 Firmada y marcada AP Marcador de pintura mate plana Técnica mixta Edición limitada Tamaño de la obra 26x20 HPM Impresión giclée intervenida a mano. Esta pieza se creó a partir de la idea de recrear ese momento de serenidad que sentía sentado en la orilla, en medio del hormigón salvaje del río Los Ángeles, frente a mi antigua obra gigante con rodillo, contemplando la ciudad al atardecer... Sin embargo, esta vez, la obra gigante con rodillo se repintó poco después de 2050. ... Usando marcadores de pintura mate, pude resaltar los brillos, los colores, las luces de la ciudad y los detalles. También me puse las gafas de lectura y escondí pequeñas etiquetas en cada una. -Saber. Reflejando la tranquilidad urbana: "LARIVER 2050 AP Artist Proof HPM Giclee Print" de Saber La obra "LARIVER 2050 AP Artist Proof HPM Giclee Print" de Saber destaca como una pieza significativa dentro del panorama del arte pop urbano y el grafiti, fusionando la estética del grafiti con el sereno telón de fondo del río Los Ángeles. Esta prueba de artista, firmada y marcada en 2023, captura una visión futurista de la ciudad, presentando una singular yuxtaposición de tranquilidad natural y dinamismo urbano. Con un tamaño de 66 x 51 cm (26 x 20 pulgadas) sobre papel artístico de grano fino, esta obra de edición limitada muestra la maestría de Saber en el embellecimiento manual de impresiones giclée con rotuladores de pintura mate, enfatizando luces, colores y la intrincada iluminación de la ciudad. Saber, una figura prominente en el mundo del grafiti, es reconocido por sus obras de gran formato en las orillas del río Los Ángeles. Esta pieza es un homenaje a la experiencia del artista con el río, una reflexión sobre un momento de calma mientras observaba la transformación de la ciudad al atardecer. La obra imagina esta escena en el año 2050, con la "pieza gigante del rodillo" del artista, reinterpretada en una nueva forma. El uso de técnicas mixtas añade profundidad y dimensión a la impresión, creando una interacción dinámica entre la textura del papel y la vibrante aplicación del color. Al crear "LARIVER 2050", Saber ha integrado minúsculos tags en la obra, un guiño a la tradición del grafiti de dejar una marca personal que personaliza y autentifica el trabajo. Estos elementos ocultos invitan al espectador a observar la impresión con detenimiento, descubriendo nuevos detalles y capas de significado. Los retoques a mano garantizan que cada pieza de la edición sea una obra de arte única, con acentos y matices propios. La representación del río Los Ángeles, un lugar emblemático pero a menudo olvidado, sirve como metáfora de la ciudad misma: su resiliencia, su constante transformación y los rincones de belleza ocultos en medio de la expansión urbana. La obra de Saber desafía la noción del grafiti como mero vandalismo, presentándolo en cambio como una sofisticada forma de arte pop urbano capaz de capturar y transmitir las complejas narrativas de la vida urbana. «LARIVER 2050» celebra la evolución del arte urbano desde sus inicios clandestinos hasta su estatus actual como una forma de arte contemporáneo respetada y codiciada. La decisión de utilizar la impresión giclée, un método conocido por su reproducción de alta calidad, indica la aceptación de este medio en el mundo de las bellas artes. La elección de Saber de intervenir a mano cada impresión difumina aún más la línea entre el arte producido en masa y las creaciones únicas, una línea que los artistas urbanos han estado explorando y redefiniendo durante las últimas décadas. La «LARIVER 2050 AP Artist Proof HPM Giclee Print» de Saber es un testimonio del poder transformador del arte pop urbano y el grafiti. Refleja la profunda conexión del artista con el entorno urbano y su capacidad para capturar su esencia de una manera visualmente impactante y emocionalmente conmovedora. Como pieza de edición limitada, funciona como objeto de colección y como comentario cultural, encapsulando el espíritu de Los Ángeles y la narrativa en constante evolución del arte callejero.

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Mapa del metro de la MTA - Verde lima y morado. Obra de arte original única en técnica mixta con pintura acrílica en aerosol sobre papel reciclado del mapa del metro de Nueva York, realizada por un popular artista de graffiti callejero. Mapa del metro de Nueva York pintado a mano, original y único, en tonos verde lima y morado. Medidas: 22 x 33 pulgadas. El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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Pintura original de la señal de cruce del Castigador por RD-357. Obra de arte única en su tipo sobre una señal de cruce peatonal de metal real, realizada por un artista pop de arte graffiti. 2012. Firmada. Técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre madera reciclada auténtica de Nueva York. Señal de cruce peatonal de la ciudad de Nueva York . Obra original. Medidas: 30 x 37,5 cm. RD-357: Pioneros del arte pop callejero en lienzos urbanos RD-357, artista reconocido por su singular contribución al arte pop urbano y al grafiti, ha plasmado su creatividad en un medio único, impactante y provocador. Su obra original, titulada "Punisher Crossing Original Street Sign Painting", encapsula la esencia cruda del arte urbano, fusionando ingeniosamente elementos de la iconografía de la cultura pop. Esta obra es un ejemplo excepcional del uso creativo que RD-357 hace de objetos cotidianos como lienzos, transformando una señal de cruce peatonal metálica común en una vibrante obra de arte que capta la atención y genera diálogo. "Punisher Crossing" es una obra singular que irradia el espíritu rebelde y la rebeldía propios del arte pop urbano. Creada en 2012, esta pieza de técnica mixta emplea pintura acrílica y aerosol sobre una señal de cruce peatonal real de 76 x 95 cm (30 x 37,5 pulgadas). La decisión de RD-357 de utilizar una señal de tráfico real como base para su obra no solo le da un nuevo uso al objeto, sino que también integra la pieza artística en el tejido de la vida urbana sobre la que pretende hacer un comentario. La señal, que en su día fue una indicación para los peatones, ahora transmite un potente mensaje visual, cuya fuerza se ve reforzada por su ubicación en un elemento que simboliza la regulación y el orden. El lenguaje artístico de las pinturas de señales de tráfico de RD-357 En «Punisher Crossing», RD-357 demuestra un dominio magistral del color y la composición. El fondo del letrero resplandece con una vívida y casi violenta salpicadura de pintura en aerosol amarilla y roja, que evoca el caos y la energía de las calles de la ciudad. Sobre este explosivo telón de fondo, la figura del Castigador se plasma con precisión en acrílico, y su presencia imponente y amenazadora atrae inmediatamente la mirada. La mano del personaje, extendida y empuñando una pistola, rompe los límites del marco del letrero, sugiriendo un desafío a las restricciones y una liberación de las limitaciones impuestas. La obra de RD-357 está profundamente arraigada en el lenguaje del arte pop urbano, un género que combina la estética cruda y underground del arte callejero con la brillantez y el dinamismo gráfico del arte pop. Sus pinturas, especialmente esta, constituyen un diálogo entre el artista y el paisaje urbano, entre los personajes ficticios de la cultura pop y la realidad del entorno del espectador. Al situar a Punisher —símbolo de justicia por mano propia y antiheroísmo— en el contexto de una señal de paso de peatones, RD-357 crea una yuxtaposición tan sorprendente como intrigante. La obra se convierte en una reflexión sobre el control y el caos, el poder y la impotencia, y la delgada línea que separa el orden social de la acción individual. El impacto del RD-357 en el arte callejero contemporáneo Las contribuciones de RD-357 al arte urbano han sido significativas, y su influencia se aprecia en la evolución del street pop art a lo largo de los años. Sus obras, en particular las realizadas en señales de tráfico, son más que simples pinturas; son intervenciones en el entorno urbano que invitan al espectador a reconsiderar el papel y el potencial del espacio público. La señal "Punisher Crossing" es emblemática de este enfoque, integrando el arte a la perfección en la vida cotidiana de la ciudad y elevando el debate en torno al arte urbano. Al firmar su obra, el artista reivindica la propiedad de una pieza de dominio público, un acto que constituye una forma de rebeldía artística. La firma en "Punisher Crossing" no es solo una marca de autenticidad; es una declaración de presencia, una prueba de la interacción del artista con el mundo que lo rodea. Mediante obras como esta, RD-357 ha grabado su nombre en los anales de la historia del street pop art, consolidándose como un artista inconformista que ha expandido las posibilidades del grafiti. La obra «Punisher Crossing Original Street Sign Painting» de RD-357 es un testimonio del poder del arte pop urbano para comunicar, provocar e inspirar. Al transformar una simple señal de tráfico en una obra de arte compleja y cautivadora, RD-357 desafía las percepciones, invita a la reflexión y sigue influyendo en la narrativa en constante evolución del arte urbano y el grafiti.

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Black Book Graffiti: Diario de Dibujo Personal Original de Stay High 149 - Wayne Roberts. Arte urbano moderno, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte reflexivas. STAYHIGH149 x Cuaderno de bocetos original firmado de 2003. Dibujo de graffiti en técnica mixta con rotulador, aerosol, acrílico y pegatinas. Tamaño: 8.5 x 11 pulgadas. Buen estado, con algunas marcas de uso y algunas páginas faltantes. Este cuaderno único perteneció al legendario STAYHIGH149, un verdadero ícono de la historia del graffiti. Es más que un simple cuaderno de bocetos: es una pieza cultural digna de un museo. En su interior, encontrarás más de 130 páginas repletas de firmas y obras auténticas, no solo de STAYHIGH149, sino también de su colaborador Dead Leg y figuras influyentes como TRACY 168, entre otros. Este cuaderno rebosa historia visual. La contraportada también está decorada, ofreciendo una visión completa del arte underground de una época. Libro negro histórico de la leyenda del graffiti STAYHIGH149 Este cuaderno de dibujo original es una pieza sumamente rara y de gran importancia cultural, directamente vinculada al fallecido Wayne Roberts, más conocido como STAYHIGH149. Figura clave en los inicios del grafiti neoyorquino, STAYHIGH149 dejó una huella imborrable en el movimiento con su icónico tag del "fumador" y sus letras de gran relieve. El cuaderno negro que aquí se presenta no es solo una colección de páginas; es una pieza digna de museo que revela la esencia de la cultura del grafiti de las décadas de 1970 y 1980 a través de las manos de sus pioneros. Está firmado y anotado en su totalidad, y fue utilizado activamente a principios de la década de 2000, sirviendo como una cápsula del tiempo visual de creatividad, compañerismo y la energía cruda de la calle. Páginas con grafitis a mano de la escuela original del grafiti El cuaderno negro, de 21,5 x 28 cm, contiene más de 130 páginas de tags, throw-ups, personajes y bocetos sin editar, cada uno con capas de marcadores, pintura en aerosol, pegatinas y técnicas mixtas. Algunas páginas están tachadas o desgastadas, mostrando el paso del tiempo y el uso frecuente por parte del artista y su círculo cercano. En su interior, destaca la presencia de Dead Leg, colaborador habitual de STAYHIGH149, junto con obras y dedicatorias de otras leyendas como TRACY 168. Estas obras no han sido seleccionadas; son crudas, espontáneas y rebosan estilo, convirtiéndolas en algunas de las muestras más auténticas de arte pop callejero y graffiti en papel que se conservan. Algunas páginas están completamente saturadas de color, mientras que otras presentan rápidas ráfagas de letras y dibujos de personajes icónicos. Condición física e integridad artística Este cuaderno negro único en su clase muestra las huellas de su uso: le faltan algunas páginas, muchas tienen los bordes desgastados y algunas presentan marcas de tinta de rotulador. Sin embargo, esto no hace sino aumentar su autenticidad como herramienta y compañera de una de las figuras más visionarias del grafiti. Las tapas están profusamente decoradas con tinta y pintura, y la contraportada incluye frases como «Voz del Gueto», un mensaje que conecta directamente con el legado de Wayne Roberts. En su interior, la mezcla de letras de burbuja, firmas clásicas y dibujos estilizados representa décadas de tradición artística urbana trasladada desde los vagones del metro y los muros de la ciudad a un lienzo personal. Legado plasmado en el arte pop callejero y el grafiti Este libro negro no es una reproducción ni una retrospectiva. Es un archivo vivo de la historia del grafiti, creado por las manos de quienes construyeron la cultura desde sus cimientos. STAYHIGH149 sigue siendo una figura imponente en el mundo del grafiti, y este libro refleja la camaradería, la influencia y la implacable energía que definieron toda una era. Es un poderoso ejemplo de cómo el arte pop callejero y el grafiti evolucionaron más allá de las calles de la ciudad para convertirse en una venerada forma de expresión contemporánea. Este libro negro es una oportunidad única para presenciar el mundo del arte underground tal como era: personal, auténtico e inmortal.

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John Lennon Wild Style Rd Burner Original Obra de arte única en su tipo, pintada con aerosol y acrílico sobre lienzo por el popular artista de graffiti callejero RD-357. Estás viendo un lienzo de 28 x 35 cm con una pintura detallada de John Lennon, con un estilo único y la frase "Imagina que toda la gente vive en paz". Todo pintado a mano en blanco y negro con un corazón rojo por rd357, un verdadero grafitero que ha perdurado más que nadie en el mundo del grafiti neoyorquino, apodado "El último en pie" de su época. Por Rd #357

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Acera Cerrada. Obra original de graffiti en técnica mixta del artista Sonic Bad. Arte pop moderno sobre letrero de metal real. Letrero de calle original de metal y pintura en aerosol, firmado en 2012. Medidas: 24 x 18 pulgadas. Representa a dos beatboys estilizados de los años 70-80, grafitis neoyorquinos y letras burbuja sobre un letrero de "Calle Cerrada". Oda de Sonic Bad a las calles: La serie 'Acera cerrada' La obra «Acera Cerrada» de Sonic Bad, una pieza original creada en 2012, fusiona el espíritu rebelde de la cultura callejera de los años 70 y 80 con un soporte emblemático de la restricción urbana: una auténtica señal de tráfico metálica. Esta obra de técnica mixta, firmada por el artista, es un ejemplo contundente de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden transformar objetos públicos de regulación en lienzos que desafían y reinterpretan su significado original. Recuperando los símbolos urbanos en el arte callejero La elección de Sonic Bad de un lienzo —una señal de tráfico metálica— transforma un símbolo cotidiano de control en una representación de liberación creativa. La obra, de 61 x 46 cm, rebosa de color y vida, contrastando marcadamente con la función mundana de la señal: marcar límites. Al pintarla, Sonic Bad se apropia del objeto como si fuera arte, al igual que los grafiteros se apropian de las paredes para sus firmas y murales. La pieza en sí es un collage dinámico de grafitis neoyorquinos y letras burbuja, estilos profundamente arraigados en la historia del arte urbano. Presenta a dos beat boys estilizados, figuras que evocan la cultura hip-hop que florecía en las calles de Nueva York durante las décadas de los 70 y 80. Estos personajes no solo representan una época específica, sino que también simbolizan la energía y el ritmo de la vida callejera. El lenguaje visual del grafiti y su evolución La obra de Sonic Bad funciona como un léxico visual de la evolución del grafiti, encapsulando la transición desde las pintadas —a menudo una expresión cruda de identidad basada en texto— hasta obras más complejas y estilizadas. La serie «Acera Cerrada» evoca particularmente este cambio, destacando el paso de simples letras a representaciones elaboradas y coloridas que se centran tanto en el arte del trazo como en el mensaje. La pintura en aerosol, un medio sinónimo del grafiti, aporta autenticidad a la pieza; sus goteos y opacidad evocan las texturas del arte callejero que se observa en la calle. El letrero metálico, antes reflectante y directo, se torna opaco y texturizado bajo capas de pintura, una metáfora de cómo el arte callejero puede transformar la naturaleza y la conversación en torno a los espacios y objetos públicos. Sonic Bad y la historia viva del arte callejero «Sidewalk Closed» de Sonic Bad es más que una obra singular; forma parte de la historia viva del arte pop urbano y el grafiti. Refleja una época en la que la cultura callejera comenzó a impregnar todos los aspectos de la vida urbana, desde la música que sonaba en los radiocasetes hasta el arte que adornaba las paredes y aceras de la ciudad. Esta pieza es una celebración de esa era, un homenaje a las raíces del arte callejero y una declaración sobre su influencia perdurable. El artista, al fusionar la nostalgia con la expresión contemporánea, invita a los espectadores a explorar la profundidad y la amplitud del arte callejero. A través de esta obra, Sonic Bad no solo rinde tributo a los pioneros del género, sino que también se sitúa dentro de la tradición de artistas que han utilizado la calle como su galería. Su legado reside en su capacidad para transformar lo ordinario en extraordinario, asegurando que el espíritu de las calles permanezca vibrante y visible.

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Libro negro de dibujo de graffiti Tg Throw Up Práctica Diario personal por TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Delk x Comet x Kaws Pop callejero moderno Etiqueta, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte de pensamiento. Cuaderno de bocetos de grafiti de varios artistas, c. 1994. Firmado y con firmas originales de artistas, incluyendo a Kaws, ZiNk, Psycho Seen TC5 y Totem del colectivo TC5. Incluye dibujos a color, numerosos tags y dibujos con rotulador, anotaciones personales, números de teléfono antiguos, lugares de reunión, ideas e información privada sobre el colectivo. 50 páginas y la portada repletas de dibujos (también incluye muchas páginas en blanco). Además, incluye a IBM, Squad One, Pilot y MPV. Black Book Graffiti Journal de TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Kaws Este cuaderno de bocetos de 1994 captura un momento extraordinario en la historia del grafiti, representando una convergencia de estilo, rebeldía y experimentación creativa por parte de algunos de los miembros más influyentes del colectivo TC5. El libro de tapa dura de 21,5 x 28 cm no es simplemente un cuaderno de bocetos, sino un archivo profundamente personal de la energía cruda de la calle. El cuaderno incluye vibrantes dibujos a rotulador, superposición de pegatinas, ilustraciones detalladas de personajes, rellenos, ejercicios de throw-up, notas personales y firmas de miembros clave como Totem, Psycho, ZiNk, Delk, Comet, Seen y Kaws. El libro también incluye alias y colectivos paralelos como IBM, MPV y Squad One, ofreciendo una visión compleja de los subgrupos de grafiti interconectados que operaban en la ciudad de Nueva York durante la época dorada de la cultura del cuaderno negro. Evolución de las etiquetas y arte pop callejero y grafiti Las entradas de este diario reflejan la fusión de la estética tradicional del graffiti estilo libre con la sensibilidad gráfica que influiría en el Street Pop Art. Cada página revela una combinación de práctica y performance: contornos de firmas perfeccionados, rellenos psicodélicos, recortes de flyers en collage y bocetos de personajes llenos de humor y actitud. Artistas como ZiNk y Psycho demostraron su destreza técnica en letras tridimensionales, superponiéndolas simultáneamente con personajes lúdicos y fondos surrealistas. La firma inicial de Kaws, que se encuentra aquí bajo las siglas FC y TC5, muestra la incipiente influencia de su iconografía fusión de dibujos animados, que más tarde se convertiría en su sello distintivo tanto en las bellas artes como en las plataformas comerciales. Legado del formato del Libro Negro Los cuadernos negros fueron el corazón de la cultura del grafiti mucho antes de los archivos digitales. Eran galerías itinerantes, espacios de práctica y plataformas de comunicación íntima entre grafiteros. La inclusión en este cuaderno de firmas personales, ubicaciones secretas, números de teléfono y reflexiones emocionales revela que el grafiti era más que una expresión exterior: era una vida interior. El estilo agresivo de Totem, la iconografía urbana estilizada de Delk y los fragmentos clásicos de wildstyle de Comet reflejan años de experimentación en las vías del tren plasmados en papel. MPV e IBM aparecen con frecuencia garabateados en las superficies y bordes de las pegatinas, y aunque el significado específico de IBM en este contexto aún es ambiguo, aparece constantemente junto a firmas reconocidas y conlleva el peso del respeto del colectivo. Peso cultural y significado para los coleccionistas Este cuaderno no solo documenta la época dorada del grafiti en TC5, sino que también refleja un cambio cultural hacia el arte pop callejero y el grafiti estilizados. La profusión de elementos —letras dibujadas a mano, collages de flyers de música, referencias a marcas pop como Richie Rich y Nervous Records, y pegatinas personalizadas— convierte a este cuaderno negro en un objeto cultural multidisciplinario. En el mercado del arte actual, estos cuadernos son venerados por su honestidad, crudeza y la visión que ofrecen de la vida privada de los artistas de grafiti más conocidos. Las firmas manuscritas de Kaws, Psycho, ZiNk y Totem, en particular, hacen de este cuaderno un testimonio digno de museo de la transformación del grafiti, desde los trenes hasta las galerías de arte.

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Lady Shiva Original, obra única en su género, dibujo con técnica mixta de pintura y marcadores sobre papel artístico artesanal con bordes irregulares, por la popular artista de graffiti callejero Lady Pink. Ilustración original firmada y fechada en 2019, realizada con rotuladores sobre papel artesanal con textura irregular. Tamaño: 6 x 18 pulgadas. Lady Shiva de Lady Pink: La mitología se encuentra con la resistencia en el arte pop callejero Lady Shiva de Lady Pink, creada en 2019 con técnica mixta y rotulador sobre papel artístico artesanal con bordes irregulares, fusiona la mitología de influencia azteca con el simbolismo del grafiti y la resistencia social. Con unas dimensiones de 15 x 45 cm, esta obra única ejemplifica su compromiso constante con el empoderamiento femenino y la recuperación cultural a través del lenguaje del arte pop urbano y el grafiti. La figura central es una mujer vibrante, de aspecto divino, con seis brazos, adornada con calaveras, símbolos de la paz y llamativos rasgos faciales. Porta latas de aerosol y cadenas, una clara referencia a las herramientas y las luchas del movimiento del grafiti. La composición combina iconografía tradicional con una energía caricaturesca, canalizando tanto el arte mesoamericano como la rebeldía visual contemporánea. La figura central de la diosa alude a la deidad hindú Shiva, un poderoso símbolo de destrucción y transformación, pero aquí se la reinterpreta a través de la lente de la cultura urbana. Su expresión es feroz, desafiante y jubilosa. A su alrededor hay serpientes, pájaros y símbolos ornamentales dibujados en una paleta de rosas, morados y verdes saturados; una elección estética que refleja la historia de Lady Pink de desafiar las narrativas dominadas por los hombres en el graffiti apropiándose de su espacio con color y forma sin complejos. Alegoría visual del poder, la cultura y la resistencia La narrativa se desarrolla con marcados contrastes y un rico simbolismo. Por un lado, un grotesco policía con rostro de cerdo, esposado a la diosa, sostiene un aerosol como si se lo hubieran confiscado o lo hubieran malinterpretado. Por otro, figuras míticas —con collares de calaveras y serpientes— se alinean con la causa de la diosa. El diseño de los personajes es lúdico, pero el mensaje es contundente. Lady Pink utiliza el humor y la caricatura para exponer los ciclos de vigilancia, la aniquilación cultural y el control sistémico. Los grilletes y los puños cerrados transforman la obra en una alegoría del empoderamiento, donde el arte, la identidad y la herencia se convierten en instrumentos de resistencia. No se trata de una representación pasiva de la rebelión, sino activa, dinámica y festiva. La diosa empuña el grafiti como un arma de reinvención. Sus ojos, delineados con espesas pestañas, derraman lágrimas estilizadas que evocan tanto tristeza como poder. Su sonrisa, llena de dientes afilados, interpela directamente al espectador. Esta hibridez emocional —ferocidad combinada con alegría— es fundamental en el estilo de Lady Pink. Ella construye una mitología visual donde la memoria cultural y la rebeldía contemporánea se encuentran en la intersección del género, la historia y la pintura. Iconografía del grafiti reinterpretada desde una perspectiva feminista Lady Pink, nacida como Sandra Fabara en Ecuador y criada en Nueva York, ha sido una voz pionera en el grafiti desde la década de 1980. Su obra fusiona constantemente la energía de la calle con narrativas personales y políticas, especialmente desde una perspectiva feminista. Lady Shiva es un testimonio de su papel en la transformación del grafiti en un espacio de inclusión y crítica cultural. En lugar de adherirse a las convenciones hipermasculinas del tagging y el bombing, incorpora motivos ancestrales, ilustración de personajes y simbolismo para narrar comentarios sociales más profundos. En Lady Shiva, la combinación de papel artesanal, trazos gruesos de rotulador y temática mitológica se alinea con la naturaleza táctil y efímera del grafiti. Los bordes sin pulir, las texturas visibles del pincel y los rellenos brillantes del rotulador evocan la inmediatez de los muros de las calles y los cuadernos de bocetos. Esta fisicalidad conecta con las raíces del medio: accesible, sin filtros y profundamente personal. La obra rechaza el pulido en favor de la presencia, otorgando a la diosa una cualidad cruda y viva. A través de Lady Shiva, Lady Pink no solo crea una diosa, sino un arma narrativa. La obra se convierte en una declaración de proporciones murales en miniatura, uniendo poder espiritual, arte ancestral y la resistencia vivida de las mujeres artistas que reivindican su espacio en la esfera pública. Es un hechizo visual realizado con aerosol y rotulador, que evoca la transformación en el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti.

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Tren elevado - Katzs - Señal de dirección única. Edición limitada. Serigrafía de técnica mixta con detalles pintados a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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El espacio es solo ruido que puedes ver. Pintura original de técnica mixta sobre madera de Ellen Rutt, artista callejera de graffiti, arte pop moderno. «Pequeñas Victorias es una colección de momentos. Esos instantes, sobre todo en la juventud, en los que acciones aparentemente insignificantes se sienten como grandes logros que solo uno mismo puede apreciar de verdad: comer espinacas dos veces en un día; acordarse de usar hilo dental; conducir a casa sobrio; levantarse a tiempo para ir al trabajo después de solo dos horas de sueño. La experiencia simultánea de lo mundano y lo significativo, lo trivial y lo triunfal. Estas obras de collage de técnica mixta son una breve exploración de esas experiencias a través del color, la textura y el patrón. Tras las composiciones geométricas, a menudo abstractas, siempre subyace una intimidad profunda. Mediante una combinación de técnicas artísticas digitales y físicas, mi trabajo sigue explorando la relación entre arte y diseño, así como la influencia que tienen los ordenadores tanto en lo que creo como en mi forma de pensar». - Ellen Rutt

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Señal perdida, todo bien - Obra de arte original y única de Big Poppa pintada a mano en Ron English - POPaganda ¿No lo ves? Juguete de arte en vinilo. Figura pintada a mano por Dead St. 1 de 1. Técnica mixta, acrílico, pintura en aerosol.

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Empire State Building 01 Edición Limitada Serigrafía de Técnica Mixta con Detalles a Mano sobre Papel Pesado de 200 libras por Bobby Hill, Artista Callejero de Graffiti, Arte Pop Moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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En un latido, pintura original de técnica mixta del artista de graffiti Chris RWK, arte pop moderno sobre letrero de metal real. 2022. Original firmado. Técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre señal de stop real de 30x30. Inmerso en diversos medios, Chris comenzó a almacenar las imágenes que le surgían a través de sus experiencias cotidianas en lo que él llama un «diario mental». Este diario era un refugio para sus pensamientos al que podía recurrir siempre que lo necesitara.

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Icono rosa y verde de Mister Melty, pintado con acrílico HPM, serigrafía de Buff Monster, impresión en cartulina, papel de bellas artes, edición limitada, obra de arte pop callejero. 2023 Acrílico HPM Embellished Edición Limitada de 50 obras de arte firmadas y numeradas. Tamaño de la obra: 9x12. Con abundantes goteos en las áreas pintadas a mano. Icono rosa y verde de Mister Melty, pintado con pintura HPM, impresión acrílica serigráfica de Buff Monster La serigrafía acrílica «Mister Melty» rosa y verde, obra de Buff Monster, ejemplifica la evolución del arte pop urbano y el grafiti a través de su paleta vibrante, composición nítida y detalles táctiles. Lanzada en 2023 como parte de una edición limitada de 50 ejemplares, firmados y numerados, esta lámina de 23 x 30 cm forma parte de la continua exploración de Buff Monster de su icónico personaje Mister Melty. Creada sobre papel artístico de alta calidad, cada pieza está pintada a mano con audaces aplicaciones acrílicas sobre bases de serigrafía, lo que convierte a cada lámina en una composición única de optimismo desbordante y alegría subversiva. Iconografía y estética visual Esta variante de Mister Melty destaca por su interacción entre exuberantes tonos verdes y un vibrante ojo central rosa y gris. El diseño de Mister Melty se enmarca dentro de un marco gráfico gris que intensifica la sensación de estructura frente al caos de las texturas viscosas y goteantes que definen la forma del personaje. El motivo del globo ocular, central en la identidad visual de Buff Monster, se representa de una manera que fusiona lo tierno con lo grotesco. Flota en un paisaje surrealista de texturas viscosas, salpicaduras superpuestas y formas amorfas que evocan una reinterpretación psicodélica de la imaginería de los dibujos animados. La obra se ve realzada aún más por patrones de semitonos y degradados aerografiados que generan movimiento en la quietud del lienzo. Técnica y detallado HPM Lo que distingue a esta impresión es su condición de HPM (Hand-Painted Multiple), lo que garantiza que no haya dos impresiones iguales en la edición. Buff Monster recubre cada base de serigrafía con pintura aplicada a mano mediante pinceles y goteos para otorgar a cada pieza una textura, profundidad de color y movimiento únicos. Esta edición Rosa Verde se caracteriza por enérgicas salpicaduras y remolinos de verde, amarillo y negro, creando una tensión entre la estructura de la serigrafía y la libertad espontánea de la superficie pintada. Los goteos y salpicaduras le confieren a la pieza una energía vibrante a la vez que realzan su efecto escultórico, transformando la superficie plana en algo visceral y dinámico. Buff Monster y el legado del señor Melty Buff Monster, artista estadounidense, ha defendido durante mucho tiempo una estética lúdica y a la vez oscura, inspirada en la cultura japonesa, el grafiti, el heavy metal y el cómic underground. Su personaje insignia, Mister Melty, es una metáfora visual de la alegría efímera, el absurdo y la transformación. Representa una mezcla de humor y decadencia, a menudo representado derritiéndose o goteando como símbolo de la impermanencia. La lámina Pink Green Mister Melty HPM es un ejemplo perfecto de su estilo: un híbrido de iconografía pop y sensibilidad urbana ejecutado con la precisión de un pintor de estudio. Como pieza de edición limitada, funciona tanto como objeto de colección como lienzo que refleja la singular contribución de Buff Monster al arte pop urbano y al grafiti contemporáneos.

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Ladrillos, grafiti, burbujas. Obra de arte original y única en su tipo, técnica mixta, pintura en aerosol sobre lienzo estirado, del artista de arte callejero y cultura pop DrNuse89. Pintura original firmada, 2022. Tamaño: 9x3.

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Arte de señalización de salida de doble cara, técnica mixta sobre señalización de la MTA. Obra de arte del artista de cultura pop callejera Cope2. Nacido en 1968 como Fernando Carlo Jr. en la ciudad de Nueva York, las obras de Cope 2 se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de Estados Unidos y otros países. Artista autodidacta, es una leyenda reconocida que ha contribuido durante más de 30 años a la cultura del grafiti. Uno de los grafiteros más prolíficos de Nueva York, comenzó a firmar en el sur del Bronx en 1978. Desarrolló su estilo en el metro y las calles del Bronx, creando obras de grafiti durante las décadas de 1980 y 1990, lo que le valió reconocimiento internacional por su estilo distintivo. El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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Brooklyn Water Towers, edición limitada, serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras, por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Lackawanna Hoboken NJ Edición limitada Serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Retrato de sonrisa - Escultura de lata de pintura en aerosol amarilla de edición limitada. Obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop, Mr Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño de la obra: 3x8 pulgadas. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Exclusivo y muy raro: Mr. Brainwash, la obra de arte en aerosol de edición limitada de Thierry Guetta.

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Chernobyl Mini Nug Edición Limitada Juguete de Arte Coleccionable Hecho a Mano y Pintado Obra de Arte del artista pop Nugg Life NY- Ian Ziobrowski. Mini Nug, un homenaje a la planta de cannabis/marihuana con coloridos detalles pintados a mano. Mide entre 6 y 7,5 cm de alto y está hecho a mano, pintado y ensamblado en una caja de reparto de Nueva York. Edición limitada de 15 unidades, firmadas y numeradas.

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Arrow Pulse Spring Original, técnica mixta pintada a mano sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar, por Tavar Zawacki - Artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «La flecha Pulse fue uno de los muchos diseños populares que creé para mi reciente exposición individual, Remix, en Detroit. Decidí hacer una edición más pequeña (5) de las flechas Arrow Pulse, ya que este diseño es un estilo popular e icónico. Diseñé los archivos de corte en mi computadora con Adobe Illustrator y luego los mandé a cortar con láser para asegurar su perfección y uniformidad en la forma. Después de realizar los cortes, extraje individualmente cada flecha Pulse y le asigné un color específico. Lo que se ve en la pieza terminada es una flecha Pulse de madera colorida y compuesta.» - Arriba

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Williamsburg Bridge NYC Edición Limitada Serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Compra Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Juguete de arte pintado y hecho a mano Obra de arte coleccionable de los artistas pop Nugg Life NY. Tributo a la planta con temática de cannabis/marihuana con coloridos acentos pintados a mano. Mini Nug mide entre 2,5 y 3 pulgadas de alto y está hecho a mano, pintado y ensamblado con un contenedor de entrega de la ciudad de Nueva York. Tirada limitada de 15 firmadas y numeradas.

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Cuadro original de conejo en forma de A, pintado con aerosol acrílico, señalización vial de construcción, obra de Blake Jones. Obra única de arte callejero, artista pop. 2020. Acrílico y pintura en aerosol firmados sobre marco de madera reciclada en construcción de carreteras. Señal de precaución vial. Obra original. Tamaño: 23,75 x 45,25 pulgadas. Cuadro de conejo enmarcado por Blake Jones: Fantasía urbana sobre lienzo reciclado en arte pop callejero y grafiti. Rabbit A Frame es una obra original de 2020, realizada con acrílico y aerosol por el artista urbano estadounidense Blake Jones, sobre una señal de advertencia de obras viales reciclada. Con unas dimensiones de 60,3 x 114,8 cm, esta pieza única transforma la infraestructura urbana funcional en un lienzo lúdico y dinámico. Pintado directamente sobre el icónico patrón reflectante naranja y blanco de la barricada, el inconfundible conejo de Jones asoma con curiosidad desde la esquina inferior de la señal, infundiendo humor e inocencia a un símbolo de precaución cívica. Esta inesperada fusión de forma y personaje es fundamental en la práctica del arte urbano pop y el grafiti, donde los desechos urbanos se convierten en un espacio para la creatividad, la subversión y la narrativa visual. Recontextualizando la utilidad a través del personaje La inclusión del conejo —figura recurrente en el universo de expresiones caricaturescas de Blake Jones— sitúa la obra dentro de su práctica más amplia de utilizar el diseño de personajes para evocar alegría, curiosidad y absurdo. Los ojos grandes y las líneas redondeadas del conejo contrastan marcadamente con la geometría rígida y el propósito utilitario de la señal de construcción tipo caballete. El artista ha dejado visible la inscripción «LYONS PINNER» en la barra inferior, lo que realza la autenticidad de la pieza como objeto recuperado de la infraestructura urbana real. Esta yuxtaposición de función municipal y expresión personal crea una narrativa compleja, donde el lenguaje visual rígido de la señalización pública se suaviza con una animación llena de asombro. El enfoque de Jones no borra el pasado del objeto, sino que lo amplifica mediante la intervención estética. Estética media, superficial y urbana Blake Jones emplea una combinación de pinceladas acrílicas y aerosol para lograr un contraste vibrante y una nitidez excepcional en la superficie metálica reflectante. La textura del letrero, con sus arañazos, abolladuras y pintura desgastada, proporciona una base áspera y táctil que realza la presencia física de la obra. Cada imperfección en la superficie se integra a la composición final, vinculando la pieza con la calle. El uso del material de las señales de tráfico refuerza la esencia del Arte Pop Urbano y el Grafiti: arte creado en, desde y para el espacio público. El conejo, representado en un turquesa intenso con expresivos detalles en negro, dota al letrero de personalidad, reinterpretando la precaución no como una advertencia, sino como un saludo lúdico. Blake Jones y el arte de recuperar las narrativas urbanas Rabbit A Frame es más que una ingeniosa pintura de objetos: es una declaración sobre cómo los materiales cotidianos pueden convertirse en portadores de alegría, personalidad y transformación artística. Blake Jones continúa difuminando la línea entre los desechos callejeros y el arte coleccionable, utilizando materiales encontrados como plataforma para narrar historias centradas en los personajes. Su obra reinserta la humanidad en espacios a menudo dominados por la estandarización y el silencio. Esta pieza invita a los espectadores a ver el humor y la imaginación integrados en el tejido de su entorno diario. Como parte de Street Pop Art & Graffiti Artwork, se erige como un vibrante recordatorio de que el arte no se limita al lienzo ni a las paredes de una galería. Puede vivir en las calles, en los letreros que ignoramos y en los personajes que dan vida a esos espacios. Blake Jones reivindica estos espacios con estilo, picardía y un encanto innegable.

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El amor es la respuesta: escultura de lata de pintura en aerosol rosa de edición limitada. Obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop, Mr Brainwash, Thierry Guetta. 2020 Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 3x8. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Exclusivo y muy raro: Mr. Brainwash, la obra de arte en aerosol de edición limitada de Thierry Guetta.

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Flatiron Building NYC Edición Limitada Serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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