Arte fino con esténcil

Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Compra Post No Bills- Original sin título, pintura en aerosol única en su tipo y pintura de plantilla, obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de cultura pop Street Art Seen UA. 2018 Cuadro Original Firmado Tamaño 18x24 Craquelado por todas partes. Lienzo sin forro.

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No publicar carteles - Obra original única sin título, pintada con aerosol y plantilla sobre lienzo estirado por un popular artista de arte callejero y cultura pop. Visto en UA. Pintura original firmada, 2018. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Craquelado en toda la superficie. Lienzo sin forrar.

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Minnie Period 12 Edición Limitada, Esténcil de Aerosol HPM de 9 Colores y Acrílico sobre Lienzo Enmarcado con Envoltura de Galería, con detalles pintados a mano, por Jeff Gillette, Artista de Graffiti Callejero, Arte Pop Moderno. Obra de arte original firmada de 2020, realizada con plantilla, pintura acrílica en aerosol, tamaño 20x24 La obra "Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas" de Jeff Gillette es una pieza significativa dentro del arte pop, urbano y del grafiti. Caracterizada por el uso de imágenes icónicas entrelazadas con paisajes urbanos crudos, se erige como un vívido comentario sobre la cultura de consumo y la decadencia social. Jeff Gillette, aclamado artista estadounidense, ha sido apodado "el hombre que destruye Disneylandia", ya que frecuentemente utiliza figuras familiares y nostálgicas de Disney yuxtapuestas a fondos distópicos en su arte. En esta pieza en particular, la reconocible figura de Minnie Mouse es manipulada con un estilo de plantilla de grafiti poco convencional, enfatizando la esencia del arte urbano en su forma más cruda. El "Period 12" hace referencia a la menstruación inoportuna de Minnie y al número de la pintura. Gillette impregna esta obra con una mezcla paradójica de inocencia y desolación. Este contraste no solo critica nuestra sociedad saturada de medios de comunicación, sino que también invita a los espectadores a cuestionar el impacto de las corporaciones en nuestra conciencia cultural colectiva. Con su representación sin filtros de la tensión entre la cultura popular y la realidad, la obra "Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas" de Jeff Gillette se erige como un poderoso ejemplo del arte pop y urbano moderno.

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Compre Joven hasta que me muera 1 Pintura en aerosol de medios mixtos, acrílico y estarcido original único en su tipo en papel Royal Sundance de 270 g/m² por el popular artista de graffiti callejero Pez. 2021 Técnica mixta firmada en papel Royal Sundance de 270 g/m² 19,69" × 27,56" / 50 × 70 cm Tamaño de la obra de arte, negro Enmarcado profesionalmente con tapete flotante

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Compra Emociones: plantilla naranja, serigrafía de 2 colores, arte impreso de edición limitada en papel de bellas artes de la artista Aiko Contemporary Pop Artwork. 2020 Firmado y numerado Mano estarcida Edición limitada de 20 Obras de arte Tamaño 20x24 “Entre hombres y mujeres llevamos mucho tiempo discutiendo sobre la igualdad y tal vez ahora las cosas estén mucho más cómodas, además las nuevas generaciones parecen tener mejores ideas. El tema ha cambiado mucho desde la época de nuestros abuelos o incluso antes. Sin embargo, las mujeres y las minorías aún enfrentan obstáculos que debemos ayudar a resolver: educación, oportunidades laborales y salud. Espero que todos tengan la oportunidad de vivir una vida justa y que todos puedan aprovechar el día". -AIKO

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Compra TITLE Múltiple pintado a mano original (HPM) en panel de madera listo para colgar por ARTIST graffiti street artist modern pop art. INFORMACIÓN

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War By Numbers VSE- OG Colorway Edición Variable Stencil Obra de arte acrílica sobre papel de bellas artes con bordes irregulares hechos a mano por los artistas callejeros Shepard Fairey x Ernesto Yerena Montejano x Hecho Con Ganas x Obey. 2022 War By Numbers VSE - Colorway OG, 20x26.5 pulgadas. Edición ultrarrara, firmada y numerada, de solo 14 ejemplares. Edición con plantilla variable (VSE) sobre papel. Firmada por Shepard Fairey, con el sello editorial de Hecho Con Ganas en la esquina inferior izquierda. «Creada durante la guerra de Irak, la búsqueda de la paz exige una vigilancia constante, y la actual invasión de Ucrania nos recuerda la brutalidad de la guerra. La imagen “Guerra por números” es una declaración sobre la necesidad de no insensibilizarnos ante la guerra hasta el punto de que se vuelva tan banal como un dibujo para colorear. El “Elefante de la Paz” apela a nuestro sentido del karma y a la armonía con el mundo que nos rodea». - Shepard Fairey En "War By Numbers VSE- OG Colorway", una obra emblemática fruto de la brillante colaboración entre Shepard Fairey, Ernesto Yerena Montejano, Hecho Con Ganas y Obey, emerge una profunda intersección entre arte y activismo. Impresa en papel de bellas artes meticulosamente desbarbado a mano, esta obra de 50,8 x 67,3 cm no solo ejemplifica la destreza de sus creadores, sino que también profundiza en el tejido social y político de los escenarios globales contemporáneos. Fechada en 2022, esta pieza se distingue por ser una edición ultrarrara de la técnica Variable Stencil Edition (VSE) sobre papel, de la cual solo existen 14 ejemplares, cada uno cuidadosamente firmado y numerado. Cabe destacar que la presencia del sello editorial de Hecho Con Ganas en la esquina inferior izquierda realza su autenticidad y valor intrínseco. Si bien la obra en sí misma es una maravilla de juego de colores y diseño, su mensaje subyacente es a la vez atemporal y urgente. Las propias palabras de Shepard Fairey aclaran la motivación tras su creación, destacando su origen durante la guerra de Irak. Sin embargo, su resonancia trasciende ese conflicto en particular. La obra emerge como un recordatorio perdurable del costo de la guerra, especialmente con el conmovedor trasfondo de la reciente invasión de Ucrania. Fairey señala con perspicacia los peligros de insensibilizarse ante los horrores del conflicto, sugiriendo que la sociedad jamás debe permitir que la devastación de la guerra se vuelva tan común y cotidiana como un dibujo de un cuadro para pintar por números. Este sentimiento se ve reforzado por la inclusión del "Elefante de la Paz", que simboliza la aspiración universal a la armonía y apela a la conciencia colectiva de la humanidad. En el vasto ámbito del arte pop, el arte urbano y el grafiti, "Guerra por Números" se erige como un testimonio de la capacidad del arte para trascender el atractivo estético, desafiando a los espectadores a confrontar y reflexionar sobre los problemas más acuciantes del mundo.

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¡Quemémoslo todo! - Obra de arte original de 24 x 36 pulgadas, pintada a mano con múltiples técnicas (HPM), técnica mixta con pintura en aerosol sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, por Denial Graffiti, artista callejero, arte pop moderno. Edición limitada firmada de 2017 (10 ejemplares). Obra de arte HPM pintada a mano. Tamaño: 24 x 36 pulgadas. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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Turtle Island Ganas Collage Original Único en su Tipo. Obra de arte realizada con plantilla de pintura en aerosol sobre papel de algodón, por el artista de arte callejero y cultura pop Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. 2022. Pintura original con aerosol firmada. Tamaño: 20,5" x 26,5". Plantillas pintadas a mano con aerosol sobre papel 100% algodón. Bordes irregulares hechos a mano. Firmada y numerada por Ernesto Yerena Montejano. Pieza única. La expresión artística del "Collage Ganas de la Isla Tortuga" de Ernesto Yerena Montejano Ernesto Yerena Montejano es un artista profundamente arraigado en la intersección cultural del arte pop urbano y el grafiti. Su obra, "Collage de Ganancias de Isla Tortuga", es una vibrante celebración de la identidad cultural, la resiliencia y el espíritu de resistencia. Esta original y única pintura con plantilla de aerosol sobre papel de algodón encapsula la esencia de la visión artística de Montejano: "Hecho con Ganancias". Firmada por el artista, esta obra de 52 x 67 cm refleja el compromiso de Montejano con la creación de piezas que no solo son visualmente cautivadoras, sino que también están impregnadas de comentarios sociales y políticos. Simbolismo y técnica en la obra de Montejano En «Collage Ganas de la Isla Tortuga», Montejano emplea la tortuga, criatura venerada en muchas culturas indígenas por cargar el mundo sobre su caparazón, como figura central que simboliza la tierra y la interconexión de la vida. El término «Isla Tortuga» es un nombre que varias tribus nativas americanas utilizan para referirse al continente norteamericano, y su inclusión en el título vincula la obra con temas de herencia y tierra. La elección de materiales de Montejano —papel de trapo 100% algodón con bordes irregulares— complementa la temática orgánica, arraigando la pieza en la tradición y la artesanía. Las plantillas aplicadas con aerosol crean un marcado contraste característico del arte del grafiti, mientras que los intrincados detalles y la superposición de capas evocan la complejidad de las imágenes del arte pop. La contribución de Ernesto Yerena Montejano al arte pop callejero Montejano, artista mexicano-estadounidense, contribuye al rico panorama del arte pop urbano con obras como "Collage de Ganas de la Isla Tortuga", que abordan temas de identidad, comunidad y activismo. Su obra suele reflejar las experiencias de la frontera entre Estados Unidos y México, funcionando como un comentario visual sobre el panorama sociopolítico. Al integrar motivos de la cultura indígena y chicana, Montejano tiende un puente entre el pasado y el presente, creando un diálogo entre narrativas históricas y problemáticas contemporáneas. Su arte trasciende los límites tradicionales del arte urbano, ofreciendo una narrativa universal y profundamente personal. A través de su arte, Montejano invita a los espectadores a participar en conversaciones más amplias sobre justicia social, patrimonio y la condición humana, consolidando su lugar en el panteón del arte pop urbano y el grafiti.

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¡Mira la pintura original de collage con plantilla y aerosol de Pipsqueak! ¡Una obra de arte única sobre lienzo tensado del artista pop de arte callejero! 2021. Obra original firmada, técnica mixta, pintura en aerosol, plantilla y collage. Tamaño: 17,5 x 17,5 pulgadas. ¡Revisado por Pipsqueak! – Desafío con esténcil y textura encontrada en el arte pop callejero y el grafiti. Check es una pintura original de técnica mixta de 2021 del dúo holandés de arte urbano Pipsqueak Was Here!!!, creada con esténcil, pintura en aerosol y collage sobre lienzo tensado. Con unas dimensiones de 44,5 x 44,5 cm y firmada por los artistas, la obra es un impactante ejemplo de narrativa urbana estratificada, integrada en texturas crudas y yuxtaposiciones simbólicas. El foco central es un retrato solemne y nítido de una niña, realizado con esténcil, cuya mirada es directa y casi desafiante. A su alrededor, fragmentos de anuncios antiguos, etiquetas de advertencia química, recortes impresos rasgados y pinceladas abstractas se combinan en collage. La obra fusiona el lenguaje de la precaución, la infancia y la memoria del consumidor en un campo de poética urbana de composición compacta, emblemático de la práctica de Pipsqueak Was Here!!! dentro del arte pop urbano y el grafiti. El retrato como conciencia y confrontación La joven protagonista de Check no es pasiva. Su expresión es seria, firme y sutilmente desafiante. Representada mediante plantillas nítidas en negro y tonos carne, su presencia contrasta con el caos del fondo, ofreciendo al espectador un punto de referencia emocional. Esta figura, como muchas en la obra del artista, posee un peso simbólico: la juventud en un mundo ya marcado por el peligro y la contradicción. Tras ella, la imagen de un clásico anuncio de taxi amarillo y una etiqueta de advertencia de "Mercancías Peligrosas Varias" crean una tensa ironía visual. El collage que la rodea trasciende la estética: funciona como un comentario. Dentro del diálogo más amplio del Arte Pop Urbano y el Grafiti, este retrato se convierte en una voz que desafía los sistemas con una resolución serena en lugar de con eslóganes estridentes. Construcción de collage y composición con objetos encontrados Fiel a las raíces estéticas del arte callejero, Check incorpora lenguaje visual encontrado a través de sus capas de collage. Se fusionan la memoria urbana y los medios olvidados: tipografía desgastada, titulares de periódicos descoloridos, símbolos codificados químicamente y la acumulación de capas de aerosol y esténcil. Estas texturas imitan los muros de paisajes urbanos reales, donde los carteles y la señalización pública son constantemente arrancados, pintados o vandalizados. Los artistas utilizan estos materiales para crear un campo narrativo, un diálogo entre seguridad y peligro, visibilidad y borrado. Este método de collage táctil refuerza la conexión entre superficie e historia, asegurando que cada componente de la obra aporte no solo interés visual, sino también resonancia histórica. Captura la energía de la decadencia y la renovación, centrales en la ética del arte pop callejero y el grafiti. ¡¡¡Pipsqueak estuvo aquí!!! y la lógica de la protesta visual Con Check, Pipsqueak Was Here!!! continúa perfeccionando su singular equilibrio entre elegancia visual y urgencia callejera. La obra irradia significado a través del contraste: la inocencia infantil frente a un mundo saturado de advertencias y publicidad. El título mismo implica confrontación, verificación o disrupción. Cada decisión compositiva alude al poder, la ubicación y la percepción. Esta pintura no se trata solo de forma o belleza; es un mensaje implícito en la imagen. Como practicantes del Arte Pop Urbano y el Grafiti, el dúo se mantiene enfocado en la vulnerabilidad ambiental, social y humana, convirtiendo cada obra en una suerte de protesta visual en el lenguaje del collage, el aerosol y el símbolo. Check es un poderoso recordatorio de que el arte, tanto en el espacio público como en el privado, tiene la capacidad de revelar verdades, evocar empatía y transmitir resistencia a través de la iconografía cotidiana de nuestros entornos compartidos.

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Escape Original Mixed Media Painting de Snik. Obra de arte única enmarcada sobre panel por un artista pop de arte callejero. Pintura original de técnica mixta firmada, 2018. Medidas: 15,5 x 9,5 cm (enmarcada: 18,5 x 11,5 cm). Escape by Snik – Descenso congelado y quietud poética en el arte pop callejero y el grafiti Escape es una pintura original de técnica mixta de 2018 del dúo de artistas británicos Snik. Con unas dimensiones de 39,4 x 24,1 cm, se presenta en un marco personalizado de 47 x 29,2 cm. Ejecutada con meticulosas capas de esténcil y la técnica de aerosol sobre panel, esta obra única captura una figura femenina suspendida en el aire, en plena caída o vuelo, con el cuerpo arqueado en un momento de liberación, lucha o trascendencia. El fondo ennegrecido se convierte en un vacío, mientras que la figura, representada con tonos austeros y delicados detalles superficiales, flota como un fantasma al borde del abismo. Reconocidos por su maestría en el uso del esténcil y sus retratos de gran carga emocional, Snik crea en Escape una composición que encarna tensión, gracia y una inquietante poesía visual. En el ámbito del arte pop urbano y el grafiti, la pieza alude a la fragilidad física y la ruptura espiritual utilizando únicamente el lenguaje de la forma y la luz. Artesanía en capas y emoción dimensional El proceso característico de Snik se basa en la precisión: cada capa de plantilla se corta a mano y se rocía individualmente, lo que permite una profundidad de detalle y un realismo que transforma el aerosol en algo casi escultórico. En Escape, los pliegues del vestido de la protagonista, los mechones sueltos de su cabello y la delicada articulación de sus extremidades se construyen mediante este método meticuloso. Su cuerpo se siente a la vez firme e ingrávido: atado en algunos puntos, parcialmente oculto, con las extremidades atrapadas entre el movimiento y la quietud. La tensión creada por las cuerdas sugiere confinamiento, pero su postura suspendida en el aire evoca liberación. Esta dualidad es fundamental en el lenguaje visual de Snik: momentos de belleza contenidos dentro de sistemas de restricción. En Street Pop Art & Graffiti Artwork, esta precisión emocional redefine las posibilidades del retrato con aerosol, trascendiendo lo visual para adentrarse en lo psicológico. Vacío oscuro y aislamiento emocional El vacío oscuro que rodea a la figura en Escape no es un mero fondo, sino un espacio conceptual. Aísla al sujeto de cualquier entorno o contexto específico, obligando al espectador a centrarse únicamente en la forma y la sensación. Este austero espacio negativo amplifica la cualidad flotante de la figura, haciéndola parecer suspendida en sus pensamientos o en un sueño, en lugar de atrapada por la gravedad. Las sutiles texturas de la superficie, los finos bordes de las líneas de aerosol y los reflejos en las extremidades y los pliegues de la tela revelan un dominio magistral de la luz y la atmósfera. La negrura se convierte en un espejo de lo desconocido, símbolo del trauma, la trascendencia o la silenciosa resaca de un intento de fuga largamente anhelado. Este uso del minimalismo en el arte pop urbano y el grafiti demuestra cómo la ausencia puede ser tan potente emocionalmente como el exceso visual. Snik y la anatomía de la liberación Escape destila la esencia de Snik: una técnica magistral, una narrativa centrada en la mujer y una exploración constante de la quietud emocional a través del movimiento físico. La obra es teatral, pero nunca exagerada; simbólica, pero arraigada en sentimientos reales. Refleja temas como la vulnerabilidad, el confinamiento personal y la agridulce sensación de dejar ir. Con Escape, Snik reafirma su capacidad para crear obras de composición precisa y una gran intensidad emocional. La pieza invita al espectador a interpretar su propia versión de aquello de lo que huye o hacia lo que se dirige, utilizando únicamente la pose, la silueta y el vacío. Como expresión singular dentro del arte pop urbano y el grafiti, Escape demuestra que la belleza, cuando se plasma con paciencia y propósito, puede hablar con sutileza y, a la vez, dejar una huella imborrable.

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Compre Inside Out en Shimmering Red/Jerry B-Side HPM Serigrafía de edición limitada tirada a mano en 2 colores con acrílico, tinta de serigrafía y pintura en aerosol⁠ en trapo Coventry de 310 g/m² (borde de cubierta) por Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Una nueva impresión de edición pequeña pintada a mano del estudio. Este con la imagen "Inside Out". Una edición clásica de estudio, pintada e impresa a mano, cada una con sus propios toques. Este papel es pesado, trabajado profundamente y manchado. Inside Out in Shimmering Red / Jerry B-Side 38 x 25 Edición variada pintada a mano de 24 Acrílico y tinta de serigrafía sobre papel de archivo Estampado, en relieve y firmado Faile 1986

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Joven hasta la muerte 1 Obra de arte original y única en técnica mixta con pintura en aerosol, acrílico y plantilla sobre papel Royal Sundance de 270 g/m² del popular artista de graffiti callejero Pez. 2021. Firmada. Técnica mixta sobre papel Royal Sundance de 270 g/m². 50 × 70 cm (19,69" × 27,56"). Enmarcada profesionalmente en negro con paspartú flotante.

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Compre el panel múltiple pintado a mano WOODCRADLED listo para colgar de ARTIST Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2022 Edición firmada y numerada de XXX HPM MEDIA Impresión de ilustraciones Tamaño XXX INFORMACIÓN

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Emociones - Plantilla verde, serigrafía de dos colores, edición limitada impresa en papel de bellas artes por el artista Aiko, obra de arte pop contemporánea. Edición limitada de 5 ejemplares, firmada y numerada a mano con plantilla, 2020. Tamaño de la obra: 20 x 24 pulgadas. «Entre hombres y mujeres, llevamos mucho tiempo debatiendo sobre la igualdad, y quizás ahora las cosas sean mucho más llevaderas; además, las nuevas generaciones parecen tener mejores ideas. El tema ha cambiado mucho desde la época de nuestros abuelos, o incluso antes. Sin embargo, las mujeres y las minorías aún se enfrentan a obstáculos que debemos ayudar a resolver: educación, oportunidades laborales y salud. Espero que todos tengan la oportunidad de vivir con justicia y que todos puedan aprovechar el momento.» - AIKO «Emociones - Plantilla Verde» es una impactante serigrafía de edición limitada a dos colores sobre papel de bellas artes, creada por la reconocida artista AIKO. Una magistral fusión de arte pop contemporáneo, la obra conecta profundamente con el intenso espectro de las emociones humanas, adentrándose específicamente en la dinámica entre hombres y mujeres. La obra captura un momento, un sentimiento y una expresión que visibilizan el debate actual sobre la igualdad de género y los desafíos que enfrentan las mujeres y las minorías. La meticulosa técnica de plantilla manual de AIKO es evidente en esta pieza, enfatizando la crudeza y autenticidad de su mensaje. Limitada a solo cinco ejemplares firmados y numerados, esta obra mide 20x24 pulgadas, lo que hace que cada impresión sea excepcionalmente exclusiva. Los vibrantes tonos verdes, combinados con los elementos contrastantes, crean una pieza visualmente cautivadora de la que es difícil apartar la mirada. La técnica de plantilla adoptada por AIKO, tradicionalmente asociada con el arte callejero y el grafiti, infunde un sentido de urgencia y rebeldía a la obra, haciéndola aún más fascinante. Reflexionando sobre el progreso de la igualdad de género y las perspectivas sociales, AIKO reconoce los avances logrados desde la época de nuestros abuelos. Sin embargo, sigue siendo muy consciente de los desafíos que enfrentan las mujeres y las minorías en áreas como la educación, las oportunidades laborales y la salud. A través de "Emociones - Plantilla Verde", AIKO transmite su ferviente esperanza de un futuro donde cada persona, sin importar su género u origen, tenga las mismas oportunidades para prosperar. La obra sirve como recordatorio y llamado a la acción, instando a la sociedad a garantizar una oportunidad justa para que todos puedan aprovechar el momento. La pieza, en su totalidad, es un testimonio del compromiso de AIKO con dar voz a quienes a menudo no son escuchados y su firme dedicación a impulsar el cambio a través del arte.

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Te amaré hasta el final. Edición limitada. Pintura en aerosol, acrílico, plantilla y técnica mixta sobre panel de madera entelado, intervenida a mano por Denial Graffiti Street Artist. Arte pop moderno. Edición limitada firmada de 2015 de HPM 5. Obra de arte intervenida a mano. Tamaño 24x36. Enmarcada en madera. Lista para colgar. Te amaré hasta el final por Denial: Inocencia y apocalipsis en el arte pop callejero y el grafiti «Te amaré hasta el final» es una obra de arte de técnica mixta, edición limitada de 2015, intervenida a mano por el artista canadiense de pop y graffiti Denial. Cada pieza de la edición de cinco es única, creada con pintura en aerosol, esténcil, acrílico y capas de técnica mixta sobre un panel de madera enmarcado de 61 x 91 cm. Firmada y lista para colgar, esta pintura de gran formato fusiona la sinceridad emocional con una mordaz crítica a la inestabilidad global y el caos moderno. Es una contradicción visual donde la imaginería romántica colisiona con el lenguaje de la guerra, consolidando el enfoque característico de Denial hacia el arte pop urbano y el graffiti como una obra a la vez emocionalmente provocativa y conceptualmente subversiva. Elementos visuales contrastantes y dualidad emocional El punto central de la obra es la silueta de un niño y una niña frente a frente, en un momento de tierno afecto. El niño oculta un ramo de flores a su espalda, símbolo de amor inocente y vulnerabilidad juvenil. Tras ellos, sin embargo, estalla una enorme nube en forma de hongo, representada en marcado contraste con vibrantes tonos rojos, amarillos y naranjas. Este telón de fondo apocalíptico rompe la serenidad del primer plano, sugiriendo que ni siquiera los momentos más puros de amor son inmunes a las violentas consecuencias de las decisiones humanas. El gesto de generosidad del niño y la atenta postura de la niña se convierten en metáforas de la frágil esperanza en medio de la destrucción, subrayando cómo el amor persiste a la sombra de la catástrofe inminente. Materiales, textura y proceso de pintura a mano Cada obra está creada sobre panel de madera, lo que le confiere una crudeza y un peso físico acordes con la autenticidad de sus orígenes en el arte urbano. El carácter artesanal de la edición garantiza que cada panel presente capas únicas de estarcido, pintura en aerosol expresiva e imperfecciones intencionadas. El uso del espacio negativo en las siluetas contrasta con el fondo de explosiva riqueza de detalles, atrayendo la mirada del espectador directamente al diálogo visual entre el afecto y la aniquilación. La textura de la superficie del panel y la superposición de técnicas aportan profundidad e intensidad a la tensión emocional de la obra. La visión y el comentario cultural de la negación Denial, cuyo nombre real es Daniel Bombardier, es conocido por utilizar la ironía, la contradicción y un simbolismo complejo para criticar los medios de comunicación, el consumismo y la complacencia política. En «Te amaré hasta el final», su uso de siluetas juveniles no es nostálgico, sino intencionalmente irónico. La inocencia de la infancia se convierte en un símbolo de esperanza, amenazada por el espectro siempre presente del conflicto. El arte de Denial a menudo expone lo absurdo de las ideologías modernas, y aquí se pregunta si el amor puede perdurar cuando el mundo está en llamas. Esta obra refleja la dualidad presente en el arte pop urbano y el grafiti: belleza versus caos, sinceridad versus espectáculo, y la emoción humana resistiendo con resiliencia frente a los sistemas de destrucción. Mediante la metáfora visual y una estética provocadora, Denial invita a los espectadores a reflexionar no solo sobre la fragilidad del afecto, sino también sobre su poder frente al olvido.

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Vive. Trabaja. Consume. Muere. Edición limitada de 49 piezas con plantilla, pintura en aerosol y acrílico sobre madera enmarcada, obra del artista callejero de graffiti Denial, arte pop moderno. Edición limitada firmada de 55 ejemplares (2015). Tamaño de la obra: 12x12 pulgadas. «Me fascinan las cartas de ajuste de la televisión; tienen algo de apocalíptico. Es como si, al ver una, sucediera algo terrible. También incluí en esta pieza un mensaje que, en mi opinión, se relaciona con el verdadero mensaje de la mayoría de los anuncios televisivos: vivir, trabajar, consumir, morir. Eso es lo que la televisión te dice que hagas, ya sea de forma subliminal o no». - Negación Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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Rise Above, obra de arte original y única, realizada con collage, pintura en aerosol y serigrafía sobre papel de bellas artes por las leyendas del graffiti D*Face y Shepard Fairey. 2021. Firmado en la parte inferior derecha del reverso por ambos artistas. Collage original con capturas de pantalla de archivo y pintura en aerosol. Enmarcado en madera de haya teñida de negro. 54 x 48 cm (21 1/4 x 18 7/8 pulgadas). Riot D*Face Ruined My Day La esencia colaborativa de D*Face y Shepard Fairey La obra titulada «Rise Above» es un profundo testimonio de la sinergia entre dos titanes del arte pop urbano y el grafiti: D*Face y Shepard Fairey. Este collage original, compuesto por serigrafías de archivo y pintura en aerosol sobre papel de bellas artes, es una poderosa expresión del comentario sociopolítico por el que ambos artistas son reconocidos. Firmada por D*Face y Shepard Fairey en 2021, la pieza está enmarcada en madera de haya teñida de negro, mide 54 x 48 cm (21 1/4 x 18 7/8 pulgadas) y transmite el inconfundible espíritu de rebeldía y resistencia que define la obra de ambos artistas. La colaboración entre D*Face y Shepard Fairey para «Rise Above» constituye un hito en la historia del arte urbano. Ambos artistas han contribuido significativamente a la evolución del grafiti y el arte pop urbano, y su colaboración en esta obra representa un diálogo entre dos voces distintas que comparten intereses temáticos comunes. El título de la obra, «Rise Above» (Superarse), encapsula la esencia del espíritu compartido de los artistas: una invitación a trascender el statu quo y desafiar las normas sociales a través del arte. «Rise Above» es una magistral fusión de técnicas, donde cada capa de collage, pintura en aerosol y serigrafía aporta profundidad y textura a la pieza. Las serigrafías de archivo rinden homenaje a los trabajos anteriores de los artistas, creando una sensación de continuidad y legado dentro de su obra. El elemento de pintura en aerosol introduce una cualidad cruda y visceral que recuerda a su trabajo en las calles, mientras que el proceso de serigrafía añade precisión y complejidad. Esta combinación de métodos da como resultado una obra rica en densidad visual y conceptual. Iconografía y mensaje en 'Rise Above' La iconografía empleada en «Rise Above» está cargada de significado. La obra presenta un retrato característico del estilo de D*Face, que recuerda a la estética del cómic y a los motivos esqueléticos que suele utilizar. Esta figura sostiene un cartel con la frase «DFace Ruined My Day» (DFace me arruinó el día), una declaración autorreferencial que juega con el nombre del artista y su reputación por subvertir las normas. La influencia de Shepard Fairey es evidente en los llamativos elementos tipográficos y las imágenes de estilo propagandístico que invitan a los espectadores a cuestionar la autoridad y las estructuras de poder. El impacto sociopolítico de «Rise Above» es a la vez actual y atemporal. Al fusionar sus estilos distintivos, D*Face y Shepard Fairey han creado una obra que aborda problemáticas sociopolíticas contemporáneas y, al mismo tiempo, sigue siendo relevante para las futuras generaciones. El llamado a «Rise Above» (Superarse) que transmite la obra es un mensaje universal de empoderamiento que insta a los espectadores a interactuar críticamente con el mundo que les rodea. La colaboración entre estos dos artistas sirve como recordatorio del poderoso papel que el arte puede desempeñar para provocar la reflexión e inspirar el cambio. El legado de «Superarse» en el arte callejero «Rise Above» enriquece el legado del arte urbano al demostrar el potencial de la colaboración dentro del género. La alianza entre D*Face y Shepard Fairey ejemplifica cómo los artistas pueden unirse para potenciar su mensaje e impacto. Dado que ambos artistas han sido fundamentales para popularizar el arte urbano, esta obra también refleja la consolidación del arte urbano como una forma reconocida de bellas artes, capaz de transmitir narrativas complejas y evocar fuertes emociones. «Rise Above» es una impactante obra de arte que encarna el espíritu rebelde del pop art urbano y el grafiti. La colaboración entre D*Face y Shepard Fairey es un testimonio del poder del arte para comunicar, desafiar e inspirar. La complejidad de la obra, tanto en técnica como en simbolismo, ofrece una rica experiencia visual y un mensaje conmovedor que conecta con los valores esenciales del arte urbano. A medida que 'Rise Above' continúa siendo apreciada por entusiastas y coleccionistas de arte, constituye una contribución significativa al discurso del arte contemporáneo, recordándonos el poder transformador de la colaboración artística.

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Hormiga del Crimen Pensante, Edición Limitada, Pintada a Mano con Adornos, Pintura, Plantilla, Acrílico sobre Madera por Bask, Artista Callejero de Graffiti, Arte Pop Moderno. Estas piezas son una continuación de mi serie Thoughtcrime. La imagen de la hormiga está pintada sobre una serie de paneles desgastados. Este conjunto se completó el mes pasado. Es difícil precisar cuánto tiempo llevó crearlas, ya que rescatar los paneles de diversos lugares a lo largo del tiempo es tan esencial para el proceso artístico como aplicar la pintura sobre ellos. Cada pieza tiene su propia historia. Cada una está hecha a mano y cada panel ha sido pintado y procesado por mí. Me gusta la idea de las obras de pequeña producción que permiten a la gente obtener una obra de arte original por el precio de algunas láminas hoy en día. He estado guardando estos paneles durante un tiempo y finalmente llegó el momento de cortarlos y crear arte con ellos. Son pinturas de la misma imagen estarcida, pero cada una con un aspecto totalmente original. Cada pieza tiene su propio carácter y personalidad distintivos, manteniendo la repetición de Thoughtcrime. - BASK

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Serigrafía con pintura en aerosol y plantilla Heist Eyes HPM de Prefab77. Múltiples pintadas a mano sobre papel Somerset Fine Art de 300 g/m². Arte callejero de graffiti único. Arte pop moderno. Edición firmada y numerada de 60 ejemplares de 2023. Obra de arte única de HPM pintada a mano con plantilla de pintura en aerosol. Tamaño 15x22. Serigrafía de primer plano de los ojos de una mujer con figuras de la cultura pop. Adentrándonos en el mundo del arte pop moderno y el arte urbano, es imposible no quedar cautivado por las creaciones pintadas a mano de PREFAB77. El artista, conocido por fusionar técnicas únicas de grafiti con elementos de la cultura pop, nos presenta una vez más una obra excepcional titulada “Heist Eyes”. Esta obra es una brillante amalgama de pintura en aerosol con plantilla y serigrafía, que combina a la perfección ambas formas de arte. Impresa en papel Somerset Fine Art de alta calidad de 300 g/m², “Heist Eyes” muestra un primer plano de la mirada de una mujer, intensa y misteriosa. Los ojos, ventanas del alma, son el elemento central de esta obra, simbolizando quizás la profundidad y las capas de nuestra cultura moderna. Lo que hace única a esta pieza son sus intrincados detalles. No solo presenta la mirada intensa, sino que también entrelaza elementos de la cultura pop, sirviendo tanto como reflejo de la sociedad contemporánea como advertencia sobre la fugacidad de la fama y el reconocimiento. Esta obra no es una impresión cualquiera; Se trata de una obra múltiple pintada a mano (HPM). Esto significa que cada pieza, aunque forma parte de una serie, posee un toque único. El uso de siete colores distintos da vida a la impresión, y la lujosa capa de tinta negra UV sobre un fondo pintado a mano realza aún más su atractivo. Con tan solo 60 piezas existentes, cada una firmada, sellada y numerada, es un verdadero testimonio de la dedicación de PREFAB77 a la artesanía y la exclusividad. En el ámbito del arte pop, el arte urbano y el grafiti, estas obras enfatizan la evolución de las formas artísticas tradicionales. Representan un paso de lo convencional a lo contemporáneo, aportando perspectivas novedosas sin perder de vista las técnicas auténticas. «Heist Eyes» no es solo una obra de arte; es una narrativa de la época que vivimos, que invita a los espectadores a profundizar, a mirar más allá de la superficie y a interpretar la miríada de historias que busca contar.

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Picnic Edición Limitada Plantilla Pintada a Mano con Detalles Decorados a Mano sobre Papel Base Prolux de 300 g/m² por MAD Graffiti Artista Callejero Arte Pop Moderno. Impresión única de plantilla HPM para picnic de Mad Ha expuesto sus obras únicas en muros y galerías de arte de numerosos países de todo el mundo, entre ellos Irán, Estados Unidos, Países Bajos, Reino Unido, Noruega y Turquía.

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Consigue un trabajo HPM Serigrafía con plantilla sobre madera de Shepard Fairey- OBEY Panel múltiple pintado a mano Listo para colgar Artista callejero Graffiti moderno Arte pop. Edición limitada de 2012, firmada y numerada (6 ejemplares). Impresión serigráfica HPM. Medidas de la obra: 18 x 24 pulgadas sobre panel de madera. Enmarcada sin cristal. Dimensiones del marco: 25 x 19 pulgadas. Shepard Fairey Consigue un trabajo HPM Serigrafía Plantilla sobre madera 2012 La obra múltiple pintada a mano «Get A Job» (2012), del artista estadounidense Shepard Fairey, conocido por el nombre OBEY, es una impactante fusión de serigrafía con plantillas y detalles aplicados a mano sobre un panel de madera. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, esta pieza forma parte de una edición extremadamente limitada de tan solo seis ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista. Reconocido por su imaginería de fuerte contenido político y conciencia social, Fairey utiliza el lenguaje visual de los carteles propagandísticos para ofrecer una mordaz crítica al trabajo, la autoridad y las expectativas sociales, aquí reinterpretadas a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Composición inspirada en la propaganda La figura central de la obra señala directamente hacia afuera, evocando la imaginería icónica de los carteles de reclutamiento, pero la instrucción aquí se altera satíricamente a «Quiero que consigas un trabajo». Este mensaje con múltiples capas imita y critica el tono autoritario de la propaganda histórica, poniendo de relieve la mercantilización del trabajo y las presiones de la productividad. La composición está impregnada de rayos dorados que irradian sobre un fondo rojo dominante, con dos trabajadores robustos y uniformados que flanquean la escena, reforzando la estética militarista e intensificando el impacto visual. Técnica y materialidad Esta obra no es una impresión estándar, sino una serie pintada a mano, lo que significa que cada panel fue trabajado individualmente por el artista, dando como resultado sutiles variaciones en toda la edición. El uso de la madera como superficie base aporta calidez, textura y durabilidad, contrastando con la nitidez de la aplicación de la plantilla serigráfica. La superposición de capas de pintura y plantilla de Fairey produce profundidad y complejidad, con áreas de desgaste e imperfección intencionales que realzan la autenticidad del arte urbano. La ausencia de cristal en el marco invita a una observación más detallada de la textura y las cualidades táctiles de la veta de la madera bajo la pintura. Comentario cultural de Shepard Fairey Nacido en 1970 en Charleston, Carolina del Sur, Shepard Fairey surgió de la escena del skateboarding con su campaña de pegatinas OBEY antes de convertirse en una figura central del arte callejero político contemporáneo. Sus obras frecuentemente cuestionan las estructuras de poder, la influencia de los medios y la cultura de consumo. En «Get A Job», Fairey utiliza la estética del realismo socialista y la propaganda bélica para ofrecer una crítica profunda de la dinámica laboral moderna, manteniendo el estilo gráfico audaz que ha hecho que su obra sea reconocida internacionalmente. Con su combinación de edición limitada, técnica mixta y mensaje socialmente incisivo, esta pieza es un poderoso ejemplo de la capacidad de Fairey para fusionar la seducción visual con la provocación política en el ámbito del arte pop callejero y el grafiti.

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Peoples Power, pintura original en técnica mixta con plantilla y pintura en aerosol sobre panel de madera recortado, por Icy & Sot, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Obra de arte original firmada de 2015, realizada con pintura en aerosol y plantilla sobre madera recortada, de 21 x 46 pulgadas (tamaño natural). «American Dream se inspira en el hombre sin hogar que sostiene un vaso de Starbucks y pide dinero. Hay muchas personas sin hogar en Nueva York, pero son invisibles entre los rascacielos. Lo pintamos más grande que el Empire State Building para que sea más visible». - Icy & Sot Descifrando el lenguaje visual del "Poder Popular" La obra titulada «El poder del pueblo», del dúo de artistas urbanos Icy & Sot, es un impactante ejemplo de arte pop moderno que fusiona la intensidad cruda del grafiti con el atractivo cautivador del estarcido. Creada en 2015, esta pieza original fue meticulosamente elaborada con técnicas mixtas, principalmente estarcido y pintura en aerosol, sobre un panel de madera recortado. La elección de materiales y la técnica empleada por los artistas revelan sus profundas raíces en las tradiciones del arte pop urbano y el grafiti, donde el uso de la pintura en aerosol es icónico y el estarcido permite crear imágenes nítidas y repetibles que pueden ejecutarse rápidamente en los entornos, a menudo complejos, de los espacios públicos. Expresión artística sobre realidades sociales «El Poder del Pueblo» conecta con la esencia del arte urbano al abordar con audacia temas sociopolíticos. La obra de Icy & Sot suele reflejar una aguda conciencia de los problemas contemporáneos; esta pieza no es la excepción. La narrativa tras el «Sueño Americano» —la inspiración de «El Poder del Pueblo»— surge de la observación del artista de una persona sin hogar en la ciudad de Nueva York, sosteniendo un vaso de Starbucks mientras pedía dinero. Esta conmovedora escena, con los imponentes rascacielos de fondo, dio origen a una obra que busca visibilizar la presencia de las figuras a menudo ignoradas y marginadas en los paisajes urbanos. El simbolismo del "poder del pueblo" En «El poder del pueblo», la figura central se representa de tamaño descomunal, eclipsando el emblemático Empire State Building. Esta elección artística eleva al sujeto, literal y figurativamente, otorgándole una visibilidad que suele negársele en la vida real. La multitud heterogénea que rodea a la figura central parece solidaria, sugiriendo un levantamiento colectivo o una postura unificada contra los problemas sociales. Los vibrantes colores que salpican el rostro de la figura central añaden una sensación de vitalidad y quizá un atisbo de esperanza en medio del austero blanco y negro de la multitud. Técnica y forma en el proceso creativo de Icy & Sot La destreza técnica de Icy & Sot se evidencia en la precisión del trabajo con esténcil y el caos controlado de la pintura en aerosol. Al optar por un panel de madera como soporte, los artistas se alejan de la naturaleza efímera de los muros callejeros, permitiendo que «People's Power» exista como un manifiesto portátil de su postura artística e ideológica. La forma recortada de la obra rompe con el lienzo rectangular convencional, otorgándole una presencia casi escultórica que evoca la experiencia tridimensional de encontrarse con el arte urbano. Contextualizando el "Poder del Pueblo" dentro del Arte Pop Callejero «El Poder del Pueblo» es más que una obra visualmente cautivadora; es un artefacto cultural que encapsula el espíritu del arte pop urbano. Icy & Sot han aprovechado con éxito el potencial expresivo del grafiti para comunicarse con un público amplio, trascendiendo las barreras lingüísticas y culturales. La accesibilidad de la obra es crucial para su impacto, siguiendo la tradición del arte urbano que se dirige directamente al público, sin los filtros de las normas excluyentes de las galerías y museos tradicionales. Impacto y legado del "Poder del Pueblo" El legado de «El poder del pueblo» reside en su capacidad para confrontar y dialogar con su público sobre verdades incómodas. Como ocurre con muchas obras seminales del arte pop urbano, el valor de esta pieza se ve amplificado por su relevancia para los discursos sociales contemporáneos. El compromiso de Icy & Sot con abordar las facetas incómodas de la modernidad es lo que posiciona a «El poder del pueblo» no solo como un objeto de admiración estética, sino también como un faro de conciencia social en el ámbito del arte moderno.

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Compre Inside Out en Shimmering Red/Jerry B-Side HPM Serigrafía de edición limitada tirada a mano en 2 colores con acrílico, tinta de serigrafía y pintura en aerosol⁠ en trapo Coventry de 310 g/m² (borde de cubierta) por Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Una nueva impresión de edición pequeña pintada a mano del estudio. Este con la imagen "Inside Out". Una edición clásica de estudio, pintada e impresa a mano, cada una con sus propios toques. Este papel es pesado, trabajado profundamente y manchado. Inside Out in Shimmering Red / Jerry B-Side 38 x 25 Edición variada pintada a mano de 24 Acrílico y tinta de serigrafía sobre papel de archivo Estampado, en relieve y firmado Faile 1986

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Fotografía original de Martin Whatson, pintura acrílica en aerosol AP, obra única sobre lienzo tensado del artista pop de arte callejero. Prueba de artista AP 2008. Pintura original firmada, realizada con plantilla, pintura en aerosol y acrílico. Tamaño 30x20. Ligero desgaste en el borde derecho. Martin Whatson, fotógrafo. Obra original de arte pop callejero y grafiti de AP. Antecedentes e identidad artística Martin Whatson, nacido en Noruega en 1984, es reconocido internacionalmente por su habilidad para fusionar plantillas monocromáticas detalladas con la vibrante energía del grafiti. Este estilo característico lo sitúa a la vanguardia del arte pop urbano contemporáneo y del grafiti, atrayendo tanto a entusiastas del arte urbano como a coleccionistas de arte. Su formación en la Escuela de Comunicación Westerdals de Oslo le proporcionó una sólida base en diseño, pero fue su descubrimiento del arte de las plantillas a principios de la década de 2000 lo que marcó su trayectoria artística. Con el tiempo, Whatson ha desarrollado un estilo que no solo refleja sus raíces noruegas, sino que también conecta con un público global, fusionando la estructura del arte de las plantillas con la imprevisibilidad del grafiti callejero. Sobre el fotógrafo: Pintura original de AP La obra *Fotógrafo* Original AP (Prueba de Artista) de 2008 es una pieza única y excepcional, creada con técnicas artesanales de estarcido y pintura en aerosol, combinadas con acrílico sobre lienzo tensado. Con unas dimensiones de 76 x 51 cm, esta pintura firmada captura la primera etapa de la carrera de Whatson, cuando su exploración del realismo con estarcido se entrelazaba con la abstracción influenciada por el grafiti. La composición representa a un fotógrafo monocromático y realista en plena acción, apuntando la cámara hacia una explosión de salpicaduras de pintura naranja y amarilla vibrantes. Esta yuxtaposición entre la figura estructurada y meticulosamente representada y la energía espontánea de la pintura plasma la filosofía de Whatson: que la vida es un equilibrio entre el control y el caos. Simbolismo y narrativa visual La obra *Fotógrafo* plasma los temas de la observación, la creatividad y la relación entre el artista y su sujeto. El fotógrafo, representado en escala de grises, simboliza la concentración, la disciplina y la técnica artística. En contraste, las vibrantes salpicaduras sobre el lienzo representan la creatividad en estado puro, la espontaneidad y la imprevisibilidad de la inspiración. El uso de colores cálidos como el naranja y el amarillo infunde energía y atrae la mirada del espectador, sugiriendo que la creatividad suele surgir de maneras audaces e inesperadas. La obra invita a reflexionar sobre cómo se capturan los momentos —ya sea en la fotografía callejera, el grafiti o las bellas artes— y cómo el acto de ver es tan artístico como el de crear. Coleccionabilidad y rareza Como prueba de artista de 2008, esta obra de *Photographer* tiene un significado especial. Las pruebas de artista se producen generalmente en cantidades extremadamente limitadas, fuera de la edición principal, reservadas para la colección personal del artista o para lanzamientos especiales. El hecho de que esta obra sea un original hecho a mano, en lugar de una impresión, aumenta su atractivo entre los coleccionistas de arte pop urbano y grafiti. Su fecha temprana la convierte en un hito importante en la evolución del estilo de Whatson, conectando sus primeros trabajos con esténcil con las composiciones posteriores, más saturadas de color, que se han convertido en su sello distintivo. El lugar de Martin Whatson en el arte pop callejero A lo largo de los años, la obra de Martin Whatson se ha expuesto en galerías, murales públicos y colecciones privadas de todo el mundo. Su arte captura la tensión dinámica entre la disciplina controlada de la pintura con esténcil y el espíritu libre de la cultura del grafiti. Obras como *Fotógrafo* demuestran su dominio temprano del realismo técnico, a la vez que anticipan la explosión de color y movimiento que define su obra madura. En el contexto más amplio del arte pop urbano contemporáneo, Whatson destaca como un artista capaz de fusionar la sensibilidad de las bellas artes con la cruda autenticidad de la expresión urbana, creando obras tan provocadoras como visualmente impactantes.

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Libro Lavanda - Libro de arte de edición limitada, serigrafiado y firmado, con obras de arte pop moderno del artista callejero de graffiti FAILE. Edición limitada de 2004 de 50 ejemplares con portada serigrafiada, con una mujer triste/conmocionada y la inscripción "Military Deal" en estilo plantilla. Firmada por FAILE en la contraportada interior. El colectivo de arte urbano neoyorquino Faile invitó a artistas de doce países a crear obras inspiradas en su relación con la lavanda y las recopiló en su cuarto libro temático y colaborativo. Incluye un CD de 17 pistas titulado «¡Grandes Éxitos de LAVANDA!». Artistas, diseñadores y fotógrafos como Deanne Cheuk, David Ellis, Shepard Fairey y Stefan Sagmeister contribuyeron con obras en una paleta que abarca desde el blanco y el negro hasta cualquier tonalidad de púrpura imaginable. El libro incluye una introducción de Devon Dikeou, de la revista Zing, una colección de relatos breves de Griffin Creech y un CD de música. Edición limitada de 3000 ejemplares. Publicado por Die Gestalten Verlag, 31 de agosto de 2004. ISBN: 3899550366. 140 páginas, tapa dura, incluye CD de audio.

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El fin del fin - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple, obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti, arte pop moderno. 2020 Obra de arte HPM, edición limitada de 20 ejemplares , firmada y numerada. Tamaño: 24 x 36 pulgadas. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación El Fin del Fin Mini de Denial: Amor, Apocalipsis y Sátira en el Arte Pop Urbano y el Grafiti «The End of the End Mini» es una obra múltiple pintada a mano de 2020 del artista canadiense Denial, conocido por su fusión de sátira, iconografía e ingenio subversivo. Creada como parte de la serie «True Facts Mini Multiple Series», esta pieza mide 61 x 91 cm y está impresa sobre un panel de madera, lista para colgar. Cada edición de la serie es una obra múltiple original pintada a mano (HPM), que ofrece pinceladas y detalles únicos sobre una base impresa uniforme. Limitada a 20 piezas firmadas y numeradas, la obra presenta la silueta de una pareja abrazada románticamente dentro de un coche, mientras observan una nube en forma de hongo detonando a lo lejos. La escena concluye con un texto manuscrito estilizado que simplemente dice «The End» (El Fin), sugiriendo un final definitivo con una mezcla de tragedia y humor. Esta yuxtaposición oscuramente cómica es un sello distintivo del trabajo de Denial, perfectamente integrado en el panorama visual del arte pop urbano y el grafiti. Romance nuclear y catástrofe cómica Las imágenes de «El fin del fin» juegan con el estilo retro de los dibujos animados y los temores de la Guerra Fría, yuxtaponiendo símbolos del romance juvenil —coches clásicos, miradores panorámicos, siluetas de citas románticas— con el icono de la aniquilación global: la nube en forma de hongo. La explosión, representada en naranjas y amarillos vibrantes, contrasta con el cielo azul y el horizonte verde y exuberante, creando una paleta inquietantemente alegre para una escena de extinción planetaria. La pareja permanece indiferente, absorta en su afecto, lo que sugiere un desapego total o una irónica rebeldía. En «Arte pop callejero y grafiti», estas combinaciones exponen las contradicciones de la narrativa cultural, donde el romance y la violencia a menudo se venden como si fueran la misma cosa. «Negación» utiliza esta absurda yuxtaposición no para promover el nihilismo, sino para provocar una reflexión sobre cómo la sociedad trivializa la catástrofe a través de los medios de comunicación y el mito. Detalles del material y formato del coleccionista Cada panel está pintado sobre madera enmarcada, lo que le confiere una dimensión y presencia que van más allá de una simple impresión. Los bordes están oscurecidos para crear un efecto de marco, otorgando a la obra una cualidad objetual ideal tanto para instalaciones de arte contemporáneo como para colecciones privadas. La imagen base está serigrafiada con tonos gráficos nítidos, pero cada edición recibe un tratamiento único con pintura aplicada a mano, goteos, manchas y marcas que la personalizan. Esto convierte a cada versión de «The End of the End Mini» en una obra de arte singular, a pesar de su motivo común. La edición limitada de 20 ejemplares aumenta su atractivo tanto para los coleccionistas de arte pop como de arte urbano, donde la originalidad y la escasez alimentan el interés a largo plazo. El papel de la negación en la expresión satírica contemporánea Denial, cuyo nombre real es Daniel Bombardier, es un artista de Windsor, Ontario, cuya obra critica la cultura de consumo, el absurdo social y la manipulación mediática a través de un lenguaje visual arraigado en el diseño propagandístico y la estética urbana. Con experiencia en grafiti e intervención de vallas publicitarias, Denial transforma formatos familiares —tiras cómicas, publicidad, carteles políticos— en complejos enigmas visuales. «The End of the End Mini» se inscribe en esta narrativa continua, utilizando el humor y el horror para ilustrar la contradicción humana. La obra no fomenta la desesperanza, sino que pone de relieve la ridícula normalización del desastre en la imaginería pop. Es un instante congelado en una hermosa negación, donde la intimidad y la destrucción se fusionan bajo un cielo azul, desafiando a los espectadores a reír, asombrarse y replantearse qué celebran y qué ignoran. En el léxico del arte pop urbano y el grafiti, es una postal de un futuro absurdo disfrazada de presente.

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Realidad a larga distancia - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple, obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti, arte pop moderno. Edición limitada firmada de 2020 (20 ejemplares) Tamaño de la obra de arte 11x11 «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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Absolute Ali Unique Original HPM Spray Paint Silkscreen Print de Mr. Brainwash- Thierry Guetta. Serigrafía de técnica mixta sobre papel de bellas artes con bordes irregulares. Edición limitada de obra de arte pop callejero. Obra original única de 2017, firmada y enmarcada a medida con certificado de autenticidad . Técnica mixta con pintura en aerosol y acrílico, con detalles pintados a mano por HPM. Medidas: 48,5 x 35,5 cm. Representa al famoso boxeador Muhammad Ali levantando los brazos en señal de victoria. Gran cantidad de pintura en aerosol y detalles pintados a mano. Marco dorado ornamentado a medida. Medidas: 57 x 45 cm. Evolución e impacto del arte callejero pop y graffiti de Mr. Brainwash La energía vibrante e irreverente del arte pop callejero y el grafiti ha transformado radicalmente el panorama visual de la cultura urbana. Estas formas de expresión artística, profundamente arraigadas en las contraculturas subversivas del pasado, han ascendido al panteón del arte elevado gracias a la obra de visionarios como Thierry Guetta, también conocido como Mr. Brainwash. Su enfoque único del arte, que combina elementos del arte callejero y el arte pop, ha dado como resultado creaciones no solo visualmente impactantes, sino también ricas en comentarios culturales. Mr. Brainwash irrumpió en la escena artística con su innovadora fusión de la sensibilidad del arte callejero y la estética del arte pop. Su obra suele incorporar figuras icónicas y motivos familiares, recontextualizándolos dentro de la crudeza urbana y la energía espontánea del arte callejero. Su obra de 2017, "Absolute Ali", es un poderoso testimonio de este estilo. Mediante la serigrafía y los adornos a mano con pinturas acrílicas y en aerosol, Mr. Brainwash crea una textura multicapa que refleja la complejidad del icono cultural que representa: el legendario boxeador Muhammad Ali. "Absolute Ali" - Una obra maestra de técnica mixta "Absolute Ali" es un impresionante ejemplo del arte de Mr. Brainwash. Esta obra presenta una serigrafía de edición limitada, realizada con técnica mixta sobre papel de bellas artes, que retrata al campeón de peso pesado Muhammad Ali. La obra captura el momento triunfal de Ali alzando los brazos en señal de victoria, inmortalizando la emoción y el poder de la leyenda del deporte. Mediante la aplicación de vibrantes y caóticas pinceladas de color, la obra se impregna de una sensación de movimiento y dinamismo características tanto del estilo boxístico de Ali como del enfoque artístico de Mr. Brainwash. Esta obra no es un simple retrato, sino una celebración del triunfo, la diversidad y el espíritu indomable de la voluntad humana, personificados por Ali. El fondo de la composición es un auténtico collage de imágenes y color, donde cada capa de pintura y cada elemento serigrafiado se superpone al anterior para crear un rico tapiz de estímulos visuales. La pieza es un deleite para los sentidos, donde las salpicaduras de pintura aplicadas a mano no solo añaden textura, sino que también crean una energía casi palpable que irradia del lienzo. El papel del arte pop callejero y el grafiti en el arte contemporáneo Obras como "Absolute Ali" son ejemplos clave de cómo el arte pop urbano y el grafiti han transformado los límites del arte tradicional. Reflejan el espíritu cultural de la época, plasmando las voces, las luchas y las victorias de las calles. Al llevar este tipo de obras a las galerías y al ámbito de las bellas artes, artistas como Mr. Brainwash desafían las ideas preconcebidas sobre qué puede ser el arte y a quién va dirigido. Esta democratización del arte ha dado lugar a un mundo artístico más inclusivo y diverso, donde la línea entre el arte culto y la cultura urbana se difumina cada vez más. La edición limitada de "Absolute Ali", junto con sus detalles pintados a mano, garantiza que cada pieza sea un tesoro único, que representa la visión de Mr. Brainwash. El marco dorado ornamentado, hecho a medida, realza aún más su atractivo, yuxtaponiendo las connotaciones tradicionalmente lujosas del oro con la esencia cruda y auténtica del arte urbano. Para los coleccionistas, poseer una pieza como "Absolute Ali" no es solo una inversión en arte; Es una inversión en la historia cultural, una instantánea del auge del arte callejero que transformó el mundo del arte. «Absolute Ali» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna la esencia del Pop Art y el grafiti. Mediante la fusión de la serigrafía y la pintura en aerosol, Mr. Brainwash ha creado una obra vibrante que encapsula el espíritu de Muhammad Ali y la esencia del arte callejero. Es una declaración audaz en la narrativa de la historia del arte, que destaca la naturaleza en constante evolución de la expresión artística y el poder del arte para capturar la experiencia humana.

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Compra Emociones: plantilla verde, serigrafía de 2 colores, arte impreso de edición limitada en papel de bellas artes de la artista Aiko Contemporary Pop Artwork. 2020 Edición limitada firmada y numerada a mano de 5 tamaño de obra de arte 20x24 “Entre hombres y mujeres llevamos mucho tiempo discutiendo sobre la igualdad y tal vez ahora las cosas estén mucho más cómodas, además las nuevas generaciones parecen tener mejores ideas. El tema ha cambiado mucho desde la época de nuestros abuelos o incluso antes. Sin embargo, las mujeres y las minorías aún enfrentan obstáculos que debemos ayudar a resolver: educación, oportunidades laborales y salud. Espero que todos tengan la oportunidad de vivir una vida justa y que todos puedan aprovechar el día". -AIKO

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No les escuches. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti. Arte pop moderno. El artista canadiense Denial y el australiano Ben Frost han unido fuerzas en una audaz exposición de obra reciente que explora los límites de la apropiación, confrontando las reinterpretaciones de nuestra actual sociedad distópica. Autodenominados «ladrones visuales», ambos artistas cuentan con una larga trayectoria robando y subvirtiendo los iconos culturales que el mundo publicitario y consumista nos ha impuesto, para crear interpretaciones nuevas y pertinentes que son tan provocadoras como humorísticas. El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Serigrafía de edición limitada de 3 colores impresa a mano por Andy Mouse sobre papel de acuarela Fabriano de 300 g/m², con derechos de autor de un artista famoso del arte pop y del arte callejero. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada, de HPM (2020). Tamaño de la obra: 13,7 x 19,6 cm. Andy Warhol x Mickey Mouse Disney. Esta edición está pintada a mano de forma única. Copyright: Copyright lleva años plasmando sus características rosas rosas en las calles del Reino Unido. Fusionando arte urbano, grafiti y estilos más tradicionales, utiliza una mezcla de técnicas pictóricas clásicas y pintura en aerosol. Crea estilos de impresión con plantillas, profundidad con aerosol y textura con pincel.

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Ambition 24X36 HPM Impresión serigráfica de 1 color realizada a mano sobre papel de carnicero por el artista Eddie Colla. Edición limitada de obra de arte pop. Obra de arte de edición limitada HPM firmada, 2021. Tamaño: 24 x 36 pulgadas.

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Spider Andy - Traje Blanco - Serigrafía de edición limitada de 5 colores impresa a mano sobre papel de acuarela Fabriano de 300 g/m² por Copyright Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Andy Warhol x Spider-Man Marvel Comics. Serigrafía de técnica mixta sobre papel Fabriano para acuarela de 300 g/m². Tamaño: 35 x 50 cm (13,7 x 19,6 pulgadas). Lanzamiento: 14 de abril de 2021. Tirada: 7 ejemplares. Esta edición está pintada a mano de forma única. Copyright: Copyright lleva años plasmando sus características rosas rosas en las calles del Reino Unido. Fusionando arte urbano, grafiti y estilos más tradicionales, utiliza una mezcla de técnicas pictóricas clásicas y pintura en aerosol. Crea estilos de impresión con plantillas, profundidad con pintura en aerosol y textura con pincel.

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Mujer llorando. Arte. Serigrafía con plantilla de pintura en aerosol HPM sobre papel Fabriano Fine Art. Obra de arte de un artista de la cultura pop callejera. Derechos reservados. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada, de 2019. Tamaño de la obra: 19,75 x 27,5 pulgadas. Obra de arte serigrafiada con plantilla y pintura en aerosol de la Mujer Maravilla en primer plano de su rostro llorando. En el vasto mundo del arte urbano y la cultura pop, una obra que resuena profundamente es "Mujer llorando", del reconocido artista callejero Copyright. Creada en 2019, esta obra aprovecha la potencia de las técnicas de estarcido con pintura en aerosol combinadas con la serigrafía, ambas aplicadas sobre la rica textura del papel Fabriano Fine Art. Sus dimensiones, 50 x 70 cm (19 3/4 x 27 1/2 pulgadas), sirven de lienzo para una representación cargada de emoción de la Mujer Maravilla en un íntimo primer plano, capturando un momento crudo donde las lágrimas fluyen libremente por su rostro. Lo que hace que esta pieza sea aún más exclusiva es su naturaleza de edición limitada. Solo se produjeron 25 ejemplares, convirtiendo a cada uno en una posesión preciada, y cada uno lleva la firma de Copyright, autenticando su originalidad y afirmando su lugar en los anales del arte de la cultura pop. La decisión de representar a la Mujer Maravilla, un emblema de fuerza, resiliencia y empoderamiento, en un estado vulnerable es a la vez impactante y paradójica. La obra subraya la naturaleza multifacética de la humanidad, donde incluso los más poderosos no son inmunes a las emociones ni a los momentos de fragilidad. El medio elegido por Copyright también es muy significativo. La técnica del estarcido con pintura en aerosol, intrínsecamente ligada al arte del grafiti, aporta una crudeza particular, una crudeza sin filtros que armoniza con las emociones a flor de piel que se muestran. La serigrafía, por otro lado, introduce un elemento de refinamiento, que contrasta y a la vez complementa el trabajo con estarcido. El papel Fabriano, con su rica tradición y fina textura, ofrece una base que confiere a la obra un atractivo atemporal. A través de "Mujer llorando", Copyright no solo presenta un deleite visual, sino que también suscita un diálogo sobre la vulnerabilidad, la fortaleza y la interacción de emociones y medios contrastantes en el mundo del arte urbano pop.

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La dignidad prevalece. HPM Edición Limitada. Obras de arte con pintura en aerosol y plantillas HPM, embellecidas a mano, sobre papel de algodón 100% con bordes irregulares, por Ernesto Yerena, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Edición limitada de 10 ejemplares, firmada y numerada (2021). Tamaño de la obra: 20 x 26 pulgadas. Plantillas pintadas a mano con aerosol sobre papel 100% algodón. Bordes irregulares hechos a mano. «Dignity Prevails HPM» se erige como una obra sobresaliente dentro de la producción de Ernesto Yerena, un artista urbano contemporáneo cuyas obras están impregnadas de la sensibilidad del arte pop moderno y una marcada conciencia sociopolítica. Esta serie limitada, intervenida a mano y compuesta por tan solo 10 piezas firmadas y numeradas, vio la luz en 2021. Cada obra de esta exclusiva colección mide 20 x 26 pulgadas y está realizada sobre papel 100% algodón, conocido por su durabilidad y alta calidad. Los bordes del papel están meticulosamente deshilachados a mano, lo que confiere a cada pieza un acabado texturizado y refinado que complementa la naturaleza táctil de la técnica de estarcido con aerosol empleada por Yerena. «Dignity Prevails HPM» de Yerena es un testimonio visual de su maestría en el estarcido con aerosol, un medio que se ha convertido en sinónimo de grafiti y arte urbano. Mediante este medio, Yerena construye una composición vibrante y compleja que fusiona patrones audaces y un simbolismo impactante. En el corazón de esta obra yace un patrón similar a un mandala, que irradia una simetría meditativa y un dinamismo vibrante. Este motivo central está rodeado de ondas que aluden a los altibajos de los movimientos sociales, sugiriendo que, incluso en medio del caos de la lucha, se encuentra belleza y orden en la búsqueda de la dignidad. Los detalles pintados a mano en cada impresión garantizan que, si bien cada pieza forma parte de una serie coherente, se erige como una obra de arte única. El uso que hace Yerena de colores vibrantes y formas audaces es característico del arte pop. Sin embargo, su método y mensaje están profundamente arraigados en las tradiciones del arte urbano, que a menudo sirven como plataforma para el comentario y como voz para los marginados. La reducida tirada aumenta el valor y la coleccionabilidad de la obra, convirtiéndola no solo en una pieza de arte, sino en un objeto de colección que captura un momento en la trayectoria creativa del artista y el diálogo más amplio sobre los problemas sociales contemporáneos. En manos de coleccionistas, "Dignity Prevails HPM" trasciende su forma material para convertirse en un símbolo de la resiliencia y la naturaleza perdurable de la dignidad humana, tal como se representa a través del prisma del arte pop y callejero moderno.

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Roya HPM Impresión de archivo intervenida a mano por Mateo Edición limitada Múltiple pintada a mano sobre papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m² Obra de arte moderna de artista pop Impresión HPM firmada y numerada de 2025, intervenida a mano. Edición limitada de 10 piezas únicas HPM. Tamaño de la obra: 17 x 24 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Roya HPM de Mateo: Identidad Sagrada Representada a Través del Arte Pop Callejero y el Grafiti Roya HPM es una impresión de pigmentos de archivo de 2025, intervenida a mano por el artista francés Mateo, producida en una edición limitada de solo 10 ejemplares pintados a mano. Cada ejemplar de esta exclusiva serie HPM se realza individualmente, transformando la impresión artística en una pieza única de técnica mixta. Impresa en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m², la obra mide 43 x 61 cm y posee la presencia física de una obra de arte urbano pop y graffiti de gran riqueza simbólica y con múltiples capas. La combinación de geometría sagrada, retrato cultural y un lenguaje visual exuberante de Mateo se plasma plenamente en esta exquisita pieza. Simbolismo, ornamentación e identidad personal En Roya, el retrato central emerge de un tapiz de motivos intrincadamente detallados, adornos dorados y patrones ornamentales sagrados que enmarcan y llenan el rostro y el cuerpo de la retratada. Los rasgos de la mujer están compuestos con una nitidez fotorrealista, pero Mateo superpone su identidad con una reverente superposición de diseños: un guiño a la herencia, la divinidad y la belleza. El uso de motivos dorados que irradian desde las mejillas de la retratada evoca elementos arquitectónicos islámicos y persas, honrando la estética espiritual a la vez que arraiga la figura en la especificidad cultural. La obra sugiere no solo un rostro, sino un monumento a la memoria, la ascendencia y el orgullo. El magistral trabajo de estarcido de Mateo y la ornamentación con elementos pintados a mano hacen de cada HPM de la edición una interpretación singular del concepto general. No hay dos grabados iguales, ya que el artista introduce deliberadamente variaciones en el patrón, los detalles dorados y la saturación del color. El resultado es una obra de arte que se siente a la vez universalmente simbólica y personalmente devota. Técnicas de lujo con carácter urbano La brillantez táctil de Roya HPM surge de su proceso de creación híbrido: la impresión con pigmentos de archivo garantiza una fidelidad nítida al diseño original de Mateo, mientras que el papel Moab Entrada proporciona una superficie exuberante y de gran gramaje para una mayor ornamentación manual. Cada detalle es un acto consciente de superposición de historia y significado, que fusiona la energía del aerosol propia del grafiti con las metodologías de las bellas artes. La obra de Mateo transita entre el espacio público y el privado, desde murales hasta galerías, y esta pieza captura la tensión entre ambos ámbitos. Esta impresión HPM refleja la capacidad de Mateo para transformar el lenguaje del arte urbano en una narrativa visual sagrada. La filigrana pintada en oro evoca iconos espirituales a la vez que celebra tradiciones culturales globales a menudo excluidas de las narrativas de las bellas artes occidentales. Roya se convierte no solo en un retrato, sino en un tributo: un rostro que alberga generaciones de historias, tanto visibles como veladas. Arte pop callejero que honra la cultura y la memoria La obra Roya HPM de Mateo es una singular convergencia de técnica, mensaje y material. Captura la esencia del arte pop urbano y el grafiti: la reivindicación de las voces marginadas mediante el espectáculo visual y la resonancia emocional. La obra transmite majestuosidad y revolución, sacralidad y desafío. En manos de Mateo, el retrato se convierte en un lienzo para la restauración cultural, no a través de la nostalgia, sino de la transformación. Roya no solo se contempla, sino que se vive, se celebra y se recuerda.

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Compre Inside Out en Shimmering Red/Jerry B-Side HPM Serigrafía de edición limitada tirada a mano en 2 colores con acrílico, tinta de serigrafía y pintura en aerosol⁠ en trapo Coventry de 310 g/m² (borde de cubierta) por Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Una nueva impresión de edición pequeña pintada a mano del estudio. Este con la imagen "Inside Out". Una edición clásica de estudio, pintada e impresa a mano, cada una con sus propios toques. Este papel es pesado, trabajado profundamente y manchado. Inside Out in Shimmering Red / Jerry B-Side 38 x 25 Edición variada pintada a mano de 24 Acrílico y tinta de serigrafía sobre papel de archivo Estampado, en relieve y firmado Faile 1986

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Ganas Collage Plantilla de corte láser retirada Obra de arte sobre tabla de aceite Arte de edición limitada del artista pop moderno Ernesto Yerena Montejano- Hecho Con Ganas. Edición limitada de 30 ejemplares, firmada y numerada, de 2022. Tamaño de la obra: 6,25 x 8,25 pulgadas. Dentro del universo del arte pop moderno, las complejidades y los matices que dan vida a cada creación poseen una innegable trascendencia. Una obra tan profunda como esta es "Ganas Collage Retired Laser Cut Stencil Artwork on Oil Board", meticulosamente elaborada por el renombrado artista pop Ernesto Yerena Montejano, figura célebre por su filosofía "Hecho Con Ganas", que significa "Hecho con Esfuerzo" o "Hecho con Voluntad". Esta pieza en particular, lanzada en 2022, subraya la dinámica cambiante del arte pop, fusionando elementos del arte urbano y el grafiti. Firmada y numerada, posee una inmensa exclusividad, con solo 30 ejemplares disponibles para los amantes del arte. Sus dimensiones, 15,9 x 21 cm, podrían sugerir modestia, pero la profundidad y las capas de significado que encierra son todo menos eso. La elección del medio por parte de Montejano —la plantilla cortada con láser sobre cartón para óleo— refleja su firme compromiso con la preservación de la esencia cruda y orgánica del arte urbano, elevándola a la vez a la sofisticación y calidad de las obras de galería. Al examinar su trabajo, se perciben la esencia del activismo, la reflexión cultural y un profundo sentido de identidad. Sus diseños, a menudo impregnados de colores vibrantes e imágenes impactantes, no son meras exhibiciones estéticas, sino narrativas en sí mismas. El «Ganas Collage» lo ejemplifica a la perfección, presentando al espectador una historia visual que invita a la introspección y a una renovada apreciación por el mundo del arte pop. En una era donde el arte se redefine constantemente, Montejano se erige como un faro de innovación, autenticidad y pura energía.

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Emociones - Plantilla naranja, serigrafía de 2 colores, edición limitada impresa en papel de bellas artes por el artista Aiko, obra de arte pop contemporánea. Edición limitada de 2020, firmada y numerada, con plantilla, de 20 x 24 pulgadas. Tamaño de la obra: 20 x 24 pulgadas. «Entre hombres y mujeres, llevamos mucho tiempo debatiendo sobre la igualdad, y quizás ahora las cosas sean mucho más llevaderas; además, las nuevas generaciones parecen tener mejores ideas. El tema ha cambiado mucho desde la época de nuestros abuelos, o incluso antes. Sin embargo, las mujeres y las minorías aún se enfrentan a obstáculos que debemos ayudar a resolver: educación, oportunidades laborales y salud. Espero que todos tengan la oportunidad de vivir con justicia y que todos puedan aprovechar el momento.» - AIKO El panorama del arte contemporáneo se ha visto enriquecido por las cautivadoras creaciones de la artista Aiko, y entre su obra, "Emotions - Orange Stencil" se erige como testimonio de su maestría en el arte pop. Esta serigrafía de edición limitada a dos colores, meticulosamente producida en papel de bellas artes de alta calidad, es una vívida representación de la singular fusión de arte pop, urbano y grafiti que caracteriza a Aiko. La pieza, creada en 2020, lleva el sello de autenticidad de la firma de Aiko y es una edición limitada especial, realizada a mano con plantilla, perteneciente a un exclusivo conjunto de 20 ejemplares. Su tamaño, de 20x24 pulgadas, garantiza que cada detalle se acentúe, invitando a los espectadores a sumergirse en su profundidad. La obra de Aiko suele canalizar narrativas conmovedoras, y "Emotions - Orange Stencil" no es la excepción. La pieza, vibrante de color y emoción, sirve como reflexión sobre el diálogo en constante evolución en torno a la igualdad de género. Aiko reconoce el progreso de los últimos tiempos, observando las prometedoras perspectivas de las nuevas generaciones. Sin embargo, su obra también nos recuerda los persistentes desafíos que enfrentan las mujeres y las minorías, especialmente en ámbitos como la educación, el empleo y la salud. En «Emociones - Plantilla Naranja», Aiko expresa una esperanza compartida por muchos: que las oportunidades para una vida equitativa sean universalmente accesibles, permitiendo a todos aprovechar al máximo cada día. Esta obra es más que un simple espectáculo visual; encarna un llamado a la reflexión y al cambio social, que resuena en los vibrantes círculos del arte contemporáneo.

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He Andy, serigrafía de edición limitada a cuatro colores impresa a mano sobre papel de acuarela Fabriano de 300 g/m², por Copyright Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Andy Warhol x He-Man MOTU. Serigrafía de técnica mixta sobre papel Fabriano para acuarela de 300 g/m². Tamaño: 35 x 50 cm (13,7 x 19,6 pulgadas). Lanzamiento: 14 de abril de 2021. Tirada: 25 ejemplares. Esta edición está pintada a mano de forma única. Copyright: Copyright lleva años plasmando sus características rosas rosas en las calles del Reino Unido. Fusionando arte urbano, grafiti y estilos más tradicionales, utiliza una mezcla de técnicas pictóricas clásicas y pintura en aerosol. Crea estilos de impresión con plantillas, profundidad con pintura en aerosol y textura con pincel.

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