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Orioles Leaders/Espía contra Espía. Collage único, intervenido a mano, técnica mixta sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Estampado original de 2014 con técnica mixta superpuesta sobre una tarjeta vintage auténtica de MLB Topps con arte pop como: Líderes de los Orioles/Espía contra espía

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Ortiz Masked - Tabla de skate de 7.75 pulgadas, edición limitada, serigrafiada, con arte del artista de la cultura pop callejera DGK. Madera tradicional de 7 capas, cóncava media

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Otaku Offset Lithograph Portfolio Art 4x Print Set by Glenn Barr Die Cut Foil Stamped on Fine Art Paper Limited Edition Hand-Pulling Street Pop Artwork Graffiti. Edición limitada de 450 litografías offset, firmadas y numeradas, de 2018. Conjunto de 4 obras de arte. Tamaño: 11 x 12,63 pulgadas. Portafolio de litografías offset Otaku de Glenn Barr: Una colección de arte pop urbano de edición limitada En el ámbito del arte pop urbano y el grafiti, el "Set de Litografías Offset Otaku" de Glenn Barr es un testimonio contundente de su talento artístico. Lanzado en 2018, este set de edición limitada plasma vívidamente el estilo distintivo de Barr, que fusiona a la perfección influencias de la cultura pop, la estética urbana y los reinos etéreos de la imaginación. Limitado a 450 ejemplares, cada set de esta colección está firmado y numerado por el artista, lo que refuerza su exclusividad y atractivo tanto para coleccionistas como para fans. Cada lámina del Set Otaku mide 28 x 32 cm, una elección deliberada que refleja la atención al detalle de Barr y su intención de crear una experiencia visual coherente. Las láminas se presentan en un portafolio de diseño exclusivo con intrincados troquelados y estampado en relieve bicolor, lo que acentúa aún más el valor artístico y coleccionable del set. La elección de papel de bellas artes para las impresiones garantiza que cada pieza capture la intención creativa de Barr y resista el paso del tiempo como arte coleccionable. Significado cultural y mérito artístico de las estampas otaku de Barr El set de grabados Otaku es más que una simple colección de imágenes; es una narrativa tejida a través del arte visual. El término "Otaku" alude a la subcultura japonesa obsesionada con las computadoras y ciertos aspectos de la cultura popular, un título apropiado para la obra de Barr, que a menudo profundiza en la subcultura y lo esotérico. Cada litografía del set sirve como una ventana al mundo de Barr, donde se difuminan las fronteras entre la realidad y la fantasía, y los personajes se entrelazan en escenas que sugieren historias que trascienden el lienzo. Su talento para narrar historias a través del arte pop urbano es evidente. Este set incluye personajes y motivos que conectan con el observador, evocando a menudo una sensación de nostalgia a la vez que lo sumergen en una narrativa surrealista. Esta fusión de lo familiar con lo misterioso es un sello distintivo del estilo de Barr, que ejecuta con precisión en este set. Esta cualidad única hace que el portafolio de litografías offset Otaku resuene con la esencia del arte urbano y el grafiti, manteniendo al mismo tiempo una identidad propia dentro del género. Coleccionabilidad e impacto de las litografías de Glenn Barr La edición limitada del Set de Impresiones Otaku, junto con la firma de Barr y la numeración secuencial, le confiere un nivel de coleccionismo muy codiciado en el mundo del arte. Coleccionistas y aficionados se sienten atraídos no solo por la estética y la temática de las impresiones, sino también por su potencial como inversión. La combinación de arte y rareza convierte al Set de Impresiones Otaku en una pieza codiciada para quienes aprecian los matices del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Además, la presentación de las impresiones en su portafolio personalizado refleja la comprensión que Barr tiene del deseo de su público por una experiencia artística completa. El portafolio es una obra de arte cuidadosamente diseñada para realzar y proteger las impresiones que contiene. Esta atención a la experiencia integral del coleccionista demuestra el compromiso de Barr con la calidad y su conocimiento del mercado del arte. El "Set de Impresiones Artísticas en Portafolio de Litografía Offset Otaku" de Glenn Barr es una colección excepcional que captura la esencia del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Esta obra constituye un testimonio de la habilidad de Barr como artista capaz de transitar entre la cultura pop y el arte urbano, creando obras evocadoras y cautivadoras. Gracias a una cuidada selección y presentación, esta edición limitada deja una huella imborrable en el arte contemporáneo, plasmando la vitalidad y el dinamismo que definen la trayectoria artística de Barr.

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Nuestra obra «Padre», edición limitada, impresión de pigmento de archivo en papel de bellas artes de 310 g/m² por Sket One, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tenía siete años cuando se estrenó Star Wars y creo que, para mi generación, Star Wars es una forma de vida, algo totalmente arraigado. Empecé a idear la pieza hace más de tres años, pero necesitaba los medios y el tiempo para llevarla a cabo. Es el comienzo de una serie más extensa que realizaré, alejándome de mi trabajo habitual con juguetes personalizados para centrarme en una faceta artística más elevada. El mandamiento «No adorarás ídolos falsos» iba a ser el título de una exposición, y puede que aún lo sea, pero tendré una exposición completa dedicada a Star Wars y esta pieza forma parte de ella. - Sket One

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Nuestra verdadera historia, edición limitada, serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Ernesto Yerena, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2013 Edición limitada firmada y numerada de 100 obras de arte 18x24

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Out of the Circle Edición Limitada Serigrafía de 4 colores impresa a mano en papel de bellas artes de 270 g/m² por Lucy McLauchlan, artista de graffiti callejero, arte pop moderno. Serigrafía de 4 capas con tintas brillantes, mate y metalizadas. Impresa a mano en Birmingham por Mission Print, 2018.

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Papel secante de edición limitada "Out The Window" impreso con pigmentos de archivo sobre papel secante perforado por Michael Polakowski, obra de arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Fuera del espacio y del tiempo. Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista pop moderna Alexis Price. Edición limitada de 2021, firmada y numerada, de 11x14 pulgadas. Tamaño de la obra: 11x14 pulgadas.

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Impresión excepcional sobre panel de madera enmarcada y lista para colgar, de Sabek x OuterSpace Project, artista de arte urbano pop moderno. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, enmarcada, 2019. Tamaño de la obra: 35,5 x 35,5 cm. Lista para colgar. Excepcional obra de Sabek, 14 x 14 pulgadas (35,56 cm x 35,56 cm). Impresión artística exclusiva en madera de abedul sostenible de 1/2 pulgada, acabado blanco brillante, firmada y numerada a mano. Edición de 50.

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Outta Time Controller 1.21 Gigawatts Edición Limitada Impresión Giclée en Papel de Bellas Artes de Tom Mac, artista callejero contracultural. El colectivo New Rule presenta 1.21 GIGAWATTS, un tributo ilustrado a la trilogía clásica de películas Regreso al Futuro. La historia clásica del joven Marty McFly y Doc Brown mientras viajan de forma caótica a través del continuo espacio-tiempo inspiró a una generación de fanáticos de la ciencia ficción y los viajes en el tiempo en todo el mundo, y aún se mantiene como una pieza definitoria del cine de los años 80.

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Sobrecargando la red David Byrne AP Serigrafía de Shepard Fairey- OBEY x Bobby Grossman Color aplicado a mano sobre papel de bellas artes color crema moteado Obra de arte de edición limitada Prueba de artista de la cultura pop de Obey. Prueba de artista AP 2024 firmada por Shepard Fairey- OBEY y marcada AP Edición limitada Obra de arte Tamaño 18x24 Impresión serigráfica del cantante de Talking Heads David Byrne Foto por Bobby Grossman. "Soy fan de Talking Heads desde niño, desde que escuchaba canciones como 'Once in a Lifetime' y 'Burning Down the House' en la radio, mucho antes de descubrir el punk rock y comprender el papel fundamental de Talking Heads en la incipiente escena punk que se desarrolló en Nueva York, en el CBGB, a mediados de los 70. Recuerdo haber visto la película 'Stop Making Sense' en HBO cuando era adolescente y pensar que el cantante de Talking Heads, David Byrne, era muy raro y muy atrevido al bailar con un traje absurdamente grande. ¡Aún no me daba cuenta de que explorar la incomodidad de la existencia era precisamente el fuerte de Byrne! Más tarde, al madurar un poco, comprendí lo creativamente aventureros que eran los Talking Heads, tanto en su música como en su estética." -Shepard Fairey Sobrecargando la red eléctrica David Byrne AP por Shepard Fairey y Bobby Grossman La serigrafía «Overloading The Grid Artist Proof» de 2024 reúne a dos figuras clave del lenguaje visual contracultural: Shepard Fairey y Bobby Grossman. Esta serigrafía, realizada a mano, presenta el retrato de David Byrne, el icónico líder de Talking Heads, basado en una fotografía clásica de Grossman y reinterpretado a través de la inconfundible estética gráfica de Fairey. Impresa en papel Speckletone color crema para bellas artes, firmada y marcada como AP por Shepard Fairey, esta edición de 45,7 x 61 cm fusiona fotografía, historia de la música y diseño político en un único retrato que refleja tanto el legado artístico como la disrupción cultural. El legado de David Byrne en la innovación visual y sonora La influencia de David Byrne trasciende la música y se extiende al mundo del arte performativo, la moda y el diseño. Como vocalista de Talking Heads, su estilo cerebral y experimental encarnó la sensibilidad de la escena neoyorquina del centro de la ciudad durante la explosión punk de los años setenta. Con una presencia escénica poco convencional y una habilidad especial para usar la incomodidad como recurso temático, Byrne convirtió la torpeza en una forma de expresión y comunicación. Sus contribuciones a videos musicales, portadas de discos y producciones escénicas ayudaron a definir el lenguaje visual de la new wave y el post-punk, sentando las bases de un estilo narrativo visual que sigue influyendo en el arte y el diseño contemporáneos. La interpretación gráfica de Shepard Fairey a través del arte pop callejero y el grafiti La reinterpretación que Shepard Fairey hace de la fotografía de Bobby Grossman conecta directamente con la esencia del arte pop urbano y el grafiti. Con sus características superposiciones de cuadrícula, paletas de colores limitadas y sombras marcadas, Fairey crea una tensión visual entre formalidad y rebeldía. Su uso del contraste y el diseño estilizado dota al retrato de una fuerza propia del arte propagandístico, reflejando su interés constante por el mensaje político y la iconografía. El formato de serigrafía, con profundas raíces en el arte urbano y la cultura del «hazlo tú mismo», refuerza la conexión de la obra con la estética underground. La técnica de Fairey amplifica la mirada de Byrne, convirtiendo el retrato en un símbolo de desafío creativo y sofisticación urbana. La influencia de Bobby Grossman en la memoria cultural El fotógrafo Bobby Grossman capturó con honestidad e intimidad la energía cruda y la atmósfera íntima del ambiente del centro de Nueva York. Su fotografía no solo documentó la escena, sino que se convirtió en un componente activo de la estética de la época. Esta colaboración con Fairey rinde homenaje a la influencia de Grossman como creador de imágenes y archivista de la cultura punk, pop y del arte urbano. Su imagen de Byrne —ahora estilizada, reencuadrada y elevada— encuentra una nueva resonancia dentro del contexto más amplio del arte contemporáneo. Al combinar la lente de Grossman con la voz visual de Fairey, la impresión se convierte en algo más que un retrato; es una declaración sobre el impacto perdurable de los artistas que moldearon el lenguaje de la resistencia y la reinvención a través del arte pop urbano y el grafiti.

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Descripción general Tokyo 100% y 400% BE@RBRICK x Benjamin Grant Edición Limitada Medicom x Benjamin Grant Figura de arte coleccionable de vinilo. 2022 Benjamin Grant Bearbrick Medicom Coleccionable Tamaño 100% y 400% Miden 11,02" y 2,75" de alto y presentan una impresión panorámica de Tokio del increíble autor Benjamin Grant.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Oxnard Orange SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One, arte callejero. En la segunda versión del Kali Kolors Kranky, Superplastic y Sket One se han unido de nuevo para traerte una explosión de naranja Oxnard a tu colección Kranky. Recién exprimido, este nuevo y vibrante añadido a la familia Kranky te dará la dosis diaria de vitamina C que necesitas. Mide 20 cm de alto.

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Pablo, serigrafía de edición limitada de dos colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por SSUR - Ruslan Karablin. Arte callejero raro, famoso artista de arte pop. Edición limitada de 60 ejemplares, firmada y numerada, de 2014. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Presenta algunas manchas y leves arrugas. Esta lámina reproduce un cartel de búsqueda de Pablo Escobar. Sobre la imagen se lee la palabra «Muerto». Exclusiva edición limitada, descatalogada. Pablo, serigrafía de edición limitada a dos colores, impresa a mano, por SSUR - Ruslan Karablin La serigrafía de edición limitada «Pablo», de dos colores y realizada a mano, por SSUR - Ruslan Karablin, es un ejemplo provocador y singular de arte pop urbano y grafiti, que alude directamente al impacto cultural e histórico de Pablo Escobar a través de un icónico cartel de «Se busca». Creada en 2014, esta edición limitada de 60 ejemplares, firmada y numerada, plasma la intersección entre la crítica política, la historia del crimen y la estética del arte urbano. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, la obra transmite un mensaje crudo e impactante con un diseño minimalista pero audaz que potencia su simbolismo. SSUR y la influencia del arte callejero de la contracultura Ruslan Karablin, conocido como SSUR, es un artista callejero contracultural que se ha labrado una reputación por fusionar temas históricos y políticos con una narrativa visual audaz. Su obra suele criticar el poder, el capitalismo y la glorificación de la infamia, lo que convierte esta serigrafía inspirada en Escobar en una extensión natural de su práctica artística. SSUR lleva tiempo utilizando imágenes de estilo propagandístico, impresiones de alto contraste y mensajes subversivos, técnicas que se alinean perfectamente con la rebeldía de inspiración punk del arte pop callejero y el grafiti. La serigrafía de Pablo ejemplifica su habilidad para reinterpretar figuras históricas en un contexto moderno e hipercomercializado, convirtiendo carteles de búsqueda, imágenes revolucionarias y símbolos capitalistas en obras de arte coleccionables. El proceso de serigrafía, conocido por sus ricas texturas y su marcado contraste, añade un nivel de autenticidad a la impresión, reforzando su estética underground sin perder su alto valor artístico. Simbolismo e impacto cultural del grabado de Pablo Esta obra de arte de edición limitada es una reinterpretación de un cartel de búsqueda emitido por el gobierno colombiano contra Pablo Escobar, el infame narcotraficante cuyo imperio criminal y aura de misterio han permeado la cultura popular, el cine y el arte urbano. En lugar de una fotografía policial común, SSUR añade una barra roja de censura sobre los ojos de Escobar, con la palabra «Muerto» impresa en una tipografía llamativa y audaz. El uso del rojo sobre imágenes en blanco y negro simboliza la violencia, la censura y la brutalidad del legado de Escobar. Al utilizar esta imaginería histórica en un formato de arte urbano pop, SSUR plantea interrogantes sobre la mitificación de los criminales, la mercantilización del crimen en la cultura popular y la relación entre la propaganda y la cultura de consumo. La impresión de Pablo, al igual que el resto de la obra del artista, invita a los espectadores a reconsiderar las estructuras de poder y las formas en que figuras como Escobar son inmortalizadas y romantizadas en los medios contemporáneos. Rareza y valor para coleccionistas Esta edición especial, ya descatalogada, se considera una pieza de coleccionista excepcional dentro del mundo del arte urbano pop y el grafiti. Con tan solo 60 ejemplares impresos, su técnica de serigrafía manual garantiza que cada pieza sea única, reforzando la autenticidad y exclusividad de la obra. Algunas impresiones pueden presentar pequeñas arrugas y manchas, que realzan su atractivo crudo e inspirado en el arte urbano. Los coleccionistas de arte urbano contemporáneo, arte pop político y obras subversivas de la cultura callejera buscan piezas como esta por su crítica a la historia, el poder y el crimen. La impresión «Pablo» de SSUR se erige como un ejemplo audaz de arte propagandístico moderno, transformando una recompensa gubernamental en una obra icónica que difumina las fronteras entre el registro histórico y la estética del arte urbano contemporáneo.

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Compra BEARBRICK BE@RBRICK Figura de arte coleccionable de juguete con ilustraciones de vinilo de Medicom de edición limitada. 2022 Bearbrick Medicom Coleccionable Tamaño 400% AQUÍ

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Pacific Rim, serigrafía de edición limitada con tinta metálica de 10 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Todd Slater. Arte callejero raro, famoso artista de arte pop. Prueba de artista (PA). 24 x 36 pulgadas /// 10 pantallas (con capa de línea metálica), edición firmada y numerada de 175 ejemplares, edición PA de 75. «Cuando empecé a ver las primeras imágenes de Pacific Rim, me impactó de inmediato la escala de los Jaeger en comparación con los humanos. Estas imágenes me recordaron lo frágil que es la vida humana y decidí crear mi obra en torno a esta idea. Hay una ternura en las películas españolas de Guillermo que quería plasmar en esta impresión. Quería representar a estas máquinas gigantes como protectoras de la humanidad contra las misteriosas bestias que emergieron de las profundidades del océano». -Todd Slater

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Paige en papel secante azul, edición limitada, impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado, obra de arte de Brandon Boyd, cultura pop y LSD. La trayectoria de Brandon Boyd como cantante y compositor, tanto en solitario como con su exitosa banda de rock, está ampliamente documentada y goza de reconocimiento internacional. Pero ahora, su otra faceta —la de pintor— está captando cada vez más la atención y cuenta con un público fiel.

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Taza de pintura con pinceles. Escultura original de cerámica pintada a mano por Joshua Vides. Serie Sueños Rotos. Obra de arte del artista callejero de graffiti. Escultura original hecha a mano y firmada en 2023. Obra única de cerámica y pintura acrílica. Tamaño: 4x7. Taza en blanco y negro mate con rotulador, lápiz y bolígrafo. Taza de pintura con pinceles de Joshua Vides: Ilusión escultórica en el arte pop callejero y el grafiti «Taza de pintura con pinceles» es una escultura cerámica original pintada a mano en 2023 por el artista de graffiti e innovador visual Joshua Vides. Creada como parte de su serie «Sueños rotos», esta obra única mide 10 x 18 cm y está compuesta de cerámica y pintura acrílica. La pieza representa una taza de café blanca con el característico estilo gráfico de dibujos animados en blanco y negro de Vides, llena de herramientas de creación hiperestilizadas: un lápiz amarillo, un rotulador y un bolígrafo negro. La escultura plasma una escena de estudio en forma física, utilizando materiales artesanales para simular objetos que suelen ser desechables, de uso inmediato y que a menudo pasan desapercibidos. Lo que distingue a esta pieza no es solo su precisión visual, sino su subversión conceptual: transforma algo utilitario en un emblema escultórico de la práctica artística y la parodia cultural dentro del contexto del arte pop urbano y el graffiti. La taza presenta un llamativo patrón de semitonos al estilo cómic y un bocadillo con la inscripción «MATTE BLACK», estilizado en letras mayúsculas que hacen referencia a la estética del arte pop y la publicidad de la era de la imprenta. Las gotas negras en el borde de la taza están meticulosamente pintadas para imitar el derrame de tinta real, pero están fijadas en el esmalte. Cada herramienta dentro de la taza está permanentemente unida, sin posibilidad de extracción, convirtiendo los instrumentos de dibujo cotidianos en elementos de una ilusión elaborada. Las superficies están cubiertas de salpicaduras y marcas de desgaste, evocando la energía cruda de un taller de dibujo, a la vez que están completamente esculpidas y selladas en cerámica. Vides juega con la textura, el contraste y la asociación cultural, creando una escultura que es a la vez lúdica y transgresora. Transformación de materiales y gesto estático Joshua Vides es conocido por transformar objetos y entornos reales en audaces representaciones en blanco y negro que imitan bocetos o acetatos de animación primitiva. «Taza de pintura con pinceles» continúa esta práctica, pero en una escala compacta y sumamente íntima. La taza y su contenido simulan los vestigios del trabajo creativo, pero se recontextualizan como objetos permanentes. Esta transformación de lo efímero a lo coleccionable subraya la tensión entre proceso y presentación, temas centrales en la obra escultórica de Vides. El patrón de semitonos y los elementos cómicos hacen un guiño a las tradiciones del arte pop, reinterpretados desde una perspectiva influenciada por el grafiti. Las herramientas dentro de la taza están exageradas en tamaño y forma, creando una ligera distorsión que aporta humor y estilización a la pieza. Si bien cada objeto parece familiar, la presentación en conjunto los convierte en una declaración visual sobre la repetición, el esfuerzo y el valor en el proceso creativo. Joshua Vides y el lenguaje de la cultura de los objetos urbanos Vides se ha convertido en una figura clave en el diálogo entre las bellas artes, la moda y la cultura del grafiti, conocido por su estética nítida y su coherencia temática. Su serie «Shattered Dreams» amplía su exploración del trabajo artístico y la identidad comercial, integrando la crítica en formas engañosamente simples. «Paint Mug With Brushes» traslada esta indagación a una escala doméstica y personal. La superficie cerámica, generalmente asociada a la artesanía funcional, se reinventa aquí como un medio escultórico para la metáfora visual. Esta escultura no trata sobre la función, sino sobre el significado, sobre lo que significa crear y las herramientas que utilizamos para ello. El bocadillo que contiene la frase «MATTE BLACK» también funciona como un código cultural, aludiendo tanto a la estética literal de la escultura como a la obsesión contemporánea por las marcas y las ediciones limitadas. En manos de Vides, la taza no es solo un recipiente, sino un comentario sobre el gusto, las tendencias y la voz artística. Refleja una mezcla de ironía del cómic, práctica callejera y conceptualismo pop que define el Street Pop Art y el Graffiti en su máxima expresión. Taza de pintura con pinceles como icono del proceso y símbolo personal Esta escultura es más que un objeto: es un símbolo del mundo interior y exterior del artista, donde las herramientas se convierten en trofeos y las marcas de uso en elementos de estilo. «Taza de pintura con pinceles» es una celebración visual de la imperfección, el proceso y la persistencia. Captura una escena cotidiana y silenciosa —el vaso de bolígrafos del artista— y la vuelve permanente, elevada e impregnada de sátira. Joshua Vides transforma lo mundano en iconografía, inspirándose en el mismo instinto que impulsa el arte callejero: marcar las herramientas, dejar huella, contar una historia con trazos audaces. Dentro del amplio mundo del arte pop callejero y el grafiti, «Taza de pintura con pinceles» funciona como un altar en miniatura a la creatividad misma. Es limpia y a la vez desordenada, lúdica y a la vez cargada de significado, esculpida y a la vez esbozada. Al congelar el momento en que nace el arte —el gesto de tomar el bolígrafo, el contacto con el pincel— Vides ofrece una representación estática de la energía creativa. Es a la vez una reliquia de estudio y un artefacto cultural, y su mensaje es simple pero poderoso: incluso las herramientas más pequeñas pueden tener la voz más fuerte.

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Chica pintora. Dibujo original a bolígrafo y collage sobre papel de bellas artes del artista James Wilson. Dibujo original firmado, 2022. Bolígrafo, papel recortado, periódico y collage. Tamaño: 5,875 x 8,25 pulgadas. Fecha de lanzamiento: 10 de febrero de 2022. El término "fuera de la red" evoca una visión romántica de la autosuficiencia, el regreso a la naturaleza y a una época más sencilla, lo que a menudo ignora las desventajas de salir de la zona de confort. Esta obra puede considerarse una continuación estética y temática de la colección anterior, "Rupturas y Crisis", donde la idea de una relación rota era el tema central; ahora, el enfoque se centra en explorar territorios desconocidos. Partiendo del método tradicional de dibujo a mano alzada, al recortar físicamente ventanas en las piezas, se trasciende lo conocido y familiar, adentrándose en terrenos experimentales e inexplorados. Estas obras siguen analizando el escapismo desde diferentes perspectivas: el ámbito digital de la realidad virtual, las esperanzas depositadas en las criptomonedas, el valor que proporciona el alcohol o la emoción de los entornos de alto riesgo. Todos ofrecen una recompensa, pero también conllevan sus propios riesgos. Es al explorar más allá de la comodidad de lo seguro y conocido, sin las redes de seguridad habituales, donde se encuentran el peligro y el riesgo, pero también en lo desconocido donde reside el mayor potencial y crecimiento. –James Wilson

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Compra SUPERKRANKY Edición limitada Janky Vinyl Art Toy Obra de arte coleccionable del artista de diseño moderno x Sket-One. 2022 Limited Run SuperKranky Janky Superplastic vinilo arte juguete obra de arte tamaño XXXXX

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Edición limitada de arte en papel secante con diseño de palmeras. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado del artista moderno Mike Giant. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, impresa con pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 12 de septiembre de 2020. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Palmeras Edición Limitada Serigrafía de Técnica Mixta con Detalles Pintados a Mano sobre Papel Pesado de 200 libras por Bobby Hill Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Pandemonium, serigrafía a color con bordes irregulares, impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista deseable Hijack. Edición limitada de obra de arte pop. Edición limitada de 100 ejemplares numerados a mano y sellados por el artista, edición de 2020. Obra de arte con bordes irregulares hechos a mano. Tamaño: 22 x 22. Impresión benéfica para el Banco Mundial de Alimentos contra el Covid-19, realizada por Hijack. Presentamos "Pandemonio" de Hijack: Una reflexión del arte pop callejero sobre la crisis global Creada en medio de la tumultuosa era marcada por la pandemia de COVID-19, la obra "Pandemonium" del artista urbano Hijack captura la conciencia colectiva de un mundo que lidia con la incertidumbre y la convulsión. Esta pieza es una serigrafía a color, impresa a mano con bordes irregulares sobre papel de bellas artes, que plasma la conmovedora respuesta del artista al impacto de la pandemia en la sociedad. Hijack, cuyo nombre real permanece oculto tras su enigmática personalidad, se ha convertido en una figura destacada del arte urbano pop y el grafiti contemporáneos, con obras que a menudo abordan comentarios sobre la actualidad y los problemas sociales. Esta obra de edición limitada, de 56 x 56 cm, es una declaración visual y una iniciativa filantrópica, cuyos beneficios se destinarán a apoyar bancos de alimentos a nivel mundial durante la pandemia. Como parte de una edición limitada de 100 piezas, cada una numerada a mano y sellada por el artista, "Pandemonium" se convierte en una pieza coleccionable de la historia, inmortalizando el espíritu de la época de principios de la década de 2020. Simbolismo y técnica en "Pandemonium" de Hijack «Pandemonio» logra un sorprendente equilibrio entre la inmediatez del arte urbano y la precisión calculada de la serigrafía pop. La imagen muestra una figura con equipo de protección, cuya silueta y postura recuerdan tanto a un trabajador sanitario como a un técnico en desinfección biológica. Esta dualidad pone de relieve la cruda realidad de la pandemia. El uso de colores brillantes sobre el fondo monocromático centra la atención en el sujeto e infunde a la obra una vitalidad que contrasta con la oscuridad, un sello distintivo del arte pop urbano que encuentra belleza y significado en lo sombrío y cotidiano. El papel de bellas artes sirve de lienzo urbano para Hijack, al igual que los muros y callejones de la ciudad sirven de lienzo a otros artistas urbanos. Los bordes irregulares del papel reflejan la naturaleza a menudo cruda y efímera del arte urbano, contrastando con la permanencia que simboliza esta edición limitada. Es esta interacción entre lo efímero y lo perdurable la que Hijack explora en "Pandemonium", reflexionando sobre la naturaleza fugaz de la pandemia al tiempo que captura un momento en el tiempo que quedará grabado de forma indeleble en la historia. La resonancia cultural del "pandemonio" en el discurso del arte callejero En el contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti, "Pandemonium" resuena como un artefacto cultural, un faro de nuestra época. La obra emula cómo los artistas callejeros han utilizado históricamente los espacios públicos y los medios accesibles para reflejar el sentir social, provocar la reflexión e inspirar la acción. La decisión de Hijack de contribuir a una organización benéfica global a través de su arte refleja una tradición dentro del arte urbano que no solo consiste en comentar sobre problemáticas sociales, sino también en participar activamente en el cambio social. La representación del personaje con un pulverizador etiquetado como "COVID-19" evoca un sentido de acción y responsabilidad, un reconocimiento de los esfuerzos colectivos para erradicar la amenaza viral del mundo. Esta representación trasciende la mera estética; es un grito de guerra, un reconocimiento a la resiliencia de la humanidad ante una crisis global y un testimonio del papel del arte en la documentación, la respuesta y la sanación de los traumas colectivos. Como obra de arte pop urbano, "Pandemonium" destaca por su capacidad de capturar la esencia de un evento global sin precedentes, manteniendo a la vez los elementos estilísticos y temáticos que definen el género. La obra de Hijack no es solo una respuesta artística a una pandemia; es un registro histórico y un comentario sobre la condición humana, un recordatorio del tumulto y el triunfo que caracterizan nuestra época. En el legado del arte urbano, "Pandemonium" será recordada como una conmovedora reflexión de la era en que fue creada, un testimonio del poder del arte para encapsular emociones y narrativas complejas. Es un diálogo visual entre el artista y el mundo, una pieza que habla del miedo, la esperanza y el espíritu indomable que han definido la respuesta humana a la pandemia de COVID-19. A través de "Pandemonium", Hijack contribuye al rico tapiz del arte pop urbano y el grafiti, que continúa evolucionando y resonando como la voz del pueblo en el espacio público.

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Serigrafía Pandemonium de TOMO77 x Shepard Fairey- OBEY. Impresión manual sobre papel de bellas artes color crema con motas. Obra de arte de edición limitada. Artista de la cultura pop Obey. 2021 Firmado por TOMO77 y Shepard Fairey. Edición limitada y numerada de 300 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía. «TOMO77 ha documentado un período marcado por el aislamiento y la confusión, desde los primeros días de ansiedad de la pandemia hasta más de un año de agitación política y social. En medio de este vívido testimonio de incertidumbre, conmoción y división, TOMO77 nos deja con una pregunta: ¿Hacia dónde queremos ir a partir de ahora?» -Shepard Fairey- OBEY. La obra colaborativa de TOMO77 y Shepard Fairey, la serigrafía "Pandemonium", representa profundamente el tumultuoso período que marcó el inicio de la década de 2020. Esta pieza de edición limitada, impresa a mano con cuatro colores sobre papel de bellas artes color crema con motas, se erige como un artefacto cultural que encapsula la esencia del arte pop urbano y el grafiti. Firmada por TOMO77 y Shepard Fairey, la obra forma parte de una tirada limitada de 300 ejemplares, cada uno numerado, lo que indica su valor y escasez. Sus dimensiones, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas), proporcionan un lienzo sustancial para los intrincados diseños y los marcados contrastes que se han convertido en señas de identidad de ambos artistas. La contribución de TOMO77 a esta pieza es particularmente conmovedora, ya que su obra a menudo aborda temas como el comportamiento humano, la agitación social y la influencia del capitalismo, especialmente desde la perspectiva de la inmigración. La obra «Pandemonium» refleja estos temas, abordando el caos global y la introspección durante periodos de gran agitación social y política. La colaboración de Shepard Fairey con TOMO77 en este proyecto potencia la narrativa de la pieza, ya que el legado de Fairey en el arte urbano y el activismo artístico enriquece el marco conceptual de la obra. Gracias a su colaboración, «Pandemonium» trasciende la mera creación artística; se convierte en una pregunta visual dirigida al público, invitándolo a reflexionar sobre el rumbo del progreso humano en tiempos de crisis. La obra representa la destreza técnica del artista y su compromiso con el arte como herramienta de reflexión y transformación.

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Paranoia #3 - Arcoíris Neón - Edición Mixta de 6 Colores - Serigrafía de Edición Limitada Impresa a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Tim Oliveira - Arte Callejero Raro - Famoso Artista de Arte Pop Edición Mixta ME. Los colores de las láminas varían según la numeración de la edición. Homenaje a la actriz Anita Ekberg. Edición limitada de 36 láminas (todas únicas). Tamaño de la lámina: 45,7 x 57,8 cm. Serigrafía de edición limitada, firmada y numerada a lápiz. Cada una de las 36 láminas de esta edición especial es única, con fondo degradado, y no se reproducirá jamás.

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Paranoia - Serigrafía de edición limitada en tres colores azul, impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Oliveira. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Homenaje a la actriz Anita Ekberg. Edición limitada de 27 copias. Tamaño de la impresión: 45,7 x 57,8 cm. Serigrafía de edición limitada, firmada y numerada a lápiz. Todas las 27 copias de esta edición son idénticas y están numeradas del 1 al 27.

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Paranoia - Serigrafía de edición limitada en rosa fucsia de 3 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Oliveira. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Homenaje a la actriz Anita Ekberg. Edición limitada de 25 copias. Tamaño de la impresión: 45,7 x 57,8 cm. Serigrafía de edición limitada, firmada y numerada a lápiz. Todas las 25 copias de esta edición son idénticas y están numeradas del 1 al 25.

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Paranoia - Serigrafía de edición limitada, tirada a mano en tres colores amarillos, sobre papel de bellas artes, por Tim Oliveira. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Homenaje a la actriz Anita Ekberg. Edición limitada de 16 copias. Tamaño de la impresión: 45,7 x 57,8 cm. Serigrafía de edición limitada, firmada y numerada a lápiz. Las 16 copias de esta edición son idénticas y están numeradas del 1 al 16.

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Serigrafía de edición limitada de tres colores, impresa a mano, sobre papel crema moteado, de Shepard Fairey x Baseman. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Shepard Fairey (n. 1970) Partisano, 2013 Serigrafía a color sobre papel crema moteado 45,7 x 61 cm Edición de 400 ejemplares Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior por Shepard Fairey y Baseman. Publicada por Obey Giant, Los Ángeles.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Pasadena Pink SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One, arte callejero. Sket One ha entregado su tercer Kali Kolor, boquilla, tapa extraíble y ese OG RATTLE, todo cubierto de un rosa eléctrico.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Escultura de figura de bronce "Passing Through" 20º aniversario de Kaws - Brian Donnelly Edición limitada Obra de arte pop Artista callejero Bellas artes 2022 Firmada/Sellada con el Pie Edición Limitada de 250 Tamaño de la Obra 1.8x 4.3x 2.8 Kaws Todos los Derechos Reservados Serie 20 Aniversario BFF Figura de Escultura de Metal Bronce. "Pasando a través" de KAWS: una oda escultórica a la resonancia La escultura "Passing Through Bronze Figure Sculpture" es una pieza significativa dentro del catálogo de obras de Brian Donnelly, conocido popularmente como KAWS. Celebrando el 20 aniversario de su colaboración con AllRightsReserved (ARR), esta escultura encarna la esencia del arte de KAWS y marca un hito importante en la evolución del arte urbano pop y el grafiti. La pieza, de 4,6 x 10,9 x 7,1 cm, representa un tema clave en la obra de KAWS: la experiencia universal de transitar los múltiples caminos de la vida. Esta escultura es particularmente conmovedora, pues captura un momento de introspección, un tema recurrente en el arte urbano pop de KAWS. Con las manos cubriendo su rostro, el personaje es a la vez testigo y participante a lo largo del tiempo, encarnando las emociones humanas compartidas de contemplación y recogimiento. La edición limitada de la obra, con solo 250 piezas firmadas y selladas, añade un elemento de exclusividad a esta narrativa reflexiva. Evoluciona el arte pop callejero: el enfoque característico de KAWS Brian Donnelly, oriundo de Nueva Jersey, comenzó su carrera como grafitero. Su evolución desde las calles hasta prestigiosas galerías internacionales es una fascinante historia de crecimiento artístico y aceptación del arte urbano en el mundo del arte formal. La obra de KAWS representa a la vez una continuación y una ruptura con sus primeros grafitis, manteniendo la cruda conexión emocional del arte urbano al tiempo que abraza la permanencia y el peso histórico de la escultura. Sus piezas, en particular la escultura "Passing Through", son testimonio de la compleja profundidad que puede alcanzar el arte pop urbano. La elección del bronce como material para esta escultura es especialmente significativa. Tradicionalmente asociado con el arte clásico y conmemorativo, el uso que hace KAWS del bronce para representar una figura moderna, de estilo caricaturesco, desafía las ideas preconcebidas sobre los materiales y su jerarquía en el mundo del arte. Esta elección supone una audaz afirmación del lugar del arte pop urbano en la narrativa de las bellas artes, demostrando que el valor del arte reside en su capacidad de conectar con el espectador a nivel emocional, independientemente de su forma. Dos décadas con ARR: Una colaboración que transformó el arte pop La colaboración entre KAWS y AllRightsReserved es un hito histórico en el arte contemporáneo. Desde su primera colaboración en 2010, este dúo ha catapultado el arte pop urbano a la conciencia global. La experiencia de ARR en producción y distribución ha permitido que la obra de KAWS llegue a un público más amplio, convirtiendo su estilo y personajes distintivos en iconos culturales. La escultura "Passing Through" es un símbolo del éxito de esta colaboración, que demuestra el compromiso de ARR con la integridad y la visión de los diseños de KAWS. Celebra la fusión entre la inmediatez del arte urbano y la atemporalidad de la escultura, ofreciendo un testimonio físico de la perdurable colaboración entre artista y productor. Esta serie conmemora su historia compartida y simboliza su compromiso conjunto con el avance del arte pop urbano. El impacto global de KAWS en el arte urbano pop y el grafiti La influencia de KAWS en el arte urbano pop y el grafiti va mucho más allá de sus esculturas. Su arte ha permeado el tejido de la cultura urbana, elevando personajes y temas de la calle al escenario internacional. La escultura "Passing Through" encapsula la esencia del impacto de KAWS: la transformación de motivos del grafiti en objetos de arte. A través de su obra, KAWS ha fomentado un diálogo entre la calle y la galería, impulsando una revalorización del valor artístico de las creaciones inspiradas en el arte urbano. El enfoque de KAWS, marcado por un énfasis en la resonancia emocional y un lenguaje visual distintivo, se ha labrado un lugar en la historia del arte. Su obra, incluyendo la serie "Passing Through", cataliza el cambio, expandiendo los límites del arte urbano pop y asegurando su lugar en el discurso del arte moderno y contemporáneo. Con cada escultura, KAWS escribe un nuevo capítulo en la historia del arte urbano que respeta sus orígenes a la vez que traza con audacia su futuro.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Paterfamilias- Quentin VS Coen Edición Limitada Serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Clint Wilson Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. La galería Bold Hype en Chelsea, Nueva York, Spoke Art presentó esta impresionante exposición de arte con películas de Tarantino y los hermanos Coen.

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Impresión giclée de pintura en aerosol HPM cortada a mano por Patricia Silver, de Kevin Stanton Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes con purpurina en capas. Impresión con detalles pintados a mano. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 4 ejemplares, firmada y numerada, de 2013. Impresión giclée HPM de papel plateado con purpurina, recortada a mano y decorada. Tamaño de la obra: 11,75 x 15,75 pulgadas. Collage de papel plateado de una mujer, Anjelica Huston, estilizada a partir de la película «Viaje a Darjeeling». «Patricia Silver» de Kevin Stanton: Un tributo en precisión tallada a mano La obra "Patricia Silver" de Kevin Stanton es una impresión de edición limitada que demuestra la destreza del artista al combinar el arte tradicional del recorte de papel con técnicas modernas como la pintura en aerosol, creando piezas firmemente arraigadas en el arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza de 2013, firmada y numerada, forma parte de una colección única con solo cuatro ediciones, cada una de 29,8 x 40 cm (11,75 x 15,75 pulgadas) y meticulosamente elaborada sobre papel artístico de alta calidad con capas de purpurina. Esta impresión giclée HPM (múltiple pintada a mano), con detalles pintados a mano, presenta un collage de papel plateado que representa a una mujer, ofreciendo una estilizada interpretación inspirada en el personaje de Anjelica Huston en la película de Wes Anderson "Viaje a Darjeeling". Fusión artística: Estética callejera e influencia cinematográfica La obra de Stanton en "Patricia Silver" captura la esencia del personaje y la narrativa a través del juego de luces, sombras y texturas. La pieza resuena con el espíritu del arte urbano, donde los elementos visuales cotidianos se transforman en iconos impactantes y memorables. El parecido con Anjelica Huston es simbólico y evoca la profundidad del personaje, reflejando cómo el arte urbano a menudo encapsula historias complejas en imágenes sencillas pero poderosas. La elección del papel plateado evoca una sensación de lo etéreo, contrastando con la audaz solidez de la pintura en aerosol; dos medios que evocan la dualidad que suele encontrarse en el arte urbano entre lo efímero y lo permanente. La meticulosa técnica de corte a mano de Stanton añade una capa más de complejidad, demostrando el mismo cuidado y atención al detalle que los artistas urbanos aplican a sus murales de gran formato. Celebrando el carácter: Una intersección de formas artísticas La confluencia de la sensibilidad del arte urbano y la inspiración cinematográfica en "Patricia Silver" representa una tendencia más amplia en el arte contemporáneo, donde las influencias interdisciplinarias son cada vez más frecuentes. La traducción que Stanton hace de un personaje cinematográfico a una obra de arte recortada a mano evidencia la permeabilidad de las disciplinas artísticas. Celebra el carácter y la personalidad, al igual que el grafiti, a menudo como un homenaje o una declaración sociopolítica en el espacio público. En esta obra, el personaje de Patricia de "Viaje a Darjeeling" no solo se conmemora, sino que se reinventa a través de la singular perspectiva artística de Stanton. La representación es un testimonio de la habilidad del artista para destilar la esencia de un tema en una forma visual accesible y profunda a la vez, similar a cómo se representan figuras icónicas en los murales de la cultura pop y las instalaciones de arte urbano. Kevin Stanton: Un visionario contemporáneo del arte del papel recortado Kevin Stanton se erige como un visionario en el mundo del arte moderno, donde las técnicas tradicionales se revitalizan a través de una perspectiva contemporánea. «Patricia Silver» es testimonio de su innovador enfoque artístico, donde lo antiguo y lo nuevo se entrelazan a la perfección en una narrativa singular y coherente. Sus grabados de edición limitada no son solo obras de arte; son historias contadas a través del papel y la pintura, concebidas para conectar con el público con la misma fuerza que cualquier obra maestra callejera. «Patricia Silver» sigue siendo parte integral de la trayectoria artística de Stanton, ejemplificando su dedicación a la técnica y su capacidad de comunicación visual. Del mismo modo que el arte urbano ha evolucionado hasta convertirse en una parte respetada y fundamental del diálogo artístico, la obra de Stanton continúa desafiando y redefiniendo los límites de lo posible dentro del arte tradicional del papel recortado, conectándolo con el espíritu vibrante del arte pop urbano y el grafiti.

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patRIOT - La obra de arte de edición limitada de la escultura de poliresina Legacy, del artista callejero de graffiti y artista pop moderno Abell Octovan. Del creador de obras tan impactantes como Anti-Supremacy y The Beauty of Rebellion, llega patRIOT (The Legacy) de Abell Octovan. Inspirada en la escultura griega clásica, patRIOT presenta rizos perfectos, contrapposto y un efecto mármol suave como la mantequilla. Elaborada con polystone de primera calidad, la atemporal patRIOT invita a reflexionar sobre la situación mundial. La palabra "PATRIOT" aparece pintada en el rostro de la escultura, parcialmente tachada.

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Patrón de corrupción Oro negro AP Serigrafía de Shepard Fairey- OBEY x Cleon Peterson Prueba de artista Serigrafía de 2 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes Edición limitada Arte callejero pop graffiti. Prueba de artista AP 2015. Firmada y marcada como AP. Edición limitada original de 150 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Imagen repetida de un hombre tribal con un cuchillo ensangrentado y un patrón de enredadera de flor de loto. Serigrafía. «Cleon Peterson y yo colaboramos recientemente en un mural en el distrito Wynwood de Miami y quedamos tan satisfechos con el resultado final que decidimos crear una edición limitada de serigrafías inspiradas en el mural. Tanto Cleon como yo abordamos en nuestro trabajo los temas recurrentes de la fragilidad de la sociedad, la barbarie humana y la corrupción. La imagen presenta una dicotomía en su hipnótico patrón floral clásico con elementos siniestros entretejidos, que invitan al espectador a mirar más allá de una apariencia superficial atractiva.» - Shepard Fairey «Pattern of Corruption Black Gold» es una impactante representación de la colaboración entre dos gigantes del arte urbano: Shepard Fairey, conocido por su campaña OBEY, y Cleon Peterson. Esta serigrafía AP destaca la naturaleza artesanal de su trabajo, un detalle que conecta profundamente con los aficionados al arte urbano y pop. El icónico arte de Shepard Fairey siempre ha desafiado las normas sociales, provocando que los espectadores reflexionen sobre las complejidades y contradicciones subyacentes en la sociedad contemporánea. Cleon Peterson, con sus representaciones de interacciones humanas caóticas, invita de manera similar a los espectadores a enfrentarse al lado oscuro de la humanidad. La inspiración de esta obra surgió del mural que ambos realizaron juntos en el distrito Wynwood de Miami, un lugar reconocido por su vibrante escena de arte urbano. En la serigrafía AP se aprecia claramente cómo sus estilos artísticos y mensajes se entrelazan a la perfección. El meticuloso detalle de un hombre tribal blandiendo un cuchillo ensangrentado, yuxtapuesto al patrón de la flor de loto, invita a la introspección sobre la dualidad de la naturaleza humana. La combinación de motivos tribales con patrones florales clásicos no solo alude a una fusión de lo tradicional con lo contemporáneo, sino que también funciona como una advertencia. La belleza superficial del diseño puede atraer al espectador, pero, como el propio Fairey mencionó, los siniestros matices nos recuerdan que debemos profundizar y cuestionar su atractivo. Esta obra, una edición limitada de tan solo 150 copias, ha adquirido una gran relevancia entre coleccionistas y aficionados. La serigrafía bicolor, realizada a mano sobre papel de bellas artes, es un testimonio de la dedicación de los artistas a su oficio. «Patrón de Corrupción Oro Negro» no es simplemente una obra de arte; es un conmovedor comentario sobre la fragilidad de la sociedad y los temas siempre presentes de la corrupción y la barbarie humana, temas que tanto Fairey como Peterson han explorado constantemente en sus obras.

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Patrón de negación. Serigrafía de Shepard Fairey - OBEY. Impresión manual de 5 colores sobre papel artístico crema moteado. Edición limitada. Obra de arte de Obey, artista de la cultura pop. Edición limitada de 550 ejemplares, firmada y numerada, de 2023. Tamaño de la obra: 18x24. Serigrafía de chimeneas industriales estilizadas, flores y patos. En el siempre cambiante ámbito del arte contemporáneo, la serigrafía "Pattern of Denial" de Shepard Fairey emerge como una profunda representación de las tensiones entre la industria y la naturaleza, con raíces en la estética del arte pop, el arte urbano y el grafiti. Shepard Fairey, conocido por su campaña OBEY, presenta una obra meticulosamente realizada a mano con cinco colores sobre papel Cream Speckletone Fine Art, que captura la belleza y las preocupaciones subyacentes de nuestro mundo industrializado. Creada en 2023, esta pieza yuxtapone chimeneas industriales estilizadas sobre un fondo de flores y patos con un intrincado patrón. La armoniosa interacción de rojos intensos, azules serenos y tonos tierra apagados resalta los marcados contrastes de nuestro mundo moderno, donde las estructuras creadas por el hombre a menudo eclipsan la belleza natural que se encuentra debajo. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, esta obra ofrece un lienzo sustancial que permite a los espectadores sumergirse en los detalles y contemplar los matices sutiles. Al tratarse de una edición limitada de 550 ejemplares, firmada y numerada, la exclusividad de la obra añade un atractivo especial para coleccionistas y aficionados al arte. Cada pieza lleva un sello de autenticidad que subraya el compromiso del artista con la excelencia y la originalidad. Como icono del arte pop, «Pattern of Denial» de Shepard Fairey es un testimonio de su capacidad para abordar problemáticas sociales a través de un arte visualmente cautivador y provocador, que sirve como un conmovedor recordatorio del delicado equilibrio entre progreso y preservación.

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Tabla de skate Paul's Boutique Deck de edición limitada con impresión de pigmento de archivo, obra del artista de la cultura pop callejera Ricky Powell. 2019 Firmado y numerado al dorso Impresión de pigmentos de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío Tamaño: 8 x 31,875 pulgadas Lanzamiento: 19 de noviembre de 2019 Ricky Powell (1961-2021) Paul's Boutique, 2019 Impresión de pigmentos de archivo a color sobre tabla de skate 32 x 8 pulgadas (81,3 x 20,3 cm) Ed. 37/75 Numerado a tinta al dorso. La fusión de la cultura del skate y el arte pop callejero en la tabla Paul's Boutique de Ricky Powell. La convergencia de la cultura del skate y el arte pop urbano personifica una forma distintiva de expresión urbana que ha ganado prominencia y respeto dentro de la comunidad artística. Esta mezcla única se plasma a la perfección en la edición limitada de la tabla de skate Paul's Boutique Deck, una obra de arte impresa con pigmentos de archivo, creada por el reconocido artista de la cultura pop urbana Ricky Powell. Lanzada el 19 de noviembre de 2019, esta pieza destaca como una celebración de la estética urbana y la sensibilidad de la cultura pop, encarnando el espíritu de las calles con su diseño visualmente impactante y sus referencias culturales. El legado artístico y la influencia urbana de Ricky Powell Ricky Powell, nacido en 1961 y fallecido en 2021, fue una figura ilustre del arte pop urbano. Reconocido por su fotografía cruda y espontánea que capturaba la esencia de la vibrante vida callejera de Nueva York y la época dorada del hip hop, la obra de Powell trasciende el mero atractivo visual. Su incursión en el mundo del arte de las tablas de skate con la Paul's Boutique Deck consolidó aún más su legado como un artista capaz de moverse con soltura entre diferentes medios, manteniendo siempre una conexión con la cultura urbana. La tabla en sí, de 81 x 20 cm, es un testimonio de la atención al detalle de Powell y su habilidad para narrar historias a través de las imágenes. La impresión de pigmento de archivo presenta colores vibrantes que reflejan la época en la que Powell floreció. Numerada como la número 37 de una edición limitada de 75, cada pieza de esta serie limitada lleva consigo la autenticidad de la visión de Powell, con su firma y numeración en el reverso que subrayan la exclusividad y el carácter coleccionable de la obra. Tablas de skate como lienzos para la expresión del arte callejero Las tablas de skate se han considerado durante mucho tiempo lienzos para la expresión artística, a menudo adornadas con diseños que reflejan el estilo o la ética personal del skater. Sin embargo, cuando artistas como Ricky Powell utilizan este medio, las tablas trascienden su función práctica y se convierten en obras de arte urbano pop. La tabla Paul's Boutique, con su impresión de pigmentos de archivo sobre madera natural prensada en frío, se transforma en un mural móvil, una pieza portátil de arte urbano que lleva consigo el espíritu indomable del arte callejero allá donde va. La elección de la tabla de skate como soporte es deliberada y refleja la importancia subcultural del skateboarding en el paisaje urbano. Es un guiño a la filosofía del "hazlo tú mismo" tanto de skaters como de artistas callejeros, una celebración de los movimientos contraculturales que han moldeado la estética y la filosofía de generaciones. La obra de Ricky Powell en esta tabla difumina las fronteras entre arte y utilidad, entre las galerías y las calles, creando una pieza que luce igual de bien en la vitrina de un coleccionista que en las rampas y aceras de la ciudad. La tabla Paul's Boutique es un vibrante homenaje al arte pop callejero y al grafiti, elementos esenciales de la cultura urbana. Gracias a la visión y la maestría de Ricky Powell, esta tabla de skate de edición limitada se erige como símbolo de la sinergia entre el arte y las subculturas que lo inspiran. Representa un hito histórico, un fragmento del alma de la ciudad plasmado en madera, un recordatorio perdurable del poder del arte para capturar y elevar las narrativas de la calle.

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Letrero de calle metálico con paloma de la paz y la libertad, edición limitada, serigrafía a 2 colores sobre material de letrero de calle, graffiti, arte pop moderno del artista Shepard Fairey x Beyond The Streets. Letrero de calle reflectante de metal 2021 con certificado de autenticidad firmado adjunto. Edición limitada de 350 unidades. Tamaño: 24 x 24 pulgadas.

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