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El sacrificio del color... Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Adrian Cox, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2022 (13x24 pulgadas). Adrian Cox es un artista contemporáneo conocido por sus pinturas, que a menudo incorporan temas de mitología, surrealismo y la interconexión entre los seres y la naturaleza. «El sacrificio del color» es una obra que también exhibe elementos característicos del estilo de Cox. Una impresión de archivo es una reproducción de alta calidad de una obra de arte original, creada con tecnología de impresión avanzada para garantizar que los colores y detalles de la pieza original se capturen con precisión. Estas impresiones se realizan con materiales libres de ácido y de calidad de archivo, lo que garantiza que no se decolorarán ni se deteriorarán con el tiempo, preservando la belleza de la obra de arte para las generaciones futuras.

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La forma del capitalismo. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti. Arte pop moderno. 2016 Obra de arte HPM de edición limitada, firmada y numerada. Tamaño: 24x24. Con obras de casi una década de trayectoria, la exposición de Denial, con su enfoque a menudo satírico, busca combatir los medios de comunicación, el consumismo y la publicidad. Para ello, toma imágenes y objetos cotidianos y los recontextualiza en declaraciones artísticas únicas que invitan al espectador a cuestionar el valor y la diferencia (si es que la hay) entre el arte y la publicidad. Partiendo de una larga trayectoria de obras de estilo pop, «Enjoy Denial» muestra a Denial canalizando las energías negativas de las corporaciones que inundan la sociedad y las dirige contra las estructuras de poder establecidas que controlan nuestra vida diaria. Con esta exposición, Denial desentraña las capas de publicidad y logotipos excesivos para arrojar una luz, nada sutil, sobre los engaños que la sociedad combate a diario por parte de las corporaciones. El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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La obra de arte "Sleeping Woods" es una impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de 290 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Josh Keyes. «El Bosque Durmiente» es una edición impresa creada por Josh Keyes. La imagen mide aproximadamente 35,5 cm de ancho por 21,3 cm de alto. Con un borde para enmarcar, la obra mide 38,1 cm de ancho por 24,1 cm de alto. Esta obra de arte de archivo se ha impreso en un papel grueso de 290 g/m², blanco natural, para impresión, compuesto por un 90 % de fibras de bambú y un 10 % de algodón. Josh Keyes se mueve con igual soltura entre el surrealismo y el realismo. Por contradictorio que parezca, su arte logra equilibrar la precisión fisiológica y un fotorrealismo extremo con una escenografía e interacciones eco-surrealistas. El contexto teórico de su obra se vincula con temas mitológicos y folclóricos —en especial las leyendas e historias de los nativos americanos— y con las imágenes que existen entre los sueños y las pesadillas, para expresar una profunda ansiedad e incertidumbre existenciales.

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UnReal Estate - La Hechicera Espera. Edición limitada con efecto luminoso en la oscuridad. Serigrafía bicolor impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Doyle, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Parte de la colección UnReal Estate. He-Man, Castillo Grayskull, La Hechicera, Superhéroe, Guerrero, Calavera, Castillo Ligera arruga fuera de la imagen en la parte inferior derecha.

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La obra de arte "Estados Unidos de América en tamaño gigante" es una impresión giclée de edición limitada sobre papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Ron English- POPaganda. Impresión giclée de 30 x 30 cm que representa la hipocresía personificada en un billete falso de 100 dólares. Edición limitada a 30 copias firmadas y numeradas. Creada para el especial navideño de Ron, «Los 12 días de popaganda» de 2013.

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Impresión de archivo The Take Over PP de Wane One Cod. Edición limitada impresa en papel Natural Museum Fine Art de 310 g/m². Obra de arte pop moderna. Prueba de imprenta PP 2016. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 24 x 17 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. «La toma del poder» de Wane One Cod: Una declaración en el arte pop callejero «The Take Over», una prueba de imprenta de archivo de Wane One Cod, encapsula la esencia del arte pop urbano a través de su vibrante representación de grafiti sobre un lienzo en movimiento: una furgoneta de reparto en un entorno urbano. Esta edición limitada de 2016, impresa en papel natural de bellas artes de 310 g/m² y con un tamaño de 61 x 43 cm, es una pieza de coleccionista, cada ejemplar meticulosamente firmado y marcado como prueba de imprenta. La obra refleja las raíces de Wane One Cod en los inicios del movimiento del grafiti neoyorquino y su transición a artista pop, cuyas obras son veneradas en la escena del arte contemporáneo. Con «The Take Over», Wane One transmite la energía cruda y la imponente presencia del grafiti, que trasciende los muros estáticos para convertirse en parte integral del dinámico paisaje urbano. La impresión se erige como testimonio de la perdurable influencia del arte urbano y su capacidad para transformar objetos cotidianos en vehículos de expresión artística.

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El Tirano de Dos Mundos, edición limitada, impresión giclée sobre papel de algodón aterciopelado, obra del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Póster de edición limitada del concierto Underground Music Showcase, impresión serigráfica a mano de 3 colores sobre papel de bellas artes por John Vogl en Denver Post. El Underground Music Showcase, del Denver Post, se celebró del 24 al 27 de julio de 2014 en Denver, Colorado. Este póster conmemora dicho festival y muestra un enorme Tiranosaurio Rex luchando contra un Triceratops. Serigrafía de edición limitada del famoso artista John Vogl.

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Escultura de poliresina de edición limitada Soul Rider The Welcomer, obra de arte del legendario artista de bellas artes Dulk-Antonio Segura Donat. Edición limitada de 100 piezas (2023). Obra de arte en resina fundida pintada. Medidas: 37,1 × 22,9 × 22,9 cm (14 5/8 × 9 × 9 pulgadas). Edición limitada de 100 piezas, todas numeradas y con certificado de autenticidad (COA) en caja de madera. Nueva en su caja. El Jinete del Alma de Bienvenida de Dulk: Fantasía y Simbolismo en el Arte Pop Callejero y el Arte del Grafiti El Jinete del Alma de Bienvenida es una escultura surrealista de poliresina creada por Antonio Segura Donat, el artista español de bellas artes y arte pop urbano conocido mundialmente como Dulk. Parte de su serie Jinete del Alma, esta pieza canaliza la mitología característica de Dulk a través de formas lúdicas y personajes simbólicos arraigados en la fantasía, la ecología y una narrativa compleja. Encaramada sobre un pedestal de hongo con lunares, una criatura de colores pastel que combina rasgos de conejo, unicornio y animal fantástico se yergue en posición, mientras que otro personaje, enmascarado y con cuernos, cabalga sobre su lomo con una trompeta en alto, a punto de sonar. Esta composición imaginativa y teatral fusiona teatralidad y alegoría en un formato que combina profundidad narrativa con una precisión casi lúdica, convirtiéndola en un ejemplo impactante de arte pop urbano y grafiti en tres dimensiones. La figura principal luce un cuerno de unicornio retorcido, ojos espirales desproporcionados y un collar a lo bufón, fusionando la inocencia animal con un significado ceremonial. Su expresión, congelada en una confusión dichosa, es un sello distintivo de la ambigüedad emocional de Dulk. Su cuerpo rosado contrasta con los tonos fríos de la base de seta, que incluye personajes y detalles ocultos, como una pequeña oruga aferrada a su borde. El jinete trasero, con orejas alargadas y un tocado en forma de bellota, lleva una máscara negra y alza un instrumento musical como si anunciara una llegada. Esta escena dinámica evoca ritual, procesión y una sensación de celebración surrealista, ofreciendo una narrativa lúdica a la vez que inquietante sobre la identidad, la transformación y la observación. Narrativa simbólica y disonancia lúdica en el mundo visual de Dulk La obra de Dulk explora a menudo la dualidad: luz y sombra, celebración y extinción, inocencia y decadencia. En «El Jinete del Alma de Bienvenida», los personajes parecen evocados de un folclore olvidado o un reino alternativo; sus rasgos, exagerados pero precisos, contrastan con su singularidad. La paleta de colores pastel suaviza su excentricidad, otorgándoles una presencia cercana sin perder el misterio. El lenguaje visual fusiona influencias del arte urbano, los cuentos de hadas clásicos y la alegoría ecológica. Como muchas de las obras de Dulk, esta escultura plantea más preguntas de las que responde, invitando al espectador a descifrar sus significados a través de la emoción y la imaginación. La base en forma de hongo juega un papel importante como símbolo de regeneración y ecosistemas ocultos. Funciona a la vez como trono y escenario. El candado sobredimensionado en la base sugiere algo mágico o secreto bajo la superficie. Dulk suele usar este tipo de recursos visuales para sugerir que el mundo esconde más de lo que se ve a simple vista. La máscara del trompetista alude a temas de identidad y voz, posiblemente simbolizando protección, ceremonia o disfraz. Estos objetos y formas reflejan la complejidad que suele encontrarse en el arte pop urbano y el grafiti, donde la fantasía superficial oculta una urgencia subyacente. El papel de Dulk en la narrativa escultórica dentro del arte pop callejero Antonio Segura Donat se ha consolidado como una voz fundamental en la escena contemporánea, fusionando sus raíces en el muralismo con una práctica escultórica que transforma narrativas planas en objetos tangibles. «The Welcomer Soul Rider» ejemplifica cómo su narrativa trasciende los medios, manteniendo la claridad emocional y el humor visual de sus murales al tiempo que explora la textura, el volumen y el espacio. La obra se percibe como una escena en pausa de una fábula no escrita, congelada en el tiempo y, a la vez, llena de dinamismo. La escultura se alinea con la filosofía del arte pop urbano y el grafiti, manteniendo la accesibilidad y la inmediatez visual a la vez que desafía las convenciones de las bellas artes mediante el diseño de personajes, la superposición de símbolos y un toque satírico. La estética de Dulk bebe de películas de animación, iconografía callejera y folclore, dando como resultado un estilo profundamente personal y, a la vez, universalmente atractivo. Su obra invita a la reflexión sobre el ecologismo, la empatía y las narrativas fantásticas que llevamos dentro. El Jinete del Alma de Bienvenida como Mito Coleccionable y Tótem Emocional La escultura Welcomer Soul Rider es más que una escultura decorativa: funciona como un tótem emocional, un mito moderno encapsulado en resina. La atención de Dulk a la postura, el color y la disposición de los objetos garantiza que el espectador se sienta cautivado desde cualquier ángulo, descubriendo nuevos significados y figuras ocultas a cada paso. Esta pieza se une a la creciente tendencia de esculturas de arte basadas en personajes que se inspiran en el arte urbano y evolucionan hacia obras de calidad de galería. Ya sea que se disfrute como una figura independiente o como parte de la serie Soul Rider, El Bienvenido posee una voz distintiva. Su voz es suave pero persistente, haciendo eco del mensaje artístico de Dulk: proteger la imaginación, abrazar la dualidad y celebrar a quienes llevan historias a través del caos de nuestro mundo moderno. Mediante personajes extraños pero familiares, Dulk construye un universo que se expresa con fluidez en el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti, manteniendo a la vez su inconfundible sello personal.

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La obra "The Wretched Whole", edición limitada impresa en giclée sobre papel de algodón aterciopelado, del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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¡Vienen a por ti! Edición limitada de serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Paul Hanley, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Vienen a por ti. Artista: Paul Hanley. Formato: Serigrafía. Dimensiones: 45,7 x 61 cm. Marcas: Firmada y numerada. Edición limitada a 60 ejemplares. «Esta es una serigrafía especial que realicé para "Something Spooky", una increíble exposición de arte con temática de Halloween comisariada por el gran Steve Niles y la leyenda del arte de terror (y uno de mis héroes personales) Bernie Wrightson». -Paul Hanley

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UnReal Estate - Tercera Tierra - Glow Followed Edición Limitada Serigrafía de 4 Colores con Efecto Luminoso en la Oscuridad, Impresa a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Tim Doyle, Artista Callejero de Graffiti, Arte Pop Moderno. Thundercats, superhéroe, juguete, Spinx, gato, televisión, cómics, brilla en la oscuridad

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Esta edición limitada de la obra "El horror nunca se deshace", impresa en papel de algodón aterciopelado, es una obra del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Figura coleccionable de vinilo Dunny Kidrobot de edición limitada con cara de tres ojos, obra del artista pop Keith Haring. Edición limitada 2020 Kidrobot x Keith Haring Dunny Ilustración Tamaño 6x8 Nuevo Sellado en Caja. Kidrobot y Keith Haring: Fusionando arte y objetos de colección Kidrobot se sitúa a la vanguardia de la fusión entre el arte y el coleccionismo, ofreciendo una combinación de placer estético y atractivo para coleccionistas. Su Dunny Edición Limitada de 8 pulgadas con la Cara de Tres Ojos es un juguete de vinilo que ejemplifica esta fusión, mostrando la legendaria obra de Keith Haring. Esta colaboración es una colorida celebración del arte pop urbano y el grafiti, llevando la vitalidad de la visión de Haring a coleccionistas y amantes del arte. Keith Haring alcanzó la fama en la década de 1980, cuando la calle se convirtió en un lienzo y el arte público en un poderoso medio de expresión social. La Cara de Tres Ojos de Haring, una obra icónica destacada, encapsula su espíritu innovador y su compromiso con hacer el arte universalmente accesible. La colaboración con Kidrobot impulsa el legado de Haring, traduciendo su icónica Cara de Tres Ojos a una forma tangible para una nueva generación de amantes del arte. Artesanía del Dunny de la Cara de Tres Ojos El Dunny de Tres Ojos es un testimonio de la meticulosa artesanía que caracteriza a Kidrobot. Con un imponente tamaño de 15 x 20 cm, es ideal para exhibir y está diseñado para dar pie a conversaciones. Cada Dunny viene en una caja de presentación especialmente diseñada que resalta su condición de edición limitada. Es un testimonio contemporáneo del profundo impacto de Haring en el arte pop urbano y el grafiti. Kidrobot ha sido pionero en la industria de los juguetes de arte, uniendo el arte con los objetos coleccionables lúdicos. Colaboran con el legado de Keith Haring para traer una pieza de la historia del arte al mercado actual de coleccionistas. El Dunny de Tres Ojos Edición Limitada de 20 cm reafirma el compromiso de Kidrobot con el arte, el coleccionismo y la accesibilidad, encapsulando la esencia de las contribuciones artísticas y sociales de Haring. El lugar del arte pop callejero y el grafiti en la cultura moderna El arte pop callejero y el grafiti han desafiado y redefinido los parámetros del arte tradicional. Keith Haring desempeñó un papel crucial en este cambio cultural, utilizando su arte para comunicar, conectar e inspirar. El Dunny de Tres Ojos es un medio a través del cual su influencia perdura, permitiendo que su arte conecte con el público contemporáneo y mantenga su relevancia social. El valor coleccionable del Dunny de Tres Ojos Edición Limitada 8 es innegable. Como edición limitada, ocupa un lugar especial dentro del coleccionismo, codiciado por su rareza y mérito artístico. Sellado y conservado en su embalaje original, no es solo un juguete, sino una pieza de la historia del coleccionismo, que fusiona el arte y el coleccionismo.

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Thriller. Pintura original realizada con acrílico, pintura doméstica y aerosol sobre madera entelada por Shark Toof, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Obra de arte original firmada de 2015, técnica mixta con aerosol, tamaño 24x36 La fusión artística de 'Thriller' de Shark Toof «Thriller», una pintura original de Shark Toof, es una incursión dinámica en el arte urbano del grafiti y el arte pop moderno. Creada en 2015, esta obra de técnica mixta —acrílico, pintura doméstica y aerosol sobre madera entelada— exhibe la singular fusión de Shark Toof entre la influencia urbana y la disciplina artística convencional. La pieza, de 61 x 91 cm, está firmada por el artista, lo que garantiza la autenticidad de esta vibrante representación de su estilo multifacético. Shark Toof, reconocido por sus impactantes mensajes visuales en la comunidad del arte urbano, lleva sus raíces del grafiti al primer plano en esta obra. Su trabajo no se limita a las expectativas tradicionales del arte pop; en cambio, se adentra en un terreno donde la iconoclasia se encuentra con la iconografía. En «Thriller», la influencia del arte urbano es palpable, con la energía cruda del grafiti traduciéndose en una composición estructurada pero vibrante sobre madera. El enfoque de Shark Toof refleja una decisión consciente de fusionar su voz consolidada con una irreverencia lúdica, invitando al espectador a reflexionar sobre los iconos de nuestro tiempo y su significado cambiante. La obra encapsula la filosofía de Shark Toof de que el arte no siempre debe tomarse demasiado en serio, sugiriendo que subvertir las propias creaciones conlleva poder. Esta noción de «vandalizar» los iconos propios es un comentario sobre la fugacidad de la fama y la fluidez de los símbolos culturales en nuestra sociedad. Esta mezcla de introspección y comentario externo sitúa a «Thriller» en un espacio único dentro del arte contemporáneo. Diente de tiburón y la filosofía del "hágalo usted mismo" del arte callejero La preferencia de Shark Toof por Detroit como escenario para su proceso creativo revela su afinidad por la filosofía del «hágalo usted mismo» (DIY), a menudo asociada al arte urbano. Su conexión con la ciudad, conocida por su próspera industria e historia de innovación, refleja su trayectoria artística. En Detroit, una ciudad que ha experimentado grandeza y tenacidad, Shark Toof encuentra un alma gemela: un paisaje que es a la vez lienzo y catalizador de la creatividad. «Thriller» encarna este espíritu DIY no solo en su creación, sino también en su presentación. El uso de madera enmarcada como soporte es un guiño a las superficies improvisadas que suelen emplearse en el arte urbano, donde cualquier espacio o material puede convertirse en la base de la expresión. La elección de materiales de Shark Toof —pintura doméstica y aerosol— evoca aún más el lenguaje del arte urbano, donde la inmediatez del medio se corresponde con la urgencia del mensaje. «Thriller» de Shark Toof celebra la narrativa en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti. Su obra es un testimonio del poder del arte urbano para trascender sus orígenes en la ciudad y encontrar resonancia en una galería. Mediante su audaz uso del color, la forma y el medio, Shark Toof continúa desafiando y redefiniendo lo que significa ser un artista urbano en el mundo del arte contemporáneo. Su obra es un diálogo con el espectador, una invitación a explorar los significados más profundos que se esconden tras las imágenes que vemos y los iconos que creamos.

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Tilting Dogs, edición limitada, serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por John Vogl, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 23 x 35 pulgadas. Tres pantallas sobre papel blanco de gramaje normal. Edición firmada y numerada de 170 ejemplares. El papel puede presentar ligeras ondulaciones.

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Obra de arte pop atemporal de Hello Kitty, edición limitada, impresión giclée en papel Somerset Velvet del artista moderno Joe Ledbetter. Impresión exclusiva de la Hello Kitty Con de Los Ángeles 2014. Impresión giclée de 40,6 x 50,8 cm (16" x 20") sobre papel Somerset Velvet. Firmada, numerada y con marca de agua grabada en relieve para garantizar su autenticidad. Edición limitada de 75 ejemplares.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada TMNT Vandul - Verde #4 de 7 pulgadas. Obra de arte del artista de graffiti callejero Vandul. TMNT Verde VANDUL 2022 Edición Limitada de 5 piezas. Impresión 3D hecha a mano. Tamaño: 3x7.

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Edición limitada "Together", serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por John Vogl, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 8 x 10 pulgadas. Cuatro pantallas sobre cubierta francesa Speckletone. Edición firmada y numerada de 180 ejemplares. Publicado el 28 de noviembre de 2014.

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Prueba de artista Tomadachi AP, impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo sobre papel Moab Entrada de 290 g/m² de la artista Jolene Lai. Prueba de artista AP 2018 Firmada y marcada AP Edición limitada Impresión de pigmento de archivo Tamaño de la obra 16x20 La intersección de narrativas urbanas en "Tomadachi" de Jolene Lai (Prueba de artista AP) La prueba de artista "Tomadachi" de Jolene Lai encapsula la fusión del arte pop urbano y el grafiti, sumergiendo al espectador en una narrativa que revela mucho sobre la experiencia urbana. Esta impresión artística de edición limitada, realizada con pigmentos de archivo y plasmada en papel Moab Entrada premium de 290 g/m², representa una pieza de colección excepcional. Marcada como "AP" para indicar su condición de prueba de artista y firmada por Lai en 2018, esta edición se distingue de las series limitadas estándar, tradicionalmente reservadas para el uso personal del artista o su distribución privada a coleccionistas y galerías. "Tomadachi" de Lai ofrece una ventana a los momentos de soledad que puntúan el ajetreo de la vida urbana. La obra, de 40,6 x 50,8 cm, es íntima a la vez que dialoga con el vasto paisaje urbano, encarnando la esencia del arte pop urbano y el grafiti a través de su narrativa visual. La escena —que muestra una figura solitaria sentada junto a un oso de peluche gigante en una parada de autobús— captura un momento conmovedor y surrealista en medio de la tranquilidad nocturna de la ciudad. Esta fusión de lo personal con lo público, de lo imaginado con lo real, eleva la obra de Lai dentro del género. Capturando el latido de la calle en forma de bellas artes «Tomadachi» de Jolene Lai es un testimonio de su habilidad para capturar el lenguaje visual de las calles y transformarlo en arte. La elección del papel Moab Entrada para esta impresión subraya la calidad de archivo de la obra. Realza la viveza de la paleta de colores, una paleta que evoca la audacia del arte urbano y el atractivo del arte pop. La obra de Lai no es una simple imagen estática, sino una narrativa dinámica que invita a la interpretación y la reflexión personal, un sello distintivo del arte urbano pop y el grafiti más impactantes. La designación de Prueba de Artista de esta impresión en particular añade un nivel de exclusividad, ya que generalmente se imprime un número reducido de copias antes de la edición principal. Coleccionistas y entusiastas valoran estas pruebas por su rareza y su fidelidad a la visión original de la artista. En el contexto de «Tomadachi» de Lai, la serie de Pruebas de Artista se convierte en un testimonio del proceso creativo de la artista, ofreciendo una visión de sus deliberaciones y refinamientos artísticos. Legado e influencia del "Tomadachi" en el arte contemporáneo El legado de "Tomadachi" en el arte pop urbano y el grafiti se consolida gracias a su narrativa y su impacto visual. Como prueba de artista, ocupa un lugar especial en la trayectoria de Jolene Lai, ofreciendo una comprensión más profunda de su recorrido artístico. La obra sirve de puente entre lo underground y lo mainstream, una pieza que se integra con igual naturalidad en un callejón de arte callejero o en una galería de arte. "Tomadachi" de Jolene Lai es más que una simple impresión; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de la vida urbana y los paisajes emocionales que la definen. Es una pieza que sigue inspirando conversación y admiración entre coleccionistas, críticos y aficionados al arte pop urbano y al grafiti, afianzando la posición de Lai como una artista contemporánea relevante con una aguda percepción de las narrativas que emergen en medio del caos concreto de la vida urbana.

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Serigrafía acrílica HPM "Tomato Pop Green" de Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impresión serigráfica única a mano de 4 colores sobre papel de bellas artes. Edición limitada de obra de arte pop callejero. 2023. Acrílico firmado y numerado. HPM. Edición limitada de 95 ejemplares, con detalles pintados a mano. Tamaño de la obra: 22 x 30 cm. Estilo Andy Warhol. Lata de sopa Cambols con pinceles pintados a mano en su interior. Serigrafía HPM. (Foto de archivo) El mundo del arte pop y urbano siempre ha sido un tapiz en constante evolución, repleto de ideas audaces, imágenes icónicas y técnicas vanguardistas. Una de las incorporaciones más destacadas a este vibrante panorama es la serigrafía acrílica "Tomato Pop Green HPM" del renombrado artista Mr Brainwash (Thierry Guetta). En 2023 se presentó esta obra maestra, que no es una simple impresión, sino una serigrafía única de cuatro colores sobre papel de bellas artes, con un acabado artesanal excepcional, que refleja la meticulosa maestría del artista. El atractivo de esta obra no se limita a su brillantez técnica; su carácter de edición limitada realza aún más su encanto. Solo existen 95 ejemplares en todo el mundo, cada uno firmado y numerado por el propio Mr Brainwash (Thierry Guetta), lo que garantiza su exclusividad. Con unas considerables dimensiones de 56 x 76 cm, la obra evoca el estilo característico de Andy Warhol. Para quienes conocen la obra de Warhol, la pieza evoca inmediatamente la icónica lata de sopa Campbell's. Sin embargo, Mr. Brainwash - Thierry Guetta introduce un giro innovador. En lugar del contenido habitual de la lata, encontramos pinceles pintados a mano, fusionando lo cotidiano con lo artístico y, posiblemente, reflexionando sobre la ubicuidad y omnipresencia del arte en la vida diaria. Esta singular representación no solo se inscribe en el legado del arte pop, sino que también refleja el espíritu rebelde del arte urbano y el grafiti. La decisión de Mr. Brainwash - Thierry Guetta de utilizar la técnica HPM (Hand-Painted Multiple) subraya la dualidad de la obra. Mientras que la serigrafía aporta uniformidad y repetición, cada toque final a mano garantiza que cada pieza sea única. La obra "Tomato Pop Green HPM Acrylic Silkscreen Print" es un testimonio de la fusión de las formas artísticas tradicionales y contemporáneas, invitando a los espectadores a sumergirse en sus sutiles capas.

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Demasiado rápido para vivir, demasiado joven para morir. Papel secante. Edición limitada. Impresión artística de pigmento de archivo sobre papel secante perforado por UFO907. Arte pop de la cultura LSD. Edición limitada de 75 ejemplares firmados/con certificado de autenticidad (2020). Tamaño de la obra: 7,5 x 7,5 pulgadas. Como grafitero activo, UFO 907 es conocido por sus motivos extraterrestres de ovnis en todo Nueva York. Durante más de 20 años, su obra ha ido y sigue aumentando, atrayendo a seguidores de todo el mundo. Sus característicos motivos de ovnis han evolucionado a lo largo de los años, desde una simple forma de ovni hasta un estilo más complejo con ojos y piernas. Y continúa activo internacionalmente.

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Tooth For Tooth es una pintura acrílica original de RT Vegas, una obra de arte sobre lienzo lista para colgar, creada por artistas pop del arte callejero. 2010 Acrílico firmado sobre lienzo estirado listo para colgar Pintura Obra de arte original Tamaño 22,5x16. RT Vegas: Una voz vibrante en el arte pop callejero La pintura acrílica original "Diente por diente" de RT Vegas ejemplifica el dinamismo y la expresividad del arte pop urbano. Creada en 2010, esta obra es una pieza emblemática de RT Vegas, artista pop urbano conocido por sus imágenes impactantes y su lenguaje provocador. Firmada por el artista, esta obra lista para colgar mide 57 x 40,6 cm y constituye una pieza fundamental dentro del panorama del arte urbano contemporáneo. El enfoque artístico de RT Vegas fusiona la crudeza del arte urbano con el atractivo del arte pop, dando como resultado obras visualmente impactantes y ricas en significado. "Diente por diente" es un lienzo repleto de contrastes sorprendentes, formas fluidas y una inquietante representación antropomórfica que cautiva la mirada y estimula la reflexión. El uso de acrílicos permite obtener colores vibrantes y duraderos que resaltan sobre el lienzo, una característica que se ha convertido en el sello distintivo de la obra de Vegas. La pintura invita a la reflexión, evocando la expresión cruda y sin filtros del grafiti y la audacia del arte pop. RT Vegas ha perfeccionado un lenguaje visual único que resuena con fuerza en el debate público, poniendo de relieve a menudo problemáticas sociales y emociones humanas que conectan con un público diverso. El título de la obra, «Diente por diente», sugiere temas de reciprocidad y equilibrio, aludiendo quizás a reflexiones más profundas sobre la justicia o la retribución. El poder evocador del arte callejero en la obra de RT Vegas «Diente por diente» de RT Vegas es un testimonio de la habilidad del artista para comunicar temas complejos a través del arte pop urbano. El poder de su obra reside en su capacidad para transmitir mensajes universales y profundamente personales, aprovechando la accesibilidad del arte callejero y el atractivo generalizado del arte pop. Las pinturas de Vegas a menudo encapsulan un instante, reflejando las reacciones del artista ante el mundo que lo rodea. En esta pieza, los rostros expresivos y las líneas curvas crean una sensación de movimiento e intensidad típica del estilo de Vegas. El lienzo tensado sirve como una ventana a la psique del artista, destilando el mundo exterior en una serie de viñetas emocionales. Como gran parte de la obra de Vegas, esta pintura no es simplemente una imagen estática, sino una entidad viva que se comunica con quienes la contemplan. «Diente por diente» es un ejemplo convincente del compromiso de RT Vegas con el género del arte pop urbano. Su obra es un faro en el arte contemporáneo, que destaca la importancia del arte callejero y el grafiti como formas válidas y vitales de expresión artística. A través de sus vívidas composiciones y su temática atractiva, RT Vegas continúa captando la atención tanto de los amantes del arte como de los coleccionistas, afianzando su posición como una figura influyente en el arte pop callejero.

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Obra de arte Totem Buddies, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Brandon Sopinsky.

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¡Toulouse la Tortuga! Serigrafía de edición limitada de 3 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes por Clint Wilson. Arte callejero único. Famoso artista de arte pop. Toulouse, nacido en 2013 (5x5), es una cría de tortuga sulcata procedente de Nuakchot, Mauritania. A diferencia de la mayoría de sus congéneres, es bastante extrovertido y le encanta hacer amigos.

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Toy Story Alien 100% y 400% BE@RBRICK Edición Limitada Figuras de Arte Coleccionables Urbanas de Vinilo El set Bearbrick del Alien de Toy Story incluye una figura al 100% y otra al 400%, con una altura de 7 cm y 28 cm respectivamente.

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Tren 6. Obra original en acrílico sobre maqueta de tren a escala HO: escultura de vagón de carga, realizada por el artista callejero de graffiti y artista pop moderno LushSux. Grafiti/pintura throw-up original firmada en 2014 sobre maqueta de tren HO. Tamaño de la obra: 14x3. Lush es un modelo masculino y, a veces, un grafitero de renombre internacional. Analizando "Train 6" de LushSux: Un mundo en miniatura del arte del grafiti «Tren 6» es una pieza fascinante dentro de la colección del artista callejero LushSux, conocido por su enfoque directo y a menudo provocador del arte pop moderno. Esta obra en particular es una pieza original de 2014, que presenta un vibrante grafiti aplicado a un vagón de tren a escala HO. La pieza mide 35,5 x 7,5 cm, lo que exige una meticulosa atención al detalle y una mano firme para mantener la integridad del estilo del grafiti en una escala tan pequeña. Esta obra es un ejemplo característico del arte pop callejero, un género que fusiona la estética cruda y enérgica del arte urbano con el atractivo de la cultura de masas del arte pop. El enfoque innovador de LushSux hacia el arte callejero en trenes a escala LushSux, artista australiano cuya obra ha sido tanto elogiada como criticada, se desenvuelve en la escena global del arte urbano, dando visibilidad a su trabajo y generando a menudo debate. Su elección de utilizar un tren a escala como lienzo para "Train 6" es emblemática de su enfoque innovador del arte urbano, ya que encapsula la esencia del grafiti en una forma tradicionalmente asociada con la precisión y la nostalgia, en lugar de la naturaleza subversiva del arte urbano. La obra exhibe el estilo dinámico de LushSux, caracterizado por líneas audaces y colores llamativos, que captan la atención a pesar del reducido tamaño del lienzo. Mediante este medio, LushSux desafía la percepción del espectador sobre dónde puede existir el arte urbano, sugiriendo que cualquier objeto puede convertirse en un vehículo para la expresión artística. La importancia cultural y artística de "Tren 6" «Train 6» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que tiende un puente entre el mundo underground del arte urbano y el hobby más convencional del coleccionismo de trenes a escala. La firma de LushSux en el tren a escala traslada un elemento de la calle a un contexto diferente, invitando a los espectadores a reconsiderar los límites entre el arte pop urbano y el grafiti. Al firmar la obra, LushSux afirma su autenticidad y valor, posicionándola como un objeto de colección tanto en el mundo del arte como en la subcultura de los aficionados a los trenes a escala. La pintura representa una confluencia de subculturas, y sirve como testimonio de la versatilidad y el amplio alcance del arte urbano. A través de obras como «Train 6», LushSux continúa provocando, entreteniendo y elevando el estatus del arte urbano en la escena artística contemporánea.

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Impresión Giclée translúcida de Dalek - Obra de arte de James Marshall. Edición limitada impresa en papel Hahnemühle Fine Art de 308 g/m². Artista callejero pop y grafiti. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, de 2022. Tamaño de la obra: 19,69 x 19,69 pulgadas. Translucid de Dalek: Geometría psicodélica y deconstrucción de personajes en el arte pop callejero y el grafiti Translucid es una impresión giclée de edición limitada de 2022 de James Marshall, conocido internacionalmente como Dalek. Creada en una edición de 50 ejemplares e impresa en papel Hahnemühle de bellas artes de 308 g/m², la obra mide 50 x 50 cm y está firmada y numerada por el artista. El trabajo de Dalek continúa explorando la intersección del surrealismo digital, la abstracción animada y la deconstrucción de personajes, todo ello a través de una lente de alto contraste y saturación, y una sintaxis visual urbana. En Translucid, Dalek revisita su universo Space Monkey, pero lo lleva a través de una explosión de capas translúcidas, movimiento deconstruido y repetición psicodélica, encapsulando plenamente la energía y la filosofía del arte pop urbano y el grafiti. En el centro de la composición se encuentra una figura hiperestilizada con extremidades bulbosas, ojos ciclópeos y postura agresiva. Los colores son eléctricos: verdes neón, rosas ácidos, azules celestes y negro azabache que chocan en un diseño rítmico y repetitivo. Cada forma parece duplicada en estelas desplazadas, creando una sensación de movimiento, eco y deslizamiento dimensional. Los brazos se extienden desmesuradamente, uno de ellos alcanzando el espacio mientras haces geométricos se proyectan desde la cabeza de la figura, como un grito visual. Detrás del personaje principal, réplicas semitransparentes se ondulan hacia afuera, sugiriendo cámara rápida, retardo digital o una animación de múltiples fotogramas congelada en una quietud estratificada. Color, repetición y caos hipercontrolado La estructura visual de Dalek en Translucid no es para nada accidental. Su control preciso sobre el trazo, la curvatura y el relleno crea una sensación de alucinación asistida por máquina: equilibrada y ordenada, pero a la vez febrilmente viva. El fondo se mueve en suaves sombras circulares y formas burbujeantes, contrastando con las explosiones más nítidas del primer plano. El resultado es una tensión entre la locura cinética y la simetría gráfica. Esta interacción imita la filosofía visual del grafiti, donde la repetición, las firmas y los símbolos superpuestos se convierten en marcas de identidad en un mar de caos controlado. El efecto translúcido es un elemento clave. Sombras, líneas fantasmales y siluetas que se repiten sugieren la multiplicidad dentro de un mismo sujeto, difuminando la frontera entre lo singular y lo clonado. Este enfoque refleja la saturación digital de la cultura visual contemporánea, donde los iconos se remezclan, reutilizan y reproducen constantemente en las pantallas. Dalek captura esta sensación de eco y sobrecarga visual en forma de obra de arte, reflejando el pulso de la calle en un formato cuadrado de 19,69 pulgadas. Mutación del mono espacial y diálogo visual con la cultura moderna La figura de Translucid puede tener su origen en la icónica identidad del Mono Espacial de Dalek, pero aquí ha mutado en algo más abstracto y dinámico. Mientras que en trabajos anteriores el Mono Espacial se presentaba como un observador plano y enigmático, en Translucid se transforma en un conducto de movimiento, forma y poder. Baila, ataca y sufre fallos, ya no pasivo, sino totalmente integrado en el caos que una vez contempló. La sonrisa distorsionada, los ojos radiantes y las extremidades desconectadas crean una atmósfera de alegría paradójica y agotamiento digital. La obra de Dalek se integra a la perfección en el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti, manteniendo una energía vibrante y una libertad conceptual que, a la vez, ofrece una estructura refinada. Destila la cultura pop, el ritmo de los videojuegos y la estética del grafiti en una composición que comunica sin narrativa. «Translucid» no cuenta una historia; emite una frecuencia. Es una pintura que se puede oír si se observa con atención. Translúcido como artefacto de la abstracción pop y la identidad contemporánea Impreso en papel Hahnemühle de bellas artes de 308 g/m², la textura física y la retención del pigmento elevan Translucid a la categoría de pieza de coleccionista, preservando a la vez la integridad estética urbana de la obra de Dalek. Cada edición presenta la misma intensidad y profundidad de color, capturando con precisión cada estela de sombra y punto de colisión. Es a la vez objeto y señal: un recordatorio de que la cultura visual no es lineal y que la repetición puede ser tanto expresiva como desestabilizadora. La contribución de James Marshall al canon del arte pop callejero y el grafiti sigue expandiéndose con obras como Translucid. Esta pieza encapsula el lenguaje de la repetición, el diseño cinético y el comentario psicodélico, manteniendo a la vez el compromiso de Dalek con la abstracción arraigada en la evolución del personaje. Translucid no trata sobre la resolución, sino sobre el movimiento, la multiplicidad y el placer fragmentado de explorar un mundo donde el significado se presenta en capas, duplicado e infinitamente vivo.

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Impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo de Tratos sobre papel de bellas artes del artista Tratos, grandes del graffiti pop callejero. 2022 Artista: Tratos Título: "Tratos" Técnica: Impresión de pigmento de archivo Edición: 50 Marcas: Firmada y numerada por el artista Dimensiones: 20" x 20"

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Compra Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Juguete de arte pintado y hecho a mano Obra de arte coleccionable de los artistas pop Nugg Life NY. Tributo a la planta con temática de cannabis/marihuana con coloridos acentos pintados a mano. Mini Nug mide entre 2,5 y 3 pulgadas de alto y está hecho a mano, pintado y ensamblado con un contenedor de entrega de la ciudad de Nueva York. Tirada limitada de 15 firmadas y numeradas.

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Impresión artística de archivo en papel secante Trip Benzos de Ben Frost. Edición limitada. Impresión artística de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Edición limitada firmada y numerada de 2025 (por determinar). Impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2025. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. Trip Benzos de Ben Frost: Iconografía de videojuegos se fusiona con arte pop callejero y graffiti. Trip Benzos, la edición limitada de 2025 impresa en papel secante del artista australiano Ben Frost, captura la chocante fusión entre la cultura nostálgica y la crítica farmacéutica contemporánea a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Presentada como una impresión de pigmento de archivo de 19 x 19 cm sobre papel secante perforado a mano por Zane Kesey, la obra es una reinterpretación psicodélica de un conocido personaje de videojuego, transformado en un avatar ansioso y sonriente de la intoxicación consumista. La exuberancia distorsionada de la expresión y la paleta audaz reflejan la característica indagación de Frost sobre los medios de comunicación, la medicina y los estados mentales. Sátira farmacéutica y subversión pop Frost es reconocido mundialmente por reinterpretar iconos del entretenimiento comercial para crear mordaces comentarios sociales. En Trip Benzos, adapta una querida mascota de videojuegos y la viste con su característico traje de mapache, solo que esta vez conectada a la hiperrealidad. Con ojos de arcoíris que se arremolinan y extremidades exageradas, la figura se convierte en una metáfora de los subidones sintéticos y el escapismo caricaturesco de la vida moderna. La palabra BENZOS, destacada en la parte superior, sitúa al espectador en la temática farmacológica. Al igual que en el resto de la obra de Frost, esta pieza cuestiona la ética de la cultura de consumo y la delgada línea entre la diversión y la sedación. Cultura visual en papel secante El uso de papel secante perforado es fundamental para la gravedad conceptual de la obra. Este medio, tradicionalmente asociado a la distribución de LSD, se reivindica aquí como un formato legítimo de bellas artes. La ejecución de Frost es precisa, colorida y está cargada de ironía. La vibrante intensidad alucinógena de la impresión y el estilo gráfico plano dotan a las imágenes de una intensidad casi cómica. Las nubes y los campos verdes proporcionan un fondo apacible que contrasta marcadamente con el título de la impresión, desafiando a los espectadores a reconciliar la inocencia con la euforia artificial. El medio se convierte en algo más que una superficie: se transforma en una declaración sobre la percepción alterada, la marca y la identidad. Ben Frost y la narrativa urbana contemporánea Ben Frost, artista afincado en Sídney, ha cultivado un público internacional gracias a obras que fusionan iconografía corporativa con sátira pop y estética del grafiti. Su trabajo suele exhibirse en espacios públicos, galerías y, ahora, sobre soportes singulares como el papel secante, creando diálogos entre la legalidad callejera, las bellas artes y la crítica social. «Trip Benzos» representa una extensión del enfoque de Frost en la dependencia farmacéutica y la caricaturización de la salud mental. Es una instantánea de una cultura ensimismada, adicta al entretenimiento y medicada hasta la sonrisa. Esta edición limitada habla con la voz del underground utilizando las herramientas del marketing masivo, una fórmula que define el poder y la provocación del arte pop urbano y el grafiti.

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Trips Festival Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Bob Masse arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 5,75 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Tropic-Ana, serigrafía de edición limitada de 16 colores impresa a mano sobre papel naranja Plike de 330 g/m², por Tim Conlon. Arte callejero raro, famoso artista de arte pop. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, de 2022. Tamaño de la obra: 24x24. Logotipo naranja de Tropicana. Primer plano de un vagón de tren, camión o contenedor de transporte. Tim Conlon, reconocido por su profunda influencia en el arte urbano y el pop art, presenta "Tropic-Ana", una exquisita serigrafía artesanal de 16 colores. La obra, impresa con gran calidad en papel Orange Plike de 330 g/m², irradia los vibrantes colores y los intrincados detalles que caracterizan a Conlon. Con unas dimensiones de 61 x 61 cm, es una creación que no pasa desapercibida. Esta edición limitada de tan solo 75 piezas, con bordes irregulares, está firmada personalmente por el artista, lo que le confiere un toque de autenticidad que la hace única entre coleccionistas y aficionados. La pieza se inspira en su aclamada serie "Blank Canvas", concretamente en su pintura original "Blank Canvas #115 - TPIX". Esta serie es un ejemplo de la maestría de Conlon al combinar elementos como la pintura en aerosol, la tipografía intrincada, técnicas de pintura abstracta y el trampantojo. A través de «Tropic-Ana», Conlon ofrece al espectador una perspectiva cercana, casi ampliada, de la cultura del grafiti en trenes de carga, un subdominio del arte urbano, nicho pero profundamente expresivo. Su innovador enfoque, que fusiona los estilos pictóricos tradicionales con la energía cruda del grafiti, convierte a «Tropic-Ana» no solo en una lámina, sino en un lienzo narrativo. Esta colaboración con BEYOND THE STREETS consolida aún más la importancia de la obra, ya que la edición impresa lleva el distintivo relieve de la organización, símbolo de su aprobación y asociación con una de las entidades más influyentes del mundo del arte moderno. «Tropic-Ana» no solo es un testimonio del talento artístico de Conlon, sino también una celebración de la evolución y el dinamismo del movimiento del arte urbano y el pop art. Firmada por Tim Conlon, Tropic-Ana, 2022. Serigrafía de 16 colores sobre papel Orange Plike de 330 g/m². Bordes irregulares. 61 x 61 cm (24 x 24 pulgadas). Edición de 75 ejemplares. Firma directa del artista. Sello en relieve de BEYOND THE STREETS. Basada en su pintura original Blank Canvas #115 - TPIX, perteneciente a su prolífica y creciente serie Blank Canvas, BEYOND THE STREETS se complace en presentar una edición limitada de esta obra del icónico pintor y grafitero Tim Conlon. Combinando pintura en aerosol, tipografía, abstracción pictórica y trampantojo para crear estas pinturas de gran formato y primeros planos, Conlon ofrece una mirada íntima al arte y la cultura de la pintura en trenes de carga.

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True Detective Edición Limitada Serigrafía Monocromática Brillante en la Oscuridad, Impresa a Mano en Papel de Bellas Artes por Jeremy Wheeler, Artista Callejero de Graffiti, Arte Pop Moderno.

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Litografía de edición limitada de Turtle God, obra de arte en papel de bellas artes de Jeff Soto, artista urbano de graffiti pop. Dios Tortuga, 2007. Litografía offset. Tamaño de la imagen: 41,9 x 57,2 cm (16,5 x 22,5 pulgadas). Tamaño del papel: 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas). Edición numerada y firmada de 500 ejemplares.

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Turtle Island Ganas Collage Original Único en su Tipo. Obra de arte realizada con plantilla de pintura en aerosol sobre papel de algodón, por el artista de arte callejero y cultura pop Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. 2022. Pintura original con aerosol firmada. Tamaño: 20,5" x 26,5". Plantillas pintadas a mano con aerosol sobre papel 100% algodón. Bordes irregulares hechos a mano. Firmada y numerada por Ernesto Yerena Montejano. Pieza única. La expresión artística del "Collage Ganas de la Isla Tortuga" de Ernesto Yerena Montejano Ernesto Yerena Montejano es un artista profundamente arraigado en la intersección cultural del arte pop urbano y el grafiti. Su obra, "Collage de Ganancias de Isla Tortuga", es una vibrante celebración de la identidad cultural, la resiliencia y el espíritu de resistencia. Esta original y única pintura con plantilla de aerosol sobre papel de algodón encapsula la esencia de la visión artística de Montejano: "Hecho con Ganancias". Firmada por el artista, esta obra de 52 x 67 cm refleja el compromiso de Montejano con la creación de piezas que no solo son visualmente cautivadoras, sino que también están impregnadas de comentarios sociales y políticos. Simbolismo y técnica en la obra de Montejano En «Collage Ganas de la Isla Tortuga», Montejano emplea la tortuga, criatura venerada en muchas culturas indígenas por cargar el mundo sobre su caparazón, como figura central que simboliza la tierra y la interconexión de la vida. El término «Isla Tortuga» es un nombre que varias tribus nativas americanas utilizan para referirse al continente norteamericano, y su inclusión en el título vincula la obra con temas de herencia y tierra. La elección de materiales de Montejano —papel de trapo 100% algodón con bordes irregulares— complementa la temática orgánica, arraigando la pieza en la tradición y la artesanía. Las plantillas aplicadas con aerosol crean un marcado contraste característico del arte del grafiti, mientras que los intrincados detalles y la superposición de capas evocan la complejidad de las imágenes del arte pop. La contribución de Ernesto Yerena Montejano al arte pop callejero Montejano, artista mexicano-estadounidense, contribuye al rico panorama del arte pop urbano con obras como "Collage de Ganas de la Isla Tortuga", que abordan temas de identidad, comunidad y activismo. Su obra suele reflejar las experiencias de la frontera entre Estados Unidos y México, funcionando como un comentario visual sobre el panorama sociopolítico. Al integrar motivos de la cultura indígena y chicana, Montejano tiende un puente entre el pasado y el presente, creando un diálogo entre narrativas históricas y problemáticas contemporáneas. Su arte trasciende los límites tradicionales del arte urbano, ofreciendo una narrativa universal y profundamente personal. A través de su arte, Montejano invita a los espectadores a participar en conversaciones más amplias sobre justicia social, patrimonio y la condición humana, consolidando su lugar en el panteón del arte pop urbano y el grafiti.

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Dos obras de arte de accidentes ferroviarios, impresión giclée de edición limitada en papel grueso de la artista de graffiti de la cultura pop Lady Pink. Impresión giclée en papel grueso. Tamaño: 28 x 43 cm (11 x 17 pulgadas). La imagen mide 23 x 38 cm (9 x 15 pulgadas). Firmada a mano por Lady Pink '05. Fragmento de un mural pintado en Brooklyn. Edición de 6 ejemplares.

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Ty Cobb/ Dapper Thinking - Tigres. Collage único, adornado a mano, técnica mixta sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Tarjeta vintage original de MLB Topps estampada en técnica mixta con arte pop, estilo Ty Cobb/Dapper Thinking - Tigers (2014).

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Umphreys McGee Vampire AP Serigrafía de Todd Slater Prueba de artista Serigrafía impresa a mano sobre papel de bellas artes Edición limitada Arte pop callejero y grafiti. Prueba de artista AP 2008 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 15.5x21 Tinta metálica Halloween Monster Mash Up The Warfield San Francisco 2008 Serigrafía AP de vampiros de Umphrey's McGee por Todd Slater La habilidad de Todd Slater para fusionar música, cultura pop e imágenes surrealistas se ejemplifica en la serigrafía Umphrey's McGee Vampire AP. Creada como prueba de artista limitada en 2008, esta serigrafía artesanal combina elementos de terror, humor y la estética del arte pop urbano. Diseñada para el concierto Halloween Monster Mash Up de la banda en The Warfield de San Francisco, esta pieza captura la inquietante energía del evento, manteniendo el característico estilo audaz de Slater. La serigrafía presenta una representación perturbadora de una momia vampírica y fantasmal inclinada sobre una lápida, donde el nombre de la banda se muestra prominentemente en tipografía con efecto goteo. El fondo está decorado con dulces clásicos de Halloween, como pasteles y bizcochos, añadiendo un inesperado contraste lúdico a la escena misteriosa. La tinta metálica realza aún más el atractivo visual, creando una impresión que brilla con textura y profundidad. El enfoque único de Todd Slater hacia el arte pop callejero Todd Slater se ha labrado una reputación fusionando arte pop urbano, grafiti y diseño gráfico audaz. Su obra se caracteriza por sus intrincados detalles, texturas superpuestas e interpretaciones surrealistas de referencias culturales. Esta pieza no es la excepción, ya que incorpora su estilo característico de serigrafía, con contornos definidos y una figura central muy estilizada. El uso de tinta metálica y paletas de colores inspiradas en Halloween le otorga a esta impresión una dimensionalidad que la distingue de los carteles de conciertos tradicionales. El rostro verde del personaje y sus inquietantes vendajes blancos contrastan marcadamente con los tonos oscuros, mientras que la inclusión de pastelitos en el fondo añade un toque desenfadado que evita que la obra sea puramente siniestra. La conexión entre la música y las artes visuales Umphrey's McGee es una banda conocida por su rock progresivo y sus actuaciones improvisadas, lo que la convierte en un tema ideal para una lámina visualmente impactante. La fusión de imágenes de terror con la cultura musical es un tema recurrente en los carteles de conciertos, ya que permite a los artistas crear objetos coleccionables que trascienden la experiencia del concierto. Esta lámina funciona tanto como pieza promocional como obra de arte independiente, diseñada para ser exhibida y apreciada más allá del propio evento. Los carteles de conciertos han sido durante mucho tiempo una parte esencial de la historia de la música, especialmente en los movimientos del arte pop urbano y el grafiti. Estas láminas a menudo difuminan las fronteras entre el diseño comercial y las bellas artes, lo que las hace muy codiciadas por los coleccionistas. El enfoque de Slater garantiza que su obra siga siendo única, inspirándose en la temática del concierto e incorporando sus propias influencias artísticas. Impresión de edición limitada altamente coleccionable Con su designación de prueba de artista, esta serigrafía es una pieza rara y muy codiciada por los aficionados a la música y al arte pop urbano. Su carácter de edición limitada garantiza que cada ejemplar se mantenga como una pieza valiosa, especialmente para quienes aprecian las técnicas de serigrafía artesanal. La habilidad de Todd Slater para dotar a su obra de profundidad visual y significado cultural la convierte en una pieza imprescindible para los seguidores del arte pop moderno. Su combinación de estética de terror, cultura musical e influencias del arte urbano la consolida como un ejemplo sobresaliente del diseño contemporáneo de carteles de conciertos.

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Obra de arte impía, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque.

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