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Subrosa Deck Edición Limitada. Tabla de skate con serigrafía artística del artista de la cultura pop urbana Faile. FAILE SUBROSA, 2019 9.10" x 29.15" Madera de arce de 7 capas Edición de 150. Cada tabla viene con un certificado de autenticidad firmado por el curador Roger Gastman que confirma la autenticidad y el tamaño de la edición.

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Edición limitada de Subway, serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Summer School 2 - Tabla de skate de edición limitada 7.8 con serigrafía, arte de la tabla de skate del artista de la cultura pop callejera DGK.

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Sunshined Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Denial, arte de la cultura pop y LSD. Edición limitada firmada de 50 ejemplares (2021). Tamaño de la obra: 7,5 x 7,5 pulgadas. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. En el mundo de Denial, la memoria es fundamental, pues constituye la base de su obra, ya que invita al público a conectar con ella de forma nostálgica. Por ello, su arte resulta tan familiar como perturbador, al revelar los aspectos más inquietantes de la sociedad, aquellos que negamos. A pesar de su controvertida historia, el grafiti se percibe cada vez menos como una forma de vandalismo.

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Edición limitada de la obra de arte pop callejero "Super Match Box" impresa en papel de bellas artes por el artista moderno de graffiti urbano Naoshi. 2014 Firmado al dorso con rostro dibujado a mano Edición limitada de 100. 11,75 x 8,5 Basado en el arte de arena de Sunae.

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Impresiones artísticas de edición limitada Super Sporm con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² del artista de arte callejero y cultura pop Keo X-Men. Edición limitada de 2021, firmada y numerada, de 20 ejemplares. Tamaño de la obra: 17 x 13 pulgadas. Super Sporm impreso en papel Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m², calidad de archivo, 17 x 13 pulgadas. Firmado y numerado a mano por KEO en una edición limitada de 20 ejemplares.

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Bandeja Super Sport Camaro Supreme Edición Limitada Plato Coleccionable de Porcelana Artística Obra de Arte de la Artista Original de Graffiti Callejero Lady Pink. Bandeja Lady Pink/Supreme 2021 - Super Sport Camero - Tienda - Supreme. Bandeja de porcelana con estampado gráfico y logotipo impreso en la base. 15 x 18 cm.

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Juego de mini latas Supreme Montana, edición limitada, diseño exclusivo de lata de pintura en aerosol, colaboración con el famoso fabricante de pintura para graffiti Montana MTN. Edición limitada 2021. Set de seis latas de pintura en aerosol de 50 ml con logotipos impresos. 8,9 cm de altura y 3,3 cm de radio. Se venden en set y son exclusivas de Supreme. En una sorprendente fusión de autenticidad urbana y alta costura, el set Supreme Montana Cans Mini Can se erige como testimonio de la amplia influencia de la cultura callejera en la estética contemporánea. Lanzada en 2021, esta colección representa una colaboración entre Supreme, marca sinónimo de la intersección entre la contracultura y el lujo, y Montana MTN, referente en la industria de los materiales para el arte del grafiti. El set de edición limitada incluye seis latas de pintura en aerosol de 50 ml (1.7 oz), cada una con una altura de 8.9 cm (3.5 pulgadas) y un diámetro de 3.3 cm (1.3 pulgadas). La viveza de los colores —azul, amarillo, gris, rosa y el icónico rojo Supreme— refleja la paleta ecléctica característica del arte urbano del grafiti, convirtiendo el set en una pieza atractiva para coleccionistas y entusiastas del arte callejero y la cultura pop. Esta colaboración refleja la constante evolución del arte pop, donde la convergencia de objetos utilitarios y expresión artística da forma a una nueva narrativa. Los llamativos logotipos de Supreme impresos en las latas miniatura de Montana transmiten un lenguaje de arte urbano y exclusividad, atributos muy apreciados tanto en el mundo del arte callejero como en el de la alta costura. Estas latas, además de ser completamente funcionales, trascienden su propósito original de pintar para convertirse en obras de arte coleccionables por derecho propio. Se venden como un conjunto coherente, lo que subraya la idea de que su valor reside no solo en su rareza, sino también en su conexión con el espíritu cultural de la época. Al crear estas latas exclusivamente para Supreme, Montana MTN garantiza que esta colaboración transmita una sensación de escasez y un atractivo único. No son meras herramientas para crear arte, sino que constituyen una declaración en sí mismas, un guiño simbólico a la cultura de la que surgieron y un reflejo del mundo que decoran. En manos de entusiastas, estas latas tienen el potencial de desatar la creatividad. A su vez, para los coleccionistas, representan una fusión cultural que ha definido a una generación. Estas colaboraciones son hitos que marcan la trayectoria del arte callejero desde la periferia hasta la corriente principal. Este recorrido continúa desafiando y redefiniendo los límites entre los objetos cotidianos y las bellas artes.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Pantano 13 HPM Impresión serigráfica con pintura acrílica de Maya Hayuk Impresión serigráfica de 4 colores sobre papel de bellas artes Edición limitada Obra de arte pop callejero. 2013. Pintura acrílica HPM con detalles, firmada y numerada. Edición limitada de 40 ejemplares. Tamaño de la obra: 14,96 x 21,65 pulgadas. Pantano 13 de Maya Hayuk – Serigrafía con pintura acrílica HPM en arte pop urbano y grafiti Swamp 13 es una vibrante e inmersiva obra múltiple pintada a mano en 2013 por Maya Hayuk, creada con pintura acrílica y serigrafía sobre papel de bellas artes en una edición limitada de 40 ejemplares. Con unas dimensiones de 38 x 55 cm, esta obra fusiona el inconfundible uso del color, la textura y la geometría de Hayuk en una experiencia óptica y compleja. Cada impresión de la edición fue intervenida a mano, garantizando que no haya dos iguales. Con su fusión de degradados neón, gruesas formas negras y salpicaduras pictóricas, Swamp 13 es un ejemplo paradigmático de la habilidad de Hayuk para combinar una simetría controlada con libertad gestual. La pieza se convierte en una meditación psicodélica sobre el color, el espacio y la forma: descaradamente abstracta, a la vez que profundamente emotiva y precisa. El color como energía psicodélica y señal urbana El uso del color por parte de Maya Hayuk en Swamp 13 no es meramente decorativo; funciona como una fuerza energética. Explosiones de rosa fluorescente, naranja radiante, azul eléctrico y verde ácido emergen de debajo de densas formas negras, creando una tensión compleja entre saturación y estructura. Estas elecciones cromáticas hacen referencia a señales callejeras, la cultura rave, el bordado folclórico tradicional y el expresionismo del aerosol. La paleta fluorescente no es un guiño a las tendencias, sino una deliberada apuesta por la hipervisibilidad: un esfuerzo por generar alegría, urgencia y una vibración espiritual a través del pigmento. En el arte pop urbano y el grafiti, este tipo de estrategia visual opera como el sonido: vibra a través de la superficie y el tiempo, invitando a los espectadores a sentir tanto como ven. Múltiples pintados a mano como fusión de control y caos Cada edición de Swamp 13 fue intervenida a mano por Maya Hayuk, añadiendo capas de pintura acrílica a la base de serigrafía de cuatro colores. Este híbrido de repetición mecánica y singularidad pictórica refleja la tensión entre reproducibilidad e individualidad que define tanto el arte pop como el grafiti. Los elementos de la serigrafía proporcionan una retícula estructural, anclando la pieza con audaces siluetas geométricas. Las superposiciones acrílicas se desbordan de estas líneas: goteos, salpicaduras y gestos que reflejan el proceso intuitivo y ritualístico que es fundamental en la obra mural de Hayuk. El resultado final es una pieza que transmite el peso del proceso, no solo de la imagen. Cada impresión está llena de movimiento, evolucionando de la uniformidad a la presencia a través de una cuidadosa toma de decisiones. La simetría característica y la reverencia por la calle de Maya Hayuk Swamp 13 no es solo una obra de arte, sino un documento de la filosofía de Maya Hayuk. Su convicción de que el equilibrio visual puede ser una fuerza sanadora, que la abstracción puede contener narrativas y que el color puede trascender los géneros está profundamente presente en esta composición. Si bien no se basa en las letras tradicionales del grafiti, Swamp 13 se inscribe firmemente dentro del Arte Pop Urbano y el Grafiti a través de su metodología, actitud y audacia. Evoca el caos estratificado de los muros de la ciudad, la repetición meditativa de motivos folclóricos y la resonancia emocional de campos de color puro. Hayuk no busca imitar el grafiti; se basa en su esencia, traduciendo su energía en sinfonías cromáticas estructuradas que palpitan con fuerza. Swamp 13 se presenta como una propuesta vívida e intrépida de una artista que continúa redefiniendo las posibilidades de la expresión contemporánea arraigada en la calle.

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Obra de arte "Dulces Sueños", impresión giclée de edición limitada, surrealista, en papel de bellas artes 100% algodón, del artista de graffiti de la cultura pop Naoto Hattori. DULCES SUEÑOS 20 x 24 pulgadas (50,8 x 61 cm) Impresión giclée de alta calidad en papel de bellas artes 100% algodón. Edición firmada y numerada de 150 ejemplares.

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Sweet Sins Brooklyn, serigrafía de edición limitada de 27 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² (borde irregular) por Faile Rare Street Art, famoso artista de arte pop. Una de las clásicas serigrafías de FAILE, impresa en estilo xilográfico. 27 exquisitos colores serigrafiados sobre un papel grueso de alta calidad para archivo. Para los coleccionistas de FAILE, saben todo el trabajo que implica su elaboración. Estamos muy emocionados con esta pieza. «Sweet Sins Brooklyn», 71 x 102 cm (28 x 40 pulgadas), serigrafía de 27 colores, edición limitada de 500 ejemplares, papel Coventry Rag de 310 g/m² (bordes irregulares), firmada, sellada y fechada por FAILE en 2015.

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Tómate tu tiempo: edición limitada holográfica, serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel holográfico Lava de 10 puntos por Dr. Dax, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tómate tu tiempo y consérvalo. «"El valor del tiempo depende de cómo lo inviertas" es un lema que repetí una y otra vez como consecuencia directa de la cuarentena y el distanciamiento social. Dediqué la mayor parte del tiempo a continuar mi camino espiritual y a desarrollar mi creatividad en mi estudio. A medida que el tiempo parecía ralentizarse, comencé a valorar más que nunca su importancia y a no desperdiciarlo. Durante este tiempo, reflexioné mucho y encontré inspiración en los colores de una época de mi juventud, que me evocaban tiempos mejores». - Dr. Dax

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Tómate tu tiempo: edición limitada Printer's Select, serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel Coventry de 290 g/m² por Dr. Dax, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tómate tu tiempo y consérvalo. «"El valor del tiempo depende de cómo lo inviertas" es un lema que repetí una y otra vez como consecuencia directa de la cuarentena y el distanciamiento social. Dediqué la mayor parte del tiempo a continuar mi camino espiritual y a desarrollar mi creatividad en mi estudio. A medida que el tiempo parecía ralentizarse, comencé a valorar más que nunca su importancia y a no desperdiciarlo. Durante este tiempo, reflexioné mucho y encontré inspiración en los colores de una época de mi juventud, que me evocaban tiempos mejores». - Dr. Dax

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Edición limitada "Tómate tu tiempo", serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel Coventry de 290 g/m² por Dr. Dax, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tómate tu tiempo y consérvalo. «"El valor del tiempo depende de cómo lo inviertas" es un lema que repetí una y otra vez como consecuencia directa de la cuarentena y el distanciamiento social. Dediqué la mayor parte del tiempo a continuar mi camino espiritual y a desarrollar mi creatividad en mi estudio. A medida que el tiempo parecía ralentizarse, comencé a valorar más que nunca su importancia y a no desperdiciarlo. Durante este tiempo, reflexioné mucho y encontré inspiración en los colores de una época de mi juventud, que me evocaban tiempos mejores». - Dr. Dax

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Tortugas Ninja Mutantes Adolescentes. Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo sobre papel de bellas artes de la artista Nan Lawson, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Firmado, fechado y numerado. Edición limitada de 30 ejemplares (2014).

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Obra de arte conmemorativa del décimo aniversario de Temper Tot Wynwood Walls. Impresión giclée de edición limitada en papel de algodón 100% libre de ácido prensado en frío por el artista de graffiti de la cultura pop Ron English- POPaganda. Edición de 75 ejemplares. Firmada y numerada por el artista, 2015. Impresión giclée de archivo de 25,4 x 45,7 cm (10” x 18”) sobre papel de algodón 100% libre de ácido prensado en frío / 305 g/m² / 200 lb. Publicada por Goldman Global Arts, Miami. Impresión giclée de archivo de 20,3 x 40,6 cm (8” x 16”) con márgenes de 5 cm (2”) sobre papel de algodón 100% libre de ácido prensado en frío / 305 g/m² / 200 lb.

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Impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo Terraformer en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Doze Green X MARS-1, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. 2016 Doze Green X MARS-1 Terraformer, 2016. Impresión de pigmentos de archivo a color sobre papel Fine Art. 45,7 x 61 cm (hoja). Edición 45/200. Firmada y numerada a lápiz en el borde inferior. Desgaste en el borde inferior izquierdo, probablemente inherente al proceso de producción de la obra.

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Tetraedro - Collage hecho a mano con técnica mixta, 4 colores, serigrafía HPM de edición limitada impresa a mano sobre papel de bellas artes y periódico por el artista pop Sam Chivers. 17,5 x 17,5 cm. Edición limitada de 24 ejemplares, cada uno único. Collage de técnica mixta con periódico verjurado sobre serigrafía.

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Tetraedro, serigrafía de edición limitada a cuatro colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista pop Sam Chivers. 17,5 x 17,5 cm. Edición de 30.

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Gracias por la impresión giclée de Break Dance de Jay Kaes Artwork, edición limitada impresa en papel de bellas artes, artista callejero pop y graffiti. 2023 Firmado al dorso y fechado. Edición limitada sin numerar. Impresión artística de regalo. Tamaño: 6x8 pulgadas.

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Lo que tenías en tus manos nunca fue tuyo. Impresión giclée de edición limitada sobre papel de algodón aterciopelado de Skinner, artista callejero contracultural. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una meticulosidad calculada.

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Edición limitada de la banda, serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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El Portafolio y Catálogo Beautiful Losers, Edición Especial 2004-2010, es un tesoro para los amantes del arte pop urbano y el grafiti. Ofrece una colección completa que captura la esencia de la icónica exposición "Beautiful Losers". Esta edición limitada es un testimonio impecable de un momento clave en el arte contemporáneo y de la creatividad en estado puro del arte urbano entre 2004 y 2010. Cada elemento del conjunto, con su correspondiente número de edición, se encuentra en perfecto estado, lo que garantiza su valor como pieza de colección y parte de la historia del arte. Edición original en caja del portafolio y catálogo de The Beautiful Losers 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Las cajas recopilatorias de Jonathan Levine Projects, tituladas «The Beautiful Losers» (2004-2010), se lanzaron en edición limitada: la «Portfolio Box» con menos de 30 ejemplares y la «Catálogo Box» con 100. Cada caja se presenta en una caja de madera personalizada, impresa y numerada, lo que añade un toque de sofisticación y cuidado a la presentación de estas obras de arte. Las dimensiones de las cajas (66 x 48 x 23 cm) se eligieron cuidadosamente para dar cabida a la variedad de obras y sus diferentes tamaños, garantizando así la integridad de cada pieza. Iconoclast publicó estas cajas con motivo de la exposición itinerante «Beautiful Losers», que tuvo lugar entre 2004 y 2010. Esta exposición, junto con «Transfer», que recorrió diversas ciudades entre 2008 y 2010, puso de manifiesto el talento emergente y las diversas expresiones del arte pop urbano y el grafiti. La exposición Beautiful Losers y sus publicaciones complementarias, incluyendo el libro "Beautiful Losers: Contemporary Art And Street Culture" publicado por Edition Iconoclast en 2005, han sido fundamentales para acercar la vitalidad y relevancia del arte urbano y el grafiti a un público más amplio. La Portfolio Box, un componente esencial de estas colecciones, es un tesoro que reúne obras de 28 de los artistas urbanos y grafiteros más influyentes. Esta colección incluye impresiones de artistas de renombre como KAWS y Shepard Fairey, cada uno aportando su visión y estilo únicos. Cada pieza dentro de esta caja refleja los temas y expresiones artísticas de la exposición Beautiful Losers, subrayando aún más la importancia de esta colección en el arte contemporáneo. La película Beautiful Losers (2008) Acerca de la exposición de arte Beautiful Losers es un documental de 2008 que profundiza en la vida y el arte de un colectivo de artistas que han desempeñado un papel fundamental en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti desde la década de 1990. Dirigida por Aaron Rose y codirigida por Joshua Leonard, esta película fue producida por Sidetrack Films y BlackLake Productions, y cuenta con la participación de artistas como Harmony Korine y Steve "ESPO" Powers. El documental explora la filosofía del "hazlo tú mismo" de estos artistas, cuyo trabajo está impregnado de la estética del skateboarding, el grafiti y géneros musicales underground como el punk rock y el hip-hop. Ilumina la trayectoria de estos artistas desde la cultura callejera más recóndita hasta convertirse en figuras consagradas dentro del mundo del arte convencional, detallando sus sentimientos y convicciones personales durante su transición de crear para sí mismos a trabajar en proyectos comerciales de gran repercusión. Beautiful Losers es más que una película; Forma parte de un fenómeno cultural más amplio que incluye un libro de arte homónimo, editado por Christian Strike y Aaron Rose, y una exposición itinerante que presenta a los artistas y sus obras. Esta exposición sirve tanto de telón de fondo como de eje central del documental, subrayando la amplia influencia de estos artistas y su continua relevancia en el discurso del arte contemporáneo. Serigrafías, fotografías, dibujos y objetos de arte de edición limitada firmados por el artista 2004-2010 Libro de arte contemporáneo y cultura callejera Beautiful Losers 2004 Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Callejera, una antología fundamental publicada en 2004 por DAP/Iconoclast, es una exploración esencial de una vibrante subcultura que transformó la estética de finales del siglo XX y principios del XXI. Esta primera edición es una joya para coleccionistas, encuadernada en tapa dura en buen estado con sobrecubierta. Las tapas de tela roja están grabadas con letras doradas en la portada y el lomo, anunciando el tesoro que encierra una profusión de ilustraciones y obras originales. No se trata de una simple recopilación; es una profunda narrativa que detalla el surgimiento orgánico y espontáneo de un movimiento cultural. Traza la trayectoria de artistas estadounidenses, muchos de ellos recién entrados en la edad adulta, impulsados ​​no por las exigencias del mercado, sino por pura pasión y creatividad. Sin formación académica ni conocimientos especializados, se inspiraron en las calles, influenciados por la vitalidad cruda del skateboarding, el grafiti, la moda urbana y la música independiente. Nombres como Shepard Fairey, Mark Gonzales y Spike Jonze figuran entre los muchos que canalizaron sus experiencias vitales en su arte, aprendiendo a través de la práctica y revolucionando sus medios. «Beautiful Losers» funciona como homenaje y crónica histórica, trazando los hilos culturales desde Jean-Michel Basquiat y Keith Haring hasta exponentes más recientes como Ryan McGinniss y KAWS. Presenta diversas expresiones artísticas en distintos medios, junto con reproducciones de objetos efímeros que encapsulan el espíritu de la época. El libro se enriquece aún más con ensayos de escritores que han apoyado fervientemente a estos artistas desde sus inicios. No es solo un libro de arte; es un archivo de un movimiento que dejó una huella imborrable en el mundo del arte, la moda, la música, la literatura, el cine e incluso el deporte. El espíritu independiente que encarnaron estos creadores puede haber evolucionado, pero su esencia fundamental —un espíritu de rebeldía, innovación y autenticidad— permanece intacta. Beautiful Losers es una celebración de ese espíritu perdurable, una invitación a presenciar la belleza en lo crudo, lo no refinado y lo real. Kaws - Brian Donnelly: Un cordial saludo. Impresión tipográfica, 2005. Firmada y numerada. Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Saludos cordiales», creada en 2005 por KAWS, es una cautivadora obra de arte realizada con tipografía sobre papel, de 20 x 16 pulgadas. Esta obra forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno meticulosamente firmado y numerado por el artista. Fue publicada por Iconoclast Editions para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, marcando un hito en la intersección del arte contemporáneo y la cultura urbana. Esta obra presenta un personaje característico de la obra de KAWS, con sus distintivos ojos tachados y sus manos y pies exagerados de estilo caricaturesco. Esta impresión pertenece a una serie de edición limitada, con solo 200 ejemplares disponibles, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista. Fue publicado por Iconoclast Editions, probablemente para celebrar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture». La exposición, que tuvo lugar entre 2004 y 2009, fue un evento clave que puso de manifiesto la convergencia entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. La obra de KAWS suele tender puentes entre estos dos mundos, combinando una sólida formación en diseño gráfico comercial con una estética sofisticada, digna de galería. Sus personajes, generalmente inspirados en la cultura pop, se representan con un estilo lúdico y crítico, reflejando a menudo el consumismo y las emociones humanas. Shepard Fairey - OBEY: Soup Can I Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada (2005). Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Soup Can 1» de Shepard Fairey es una pieza icónica de 2005, magistralmente reproducida como serigrafía sobre papel de archivo libre de ácido. La obra mide 20 x 16 pulgadas y pertenece a una serie de edición limitada de tan solo 200 ejemplares, cada uno con la firma del artista y su número de edición. Iconoclast Editions lanzó esta impresión para conmemorar la trascendental exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» (2004-2009) y celebrar la relación sinérgica entre las escenas artísticas underground y la cultura mainstream. La impresión «Soup Can 1» ha formado parte de diversas exposiciones prestigiosas, incluyendo la emblemática exposición itinerante «Beautiful Losers», «Transfer» en el Santander Cultural de Porto Alegre, Brasil, y la completa muestra «Supply & Demand». También se exhibió en la muestra "Transfer", ubicada en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo, Brasil, en 2010. La obra de Fairey durante este período está documentada en diversas publicaciones, entre las que destacan la colección "Beautiful Losers" (2005-2009), el libro "Supply & Demand" (Rizzoli, 2009) y la edición de 2010 de "Transfer". Cada una de estas obras ofrece una visión profunda del proceso creativo del artista y del impacto cultural de su trabajo. La procedencia de "Soup Can 1" está firmemente arraigada en el Archivo Beautiful Losers, lo que garantiza su lugar en la historia de la cultura urbana contemporánea y reafirma su estatus como pieza de colección de la historia del arte. Shepard Fairey - OBEY: Sin título. Serigrafía de Angela Davis, 2005. Firmada y numerada. Esta impactante serigrafía del influyente artista Shepard Fairey constituye una valiosa adición a su ilustre obra. Con un tamaño de 8x10 pulgadas, esta pieza sin título forma parte de una edición exclusiva de tan solo 100 copias, cada una impresa, numerada y firmada por el propio Fairey, lo que garantiza su rareza y valor para coleccionistas. Fairey, reconocido por su habilidad para infundir al arte una crítica social, presenta un retrato cautivador sobre un audaz fondo rojo que capta la atención. La silueta de alto contraste plasma la fuerza e intensidad del sujeto, inmortalizando un momento de expresión apasionada. La imagen es un eco visual del pasado, pero a la vez aborda temas contemporáneos de empoderamiento y resistencia. En la esquina inferior izquierda, el emblema característico de Fairey —la estrella rodeada por la palabra «OBEY»— ancla la obra, integrándola en su extensa producción artística, conocida por desafiar al espectador a cuestionar la autoridad y el panorama de la cultura visual. Esta obra es testimonio de la continua relevancia de Fairey en el mundo del arte y de su firme compromiso con la expresión artística. Coleccionistas y admiradores de su obra reconocerán el estilo icónico del artista, convertido en sinónimo del movimiento del arte urbano moderno. Henry Chalfant: Lee, Futura, Dondi. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. Esta cautivadora obra de arte, creada por el prestigioso Henry Chalfant, celebra el movimiento del arte urbano, inmortalizando el trabajo de tres leyendas del grafiti: Lee, Futura y Dondi. Titulada "Lee Futura Dondi", esta pieza de 2004 es una serigrafía impresa en papel de archivo libre de ácido, lo que garantiza su conservación y calidad durante años. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, la obra tiene el tamaño suficiente para crear un impacto visual contundente, a la vez que se adapta a diversos entornos de exhibición. El formato tríptico presenta tres vibrantes vagones de metro estilizados, cada uno adornado con el distintivo estilo de los artistas de grafiti mencionados. El panel superior rebosa de enérgicos rosas y azules, mostrando el icónico estilo de letras de Lee, mientras que el panel central presenta el enfoque futurista de Futura, con formas abstractas y una paleta de tonos fríos. El panel final es un tributo al estilo wildstyle clásico de Dondi, con letras llamativas en tonos rosas que destacan sobre el fondo. La obra de Chalfant no es una mera representación estática; Esta obra transmite el dinamismo y el ritmo del arte urbano del metro, tal como antaño recorría las arterias de Nueva York. Cada pieza de esta edición limitada está firmada y numerada por Chalfant, lo que certifica su autenticidad y su vínculo con el artista. Esta serie se publicó coincidiendo con la innovadora exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que puso de manifiesto las intersecciones e influencias del arte urbano en el arte contemporáneo. Esta lámina es una pieza de coleccionista, no solo por su valor estético e histórico, sino también por su representación de la evolución del arte urbano desde el metro y los muros de la ciudad hasta las altas esferas del arte. Geoff McFetridge: Dibujo original de Kemistry con animación en DVD 2004 Esta pieza, creada por Geoff McFetridge, es uno de los 100 dibujos originales que componen una intrincada secuencia de animación. Realizados con precisión a lápiz sobre papel Canson, cada dibujo mide 22,86 x 30,45 centímetros y captura la estética minimalista y las líneas fluidas características del trabajo de McFetridge. Esta obra muestra una escena lúdica de una figura practicando skateboarding, representada con una línea continua y fluida que transmite movimiento y una sutil sensación de fantasía. Un segundo personaje asoma con curiosidad desde el borde, añadiendo un elemento narrativo a la composición. Junto con la obra original, los coleccionistas reciben un DVD con la secuencia de animación completa, que ofrece una visión única del proceso creativo de McFetridge y la evolución de la animación desde imágenes fijas hasta una experiencia visual dinámica. El artista firma cada dibujo, aportando un toque personal que garantiza su autenticidad. Esta oferta no es simplemente la adquisición de una única pieza de arte; Se trata de una invitación a adentrarse en el mundo visionario de McFetridge, donde el diseño gráfico se fusiona con la narrativa cinematográfica. Esta singular combinación de dibujo tradicional y animación digital ofrece una visión multifacética del enfoque innovador del artista hacia el arte contemporáneo. Ed Templeton: Fotografía de Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers, 2004, firmada. Capturada por la perspicaz lente de Ed Templeton, esta fotografía constituye una pieza significativa de la historia del arte contemporáneo, documentando la vibrante esencia del movimiento artístico "Beautiful Losers". La imagen presenta a Chris Johanson, artista sinónimo del espíritu "hazlo tú mismo" del arte urbano, en la primera exposición de "Beautiful Losers" en Cincinnati, Ohio, en 2004. Se trata de una evocadora impresión en gelatina de plata de Ed Templeton, que retrata a Chris Johanson en la exposición inaugural de "Beautiful Losers". La fotografía, de 20 x 25 cm, forma parte de una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno firmado individualmente por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y autenticidad. Capturada en 2004, esta imagen es una pieza atemporal de la historia del arte, que documenta un momento crucial en la convergencia de la cultura urbana y el arte contemporáneo. Esta fotografía es un registro visual y la encarnación del espíritu de la exposición, que celebra la convergencia underground del skateboarding, el grafiti y el arte urbano con el arte contemporáneo. La composición de la fotografía es espontánea y sin filtros, mostrando a Johanson con el rostro oculto por una tela blanca, una presencia enigmática que despierta curiosidad. Esta elección de presentación alude a los temas de anonimato y misterio que suelen impregnar la cultura del arte urbano. El rostro oculto de Johanson, adornado con gafas de sol sobre la tela y su barba indómita asomando por debajo, crea un contraste impactante, visualmente cautivador y que invita a la reflexión. Firmada por Ed Templeton, esta fotografía constituye una conexión tangible con el momento que captura, introduciendo al espectador en un evento crucial en la historia del arte urbano y pop. La firma de Templeton añade un toque de autenticidad y consagra esta obra como una genuina intersección entre su trayectoria fotográfica y la narrativa artística de Johanson. «Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers» es una fotografía que trasciende su medio, ofreciendo una visión de la comunidad y la camaradería de los artistas que definieron a una generación. Esta pieza ocupará un lugar de veneración para los coleccionistas y entusiastas del movimiento, encapsulando la energía cruda y espontánea que representó "Beautiful Losers". Cynthia Connolly: Página sin título de una máquina de hielo, Arizona. Fotografía de 1999. Firmada y fechada. Esta fotografía de Cynthia Connolly, sin título pero que captura con gran emotividad la esencia de Page, Arizona, es una magistral impresión en gelatina de plata que encarna el espíritu de la exposición "Beautiful Losers". La impresión, de 10 x 15 cm, pertenece a una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno impreso meticulosamente y firmado por la artista, lo que subraya su carácter de pieza de colección. La imagen se centra en una máquina de hielo, un símbolo cotidiano pero icónico de la cultura estadounidense. Fechada el 17/5/95, la fotografía no es solo una representación de un lugar, sino una instantánea de una época. La anotación manuscrita "Page, Arizona" añade un toque personal, evocando un sentido de pertenencia al lugar y situando la obra en su contexto geográfico. La mirada fotográfica de Connolly transforma lo ordinario en extraordinario, invitando a los espectadores a encontrar belleza y narrativa en lo común. El marcado contraste de la imagen en blanco y negro resalta el juego de luces y sombras, otorgando a la máquina de hielo una cualidad escultórica. Esta obra es una sutil exploración de la forma y la textura, donde incluso lo utilitario se convierte en un tema digno de contemplación artística. Esta lámina es esencial para coleccionistas que valoran la intersección entre la fotografía documental y las bellas artes. Es un testimonio del compromiso de Connolly por capturar los rincones olvidados de los paisajes estadounidenses, convirtiéndola en una adición excepcional a cualquier colección que celebre la belleza matizada de lo cotidiano dentro del vasto tapiz de la cultura estadounidense. Barry McGee: Ryze sin título, 2007. Impresión C y fotografía con etiquetas manuales. La obra "Untitled Ryze" de Barry McGee es un pilar del arte contemporáneo, que simboliza la vibrante intersección entre la cultura urbana y las bellas artes. Esta impactante impresión C de 2007, de 40,6 x 50,8 cm, es una pieza de colección muy codiciada, limitada a una edición de 200 ejemplares. Cada pieza de la serie tiene la distinción única de estar firmada y numerada a mano por McGee, un artista que rara vez firma sus obras. La obra se presentó en conjunto con la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se exhibió entre 2004 y 2009 en numerosos museos y galerías de todo el mundo. La imagen captura la esencia de Ryze, figura legendaria del arte callejero bostoniano, y demuestra la habilidad de McGee para plasmar la energía cruda del grafiti en un contexto de galería refinado. La obra de McGee trasciende la fotografía, ya que "Sin título, Ryze" es fundamental en sus instalaciones de mayor tamaño y en sus ensamblajes. La imagen es un testimonio visual del legado del artista y un referente del espíritu cultural que encapsuló The Beautiful Losers. Adquirida directamente de Iconoclast Editions y el Archivo Beautiful Losers, esta pieza representa una oportunidad única para aficionados y coleccionistas de poseer un fragmento de la historia del arte callejero visto a través de la mirada de uno de sus artistas más enigmáticos y célebres: Barry McGee. Barry McGee: Sin título. Hola, mi nombre es. Pegatina original Slap-Up 2005. Etiqueta firmada. Barry McGee, figura influyente del arte pop urbano y el grafiti, ha dejado una huella significativa con su estilo y enfoque únicos. Su obra "Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag" es un ejemplo paradigmático de su trabajo, que fusiona la energía y la crudeza del arte urbano con la estética refinada del arte pop. Esta pieza, creada en 2005, es testimonio de la habilidad de McGee para transformar objetos y temas cotidianos en cautivadoras expresiones artísticas. La trayectoria artística de McGee comenzó en las calles, donde perfeccionó su técnica creando grafiti bajo el seudónimo de "Twist". Este periodo formativo fue crucial para moldear su estilo distintivo, caracterizado por una mezcla de la espontaneidad del grafiti y la audacia y el atractivo del arte pop. Su transición de los muros callejeros a las galerías no mermó la autenticidad de su obra. Al contrario, le brindó un nuevo lienzo para sus expresiones, permitiéndole llegar a un público más amplio sin perder de vista sus raíces en la cultura urbana. Terry Richardson: Autorretrato del diablo sin título, serigrafía, 2004, firmada y numerada. Esta impactante obra visual, un autorretrato sin título de 2004, es una serigrafía sobre papel de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas) perteneciente a una edición limitada de 200 ejemplares. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por el artista, lo que le confiere un toque personal a esta exclusiva obra. La serigrafía muestra al artista sobre un vibrante fondo amarillo, posando con una actitud lúdica y a la vez rebelde. Luciendo cuernos de diablo y empuñando un tridente, el sujeto hace el símbolo de la paz con un gesto juguetón, yuxtaponiendo símbolos tradicionalmente negativos con una actitud desenfadada. El vívido tono amarillo monocromático de la serigrafía realza el impacto de la obra. Esta pieza se presentó en la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" (2004-2009), que explora la intersección entre la cultura pop y el arte urbano, ofreciendo una visión subversiva de la iconografía contemporánea. La procedencia de la obra es notable, ya que proviene de Iconoclast Editions y del archivo Beautiful Losers, lo que garantiza su autenticidad y su conexión con un movimiento significativo del arte moderno. Este autorretrato es más que una simple imagen; es una pieza que captura la esencia del espíritu cultural de una época, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte. Evan Hecox: Grabado en madera de Kyoto Street, 2004. Firmado y numerado. «Calle de Kioto», una cautivadora serigrafía de Evan Hecox, presenta un instante congelado en el encanto atemporal de la antigua capital de Japón. Creada en 2004, esta obra de arte está impresa meticulosamente en papel de archivo libre de ácido y mide 50,8 x 40,6 cm. Pertenece a una edición exclusiva limitada a 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado a mano por el propio Hecox, lo que garantiza su valor como pieza de colección. Esta obra se presentó como parte de la influyente exposición «Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, y se exhibió en diversas ubicaciones. La estampa «Calle de Kioto» se ha exhibido en destacadas exposiciones, como «Transfer» en el Santander Cultural de Porto Alegre, Brasil, en 2008, y en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo, en 2010. En esta obra, Hecox destila la esencia del paisaje urbano de Kioto en marcados contrastes y líneas nítidas, capturando la dinámica interacción de luces y sombras. Faroles adornados con caracteres kanji salpican la escena, proyectando un cálido resplandor sobre el callejón. A su vez, la intrincada red de cables eléctricos añade una capa de complejidad, sugiriendo la vibrante energía de la ciudad. La paleta de colores sobria y el audaz estilo gráfico de la obra evocan una sensación de nostalgia, invitando a los espectadores a contemplar la atmósfera serena y bulliciosa de las calles de Kioto. Conservada en el Archivo Beautiful Losers, «Calle de Kioto» no es solo una estampa, sino una pieza narrativa que se documenta junto a otras obras maestras contemporáneas en los catálogos «Beautiful Losers» y «Transfer». Es una prueba de la habilidad de Hecox para capturar el alma del entorno urbano, convirtiéndolo en una posesión preciada para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con predilección por la estética urbana y la profundidad cultural. Ryan McGinness: Patéticos amuletos de la suerte del hipster tonto. Serigrafía 2004. Firmada y numerada. Ryan McGinness, «Amuletos de la suerte patéticos del hipster tonto». Esta exquisita obra de 2004 es una magistral representación de la iconografía contemporánea, meticulosamente elaborada mediante serigrafía sobre papel. Cada lámina mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 ejemplares, lo que garantiza su singularidad y valor como pieza de colección. Cada lámina está firmada y numerada a mano por el artista, testimonio de su autenticidad y del toque personal de McGinness. La obra se presentó en conjunto con la reconocida exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que destacó la energía vibrante del arte urbano en el contexto del arte contemporáneo. La pieza es una sinfonía de símbolos, un léxico visual que refleja el espíritu irónico y a menudo autocrítico de la subcultura hipster. El uso que hace McGinness de imágenes icónicas, entrelazadas con ingenio y crítica, encapsula un momento en el que arte, cultura y comentario social se encuentran con una gracia natural. Esta obra no es solo una pieza de arte, sino un fragmento de historia cultural, un reflejo del espíritu de la época del paisaje urbano de principios de la década de 2000.” Harmony Korine: Sin título Osama y ET Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta obra es una fascinante serigrafía de Harmony Korine titulada "Sin título (Osama y ET)" de 2005. Se trata de una edición limitada de tan solo 200 copias, cada una firmada y numerada a mano por Korine, lo que la convierte en una pieza de coleccionista. Esta impresión, de 50,8 x 40,6 cm, muestra la visión única de Korine al yuxtaponer dos referencias culturales muy diferentes en una misma imagen. La imagen representa a Osama bin Laden abrazando al icónico extraterrestre ET, de la aclamada película de Steven Spielberg. La fusión de estas imágenes constituye una declaración audaz e invita a múltiples interpretaciones de la convergencia de símbolos culturales dispares. La figura y ET están dibujados con una delicada linealidad que contrasta con la gravedad del tema, creando una impactante paradoja visual. Esta serigrafía se presentó con motivo de la exposición "Beautiful Losers", que celebró la intersección del skateboarding, el grafiti y la moda urbana con el arte contemporáneo. La procedencia de la estampa es impecable, proveniente de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, lo que realza su importancia histórica y artística. La yuxtaposición de figuras tan dispares en esta estampa invita al espectador a reconciliar las emociones y narrativas contrastantes que representa cada personaje. Esta obra es más que una simple declaración visual; es un diálogo sobre la cultura pop, figuras políticas, personajes de ficción y su lugar en la esfera artística. Coleccionistas y aficionados al arte pop urbano apreciarán la profundidad y el carácter provocador de esta estampa, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte contemporáneo. Larry Clark: Obra fotográfica sin título de Shorty, 1996/2007. Firmada y numerada. Esta impactante fotografía, titulada "Sin título (Shorty)", es una obra profunda del aclamado artista Larry Clark. Fue realizada en 1996 y publicada posteriormente en 2007. Está impresa en papel acuarela Anjelica con unas dimensiones de 20 x 13,75 pulgadas. Cada ejemplar de esta edición de 200 está firmado y numerado individualmente por el propio Clark, con una firma y fecha adicionales al dorso, lo que garantiza su autenticidad y rareza. Presentada con motivo de la renombrada exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana" (2004-2009), esta fotografía proviene de Iconoclast Editions y forma parte integral del Archivo Beautiful Losers. Larry Clark, figura influyente en la fotografía y el cine durante más de cinco décadas, ha dejado una huella imborrable en el mundo creativo a través de obras como "Teenage Lust" y "Tulsa", y películas como "KIDS" y "Marfa Girl". La fotografía captura la esencia de Lyle Dean "Shorty" Easky, cuya historia se entrelaza con la del artista y la narrativa más amplia de la cultura juvenil estadounidense. Shorty, de ascendencia nativa americana, falleció trágicamente en 2013. Su vida y su muerte prematura siguen siendo una historia conmovedora, con raíces que se remontan al mismo barrio de Tulsa que inspiró gran parte de la obra temprana de Clark, el mismo lugar que Francis Ford Coppola eligió para "The Outsiders". Raymond Pettibon: Sin título Sol Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta impactante obra, sin título, es una pieza de 2005 del aclamado artista Raymond Pettibon, conocido por sus influyentes contribuciones al arte y la cultura. Se trata de una serigrafía sobre papel, un medio que permite una presentación vibrante y nítida del dinámico diseño de Pettibon. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas), es adaptable a diversos espacios y posee la suficiente presencia como para generar un gran impacto visual. La creación de Pettibon forma parte de una edición exclusiva de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista, lo que proporciona una conexión directa con su proceso creativo. La obra presenta una explosión de líneas que emanan de un punto central, sugiriendo una energía explosiva o un fenómeno cósmico. El uso del negro, junto con toques de azul y amarillo, dota a la pieza de una sensación de profundidad e intensidad, mientras que el texto manuscrito en la parte superior —«¡APLICARLO AL ESTUDIO DE ESPEJOS, ARCOÍRIS O EL SOL!»— invita a la contemplación y aporta una dimensión poética a la experiencia visual. Esta edición se publicó para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró la intersección entre el arte underground y la creatividad urbana. La obra de Pettibon es un testimonio del espíritu de este movimiento, encapsulando la crudeza y la estética audaz que definen el género. Es una pieza de coleccionista no solo por su atractivo estético, sino también por su relevancia cultural dentro del arte contemporáneo. Evan Hecox: Grabado en madera de Chinatown, Nueva York, 2004. Firmado y numerado. «Chinatown NYC» de Evan Hecox, una xilografía de 2004 sobre delicado papel de arroz japonés, plasma con meticulosidad la vibrante energía urbana. Cada lámina de esta serie limitada mide 25,4 x 20,3 cm y forma parte de una edición numerada de 100 ejemplares, lo que subraya su exclusividad. Cada pieza está impresa y firmada personalmente por Hecox, lo que transmite la implicación directa del artista en la experiencia del coleccionista. Esta obra captura la esencia del bullicioso barrio chino de Nueva York con una aguda atención al detalle y un estilo distintivo. El uso de líneas en la xilografía por parte de Hecox traduce la naturaleza dinámica de la ciudad en una imagen estática que palpita con vida. El artista transmite con maestría la complejidad arquitectónica del paisaje urbano, complementada por el elemento humano que insufla vida a la ciudad. La sutil superposición de capas de la lámina, con su intrincado trabajo de líneas y delicadas variaciones tonales, refleja las diversas experiencias de la vida urbana. Reconocido por su habilidad para plasmar la esencia de un lugar en su obra, Hecox presenta «Chinatown NYC» como algo más que una simple representación visual; es una narrativa tejida con tinta y papel, una historia contada al ritmo del paisaje urbano. Esta pieza refleja la destreza artística de Hecox y rinde homenaje al rico mosaico cultural que define Chinatown y a la historia en constante evolución de la propia ciudad de Nueva York. Rostarr- Romon K Yang: Sin título Japón HPM Serigrafía con aerosol 2005 Firmado/Numerado Experimenta la fusión de tradición y rebeldía con «Untitled Japan HPM» de Rostarr, una provocativa obra de Romon K Yang de 2005. Esta impactante pieza, realizada sobre papel con dimensiones de 27,94 x 33,02 cm, es una armoniosa combinación de pintura en aerosol y serigrafía, culminando en una edición limitada de tan solo 100 copias, cada una firmada y numerada individualmente por el artista. La obra es un testimonio del distintivo lenguaje visual de Rostarr, donde los trazos caligráficos se encuentran con la espontaneidad del arte urbano. Audaces formas rojas anclan la composición; sus contornos fluidos y círculos sólidos contrastan marcadamente con las salpicaduras crudas e improvisadas de pintura en aerosol negra. Esta interacción de color y forma crea una tensión dinámica, una sinfonía visual que captura el espíritu del arte contemporáneo. Cada pieza de «Untitled Japan HPM» es una celebración de la expresión única, pintada e impresa a mano, que se erige como una audaz firma del estilo icónico de Rostarr. La escasez de esta obra la convierte en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados deseosos de poseer un fragmento de la historia del arte que tiende un puente entre lo antiguo y lo nuevo, lo planificado y lo espontáneo. «Sin título Japón HPM» no es solo una obra de arte; es un diálogo cultural que resuena con el ritmo de la vida urbana moderna. Rostarr - Romon K Yang: Mariposa en el huracán, 2004. Serigrafía firmada y numerada. Embárcate en un viaje visual con «Mariposa en el huracán», una cautivadora serigrafía sobre papel del aclamado artista Rostarr, creada en el transformador año 2004. Esta pieza ejemplifica la interacción dinámica entre forma y fluidez, con unas dimensiones íntimas de 20 x 16 pulgadas, y forma parte de una edición exclusiva de 200 ejemplares, cada uno con la firma y el número únicos asignados por el propio artista. Creada durante la exploración artística y la ruptura de límites, «Mariposa en el huracán» se presentó junto con la innovadora exposición «Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura urbana», que celebró la confluencia de los movimientos artísticos underground y la corriente principal. La obra presenta una tormenta de formas y curvas abstractas, predominantemente en tonos azules y amarillos, que evocan la gracia caótica de una mariposa atrapada en una tormenta. Los colores vibrantes giran y danzan sobre el papel, invitando a los espectadores a contemplar la relación entre armonía y caos. Esta pieza no es simplemente una obra de arte; Es una declaración, un fragmento de historia cultural y un testimonio de la maestría del artista al fusionar la energía cruda de la cultura callejera con la sofisticación del arte contemporáneo. «Mariposa en el huracán» es una pieza imprescindible tanto para entendidos como para coleccionistas, y promete ser un tema de conversación y una joya de cualquier colección. Craig R Stecyk III: Sin título, 2004. Fotografía serigrafiada HPM única, firmada y numerada. Una pieza singular de Craig R. Stecyk III, esta obra sin título de 2004 es un brillante ejemplo de la fusión entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. Elaborada con meticulosa atención al detalle, la obra presenta un fondo personalizado pintado a mano con aerógrafo, una serigrafía a doble cara aplicada con maestría y detalles a lápiz sobre un robusto papel blanco extra grueso, libre de ácido y de calidad de archivo, de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas). Limitada a una edición de 200 ejemplares, cada pieza está numerada individualmente y lleva la firma del artista, lo que subraya su exclusividad. Esta obra se presentó con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se extendió de 2004 a 2009 y goza de gran prestigio dentro del Archivo Beautiful Losers. La procedencia de esta pieza se remonta a Iconoclast Editions, testimonio de su autenticidad e importancia cultural. Stecyk, figura clave del proyecto Beautiful Losers, creó una instalación que cautivó al público y obtuvo un reconocimiento sin precedentes. Su obra rinde homenaje a las vibrantes subculturas californianas, inspirándose en la cultura de los autos personalizados, el surf y el skateboarding, todo ello plasmado en su extensa documentación fotográfica. Como miembro fundador de Dogtown y Z-Boys, las obras de Stecyk son más que arte; son representaciones llenas de historia de un movimiento cultural decadente, plasmadas en papel con una paleta que resuena con la energía y el espíritu de las calles. Esta pieza es una expresión artística y un artefacto cultural que captura la esencia de las subculturas californianas, inmortalizada a través de la mirada visionaria de Stecyk. Craig R Stecyk III: Prueba sin título. Impresión serigráfica en gelatina de plata. Firmada y numerada. La obra sin título de Craig R. Stecyk III es una declaración de originalidad y desafío artístico. Forma parte de una exclusiva colección de 100 obras, cada una una impresión en gelatina de plata y serigrafía sobre papel, de 10,16 x 15,24 centímetros. La obra presenta con audacia la palabra «PROOF» en prominentes letras rojas, afirmando su autenticidad como impresión fotográfica original. El texto inferior funciona como declaración y restricción, enfatizando el propósito de la impresión como documento contractual y prohibiendo expresamente su reproducción, reventa y exhibición pública. La firma del artista subraya este límite de exclusividad, garabateada con energía sobre la impresión, lo que autentica cada pieza y la identifica como una entidad única dentro de la edición limitada. La firma se convierte en parte integral de la obra, fusionándose con el mensaje textual y el fondo austero, asegurando que cada impresión sea un testimonio de la singular filosofía artística de Stecyk y su legado en la comunidad artística. Tobin Yelland: Sin título. Serigrafía de Andy Roy, 2004. Firmada y numerada. La obra "Sin título (Andy Roy)" de Tobin Yelland es una impactante serigrafía que captura la esencia de la individualidad y la rebeldía, señas de identidad de la cultura urbana. Creada en 2004, esta pieza presenta la imagen de Andy Roy, figura emblemática del mundo del skateboarding, conocido por su estilo crudo y su personalidad sin complejos. Impresa en papel de alta calidad, cada ejemplar de esta edición limitada mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una serie de 200 copias. Cada una está meticulosamente firmada y numerada por Yelland, lo que garantiza su autenticidad y la sitúa dentro de una colección de objetos muy codiciados. La obra fue creada para la influyente exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición fue fundamental para celebrar y reconocer la cultura urbana dentro del panorama artístico contemporáneo, llevando la estética del skateboarding, el grafiti y otras expresiones artísticas al espacio de la galería. Originaria de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, «Sin título (Andy Roy)» es más que un retrato; es una narrativa de la subcultura, un emblema del espíritu rebelde del arte urbano y una instantánea de un movimiento que ha dejado una huella imborrable en el lienzo del arte contemporáneo. Coleccionistas y admiradores del género encontrarán en esta serigrafía una pieza que sigue resonando con la autenticidad y la vitalidad de la cultura callejera. Tobin Yelland: Fotografía firmada y numerada de Skate Smash Window PhotMills La fotografía en blanco y negro "Skate Smash Window Photo" de Tobin Yelland es una imagen cruda y dinámica que captura un momento espontáneo de rebeldía juvenil. Tomada en 2004, esta imagen personifica el espíritu de la cultura callejera y del skate de la época. La foto muestra la espontaneidad e impulsividad inherentes a la subcultura del skateboarding, personificadas en el acto de una patineta que atraviesa la ventana de un auto. La fotografía formó parte de la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición celebró la fusión de la sensibilidad callejera con el mundo del arte, llevando la autenticidad de las experiencias subculturales al contexto de las bellas artes. Procedente del archivo Beautiful Losers, con la garantía de Iconoclast Editions, esta pieza no es solo una fotografía, sino una narrativa, un fragmento de vida de una cultura que a menudo queda sin documentar. La habilidad de Yelland para capturar un momento tan crudo y sin filtros crea una conexión visceral con el espectador, ofreciendo una ventana a los aspectos más desenfrenados de la cultura juvenil. La fotografía "Skate Smash Window Photo" es un testimonio de la época que representa, sirviendo como documento histórico de la rebeldía y la energía disruptiva que caracterizan al skateboarding. Es una pieza valiosa para coleccionistas y entusiastas de la fotografía y la cultura urbana, que ofrece una mirada sin complejos a los momentos que definieron un movimiento. Mike Mills: La policía está dentro de nosotros. Serigrafía 2004. Firmada y numerada. La evocadora obra de Mike Mills, "The Cops Are Inside Us", constituye una profunda declaración en el arte contemporáneo, empleando la técnica cruda de la serigrafía impresa a mano combinada con lápiz sobre papel blanco suave, libre de ácido y de calidad de archivo. Esta obra de 2004 mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 copias firmadas y numeradas. Cada impresión de esta serie es testimonio de la aguda percepción de Mills sobre la interacción entre texto e imagen, creando una narrativa que alude a la lucha interna y la introspección social. El intenso tono rojo que domina la impresión, difuminándose en una representación cruda y realista en la parte inferior, crea un llamativo contraste visual, sugiriendo una dualidad inherente a la condición humana. Esta obra se presentó junto con la trascendental exposición "Beautiful Losers", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. La exposición destacó la importancia cultural del arte urbano y su impacto en las prácticas artísticas contemporáneas. «La policía está dentro de nosotros» refleja el sentir de su época y sigue resonando con los comentarios sociales actuales, convirtiéndose en una pieza atemporal para coleccionistas y amantes del arte con significado. Procedente de la prestigiosa colección Beautiful Losers, esta obra de Mike Mills no es solo una obra de arte; es un comentario cultural, preservado mediante serigrafía, que ofrece una perspectiva del complejo diálogo entre la sociedad y el individuo. Cheryl Dunn: Serigrafía firmada y numerada, y fotografía firmada (2004). «Drafted.» de Cheryl Dunn es una provocativa serigrafía que captura con crudeza un momento de interacción humana sobre un vibrante fondo amarillo. Esta creación de 2004 mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por la artista, lo que subraya su exclusividad. La obra presenta una escena de alto contraste con figuras silueteadas: una sentada en el suelo y las demás aparentemente en movimiento. Las siluetas de Dunn crean una narrativa universal, permitiendo a los espectadores proyectar sus propias historias y significados en la pieza. El título «drafted.» sugiere temas de compulsión y resistencia, resonando con los espectadores a un nivel profundamente personal. Presentada durante la influyente exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que se extendió de 2004 a 2009, esta obra contribuye al diálogo entre la cultura urbana y las bellas artes. La exposición fue un escaparate fundamental para artistas influenciados por expresiones subculturales como el skateboarding, el grafiti y el punk. Procedente del prestigioso archivo Beautiful Losers y producida por Iconoclast Editions, «drafted.» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de un movimiento. Es una poderosa expresión de la perspectiva de Dunn y un comentario visual sobre las fuerzas que dan forma a nuestra sociedad. Los coleccionistas de arte contemporáneo y los amantes de la cultura urbana encontrarán en esta obra una fascinante combinación de audacia estética y relevancia social. Cheryl Dunn: Impresión giclée del pasillo del Tenderloin de San Francisco, C-4, 2004, firmada y numerada. Presentamos una cautivadora impresión giclée de Cheryl Dunn que transporta al espectador al vibrante corazón del barrio Tenderloin de San Francisco. La obra, titulada "C-4 Pasillo del Tenderloin de San Francisco", es un testimonio de la aguda percepción de Dunn por lo crudo y lo real, capturando un momento evocador en un pasillo que susurra historias del tejido urbano de la ciudad. La impresión, de tamaño ideal para exhibición (38 x 25 cm), está meticulosamente numerada y firmada personalmente por Cheryl Dunn, lo que certifica su autenticidad y conexión con la visión original de la artista. Esta edición limitada consta de tan solo 100 copias, convirtiéndola en una pieza única y coleccionable para amantes del arte y admiradores de la exploración urbana. El sujeto se yergue en el estrecho pasillo, personificando una sensación de quietud en medio del potencial caos de la ciudad. Viste una llamativa chaqueta roja y verde, adornada con unas simpáticas orejas de oso que le confieren un aire de inocencia a la escena, por lo demás, cruda. Esta persona sostiene una lata de pintura en aerosol, sugiriendo una historia de arte callejero y expresión. Al mismo tiempo, los bolsillos de su chaqueta están intrigantemente repletos de latas adicionales, insinuando quizás el comentario de la artista sobre la juventud, la rebeldía o la creatividad en los espacios urbanos. La impresión de Cheryl Dunn no solo ofrece una narrativa visual, sino que también evoca una reflexión sobre el pulso cultural de la vida urbana, las múltiples historias que se esconden entre sus muros y los vibrantes personajes que transitan por sus calles. Esta obra es más que una fotografía; es un fragmento del alma de San Francisco, bellamente preservado en una impresión giclée de alta calidad. Cynthia Connolly: Sin título, serigrafía de máquina de hielo, 2004, firmada y numerada. La obra "Sin título" de Cynthia Connolly, perteneciente a su serie "Máquinas de hielo", es una cautivadora serigrafía sobre papel de impresionantes dimensiones (40,6 x 50,8 cm). Esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno con la firma de la artista y un número único que certifica su autenticidad y exclusividad. Creada con una sensibilidad especial hacia la estética estadounidense, esta obra constituye una poética documentación de las otrora omnipresentes máquinas de hielo que salpicaban el paisaje americano, ahora un emblema en extinción de una era pasada. La obra de Connolly es reconocida por su capacidad para capturar estos fugaces instantes de la vida estadounidense, preservando la nostalgia y el significado cultural que encierran estos objetos cotidianos. La serigrafía «Sin título» se publicó para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Callejera», que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición marcó un hito al llevar la crudeza de la cultura callejera a los espacios refinados de las galerías de arte, destacando la obra de artistas que se inspiran en la estética urbana, el skateboarding y las corrientes subterráneas de la subcultura. Las fotografías de Connolly, reconocidas por su conmovedora sencillez y profundidad, forman parte de las colecciones permanentes de prestigiosos museos. Esta serigrafía, perteneciente a la serie «Máquinas de Hielo», refleja su dedicación a documentar elementos de la vida estadounidense que poco a poco se desvanecen. Para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con un toque de nostalgia, «Sin título» de Connolly es una pieza imprescindible. No se trata solo de una serigrafía; es un patrimonio cultural, una profunda reflexión sobre la fugacidad de lo cotidiano y una hermosa obra de arte de una distinguida fotógrafa y artista. Geoff McFetridge: El resplandor oculto. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. «El resplandor oculto» de Geoff McFetridge es un testimonio del dominio del artista sobre el ritmo visual y la narrativa dentro de los límites de la serigrafía. Creada en 2004, esta serigrafía sobre papel mide 50,8 x 40,6 cm, un tamaño que permite que los intrincados patrones y la llamativa paleta de azules envuelvan el campo visual del espectador; cada elemento del diseño teselado palpita con una energía emblemática del arte gráfico de McFetridge. Al observarla con detenimiento, se puede discernir la meticulosa composición de formas abstractas y figurativas. Esta obra de arte con patrones es un sofisticado rompecabezas visual donde las formas geométricas y orgánicas convergen para crear una sensación de profundidad y movimiento. La repetición de los elementos cumple una función estética y teje una narrativa más profunda, aludiendo a la interconexión de los individuos dentro de una comunidad o a la naturaleza repetitiva pero única de los paisajes urbanos. Firmada por el artista, esta pieza lleva el sello personal de McFetridge, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con el proceso creativo. «El resplandor oculto» se incluyó en la renombrada exposición «The Beautiful Losers Portfolio» de la galería Agnes B en Los Ángeles, como parte de una colección que celebra la sinergia entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. También se destaca en el libro fundamental «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», publicado por Edition Iconoclast, que documenta el fenómeno cultural de esta obra. Esta serigrafía es una pieza decorativa esencial para el diálogo entre el arte pop urbano y las escenas artísticas convencionales. Es una pieza de colección que captura la esencia de la influencia de McFetridge en el lenguaje visual del arte contemporáneo. Este lenguaje resuena tanto en el entusiasta del arte exigente como en el apasionado de la vibrante cultura urbana. Ed Templeton: Sin título, Mujer sorprendida, serigrafía, 2004, firmada y numerada. Presentamos una impactante obra de Ed Templeton, "Mujer Sorprendida Sin Título", que encapsula el potencial expresivo y crudo de la serigrafía. Creada en 2004, esta pieza mide 40,6 x 50,8 cm y forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y valor como pieza de colección. Esta serigrafía muestra la singular habilidad de Templeton para capturar la condición humana en sus momentos más vulnerables y sinceros. La obra presenta la imagen de una mujer, su expresión de sorpresa o conmoción, un instante narrativo congelado en el tiempo por la mano experta de Templeton. El uso de colores contrastantes y la superposición de elementos abstractos le confieren a esta pieza una cualidad dinámica que resulta a la vez inquietante y fascinante. La imaginería está impregnada de inmediatez e intimidad, características del enfoque artístico de Templeton. Desafía a los espectadores a confrontar las emociones inesperadas y a menudo perturbadoras que sus sujetos exhiben. Las pinceladas crudas y la deliberada omisión de detalles invitan a explorar los temas de la privacidad, la emoción y la naturaleza voyeurista del arte. «Mujer en shock sin título» se publicó durante la influyente exposición «Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura callejera», que celebró la convergencia entre las escenas artísticas underground y el reconocimiento general. La obra de Templeton es un testimonio del poder del arte pop callejero para transmitir experiencias humanas profundas, lo que la convierte en una valiosa adquisición para coleccionistas y entusiastas del arte contemporáneo. James Jarvis x Amos Toys: Figura firmada de Wiggins de la serie "The Thin Blue Line" (2004) Presentamos "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins", una edición limitada de 100 figuras firmadas de 3.5x6 pulgadas, pieza de colección que fusiona el mundo imaginativo de James Jarvis con el atractivo tangible de los juguetes de arte. Creada en colaboración con Amos Toys, esta figura representa una síntesis única de arte, coleccionismo y narrativa, culminando en una figura de vinilo de 6 pulgadas (aproximadamente 10 cm) llamada Wiggins, parte de una serie exclusiva limitada a tan solo 1660 piezas en todo el mundo. Wiggins, el pequeño oficial de policía, luce orgulloso su uniforme, confeccionado con meticulosa atención al detalle. Desde la visera de su clásica gorra policial hasta las suelas de sus resistentes botas, cada elemento de su atuendo ha sido cuidadosamente diseñado para reflejar la esencia de su personaje. Porta una porra, un accesorio que sugiere su disposición para entrar en acción y restablecer el orden. Sin embargo, su rostro, con un bigote que corona una expresión severa, sugiere una personalidad más profunda que sus deberes oficiales. Cada figura viene en una caja de exquisito diseño, que luce con orgullo la firma de James Jarvis, sello de autenticidad y vínculo directo con el artista. El empaque es una obra de arte tanto como la figura misma, con una ventana que muestra la silueta de Wiggins en una presentación que difumina la línea entre juguete y escultura. Wiggins no es solo un personaje, sino un narrador nato, que encarna las complejidades de su profesión con el toque de humor y perspicacia característicos de Jarvis. Según su historia, cuando no patrulla las calles, escribe poesía confesional, ofreciendo una visión de su alma sensible, en contraste con su figura autoritaria. Esta pieza es imprescindible para los aficionados al arte pop urbano y para quienes aprecian la fusión entre arte y juego. Es un tributo al encanto peculiar y la visión creativa por la que James Jarvis es conocido, lo que convierte a "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins" en una adición destacada a cualquier colección de juguetes de arte o piezas de arte contemporáneo. ESPO - Steve Powers: Sin título, El vecino, serigrafía HPM, 2006, firmada y numerada «Sin título (Vecino...)» de Steve Powers es una obra ejemplar de arte contemporáneo que fusiona la crudeza del arte callejero con la sofisticación de una pieza de galería. Esta serigrafía sobre papel, de 40,6 x 50,8 cm, forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista, lo que garantiza su estatus de pieza de coleccionista. Una característica destacada de esta obra es que cada impresión incluye elementos únicos dibujados a mano por Powers, convirtiendo cada pieza en un tesoro irrepetible. La obra está impregnada del ingenio y el lenguaje visual característicos de Powers, con gráficos audaces y una interacción textual que transmite una narrativa compleja. Publicada en conjunto con la aclamada exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» , que se extendió desde 2004 hasta 2009, esta impresión captura la esencia de un movimiento que difuminó las fronteras entre el arte underground y el mainstream. Los diversos elementos, desde la pieza del rompecabezas "Inadaptado" hasta la figura melancólica con sombrero de copa, aluden a temas como la identidad, las presiones sociales y la búsqueda existencial de sentido. Originaria de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, "Sin título (El vecino de al lado...)" de Powers no es simplemente una obra de arte impresa; es un diálogo con el espectador, un comentario satírico sobre la condición humana y un reflejo de la voz distintiva de Steve Powers (también conocido como ESPO) en el mundo del arte. Esta pieza complementará cualquier colección de arte y dará pie a interesantes conversaciones gracias a sus imágenes vibrantes y a la singular capacidad narrativa del artista. ESPO - Steve Powers: Letreros útiles para conocidos en Nueva York. Impresión personalizada HPM 2006 Steve Powers, también conocido como ESPO, da vida a la esencia dinámica de la comunicación urbana con su obra "Señales prácticas para la gente que conoces en Nueva York" de 2006. Esta colección de pegatinas troqueladas es más que una simple decoración; es una forma de expresión que encarna el pulso de las calles de Nueva York. Cada pegatina, de 30,8 x 26 cm, es una explosión de color y simbolismo, diseñada para captar la atención y provocar la reflexión. Esta pieza categoriza ingeniosamente los diversos arquetipos que uno puede encontrar en la bulliciosa metrópolis: "CONFUSORES" con una mano señalando en azul, "ABUSADORES" con un pulgar hacia abajo en rojo, "USADORES" con un dedo índice señalando en verde y "PRODUCTORES" con un apretón de manos en negro. El vibrante amarillo del fondo actúa como un megáfono visual, amplificando el mensaje de cada señal. La obra de Powers es un comentario sobre la dinámica social de la vida urbana; cada letrero representa las complejas interacciones que definen la experiencia de la ciudad. Presentadas en una lámina de pegatinas troqueladas de alta presión mate (HPM), estas pegatinas están diseñadas para adherirse a cualquier superficie, convirtiendo objetos cotidianos en medios para el diálogo social. «Letreros útiles para gente que conoces en Nueva York» es una pieza de arte interactiva y un artefacto cultural que refleja la aguda observación del artista sobre los personajes que conforman el tejido de la vida urbana. Para coleccionistas y admiradores de la obra de Steve Powers, esta lámina de pegatinas es una mezcla única de diseño gráfico, arte urbano y comentarios irónicos: todas ellas características del estilo distintivo de Powers. Jo Jackson: Serigrafía sin título, 2004. Firmada y numerada. Incluye el libro de artista "States". La obra "Sin título" de Jo Jackson, de 2004, es una serena serigrafía que captura la esencia minimalista de las formas naturales a través del color y la forma. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, esta obra forma parte de una serie de edición limitada, y cada pieza está firmada y numerada por la artista, lo que subraya su exclusividad y valor de colección. "States" es un fanzine desplegable de edición limitada a 100 ejemplares. La serigrafía presenta un pico helado y austero sobre un excelente fondo azul, evocando una sensación de calma y contemplación. La cima de la montaña se corona con un copo de nieve singular y detallado, que sugiere la pureza y la singularidad de las creaciones de la naturaleza. Debajo, un campo de puntos blancos danza sobre la base, reminiscente de una suave nevada o un cielo estrellado. Publicada en el marco de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" (2004-2009), la obra de Jackson refleja las cualidades introspectivas y a menudo meditativas que el arte contemporáneo puede suscitar. La exposición fue un evento histórico que presentó a artistas inspirados en la cultura callejera, el grafiti, el skateboarding y otras expresiones artísticas subculturales. Esta obra, proveniente del archivo Beautiful Losers, representa un momento en el arte contemporáneo donde convergen la sencillez y el simbolismo. Para coleccionistas y aficionados, "Sin título" de Jackson no es solo una impresión, sino una pieza de serena belleza que invita a la reflexión en medio del caos cotidiano. Es un testimonio de la habilidad del artista para destilar emociones complejas en una sola imagen conmovedora. Thomas Campbell: Gente de Pangea. Serigrafía, 2005. Firmada y numerada. «Gente de Pangea, ¡uníos!», de Thomas Campbell, es una cautivadora serigrafía sobre papel que plasma una perspectiva ingeniosa y reflexiva sobre la unidad y el mundo natural. Esta obra de 2005 forma parte de una serie limitada, firmada y numerada individualmente por el artista, lo que convierte cada impresión en una pieza de colección. La obra representa un paisaje surrealista donde las figuras humanas se fusionan con el tronco de un árbol, creando una metáfora visual de la interconexión. En la parte superior, se despliega un bocadillo con el texto: «¿QUÉ CONSERVAN EXACTAMENTE LOS CONSERVADORES?», una provocativa pregunta que invita a la reflexión sobre la responsabilidad política y ambiental. La pieza está salpicada de vibrantes toques de color sobre una paleta de tonos tierra, atrayendo la mirada a través de la lúdica composición. Publicada para la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, la serigrafía de Campbell encarna la celebración de las formas artísticas subculturales y su influencia en el arte contemporáneo que caracterizaba la exposición. La exposición fue un importante evento cultural que trasladó la esencia del skateboarding, el grafiti y el arte urbano al espacio de la galería. «Gente de Pangea, ¡uníos!» es un testimonio de la singular habilidad de Campbell para fusionar lo fantástico con lo crítico, ofreciendo una declaración estéticamente atractiva e intelectualmente estimulante. Para los coleccionistas, esta obra no es solo una pieza de arte; es un tema de conversación que captura un momento distintivo en la historia del arte contemporáneo, caracterizado por su audacia y su capacidad para desafiar el statu quo. Thomas Campbell: Cartera personalizada hecha a mano de edición limitada de T Moe Still Smoking Paul Frank 2005 La cartera "Still Smoking" de Thomas Campbell es una pieza única, hecha a mano, una obra de arte funcional que fusiona utilidad con la vibrante cultura urbana. Creada en 2005, esta edición limitada celebra el estilo personal y el talento artístico. Adornada con una miríada de ilustraciones originales, sello distintivo de la estética de Campbell, la cartera luce un fondo azul claro con imágenes vívidas y contrastantes. Desde la representación lúdica de nubes hasta las estructuras estilizadas y las figuras caprichosas, cada elemento está plasmado con alegría y una audaz sensibilidad gráfica. La cartera se lanzó como parte de la conmemoración de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Este evento mundial marcó un hito al mostrar la intersección del skateboarding, el graffiti y el arte urbano dentro de la escena del arte contemporáneo. La cartera "Still Smoking" de Campbell no es solo un accesorio, sino una pieza de colección que captura la esencia de una época en la que el arte no se limitaba a las galerías, sino que se llevaba en el bolsillo, formando parte de la vida cotidiana. Es un homenaje al espíritu de "Beautiful Losers" y una pieza imprescindible para los coleccionistas que aprecian la fusión entre el arte y la vida diaria. Andy Jenkins: Sin título Hang Unique Impresión HPM 2005 Firmada/Fechada Una obra cautivadora de Andy Jenkins, esta pieza forma parte de una colección única de 100 impresiones de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 28 x 23 cm. Esta obra sin título es una sinfonía de elementos visuales que combina tipografía, diseño gráfico e ilustraciones dibujadas a mano para crear una narrativa compleja. La pieza presenta con audacia la palabra "HANG" en letras sobredimensionadas y escalonadas que dominan el campo visual, sobre un fondo que fusiona de forma intrigante elementos de un calendario y escritura manuscrita, sugiriendo el paso del tiempo y la fugacidad de los momentos. Un cohete esbozado junto a la tipografía añade una sensación dinámica de movimiento y exploración, enriqueciendo aún más la historia que cuenta la impresión. Cada impresión de esta edición limitada está firmada y fechada individualmente por Jenkins, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con la trayectoria creativa del artista. Esta obra no es solo una declaración visual, sino un testimonio del enfoque multidisciplinario de Jenkins, donde texto e imagen se entrelazan para cautivar y desafiar al espectador. Andy Jenkins: Círculo sin título HPM Impresión única 2005 Firmada/Fechada La obra "Circle Untitled HPM Print" de Andy Jenkins, de 2005, es un ejemplo excepcional de grabado contemporáneo que fusiona la simplicidad de las formas geométricas con la complejidad de la expresión individual. Esta pieza, una de cien impresiones únicas de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 28 x 23 cm, demuestra el dominio de Jenkins en la forma, el color y la composición. La obra presenta dos círculos negros y audaces que dominan el campo visual; conforman un estudio de perfecta simetría y equilibrio. Alrededor de estas figuras centrales se aprecian notas manuscritas y garabatos, algunos claros, otros borrosos, que sugieren el proceso creativo del artista o quizás pensamientos intencionalmente crípticos. La impresión se presenta sobre un fondo blanco impoluto, que no solo acentúa la viveza de los círculos negros y los detalles rojos dentro de uno de ellos, sino que también resalta el sutil texto y el trabajo de línea que invitan al espectador a observar con detenimiento. Cada impresión de esta serie está firmada y fechada por Jenkins, lo que denota un toque personal y una autenticidad que los coleccionistas y admiradores del arte suelen buscar. La naturaleza de edición limitada de estas impresiones hace que cada una sea única, tanto por su lugar en la serie como por las ligeras variaciones propias de la impresión de inyección de tinta. «Circle Untitled HPM Print» de Jenkins no es solo una experiencia visual, sino también táctil, ya que la elección del papel y la técnica de impresión por parte del artista contribuyen a la presencia general de la obra. Es una muestra de la habilidad de Jenkins para transmitir profundidad y narrativa dentro de un marco minimalista, invitando al observador a un diálogo silencioso, reflexivo y universal. Con sus líneas puras y detalles intrigantes, esta pieza es una valiosa adición a cualquier colección que aprecie la intersección entre el diseño moderno y la expresión personal en el arte del grabado. Andy "Mel Bend" Jenkins: Serigrafía "Scrabble Scrabble" 2005 Firmada/Numerada «Scribble Scrabble» de Andy Jenkins es una fascinante obra de serigrafía y grafito sobre papel que cautiva al espectador con su audaz estilo gráfico y su ingeniosa interpretación tipográfica. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm, esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno numerado y firmado personalmente por Jenkins, lo que certifica su singularidad y valor como pieza de colección. La composición presenta un puño alzado entrelazado con líneas fluidas que recuerdan a cintas, sobre un fondo de suaves tonos grises, rematado por el lema homónimo «Scribble Scrabble» en llamativos colores negro y rojo. La sensibilidad gráfica de Jenkins, perfeccionada a lo largo de los años como figura clave en la cultura del skateboarding, se muestra en todo su esplendor, fusionando elementos del arte urbano con una delicada sensibilidad artística. Presentada junto con la influyente exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» (2004-2009), «Scribble Scrabble» representa la evolución creativa de la estética del skateboarding en las galerías de arte. Jenkins, un artista polifacético conocido por su trabajo como dibujante de cómics, ilustrador y director creativo, cofundó la revista Dirt con Spike Jonze y Mark Lewman a principios de los 90, consolidando aún más su influencia en la subcultura. «Scribble Scrabble» de Andy Jenkins es más que una lámina; refleja una fuerza creativa que moldeó el lenguaje visual de la cultura del skateboarding. Ocupa un lugar de honor en el Archivo Beautiful Losers, representando una época en la que las fronteras entre la subcultura y la alta cultura se difuminaban y se entrelazaban de forma armoniosa. Terry Richardson: Objeto de arte con gafas Smilen Broadway, 2004 Esta fascinante obra de arte de Terry Richardson, titulada "Gafas Smilen Broadway", es un testimonio de la fusión entre diseño funcional y expresión artística. Presentadas como objeto de arte desde 2004, estas gafas negras representan el distintivo estilo visual de Richardson, conocido por su audacia y franqueza. Las gafas miden aproximadamente 7,6 x 20,3 x 7,6 cm, plasmando un estilo elegante en su formato compacto. Sobre un fondo con la inscripción "Colección Broadway SMILEN EYEWEAR", sugieren una temática que entrelaza el comercialismo con la identidad personal. Las lentes acrílicas transparentes están engastadas en una clásica montura negra, un color con un atractivo atemporal. Estas gafas no son simples accesorios; son piezas que reflejan la personalidad de quien las lleva y la perspectiva única del artista sobre los objetos cotidianos. Elaboradas con meticulosa atención al detalle, las gafas llevan las especificaciones "ESTILO STEVEN COLOR NEGRO TALLA 56-16 PATILLAS 145", lo que denota su carácter personalizado. La obra de arte difumina las fronteras entre los objetos prácticos y los de colección, desafiando los límites de lo que se suele percibir como arte. El trabajo de Richardson invita a reflexionar sobre la intersección entre la cultura visual, la moda y la expresión personal, convirtiéndose en una pieza imprescindible para cualquier colección que valore la integración innovadora del arte en la vida cotidiana. Ari Marcopoulos: Justin, serigrafía, 2004, firmada y numerada «Justin», de Ari Marcopoulos, captura un momento del retrato contemporáneo. Esta serigrafía de 2004, realizada sobre papel de archivo libre de ácido, mide 20 x 16 pulgadas. Forma parte de una codiciada edición limitada de tan solo 200 piezas, cada una meticulosamente firmada y numerada por Marcopoulos, lo que garantiza su exclusividad y valor como pieza de colección. Sobre un fondo rosa intenso, el retrato de «Justin» es un fascinante estudio de carácter y forma. El marcado contraste entre el vibrante fondo y el sujeto monocromático permite que la figura emerja con profundidad e introspección. La expresión neutra del sujeto se plasma con una estética minimalista, capturando una mirada serena pero penetrante que parece trascender el papel. Esta obra se publicó con motivo de la exposición «Beautiful Losers», una celebración del arte que difumina las fronteras entre la cultura urbana y el arte culto. Refleja el espíritu del movimiento, encapsulando una instantánea cruda y auténtica de la juventud y la subcultura. «Justin» no es solo un retrato; es una declaración, una pieza que interpela al coleccionista que aprecia la convergencia del arte con el espíritu de su época. Es una adición atemporal a cualquier colección, que ofrece belleza estética y significado cultural. Ari Marcopoulos: "Puede que me equivoque" Libro de arte del artista 2005 Esta imagen es una impactante pieza visual del libro de arte de Ari Marcopoulos, "I Might Be Wrong", publicado como fanzine de edición limitada y numerada de 100 ejemplares en 2005. Esta cautivadora obra muestra la habilidad de Marcopoulos para capturar la esencia cruda y auténtica de la cultura callejera. La fotografía, impresa en offset para lograr un detalle preciso y nítido, mide 20,32 x 12,7 cm, un tamaño que invita a una observación minuciosa y a una conexión personal con el espectador. En esta representación monocromática, una figura se yergue ante una pared de ladrillo desgastada, con su identidad oculta tras lo que parece ser un radiocasete con ojos, evocando una sensación de anonimato urbano y subterfugio artístico. El radiocasete es un símbolo conmovedor de la música y la escena callejera de las últimas décadas, sugiriendo una narrativa que entrelaza la expresión personal con artefactos culturales. El fondo está cubierto de folletos, incluyendo uno que anuncia la Galería Alleged, proporcionando contexto y situando la imagen en un entorno cultural específico. Esta edición numerada y limitada a 100 ejemplares es una pieza de coleccionista que ofrece una mirada íntima a la perspectiva del artista sobre la vida urbana y el arte. Marcopoulos es conocido por su estilo documental que a menudo explora los márgenes de la cultura dominante, y esta imagen es testimonio de su capacidad para encontrar belleza y significado en lo cotidiano. Coleccionistas y admiradores de la fotografía contemporánea y el arte urbano reconocerán el valor de este libro de arte como referente de la narrativa dinámica y en constante evolución de la cultura callejera. Todd James: Vivo de placer. Serigrafía 2005. Firmada y numerada. Presentamos "Alive With Pleasure" de Todd James, una extraordinaria serigrafía sobre papel de 2005 que vibra con la energía característica y el estilo inconfundible del artista. Esta pieza, de 17,8 x 12,7 cm, forma parte de una exclusiva edición numerada de 100 ejemplares, lo que la convierte en una rara pieza de colección para los amantes del arte contemporáneo. En esta obra, James continúa explorando los temas de alegría y exuberancia que impregnan gran parte de su producción artística. La composición presenta dos figuras representadas en un llamativo y lúdico tono rosa monocromático. En primer plano, destaca un personaje que sostiene un cigarrillo; su expresión de felicidad pura, con los ojos cerrados y una amplia sonrisa que transmite una sensación de satisfacción y deleite, refleja una profunda felicidad. Detrás de ella, una segunda figura, parcialmente oculta, se hace eco de este sentimiento con una mano sobre la boca mientras fuma, sugiriendo risas o un secreto compartido. El trazo de James en "Alive With Pleasure" es fluido y seguro, con una exageración caricaturesca inmediatamente reconocible como su sello distintivo. Los personajes están adornados con detalles como el motivo del arcoíris en la camisa de la figura central, que añade un atractivo visual y podría interpretarse como un guiño a la diversidad y la inclusión. Esta serigrafía no es solo una obra de arte; es una instantánea de felicidad, una representación de los pequeños placeres de la vida y una celebración de los momentos que nos hacen sentir realmente vivos. Es un testimonio de la habilidad de Todd James para capturar la esencia del arte pop urbano y plasmarla en un formato que conecta con el espectador a un nivel visceral. Para los coleccionistas y admiradores de la obra de Todd James, «Alive With Pleasure» es más que una obra de arte: es una inyección de alegría y una fiel representación del atractivo perdurable del artista. Todd James: Serigrafía de BullieJames, 2005, firmada y numerada Presentamos "Bullies" del aclamado artista Todd James, también conocido en el mundo del arte como REAS. Esta serigrafía sobre papel de 2005 es un vibrante testimonio de su renombrado estilo, profundamente arraigado en la cultura urbana y la estética animada. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm, esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista, lo que garantiza su singularidad y valor para coleccionistas. La obra presenta cuatro personajes caricaturescos, cada uno con expresiones y gestos exagerados que transmiten una sensación de movimiento e interacción. Con su tez verdosa y el puño alzado, la figura dominante simboliza el arquetipo del "matón", un tema recurrente en la obra de REAS, que a menudo explora las dinámicas de poder y los roles sociales desde una perspectiva lúdica pero crítica. Presentada en conjunto con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", "Bullies" encapsula la energía y el espíritu del movimiento de la cultura urbana. El uso de colores primarios vibrantes y líneas fluidas caracteriza el estilo de Todd James, donde fusiona elementos del grafiti con una refinada sensibilidad artística. Esta obra es un deleite visual y una pieza clave en el diálogo entre el arte urbano y el arte contemporáneo convencional. Resuena con el espíritu rebelde de las escenas underground de las que surgió Todd James, a la vez que refleja las narrativas sociales más amplias de confrontación y resiliencia. «Bullies» es un ejemplo contundente del impacto de Todd James en la evolución del grafiti y el arte pop urbano, convirtiéndola en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados. Encarna la fusión de la astucia callejera y la elegancia estética, un sello distintivo de la trayectoria artística de James y una valiosa adición a cualquier colección. Wes Humpston: Serigrafía de Bulldog Skates, 2004, firmada y numerada. Con una impactante combinación de imágenes audaces y colores vibrantes, la obra «Bulldog Skates» de Wes Humpston es una pieza profunda que captura la esencia de la cultura del skateboarding. Creada en 2004, esta obra está realizada con serigrafía y grafito sobre papel y mide 50,8 x 40,6 cm. Pertenece a una edición especial limitada a 200 piezas, cada una meticulosamente numerada y firmada personalmente por el artista, estableciendo una conexión directa entre Humpston y el coleccionista. Esta obra se presentó durante la aclamada exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró el rico lenguaje visual de la cultura urbana y su influencia en el arte contemporáneo. «Bulldog Skates» es emblemática del estilo distintivo de Humpston, que incorpora elementos del arte pop urbano y el grafiti. La imagen central —un bulldog de ojos llameantes envuelto en vibrantes llamas verdes— no es solo un logotipo, sino un ícono que representa el espíritu rebelde y la pasión ardiente de los skaters. El texto vertical que bordea la figura central, con reminiscencias de grafitis, lleva el nombre «Bulldog Skates», reforzando la identidad de la marca y sus raíces en la energía cruda y auténtica del arte urbano. La obra de Humpston es un testimonio de la autenticidad y la libertad creativa que definen la escena del skate callejero, conectando tanto con aficionados como con coleccionistas de arte. «Bulldog Skates» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de una época y una comunidad que prospera al margen de las normas sociales. Glen E Friedman: Mis reglas. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. Esta dinámica serigrafía, «My Rules», del aclamado artista Glen E. Friedman, fue creada en 2004. Esta obra, una audaz representación del impacto de la cultura urbana en las artes visuales, mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición limitada de tan solo 200 ejemplares disponibles en todo el mundo. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por Friedman, lo que le confiere una autenticidad personal. Elaborada con la precisión y la viveza características de la serigrafía, «My Rules» funciona como un manifiesto visual del espíritu punk y del skateboarding. La obra se presentó como parte de la icónica exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró la fusión del arte urbano con el arte de galería. «My Rules» es un emblema de la trayectoria del artista, dedicada a documentar el espíritu rebelde de las subculturas juveniles. La serigrafía es un montaje de retratos enérgicos y fotografías de acción real, centrado en una figura imponente que expresa el sentimiento que da título a la obra. La tipografía verde lima eléctrica irrumpe sobre el fondo monocromático, afirmando el tono desafiante de la obra. Esta pieza no es solo una obra de arte; es un archivo histórico que captura la esencia de un movimiento. Encarna la voz de una generación que desafió las normas y vivió según sus propias reglas. Poseer una pieza de esta edición no es solo una inversión en arte; es un reconocimiento de un período transformador en el arte contemporáneo, donde las calles dialogaban con el estudio, y Glen E. Friedman estuvo allí para capturarlo todo. Chris Johanson: Sin título ¿Por qué están tan frenéticos? Serigrafía 2004 Firmada/Numerada Sin título, ¿Por qué están tan frenéticos?, de Chris Johanson, es una impactante serigrafía que transmite un mensaje elocuente a través de su combinación de texto e imágenes. Creada en 2004, esta pieza está impresa meticulosamente en papel de archivo libre de ácido y mide 50,8 x 40,6 cm. Forma parte de una edición limitada de tan solo 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado a mano por el propio Johanson. Esta obra fue concebida para la innovadora exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que celebró los influyentes movimientos del skate, el grafiti y el arte urbano entre 2004 y 2009. La pieza presenta una figura alienígena estilizada con un contorno minimalista, que sirve como vehículo para un mensaje que invita al espectador a reflexionar sobre la histeria y la vulnerabilidad en la sociedad. El fondo verde brillante y llamativo acentúa la urgencia y el carácter reflexivo del texto. La obra de Johanson se exhibió en diversas ciudades como parte de la exposición "Beautiful Losers". Posteriormente, se exhibió en las muestras "Transfer" en Brasil, en el Santander Cultural de Porto Alegre y en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo. La influencia y el alcance de la obra se documentan con mayor detalle en las bibliografías de "Beautiful Losers" y "Transfer". Procedente del Archivo Beautiful Losers, esta obra es una pieza de cultura visual y una instantánea histórica que encapsula el espíritu de un movimiento que difumina las fronteras entre la galería y la calle. Ofrece una oportunidad única para que coleccionistas y aficionados se acerquen a un momento crucial del arte contemporáneo a través de la mirada introspectiva de Johanson. Chris Johanson: Juego de chapas numeradas de Love Not War, edición 2004 «Love Not War» de Chris Johanson es una colección de chapas que invita a la reflexión, con unas dimensiones de 10 x 17,78 centímetros. Esta colección, presentada en una edición limitada de 100 ejemplares, refleja el compromiso de Johanson con temas sociopolíticos contemporáneos, plasmados en los breves y contundentes mensajes de cada chapa. Las chapas, sobre un vibrante fondo amarillo con una destacada en verde, funcionan como arte portátil que invita a la reflexión y al diálogo. Reflejan el compromiso del artista con la paz, su apoyo al emprendimiento local y su crítica a la cultura del consumo y la guerra. Cada chapa es un punto de partida para la conversación, desde la defensa de la vigilancia de los derechos humanos en el comercio global hasta la promoción de la tranquilidad interior y el amor. Esta colección numerada es una obra de arte y un comentario histórico, que captura la esencia del activismo y la expresión personal en pequeños manifiestos. El arte de Johanson convierte el acto de llevar una chapa en una declaración de principios únicos y una llamada a la conciencia social. Mark Gonzales y Harmony Korine: "Adulthood" Artist Art Zine 1995 «Adulthood» es un conmovedor fanzine de arte colaborativo de 1995, obra de Mark Gonzales y Harmony Korine, artistas conocidos por su influyente trabajo en las comunidades del skateboarding y el cine, respectivamente. Este fanzine es un manifiesto físico de la subcultura de la época, plasmado mediante la técnica de la fotocopia, lo que le confiere una estética cruda y auténtica. Con unas dimensiones aproximadas de 20,32 x 12,7 cm, el fanzine es un testimonio tangible del espíritu «hazlo tú mismo» que impregnaba las escenas artísticas underground de entonces. La portada presenta una imagen granulada y de alto contraste de cuatro jóvenes, que evoca el estilo de los retratos de principios del siglo XX, pero rebosante de la actitud desafiante de los años 90. Debajo de la imagen, los nombres «Mark Gonzales» y «Harmony Korine» proclaman con audacia esta colaboración, uniendo dos fuerzas creativas distintas en una visión compartida. El título «ADULTHOOD» destaca en letras mecanografiadas, junto a la fecha «Primero de marzo de 1995, aproximadamente», situando la obra en un momento específico de la producción cultural. Limitada a 100 ejemplares, esta edición es tanto una pieza de colección como un fragmento de historia cultural, que captura el espíritu de una generación en la transición a la adultez, pero profundamente arraigada en la cultura juvenil subversiva de la época. Cada fanzine es una instantánea del período, un artefacto tangible que encarna el espíritu de colaboración y creatividad por el que Gonzales y Korine son reconocidos. Esta obra es imprescindible para coleccionistas y entusiastas de la cultura del skate de los 90, el cine independiente y la energía cruda del arte urbano. Mark Gonzales: Ambientador Krooked de edición limitada, objeto de arte, 2004 Encarnando la estética de la cultura del skate, Mark Gonzales presenta el ambientador Krooked de edición limitada, un vibrante objeto de arte que fusiona funcionalidad con el estilo del arte urbano. Lanzado en 2004 como parte del portafolio Beautiful Losers, estos ambientadores trascienden su uso práctico, convirtiéndose en piezas de colección que reflejan la visión artística de Gonzales. Cada ambientador presenta el carácter lúdico e irreverente de la distintiva marca de skateboarding Krooked, plasmado en contornos gráficos audaces. Disponible en dos diseños, el primero luce un intenso tono púrpura, que representa el motivo de los ojos de Krooked. En contraste, el segundo diseño muestra el personaje característico de la marca en un blanco puro sobre un llamativo fondo azul. Estos objetos de arte fueron seleccionados para la influyente exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que celebró el espíritu DIY en el arte entre 2004 y 2009. La colección captura la esencia de la cultura urbana, impregnando objetos cotidianos con un sentido artístico y de rebeldía contra lo convencional. Originarios de Iconoclast Editions y el prestigioso Beautiful Losers Archive, los ambientadores Krooked ocupan un lugar especial en la historia del arte contemporáneo. Son testimonio del impacto de GGonzales en las comunidades del skateboarding y el arte, y símbolo de la integración del arte underground en la vida cotidiana de la época. Estas piezas de edición limitada son codiciadas por coleccionistas y aficionados, y representan un momento en que la cultura urbana se abrió paso con audacia en el mundo del arte. Phil Frost: Rotulador recargable para pósteres extra anchos personalizados 2004 Phil Frost presenta una fusión única de utilidad y arte con sus marcadores Superwide Marker y Poster Marker, creados en 2004. Estos marcadores de plástico recargables, diseñados a medida, son más que simples herramientas; son obras de arte individuales, de aproximadamente 5 x 12,5 cm, y forman parte de una edición limitada de 00 unidades cada uno. Los marcadores están adornados con los distintivos motivos tribales de Frost en negro sobre un vibrante fondo naranja. Este diseño es fácilmente reconocible para quienes conocen la obra de Frost, famoso por sus intrincados patrones y su agudo sentido del lenguaje visual primitivo y a la vez contemporáneo. Procedentes de Iconoclast Editions y parte del archivo "Beautiful Losers", estos marcadores encarnan el espíritu de la exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana". Este proyecto celebró la cultura del "hazlo tú mismo" y el arte urbano que influyeron en una generación de artistas. Para MMills'srs, estos marcadores son una muestra tangible de la exposición, que encapsula la esencia del impacto de la cultura urbana en el arte contemporáneo. Son un testimonio de la visión donde el objeto cotidiano se convierte en lienzo, fusionando forma y función con la fluidez del arte callejero. Estos marcadores son objetos funcionales y piezas de colección que transmiten el estilo característico del artista a creativos y amantes del arte por igual. Mike Mills: La arquitectura de la tranquilidad (Minilibro de 1999) «La arquitectura de la tranquilidad» de Mike M. Mills es un cautivador libro de artista en rústica que sirve como extensión visual de su cortometraje. Publicado en 1999, esta primera edición mide 17,8 x 10,8 cm y es una pieza de colección poco común, procedente directamente del archivo de Beautiful Losers. En sus páginas, el libro ofrece una rica colección de fotografías y fotogramas que capturan la esencia del viaje de una joven a través de los paisajes suburbanos de Los Ángeles. Estas imágenes se entrelazan para crear una narrativa que explora temas como el aislamiento urbano, la búsqueda de identidad y la reconfortante, aunque a veces estéril, uniformidad del diseño residencial. La obra de Mills es reconocida por su capacidad para destilar profundas observaciones socioculturales en imágenes minimalistas. «La arquitectura de la tranquilidad» no es la excepción, reflexionando con profundidad sobre nuestros entornos y cómo estos moldean nuestras experiencias y percepciones. Esta publicación íntima es un libro y una galería portátil del talento cinematográfico y fotográfico de M. Mills. Para los admiradores de la obra de MMills y aquellos interesados ​​en la interacción entre el cine, la fotografía y la teoría urbana, este artista es una valiosa adición a su colección, ya que ofrece una pieza tangible del espíritu de la época de finales del siglo XX. Clare Rojas: Peggy Honeywell Faint Humms CD Edición Limitada 2004 Esta obra de arte es un CD de edición limitada titulado "Faint Humms" de Peggy Honeywell, de Clare E. Rojas, artista cuyo trabajo abarca diversos medios y que a menudo explora temas de identidad y folclore. Lanzado en conjunto con la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", este CD no solo es un vehículo del arte sonoro de Rojas, sino también un objeto de colección que representa la intersección entre la música y las artes visuales dentro del ámbito de la cultura urbana. El CD se presenta en una llamativa caja naranja, que subraya el audaz uso del color por parte de Rojas en sus obras visuales. La caja está envuelta en una espuma protectora, lo que garantiza la conservación del disco y refleja el cuidado que se suele dar a las obras de arte. El disco, con su superficie reflectante que crea un espectro de colores, evoca el estilo característico de Rojas, que a menudo emplea tonalidades vibrantes y contrastantes. Esta pieza constituye una conexión tangible con el espíritu de la exposición "Beautiful Losers", que celebró las diversas formas de arte surgidas de la cultura urbana y su influencia en el arte contemporáneo. Este CD, de edición limitada, captura un momento singular en la historia del arte y plasma el espíritu creativo de una época en la que se difuminaron las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas para dar lugar a nuevas formas de expresión. Coleccionistas y admiradores de la obra de Clare E. Rojas, así como quienes aprecian el legado de la cultura urbana en el arte, encontrarán en este CD una valiosa adición a su colección. Ryan McGinness: Paquete de pegatinas personalizadas 2005, firmadas y numeradas Esta obra de arte es un paquete de pegatinas personalizado del Multiverso de Ryan McGinness, un artista reconocido por sus representaciones gráficas y formas orgánicas. El paquete, lanzado en 2005, forma parte de una edición especial limitada a 100 copias, cada una meticulosamente firmada y numerada por McGinness, indicando su posición como la número 100. Las dimensiones del estuche son 12,7 x 12,7 cm, un tamaño compacto que encapsula la esencia de la filosofía de diseño de McGinness. Presentado en un elegante estuche plateado con un brillo metálico, el paquete transmite una sensación de exclusividad y modernidad. La firma del artista en el lado izquierdo del sobre certifica la originalidad de la obra. A su vez, el icónico emblema de la corona del logotipo de Ryan McGinness Studios en el lado derecho es un sello de calidad y autenticidad. En el interior, el estuche contiene una variedad de pegatinas, cada una un fragmento del vibrante multiverso de McGinness. Estas no son meros adornos; Son obras de arte adhesivas que permiten llevar consigo un fragmento de la estética de McGinness. Las pegatinas funcionan como una galería portátil, una democratización del arte que constituye la esencia del espíritu de McGinness. Este paquete de pegatinas Multiverse es un objeto de colección que difumina las fronteras entre el arte elevado y el arte accesible de las pegatinas. Para los admiradores de la obra de Ryan McGinness, este paquete representa una oportunidad única para poseer una pieza de la historia del arte interactiva, lúdica y profundamente arraigada en el lenguaje visual de la cultura contemporánea.

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Compre The Sacrifice of Color... Impresión de edición limitada de bellas artes con pigmento de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Adrian Cox, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Edición firmada y numerada de 100- 13x24

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Herramientas de vandalismo: Las latas IV - Edición limitada Krylon. Impresión de pigmentos de archivo en papel de bellas artes de 310 g/m² por Roger Gastman, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Esta lámina es la cuarta entrega de mi reciente serie titulada «Herramientas de vandalismo» y fue creada especialmente para los coleccionistas de 1xRun. Tengo una enorme colección de pintura en aerosol y marcadores antiguos que he ido reuniendo durante años. Esta colección incluye exclusivamente latas de Krylon. Siempre que alguien viene a mi casa, sin importar quién sea, quiere preguntarme sobre mi colección de latas, marcadores y demás, y sacarles fotos. Con el auge del «grafiti» y el «arte callejero», y el arte asequible cada vez más accesible a través de sitios como 1xRun, es divertido recordar las herramientas que hicieron posible gran parte de esto. - Roger Gastman

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Serigrafía de edición limitada "The Crack" de 7 colores, impresa a mano sobre papel satinado Somerset de 300 g/m², por Martin Whatson, un artista pop famoso y poco conocido. Edición limitada con sello en relieve de 2021. Tamaño de la obra: 9,84 x 19,68 cm. El papel presenta un relieve alrededor de la grieta que crea un efecto 3D con el grafiti de fondo. Estampado por Martin Whatson y Graffitiprints. Técnica y diseño de "La grieta" «La Grieta» es una impactante serigrafía artesanal de siete colores del artista urbano pop y grafitero Martin Whatson. Impresa en papel Somerset Satin de 300 g/m², un papel predilecto para impresiones de alta calidad por su excepcional acabado y gramaje, esta pieza de edición limitada de 2021 mide 25 x 50 cm. La obra emula el estilo característico de Whatson, que suele destacar el contraste entre elementos en blanco y negro con toques de grafiti colorido. Para enfatizar la profundidad y la textura, «La Grieta» presenta un papel gofrado alrededor de la grieta representada, creando un efecto 3D que da vida al grafiti del fondo. La técnica del gofrado realza la experiencia táctil de la obra, invitando al espectador a observar y sentir la interacción entre los elementos bidimensionales y tridimensionales. Cada impresión lleva un sello de autenticidad en relieve, que certifica su originalidad como obra de Whatson. También lleva el sello de Graffitiprints, lo que la identifica como una colaboración entre el artista y la imprenta. El simbolismo en la obra de Martin Watson La obra «La grieta» de Whatson puede interpretarse como una metáfora de la belleza y complejidad inesperadas que subyacen al paisaje urbano. La figura impresa retira una capa de la pared para revelar un vibrante mundo de color y vida oculto debajo, simbolizando la búsqueda de la belleza en lugares insospechados por parte del artista. Esta metáfora visual es un tema recurrente en la obra de Whatson, que a menudo explora la relación entre el mundo monocromático y estructurado y la vibrante energía del arte callejero. Contribución al arte pop callejero y al grafiti Martin Whatson ha contribuido significativamente a los movimientos del arte pop urbano y el grafiti, expandiendo los límites del arte callejero tradicional. Su uso de la serigrafía, una técnica con raíces en el arte pop, tiende un puente entre el estudio y la calle, permitiendo la reproducción de su obra sin perder su carácter artesanal. «The Crack» es un ejemplo paradigmático de esta fusión, combinando el meticuloso estarcido con la energía desbordante del grafiti. «The Crack» es un testimonio del enfoque innovador de Martin Whatson hacia el arte pop urbano y el grafiti. Representa el compromiso del artista por explorar y resaltar el contraste entre el potencial expresivo y crudo del grafiti y la precisión controlada del estarcido, dando como resultado obras visualmente impactantes y conceptualmente profundas.

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La obra "Escape", serigrafía de 9 colores impresa a mano sobre papel satinado Somerset de 410 g/m² por Eelus, famoso artista pop. Edición limitada firmada de 50 ejemplares (2021). Tamaño de la obra: 24 x 30,7 cm.

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La eterna infancia del arte. Obra de arte Giclée, impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Ron English- POPaganda.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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La Gran Deshielo, edición limitada, impresión giclée sobre papel de algodón aterciopelado, obra del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Portada del cómic del Joker n.º 2, edición limitada, impresión serigráfica HPM de 1 color con detalles en acuarela sobre papel de bellas artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2019 Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 34 x 46 pulgadas. Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a su serie de portadas de cómics, esta vez con uno de los supervillanos más infames: la portada de Batman con el Joker. Se trata de una serigrafía a un color sobre papel artístico de archivo rasgado a mano, con acabado artesanal en acuarela. Cada ejemplar de esta edición es único y los colores pueden variar ligeramente. Tamaño de la impresión: 86 x 117 cm. Edición limitada de 25 ejemplares.

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Portada del cómic del Joker n.° 3, edición limitada, impresión serigráfica HPM de 1 color con detalles en acuarela sobre papel de bellas artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada, de 2019. Tamaño de la obra: 34x46 Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a su serie de portadas de cómics, esta vez con uno de los supervillanos más infames: la portada de Batman con el Joker. Se trata de una serigrafía a un color sobre papel artístico de archivo rasgado a mano, con acabado artesanal en acuarela. Cada impresión es única y los colores varían ligeramente. Tamaño: 86 x 117 cm. Edición limitada de 25 ejemplares.

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El Joker de Batman DC Comics Edición Limitada Serigrafía de 7 colores impresa a mano en papel de bellas artes por Mr. Brainwash Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2019 Edición limitada de 79 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 32x43 Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a su serie de portadas de cómics, esta vez protagonizada por uno de los supervillanos más infames: el Joker. Se trata de una serigrafía de siete colores sobre papel artístico de archivo rasgado a mano. Cada lámina está firmada y numerada, con una huella dactilar en el reverso. La edición estándar consta de 79 ejemplares. -Mr. Brainwash- Thierry Guetta (Equipo) Mr. Brainwash, alias del artista urbano Thierry Guetta, sigue influyendo en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti con sus obras distintivas que a menudo fusionan referencias a la cultura pop con una estética urbana transgresora. Su última incursión en el arte del cómic nos presenta una serigrafía de edición limitada del Joker, uno de los adversarios más infames de Batman en DC Comics. Esta pieza en particular es una impresionante representación del Joker, que encapsula la energía caótica y el espíritu anárquico del personaje. Elaborada mediante un meticuloso proceso de serigrafía manual de siete colores sobre papel de bellas artes, la impresión ejemplifica el estilo característico de Mr. Brainwash, que fusiona elementos del arte callejero y el arte pop. La obra es una explosión de color, con salpicaduras y goteos que sugieren una fuerza cruda e incontrolable, muy parecida a la del propio Joker. Este enfoque de la pieza evoca la espontaneidad y la naturaleza rebelde del grafiti, mientras que la icónica imaginería del cómic la vincula firmemente con las tradiciones del arte pop. Cada una de las láminas de edición limitada, con un impresionante tamaño de 81x109 cm, no solo está firmada y numerada, sino que también lleva la huella dactilar única del artista en el reverso, un sello de autenticidad y un toque personal de Mr. Brainwash. Con solo 79 piezas, esta obra es una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados a los cómics y al arte pop urbano contemporáneo. La elección del Joker resuena especialmente en la cultura actual, simbolizando la dualidad entre el caos y el intelecto. La interpretación de Mr. Brainwash conecta con el espíritu de la época, presentando al Joker como un personaje de cómic y un icono de las contradicciones sociales modernas. Esta obra representa una declaración audaz en la trayectoria de Mr. Brainwash, continuando su exploración de la cultura popular y sus iconos a través del arte urbano y el pop.

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La obra de arte "La luz la mantiene alejada" es una impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Brandon Sopinsky. Edición limitada firmada 2011

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The Mash - Edición limitada embellecida a mano. Impresiones de pigmentos de archivo y acrílico sobre papel de bellas artes de 310 g/m² por Cope2, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. "Esta pieza la hice a finales de 2014. Estaba en mi estudio, escuchando música, y sonó The Monster Mash. Fue gracioso porque empecé a pintar al ritmo de la canción y así fue como surgió. Esta pieza se parece más a lo que hago hoy en día. Es una mezcla de todo tipo de pintura y diferentes diseños. Tiene muchos elementos característicos de mi trabajo. Todo encaja. Es simple y directa. Sencillez." - Cope2 El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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La memoria de una molécula. Edición limitada de impresión giclée sobre papel de algodón aterciopelado, obra del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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