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MSK Taft Building 08 Edición Limitada Impresión Serigráfica HPM de 2 Colores con Detalles a Mano sobre Papel Verjurado por Saber Graffiti Street Artist Arte Pop Moderno. 2008 Firmada y numerada Saber MSK Taft Building 08, 2008 Serigrafía a color con detalles pintados a mano sobre papel verjurado 24 x 18 pulgadas (61 x 45,7 cm) (hoja) Edición de 200 Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior Publicada por Poster Child Prints, Los Ángeles Edificio MSK Taft 08 por Saber: Un monumento a la excelencia del grafiti La obra "MSK Taft Building 08" de Saber es una pieza fundamental que se erige como un monumento al movimiento del grafiti y su huella indeleble en el paisaje urbano. Esta pieza de 2008, una serigrafía bicolor sobre papel tejido, intervenida a mano y de edición limitada, forma parte de una exclusiva edición de 200 ejemplares. Cada impresión está meticulosamente firmada, numerada y fechada por el artista, lo que garantiza la autenticidad y el valor coleccionable de la obra. Publicada por Poster Child Prints en Los Ángeles, esta obra de 61 x 46 cm (24 x 18 pulgadas) captura el espíritu audaz y rebelde que caracteriza a Saber y a su colectivo MSK, también conocidos como Mad Society Kings. Saber, nacido en 1976, ha sido una figura clave en la evolución del arte pop urbano y el grafiti, ampliando los límites de lo que se puede lograr con pintura en aerosol y más allá. Sus obras se caracterizan por un dominio de las formas de las letras, una paleta vibrante y un enfoque innovador de la textura y la superposición de capas. "MSK Taft Building 08" es una poderosa representación del estilo de Saber, que muestra la capacidad del artista para transformar un medio de impresión tradicional en un reflejo dinámico de la cultura del arte callejero. Significado cultural e impacto del trabajo de Saber La importancia cultural y el impacto de la obra de Saber son innegables. Sus contribuciones al arte del grafiti han ayudado a elevar el género a nuevas alturas, ganándose el respeto y la admiración del mundo del arte y del público. La impresión "MSK Taft Building 08" encarna la esencia del arte del grafiti de Los Ángeles en un momento en que este medio experimentaba un renacimiento, pasando de las sombras de la ilegalidad al reconocimiento general. Con sus retoques a mano, esta pieza ofrece una visión del meticuloso proceso y la atención al detalle que Saber emplea en su oficio. Los acabados a mano en cada impresión garantizan que no haya dos piezas idénticas, otorgando a cada obra su identidad única. Esta práctica de retoque a mano recuerda la huella del grafitero en los muros de la ciudad, donde cada aerosol, línea y marca es un testimonio de la presencia del artista y su interacción con el lienzo. En esencia, "MSK Taft Building 08" de Saber es más que una obra de arte; Se trata de un documento histórico que captura el espíritu de una época concreta en la narrativa del arte urbano de Los Ángeles. Es un testimonio del talento y la influencia de Saber y el colectivo MSK, quienes han dejado una huella imborrable en la evolución del grafiti y el arte pop urbano. Esta obra no solo es una pieza preciada para los coleccionistas, sino también una fuente de inspiración para artistas emergentes y un símbolo del poder transformador del arte urbano.

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Mapa del metro de la MTA - Verde lima y morado. Obra de arte original única en técnica mixta con pintura acrílica en aerosol sobre papel reciclado del mapa del metro de Nueva York, realizada por un popular artista de graffiti callejero. Mapa del metro de Nueva York pintado a mano, original y único, en tonos verde lima y morado. Medidas: 22 x 33 pulgadas. El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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Etiqueta del mapa del metro de la MTA - Impresionante obra de arte original y única realizada con rotulador en el mapa del metro de la MTA por el popular artista de arte callejero y cultura pop Stay High 149 - Wayne Roberts. Pintura/dibujo original enmarcado y firmado de 2011 sobre un mapa del metro de Nueva York (MTA). Tamaño: 22,75 x 32,25 pulgadas.

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Letrero del metro de la MTA - Ascensor al entrepiso Arte Técnica mixta sobre señalización de la MTA Obra de arte del artista de la cultura pop callejera Cope2. Auténtico letrero original del metro de la MTA. Este letrero metálico de 35,5 x 130 cm (14 x 51 pulgadas) fue pintado con aerosol por Cope2. Nacido en 1968 como Fernando Carlo Jr. en la ciudad de Nueva York, las obras de Cope2 se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de Estados Unidos y otros países. Artista autodidacta, es una leyenda reconocida que ha contribuido durante más de 30 años a la cultura del grafiti. Uno de los grafiteros más prolíficos de Nueva York, comenzó a firmar en el sur del Bronx en 1978. Desarrolló su estilo en el metro y las calles del Bronx, creando obras de grafiti durante las décadas de 1980 y 1990, y obteniendo reconocimiento internacional por su estilo distintivo. Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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Muelle - Edición Limitada Fluor Violeta - Obra de Arte en Aerosol Crossover del famoso fabricante de pintura para graffiti Montana MTN. Lata de pintura en aerosol y caja de madera, edición limitada de 500 unidades (2022). Tamaño de la obra: 3 x 8 pulgadas. Lata de 400 ml. Hacia 1981, la palabra Muelle comenzó a aparecer en las paredes de Madrid. Eran obra de Juan Carlos Argüello, un joven del barrio de Campamento que pintaba grafitis en solitario a principios de los 80, aparentemente sin saber que se llamaban así. Pronto, muchos otros jóvenes decidieron imitarlo, dando origen a la primera generación de grafiteros en Madrid. Por este hecho y muchos otros méritos, Muelle se convirtió en un personaje famoso y muy respetado durante la Movida Madrileña hasta su muerte a los 29 años. -Montana MTN

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Mis sombras me cubren las espaldas. Obra original única de técnica mixta con pintura en aerosol y acrílico sobre lienzo del popular artista de graffiti callejero Chris RWK. Pintura original firmada sobre lienzo de 24x30 pulgadas, 2022 Criado en los años 80, el mundo de Chris se veía a menudo completamente inundado por las imágenes e ideas que le presentaban la televisión, los cómics, la música y las películas de la época. Inmerso en estos diversos medios, Chris comenzó a almacenar las imágenes que le surgían a través de sus experiencias cotidianas en lo que él llama un «diario mental».

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Mapa del metro de la ciudad de Nueva York. Edición limitada impresa con pigmentos de archivo en papel de bellas artes de 310 g/m² por Cope2, artista callejero de arte pop moderno. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 17 x 24 pulgadas. "Hacer una impresión de un mapa original del metro de Nueva York que creé en colaboración con 1xRun es una idea genial, ya que muchos coleccionistas de arte podrán tener una parte de mi historia en Nueva York. El concepto de usar un mapa del metro de Nueva York encaja a la perfección con mi trayectoria como leyenda del grafiti neoyorquino, porque fue en el metro donde me forjé un nombre, dejando mi firma en cada línea y en cada rincón del metro de la ciudad." - Cope2 Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV Edición limitada. Impresiones de pigmentos de archivo HPM con pintura en aerosol y detalles pintados a mano sobre papel Moab Fine Art por Cope2, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 15 ejemplares, firmada y numerada, 2019. Tamaño de la obra: 17 x 24 pulgadas. Mapas del metro de Nueva York IV, 2019. Impresión de pigmentos de archivo a color con retoques a mano sobre papel Moab Fine Art. 17 x 24 pulgadas (43,2 x 61 pulgadas) (hoja). Ed. 10/15. Firmada y numerada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo. La obra presenta un pequeño desgarro de 1,27 cm (0,5 pulgadas) en el borde inferior izquierdo. Adoptando las narrativas urbanas: Los mapas del metro de la ciudad de Nueva York de Cope2 IV "Mapas del Metro de Nueva York IV" de Cope2 es una fusión dinámica de la energía cruda del grafiti con la estética refinada del Pop Art moderno, que plasma el pulso de la vida urbana en un artefacto tangible del movimiento cotidiano de la ciudad. Esta serie de edición limitada de 2019, con solo 15 piezas firmadas y numeradas, representa una contribución significativa al movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Cada pieza de 43 x 61 cm es una impresión de pigmento de archivo intervenida a mano sobre papel Moab Fine Art, que ofrece una mezcla única de cultura callejera y arte de alta calidad. La firma de Cope2 autentica la obra, y su número de edición está escrito a lápiz en la esquina inferior izquierda. Una pieza en particular presenta un pequeño desgarro de 1,3 cm, lo que realza su autenticidad. La obra funciona como un archivo visual de la historia del grafiti neoyorquino, inmortalizando el arte espontáneo, a menudo efímero, que adorna los mapas del metro de la ciudad. Cope2, originario del Bronx, aporta autenticidad y credibilidad callejera a su trabajo, con una trayectoria de más de tres décadas en la escena del grafiti. Su obra "Mapas del metro de Nueva York IV" refleja la naturaleza compleja y con múltiples capas del arte callejero urbano, donde las etiquetas y los símbolos se entremezclan para contar las historias de los diversos habitantes de la ciudad. La intersección del arte callejero y las bellas artes en Cope2 La obra de Cope2 se sitúa en la intersección del arte urbano y las bellas artes, capturando la esencia de un medio en la forma del otro. Sus piezas son más que meras representaciones de grafitis callejeros; son la confluencia de las experiencias vividas del artista y su interacción con el entorno urbano. Los colores vivos y saturados, junto con las pinceladas enérgicas, evocan la época dorada del grafiti de los años 80 y 90, cuando artistas como Cope2 no solo decoraban la ciudad, sino que también marcaban territorios y expresaban identidades. La edición limitada de "Mapas del Metro de Nueva York IV" y los retoques realizados a mano por el propio Cope2 garantizan que cada lámina sea una pieza única, que encarna tanto el espíritu del arte urbano original como el toque personal del artista. La serie encapsula la crudeza de la subcultura del grafiti, elevándola a través de la técnica de grabado artístico, y desafiando las nociones tradicionales de lo que constituye arte y quién es considerado artista. En esencia, la obra de Cope2 es una celebración del lenguaje visual de las calles, presentada en el contexto de las bellas artes. Ofrece una narrativa profundamente arraigada en el tejido cultural de la ciudad de Nueva York, brindando una instantánea de un movimiento que ha evolucionado desde los márgenes hasta la corriente principal. La serie "Mapas del metro de Nueva York IV" no solo rinde homenaje a la historia del arte callejero, sino que también afirma su lugar dentro del continuo del arte contemporáneo. A través de su obra, Cope2 continúa influyendo y dando forma al diálogo en torno al arte pop callejero y el grafiti, asegurando que la vitalidad de la cultura callejera siga siendo una parte esencial del discurso del mundo del arte.

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Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV PP Prueba de imprenta Edición limitada Pintura en aerosol Decorada a mano Impresiones de pigmentos de archivo HPM en papel Moab Fine Art por Cope2 Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. Prueba de imprenta PP 2019. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 17x24 pulgadas. Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV. Impresión de pigmentos de archivo a color con detalles pintados a mano sobre papel Moab Fine Art. El legado artístico de Cope2 en "Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV PP Prueba de imprenta" La obra "New York City Subway Maps IV PP Printers Proof" de Cope2 representa la confluencia de la autenticidad callejera y la innovación artística dentro del Pop Art moderno. Esta edición limitada de 2019, firmada y marcada por el artista, rinde homenaje al espíritu crudo de la cultura callejera neoyorquina. La obra, de 43 x 61 cm, es una impresión de pigmento de archivo con detalles pintados a mano sobre papel Moab Fine Art, que evoca la esencia visceral de la vida urbana a través de vibrantes pinturas en aerosol y audaces estilos de grafiti. Como figura clave del movimiento del grafiti y el arte callejero, la obra de Cope2 encapsula la vibrante energía visual y caótica de la ciudad, que nunca duerme. Su "New York City Subway Maps IV" representa el icónico sistema de transporte y un lienzo que exhibe la compleja historia del grafiti, sinónimo del metro de la ciudad. Los detalles pintados a mano revelan el toque personal de Cope2, convirtiendo cada pieza en un fragmento único de la narrativa urbana de Nueva York. Combinando técnicas tradicionales con estética urbana La edición Printers Proof de Cope2 difumina las fronteras entre las técnicas tradicionales de grabado y la estética urbana del grafiti. Al incorporar retoques a mano, cada impresión trasciende su condición de mera reproducción, convirtiéndose en una obra de arte única. La serie demuestra la versatilidad de Cope2 como artista capaz de adaptar la espontaneidad del arte callejero a la impresión artística. La serie "Mapas del Metro de Nueva York IV" es un artefacto cultural que refleja la evolución del arte callejero, desde un acto de rebeldía hasta una forma reconocida de expresión artística. La obra de Cope2 ha transitado de las superficies efímeras de los vagones del metro a la permanencia del papel de bellas artes, permitiendo capturar, preservar y apreciar la naturaleza transitoria del arte callejero como parte del extenso canon del arte contemporáneo. La edición limitada Printers Proof es un testimonio del atractivo perdurable del arte callejero y su importancia dentro del contexto más amplio de la cultura pop. Esta obra subraya la importancia de preservar la naturaleza efímera del grafiti, a la vez que ofrece un medio accesible para que coleccionistas y aficionados al arte se conecten con el arte urbano de una forma novedosa. En esencia, "New York City Subway Maps IV PP Printers Proof" de Cope2 es un vibrante homenaje a las calles de Nueva York, una muestra tangible del alma artística de la ciudad. A través de su trabajo, Cope2 sigue desempeñando un papel fundamental en la configuración de la narrativa del arte pop urbano y el grafiti, asegurando que las voces de las calles se escuchen y se celebren en galerías y colecciones de todo el mundo. Su obra sigue siendo una intersección dinámica de color, forma y narrativa urbana, que captura el pulso de la ciudad en cada línea pintada con aerosol y cada firma dibujada a mano.

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New York Yankees Airbrush- White Deck Fine Art Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Transferencia sobre Tabla de Skate de Madera de Chapa Natural por Artistas de Graffiti de Arte Callejero en Supreme. Tabla de skate Supreme x New York Yankees Airbrush 2021 - Blanca, 8.25" x 32". Tabla Supreme totalmente recubierta con el logo impreso en la parte inferior. Logo de la caja impreso en la parte superior. Producto oficial de los Yankees de la MLB, fabricado exclusivamente para Supreme.

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No Cure, pintura original en aerosol acrílico de Cope2 - Fernando Carlo. Obra de arte única sobre lienzo del artista pop de arte callejero. 2020. Obra original firmada, técnica mixta (aerosol y acrílico), 43 x 53 cm, sobre lienzo sin bastidor. Explosión de color: "Sin cura" de Fernando Carlo Fernando Carlo, conocido en el mundo del arte urbano y el grafiti como Cope2, es un artista nacido en el Bronx cuya obra vibra al ritmo de la vida urbana. Su pieza titulada "No Cure Original Acrylic Spray Paint Painting" es un lienzo espectacular que exhibe la energía cruda y el colorido caos que definen el arte urbano. Creada en 2020, esta obra única es una amalgama de acrílico y pintura en aerosol, que refleja la destreza de Cope2 con las técnicas mixtas y sus profundas raíces en la cultura del grafiti. Con unas impresionantes dimensiones de 43x53 pulgadas sobre lienzo sin bastidor, "No Cure" se erige como testimonio de la influencia perdurable de Cope2 en el ámbito del arte urbano contemporáneo. En el lienzo, vemos una explosión de colores y formas que chocan y se mezclan en una armonía casi musical. La obra está firmada por el artista, lo que no solo certifica su autenticidad, sino que también la convierte en una pieza significativa dentro de su extensa obra. La firma de Cope2 es reconocida mundialmente, un símbolo de credibilidad en la escena del grafiti, en constante evolución. Con "No Cure", Cope2 demuestra su versatilidad y su compromiso con el oficio, ofreciendo un espectáculo visual que es a la vez un homenaje al pasado y un paso hacia el futuro del arte urbano. El audaz arte de Cope2 La trayectoria de Fernando Carlo como Cope2 es una historia grabada en las propias calles de Nueva York. Desde la década de 1980, ha sido una figura sinónimo del grafiti, considerado a menudo uno de los pioneros del grafiti en el metro de Nueva York. Su estilo ha evolucionado a lo largo de las décadas, pero conserva la esencia del movimiento: audaz, provocador y abiertamente público. «No Cure» captura esta evolución; su lienzo es una fusión dinámica de elementos tradicionales del grafiti con la estética experimental del arte pop. El título «No Cure» evoca una expresión cruda y desenfrenada. Sugiere una enfermedad sin remedio, quizá una referencia a la naturaleza adictiva de la creación artística, especialmente en el contexto del arte urbano, donde el acto de pintar puede ser tan cautivador como la obra misma. Esta pintura no busca curar, sino capturar y transmitir las complejas capas de la vida urbana, la narrativa interior del artista y el vibrante diálogo cultural de las calles. La presencia sin complejos del texto, los motivos abstractos y la pintura salpicada ilustra el enfoque intrépido de Cope2 hacia el arte y la vida. Contextualizando "No Cure" en el arte pop callejero «No Cure» no es solo una obra de arte, sino una representación visual de la cultura de la que surge. Comprender esta pieza implica adentrarse en la historia del arte urbano y su transición al espacio de las galerías. El arte pop urbano, con sus raíces en los movimientos contraculturales del siglo XX, busca llevar la vitalidad de la cultura callejera al a menudo estéril mundo de las bellas artes. Cope2 lo logra magistralmente, inspirándose en sus experiencias como nativo del Bronx para infundir a su obra una autenticidad imposible de fabricar. El año 2020, cuando se creó «No Cure», marcó una era en la que el arte urbano se había consolidado como un género capaz de ocupar las paredes de espacios artísticos de alto nivel sin perder su esencia callejera. En este sentido, la obra de Fernando Carlo actúa como puente, conectando las aceras desgastadas y cubiertas de grafitis con las paredes blancas de los coleccionistas de arte que buscan un pedazo de la calle para sí mismos. «No Cure» encarna el espíritu de la época del arte urbano contemporáneo, un faro del espíritu perdurable y la naturaleza cambiante del arte pop callejero y el grafiti. En el discurso más amplio del arte pop callejero, «No Cure» de Cope2 es un capítulo vibrante que refleja la diversidad y complejidad del arte del grafiti. Se erige como un colorido testimonio de la fuerza artística de Fernando Carlo y la huella imborrable que ha dejado en el tejido cultural del paisaje urbano. A medida que se difuminan las fronteras entre el arte callejero y las bellas artes, obras como «No Cure» nos recuerdan que en el corazón de este movimiento reside el poder de la expresión cruda y sin filtros: un poder que, en efecto, no tiene cura.

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No hay socorrista de guardia. Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en papel de bellas artes de 310 g/m² de Jessica Hess, artista callejera de graffiti, arte pop moderno. Mis amigos llevaban años diciéndome que tenía que explorar Detroit. Por fin tuve la oportunidad el verano pasado (2014). ¡Era un paraíso para la exploración urbana! Solo tuve dos días para recopilar fotos de referencia de la ciudad para mis pinturas y me abrumó la cantidad de material. Mis pinturas buscan capturar la fascinación y la emoción de explorar lo que una vez fue familiar, ahora es de otro mundo, la belleza en la decadencia. Mi pintura «Sin socorrista de guardia» es del Centro Recreativo Brewster Wheeler. Me han dicho que ahora está previsto su remodelación. Supongo que se acabó la fiesta del grafiti. Lamentablemente, la mayoría de mis sujetos desaparecen poco después de pintarlos. Me hace sentir como una especie de Parca de la arquitectura. Pero desde hace años tengo una suerte increíble al capturarlos antes de que desaparezcan. - Jessica Hess

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No pasar, no hacer grafitis 12x18- III Pintura original de técnica mixta, artista de graffiti, arte pop moderno sobre letrero de metal real de Cope2. Letrero de calle de metal real, original y firmado, pintado con aerosol, con letras burbuja. Tamaño de la obra: 12x18. Prohibido el paso. No se permiten grafitis. Señal de vigilancia. Desafiando las normas con el arte pop callejero y el graffiti de Cope2 La obra "No Trespassing No Graffiti 12x18- III" de Cope2 es una pieza provocativa que encarna el espíritu rebelde del arte pop urbano y el grafiti. Esta pintura original en aerosol, firmada en 2020, presenta letras burbuja sobre una señal de tráfico metálica real de 30x45 cm (12x18 pulgadas), proclamando con audacia "El grafiti es un delito". Esta obra desafía directamente las fronteras legales y sociales que durante mucho tiempo se han impuesto a los grafiteros. Cope2, un nombre con peso en el mundo del grafiti, utiliza esta pieza para confrontar la paradoja del grafiti como forma de arte: su existencia simultánea como creación celebrada y acto delictivo. El soporte de la señal de tráfico metálica, un objeto que suele representar la ley y el control, se subvierte y se reutiliza como lienzo para la libre expresión artística. Esta inversión simboliza la naturaleza misma del arte urbano: un medio que a menudo existe en espacios fuertemente regulados y vigilados. Al elegir esto como su lienzo, Cope2 no solo crea una obra de arte; Elabora una declaración sobre el derecho al espacio público y la naturaleza de la libertad artística. El comentario sociocultural del trabajo de Cope2 «Prohibido el paso. No se permiten grafitis» es más que una obra visualmente impactante; funciona como un comentario sociocultural sobre el estado actual del arte urbano. Los colores brillantes y las inconfundibles letras de burbuja son elementos esenciales del grafiti tradicional, pero contrastan fuertemente con el fondo formal y autoritario de la señal de tráfico. Este contraste es una metáfora visual de la tensión entre el artista y el sistema, entre la creatividad y la conformidad. La obra captura la esencia de Cope2: un artista que ha prosperado frente a la adversidad y los desafíos legales durante más de tres décadas. Esta pieza de técnica mixta muestra su dedicación al oficio y su capacidad de adaptación y evolución. Presentó su obra en las calles a una figura respetada del arte pop moderno, manteniendo la rebeldía y la autenticidad de sus raíces callejeras. Impacto de la orden "Prohibido el paso, prohibido el grafiti" en el arte pop callejero y el grafiti El impacto de "No Trespassing No Graffiti" de Cope2 en la percepción del arte pop urbano y el grafiti es innegable. Encarna la rebeldía inherente a este género artístico. Sin embargo, también representa una maduración de la forma, una señal de que el arte urbano ha reclamado su lugar legítimo en el discurso artístico contemporáneo. La obra se erige como un símbolo de resistencia contra la criminalización del grafiti, instando a una revisión de las leyes y percepciones culturales que rigen la expresión pública. A través de esta obra, Cope2 reivindica el valor del arte urbano como una forma legítima y poderosa de expresión social y artística. La pintura interpela directamente al espectador, una invitación a cuestionar y redefinir los límites de la legalidad y el arte. Es una declaración audaz de que la presencia del grafiti en el espacio público puede ser tanto un acto de vandalismo como un importante artefacto cultural. "No Trespassing No Graffiti" es una pieza clave en la narrativa del arte pop urbano y el grafiti. Es un testimonio de la influencia perdurable de Cope2 y su compromiso por expandir los límites de lo que el arte urbano puede transmitir. Esta obra no es solo una declaración contra la prohibición; es una proclamación del poder transformador del grafiti, su papel en desafiar el statu quo y su potencial para cambiar nuestra interacción con el paisaje urbano y nuestra comprensión del mismo. Es una pieza que encapsula la compleja identidad del grafiti, erigiéndose como un ejemplo vibrante del diálogo entre el artista, la ciudad y la sociedad.

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No está mal para una chica. Impresiones artísticas de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² del artista de arte callejero y cultura pop Indie184. Edición limitada de 15 ejemplares, firmada y numerada (2021). Tamaño de la obra: 13 x 17 pulgadas. Indie184 "Nada mal para una chica" - Impresión de archivo, edición limitada de 15 - 33 x 43 cm (13 x 17 pulgadas) "Nada mal para una chica" (Rita Moreno) • Impresión de pigmento de archivo autografiada • Impresa en papel de archivo Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² • 33 x 43 cm (13 x 17 pulgadas) Firmada y numerada a mano por la artista Indie 184 en una edición limitada de 15

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Mapa de rutas de Nueva York | Papel secante | Edición limitada | Impresión artística de pigmento de archivo sobre papel secante perforado por Cope2 | Arte pop/LSD Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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NY Tripway Map II Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secador Perforado por Cope2 arte pop cultura LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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NY Tripway Map III Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secador Perforado por Cope2 Arte de la cultura pop LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. A mediados de la década de 1990, Cope2 comenzó a transitar lentamente de las calles al circuito artístico de las galerías. En aquel entonces, el arte callejero no era tan popular como lo es hoy en día, y la percepción general que tenía del mismo aún estaba intrínsecamente ligada a los barrios marginales, el narcotráfico, etc. El artista nunca ha ocultado su problemático pasado y evita idealizarlo para impulsar su carrera y su imagen artística. Al contrario, menciona lo siguiente: «Hombre, no hay nada de qué enorgullecerse en la vida callejera, pero tuve a mi primer hijo a los 16 años. Así que tuve que ganar dinero para mantenerlo a él y a su madre».

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NY Tripway Map IV Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secador Perforado por Cope2 arte pop cultura LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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Mapa de rutas de Nueva York V Edición limitada Impresión artística en papel secante con pigmentos de archivo sobre papel secante perforado del artista pop moderno Cope2. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2022. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Libro de arte poco conocido etiquetado por Zes Zeser x The Seventh Letter. Edición limitada y rara. Obras de arte de referencia de la cultura urbana del grafiti pop moderno. Edición limitada de 2014, firmada y con la portada firmada (2000 ejemplares). Tamaño: 9,5 x 6,5 pulgadas. Número de páginas: 121. Obras de arte y graffiti de Zes, también conocido como Zaser. Esta edición de tapa dura presenta tapas blancas con un distintivo círculo negro en ambas cubiertas, complementado con letras negras en el lomo. El libro no está paginado y contiene 121 páginas con fotografías en blanco y negro a página completa de Zes. Libro de arte poco conocido etiquetado por Zes Zeser: Una rara edición limitada de arte urbano pop moderno El libro de arte «The Obscure» de Zes, también conocido como Zeser, es una publicación rara y muy codiciada de edición limitada que muestra el mundo crudo e inmersivo del arte urbano pop del grafiti moderno. Limitado a solo 2000 ejemplares, este libro de tapa dura encapsula la esencia de la cultura urbana a través de 121 páginas de impactantes fotografías en blanco y negro. El libro se convierte en una referencia fundamental para los entusiastas del arte urbano pop y el grafiti, ofreciendo una visión auténtica de la obra de uno de los artistas de grafiti más influyentes de Los Ángeles. Diseño y estética de la edición limitada Esta edición limitada de 2014 presenta un diseño minimalista a la par que impactante. La tapa dura está adornada con tapas blancas que contrastan con un llamativo círculo negro tanto en la portada como en la contraportada, otorgándole una identidad visual impactante y sobria. El lomo luce la inscripción en letras negras "Obscure", que encapsula la naturaleza enigmática de su contenido. El libro mide 24 x 16,5 cm, un formato compacto pero sustancioso que permite una experiencia de lectura íntima de la fotografía y las expresiones artísticas de Zes. Un aspecto particularmente notable de esta edición es la portada firmada a mano, lo que hace que cada ejemplar sea único. Zes, una figura profundamente arraigada en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti de Los Ángeles, ha dejado su huella en la portada, aumentando su valor como pieza de colección. Esta firma refuerza la autenticidad del libro como producto de la subcultura del grafiti, donde las firmas y los tags son una forma fundamental de identidad artística. Explorando la profundidad del arte pop callejero y el arte del grafiti El contenido de Obscure se presenta sin paginación, lo que permite al lector sumergirse por completo en la narrativa visual creada por Zes. El libro se compone íntegramente de fotografías en blanco y negro a página completa, que capturan momentos del entorno urbano a través de la mirada de un artista de grafiti. La estética monocromática amplifica la energía cruda de las calles, retratando la crudeza, el dinamismo y la rebeldía inherentes a la cultura del grafiti. Zes, originario de Los Ángeles, ha sido una figura activa en el mundo del grafiti desde la década de 1990. Su obra suele explorar temas como el movimiento, el espacio y la identidad, reflejando la naturaleza transitoria y a menudo efímera del arte callejero. A diferencia de las obras de galería tradicionales, el grafiti es inherentemente impermanente, sujeto a la eliminación, destrucción o superposición por parte de otros artistas. Este libro constituye una documentación crucial del trabajo de Zes, preservando momentos que de otro modo podrían perderse en el tiempo. La importancia de lo oscuro en la cultura del arte urbano Obscure es mucho más que un libro de fotografías; es un documento histórico de una época significativa del arte pop callejero y el grafiti. Con las instituciones artísticas convencionales reconociendo cada vez más la legitimidad del grafiti como una poderosa forma de expresión contemporánea, obras como este libro proporcionan una documentación esencial de los artistas que dieron forma a la cultura desde sus inicios. El libro captura la tensión entre creación y destrucción, anonimato y reconocimiento, elementos definitorios del mundo del grafiti. Para coleccionistas, entusiastas del arte urbano e investigadores del arte pop callejero y el grafiti, este libro es una referencia fundamental. El hecho de que sea una edición limitada, firmada a mano por el artista, no hace sino aumentar su rareza y atractivo. La obra de Zes continúa influyendo e inspirando a una nueva generación de artistas que exploran el panorama cambiante de la expresión urbana, convirtiendo a Obscure en una pieza invaluable de la historia del grafiti.

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El anciano y Varaniassi con vides otoñales Brooklyn 2013 Impresión Giclée de Swoon- Caledonia Curry Artwork Impresión de edición limitada en papel grueso de bellas artes Rag Graffiti Pop Artista callejero. Edición limitada de 175 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 19 x 13. De la colección de impresiones de la serie Swoon Street. El anciano y Varaniassi con viñas otoñales por Caledonia Curry, también conocida como Swoon «El anciano y Varaniassi con enredaderas otoñales, Brooklyn, 2013» es una impactante impresión giclée de Caledonia Curry, la influyente artista de arte urbano pop y grafiti conocida como Swoon. Lanzada en 2016 como parte de la colección de impresiones «Swoon Street Series», esta edición firmada y numerada de 175 ejemplares presenta una de sus intervenciones con engrudo más evocadoras y poéticas. Capturada in situ, la obra muestra un intrincado retrato en blanco y negro de un anciano, realizado con engrudo, sobre el fondo de una pared de Brooklyn con texturas desgastadas, cubierto por enredaderas otoñales y rodeado de vibrantes elementos urbanos. La impresión mide 48 x 33 cm y está impresa en papel de algodón de calidad museo, lo que realza el detalle y la riqueza tonal de la composición original. Simbolismo del arte pop callejero en los retratos urbanos de Swoon La capacidad de Caledonia Curry para insuflar profundidad emocional a los espacios públicos la ha convertido en una voz definitoria de la cultura urbana contemporánea. En «El anciano y Varaniassi con vides otoñales», la figura aparece contemplativa y curtida por el tiempo, plasmada en su característico estilo de dibujo a mano, recorte y pegado. El fondo crea un rico tapiz de decadencia y vida: pintura desconchada, grafitis, pegatinas y hiedra coexisten como decadencia y regeneración, tanto natural como cultural. Esta sinergia entre sujeto y entorno refleja uno de los temas centrales en la obra de Curry: honrar la dignidad humana en medio del caos de la vida urbana. La obra se nutre del lenguaje del grafiti y de las bellas artes, fusionando el retrato con la fisicidad del pavimento y añadiendo capas de simbolismo que recompensan la contemplación pausada. La artista callejera pop y del grafiti Caledonia Curry y su legado en el grabado Caledonia Curry ha traspasado constantemente los límites del arte pop urbano y el grafiti al documentar sus efímeras intervenciones públicas mediante láminas artísticas de edición limitada. Estas láminas no son meras reproducciones, sino reinterpretaciones esenciales que conservan el impacto emocional y estético de las instalaciones originales. «El anciano y Varaniassi con vides otoñales» es un ejemplo clave de cómo Curry transforma momentos urbanos fugaces en registros artísticos permanentes. El denso trazo, la atmósfera envolvente y la interacción entre la figura y la decadencia urbana reflejan su formación en grabado y su compromiso con las narrativas comunitarias. Esta lámina es a la vez una pieza de la historia del arte y una continuación de la narrativa callejera. Preservando historias urbanas a través de ediciones de arte La obra «El Viejo y Varaniassi con Enredaderas de Otoño Brooklyn 2013» se erige como un documento perdurable del trabajo de Swoon en Nueva York durante un período crucial de su carrera. Impresa con tintas de archivo sobre papel artístico de alta calidad y gramaje, esta edición refleja el cuidado técnico y la profundidad conceptual que Curry imprime en todos sus proyectos. Ya sea apreciada en la calle o como una impresión de calidad de galería, su obra comunica empatía, memoria y resiliencia. Como parte de la Colección de Impresiones de la Serie Callejera de Swoon, esta pieza permite a coleccionistas e instituciones conectar con la cruda inmediatez de la cultura urbana en un formato que honra su valor artístico y cultural. Caledonia Curry continúa dando forma al Arte Pop Urbano y al Arte del Grafiti a través de su visionaria fusión de precisión artística y compromiso social.

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En un latido, pintura original de técnica mixta del artista de graffiti Chris RWK, arte pop moderno sobre letrero de metal real. 2022. Original firmado. Técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre señal de stop real de 30x30. Inmerso en diversos medios, Chris comenzó a almacenar las imágenes que le surgían a través de sus experiencias cotidianas en lo que él llama un «diario mental». Este diario era un refugio para sus pensamientos al que podía recurrir siempre que lo necesitara.

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Sobre los hombros de pequeños gigantes I. Impresiones artísticas de edición limitada con pigmentos de archivo sobre lienzo del artista de arte callejero y cultura pop Dave Pollot. 2021 #1/25 Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 31x40 pulgadas. Impresión en lienzo de gran formato sobre lienzo de 17 milésimas de pulgada con pH neutro. 2 pulgadas de margen blanco alrededor de la imagen. Sobre los hombros de pequeños gigantes I: Impresión artística de pigmento de archivo de Dave Pollot «A hombros de pequeños gigantes» es una impresión artística de alta calidad sobre lienzo, creada por el artista urbano y de cultura pop Dave Pollot. Lanzada en 2021, esta obra es una edición limitada de 25 ejemplares, firmados y numerados por el artista. El primer ejemplar (n.º 1/25) mide 79 x 102 cm (31 x 40 pulgadas). La habilidad de Pollot para fusionar la pintura de paisaje tradicional con elementos modernos del arte pop y el grafiti se aprecia en esta obra de gran formato. El uso de lienzo de 17 milésimas de pulgada con pH neutro garantiza la durabilidad de la impresión, ofreciendo resistencia y una rica textura. Explorando las capas de tradición y modernidad en la obra de Pollot La obra de Dave Pollot suele centrarse en la lúdica intersección entre las formas artísticas clásicas y las referencias culturales contemporáneas. En «A hombros de pequeños gigantes I», Pollot toma lo que a primera vista parece un paisaje tradicional y lo transforma con una explosión de modernidad inspirada en el grafiti. El primer plano de la obra representa una escena bucólica y apacible, con árboles que bordean un río tranquilo. Los colores son apagados, evocando los tonos suaves y terrosos característicos del arte paisajístico del siglo XIX. El paisaje en sí parece invitar al espectador a un mundo sereno donde el tiempo se detiene. Sin embargo, el sello distintivo de Pollot es fusionar estos elementos tradicionales con un giro audaz y contemporáneo. En el centro de la imagen, la pintura parece rasgarse, revelando un patrón de grafiti caótico, de estilo caricaturesco. Esta capa inferior está repleta de garabatos abstractos y pequeños personajes, que evocan una sensación de energía frenética y la cultura del arte urbano. El efecto es a la vez impactante y fascinante, como si la tranquila superficie del cuadro se hubiera desgarrado para revelar el vibrante y a menudo caótico mundo que yace debajo. Este contraste entre lo antiguo y lo nuevo, lo sereno y lo caótico, es un tema central en gran parte de la obra de Pollot. Invita a los espectadores a cuestionar sus ideas preconcebidas sobre el arte y la cultura, preguntándose si lo antiguo y lo nuevo pueden coexistir realmente o si uno siempre dominará al otro. En esta pieza, Pollot parece sugerir que ambos están inextricablemente ligados: que la cultura moderna, con todo su ruido y caos, se construye sobre los cimientos del pasado. La influencia del arte pop callejero y el grafiti El uso que hace Pollot de imágenes inspiradas en el grafiti en «A hombros de pequeños gigantes I» se vincula directamente con la tradición del arte pop urbano. Este arte suele tomar elementos del grafiti urbano y recontextualizarlos dentro del marco de las bellas artes. En esta obra, Pollot hace precisamente eso, utilizando la sección arrancada del lienzo para revelar un intrincado mundo de garabatos y personajes similares al grafiti. Los personajes de la capa inferior recuerdan a las figuras lúdicas, a veces absurdas, que suelen encontrarse en el arte urbano, aportando un toque de humor y fantasía a la obra. Al mismo tiempo, el elemento del grafiti sirve como comentario sobre la tensión entre las formas de arte culto y popular. Las pinturas de paisaje tradicionales se consideran a menudo parte del canon del «arte culto», mientras que el grafiti se asocia típicamente con la cultura urbana y los movimientos contraculturales. Al combinar ambos, Pollot invita al espectador a cuestionar las jerarquías existentes en el mundo del arte. ¿Es una forma de arte inherentemente más valiosa o legítima que la otra, o acaso ambas tienen algo importante que ofrecer? La decisión de Pollot de representar la capa de grafiti como algo oculto bajo la superficie de la pintura tradicional plantea interesantes interrogantes sobre qué es visible y qué se oculta en el arte y la cultura. El grafiti suele crearse en espacios públicos, pero con frecuencia se pinta encima o se borra, considerándose su presencia indeseable en ciertos contextos. En «A hombros de pequeños gigantes I», Pollot saca a la luz esta capa oculta, obligando al espectador a enfrentarse al vibrante y caótico mundo que a menudo permanece fuera de su vista. La técnica y la materialidad de la impresión La atención al detalle de Pollot se evidencia no solo en la composición de la obra, sino también en los materiales y técnicas empleados. El proceso de impresión con pigmentos de archivo garantiza que los colores se mantengan vibrantes y fieles a la visión del artista a lo largo del tiempo. Esto es particularmente importante para una obra como «A hombros de pequeños gigantes I», donde el contraste entre los tonos apagados del paisaje y la llamativa y colorida capa de grafiti es fundamental para el impacto general de la obra. El uso de lienzo de 17 milésimas de pulgada con pH neutro proporciona una superficie resistente y de alta calidad para la impresión, permitiendo que la textura del lienzo realce la riqueza de la imagen. El tamaño de la impresión, de 31 x 40 pulgadas, la convierte en una pieza impactante. El gran formato permite al espectador apreciar plenamente los intrincados detalles tanto del paisaje como de los elementos del grafiti. El uso por parte de Pollot de un margen blanco de 2 pulgadas alrededor de la imagen realza aún más la sensación de profundidad y espacio, atrayendo la mirada del espectador hacia el centro de la obra. Este margen también cumple una función práctica, facilitando el enmarcado de la impresión al tiempo que se mantiene la integridad de la imagen. La evolución del arte moderno en la obra de Pollot «A hombros de pequeños gigantes I» es un ejemplo paradigmático de cómo artistas modernos como Dave Pollot están replanteando los límites del arte. La obra de Pollot se inscribe en un movimiento más amplio dentro del arte contemporáneo que busca derribar las barreras entre alta y baja cultura, tradición y modernidad, bellas artes y arte urbano. Al fusionar estos elementos, Pollot crea un diálogo visual que refleja la complejidad de la vida moderna. Su decisión de incorporar elementos del grafiti a un paisaje tradicional también refleja la creciente influencia del arte urbano en el mundo de las bellas artes contemporáneas. Artistas como Banksy y Shepard Fairey han popularizado el arte urbano, desafiando las ideas convencionales sobre qué es el arte y a qué lugar pertenece. La obra de Pollot se basa en esta tradición, utilizando el lenguaje del arte urbano para subvertir las convenciones de la pintura clásica. «A hombros de pequeños gigantes I» es una prueba fehaciente de la habilidad de Pollot para desenvolverse en el complejo terreno del arte moderno. Su obra es a la vez una celebración del pasado y un comentario sobre el presente, invitando a los espectadores a reconsiderar sus ideas preconcebidas sobre el arte, la cultura y el mundo que les rodea. La edición limitada de la lámina, junto con el estilo característico de Pollot, convierte esta pieza en una valiosa adición a cualquier colección de arte contemporáneo, especialmente para quienes aprecian la fusión del arte pop urbano y la cultura del grafiti con las formas tradicionales de las bellas artes.

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Adquiera la serigrafía de edición limitada "One Love" de 4 colores, impresa a mano en papel de bellas artes por 123Klan, un artista de arte callejero raro y famoso del arte pop. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2011. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía a 4 colores sobre papel de 100 libras, libre de ácido. Impresa por Ben LaFond.

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Opal IV #5 Edición limitada, impresiones de pigmentos de archivo con pintura en aerosol HPM, intervenidas a mano, sobre papel Hahnemühle Fine Art por Indie 184, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 5 piezas pintadas a mano, firmadas y numeradas (2021). Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Opal IV Edición Limitada Firmada • Impresión de pigmento de archivo autografiada y embellecida a mano • Aerosol sobre papel de bellas artes mate Hahnemühle William Turner, 310 GSM • Barnizada a mano • 18 x 24 pulgadas Embellecida a mano, firmada y numerada por el artista Indie 184 en una edición especial de 5 HPM.

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Open Arms - Edición Limitada en Lata de Pintura en Aerosol Rojo Claro, Obra de Arte Crossover del famoso fabricante de pintura para graffiti Montana MTN. Lata de pintura en aerosol y caja de madera, edición limitada de 500 unidades (2021). Tamaño de la obra: 3 x 8 pulgadas. Lata de 400 ml. Open Arms es una organización no gubernamental sin ánimo de lucro dedicada a salvaguardar la vida de las personas que intentan llegar a Europa por mar, huyendo de conflictos bélicos, persecución o pobreza. Mediante la vigilancia y el rescate de embarcaciones en el Mediterráneo central, su labor solidaria se extiende a otros ámbitos como el asesoramiento y la formación de personas migrantes, el desarrollo de alternativas a la migración irregular y la sensibilización social a través de la denuncia de injusticias. -Montana MTN

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Orange Umber #1 Pintura original MTN Acrílico en aerosol sobre papel de acuarela por Dvate, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. La impresión se basa en una obra original que realicé hace unos años para una exposición colectiva en nuestra antigua galería, PerSquareMetre. Estaba explorando la degradación y la superposición de capas, además de pintar sobre objetos encontrados. La pieza original pertenece a mi esposa, ¡y no quiere desprenderse de ella! La obra original se creó con una combinación de pintura acrílica y esmalte en aerosol. La obra está pintada sobre una antigua lámina que perteneció a mi madre. Me gustó mucho la textura y el desgaste de la madera en el reverso, así que ese fue el lado que elegí pintar. La lámina, un tanto cursi, de los años 50, sigue en el otro lado. En aquel entonces trabajaba con muchos objetos encontrados y personalizaba mi estilo de letra para adaptarlo a ellos. Siempre he utilizado la superposición de capas en mi trabajo para crear profundidad y hacer referencia a las paredes urbanas y crudas que fueron mi lienzo original. - Dvate

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Orange Umber #2 Pintura original MTN Acrílico en aerosol sobre papel de acuarela por Dvate Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. La impresión se basa en una obra original que realicé hace unos años para una exposición colectiva en nuestra antigua galería, PerSquareMetre. Estaba explorando la degradación y la superposición de capas, además de pintar sobre objetos encontrados. La pieza original pertenece a mi esposa, ¡y no quiere desprenderse de ella! La obra original se creó con una combinación de pintura acrílica y esmalte en aerosol. La obra está pintada sobre una antigua lámina que perteneció a mi madre. Me gustó mucho la textura y el desgaste de la madera en el reverso, así que ese fue el lado que elegí pintar. La lámina, un tanto cursi, de los años 50, sigue en el otro lado. En aquel entonces trabajaba con muchos objetos encontrados y personalizaba mi estilo de letra para adaptarlo a ellos. Siempre he utilizado la superposición de capas en mi trabajo para crear profundidad y hacer referencia a las paredes urbanas y crudas que fueron mi lienzo original. - Dvate

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Own Your Power - Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en papel de bellas artes de 330 g/m² por Indie184, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 15 ejemplares, firmada y numerada (2021). Tamaño de la obra: 13 x 17 pulgadas. Ambas piezas fueron creadas originalmente para mi primera exposición individual, "Go Hard", en Los Ángeles. El título y el tema de la muestra surgieron de una revelación y de un lema que guía mi vida. En mi vida, desempeño muchos roles y, al final del día, nadie me va a enseñar ni a decir cómo hacerlo. Mi éxito depende de cuánto me esfuerce. Soy mi propia artista. Todas las piezas son mundos de declaraciones personales; son recordatorios constantes que me ayudan a mantenerme empoderada. Básicamente, mucha automotivación, superación del miedo y un innegable toque feminista en la mayor parte de mi trabajo. Elegí a los íconos femeninos no solo por su deslumbrante belleza, sino también por su historia: cómo llegaron, triunfaron y revolucionaron el mundo. "Don't Get It Twisted" con María Montes, la Reina del Technicolor, y "Own Your Power" con Marquita Rivera, la Reina del Ritmo Latino. Me encantó cómo, siendo chicas de pueblo, persiguieron sus sueños, rompieron barreras y llegaron a la cima. Leyenda mundial, con grandes aspiraciones. Me gusta ese toque femenino rebelde en las piezas. - Indie

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Oxnard Orange SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One, arte callejero. En la segunda versión del Kali Kolors Kranky, Superplastic y Sket One se han unido de nuevo para traerte una explosión de naranja Oxnard a tu colección Kranky. Recién exprimido, este nuevo y vibrante añadido a la familia Kranky te dará la dosis diaria de vitamina C que necesitas. Mide 20 cm de alto.

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Obra de arte de Ozymandias, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Scott Listfield .

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Palmeras Edición Limitada Serigrafía de Técnica Mixta con Detalles Pintados a Mano sobre Papel Pesado de 200 libras por Bobby Hill Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Pasadena Pink SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One, arte callejero. Sket One ha entregado su tercer Kali Kolor, boquilla, tapa extraíble y ese OG RATTLE, todo cubierto de un rosa eléctrico.

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Letrero de calle metálico con paloma de la paz y la libertad, edición limitada, serigrafía a 2 colores sobre material de letrero de calle, graffiti, arte pop moderno del artista Shepard Fairey x Beyond The Streets. Letrero de calle reflectante de metal 2021 con certificado de autenticidad firmado adjunto. Edición limitada de 350 unidades. Tamaño: 24 x 24 pulgadas.

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Tabla de skate Persue Invincible Collab Deck de edición limitada con serigrafía, obra del artista de la cultura pop urbana Persue. 2021 Firmado con rotulador metálico en la cubierta. Edición limitada de 50 ejemplares con grafiti en la superficie.

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Pesimo- Bishop Violet Edición Limitada Rara Obra de Arte en Lata de Pintura en Aerosol Crossover del famoso fabricante de pintura de graffiti Montana MTN. Pesimo es un aclamado artista urbano peruano. Desde 1998, su arte callejero ha estado presente en las paredes de su ciudad y su obra goza de reconocimiento tanto a nivel local como internacional. En 2001 estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y se convirtió en el primer grafitero en exponer en una galería peruana. Su incursión en el mundo de las exposiciones y su constante dedicación le han permitido participar en diversos festivales y eventos internacionales, consolidándose como un artista urbano de referencia en Latinoamérica y un símbolo del emergente arte urbano en Perú.

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Fotografía original de Martin Whatson, pintura acrílica en aerosol AP, obra única sobre lienzo tensado del artista pop de arte callejero. Prueba de artista AP 2008. Pintura original firmada, realizada con plantilla, pintura en aerosol y acrílico. Tamaño 30x20. Ligero desgaste en el borde derecho. Martin Whatson, fotógrafo. Obra original de arte pop callejero y grafiti de AP. Antecedentes e identidad artística Martin Whatson, nacido en Noruega en 1984, es reconocido internacionalmente por su habilidad para fusionar plantillas monocromáticas detalladas con la vibrante energía del grafiti. Este estilo característico lo sitúa a la vanguardia del arte pop urbano contemporáneo y del grafiti, atrayendo tanto a entusiastas del arte urbano como a coleccionistas de arte. Su formación en la Escuela de Comunicación Westerdals de Oslo le proporcionó una sólida base en diseño, pero fue su descubrimiento del arte de las plantillas a principios de la década de 2000 lo que marcó su trayectoria artística. Con el tiempo, Whatson ha desarrollado un estilo que no solo refleja sus raíces noruegas, sino que también conecta con un público global, fusionando la estructura del arte de las plantillas con la imprevisibilidad del grafiti callejero. Sobre el fotógrafo: Pintura original de AP La obra *Fotógrafo* Original AP (Prueba de Artista) de 2008 es una pieza única y excepcional, creada con técnicas artesanales de estarcido y pintura en aerosol, combinadas con acrílico sobre lienzo tensado. Con unas dimensiones de 76 x 51 cm, esta pintura firmada captura la primera etapa de la carrera de Whatson, cuando su exploración del realismo con estarcido se entrelazaba con la abstracción influenciada por el grafiti. La composición representa a un fotógrafo monocromático y realista en plena acción, apuntando la cámara hacia una explosión de salpicaduras de pintura naranja y amarilla vibrantes. Esta yuxtaposición entre la figura estructurada y meticulosamente representada y la energía espontánea de la pintura plasma la filosofía de Whatson: que la vida es un equilibrio entre el control y el caos. Simbolismo y narrativa visual La obra *Fotógrafo* plasma los temas de la observación, la creatividad y la relación entre el artista y su sujeto. El fotógrafo, representado en escala de grises, simboliza la concentración, la disciplina y la técnica artística. En contraste, las vibrantes salpicaduras sobre el lienzo representan la creatividad en estado puro, la espontaneidad y la imprevisibilidad de la inspiración. El uso de colores cálidos como el naranja y el amarillo infunde energía y atrae la mirada del espectador, sugiriendo que la creatividad suele surgir de maneras audaces e inesperadas. La obra invita a reflexionar sobre cómo se capturan los momentos —ya sea en la fotografía callejera, el grafiti o las bellas artes— y cómo el acto de ver es tan artístico como el de crear. Coleccionabilidad y rareza Como prueba de artista de 2008, esta obra de *Photographer* tiene un significado especial. Las pruebas de artista se producen generalmente en cantidades extremadamente limitadas, fuera de la edición principal, reservadas para la colección personal del artista o para lanzamientos especiales. El hecho de que esta obra sea un original hecho a mano, en lugar de una impresión, aumenta su atractivo entre los coleccionistas de arte pop urbano y grafiti. Su fecha temprana la convierte en un hito importante en la evolución del estilo de Whatson, conectando sus primeros trabajos con esténcil con las composiciones posteriores, más saturadas de color, que se han convertido en su sello distintivo. El lugar de Martin Whatson en el arte pop callejero A lo largo de los años, la obra de Martin Whatson se ha expuesto en galerías, murales públicos y colecciones privadas de todo el mundo. Su arte captura la tensión dinámica entre la disciplina controlada de la pintura con esténcil y el espíritu libre de la cultura del grafiti. Obras como *Fotógrafo* demuestran su dominio temprano del realismo técnico, a la vez que anticipan la explosión de color y movimiento que define su obra madura. En el contexto más amplio del arte pop urbano contemporáneo, Whatson destaca como un artista capaz de fusionar la sensibilidad de las bellas artes con la cruda autenticidad de la expresión urbana, creando obras tan provocadoras como visualmente impactantes.

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Concierto para piano 1 Edición limitada Obra de arte de graffiti Impresión serigráfica offset sobre papel artístico fino brillante del artista callejero Crash- John Matos. Edición limitada de 35 ejemplares, firmada y numerada, 2021. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. La obra titulada "Concierto para piano n.° 1" es una pieza de edición limitada del reconocido artista urbano Crash, cuyo nombre real es John Matos. Es un ejemplo dinámico de cómo el grafiti trasciende el contexto callejero, adentrándose con audacia y autenticidad en el mundo de las bellas artes. Creada en 2021, esta pieza forma parte de una serie exclusiva de tan solo 35 ejemplares firmados y numerados, lo que convierte a cada impresión en una pieza codiciada por los coleccionistas. La obra mide 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas), un formato sustancial que permite que los intrincados detalles y los vibrantes colores resalten, envolviendo al espectador en su ritmo visual. Realizada mediante serigrafía offset sobre papel artístico fino y brillante, la pieza refleja las raíces de Crash en el movimiento del grafiti del metro de Nueva York a principios de la década de 1970. Su obra se caracteriza por un dominio del color y la forma, aunando la energía cruda de las calles con la precisión y la habilidad de un artista de formación clásica. En «Concierto para piano 1», la influencia del arte pop es evidente, con la inclusión de motivos de cómic y colores brillantes y contrastantes que resaltan sobre el acabado brillante del papel. Cada impresión de la serie exhibe la singular mezcla de elementos abstractos y figurativos que caracteriza a Crash. Lo más llamativo de esta pieza es la sensación de movimiento que transmite la composición: una explosión sinfónica similar al crescendo musical de un concierto para piano, de ahí su título. Hay una superposición de elementos lúdica pero deliberada, desde las manos caricaturescas hasta las salpicaduras y goteos, que crea un efecto casi tridimensional. Esta obra no es solo una imagen estática; captura la vitalidad y la improvisación esenciales para el arte callejero y las presentaciones musicales. «Concierto para piano 1» representa cómo el arte del grafiti continúa influyendo y siendo una parte significativa de la escena artística contemporánea. Demuestra cómo artistas como Crash pueden desenvolverse tanto en la calle como en los espacios de estudio, creando obras que conectan con un público amplio y contribuyen a la narrativa en constante evolución de la cultura del arte urbano.

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Familia alimentando palomas Brooklyn 2005 Impresión Giclée de Swoon- Caledonia Curry Artwork Impresión de edición limitada en papel grueso de bellas artes Rag Graffiti Pop Artista callejero. Edición limitada de 175 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 19 x 13. De la colección de impresiones de la serie Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art: Familia alimentando palomas, Brooklyn, 2005. Impresión giclée de Swoon. «Familia alimentando palomas en Brooklyn, 2005» es una impresión giclée firmada y numerada de Caledonia Curry, ícono del arte urbano pop y el grafiti estadounidense, conocida internacionalmente como Swoon. Originalmente pegada con engrudo en una pared desgastada de Brooklyn, la obra fue fotografiada y transformada en una edición de arte, capturando la textura cruda del entorno urbano y la ternura de los momentos cotidianos. Impresa en papel de algodón grueso para bellas artes, esta pieza mide 48 x 33 cm y se lanzó en 2016 como parte de una edición limitada de 175 ejemplares. La obra forma parte de la Colección de Impresiones de la Serie Callejera de Swoon, que inmortaliza sus efímeras intervenciones callejeras como obras de arte coleccionables. Arte callejero pop y graffiti centrado en el ser humano de Swoon La obra de Caledonia Curry fusiona la compasión y el sentido de comunidad con imágenes de fuerte carga social. Esta impresión giclée documenta un cartel callejero que retrata a una familia en un momento de sencilla ternura y conexión, alimentando palomas frente a una pared pintada a mano. La figura materna, con una serena fortaleza, ancla la composición, mientras que los niños aparecen en diversas poses que expresan curiosidad y apoyo. Este es un sello distintivo recurrente en el arte pop urbano y el grafiti de Swoon: retratos íntimos de la humanidad creados mediante bloques de linóleo tallados a mano, recortes de papel e instalaciones específicas para cada lugar. Cada sujeto se inspira en comunidades e historias reales, reflejando a menudo el trabajo colaborativo de Curry con poblaciones marginadas de todo el mundo. Brooklyn como lienzo para la estética social de Caledonia Curry A principios de la década de 2000, las calles de Brooklyn se convirtieron en un lienzo para numerosos artistas emergentes, y los collages de gran formato de Caledonia Curry obtuvieron un reconocimiento especial por su emotividad y maestría. La instalación original de «Familia Alimentando Palomas» no era meramente decorativa, sino que estaba profundamente integrada en el lugar, activando la pared deteriorada con la presencia humana. El compromiso de Swoon con el arte público trasciende la estética. Encarna una forma de narración a pie de calle que aborda el desplazamiento, las dificultades económicas y la resiliencia. La escena plasmada en esta impresión giclée refleja estos temas al convertir un acto sencillo —alimentar palomas— en un retrato de supervivencia y dignidad en medio de la adversidad. Legado y preservación en la colección de grabados de la serie Swoon Street La publicación en 2016 de «Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005», una impresión giclée firmada y numerada, formó parte de un esfuerzo más amplio por archivar las obras murales de Swoon, que desaparecían de los inicios de su carrera. La colección de impresiones «Street Series» permite a coleccionistas e instituciones preservar este periodo crucial del arte pop urbano y el grafiti, que de otro modo solo existiría en fotografías o en la memoria. Cada impresión de la serie se produce con precisión para reflejar la textura, el color y el contexto ambiental de la instalación original. Con la creciente influencia de Caledonia Curry tanto en el mundo de las bellas artes como en los círculos de activismo social, obras como esta siguen teniendo valor como testimonio de una época en la que el arte urbano era a la vez protesta y poesía.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Pineapple Yellow SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One, arte callejero. ¡Sket le da un toque de color a la flota de SuperKranky con su nuevo tono vintage! ¡Abre la tapa y disfruta de una dosis de sabor exclusivo de edición limitada! 20 cm de vinilo suave y jugoso. ¡Suena al agitarlo! ¡Solo se fabricaron 700!

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Impresiones de edición limitada de Pink Nature con pigmentos de archivo en papel Museum Fine Art de DAIM, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2016). Tamaño de la obra: 20 x 13 pulgadas. En 1989 escribí por primera vez mi nombre artístico. Después de todos estos años, sigo viendo esa caligrafía como un autorretrato. Al concentrarme en una idea, una técnica o un estilo concretos, al trabajar en una obra durante un largo periodo de tiempo, al involucrarme por completo en el proceso, uno llega a conocerse mucho mejor a sí mismo y a su personalidad. Y esto, por supuesto, se refleja en mis obras. Quería plasmar algo especial: la serie de estas tres láminas está elegida para que se pueda apreciar todo el espectro de mi trabajo. En ellas, mi uso del nombre DAIM se vuelve cada vez más complejo. Mi desarrollo como persona se corresponde estrechamente con este proceso. Tiene que ver con la maduración personal, con el paso del tiempo. - Daim Impresiones de pigmentos de archivo de edición limitada Pink Nature de DAIM Pink Nature de DAIM es un impactante ejemplo de arte pop urbano y grafiti, que demuestra el dominio del artista en la rotulación tridimensional y las composiciones con profundidad. Esta edición limitada, impresa con pigmentos de archivo en papel de bellas artes de calidad museo, representa una continuación de la exploración de DAIM sobre la forma, la estructura y la identidad dentro del mundo del grafiti. El uso de sombreados intensos, movimiento explosivo y ángulos fragmentados transforma el grafiti tradicional en una composición escultórica, casi arquitectónica, que desafía los límites de la percepción visual. Técnica de graffiti 3D exclusiva de DAIM Como uno de los pioneros del grafiti tridimensional, DAIM, cuyo nombre real es Mirko Reisser, ha desarrollado un estilo inconfundible que fusiona la precisión matemática con el movimiento orgánico. Sus letras se desprenden de las superficies planas, creando la ilusión de objetos que irrumpen en la realidad. En Pink Nature, la cuidadosa disposición de los bordes afilados, las sombras y el juego de luces generan una profundidad y textura casi tangibles, consolidando su reputación como uno de los artistas de grafiti con mayor dominio técnico del mundo. Su influencia abarca murales, instalaciones de arte urbano y grabados artísticos, demostrando su dedicación a la abstracción basada en letras. Cada línea y degradado de color en su obra está meticulosamente calculado, pero el resultado se siente espontáneo y explosivo. Las dinámicas salpicaduras de pintura y los cuidadosos reflejos en este grabado realzan aún más la energía cruda característica del grafiti, manteniendo una estética refinada y futurista. El concepto de autorretrato a través del grafiti DAIM ha hablado a menudo de su nombre artístico en el grafiti como una forma de autorretrato, que evoluciona a la par de su crecimiento personal y artístico. Su enfoque en las letras refleja no solo su habilidad técnica, sino también su perspectiva filosófica del movimiento del grafiti. Cree que, al refinar y reinventar continuamente la forma en que presenta su nombre, también plasma su propia transformación personal a lo largo del tiempo. Pink Nature pertenece a una serie de obras que encapsulan la evolución de la visión artística de DAIM, enfatizando cómo su enfoque del arte del grafiti ha madurado con el paso de los años. La interacción de tonos rosas, verdes y tierra en la pieza transmite una sensación de crecimiento y destrucción orgánicos, reflejando el ciclo de la creatividad misma. Los fragmentos de letras angulares y audaces parecen explotar y reconstruirse simultáneamente, ofreciendo una representación visual de la tensión entre creación y decadencia propia de la cultura del arte urbano. El impacto de DAIM en el arte pop callejero moderno DAIM ha sido fundamental para impulsar el grafiti al ámbito del arte contemporáneo, logrando reconocimiento no solo en muros urbanos y edificios abandonados, sino también en galerías y museos de todo el mundo. Su enfoque científico del diseño de grafiti, combinado con su dedicación al realismo y la profundidad, lo distingue dentro del movimiento. Pink Nature, con su ejecución meticulosa y caos controlado, encarna la fusión del grafiti y las bellas artes, demostrando cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden ser a la vez crudos y refinados, explosivos y controlados. Al trasladar sus icónicas técnicas callejeras a impresiones artísticas de archivo, DAIM garantiza que su obra se conserve, se aprecie y se celebre en diversos espacios artísticos. Su capacidad para traducir la energía del grafiti a formatos de alta calidad artística sigue inspirando a nuevas generaciones de artistas urbanos y entusiastas del arte pop.

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Pintura original Pop Graff, técnica mixta acrílica y en aerosol sobre lienzo con bastidor de galería, por Sen2, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tras desarrollar mi estilo a lo largo de treinta años, suelo usar colores vibrantes y tipografía original para captar la atención del espectador al instante. Si bien mi graffiti generalmente se limita a la calle, decidí exhibir tres lienzos originales exclusivamente para 1xRUN. Como artista, siento un profundo y apasionado respeto por los precursores del movimiento Pop Art. Algunas de mis mayores influencias provienen de Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Ellos sembraron las semillas a finales del siglo XX, transformando la percepción del arte. Es extraordinario cómo un puñado de personas puede generar una revolución que perdurará durante muchos años, incluso en pleno siglo XXI. Crearon un cambio de paradigma en la interpretación del arte y se convirtieron en maestros legendarios. - Sen2

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