StarFucker - Fun Fun Fun Fest 2012. Póster de edición limitada del concierto. Impresión serigráfica a mano de 3 colores sobre papel de bellas artes por Clint Wilson para StarFucker.

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Figuras coleccionables de vinilo de edición limitada BE@RBRICK de Muhammad Ali y Andy Warhol (100% y 400%). Andy Warhol y Medicom Toy colaboran de nuevo en el Bearbrick de Muhammad Ali. Este Bearbrick presenta una impresión al agua que cubre toda la superficie, lo que hace que cada pieza sea única.

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Impresión giclée de edición limitada de la obra "Bad Apple" sobre papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12x12 pulgadas.

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Compre AK-47 Lotus: impresión serigráfica de 4 colores tirada a mano de edición limitada de gran formato en papel de trapo Coventry de algodón personalizado por el artista de Graffiti Street Shepard Fairey. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 100 ilustraciones Tamaño 30x41 "Las serigrafías de gran formato de AK-47 Lotus y AR-15 Lily están inspiradas en los manifestantes de la Guerra de Vietnam que ponían flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional que fueron traídos para reprimir sus protestas por la paz. Soy pacifista, ya sea eso significa encontrar soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la guerra a nivel internacional o encontrar soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la violencia armada en casa. No estoy en contra de la Segunda Enmienda, así que los trolls pueden calmarse... queremos que menos personas mueran innecesariamente. Brady United está haciendo un buen trabajo en la prevención de la violencia armada, por lo que recibirán una parte de las ganancias de estas dos impresiones. Gracias por preocuparse.⁠" -Shepard Fairey

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"Walking Tall", pintura original en aerosol acrílico con rotulador de BLADE - Steven Ogburn. Obra de arte única sobre el mapa del metro de la MTA de Nueva York, realizada por un artista pop de arte callejero. 2011. Obra original firmada, realizada con acrílico, pintura en aerosol y rotulador. Tamaño: 32 x 23 pulgadas sobre un mapa reciclado del metro de Nueva York. Caminando erguidos sobre las huellas de la historia Creada en 2011 por BLADE, leyenda del graffiti neoyorquino (cuyo nombre real es Steven Ogburn), «Walking Tall» es una obra única e impactante que encapsula la crudeza y el orgullo de la cultura del graffiti en el metro. Realizada sobre un mapa reciclado del metro de Nueva York (MTA), esta pieza de técnica mixta de 81 x 58 cm es una fusión cruda de acrílico, pintura en aerosol y rotulador que evoca la estética del auge del graffiti de principios de los 70, a la vez que refleja el inconfundible estilo del artista. Es tanto un homenaje a la época dorada de BLADE en el metro de Nueva York como un reflejo de su continua presencia como figura clave en la evolución del arte pop urbano y el graffiti. El uso de un mapa real del metro como lienzo es simbólico y literal: una superficie que una vez fue su galería al aire libre se transforma en una pieza de arte coleccionable. Trenes de metro reimaginados en papel La obra «Walking Tall» de BLADE se centra en un vagón de tren estilizado con letras abstractas, donde las técnicas tradicionales del grafiti se fusionan con la expresión geométrica y la iconografía. La parte superior del mapa muestra la representación minimalista de un vagón de metro plateado, como si asomara por encima de una nube negra, un claro guiño a las icónicas intervenciones de grafiti que ocupaban vagones enteros. El tercio inferior estalla con letras estilizadas verdes y amarillas sobre un fondo texturizado pintado con aerosol, con estrellas, líneas y símbolos que se han convertido en señas de identidad del lenguaje visual de BLADE. Cada sección del panel rebosa de un caos controlado, que simboliza tanto el movimiento de los trenes como el implacable dinamismo del propio movimiento del grafiti. Este formato refuerza el contexto en el que el artista se dio a conocer: entre el movimiento, la suciedad y el ruido de una infraestructura urbana en funcionamiento. Las marcas personales de un rey Walking Tall es más que un grafiti: es una declaración de trayectoria y autoría. Sobre el tren estilizado, BLADE firma junto a su grupo original, The Crazy 5, anclando esta obra en la historia fundacional del grafiti neoyorquino. La inclusión de sus elementos clásicos, como flechas, formas y trucos tridimensionales, no es meramente decorativa, sino profundamente personal. Estos componentes sirven como claves narrativas de una época en la que pintar trenes era tanto una revolución cultural como artística. La decisión de BLADE de superponer su obra sobre un mapa oficial de la MTA añade una nueva dimensión, fusionando la historia del grafiti callejero con la cartografía institucional. Arte pop callejero y grafiti con impacto institucional Como gran parte de la obra de BLADE en la galería, Walking Tall mantiene la esencia de la calle al tiempo que recontextualiza el grafiti en el ámbito del arte contemporáneo. El resultado es una experiencia visual híbrida: arte elevado con un toque crudo, técnica refinada con espontaneidad callejera. Esta pieza se inscribe en una trayectoria más amplia en la que artistas nacidos en el metro han dado el salto de la fama anónima a obras documentadas, firmadas y archivadas. Refleja una carrera arraigada en la narrativa urbana auténtica, ahora preservada en colecciones permanentes y museos de todo el mundo. Walking Tall no es nostalgia: es supervivencia, expresión y estilo, plasmados en un mapa que antaño guiaba los mismos trenes que transformó en lienzos rodantes.

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Impresión giclée Gravity AP de James Bullough Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes liso de 300 g/m². Artista callejero pop de graffiti. Prueba de artista AP 2022 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 20x30 Explorando la esencia de la impresión giclée 'Gravity AP' de James Bullough La obra «Gravity AP Giclée Print» de James Bullough es un testimonio de la perfecta integración de la sensibilidad artística con la energía cruda del arte urbano. Esta edición limitada, impresa en papel de bellas artes liso de 300 g/m², muestra el compromiso de Bullough con la calidad y su dedicación al arte pop urbano y al grafiti. El tamaño de la obra, de 50,8 x 76,2 cm (20 x 30 pulgadas), permite al espectador apreciar plenamente las complejidades y los matices de la técnica de Bullough. Características artísticas y significado La obra «Gravity AP Giclée Print» de James Bullough es una narrativa visual que captura la fluidez y el movimiento inherentes a nuestro mundo físico. El tema, representado con un nivel de detalle extraordinario, irradia una sensación de movimiento dinámica y cautivadora. El uso de un estilo fragmentado, un motivo característico en la obra de Bullough, añade una capa de complejidad, invitando al espectador a reflexionar sobre la interacción entre forma y espacio. Esta impresión es excepcional por ser una Prueba de Artista (PA), marcada y firmada por Bullough en 2022. Esto la distingue como parte de un selecto grupo de impresiones, valoradas por su fidelidad a la obra original y muy codiciadas por los coleccionistas. La interacción entre realismo y abstracción En «Gravity AP Giclée Print», Bullough continúa explorando la yuxtaposición del realismo con elementos abstractos. La representación hiperrealista del sujeto contrasta con el fondo conceptual, creando una impactante tensión visual. Este contraste se intensifica aún más con la audaz paleta de colores y el uso de formas geométricas que impulsan la forma fragmentada. La maestría de Bullough en la representación de la figura humana es evidente, así como su habilidad para subvertir la representación convencional con giros inesperados y sugerentes. La influencia del arte callejero en la obra de Bullough La influencia del grafiti y el arte urbano es palpable en la impresión giclée «Gravity AP». La experiencia de Bullough en el arte urbano guía su enfoque, plasmando en la obra la espontaneidad y autenticidad de la cultura del grafiti. La impresión no se limita a representar una imagen; encarna el espíritu del arte urbano, caracterizado por su accesibilidad, su conexión con el paisaje urbano y su desafío a las normas artísticas tradicionales. Esta pieza ejemplifica cómo el arte urbano puede transitar de los espacios públicos a los ámbitos más privados de las colecciones personales, conservando su vitalidad e inmediatez inherentes. El impacto cultural de la impresión giclée 'Gravity AP' La impresión giclée «Gravity AP» es un poderoso ejemplo de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden trascender sus orígenes para integrarse al debate más amplio del mundo del arte. Esta edición limitada de James Bullough encapsula la visión y la habilidad del artista, y su disponibilidad para coleccionistas permite una mayor apreciación de esta forma de arte. La obra es un artefacto cultural que refleja la influencia perdurable del arte urbano y su capacidad para desafiar y redefinir los límites artísticos. Mediante obras como esta, Bullough contribuye al diálogo continuo sobre el valor y el lugar del arte urbano en la sociedad contemporánea.

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Casa sin título. Pintura original en aerosol acrílico de Kunstrasen. Obra de arte única sobre lienzo tensado en bastidor de galería, realizada por un artista pop de arte callejero. 2022 Firmado por Kunstrasen y fechado. Pintura acrílica en aerosol, técnica mixta . Obra de arte original. Tamaño 6x6. Ligero desgaste en el borde de fijación. Explorando la vívida narrativa de la Casa sin título de Kunstrasen La obra «Casa sin título» de Kunstrasen es una cautivadora pieza de arte pop urbano que retrata la sutil interacción entre la tranquilidad doméstica y la disrupción. Creada en 2022, esta obra original es una expresión única que exhibe la energía audaz y cruda característica de los artistas pop urbanos. La obra de Kunstrasen está realizada con pintura acrílica en aerosol sobre un lienzo tensado, ofreciendo una experiencia visual vibrante y llena de textura. La pieza, de tamaño modesto (15x15 cm), es un testimonio de la habilidad del artista para comunicar narrativas complejas en un espacio reducido, una destreza que los artistas pop urbanos han perfeccionado para utilizar con eficacia en espacios públicos. Elementos característicos de la expresión artística de Kunstrasen El estilo característico de Kunstrasen se manifiesta en esta pieza única, que combina técnicas de estarcido propias del grafiti con la vibrante paleta de colores característica del arte pop. La obra presenta una imagen sencilla pero profunda en su simbolismo: una casa que representa familiaridad y seguridad se yuxtapone con un acto de vandalismo, un cóctel molotov en llamas que introduce un elemento de caos y plantea interrogantes sobre la seguridad de la aparentemente serena escena doméstica. El uso de plantillas permite crear líneas nítidas y definidas que caracterizan las formas, mientras que la pintura en aerosol aporta espontaneidad y dinamismo, especialmente visible en las llamas que lamen la fachada de la casa. Resonancia cultural de "Casa sin título" en el arte moderno En «Casa sin título», Kunstrasen explora la resonancia cultural del arte pop urbano al reflexionar sobre temas como la seguridad, el riesgo y los sucesos inesperados que pueden perturbar la paz del hogar. El anonimato de la persona que perpetra el acto y la representación genérica de la casa universalizan el mensaje, permitiendo que espectadores de diferentes orígenes se identifiquen con la obra. Este enfoque refleja una característica esencial del arte pop urbano y el grafiti: su capacidad de comunicarse universalmente, a menudo con imágenes sencillas pero impactantes que un público amplio puede asimilar y comprender rápidamente. Coleccionabilidad e influencia de la obra de Kunstrasen A pesar de su pequeño tamaño, "Casa sin título" tiene un peso significativo en términos de coleccionismo e influencia. Las obras originales de artistas urbanos como Kunstrasen son muy codiciadas, ya que trasladan la esencia del arte callejero a las colecciones privadas, permitiendo apreciar el comentario crudo y a menudo público de las calles en un contexto personal. La pieza, firmada y fechada por el artista, posee la autenticidad e individualidad que los coleccionistas y entusiastas del arte pop urbano y el grafiti valoran profundamente. Obras como esta continúan difuminando las fronteras entre el arte culto y el arte urbano, desafiando las nociones tradicionales de lo que se considera valioso o digno de una galería. En el mundo del arte pop urbano y el grafiti, "Casa sin título" de Kunstrasen es una poderosa declaración, una instantánea del conflicto entre el orden y el caos que define gran parte de la experiencia humana. La obra nos recuerda el poder de la narrativa visual y cómo artistas como Kunstrasen pueden capturar dinámicas sociales complejas en una sola imagen impactante. A medida que crece el aprecio por el arte callejero, obras como esta sin duda seguirán provocando reflexión y conversación, afianzando su lugar en la narrativa en constante evolución del arte contemporáneo.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Venge Me - Impresiones de pigmentos de archivo de edición limitada en papel Museum Fine Art de 310 g/m² de Meggs, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Esta obra formó parte de mi exposición individual de 2014, «Spoiled Rotten». Es una serie de héroes pintados a mano sobre carteles publicitarios antiguos de Target, que luego se rasgan y se combinan con una mezcla de carteles encontrados y collages de cómics retro serigrafiados a mano. Todo se realizó durante mi residencia de un mes en la galería Inner State de Detroit. La división entre el tradicional «villano» y el Capitán América refleja la clásica narrativa del cómic de héroe contra villano; sin embargo, el estilo desgastado y la ejecución de la obra hacen referencia a la fragilidad de los ideales morales y la justicia social en la sociedad estadounidense contemporánea. - Meggs

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Sweet Home Chicago - Impresión serigráfica azul de 2 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes, del codiciado artista Nate Duval. Obra de arte pop de edición limitada. Obra de arte de edición limitada firmada, 2014. Tamaño: 5x7.

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La Gran Deshielo, edición limitada, impresión giclée sobre papel de algodón aterciopelado, obra del artista callejero contracultural Skinner. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Obra de arte Emerge Artwork, impresión giclée de edición limitada en papel Hahnemühle Museum Etching 100% algodón, del artista de graffiti de la cultura pop Victo Ngai. Edición limitada de 50 ejemplares. Firmada y numerada. Medalla de Plata GCIA 2012. Debido a la forma en que el artista creó y almacenó esta obra, muchas de las impresiones antiguas de Ngai presentan un ligero amarilleo en los márgenes blancos superior e inferior, de aproximadamente 1 mm de longitud. Esto no afecta en absoluto a la imagen y, salvo este detalle, las impresiones son perfectas.

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Compre la impresión de edición limitada de TITLE en ilustraciones modernas de artistas pop MEDIUM. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Archival Pigment Fine Art INFORMACIÓN

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Obra de arte de Dead Meat, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de 300 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Casey Weldon. Cada una de las piezas fue creada con acrílico sobre un trozo de abedul de 40x40 cm. En 2008, realicé nueve pequeños tocados, cada uno con objetos singulares dispuestos de forma ornamental y ceremonial. Me gustaba la idea de usar la artesanía del tocado para exhibir los objetos e ideas que veneramos en la sociedad moderna. Tras abandonar la idea durante muchos años, la retomé el año pasado con la intención de desarrollarla de una manera más intrincada, aunque ambigua. Estas piezas se crearon en noviembre de 2012 para la exposición colectiva «Second Sight» del colectivo Prisma en la galería Trifecta de Las Vegas. - Casey Weldon

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Rubus - Serigrafía de edición limitada de 6 colores azul, impresa a mano sobre papel Canson Guarro Superalfa Fine Art de 250 g/m², por Violeta Hernández. Arte callejero poco común. Famosa artista de arte pop. Serigrafía de 6 colores, firmada y numerada, impresa en papel Canson Guarro Superalfa Fine Art de 250 g/m². Tamaño: 45 x 45 cm. Lanzamiento: 17 de enero de 2022. Tirada: 20 ejemplares.

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Creatividad, Equidad, Justicia. Serigrafía de Shepard Fairey - OBEY. Impresa a mano sobre papel de bellas artes color crema con motas. Obra de edición limitada. Artista de la cultura pop Obey. Edición limitada de 450 ejemplares, firmada y numerada, 2019. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía. Esta lámina es un retrato de Anjel Newmann, Directora de Programas y Directora Juvenil de AS220, una organización artística comunitaria sin fines de lucro con sede en el centro de Providence, con la que he trabajado desde los años 90. AS220 es importante para mí porque ha cultivado una comunidad creativa que sigue teniendo un profundo impacto transformador en la ciudad. Me inspira la dedicación de Anjel a esta organización, de la que forma parte desde los 13 años, aprendiendo de diversas comunidades y facilitando el acceso a oportunidades para jóvenes de toda la ciudad de Providence. ¡Gracias, Anjel y AS220, por todo lo que hacen por la gente de Rhode Island! -Shepard Fairey- OBEY En la vibrante intersección donde el arte se encuentra con el activismo, la serigrafía de Shepard Fairey se erige como testimonio del poder de la expresión creativa como herramienta para el cambio social. Lanzada en 2019, esta pieza de edición limitada, firmada y numerada (con una tirada de 450 ejemplares), encapsula el compromiso de larga data de Fairey con la participación comunitaria a través del arte. La obra, de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas), impresa a mano sobre papel artístico Cream Speckletone, no solo es un deleite visual, sino también una fuente de inspiración que encarna los temas de creatividad, equidad y justicia. En el centro de esta impresión se encuentra un retrato de Anjel Newmann, figura que representa el impacto perdurable de AS220, una organización artística comunitaria sin fines de lucro en Providence, Rhode Island. La participación de Newmann en AS220 comenzó a la temprana edad de 13 años, y su trayectoria hasta convertirse en Directora de Programas y Directora Juvenil demuestra el poder transformador de estas instituciones para cultivar el talento artístico y el liderazgo entre los jóvenes. Fairey, quien colabora con AS220 desde la década de 1990, celebra no solo la trayectoria individual de Newmann, sino también la filosofía de la organización. El papel fundamental de AS220 en el fomento de una comunidad artística inclusiva y en brindar una plataforma a las voces marginadas es esencial en la narrativa de Fairey. La obra en sí es una confluencia visual del estilo característico de Fairey con un mensaje conmovedor. Palabras como "Creatividad", "Equidad" y "Justicia" destacan, en consonancia con el mensaje principal que Fairey perpetúa a través de su trabajo: el arte como mecanismo para el progreso social y la liberación personal. Su uso de colores vivos y contrastantes, junto con patrones geométricos, atrae la mirada, invitando al espectador a reflexionar sobre la interconexión de los elementos artísticos con los profundos temas presentados. La elección de Anjel Newmann como protagonista revela mucho sobre los modelos a seguir que inspiran su obra. Al destacar la dedicación de Newmann a AS220, Fairey no solo la honra a ella y a la organización, sino que también subraya la importancia de las comunidades creativas para impulsar un cambio social positivo. Esta obra trasciende su atractivo estético, erigiéndose como símbolo de esperanza y llamado a la acción, instando a los espectadores a superar los desafíos y contribuir al camino colectivo hacia una sociedad justa. Es una celebración de la perdurable relación de Fairey con AS220 y su firme convicción en el arte como catalizador del progreso.

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Impresión de archivo "Enchantress" de Audrey Kawasaki. Edición limitada en papel de algodón de bellas artes. Arte moderno de artista callejero pop graffiti. Obra de arte de edición abierta firmada, 2018. Tamaño: 18x18 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Audrey Kawasaki y el atractivo de la "Hechicera" en el arte moderno La obra "Enchantress" de Audrey Kawasaki, impresa en una lámina de archivo, es una cautivadora representación de la fusión entre la delicadeza de las bellas artes y la audaz expresividad del arte pop urbano y el grafiti. Lanzada en 2018 como edición abierta, cada lámina firmada refleja el estilo distintivo de Kawasaki, que combina elementos de las artes orientales y occidentales. La obra está impresa meticulosamente en papel de algodón de alta calidad, de 45,7 x 45,7 cm, utilizando pigmentos de archivo para preservar sus sutiles tonalidades y líneas finas. "Enchantress" presenta una figura etérea pero a la vez sólida, rodeada de una exuberante flora que parece brotar de la propia protagonista. La obra de Kawasaki suele mostrar a mujeres jóvenes en estados de ensueño, cuyas expresiones transmiten una profunda emoción e introspección. Con sus adornos florales, esta pieza representa la compleja relación entre los seres humanos y la naturaleza, sugiriendo una coexistencia simbiótica, bella y efímera. Abrazando la feminidad y la naturaleza en el arte pop callejero En el panorama del arte contemporáneo, "La Hechicera" de Kawasaki destaca por su exaltación de la feminidad y la naturaleza, temas recurrentes en su obra. Su trabajo es reconocido por su capacidad de transmitir vulnerabilidad y fortaleza simultáneamente; una dualidad que celebra y explora a través de su singular fusión de formas artísticas. La protagonista de "La Hechicera" parece suspendida en el tiempo; sus ojos cerrados y su pose serena evocan una sensación de paz y seguridad en sí misma entre las líneas fluidas y los motivos naturales que la envuelven. La influencia de Kawasaki en el arte pop urbano y el grafiti es significativa. Su arte trasciende los límites tradicionales del arte callejero, aportando una sensación de introspección serena y una delicada belleza a un género a menudo asociado con la energía urbana cruda. La impresión de "La Hechicera", como gran parte de su obra, invita al espectador a detenerse y reflexionar, ofreciendo un escape momentáneo del caos del mundo exterior hacia un espacio de contemplación y placer estético. La representación de la mujer en el arte urbano moderno suele ser un poderoso comentario sobre la identidad y las expectativas sociales, y la obra de Kawasaki contribuye significativamente a este diálogo. A través de su arte, presenta una visión de la feminidad compleja y multifacética, invitando al espectador a mirar más allá de las apariencias y adentrarse en el mundo interior de sus personajes. La obra de archivo de Audrey Kawasaki, «Enchantress», es un testimonio de la naturaleza matizada y en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti. Encarna el potencial del arte urbano para conectar con el público de maneras audaces y vibrantes, ofreciendo una experiencia delicada y meditativa a través de imágenes tan reflexivas como cautivadoras. La contribución de Kawasaki al género nos recuerda la diversidad de expresiones y la profundidad emocional que puede abarcar el arte moderno.

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Letrero "Be Still My Heart Icons Art Toy" de Chris RWK - Escultura de vinilo de edición limitada "Robots Will Kill" - Obra de arte coleccionable del artista pop callejero x UVD Toys. Edición limitada de 50 ejemplares, 2023. Tamaño de la obra: 4x7,5. Nueva en caja, sellada/impresa. Robot RWK amarillo con una estilizada representación de Homer Simpson de la serie de televisión y películas Los Simpson, sosteniendo un cartel que dice: «Be Still My (símbolo del corazón)». Escultura de vinilo "Be Still My Heart" de Chris RWK: Un ícono del arte callejero La figura artística "Be Still My Heart" de Chris RWK, lanzada en colaboración con UVD Toys, personifica la fusión entre la sensibilidad del arte pop urbano y el floreciente mundo del arte coleccionable. Esta pieza de edición limitada, restringida a tan solo 50 unidades, es una conmovedora representación del estilo característico del artista. Chris RWK, un artista urbano influyente en la escena del arte pop urbano, se ha labrado un nombre gracias a sus imágenes de gran carga emocional, que a menudo utilizan robots como metáforas de la experiencia humana. La obra muestra un robot estilizado con el familiar tono amarillo que recuerda a Homer Simpson de la icónica serie de televisión y películas "Los Simpson", sosteniendo un cartel que dice "Be Still My (Símbolo del Corazón)". Expresión emotiva en el arte callejero pop Esta pieza de colección trasciende la frontera entre simple juguete y obra de arte, convirtiéndose en un conmovedor comentario sobre la condición humana. El robot, figura a menudo fría e impasible, se yuxtapone con un mensaje de sincera emoción, creando un contraste esencial en la obra de Chris RWK. La expresión «Be Still My Heart» (Tranquilízate, corazón mío) es una llamada a la calma ante la turbulencia emocional, un tema que resuena profundamente en el caótico contexto de la vida urbana. Con su sello de autenticidad impreso, esta pieza captura la esencia del arte pop urbano y su capacidad para comunicar emociones complejas a través de imágenes sencillas pero profundas. Impacto y legado de Chris RWK en el movimiento del juguete de arte La edición limitada de "Be Still My Heart" subraya el valor coleccionable y la alta demanda de los juguetes de arte dentro de la comunidad del arte urbano. Cada escultura, nueva en su caja y meticulosamente elaborada, es una extensión tangible del arte urbano de Chris RWK, permitiendo a los entusiastas poseer una pieza de esta cultura. Esta pieza de colección es un testimonio de la creciente tendencia de los artistas urbanos a trasladar su obra a formas tridimensionales, expandiendo su alcance desde los muros de las ciudades hasta las estanterías de los coleccionistas. La incursión de Chris RWK en el mercado de los juguetes de arte de vinilo con "Be Still My Heart" narra la mercantilización del arte en la sociedad contemporánea y la necesidad constante de conexión y expresión emocional. El nombre real del artista, asociado con Robots Will Kill, se ha convertido en sinónimo de un estilo que captura el espíritu de la vida urbana moderna, y su colaboración con UVD Toys representa un momento significativo en la fusión del arte urbano y los objetos de arte tangibles. Esta pieza no es solo un objeto de colección, sino un símbolo del poder perdurable del arte pop callejero para evocar, involucrar y perdurar.

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Tríptico Kinsey Bluefin, edición limitada, serigrafía de 6 colores con tinta metálica aplicada a mano sobre papel Cougar Cover White de 100 lb, por Dave Kinsey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Prueba de artista (AP). Kinsey Bluefin de Dave Kinsey. Edición limitada de 100 ejemplares (firmados y numerados). Serigrafía de 6 colores con tintas metálicas sobre papel Cougar Cover White de 100 lb. Dos láminas de 8" x 10". Dave Kinsey nació en Pittsburgh en 1971 y estudió en el Instituto de Arte de Pittsburgh y en el Instituto de Arte de Atlanta antes de mudarse a California en 1994 para dedicarse al diseño y a las bellas artes. Printed Oceans es el programa de láminas artísticas de la Fundación PangeaSeed que busca crear conciencia y educar sobre los problemas ambientales marinos más urgentes a través de la mirada de algunas de las mentes creativas más respetadas de la actualidad. Desde 2012, hemos publicado más de 100 ediciones originales de láminas artísticas que destacan especies marinas en peligro de extinción y hábitats oceánicos. Estas magníficas ediciones ayudan a llevar historias importantes sobre conservación a hogares y espacios de trabajo de todo el mundo, generando un diálogo crucial e inspirando acciones positivas. Al adquirir estas obras de arte de edición limitada, elaboradas artesanalmente con esmero, no solo impulsas el trabajo pionero de la Fundación PangeaSeed en comunidades de todo el mundo, sino que también contribuyes al sustento de nuestros artistas activistas. Juntos, a través del arte y el activismo, podemos ayudar a salvar nuestros océanos.

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Dúo exquisito: Obra de arte pop de alcachofa, edición limitada, impresión giclée en papel de bellas artes del artista moderno Nate Duval. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 11 x 17,25 pulgadas.

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Eat Me Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Denial, arte pop de la cultura LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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No Cure, pintura original en aerosol acrílico de Cope2 - Fernando Carlo. Obra de arte única sobre lienzo del artista pop de arte callejero. 2020. Obra original firmada, técnica mixta (aerosol y acrílico), 43 x 53 cm, sobre lienzo sin bastidor. Explosión de color: "Sin cura" de Fernando Carlo Fernando Carlo, conocido en el mundo del arte urbano y el grafiti como Cope2, es un artista nacido en el Bronx cuya obra vibra al ritmo de la vida urbana. Su pieza titulada "No Cure Original Acrylic Spray Paint Painting" es un lienzo espectacular que exhibe la energía cruda y el colorido caos que definen el arte urbano. Creada en 2020, esta obra única es una amalgama de acrílico y pintura en aerosol, que refleja la destreza de Cope2 con las técnicas mixtas y sus profundas raíces en la cultura del grafiti. Con unas impresionantes dimensiones de 43x53 pulgadas sobre lienzo sin bastidor, "No Cure" se erige como testimonio de la influencia perdurable de Cope2 en el ámbito del arte urbano contemporáneo. En el lienzo, vemos una explosión de colores y formas que chocan y se mezclan en una armonía casi musical. La obra está firmada por el artista, lo que no solo certifica su autenticidad, sino que también la convierte en una pieza significativa dentro de su extensa obra. La firma de Cope2 es reconocida mundialmente, un símbolo de credibilidad en la escena del grafiti, en constante evolución. Con "No Cure", Cope2 demuestra su versatilidad y su compromiso con el oficio, ofreciendo un espectáculo visual que es a la vez un homenaje al pasado y un paso hacia el futuro del arte urbano. El audaz arte de Cope2 La trayectoria de Fernando Carlo como Cope2 es una historia grabada en las propias calles de Nueva York. Desde la década de 1980, ha sido una figura sinónimo del grafiti, considerado a menudo uno de los pioneros del grafiti en el metro de Nueva York. Su estilo ha evolucionado a lo largo de las décadas, pero conserva la esencia del movimiento: audaz, provocador y abiertamente público. «No Cure» captura esta evolución; su lienzo es una fusión dinámica de elementos tradicionales del grafiti con la estética experimental del arte pop. El título «No Cure» evoca una expresión cruda y desenfrenada. Sugiere una enfermedad sin remedio, quizá una referencia a la naturaleza adictiva de la creación artística, especialmente en el contexto del arte urbano, donde el acto de pintar puede ser tan cautivador como la obra misma. Esta pintura no busca curar, sino capturar y transmitir las complejas capas de la vida urbana, la narrativa interior del artista y el vibrante diálogo cultural de las calles. La presencia sin complejos del texto, los motivos abstractos y la pintura salpicada ilustra el enfoque intrépido de Cope2 hacia el arte y la vida. Contextualizando "No Cure" en el arte pop callejero «No Cure» no es solo una obra de arte, sino una representación visual de la cultura de la que surge. Comprender esta pieza implica adentrarse en la historia del arte urbano y su transición al espacio de las galerías. El arte pop urbano, con sus raíces en los movimientos contraculturales del siglo XX, busca llevar la vitalidad de la cultura callejera al a menudo estéril mundo de las bellas artes. Cope2 lo logra magistralmente, inspirándose en sus experiencias como nativo del Bronx para infundir a su obra una autenticidad imposible de fabricar. El año 2020, cuando se creó «No Cure», marcó una era en la que el arte urbano se había consolidado como un género capaz de ocupar las paredes de espacios artísticos de alto nivel sin perder su esencia callejera. En este sentido, la obra de Fernando Carlo actúa como puente, conectando las aceras desgastadas y cubiertas de grafitis con las paredes blancas de los coleccionistas de arte que buscan un pedazo de la calle para sí mismos. «No Cure» encarna el espíritu de la época del arte urbano contemporáneo, un faro del espíritu perdurable y la naturaleza cambiante del arte pop callejero y el grafiti. En el discurso más amplio del arte pop callejero, «No Cure» de Cope2 es un capítulo vibrante que refleja la diversidad y complejidad del arte del grafiti. Se erige como un colorido testimonio de la fuerza artística de Fernando Carlo y la huella imborrable que ha dejado en el tejido cultural del paisaje urbano. A medida que se difuminan las fronteras entre el arte callejero y las bellas artes, obras como «No Cure» nos recuerdan que en el corazón de este movimiento reside el poder de la expresión cruda y sin filtros: un poder que, en efecto, no tiene cura.

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PI Serigrafía de edición limitada a 4 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista pop Sam Chivers. 3.141592653589793 Matemáticas Pi, Edición 22

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Conserva tu serigrafía Cromie de Faile, impresa a mano en 6 colores sobre papel de algodón de bellas artes, edición limitada. Edición limitada de 2023, firmada y numerada, de 20 ejemplares. Tamaño de la obra: 27,56 x 39,37 pulgadas. Serigrafía de una mujer punk con navaja automática tipo estilete. En el siempre cambiante panorama del arte contemporáneo, "Save Your Cromie" se erige como un vívido testimonio de la síntesis entre el arte pop y el arte urbano. Esta serigrafía del prestigioso artista Faile emerge del turbulento contexto de 2023 y captura el espíritu de la época con su impactante y rebelde imaginería. Es evidente que la obra transmite un profundo mensaje sobre las normas sociales, la resistencia y el empoderamiento femenino, enfatizado por la icónica representación de una mujer punk empuñando una navaja automática. Realizada a mano con seis colores distintos sobre papel de algodón de alta calidad para bellas artes, la calidad de esta pieza es inconfundible. Cada tono contribuye a narrar una historia, fusionando el atractivo estético del arte pop con la energía cruda del grafiti. Los intrincados patrones y motivos que adornan el fondo enriquecen aún más la imagen central, convirtiendo la composición no solo en un espectáculo visual, sino en un viaje narrativo. De disponibilidad limitada, solo se realizaron 20 ejemplares de esta obra, cada uno meticulosamente firmado y numerado por los propios artistas. Con unas dimensiones de 70 x 100 cm, ofrece un amplio espacio para que los detalles resalten, cautivando al espectador una y otra vez. Para coleccionistas y aficionados, «Save Your Cromie» es mucho más que una obra de arte. Es un pedazo de historia, un reflejo del sentir social y, sobre todo, una muestra de cómo el arte pop y el arte urbano, dos géneros aparentemente dispares, pueden converger para crear algo verdaderamente fascinante. Con esta pieza, Faile invita a los espectadores no solo a ver, sino también a sentir, pensar y cuestionar, convirtiéndola en una adición esencial para cualquier colección.

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Edición limitada de lámina artística Junkyard Archival Pigment Fine Art impresa en papel Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² por la artista de graffiti callejero pop moderno Stephanie Buer. 2021 Junkyard • Impresión de pigmento de archivo autografiada • Impresa en papel de archivo Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² • 30,5 x 30,5 cm (12 x 12 pulgadas) Firmada y numerada a mano por la artista Stephanie Buer en una edición limitada de 20 ejemplares

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Merica Ting Edición Limitada Juguete de Vinilo Coleccionable Obra de Arte del artista de graffiti callejero Sket-One. Caja firmada de 2021, edición limitada de 150 ejemplares. Tamaño de la obra: 7,5 pulgadas de alto. Se exhibe con caja.

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Pez loro. Serigrafía de dos colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista Nate Duval. Obra de arte pop de edición limitada. Obra de arte de edición limitada firmada, 2014. Tamaño: 10x6.

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Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte Delorean en papel Photo Rag blanco brillante del artista de graffiti de la cultura pop Kilian Eng (DW Design). Edición limitada de 2013, firmada y numerada, impresa en papel (Photo Rag Bright White de 310 g/m²), 43 x 61 cm. El artista sueco Kilian Eng (DW Design) posee un estilo y un lenguaje visual únicos, a veces descritos como retrofuturistas. Eng ilustra y anima imágenes y láminas artísticas que evocan un ambiente onírico y despiertan la curiosidad, como esta imagen del DeLorean, claramente inspirada en las películas de Regreso al Futuro. «Me interesa mucho crear entornos en mi trabajo. Me fascina la arquitectura —antigua, futurista, fantástica—, así que a menudo incorporo edificios o estructuras. Los personajes que habitan las imágenes aparecen en estos entornos inesperados». —Kilian Eng Un viaje a través del tiempo: el DeLorean retrofuturista de Kilian Eng En el dinámico mundo del arte de la cultura pop, pocas imágenes evocan tan bien el espíritu aventurero y la estética retrofuturista como el DeLorean. Este icónico vehículo, grabado en la memoria colectiva de los 80 y más allá, cobra nueva vida en la obra del artista sueco Kilian Eng. Conocido profesionalmente como DW Design, la edición limitada de la impresión giclée de Eng sobre papel Photo Rag Bright White infunde al DeLorean una singular mezcla de nostalgia y fantasía futurista. Kilian Eng, nacido en Suecia, destaca por su estilo distintivo que combina elementos del arte pop urbano y el grafiti, si bien su obra se inclina más hacia la ilustración, con una fuerte influencia de la fantasía y la ciencia ficción. Su obra del DeLorean, una impresión de edición limitada, firmada y numerada, de 2013, ejemplifica a la perfección este estilo. Con unas dimensiones de 43 x 61 cm e impresa en papel Photo Rag Bright White de 310 g/m², la pieza refleja el compromiso de Eng con la calidad y su pasión por crear entornos inmersivos en sus obras. Visiones oníricas: La arquitectura del tiempo en la obra de Eng Eng siente una profunda fascinación por la arquitectura, que constituye la base estructural de muchas de sus obras. Su lámina del DeLorean no es una excepción. El vehículo se sitúa sobre un fondo onírico que fusiona lo antiguo y lo futurista, un sello distintivo del trabajo de Eng. Este escenario no es un mero telón de fondo; es parte integral de la narrativa que Eng crea a través de su arte. El DeLorean, sinónimo de viajes en el tiempo en la saga «Regreso al Futuro», se representa en un paisaje que resulta a la vez familiar y de otro mundo, encarnando la convergencia del pasado, el presente y el futuro. La inclinación del artista por situar personajes —o, en este caso, coches icónicos— en entornos inesperados se alinea con la ética del grafiti, donde el elemento sorpresa y la audacia de la presentación son clave. En la lámina del DeLorean de Eng, el coche ocupa un lugar central, su forma familiar contrastando marcadamente con el paisaje alienígena, que bien podría ser una escena de un planeta lejano o un universo paralelo. El lenguaje visual de Eng: Un portal a la exploración retrofuturista El lenguaje artístico de Kilian Eng habla de curiosidad y exploración, dos temas profundamente arraigados en el concepto del DeLorean. El coche, símbolo de la innovación tecnológica y de las infinitas posibilidades de los viajes en el tiempo, es un tema idóneo para la exploración del espacio y el medio ambiente que realiza Eng. La elección del DeLorean, especialmente en el contexto de una edición limitada, también refleja la comprensión que el artista tiene de la naturaleza efímera pero impactante de la cultura pop. La propia impresión, con su meticulosa atención al detalle y al color, refleja la calidad que se esperaría de una obra maestra del grafiti. Si bien la obra de Eng no está pintada en una pared ni en un vagón de tren, transmite el mismo espíritu del arte pop urbano: es accesible, es para la gente y transmite un mensaje. El mensaje aquí es de asombro, el mismo tipo de asombro que el arte urbano busca evocar en los transeúntes. El DeLorean de Kilian Eng no es solo una impresión; Es una ventana a ese mundo retrofuturista que solo existe en los sueños colectivos de quienes crecieron con las películas de «Regreso al Futuro» como referente. Es un testimonio del atractivo imperecedero del DeLorean como icono, no solo de una saga cinematográfica, sino de una era donde los coches eran más que simples vehículos: eran la llave de la aventura, el vehículo de los viajes de la imaginación. La obra de Eng captura este espíritu de una forma que honra y, a la vez, trasciende la inspiración original, convirtiéndola en una pieza significativa dentro del arte pop urbano y el grafiti.

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La obra "The Squancher-Hohokum" es una impresión giclée de edición limitada sobre papel de bellas artes, obra del artista callejero contracultural Richard Hogg. Serie de arte de videojuegos Hohokum, impresión original de Richard Hogg.

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Lovers Rock AP Artist Proof HPM Impresión de archivo con acabado a mano de Prefab77 Edición limitada impresa en papel Somerset Fine Art de 350 g/m² Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de artista AP 2021 Firmada y marcada AP Acabado a mano Edición limitada Obra de arte Tamaño 19,29 x 33,46 Pigmento de archivo Bellas artes. El estilo característico de Prefab77 en "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" La "Prueba de Artista HPM de Lovers Rock" de Prefab77 es una impactante obra de arte moderno que da fe del ingenio del colectivo en el arte pop urbano y el grafiti. Como prueba de artista, esta impresión ocupa un lugar especial en el proceso de producción, ya que representa una pieza de prueba utilizada para evaluar la calidad de la tirada. Esta impresión, de 49 x 85 cm, está realizada en papel Somerset de bellas artes de 350 g/m², un soporte de alta calidad elegido por su durabilidad y su capacidad para reproducir fielmente las ricas tintas pigmentadas de archivo utilizadas. Esta obra se distingue por sus acabados a mano, que garantizan que cada pieza de la edición limitada sea única. El acabado a mano, que puede incluir diversas técnicas, desde la pintura hasta el dibujo, dota a la impresión de un carácter singular que la diferencia de las reproducciones estándar. El estilo característico de Prefab77, que fusiona a la perfección elementos ilustrativos y tipográficos, se aprecia plenamente en esta obra. Cada lámina viene firmada, sellada y numerada, lo que subraya su autenticidad y el toque personal de los artistas. El lenguaje visual de "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" es una cacofonía de referencias a la cultura pop, declaraciones políticas y un diseño gráfico audaz. La narrativa de la obra comenta la intersección entre el amor y la rebeldía, un tema recurrente en la obra de Prefab77. El título, "Lovers Rock", podría interpretarse como una alusión al subgénero romántico pero desafiante del reggae, insinuando la fusión de suavidad y fuerza que caracteriza la pieza. Explorando la profundidad de "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" Más allá de su estética superficial, "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" profundiza en la compleja interacción entre la iconografía pop y los motivos urbanos más crudos. La imagen central de esta obra presenta un retrato superpuesto a un collage de elementos gráficos, sugiriendo una identidad multifacética moldeada por diversas fuerzas culturales. Esta fusión de estilos refleja la capacidad de Prefab77 para desenvolverse en diferentes mundos, desde las escenas underground del arte urbano hasta las refinadas galerías de arte. Los elementos compositivos de la obra recuerdan a la superposición de capas propia del grafiti, donde mensajes e imágenes se entrelazan para crear un rico tapiz de significado. Sin embargo, a diferencia de la naturaleza efímera del arte urbano, la calidad de archivo de los pigmentos y el papel empleados en "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" garantiza la perdurabilidad de la pieza, preservando la energía y el mensaje de la obra para las generaciones futuras. La elección del papel Somerset, conocido por su acabado texturizado, añade una dimensión sensorial a la obra. La textura del papel complementa la complejidad visual de la impresión, convirtiendo a "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" no solo en una obra de arte para contemplar, sino para experimentar. Esta conexión sensorial es fundamental para comprender la filosofía que inspira las creaciones de Prefab77: el deseo de crear arte inmersivo y evocador. Impacto cultural y legado de "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" Como obra influyente dentro del género del arte pop urbano y el grafiti, "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" tiene el potencial de impactar las narrativas culturales y la comunidad artística. La combinación del atractivo masivo del arte pop con la autenticidad cruda del arte urbano permite un diálogo que trasciende las barreras sociales y culturales. El compromiso de Prefab77 con la producción de ediciones limitadas garantiza que cada pieza sea una instantánea del espíritu cultural de la época, capturando el ambiente y los movimientos del momento. La presencia de una prueba de artista en el mercado también funciona como herramienta educativa, brindando información sobre el proceso de impresión y el valor que se le da a cada paso que conduce a la obra final. Para coleccionistas y entusiastas, adquirir una prueba de artista es una forma de conectar más profundamente con el proceso creativo, ofreciendo una visión de la intención del artista y la evolución de la obra. "Lovers Rock AP Artist Proof HPM" no es solo una obra de arte, sino un artefacto cultural que representa la intersección de diversas formas e influencias artísticas. La dedicación de Prefab77 a su oficio y su capacidad para innovar constantemente dentro del espacio del arte pop callejero y el graffiti aseguran que su trabajo, incluyendo esta impresión, será recordado como una contribución significativa al diálogo continuo sobre el valor y el lugar del arte callejero en la sociedad contemporánea.

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Invasion Dream Club - Serie Savage Sacred Young Minds - Serigrafía de edición limitada de 25 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² (borde irregular) por Faile Rare Street Art, artista famoso de arte pop. FAILE (estadounidense, est. 1999) Título: Invasion Dream Club 2016 Técnica: Serigrafía sobre papel de algodón 100% de archivo con bordes irregulares Serie Savage Sacred Young Minds

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¡Eso es Wall Folks! - Bienvenido a Wall. Impresión de pigmento de archivo sobre metal con base acrílica grabada. Obra de arte escultórica del artista callejero de graffiti, leyenda del pop moderno, Denial. Edición limitada de 100 ejemplares, 2020. Tamaño de la obra: 4x8 pulgadas. DENIAL es una artista canadiense cuya obra critica el consumismo y la condición humana. Aunque reside en Windsor, Ontario, DENIAL pasa gran parte del año viajando y exponiendo por Canadá y Estados Unidos, habiendo realizado exposiciones individuales en Los Ángeles, Chicago, Detroit, Nueva York, Toronto y Vancouver. En esencia, Denial satiriza la realidad que tanto él como nosotros vivimos, a través de algunos de los símbolos más emblemáticos de la cultura occidental. Utiliza productos culturales con la intención de denunciar el sistema que los originó. De este modo, los recontextualiza y los transforma de productos comerciales en su legado cultural.

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Yoshinoya PP Printer Proof Archival Pigment Fine Art Edición Limitada Impresión de pigmento de archivo en papel Moab Fine Art de 290 g/m² del artista pop Scott Listfield. Prueba de imprenta PP 2018. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 14x18. Lanzamiento: 9 de noviembre. "Yoshinoya" de Scott Listfield y su lugar en el arte contemporáneo La impresión de pigmento de archivo "Yoshinoya" PP (Prueba de Imprenta) de Scott Listfield constituye una profunda declaración en el panorama del arte pop contemporáneo, el arte urbano y el grafiti. La impresión, lanzada el 9 de noviembre de 2018, forma parte de una edición limitada, claramente identificada como Prueba de Imprenta y firmada por el propio artista. Esto significa que se trata de una edición que se reserva aparte de la tirada principal y que se utiliza a menudo para verificar la calidad antes de imprimir la edición final. Los coleccionistas y aficionados al arte pop consideran las ediciones PP muy codiciadas debido a su rareza y a la estrecha implicación del artista en su creación. Simbolismo en "Yoshinoya" de Scott Listfield La obra, de 35,5 x 45,7 cm, está impresa en papel Moab de 290 g/m², conocido por su calidad superior y su capacidad para reproducir colores nítidos y saturados, así como detalles precisos. «Yoshinoya» presenta a un astronauta, personaje recurrente en la obra de Listfield, que simboliza la exploración y el aislamiento en el mundo moderno. El astronauta se encuentra frente a una casa contemporánea, con un dirigible publicitario de Yoshinoya flotando al fondo, bajo un cielo crepuscular. Esta imagen está cargada de simbolismo; el astronauta parece contemplar la yuxtaposición entre la inmensidad del espacio y el entorno urbano comercializado. Exploración de los temas del arte pop en la obra de Listfield La obra plasma varios temas recurrentes en el arte pop urbano y el grafiti: una exploración de la condición humana, una crítica a la cultura de consumo y el uso de imágenes familiares para provocar la reflexión. El astronauta de Listfield es más que un personaje; es un avatar para el espectador, que navega por un mundo donde la publicidad corporativa alcanza hasta las estrellas. El sereno entorno residencial contrasta con el llamativo símbolo comercial que se alza sobre él, suscitando reflexiones sobre la intrusión del marketing en todos los aspectos de la vida. Técnica y comentario cultural En la creación de «Yoshinoya», Listfield emplea la técnica de impresión con pigmentos de archivo, un método que garantiza la estabilidad de la imagen y la precisión del color a largo plazo. Esta técnica resulta especialmente idónea para capturar los matices del cielo crepuscular y las superficies reflectantes del traje del astronauta. Al utilizar papel de bellas artes, Listfield eleva la impresión, tradicionalmente asociada a la naturaleza efímera del arte urbano, a la categoría de arte perdurable. La impresión con pigmentos de archivo «Yoshinoya» de Scott Listfield, realizada en papel PP, es una pieza fundamental del arte pop urbano y el grafiti. Encapsula la esencia del arte pop mediante su interacción con símbolos comerciales y culturales, a la vez que ofrece una perspectiva única sobre el papel y el impacto de la publicidad en la sociedad moderna. Su carácter de edición limitada, junto con su calidad y profundidad temática, la convierten en una obra significativa para coleccionistas y amantes del arte contemporáneo.

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Compra Peacock 2: serigrafía retro de 5 colores tirada a mano en papel de bellas artes del artista Nate Duval Obra de arte pop de edición limitada. 2014 Edición limitada firmada y numerada de 100 ilustraciones Tamaño 8x10

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American Daydream - Edición limitada en papel holográfico Lava Foil de 9 colores, serigrafía hecha a mano sobre papel artístico de 10 puntos, por el artista Denial. Edición limitada de 30 ejemplares, firmada y numerada, impresa en serigrafía de 9 colores sobre papel artístico holográfico Lava Foil de 10 puntos. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Lanzamiento: 9 de marzo de 2021. El "sueño americano" de Denial y su reflejo en el arte pop callejero moderno y el grafiti «American Daydream - Foil», del artista Denial, es una potente representación del arte pop urbano contemporáneo y el grafiti, que fusiona la estética comercial con un toque subversivo. Lanzada el 9 de marzo de 2021, esta edición limitada es una pieza significativa que reflexiona sobre la naturaleza de la cultura estadounidense y la mercantilización del sueño americano. Limitada a tan solo 30 ejemplares, esta serigrafía de 9 colores, impresa a mano sobre papel holográfico de 10 puntos con efecto lava, es un testimonio de la exclusividad y precisión del trabajo de Denial. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, «American Daydream - Foil» es un espectáculo visual que deslumbra con su fondo reflectante, creando un juego dinámico de luces y colores que desafía la percepción del espectador. El uso del papel holográfico con efecto lava resulta especialmente impactante como metáfora de las múltiples y, a menudo, contradictorias capas de la psique estadounidense. La obra de Denial captura la esencia del arte pop mediante el uso de un estilo de cómic familiar yuxtapuesto con una paleta psicodélica que parece cambiar y brillar con el movimiento del espectador. La obra presenta una figura femenina llorando, un motivo recurrente en el arte pop, que evoca la desconexión emocional entre la realidad y la búsqueda de la felicidad dentro del marco del sueño americano. El estilo característico de Denial incorpora elementos gráficos audaces y un agudo sentido de la ironía. Al utilizar la serigrafía, una técnica popularizada en el arte pop por artistas como Andy Warhol, Denial conecta con las raíces del movimiento a la vez que expande sus límites mediante materiales y temas modernos. Comentario contemporáneo a través del arte de edición limitada «American Daydream - Foil» de Denial es más que una obra visualmente impactante; es un comentario sobre la superficialidad de la vida estadounidense y las complejidades subyacentes que oculta. Cada una de las 30 impresiones está firmada y numerada por el artista, lo que añade un nivel de autenticidad y valor coleccionable muy apreciado en las comunidades del arte pop urbano y el grafiti. Los coleccionistas y admiradores de la obra de Denial aprecian las cualidades estéticas de sus impresiones y los mensajes que invitan a la reflexión. La edición limitada de «American Daydream - Foil» simboliza la transición del arte pop urbano, desde los murales callejeros efímeros hasta las codiciadas obras de arte. La decisión de Denial de lanzar una edición tan reducida subraya el deseo de mantener la exclusividad e integridad de la obra. Este principio suele ser fundamental en el arte pop urbano y el grafiti. En manos de los coleccionistas, estas impresiones no son meros objetos decorativos, sino que se convierten en artefactos culturales que encapsulan un momento en el tiempo y un sentimiento o crítica particular. En esencia, la obra de Denial ejemplifica la evolución del arte pop callejero y el grafiti hacia una forma que refleja y critica la cultura de la que surge. «American Daydream - Foil» funciona como un espejo de la sociedad, reflejando las complejidades de la experiencia estadounidense a través del prisma del arte pop. Es una audaz declaración sobre la naturaleza de los sueños y la realidad, el consumismo y el lugar del individuo en el entramado social. Su carácter de edición limitada garantiza que siga siendo una pieza singular y codiciada dentro del dinámico mundo del arte contemporáneo.

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Kryptonite Edición Limitada HPM Acrílico, pintura en aerosol y tinta sobre panel de madera intervenidos a mano por el artista urbano Marly Mcfly Pop Art. 2021 Edición limitada de 9 obras de arte firmadas y numeradas HPM, embellecidas a mano . Tamaño de la obra: 11x14 pulgadas sobre madera enmarcada lista para colgar. Soy una artista autodidacta de Newport News, Virginia. Desde niña me dediqué al arte, dibujando de todo: caricaturas, cómics, figuras de acción y atletas. Mis pensamientos y experiencias se plasman en capas de colores vivos y llamativos, junto con patrones que evocan recuerdos de mi infancia, y que utilizo para expresarme. Considero mi arte una mezcla de arte pop y arte urbano. -Marly McFly Las vívidas narraciones de Marly Mcfly en "Kryptonita" «Kryptonite», una obra de edición limitada de Marly Mcfly, es una representación visual del recorrido del artista por el arte pop y el arte urbano. Esta obra, intervenida a mano (HPM, por sus siglas en inglés) con acrílico, pintura en aerosol y tinta sobre un panel de madera, refleja la maestría autodidacta de Mcfly y la evolución personal de su narrativa artística. Firmada y numerada en 2021, esta colección se limita a tan solo nueve piezas, cada una de 11x14 pulgadas, presentadas sobre bastidor de madera listo para colgar, lo que simboliza el compromiso del artista con la accesibilidad y la conexión con su público. Mcfly, originario de Newport News, Virginia, canaliza la esencia del arte pop urbano y el grafiti, fusionando la inmediatez y la energía del arte urbano con la imaginería icónica y vibrante del arte pop. "Kryptonite" ejemplifica esta fusión, con sus capas de colores brillantes y llamativos y patrones que interactúan con imágenes nostálgicas de la infancia del artista, manifestándose como superhéroes, personajes de dibujos animados e iconos culturales que resuenan a nivel universal. Explorando la infancia y los iconos culturales En «Kryptonite», McFly explora el poder de los iconos culturales y su impacto en la identidad y la expresión personal. La obra es un diálogo con el pasado, una confrontación con los símbolos que han moldeado las identidades generacionales y un testimonio de la influencia perdurable de las impresiones de la infancia en la creatividad adulta. El trabajo manual en cada pieza añade un toque único a la serie, asegurando que cada obra, si bien forma parte de un tema colectivo, destaque por sus matices y texturas individuales. Esta obra encarna el poder transformador del arte pop urbano y el grafiti, demostrando la capacidad de McFly para comunicar emociones y experiencias complejas a través de un tapiz de imágenes personales y compartidas. Con «Kryptonite», Marly McFly contribuye a la narrativa dinámica del arte urbano, creando piezas visualmente estimulantes, ricas en significado y contexto, que invitan a los espectadores a encontrar sus conexiones entre las capas de pintura y tinta.

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Globo de alerta Flint Eye, serigrafía de edición limitada a cuatro colores impresa a mano sobre papel artístico francés blanco verdadero, obra del artista Shepard Fairey. Edición limitada de 450 ejemplares, firmada y numerada, de 2017. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Esta obra se basa en una pintura que realicé para mi exposición «Crisis Terrestre» en París. Toda la obra de esa exposición utilizaba estos tonos de azul/turquesa como conexión con el aire y el agua, esenciales para la vida en el planeta Tierra. Esta pieza trata más específicamente sobre la idea de que necesitamos ver lo que tenemos delante, que dependemos de la naturaleza, y utilicé la flor en plena floración como símbolo de belleza y crecimiento. Si seguimos contaminando el aire y el agua, las cosas no crecerán, por no hablar de que todos enfermaremos.

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Impresión de edición limitada Jameson Archival Pigment Fine Art en papel Moab Fine Art de 290 g/m² del artista de graffiti callejero pop moderno Camilo Pardo. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel Moab Fine Art de 290 g/m². Tamaño: 24 x 30 pulgadas. Lanzamiento: 23 de septiembre de 2019. Tirada: 100 ejemplares. Las pinturas y dibujos de Camilo reflejan tanto su amor por la perfección lineal como su fascinación por la manera en que esas líneas brindan satisfacción estética al espectador. Sus obras parecen moverse genuinamente y están impregnadas de una profunda comprensión y respeto por la cultura popular y las disciplinas tradicionales. En manos menos talentosas, tal aparente contradicción de fuerzas anularía incluso los mejores esfuerzos. Camilo logra reconciliarlas, complementarlas y armonizarlas.

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Jaguar Shark Edición Limitada Serie ICON Impresión serigráfica a mano de 4 colores sobre papel de bellas artes por DKNG Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. El barco de la famosa película de Bill Murray, La vida acuática con Steve Zissou, de Wes Anderson . Toda película tiene un icono: un objeto, decorado o localización emblemáticos. Algo que, en una sola imagen, puede representar la película entera. El equipo de diseño formado por Dan Kuhlken y Nathan Goldman, también conocidos como DKNG, llama a estas imágenes «iconos», y son el tema de su primera exposición individual en la Galería 1988 West de Los Ángeles. La muestra, titulada simplemente ICON, consta de 50 piezas que representan lugares y objetos icónicos de algunas de tus películas y series favoritas de todos los tiempos. Cada pieza es pequeña (30 cm x 30 cm) y representa un elemento que resume una película completa. Y, por supuesto, cada una está realizada con el estilo distintivo de DKNG: brillante, geométrico y a la vez detallado.

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Dúo delicioso: Obra de arte pop de crema de alcachofa, impresión giclée de edición abierta en papel artístico color crema del artista moderno Nate Duval. Obra firmada en 2014. Tamaño: 11,75 x 18 pulgadas.

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Pyramid Followed, edición limitada, serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Doyle, artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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Slumscape Apps #8 Esponja pequeña Edición limitada Impresiones de pigmentos de archivo HPM embellecidas a mano sobre papel de acuarela por Jeff Gillette Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2021 Firmado. De una serie de 43 impresiones únicas de pigmento de archivo con un ligero toque de collage y acuarela intervenidos a mano. Papel 13 x 20”, imagen 11,25 x 19”. 2021

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Impresiones artísticas de edición limitada con pigmentos de archivo del Embassy Lounge del JFK en papel artístico Hahnemühle William Turner de 310 g/m² del artista de arte callejero y cultura pop Robert Mars. Impresión de pigmento de archivo del Embassy Lounge del aeropuerto JFK sobre papel Hahnemühle William Turner Matte Fine Art Paper, 310 g/m² • Barnizada a mano • 61 x 61 cm (24 x 24 pulgadas) Firmada y numerada a mano por el artista Robert Mars

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Nolan - Habitación en alquiler. Edición limitada de impresiones artísticas de pigmento de archivo en papel de bellas artes del artista de arte callejero y cultura pop, Mike Ellis.

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Frontier I Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Josh Keyes, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel Moab Fine Art de 290 g/m². Tamaño: 61 x 48 cm. Lanzamiento: 26 de julio de 2019. Tirada: 250 ejemplares. Creo que logré expresar lo que me propuse. Me gustaría retomar este tema en el futuro. Me parece que las imágenes son interesantes y originales, y al ver la impresión, me transporta a un lugar muy, muy lejano. Me gusta el arte que me deja un poco perplejo y con preguntas sin respuesta. Si necesitas otra razón, la calidad del papel y de la impresión es excelente. - Josh Keyes El contexto teórico de su obra se vincula con temas mitológicos y folclóricos —en especial las leyendas y relatos de los nativos americanos— y con el imaginario que subyace entre sueños y pesadillas, con el fin de expresar una profunda ansiedad e incertidumbre existenciales. En la distopía de Keyes, la naturaleza interactúa con la vida urbana de una manera abstracta e inquietante, que evoca estéticamente las ilustraciones de libros de texto científicos y diagramas anatómicos.

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Edición limitada de "Gente caminando por el bosque", serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por John Vogl, artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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