Etiqueta de alta visibilidad de cuarentena con rotulador original Slap-Up Label Painting/Dibujo artístico en etiqueta de envío por Tru Graffiti Legend Saber Urban Street Artist. 2020 Firmado Marcador Original Colección Cuarentena Slap Up Graffiti Art Tag 6.5x3 Etiquetado en Virus Covid Cuarentena Etiqueta de Advertencia Naranja Neón de Alta Visibilidad.

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Cada pueblo antiguo tiene su lado inquietante. Impresión giclée de edición limitada en papel de algodón aterciopelado de Skinner, artista callejero contracultural. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una meticulosidad calculada.

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Papel secante Double Vision, edición limitada, impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado, obra de arte de la cultura pop LSD de CES. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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SlapTag Urban Decay Original, obra de arte única en su tipo, pintada con aerosol y acrílico Montana Gold sobre madera por el popular artista de graffiti callejero Lyric One. Obra original firmada de 2021, Montana Gold, realizada con pintura en aerosol y acrílico sobre panel de madera. Medidas: 18 x 18 x 2 pulgadas. Fecha de lanzamiento: 1 de noviembre de 2021.

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Compra Melt- Hot Lava Impresión de serigrafía de edición limitada tirada a mano en 7 colores en papel de bellas artes de 250 g/m² por Efdot Rare Street Art Famoso artista pop. 2021 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte tamaño 18x24 MELT es una obra de arte clásica de Efdot que destaca su icónico personaje Blob con un patrón inspirado en las vidrieras. Esta es la cuarta edición de "MELT con una combinación de colores titulada "Hot Lava". Detalles de la serigrafía: Edición de /50' firmada y numerada por el artista Serigrafía de 7 capas en papel de 250 g/m². Dimensiones: 18 x 24 pulgadas Certificado de autenticidad incluido Diseñado y impreso en Brooklyn.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Metropolis 3 Edición Limitada Impresión Serigráfica Manual de 4 Colores sobre Papel Cougar Fine Art de 100 lb por David Soukup Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Estas piezas fueron diseñadas originalmente para una exposición que presenté en Long Beach hace un tiempo. Trabajaba con la idea de cómo los edificios, los lugares y el espacio se relacionan entre sí en el entorno urbano. Siempre me han fascinado las ciudades y la vida urbana en general, y me centro en ello en la mayoría de mis obras. Estas piezas fueron creadas mediante collage digital y luego estarcidas a mano. Siempre intento explorar las posibilidades del estarcido y ver qué más se puede hacer con esta técnica. - David Soukup

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Obra de arte de Heidelberg, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Stephanie Buer.

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Compra Post No Bills- Original sin título, pintura en aerosol única en su tipo y pintura de plantilla, obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de cultura pop Street Art Seen UA. 2018 Cuadro Original Firmado Tamaño 18x24 Craquelado por todas partes. Lienzo sin forro.

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Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte LA River en papel Pearl Fine Art, del artista de graffiti de la cultura pop Saber. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2019. Papel nacarado. 27 x 19,25 pulgadas. Los Ángeles siempre ha sido un centro de creatividad, diversidad e innovación. Entre sus formas de expresión más influyentes y audaces se encuentra el arte callejero, especialmente el grafiti, que ha dejado una huella imborrable en los extensos paisajes urbanos de la ciudad. Un testimonio de esta vibrante cultura es la impresión giclée "LA River Artwork", una pieza excepcional creada por el renombrado artista de grafiti de la cultura pop, Saber. Originario de Los Ángeles, Saber ha sido una figura clave en el arte del grafiti, superando límites y estableciendo nuevos estándares para el género. Sus diseños dinámicos e intrincados encapsulan la energía, la complejidad y la autenticidad del entorno urbano. "LA River Artwork" es un brillante ejemplo de su destreza y estética única. Esta pieza de edición limitada es un testimonio de la dedicación y precisión que Saber imprime en su arte, capturando la naturaleza transformadora del grafiti al insuflar vida y narrativa a las estructuras cotidianas de la ciudad. Creada en 2019, esta impresión giclée cuenta con una calidad y un detalle impecables. Limitada a tan solo 100 copias, cada lámina ha sido meticulosamente firmada y numerada por Saber, lo que subraya su exclusividad y valor como pieza de colección. El papel perlado de 68,5 x 48,9 cm (27 x 19,25 pulgadas) realza la viveza de la obra, otorgándole un acabado brillante que añade profundidad y dimensión. Este soporte, frecuentemente utilizado en reproducciones de bellas artes, garantiza durabilidad, nitidez y una experiencia visual inmersiva para el espectador. El arte del grafiti, a menudo tachado en sus inicios de mero vandalismo, ha evolucionado hasta ser reconocido como una auténtica forma de expresión artística, con Saber a la vanguardia. La obra «LA River Artwork» es un testimonio de la transformación del género y su constante evolución en relación con la cultura pop. Esta pieza no es solo una obra de arte; es una narrativa, un fragmento del alma de Los Ángeles, inmortalizado en color y forma por uno de sus artistas más emblemáticos.

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Serigrafía SF Fire Escape de Shepard Fairey - OBEY. Color aplicado a mano sobre papel de bellas artes color crema moteado. Obra de arte de edición limitada. Artista de la cultura pop Obey. 2011 Firmado por Shepard Fairey - OBEY y Edición Limitada Numerada de 450 ejemplares. Tamaño de la obra: 18x24 pulgadas. Serigrafía. SF Fire Escape de Shepard Fairey - Arte pop callejero y graffiti en el simbolismo urbano La serigrafía de Shepard Fairey de 2011, titulada SF Fire Escape, captura la energía arquitectónica y cultural de San Francisco a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Impresa en papel artístico Speckletone color crema en una edición firmada y numerada de 450 ejemplares, esta serigrafía de 45,7 x 61 cm, realizada a mano, destila el característico uso que Fairey hace del contraste gráfico y la crítica política en una composición dinámica de geometría urbana. Utilizando su icónica paleta de rojo, negro y crema, la obra presenta una llamativa escalera de incendios que atraviesa la fachada de un edificio moderno, marcada por el rostro del ya famoso icono Obey Giant de Fairey, que asoma por una ventana. Las líneas verticales de la estructura se entrecruzan con escaleras diagonales, mientras que una valla publicitaria urbana anuncia «Prohibido girar» y «Sentido único», enfatizando metafóricamente el control, la restricción y la ilusión de certeza direccional. Líneas arquitectónicas y estructuras de poder urbanas La obra SF Fire Escape de Fairey transforma el diseño urbano cotidiano en un contenido visual impactante. La escalera de incendios, generalmente vista como un símbolo de seguridad o último recurso, se convierte en una línea de escape abrupta de la conformidad. Sus ángulos blancos contrastan con la rígida retícula del edificio evocando urgencia y posibilidad. Los paneles rojos y negros transmiten una sensación de urgencia y rigidez institucional, mientras que la valla publicitaria en silueta añade una capa de dirección social o camino impuesto. La ubicación del rostro gigante de Obey en la ventana de la escalera de incendios interrumpe la retícula con un símbolo humanizado inesperado, haciendo referencia a la crítica constante del artista a la saturación mediática, la vigilancia y las estructuras sistémicas. Además, actúa como un observador silencioso integrado en la arquitectura, vigilando pero a la vez contenido. La serigrafía como medio político en el arte pop callejero La serigrafía ha sido durante mucho tiempo la herramienta predilecta de Fairey para reproducir mensajes de forma rápida y accesible. SF Fire Escape continúa este legado, manteniendo la estética del cartelismo y funcionando a la vez como un objeto de arte coleccionable. La elección del papel Speckletone color crema, combinada con las audaces capas de tinta serigrafiada, evoca el espíritu del «hágalo usted mismo» del arte propagandístico callejero. El lenguaje visual refinado pero agresivo de Fairey aprovecha la técnica de la repetición, una paleta de colores limitada y el contraste para amplificar la urgencia y la fuerza. Esta composición no solo retrata un momento arquitectónico, sino que transforma el entorno urbano en una metáfora del bloqueo cultural y las señales autoritarias disfrazadas de guía. Iconografía integrada y resistencia urbana El rostro de Obey Giant no es simplemente una marca o un adorno; funciona como un símbolo de resistencia integrado en el tejido urbano. Al colocar este rostro en el contexto de una escalera de incendios, Fairey juega con la idea de vigilancia, autonomía y escape. Su uso de señalización direccional añade una capa de ironía, cuestionando si los individuos en la sociedad moderna son realmente libres de elegir su camino o si simplemente se desenvuelven en un marco de control. SF Fire Escape ejemplifica el papel constante de Shepard Fairey en la transformación del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos en medios impresos con contenido social y político, arraigados tanto en el lenguaje visual de la rebeldía como en la estructura de lo cotidiano.

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Serigrafía "No Place Utopia" de Cleon Peterson sobre papel Coventry Rag Fine Art Paper de 290 g/m² con bordes irregulares. Obra de edición limitada. 2024 Firmado y numerado Cleon Peterson Edición limitada de 75 Tamaño de la obra 24x24 Impresión serigráfica. Una visión impactante de disrupción Cleon Peterson, artista estadounidense, ha captado la atención mundial por sus crudas representaciones del conflicto y el poder. La serigrafía "No Place Utopia" se erige como una adición fascinante a su obra, enfatizando la turbulencia que subyace a la existencia moderna. Esta pieza, de 61 x 61 cm (24 x 24 pulgadas) e impresa en papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² con bordes irregulares, sumerge al observador en un paisaje dramático de contrastes y energía explosiva. La edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada en 2024, subraya su exclusividad, invitando tanto a coleccionistas como a admiradores a observar con detenimiento la intención de Peterson. La composición revela un destello dorado tras un austero paisaje urbano, acompañado por una figura solitaria cuya presencia transmite una sensación de aislamiento en medio de la grandeza. Las siluetas características de Peterson destacan en esta impresión, evocando motivos frecuentes en el arte pop urbano y el grafiti. Amplias zonas de color se funden con contornos nítidos, evocando una cualidad mural que destaca incluso a distancia. Los observadores perciben la tensión entre la ciudad estilizada en primer plano y la erupción monumental que se desarrolla tras ella. Un cielo negro enmarca el dramático estallido de blanco y oro, creando un efecto casi cinematográfico que subraya el tema subyacente del caos. La postura de la figura solitaria invita a la contemplación, como si se enfrentara a una pregunta irresoluble sobre la capacidad de decisión personal y la fragilidad de las visiones idealizadas. Rico simbolismo y marcado contraste No Place Utopia canaliza una narrativa de ilusiones rotas y el choque entre la aspiración y la realidad. Las secciones doradas sugieren un aura de esperanza o promesa, mientras que la oscuridad profunda evoca un peligro inminente. Esta yuxtaposición de oscuridad y oro brillante sugiere una tensión que resuena con quienes aprecian la capacidad del arte pop urbano y el grafiti para el comentario crudo. El paisaje urbano sirve como ancla visual, recordando a los espectadores la ambición de la humanidad, pero las formas dramáticas implican una amenaza inminente o un cambio monumental. El enfoque minimalista de Peterson mantiene la atención del espectador en los componentes esenciales, preservando una intensidad que refleja la violencia y la convulsión frecuentemente presentes en su obra. La paleta de colores limitada realza la sensación de dramatismo, subrayando la naturaleza interpretativa del arte de Peterson. Cada forma parece colocada deliberadamente, como si capturara una instantánea de las fuerzas cataclísmicas desatadas sobre el entorno urbano. La figura solitaria se yergue en el umbral, preguntándose en silencio qué queda una vez que la destrucción hace estragos. Esta estética provocativa invita a reflexionar sobre la delicada línea que separa la búsqueda de la utopía del potencial para el caos. Artesanía y atractivo para coleccionistas Los coleccionistas elogian a Peterson no solo por las audaces narrativas de sus imágenes, sino también por el esmero puesto en la producción física de cada lámina. Los bordes irregulares del papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² añaden un toque artesanal, resaltando detalles que comunican autenticidad y dedicación al oficio. La edición limitada de 75 ejemplares, publicada en 2024, ofrece exclusividad y despierta el interés de quienes siguen la trayectoria de Peterson y las tendencias del arte contemporáneo. Los propietarios suelen destacar cómo la obra conserva una sensación de grandeza en su formato de 61 x 61 cm, ya sea exhibida individualmente o como parte de una colección más amplia. Las proporciones equilibradas contribuyen al impacto visual de la obra, con una composición que ocupa un espacio cuadrado armonioso que refleja el frenesí controlado que se representa en su interior. Esta interacción dinámica evoca la energía original de las imágenes inspiradas en el arte urbano, reinterpretadas en un contexto refinado. Muchos consideran que la habilidad de Peterson para incorporar influencias del arte pop urbano y el grafiti en láminas de alta calidad es a la vez innovadora y relevante para el público actual. Implicaciones de la transformación y la resiliencia No Place Utopia invita al espectador a cuestionar los límites entre los ideales utópicos y su inevitable colapso. El estallido dorado sirve como un crudo recordatorio de la rapidez con que las grandes visiones pueden desmoronarse en el caos, pero la presencia de una silueta humana solitaria sugiere un espíritu perdurable. La hábil interacción de color y silueta de Peterson se alinea con la actitud transgresora que impulsa el arte pop urbano y el grafiti, fomentando la reflexión sobre las estructuras sociales y el papel del individuo dentro de ellas. Al capturar la esencia de la destrucción y la posibilidad en una sola imagen impactante, Peterson ha creado una obra que resuena en múltiples niveles. La ferocidad visual de la impresión se erige como un sello distintivo de la obra de Peterson y continúa cautivando a los coleccionistas que admiran el arte audaz y conceptual con un toque gráfico. Ya sea vista como una declaración simbólica sobre la sociedad, una meditación sobre la capacidad de acción personal o un emblema de fuerza creativa en estado puro, No Place Utopia perdura como tema de conversación. Se sitúa con orgullo dentro del canon en evolución del arte moderno de la serigrafía, reafirmando la reputación de Peterson por fusionar imágenes impactantes con un potente comentario cultural.

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Serigrafía de Wicker Park, Chicago, de Ian Ferguson - Hydeon. Edición limitada monocolor impresa a mano en papel de bellas artes. Pieza de arte callejero poco común. Famoso artista del arte pop. 2013 Edición limitada firmada y numerada de 35 obras de arte Tamaño de la obra 16x20 Serie de arte vecinal de Ian Ferguson. Serigrafía de Wicker Park por Ian Ferguson – Hydeon La serigrafía de Wicker Park, obra de Ian Ferguson, conocido artísticamente como Hydeon, es una impactante representación de uno de los barrios más emblemáticos de Chicago. Esta serigrafía monocromática, impresa a mano en edición limitada de 2013, con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, captura la vibrante arquitectura y cultura de Wicker Park a través de una composición intrincada y surrealista. Como parte de la serie «Arte de Barrio» de Ferguson, esta pieza fusiona paisajes urbanos detallados con elementos del arte pop callejero y el grafiti, ofreciendo una exploración visualmente cautivadora de la ciudad. La complejidad arquitectónica de Wicker Park Wicker Park es conocido desde hace mucho tiempo por su arquitectura histórica, su diversa comunidad creativa y sus bulliciosas calles, elementos que Ferguson plasma con gran detalle en su obra. Su minucioso trabajo de línea resalta los rasgos ornamentales de los edificios clásicos de Chicago, las casas de piedra rojiza y las fachadas de las tiendas, creando un paisaje urbano complejo que rebosa historia y dinamismo. El tren elevado Damen de la Línea Azul juega un papel central en la composición, atravesando visualmente la estampa y conectando el barrio con el resto de Chicago. La habilidad de Ferguson para fusionar perspectiva y escala da como resultado un collage arquitectónico que desafía la concepción tradicional del espacio lineal. Los edificios parecen curvarse, las calles convergen en ángulos surrealistas y la tipografía de «Wicker Park» se integra a la perfección en la estructura de la estampa. Este estilo evoca los grabados urbanos clásicos, pero la interpretación de Ferguson incorpora elementos surrealistas que hacen que el barrio resulte a la vez familiar y onírico. Referencias culturales y simbolismo Más allá de su arquitectura, Wicker Park posee una rica identidad cultural arraigada en su música, arte y vida callejera, aspectos que Ferguson refleja a través de diversos motivos visuales. La presencia de una bicicleta, autos clásicos y letreros antiguos aluden a la historia del barrio y a sus subculturas en constante evolución. La inclusión del letrero del Rainbow Club por parte de Ferguson subraya la importancia de los negocios locales en la configuración del panorama creativo de Wicker Park. Las imágenes también incluyen nubes flotantes, una profundidad exagerada y elementos urbanos superpuestos, que le confieren un aire onírico. El uso del blanco y negro enfatiza la profundidad del detalle y crea un efecto atemporal, evocando la energía del barrio como un documento histórico. El enfoque de Ferguson destaca tanto la realidad como la mitología de Wicker Park, convirtiéndolo en una representación simbólica de la creatividad urbana. La influencia de Ian Ferguson en el arte pop callejero y el grafiti La serie «Arte de Barrio» de Ian Ferguson lo sitúa firmemente dentro del movimiento del arte pop urbano y el grafiti, utilizando la serigrafía para reinterpretar los paisajes visuales de importantes espacios urbanos. A diferencia del arte callejero tradicional basado en murales, la obra de Ferguson traduce estas narrativas urbanas en láminas artísticas de edición limitada, permitiendo a los coleccionistas conectar con sus interpretaciones a una escala más íntima. Su trabajo conecta con los aficionados tanto a la ilustración arquitectónica como al surrealismo urbano, ya que transforma paisajes urbanos familiares en composiciones dinámicas llenas de movimiento y narrativa. La serigrafía de Wicker Park sirve como homenaje al barrio y como exploración de la evolución de las ciudades, convirtiéndose en una pieza significativa dentro de la trayectoria artística de Ferguson. Esta lámina se erige como una oda visual a una de las zonas más emblemáticas de Chicago, preservando su esencia cultural a través de una obra de arte sumamente detallada y meticulosamente elaborada.

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Libro de arte poco conocido etiquetado por Zes Zeser x The Seventh Letter. Edición limitada y rara. Obras de arte de referencia de la cultura urbana del grafiti pop moderno. Edición limitada de 2014, firmada y con la portada firmada (2000 ejemplares). Tamaño: 9,5 x 6,5 pulgadas. Número de páginas: 121. Obras de arte y graffiti de Zes, también conocido como Zaser. Esta edición de tapa dura presenta tapas blancas con un distintivo círculo negro en ambas cubiertas, complementado con letras negras en el lomo. El libro no está paginado y contiene 121 páginas con fotografías en blanco y negro a página completa de Zes. Libro de arte poco conocido etiquetado por Zes Zeser: Una rara edición limitada de arte urbano pop moderno El libro de arte «The Obscure» de Zes, también conocido como Zeser, es una publicación rara y muy codiciada de edición limitada que muestra el mundo crudo e inmersivo del arte urbano pop del grafiti moderno. Limitado a solo 2000 ejemplares, este libro de tapa dura encapsula la esencia de la cultura urbana a través de 121 páginas de impactantes fotografías en blanco y negro. El libro se convierte en una referencia fundamental para los entusiastas del arte urbano pop y el grafiti, ofreciendo una visión auténtica de la obra de uno de los artistas de grafiti más influyentes de Los Ángeles. Diseño y estética de la edición limitada Esta edición limitada de 2014 presenta un diseño minimalista a la par que impactante. La tapa dura está adornada con tapas blancas que contrastan con un llamativo círculo negro tanto en la portada como en la contraportada, otorgándole una identidad visual impactante y sobria. El lomo luce la inscripción en letras negras "Obscure", que encapsula la naturaleza enigmática de su contenido. El libro mide 24 x 16,5 cm, un formato compacto pero sustancioso que permite una experiencia de lectura íntima de la fotografía y las expresiones artísticas de Zes. Un aspecto particularmente notable de esta edición es la portada firmada a mano, lo que hace que cada ejemplar sea único. Zes, una figura profundamente arraigada en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti de Los Ángeles, ha dejado su huella en la portada, aumentando su valor como pieza de colección. Esta firma refuerza la autenticidad del libro como producto de la subcultura del grafiti, donde las firmas y los tags son una forma fundamental de identidad artística. Explorando la profundidad del arte pop callejero y el arte del grafiti El contenido de Obscure se presenta sin paginación, lo que permite al lector sumergirse por completo en la narrativa visual creada por Zes. El libro se compone íntegramente de fotografías en blanco y negro a página completa, que capturan momentos del entorno urbano a través de la mirada de un artista de grafiti. La estética monocromática amplifica la energía cruda de las calles, retratando la crudeza, el dinamismo y la rebeldía inherentes a la cultura del grafiti. Zes, originario de Los Ángeles, ha sido una figura activa en el mundo del grafiti desde la década de 1990. Su obra suele explorar temas como el movimiento, el espacio y la identidad, reflejando la naturaleza transitoria y a menudo efímera del arte callejero. A diferencia de las obras de galería tradicionales, el grafiti es inherentemente impermanente, sujeto a la eliminación, destrucción o superposición por parte de otros artistas. Este libro constituye una documentación crucial del trabajo de Zes, preservando momentos que de otro modo podrían perderse en el tiempo. La importancia de lo oscuro en la cultura del arte urbano Obscure es mucho más que un libro de fotografías; es un documento histórico de una época significativa del arte pop callejero y el grafiti. Con las instituciones artísticas convencionales reconociendo cada vez más la legitimidad del grafiti como una poderosa forma de expresión contemporánea, obras como este libro proporcionan una documentación esencial de los artistas que dieron forma a la cultura desde sus inicios. El libro captura la tensión entre creación y destrucción, anonimato y reconocimiento, elementos definitorios del mundo del grafiti. Para coleccionistas, entusiastas del arte urbano e investigadores del arte pop callejero y el grafiti, este libro es una referencia fundamental. El hecho de que sea una edición limitada, firmada a mano por el artista, no hace sino aumentar su rareza y atractivo. La obra de Zes continúa influyendo e inspirando a una nueva generación de artistas que exploran el panorama cambiante de la expresión urbana, convirtiendo a Obscure en una pieza invaluable de la historia del grafiti.

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Mapa del metro de la ciudad de Nueva York. Edición limitada impresa con pigmentos de archivo en papel de bellas artes de 310 g/m² por Cope2, artista callejero de arte pop moderno. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 17 x 24 pulgadas. "Hacer una impresión de un mapa original del metro de Nueva York que creé en colaboración con 1xRun es una idea genial, ya que muchos coleccionistas de arte podrán tener una parte de mi historia en Nueva York. El concepto de usar un mapa del metro de Nueva York encaja a la perfección con mi trayectoria como leyenda del grafiti neoyorquino, porque fue en el metro donde me forjé un nombre, dejando mi firma en cada línea y en cada rincón del metro de la ciudad." - Cope2 Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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Serigrafía Panacea de MEUBON. Impresa a mano sobre papel artístico superfino blanco cáscara de huevo. Edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 300 obras de arte Tamaño 20,25 x 15,75 Serigrafía. ยาตำราหลวง สถานที่จำหน่าย มาตำราหง เภสัชกรรม- Medicina Real, Lugar de Venta, Farmacia Ma Tamra Hong Panacea de MUEBON – Remedio satírico en arte pop callejero y grafiti Panacea es una serigrafía de edición limitada de 2022 del artista tailandés MUEBON, impresa a mano sobre papel artístico Superfine Eggshell White y con un tamaño de 51,4 x 40 cm. Firmada y numerada en una edición de 300 ejemplares, la obra fusiona la estética tradicional tailandesa con un lenguaje satírico propio del arte urbano. La composición imita la disposición y el tono de un antiguo letrero de farmacia tailandesa, incluyendo referencias tipográficas a la medicina real, detalles de la ubicación e insignias regulatorias. En este marco, MUEBON inserta su personaje característico: un travieso pájaro negro con postura antropomórfica, cuidando hileras de vibrantes plantas de cannabis. La yuxtaposición de autoridad estatal, legitimidad médica y rebeldía popular se ejecuta con una claridad visual quirúrgica y una agudeza conceptual excepcional. Cada línea, grieta y elemento gráfico contribuye a un mensaje más amplio sobre la legalidad, la hipocresía y la evolución de las normas culturales. Simbolismo medicinal e ironía sociopolítica El uso que hace MUEBON del título Panacea alude a la idea de una panacea, una solución universal a los males sociales; sin embargo, la estampa sugiere que lo que se comercializa como remedio suele estar sujeto a capas de control y contradicción. El personaje, plasmado con precisión en color y personalidad, riega plantas de marihuana con la indiferencia de quien ha normalizado el tabú. El fondo reproduce texturas de paredes desgastadas y letreros deteriorados, sugiriendo un aviso público oficial, ahora subvertido. La escritura tailandesa muestra con audacia frases como ยาตำราหลวง y สถานที่จำหน่าย —Medicina Real y Lugar de Venta—, mientras que la figura central socava el tono burocrático con una rebeldía punk. Esta colisión visual es clásica de MUEBON: combina humor caricaturesco con crítica institucional al estilo del arte pop callejero y el grafiti, que funciona a la vez como documentación y protesta. Técnica de serigrafía y precisión estética La impresión se realiza mediante técnicas tradicionales de serigrafía, lo que permite que cada color conserve una saturación intensa y una nitidez impecable en los bordes. Impresa en papel Superfine Eggshell White, la sutil textura de la superficie realza el efecto de letrero vintage, reforzando la ilusión de antigüedad y desgaste. La superposición controlada de imágenes —suciedad, texto, plantas, sellos y personajes— demuestra la precisión de MUEBON al traducir narrativas políticas complejas en obras de arte vibrantes y accesibles. Si bien está repleta de códigos culturales locales, la pieza es universalmente legible, convirtiéndose en un ejemplo destacado dentro del arte pop urbano y el grafiti de cómo la voz regional puede alcanzar resonancia internacional a través de una sólida composición visual y una claridad temática. MUEBON y la anatomía cultural de la legitimidad Panacea no es solo una impresión; es un diálogo entre la ley, el comercio y la autonomía personal. MUEBON utiliza el humor y una sátira con toques pop para explorar la relación cambiante de Tailandia con el cannabis medicinal, la supervisión gubernamental y los tabúes culturales. Su característico pájaro se convierte en una metáfora del ciudadano común, que se desenvuelve en un sistema que legaliza selectivamente lo que antes criminalizaba. La obra funciona como una metáfora visual de cómo se entrelazan el poder, la propaganda y la salud pública. En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, Panacea ofrece una narrativa compleja disfrazada de señalización pública. Provoca risas, genera diálogo y desafía a los espectadores a reconsiderar la apariencia de la autoridad cuando se presenta con tinta colorida y contradicción simbólica. MUEBON continúa consolidándose como un maestro de la ironía visual y el análisis cultural a través de la lente de la resistencia urbana.

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Compre KONG Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista Scott Listfield, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte Tamaño 18x24 Artista: Scott Listfield Título: "KONG" Medio: Archival Pigment Edición impresa: 50 Marcas: Firmada y numerada por el artista Dimensiones: 18" x 24"

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Obra de arte Brick Woman, impresión giclée de edición limitada en papel grueso de la artista de graffiti de la cultura pop Lady Pink. 2005, Edición limitada de 25 copias giclée en papel grueso. Firmadas y numeradas, tamaño 45,7 x 43,2 cm (18" x 17").

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Entre Aquí y Allá 2 Impresiones de Pigmentos de Archivo de Edición Limitada en Papel de Bellas Artes Blanco Natural Museo de 310 g/m² por Mimi Yoon, Artista Callejera de Graffiti, Arte Pop Moderno. INFORMACIÓN

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Et Jai Retenu Mon Souffle Paris Serigrafía realizada por Faile, impresa a mano sobre papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Edición limitada de serigrafía y obra de arte en acrílico. Edición limitada de 325 ejemplares, firmada y numerada (2024). Tamaño de la obra: 13,5 x 22,5 cm. Serigrafía. Una inspiradora fusión de color y movimiento La serigrafía «Et Jai Retenu Mon Souffle Paris» de Faile reúne una vibrante gama de imágenes que cautivan la imaginación del espectador. Las capas de tinta aplicadas a mano reposan sobre papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m², otorgando a la composición de 34,3 x 57,2 cm una profundidad táctil. Esta edición limitada de 325 ejemplares, firmada y numerada en 2024, ejemplifica la dinámica interacción de Faile entre motivos contemporáneos y elementos de inspiración vintage. Una figura central parece saltar por los aires, exudando una sensación de libertad y alegría que resuena con el deseo universal de romper con los límites cotidianos. Tonos pastel suaves y otros más intensos, de tipo neón, se funden sobre formas geométricas en el fondo, sugiriendo un paisaje urbano que combina elementos reales y fantásticos. El resultado es una celebración de la expresión, la nostalgia y la esperanza. Influencias del arte pop callejero y del grafiti El enfoque de Faile se inspira a menudo en el arte pop callejero y el grafiti, adaptando la energía cruda del arte urbano a una edición impresa exquisita. Los patrones brillantes y la estructura tipo collage evocan los carteles pegados con engrudo y los murales a gran escala que pueblan las calles de la ciudad. Esta conexión se hace evidente en la forma en que la impresión fusiona imágenes aparentemente dispares: figuras clásicas de cómics, elementos tipográficos y pinceladas de un horizonte arquitectónico. Existe una tensión entre la precisión formal y las explosiones espontáneas de color que eleva la obra más allá de la mera ilustración. Faile utiliza esta metodología inspirada en la calle para generar una intensa declaración visual, que refleja la vibrante gama de influencias presentes en el arte público moderno. Capas intrincadas y composición audaz Las capas de «Et Jai Retenu Mon Souffle Paris» sugieren un proceso de serigrafía en varias etapas, donde cada color se ha alineado y transferido cuidadosamente a mano. Sutiles cambios de tonalidad crean una sensación de movimiento, que evoca la pose danzante de la figura central. Toques acrílicos añaden una dimensión extra, otorgando a algunos segmentos un brillo lustroso que capta la luz de forma distinta a las tintas mate. Faile destaca por su habilidad para combinar imágenes lúdicas con una técnica refinada, asegurando que cada mirada revele nuevos detalles. El collage de referencias arquitectónicas y formas estilizadas sugiere escenas de una metrópolis bulliciosa, invitando a reflexionar sobre la interacción entre el arte y la vida urbana. Esta yuxtaposición sirve de lienzo para meditaciones más amplias sobre la libertad, la aspiración y la fusión cultural. Una edición limitada para coleccionistas exigentes. Esta obra de arte, serigrafiada y acrílica, es una de las favoritas entre quienes aprecian la estética pop y la meticulosa artesanía. Impresa en papel Moab Entrada Fine Art Paper de 290 g/m² de alta calidad, cada impresión ofrece una gran durabilidad y detalles nítidos. El proceso de serigrafía manual garantiza ligeras variaciones que hacen que cada edición sea única. La firma de Faile es un sello de autenticidad que consolida esta pieza dentro del diálogo actual sobre el arte contemporáneo con una sensibilidad urbana. Los aficionados suelen elogiar su cautivador diseño y el mensaje inspirador que reside en la figura en salto. Su capacidad para generar respuestas emocionales complementa el dinamismo visual de la obra, convirtiéndola en un ejemplo perdurable de la fusión de técnicas e influencias de Faile.

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Cosplay for the Cause Edición Limitada Impresión Serigráfica de 4 Colores Tirada a Mano sobre Papel de Bellas Artes del Artista Robert Wilson IV. Edición limitada de 110 unidades Cosplay for the Cause se puso en contacto con nosotros para que les ayudáramos a producir su póster de incentivo para recaudar fondos para Wizard World Austin el mes pasado, ¡y les pusimos en contacto con el extraordinario artista Robert Wilson IV! Esta serigrafía de 4 colores impresa a mano mide 18x24 pulgadas.

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El mar también sube: Canales de Midtown. Edición limitada. Serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Doyle, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Título: Los canales de Midtown. Artista del póster: Tim Doyle. Edición: Primera edición, firmada y numerada a mano (solo 100 ejemplares impresos). Año: 2013. Tipo: Póster serigrafiado de edición limitada. Tamaño: 20 x 30. Lugar: Nakatomi, Inc. Evento: Sea Also Rises.

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Serigrafía de Humboldt Park, Chicago, de Ian Ferguson - Hydeon. Edición limitada monocolor impresa a mano en papel de bellas artes. Pieza de arte callejero poco común. Artista famoso del arte pop. 2013 Edición limitada firmada y numerada de 35 obras de arte Tamaño de la obra 16x20 Serie de arte vecinal de Ian Ferguson. Serigrafía de Humboldt Park por Ian Ferguson – Hydeon La serigrafía de Humboldt Park de Ian Ferguson, también conocido como Hydeon, es una obra maestra de la Serie de Arte Vecinal, que exhibe la narrativa compleja y llena de matices que caracteriza al artista. Esta serigrafía monocromática, realizada a mano, es una edición limitada, firmada y numerada de 2013, con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas) sobre papel de bellas artes. Representa una visión única de Humboldt Park, uno de los barrios más importantes de Chicago desde el punto de vista histórico y cultural. La obra de Ferguson fusiona la precisión arquitectónica con paisajes urbanos surrealistas, capturando la vitalidad, la energía y la rica historia de la comunidad a través de una composición repleta de detalles intrincados y elementos simbólicos. La esencia arquitectónica y cultural de Humboldt Park El estilo de ilustración de Ferguson está profundamente arraigado en el dibujo arquitectónico lineal, y esta obra no es la excepción. Los ornamentados edificios, las fachadas históricas y las bulliciosas escenas callejeras de Humboldt Park están cuidadosamente dibujados con gran detalle, reflejando las diversas influencias del barrio. La obra reúne una variedad de motivos visuales, incluyendo los clásicos edificios de ladrillo de Chicago, automóviles antiguos, bicicletas y elementos del paisaje urbano que definen el carácter de la zona. El uso del blanco y negro realza la complejidad estructural de la ilustración, permitiendo que cada línea narre una historia. Más allá de su riqueza arquitectónica, Humboldt Park es ampliamente reconocido por su historia cultural, en particular por su fuerte conexión con la herencia puertorriqueña y las influencias latinoamericanas. Ferguson rinde homenaje a esta identidad incorporando imágenes como un músico de mariachi, elementos del simbolismo puertorriqueño y referencias a las contribuciones de larga data de la comunidad al arte pop callejero y al grafiti de Chicago. La obra fusiona estos elementos culturales con su entorno urbano, creando una evocadora instantánea de un barrio lleno de vida y resiliencia. Surrealismo y simbolismo en la obra de arte Una característica definitoria de la obra de Ferguson es la interacción entre realismo y surrealismo. En esta estampa, estructuras aparentemente familiares se reinventan de forma onírica: la arquitectura flota entre las nubes, las estructuras se fusionan entre sí y las perspectivas cambian fluidamente a lo largo de la composición. La laguna de Humboldt Park es un punto focal, dibujada con reflejos que añaden profundidad y una sensación de movimiento. Mientras tanto, criaturas míticas parecidas a grifos aparecen en el cielo, reforzando una sensación de misterio y asombro, sello distintivo de la obra de Ferguson. La estampa también incluye elementos que aluden al presente y al pasado del barrio: su escena de food trucks, letreros antiguos, parques públicos y la animada vida callejera. Estos detalles aportan capas de significado, permitiendo al espectador explorar diferentes aspectos de la identidad de Humboldt Park. La habilidad de Ferguson para infundir narrativa a sus ilustraciones eleva esta obra más allá de la mera documentación; se convierte en una experiencia, una representación visual de un entorno urbano vivo y palpitante. La influencia de Hydeon en el arte pop callejero y el grafiti La serie «Arte Vecinal» de Ian Ferguson lo ha consolidado como una figura clave del arte pop urbano y el grafiti, ofreciendo una alternativa al muralismo tradicional mediante la serigrafía artesanal para crear narrativas urbanas de gran detalle. A diferencia del arte callejero a gran escala, que suele recurrir a colores brillantes y pinceladas amplias, el método de Ferguson se centra en el intrincado trabajo de líneas y la narración por capas. Este enfoque se alinea con la documentación histórica de los espacios urbanos, similar a cómo los primeros cartógrafos trazaban paisajes urbanos, pero con un toque artístico moderno. A través de esta serie, Ferguson captura la esencia de los barrios de Chicago, transformándolos en composiciones surrealistas y poéticas que conectan tanto con los residentes como con los coleccionistas de arte. La serigrafía de Humboldt Park es un homenaje a la resiliencia, la historia y la energía artística de la zona, preservando su identidad cultural a través de una obra de edición limitada, realizada a mano, que sigue inspirando admiración en la comunidad del arte pop urbano y el grafiti.

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Pisapapeles Madison Avenue, objeto de arte coleccionable de edición limitada del artista de graffiti callejero Bape. 2021 1G72-182-195 / Transparente / F Madison Ave, Nueva York. Objeto de arte pisapapeles.

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Serigrafía de Gotham, El Caballero Oscuro, por Justin Van Genderen. Impresión manual sobre papel de bellas artes. Edición limitada. 2013 Firmado y numerado en el reverso Edición limitada de 100 Tamaño de la obra 18x24 Serie Ubicación, Ubicación, Ubicación Impresión serigráfica del edificio Batman Willis Tower City de Gotham City en la película El Caballero Oscuro, Chicago, IL. Serigrafía The Dark Knight Gotham de Justin Van Genderen La serigrafía «Gotham» de Justin Van Genderen, una impresionante obra de arte de edición limitada de 2013, captura la esencia oscura y melancólica de Gotham City. Impresa a mano en papel de bellas artes, esta serigrafía de 45,7 x 61 cm forma parte de una edición limitada de 100 ejemplares, firmados y numerados. La obra se inspira en la representación cinematográfica moderna de Gotham City, utilizando la imponente silueta de la Torre Willis de Chicago como símbolo de la metrópolis ficticia. Con su marcado contraste, iluminación de alto contraste y una dramática paleta en blanco y negro, esta pieza refleja las profundas sombras y las imponentes estructuras que definen el mundo de Batman en «El Caballero Oscuro». Chicago como Gotham en El Caballero Oscuro Uno de los elementos más llamativos de esta lámina es su referencia directa a la ciudad real que sirvió de escenario para El Caballero Oscuro. Si bien Gotham City se ha imaginado a menudo como un híbrido de Nueva York, Pittsburgh y otros centros urbanos, la película de 2008 estableció firmemente a Chicago como la base visual del mundo de Batman. La Torre Willis, antes conocida como la Torre Sears, domina la lámina, con sus agujas superiores brillando contra el oscuro cielo nocturno. Las densas sombras y las ominosas formaciones de nubes contribuyen a la estética noir de la lámina, evocando el peligro y la intriga que siempre se ciernen sobre el horizonte de Gotham. El arte pop callejero y el grafiti a menudo se inspiran en entornos urbanos, y esta obra ejemplifica cómo la arquitectura puede desempeñar un papel crucial en la narrativa. Los edificios de Gotham no son solo estructuras; son símbolos de poder, corrupción y resistencia. En El Caballero Oscuro, la presencia de Batman se destaca a menudo por sus elevadas posiciones, desde donde observa la ciudad desde las alturas. Este grabado se hace eco de ese tema, capturando la inmensidad de la Torre Willis de una manera que la hace sentir a la vez monumental y ominosa. Minimalismo y estética noir en el arte pop callejero y el grafiti El estilo visual de esta serigrafía está fuertemente influenciado por la estética del cine negro, con sombras profundas, alto contraste y mínimos detalles que se combinan para crear una atmósfera de misterio. Este enfoque se alinea con los temas de El Caballero Oscuro, donde Gotham se presenta como una ciudad que oscila entre el orden y el caos. La paleta casi monocromática de la serigrafía intensifica la sensación de aislamiento, con los pocos elementos iluminados destacando dramáticamente sobre la oscuridad. El arte pop urbano y el grafiti se nutren de imágenes impactantes y audaces, y esta obra lo logra a través de su simplicidad. La ausencia de detalles innecesarios permite al espectador concentrarse por completo en la imponente estructura y la atmósfera que transmite. El uso de la luz y la sombra es particularmente efectivo, reflejando la ambigüedad moral presente en El Caballero Oscuro. De esta manera, la serigrafía no es solo un estudio arquitectónico, sino una representación visual de la lucha entre la luz y la oscuridad que define la historia de Batman. Reinterpretando el cine a través del arte pop callejero y el grafiti Esta obra ejemplifica cómo el cine puede reinventarse a través del prisma del arte urbano pop y el grafiti. En lugar de recrear un póster de cine tradicional, Justin Van Genderen destila la esencia de El Caballero Oscuro en una sola imagen inolvidable. La imponente presencia de la Torre Willis se convierte en un símbolo de la mitología de Gotham, mientras que la composición evoca la tensión y la atmósfera de la película sin recurrir a retratos de personajes ni escenas de acción. Al reducir la imagen a sus elementos esenciales, esta impresión permite a los espectadores conectar con El Caballero Oscuro de una forma novedosa. La obra no solo hace referencia a la película, sino que amplifica sus temas, utilizando la arquitectura como metáfora de la batalla entre el orden y el caos. Ya sea exhibida como un homenaje al universo de Batman o apreciada como una impactante pieza de arte urbano, esta serigrafía es un testimonio del poder de la narrativa visual en el arte moderno.

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En un latido, pintura original de técnica mixta del artista de graffiti Chris RWK, arte pop moderno sobre letrero de metal real. 2022. Original firmado. Técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre señal de stop real de 30x30. Inmerso en diversos medios, Chris comenzó a almacenar las imágenes que le surgían a través de sus experiencias cotidianas en lo que él llama un «diario mental». Este diario era un refugio para sus pensamientos al que podía recurrir siempre que lo necesitara.

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Tabla de skate Supreme Aerial Deck de edición limitada, con diseño artístico de la marca Supreme. En la semana 12 de su temporada Otoño/Invierno 2020, Supreme lanzó esta tabla de skate Aerial. La tabla muestra una pancarta de Supreme volando por el cielo con el horizonte de Nueva York de fondo, tal como se ve en uno de los videos promocionales de la marca. Esta tabla de skate salió a la venta el 12 de noviembre de 2020.

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El solitario y abarrotado bloque de apartamentos del oeste. Serigrafía de Modest Mouse de Shepard Fairey - OBEY. Impresión manual de 5 colores sobre papel de bellas artes color crema moteado. Obra de arte de edición limitada. Artista de la cultura pop Obey. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 825 obras de arte Tamaño 18x24 Impresión serigráfica Bloque de apartamentos Edificio urbano estilizado. Estoy muy contento de que Modest Mouse me haya pedido que diseñe algunos pósteres de edición limitada para su gira conmemorativa del 25 aniversario de su álbum de 1997, The Lonesome Crowded West. Descubrí a Modest Mouse en 1998. Le pedí prestada a un amigo una copia de The Lonesome Crowded West, que había salido el año anterior, y enseguida se convirtió en uno de mis favoritos. El álbum entero es genial, muy multidimensional, desde lo agresivo y disonante de canciones como "Teeth Like God's Shoeshine" hasta lo folk, lo tintineante y lo íntimo de "Trailer Trash". Mis dos canciones favoritas de The Lonesome Crowded West son “Doin' the Cockroach”, que crece progresivamente hasta un frenesí de guitarra staccato y emocionante, y la que le sigue, “Cowboy Dan”, llena de tensión, lucha, ira y belleza. En cuanto a las letras, el cantante y principal compositor de la banda, Isaac Brock, se presenta como un sabio empático y hastiado del mundo. Rara vez llamo poeta a alguien, pero Isaac escribió con tanta profundidad para alguien de tan solo 23 años que creo que poeta es el único título que transmite adecuadamente su elevada maestría como letrista. Tuve la oportunidad de diseñar el póster de la gira Black Glass de Modest Mouse en el año 2000, lo cual fue muy importante para mí. -Shepard Fairey- OBEY En el panteón del arte urbano, pocos nombres son tan sinónimos de la irrupción del movimiento en la cultura popular como Shepard Fairey. Su colaboración con la banda Modest Mouse para el cartel de su gira celebra un hito: el 25 aniversario de su álbum fundamental, "The Lonesome Crowded West". Fiel a su estilo, Fairey interpreta la esencia del álbum con una serigrafía de edición limitada, meticulosamente realizada a mano con cinco colores sobre papel artístico Cream Speckletone. Este proceso garantiza que cada una de las 825 piezas esté impregnada del sello personal del artista. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, esta lámina firmada y numerada presenta un bloque de apartamentos, un icono urbano que ejemplifica el aislamiento y la aglomeración que evoca el título del álbum. La estilizada representación del bloque de apartamentos por parte de Fairey resuena con la exploración que la banda hace de la paradójica soledad de la existencia urbana, plasmando el espíritu de la música de Modest Mouse a través del arte visual. Su obra no es simplemente una interpretación artística, sino una narrativa de las yuxtaposiciones de la vida urbana: conectividad y aislamiento, sonido y silencio. Esta colaboración es particularmente significativa para Fairey, quien ha sido fan de Modest Mouse desde 1998. El álbum dejó una huella imborrable en él, con sus cambios tonales desde la estridente "Teeth Like God's Shoeshine" hasta la más sosegada "Trailer Trash". Fairey elogia la composición de Isaac Brock, reconociendo la profunda riqueza y la naturaleza poética de sus letras, especialmente considerando la juventud de Brock. Los dos temas que más le impactaron a Fairey, "Doin' the Cockroach" y "Cowboy Dan", ejemplifican la amplitud del álbum y la destreza lírica de Brock. La historia de Fairey con Modest Mouse se remonta al póster de la gira "Black Glass" del año 2000, lo que refuerza su larga relación con la banda. Esta lámina constituye un capítulo más en esa narrativa, consolidando el vínculo entre su arte visual y su expresión musical. La obra es una pieza tangible de la historia de la cultura pop, que entrelaza el legado del arte callejero de Fairey con la contribución de Modest Mouse a la música. Tanto los coleccionistas de la obra de Fairey como los fans del grupo aprecian esta lámina como símbolo de la perdurable relevancia de «The Lonesome Crowded West» y del poder del arte para trascender los medios, capturando la esencia de una época.

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La obra de arte "El Dios de la Nieve" es una impresión giclée de edición limitada sobre papel Hahnemühle Museum Etching 100% algodón, del artista de graffiti de la cultura pop Victo Ngai. Edición limitada de 100 ejemplares. Firmada y numerada. Debido a la forma en que el artista creó y almacenó esta obra, muchas de las impresiones antiguas de Ngai presentan un ligero amarilleo en los márgenes blancos superior e inferior, de aproximadamente 1 mm de longitud. Esto no afecta en absoluto a la imagen y, salvo este detalle, las impresiones son perfectas.

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World Trade Center II Edición Limitada Serigrafía de técnica mixta intervenida a mano sobre papel grueso de 200 libras por Bobby Hill, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! Bobby Hill (n. 1973) es un artista visual afincado en Nueva York cuya carrera comenzó como ilustrador. Empezó a pintar sobre lienzo en 2008, tras regresar a Estados Unidos de su primer viaje al extranjero. Sus lienzos recientes combinan fragmentos de carteles publicitarios neoyorquinos con elementos del expresionismo abstracto, la estética pop y el grafiti, creando lo que él denomina «La Colección Bhillboards».

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Tabla de skate Supreme Banner Deck de edición limitada. Diseño artístico de la marca Supreme. La patineta Supreme Banner, lanzada como parte de la primera semana de la colección Otoño/Invierno 2019 de Supreme, presenta una tabla con el mismo diseño gráfico: una fotografía del banner original de la tienda Supreme. Se lanzó el 22 de agosto de 2019.

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Obra de arte "Atardecer en el molino", impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Nicole Gustafsson.

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Obra de arte Soundwave, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Scott Listfield . Obra de arte firmada y numerada de 2024. Tamaño: 16 x 20 pulgadas. Edición limitada de 50 ejemplares. Transformers: Película de TV, Cómic, Robot, Superhéroe, Reproductor de casetes de música. Soundwave de Scott Listfield: Una audaz fusión de cultura pop y arte pop callejero Soundwave, una impresión giclée de Scott Listfield, es un impactante homenaje a la iconografía de la cultura pop y a la dinámica interacción entre nostalgia y modernidad. Lanzada en 2024, esta obra de edición limitada mide 40,6 x 50,8 cm y forma parte de una serie exclusiva de tan solo 50 copias firmadas y numeradas. Creada con papel de bellas artes y tintas de archivo, la impresión ejemplifica la habilidad de Listfield para fusionar un realismo detallado con la crítica cultural, capturando la esencia tanto del arte pop urbano como del grafiti. La obra presenta a Soundwave, el legendario personaje de Transformers, imponente sobre la figura de un astronauta pensativo, un tema recurrente en la obra de Listfield. El paisaje urbano al atardecer crea un ambiente cinematográfico que realza la grandeza del robot, cuyo diseño de reproductor de casetes rinde homenaje a las raíces de Soundwave en la cultura pop de los años 80. El astronauta, empequeñecido por la figura colosal, mira hacia arriba, evocando temas de asombro, nostalgia y la fascinación humana por la tecnología y el heroísmo. La meticulosa representación del intrincado diseño de Soundwave, yuxtapuesta con los tonos sombríos del cielo y el entorno urbano, crea una poderosa narrativa visual que invita a los espectadores a explorar su propia relación con los íconos culturales y el paso del tiempo. Cultura pop y arte pop callejero en Soundwave La obra Soundwave de Scott Listfield fusiona la cultura pop y el arte urbano pop al reimaginar a un querido personaje de Transformers en un contexto surrealista, pero a la vez profundamente cercano. Soundwave, con su doble identidad como robot y reproductor de casetes, simboliza la convergencia de tecnología y entretenimiento que definió una era. Al situar al personaje en un paisaje urbano contemporáneo junto a su figura de astronauta, Listfield destaca el impacto perdurable de estos iconos culturales y su capacidad para inspirar admiración a través de las generaciones. La inclusión de los elementos de la grabadora de Soundwave conecta la obra con la era analógica de la música y el entretenimiento, un tema recurrente en la obra de Listfield. Esta referencia nostálgica contrasta con los tonos futuristas del robot y el fondo urbano, creando un diálogo entre pasado y presente. El astronauta, a menudo utilizado como metáfora del espectador, añade un elemento de introspección, invitando al público a reflexionar sobre sus propias experiencias con la cultura pop y su papel en la configuración de las identidades personales y colectivas. Impresión Giclée y Detalles Artísticos El proceso de impresión giclée utilizado para Soundwave garantiza que se preserve la meticulosa atención al detalle de Scott Listfield. Impresa en papel de bellas artes con tintas de archivo, la obra captura los colores vibrantes y las sutiles texturas que definen el estilo de Listfield. El formato de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas) permite una experiencia visual inmersiva, mostrando los intrincados detalles mecánicos de Soundwave y los tonos atmosféricos del paisaje urbano. Los materiales de alta calidad aseguran la durabilidad de la impresión, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte. Cada lámina de esta edición limitada de 50 ejemplares está firmada y numerada por el artista, lo que le confiere un carácter de autenticidad y exclusividad. Su reducido tamaño aumenta su atractivo para los coleccionistas, ofreciendo una oportunidad única para poseer una pieza de la provocativa exploración de Listfield sobre la cultura pop y el arte urbano pop. Scott Listfield: Fusionando surrealismo y nostalgia cultural Scott Listfield ha cosechado elogios por su singular habilidad para combinar paisajes surrealistas con elementos icónicos de la cultura pop. Su figura de astronauta, a menudo ubicada en entornos inesperados, sirve como vehículo para explorar temas como el aislamiento, el asombro y la conexión humana con la tecnología y los medios de comunicación. Soundwave es un ejemplo paradigmático de su enfoque, que fusiona la nostalgia por un querido personaje de Transformers con el tono introspectivo de su narrativa de astronauta. Con obras como Soundwave, Listfield sigue redefiniendo los límites del arte pop urbano y el grafiti, utilizando su estilo distintivo para entablar un diálogo con el público sobre cultura, memoria e imaginación. Esta pieza no solo celebra el legado de Soundwave como ícono de la cultura pop, sino que también invita a la audiencia a reflexionar sobre su propio papel en la siempre cambiante historia de la expresión cultural.

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Camaro Super Sport de 1969, serigrafía de edición limitada de 8 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Lady Pink. Arte callejero raro. Famosa artista de arte pop. Camaro Super Sport de 1969, serigrafía de 8 colores de 2021 sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, 61 x 64,7 cm (24 x 26 pulgadas). Edición de 100 ejemplares. Firmada y numerada por LADY PINK BEYOND THE STREETS. Estampado en relieve. Esta obra se inspiró en la escena del Lower East Side antes de su limpieza y gentrificación. PINK solía ir a Jenny Holzer's, justo al lado de Houston Street, y era testigo de la variada gente que salía por las noches. "No era agradable. Estaba lleno de prostitutas y drogadictos. Era lo que uno oía, pero verlo en persona era bastante impactante." -Lady Pink

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Acera Cerrada. Obra original de graffiti en técnica mixta del artista Sonic Bad. Arte pop moderno sobre letrero de metal real. Letrero de calle original de metal y pintura en aerosol, firmado en 2012. Medidas: 24 x 18 pulgadas. Representa a dos beatboys estilizados de los años 70-80, grafitis neoyorquinos y letras burbuja sobre un letrero de "Calle Cerrada". Oda de Sonic Bad a las calles: La serie 'Acera cerrada' La obra «Acera Cerrada» de Sonic Bad, una pieza original creada en 2012, fusiona el espíritu rebelde de la cultura callejera de los años 70 y 80 con un soporte emblemático de la restricción urbana: una auténtica señal de tráfico metálica. Esta obra de técnica mixta, firmada por el artista, es un ejemplo contundente de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden transformar objetos públicos de regulación en lienzos que desafían y reinterpretan su significado original. Recuperando los símbolos urbanos en el arte callejero La elección de Sonic Bad de un lienzo —una señal de tráfico metálica— transforma un símbolo cotidiano de control en una representación de liberación creativa. La obra, de 61 x 46 cm, rebosa de color y vida, contrastando marcadamente con la función mundana de la señal: marcar límites. Al pintarla, Sonic Bad se apropia del objeto como si fuera arte, al igual que los grafiteros se apropian de las paredes para sus firmas y murales. La pieza en sí es un collage dinámico de grafitis neoyorquinos y letras burbuja, estilos profundamente arraigados en la historia del arte urbano. Presenta a dos beat boys estilizados, figuras que evocan la cultura hip-hop que florecía en las calles de Nueva York durante las décadas de los 70 y 80. Estos personajes no solo representan una época específica, sino que también simbolizan la energía y el ritmo de la vida callejera. El lenguaje visual del grafiti y su evolución La obra de Sonic Bad funciona como un léxico visual de la evolución del grafiti, encapsulando la transición desde las pintadas —a menudo una expresión cruda de identidad basada en texto— hasta obras más complejas y estilizadas. La serie «Acera Cerrada» evoca particularmente este cambio, destacando el paso de simples letras a representaciones elaboradas y coloridas que se centran tanto en el arte del trazo como en el mensaje. La pintura en aerosol, un medio sinónimo del grafiti, aporta autenticidad a la pieza; sus goteos y opacidad evocan las texturas del arte callejero que se observa en la calle. El letrero metálico, antes reflectante y directo, se torna opaco y texturizado bajo capas de pintura, una metáfora de cómo el arte callejero puede transformar la naturaleza y la conversación en torno a los espacios y objetos públicos. Sonic Bad y la historia viva del arte callejero «Sidewalk Closed» de Sonic Bad es más que una obra singular; forma parte de la historia viva del arte pop urbano y el grafiti. Refleja una época en la que la cultura callejera comenzó a impregnar todos los aspectos de la vida urbana, desde la música que sonaba en los radiocasetes hasta el arte que adornaba las paredes y aceras de la ciudad. Esta pieza es una celebración de esa era, un homenaje a las raíces del arte callejero y una declaración sobre su influencia perdurable. El artista, al fusionar la nostalgia con la expresión contemporánea, invita a los espectadores a explorar la profundidad y la amplitud del arte callejero. A través de esta obra, Sonic Bad no solo rinde tributo a los pioneros del género, sino que también se sitúa dentro de la tradición de artistas que han utilizado la calle como su galería. Su legado reside en su capacidad para transformar lo ordinario en extraordinario, asegurando que el espíritu de las calles permanezca vibrante y visible.

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Bad Seeds - Serie Mentes Jóvenes Sagradas y Salvajes. Serigrafía de edición limitada de 25 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² (borde irregular) por Faile Rare Street Art, artista famoso de arte pop. FAILE (estadounidense, est. 1999) Título: Bad Seeds, 2016 Técnica: Serigrafía sobre papel de algodón 100% de archivo con bordes irregulares Serie Mentes Jóvenes Salvajes y Sagradas

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Tabla de skate Dino Girl Deck de edición limitada con serigrafía, obra del artista de la cultura pop urbana Faile. Tabla de skate de madera de arce de 7 capas, edición limitada de 150 unidades, 24,13 x 99,06 cm (9,5 x 39 pulgadas).

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The Spinner, edición limitada, serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes del artista pop Robert Wilson IV. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, de 2014. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía impresa a mano “The Spinner”, de 18×24 pulgadas, firmada y numerada en una edición de 75.

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Moniferal Nueva Orleans 2011 Impresión Giclée de Swoon- Caledonia Curry Artwork Impresión de edición limitada en papel grueso de bellas artes Rag Graffiti Pop Artista callejero. Edición limitada de 175 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 19 x 13. De la colección de impresiones de la serie Swoon Street. Impresión giclée de Moniferal New Orleans 2011 por Caledonia Curry, también conocida como Swoon. Moniferal New Orleans 2011 es una impresión giclée firmada y numerada de Caledonia Curry, conocida en el mundo del arte urbano pop y el grafiti como Swoon. Esta edición se lanzó en 2016 en una tirada limitada de 175 copias y mide 48 x 33 cm. La obra se imprimió en papel de algodón grueso para bellas artes y pertenece a la aclamada colección de impresiones Swoon Street Series. La obra captura un momento de una instalación específica para un lugar de Nueva Orleans, donde los engrudos de Curry a menudo exploraban la vulnerabilidad, la resiliencia y el renacimiento ambiental a través de figuras humanas íntimas fusionadas con complejos motivos naturales. El desmayo de Caledonia Curry en Nueva Orleans La ciudad de Nueva Orleans ha tenido una profunda importancia en la evolución de la práctica artística de Swoon. Tras la devastación del huracán Katrina, Curry se involucró profundamente en proyectos colaborativos de recuperación y reconstrucción por toda la ciudad. Moniferal formó parte de una oleada de instalaciones de engrudo que transmitían una resonancia emocional y simbólica. Esta impresión conserva una de esas obras, que fusiona el retrato y motivos orgánicos en una experiencia visual de transformación. El sujeto aparece sereno y contemplativo, rodeado de intrincados trazos botánicos que recuerdan tanto a raíces como a alas. Los tonos terrosos y apagados, junto con la textura en capas, reflejan las superficies vírgenes del muro donde se instaló originalmente, convirtiendo la impresión giclée no solo en una documentación, sino en una continuación de aquella experiencia nacida en la calle. Excelencia técnica en la reproducción giclée La impresión giclée de Moniferal New Orleans 2011 rinde homenaje al detallado trazo y a los sutiles cambios tonales del engrudo original de Curry. El papel de algodón de alta calidad realza la textura y la profundidad, permitiendo a los coleccionistas experimentar la dimensionalidad que sus murales evocan en los espacios públicos. La decisión de publicar esta obra como parte de la Colección de Impresiones de la Serie Callejera refleja su importancia para capturar la fragilidad y la fortaleza del espíritu humano, un tema recurrente en la obra de Caledonia Curry. Al igual que con otras impresiones de la serie, el número de edición limitada y la firma de la artista confirman su lugar dentro de la tradición del Arte Pop Urbano y el Grafiti adaptados al contexto de las bellas artes. El legado del arte callejero centrado en el ser humano de Swoon Caledonia Curry ha centrado su práctica artística en el poder de la expresión humana en medio de la decadencia urbana y la convulsión social. Moniferal New Orleans 2011 constituye un testimonio tanto de la innovación artística como de la respuesta humanitaria. La figura en la composición se convierte en un símbolo universal de la superviviente, la cuidadora o la testigo, su forma entrelazada con patrones recortados a mano y texturas callejeras. Esta edición captura la sensibilidad del toque de Swoon y la importancia de preservar las intervenciones urbanas transitorias en una forma perdurable. A través de Moniferal, Curry continúa redefiniendo el alcance estético y cultural del Arte Pop Urbano y el Grafiti.

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KONG Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo sobre papel de bellas artes del artista Scott Listfield, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, 2022. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Artista: Scott Listfield Título: "KONG" Técnica: Impresión de pigmento de archivo Edición: 50 Marcas: Firmada y numerada por el artista Dimensiones: 18" x 24"

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Mapa del metro de la MTA - Verde lima y morado. Obra de arte original única en técnica mixta con pintura acrílica en aerosol sobre papel reciclado del mapa del metro de Nueva York, realizada por un popular artista de graffiti callejero. Mapa del metro de Nueva York pintado a mano, original y único, en tonos verde lima y morado. Medidas: 22 x 33 pulgadas. El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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Blackbook- Two Hope 92 Pop Street Artwork Edición Limitada Impresión Giclée en Papel de Bellas Artes del Artista Moderno de Graffiti Urbano DocTC5. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada en 2019. Tamaño de la obra: 17x14. Pequeña arruga en el extremo inferior izquierdo. Blackbook - Dos Esperanzas 92 por DocTC5 La impresión giclée de 2019 titulada Blackbook - Two Hope 92, de DocTC5, captura una instantánea cruda y cerebral de la evolución del grafiti hacia el arte pop urbano narrativo. Con unas dimensiones de 43 x 35 cm, esta edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada, es un archivo visual repleto de lenguaje cifrado, referencias crípticas y tipografía hiperestilizada en aerosol. La obra no es solo una muestra visual de estilo, sino un comentario complejo, tejido con frases, símbolos y figuras caricaturescas que refuerzan la conexión del grafiti con la cultura callejera, la conciencia urbana y la crítica de los medios. DocTC5 y el legado del estilo del metro DocTC5, miembro del colectivo The Cool 5, representa una tradición del grafiti neoyorquino que adoptó el vagón del metro como lienzo móvil a finales del siglo XX. Blackbook - Two Hope 92 extiende esta historia a través del caos controlado de contornos de colores, texto resaltado y caricaturas superpuestas que recuerdan la práctica del cuaderno de bocetos de los primeros grafiteros. Se trata de una obra de estudio que mantiene la densidad visual y textual de sus raíces, mostrando un vocabulario híbrido de poesía visual y mensajes callejeros. Cada frase funciona como una referencia cultural de la escena underground: términos como Mushroom City, CIA y Train Vibes canalizan una visión del mundo codificada, moldeada por años de pintadas en el metro y experiencia callejera. Simbolismo y comentario de múltiples capas Esta impresión fusiona amarillos, naranjas y rojos vibrantes con lavados de cian y rosa apagados, creando un paisaje cambiante de claves psicológicas y culturales. Grafitis dispersos, sátiras mordaces como «Ten cuidado, porque el pene de cristal tiene una boca que se ríe» e imágenes como manos incorpóreas y personajes surrealistas convierten esta pieza en un collage de sátira urbana. No se trata de anotaciones al azar, sino que imitan las notas marginales de los cuadernos de bocetos donde los artistas construyen ideologías completas a través de garabatos, ideas y citas superpuestas entre letras de estilo libre y bocetos improvisados. Aquí, la obra de arte funciona también como un artefacto social, archivando procesos de pensamiento que reflejan un momento específico del activismo y la conciencia artística callejera. Arte pop callejero y grafiti como archivo cultural Two Hope 92 es más que un homenaje a una época. Es un diario gráfico preservado: un mapa de la memoria estilizado que mantiene viva la esencia del grafiti en la resistencia artística y la identidad codificada. Impresa en papel de bellas artes con la técnica giclée de archivo, la obra ofrece una ejecución de calidad museística a la vez que conserva su estética de cuaderno de bocetos. La edición limitada está firmada y sellada individualmente, lo que refuerza su rareza. Un pequeño pliegue en el borde inferior izquierdo resalta la cualidad humana del objeto, fundamentando su valor artístico en el desgaste físico de la producción cultural. La obra de DocTC5 ofrece una perspectiva única e íntima del pensamiento y el proceso visual de un movimiento de arte urbano que continúa moldeando la cultura visual contemporánea.

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El anciano y Varaniassi con vides otoñales Brooklyn 2013 Impresión Giclée de Swoon- Caledonia Curry Artwork Impresión de edición limitada en papel grueso de bellas artes Rag Graffiti Pop Artista callejero. Edición limitada de 175 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 19 x 13. De la colección de impresiones de la serie Swoon Street. El anciano y Varaniassi con viñas otoñales por Caledonia Curry, también conocida como Swoon «El anciano y Varaniassi con enredaderas otoñales, Brooklyn, 2013» es una impactante impresión giclée de Caledonia Curry, la influyente artista de arte urbano pop y grafiti conocida como Swoon. Lanzada en 2016 como parte de la colección de impresiones «Swoon Street Series», esta edición firmada y numerada de 175 ejemplares presenta una de sus intervenciones con engrudo más evocadoras y poéticas. Capturada in situ, la obra muestra un intrincado retrato en blanco y negro de un anciano, realizado con engrudo, sobre el fondo de una pared de Brooklyn con texturas desgastadas, cubierto por enredaderas otoñales y rodeado de vibrantes elementos urbanos. La impresión mide 48 x 33 cm y está impresa en papel de algodón de calidad museo, lo que realza el detalle y la riqueza tonal de la composición original. Simbolismo del arte pop callejero en los retratos urbanos de Swoon La capacidad de Caledonia Curry para insuflar profundidad emocional a los espacios públicos la ha convertido en una voz definitoria de la cultura urbana contemporánea. En «El anciano y Varaniassi con vides otoñales», la figura aparece contemplativa y curtida por el tiempo, plasmada en su característico estilo de dibujo a mano, recorte y pegado. El fondo crea un rico tapiz de decadencia y vida: pintura desconchada, grafitis, pegatinas y hiedra coexisten como decadencia y regeneración, tanto natural como cultural. Esta sinergia entre sujeto y entorno refleja uno de los temas centrales en la obra de Curry: honrar la dignidad humana en medio del caos de la vida urbana. La obra se nutre del lenguaje del grafiti y de las bellas artes, fusionando el retrato con la fisicidad del pavimento y añadiendo capas de simbolismo que recompensan la contemplación pausada. La artista callejera pop y del grafiti Caledonia Curry y su legado en el grabado Caledonia Curry ha traspasado constantemente los límites del arte pop urbano y el grafiti al documentar sus efímeras intervenciones públicas mediante láminas artísticas de edición limitada. Estas láminas no son meras reproducciones, sino reinterpretaciones esenciales que conservan el impacto emocional y estético de las instalaciones originales. «El anciano y Varaniassi con vides otoñales» es un ejemplo clave de cómo Curry transforma momentos urbanos fugaces en registros artísticos permanentes. El denso trazo, la atmósfera envolvente y la interacción entre la figura y la decadencia urbana reflejan su formación en grabado y su compromiso con las narrativas comunitarias. Esta lámina es a la vez una pieza de la historia del arte y una continuación de la narrativa callejera. Preservando historias urbanas a través de ediciones de arte La obra «El Viejo y Varaniassi con Enredaderas de Otoño Brooklyn 2013» se erige como un documento perdurable del trabajo de Swoon en Nueva York durante un período crucial de su carrera. Impresa con tintas de archivo sobre papel artístico de alta calidad y gramaje, esta edición refleja el cuidado técnico y la profundidad conceptual que Curry imprime en todos sus proyectos. Ya sea apreciada en la calle o como una impresión de calidad de galería, su obra comunica empatía, memoria y resiliencia. Como parte de la Colección de Impresiones de la Serie Callejera de Swoon, esta pieza permite a coleccionistas e instituciones conectar con la cruda inmediatez de la cultura urbana en un formato que honra su valor artístico y cultural. Caledonia Curry continúa dando forma al Arte Pop Urbano y al Arte del Grafiti a través de su visionaria fusión de precisión artística y compromiso social.

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No Sleep Till Brooklyn 66 - Edición limitada serigráfica impresa a mano en papel de bellas artes en rojo oscuro y 4 colores, por Tim Oliveira. Arte callejero raro. Artista famoso de arte pop. Edición mixta de ME. Los colores de las impresiones varían según el número de la edición. 76 colores y variantes diferentes de serigrafía en una sola edición. Firmada y numerada, con fecha estampada al dorso. El nombre de esta edición tiene un doble significado para mí. Decidí lanzarla el 5 de agosto para rendir homenaje a la leyenda de los Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), en su cumpleaños. De niño, casi todos los días después de la escuela, agarraba mi balón de baloncesto y me iba al parque o al club juvenil a jugar partidos improvisados. Casi siempre escuchaba a los Beastie Boys en mi walkman mientras caminaba. Siempre han sido una gran influencia para mí. Además, no dormiré hasta que me sienta seguro con suficiente material artístico para una exposición individual en Brooklyn. Puede que falten algunos años, pero seguiré intentando compaginar la vida familiar, un trabajo estable y el arte con muchas noches en vela... -Tim Oliveira

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MC Supersized Camo - Edición Limitada Jakarta - Juguete de Vinilo Coleccionable - Obra de Arte del artista de graffiti callejero Ron English - POPaganda x Mindstyle. 2021 Ron English - POPaganda x Mindstyle presenta MC Supersized Camo. Cada figura representa una ciudad diferente de China con un estilo de camuflaje único. Mide 20 cm de alto. Firmada a mano por Ron. Incluye gorra y tarjeta. La figura MC Supersized Camo - Edición Limitada Jakarta es un juguete de vinilo que evoca el espíritu del arte pop urbano y el grafiti en cada detalle. Esta pieza coleccionable es una colaboración entre el reconocido artista de grafiti Ron English-POPAganda y Mindstyle, una empresa célebre por la producción de juguetes de diseño. Con una altura de 20 cm, la figura es una pieza llamativa que encarna la esencia de Yakarta a través de su distintivo patrón de camuflaje. La serie MC Supersized Camo de Ron English-POPAganda es un comentario visual sobre el consumismo global, y la edición de Yakarta continúa esta narrativa con un toque regional. El diseño de camuflaje tiene un doble propósito: es un guiño a la influencia militar en la historia de la moda urbana y una metáfora de cómo la cultura de la comida rápida se ha arraigado en la sociedad contemporánea. El icónico rostro sonriente de la figura, combinado con el camuflaje de estilo militar, crea una yuxtaposición esencial para el estilo provocador de English. Cada una de estas piezas de edición limitada está firmada a mano por Ron English-POPAganda, convirtiéndolas en juguetes y obras de arte personalizadas. La inclusión de un sombrero y una tarjeta con cada figura añade un nivel de autenticidad y conexión con la obra, aumentando aún más su valor para los coleccionistas. La edición de Yakarta, al igual que sus homólogas que representan otras ciudades, es un testimonio de los atributos culturales únicos y las preferencias estilísticas que varían de un lugar a otro. El MC Supersized Camo es más que un simple objeto; es una pieza de comentario cultural envuelta en la estética del arte urbano. Invita a los coleccionistas a profundizar en los significados más profundos de la obra de English: su crítica a la cultura de consumo, su visión satírica de las marcas globales y su celebración del arte urbano como forma de expresión artística. Estos juguetes de vinilo, con sus detalles artesanales y motivos culturalmente ricos, no son solo adiciones a la estantería de un coleccionista, sino que también dan pie a conversaciones, reflejando la compleja interacción entre arte, cultura y comercio.

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Lágrimas en la lluvia, edición limitada, serigrafía de 8 colores impresa a mano sobre papel grueso por Tim Doyle, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Presenta márgenes blancos. Basado en la película Blade Runner. 3.ª edición.

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Where The Hose M30 Impresión giclée HPM con detalles pintados a mano por OG Slick Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares. Impresión con detalles pintados a mano. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 25 ejemplares de HPM (2025), firmada y numerada, intervenida a mano por OG Slick mediante impresión giclée y pintura en aerosol. Tamaño de la obra: 30x30 cm. Impresión giclée HPM intervenida a mano. El patrón de salpicaduras, las pinceladas y el color de la pintura varían. Cada HPM es única. Es posible que no reciba la misma que aparece en la foto; se elige al azar. Where The Hose M30 de OG Slick: Comentario urbano e ingenio del graffiti en el arte pop callejero y el graffiti Where The Hose M30 es una impresión giclée de 2025 intervenida a mano por OG Slick, presentada en una edición limitada de 25 ejemplares. Cada impresión de 76x76 cm está realizada en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares, firmada y numerada por el artista, y acabada a mano de forma única con pintura en aerosol y diversas técnicas de grafiti. El elemento central es una boca de incendios —pintada, con pegatinas y transformada— sobre un fondo austero, con la pregunta escrita a mano «¿Dónde está la manguera?» flotando encima en una divertida tipografía roja. La imagen fusiona un ingenioso juego de palabras con realismo urbano, combinando una ejecución visual impecable con una irreverencia cultural cruda. Cada versión de HPM es diferente, presentando su propia variación de salpicaduras de pintura, aplicación de aerosol y marcas de intervención, reforzando la individualidad y la espontaneidad rebelde inherentes al arte pop urbano y al grafiti. Simbolismo, humor y crítica a pie de calle La boca de incendios en Where The Hose M30 se representa con una estética cruda, adornada con capas de grafiti, firmas y pegatinas, incluyendo el texto japonés característico de OG Slick, guantes de dibujos animados y referencias a la cultura pop. Estas pegatinas le dan a la boca de incendios el aspecto de un objeto público reivindicado desde hace tiempo por artistas urbanos. El título lúdico garabateado encima evoca significados tanto literales como coloquiales, invitando a múltiples interpretaciones: en parte broma callejera, en parte comentario cultural. Ya sea que se lea como una alusión a las rivalidades entre grafiteros, las marcas territoriales o la bravuconería masculina, la pregunta en sí misma es tanto una provocación como un remate ingenioso. Algunas variantes de la edición presentan chorros de aerosol explosivos, otras están superpuestas con un magenta intenso o gestos de blanco pulido, cada una reflejando la naturaleza transitoria y siempre cambiante de las superficies urbanas y la cultura del grafiti. Dentro de Street Pop Art & Graffiti Artwork, OG Slick utiliza esta boca de incendios no solo como tema, sino como símbolo de presión, liberación e infraestructura pública secuestrada por la voz personal. La práctica artística y el lenguaje visual de OG Slick OG Slick, figura clave de la cultura del grafiti en Los Ángeles desde la década de 1980, es reconocido por reinterpretar la iconografía comercial y municipal a través de la estética callejera y el ingenio satírico. Su obra fusiona la familiaridad visual propia de los dibujos animados con la influencia del grafiti más arraigado, incorporando a menudo comentarios sobre la fama, la propiedad y la identidad. En «Where The Hose M30», recontextualiza lo cotidiano, transformando una boca de incendios en un personaje escultórico que transmite actitud, historia y significado callejero. Al superponer sus motivos personales sobre un objeto público, Slick continúa su tradición de convertir lo inadvertido en una audaz narrativa visual. Su atención al detalle, tanto en la forma como en los juegos de palabras, convierte esta pieza en una extensión del muro de grafiti, una superficie plana vibrante de actitud, lenguaje cultural conciso y contradicciones sutiles. Variación de edición y valor de artefacto urbano Como en todas las publicaciones de HPM de OG Slick, cada copia de Where The Hose M30 es única. Si bien la impresión giclée base garantiza la fidelidad al diseño digital original, los añadidos rompen esa uniformidad, introduciendo caos, imperfección y la energía propia de la ejecución manual. Algunas impresiones están saturadas de rosa o pulidas con aerosol blanco, mientras que otras se activan con marcas direccionales y manchas de tinta negra. Estas elecciones otorgan a cada coleccionista una relación única con la obra, similar a cómo las distintas firmas de grafiti evolucionan en la ciudad según quién las ve, las modifica o las cubre. OG Slick captura esa energía en un formato fijo que, sin embargo, se siente en constante cambio. El papel con bordes irregulares añade un marco táctil a la obra, reforzando su estatus como alta expresión artística y subversión cultural. En el ámbito del arte pop urbano y el grafiti, Where The Hose M30 se erige como una obra ingeniosa y técnicamente refinada que recupera el espacio visual público y lo reinventa con actitud, crítica y alma urbana.

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Hombre en el cable del World Trade Center de Nueva York. Serigrafía de Justin Van Genderen. Impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. 2013 Firmado y numerado al dorso. Edición limitada de 50 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serie «Ubicación, ubicación, ubicación». Serigrafía. Centro Mundial de Comercio de Nueva York con equilibrista. Serigrafía del World Trade Center de Nueva York de Justin Van Genderen La serigrafía del World Trade Center de Nueva York, obra de Justin Van Genderen, es una impresión artesanal de 2013 que captura un momento histórico impactante a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm y una edición limitada de 50 ejemplares, esta impresión firmada y numerada presenta el World Trade Center desde una perspectiva surrealista, casi onírica. La composición destaca la presencia arquitectónica de las Torres Gemelas, a la vez que evoca la legendaria caminata sobre la cuerda floja que tuvo lugar en 1974, fusionando historia, cultura urbana y abstracción artística en una sola imagen sobrecogedora. El poder de la composición y la perspectiva Esta serigrafía utiliza la perspectiva de una manera que sumerge inmediatamente al espectador. Las torres del World Trade Center se alzan en ángulo, atrayendo la mirada hacia el cielo, donde un gran círculo blanco se yergue como una luna llena. El cielo degradado pasa del turquesa al blanco, creando una atmósfera cósmica que amplifica la sensación de altura y amplitud. Pájaros vuelan libremente alrededor de las torres, añadiendo movimiento y reforzando la sensación de espacio abierto a pesar de las enormes estructuras que dominan la escena. En el centro de la composición, se representa sutilmente la famosa caminata sobre la cuerda floja de Philippe Petit en 1974. Una línea fina, casi invisible, se extiende entre las torres, con la silueta de una figura que la cruza. Este momento delicado pero audaz contrasta con la enormidad de los edificios, creando una tensión visual y emocional que captura tanto la admiración como la fragilidad. La serigrafía rinde homenaje al acto de desafiar la gravedad, una idea que resuena profundamente tanto con la historia de la ciudad de Nueva York como con la cultura artística del arte pop urbano y el grafiti. Influencia del arte pop callejero y el grafiti La obra de Justin Van Genderen presenta fuertes elementos del arte pop urbano y el grafiti, fusionando técnicas gráficas audaces con la narrativa urbana. El sombreado estilizado en semitonos de las torres les confiere una textura similar a la de una impresión, evocando fotografías de periódicos antiguos o viñetas de cómics. La paleta de colores limitada —dominada por tonos de azul, blanco y negro— realza la estética limpia y moderna de la impresión, a la vez que mantiene una energía urbana cruda. La composición tiene un aire cinematográfico, casi como si el espectador observara desde las calles de Manhattan, capturando tanto la grandeza como la intimidad del momento. Muchos artistas callejeros incorporan monumentos arquitectónicos en su obra, pero el enfoque de Van Genderen reduce la escena a sus elementos esenciales, otorgándole una sensación atemporal y universal. El uso de sombreado de alto contraste y formas simplificadas se alinea con las técnicas de estarcido utilizadas en el grafiti, mientras que la serigrafía en sí misma es un sello distintivo del arte pop y de inspiración urbana. La combinación de precisión, abstracción y minimalismo convierte esta pieza en un ejemplo sorprendente de cómo los espacios urbanos pueden ser reinterpretados a través del lenguaje visual contemporáneo. El impacto duradero de la imagen La serigrafía del World Trade Center de Nueva York, obra de Justin Van Genderen, va más allá de capturar un evento histórico; lo transforma en un símbolo de expresión artística, ambición humana y la manera en que las ciudades moldean la memoria cultural. Las Torres Gemelas siguen siendo un ícono perdurable en el horizonte de Nueva York, y su representación en el arte pop urbano y el grafiti continúa evolucionando a medida que los artistas encuentran nuevas formas de rendir homenaje a su legado. La inclusión del equilibrista en esta obra sirve como metáfora del equilibrio, el riesgo y la belleza del movimiento dentro de las rígidas líneas de la arquitectura. Los coleccionistas de arte pop urbano y grafiti encontrarán en esta serigrafía una adición única y cautivadora para cualquier colección. Como serigrafía artesanal de edición limitada, posee un nivel de artesanía que refleja la naturaleza táctil y auténtica del arte inspirado en la calle. Ya sea apreciada por su significado histórico, su diseño audaz o sus imágenes que invitan a la reflexión, esta serigrafía es un testimonio de cómo el arte puede transformar el pasado en algo visualmente poderoso y profundamente conmovedor.

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