Arte de grado de inversión

Praxis Of Confusion - Pintura original azul, acrílico y ensamblaje de madera cortada, por Kwest, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Kwest nació y creció en Toronto, Canadá, e inició su carrera artística como grafitero a principios de la década de 1990. Durante más de veinte años, ha desarrollado un estilo propio, único y complejo de letras, una tipografía mecánica fluida y precisa que parece surgir de las mismas estructuras sobre las que las plasma. Su lienzo principal han sido los trenes de carga, y ha creado más de 5000 obras individuales, renunciando a ellas una vez terminadas, destinadas a recorrer la vasta red ferroviaria que cruza Norteamérica. Gracias a su práctica solitaria y su rápido trabajo al aire libre, Kwest ha perfeccionado su lenguaje visual y, del mismo modo, ha obtenido el reconocimiento y el respeto de sus colegas.

Leer Más Menos

A Bathing Ape 28º Aniversario 1000% Verde - Figuras de Arte Coleccionables Urbanas de Vinilo #4 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Nuevo en caja

Leer Más Menos

Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Yosegi Karimoku 400% BE@RBRICK Juguete de arte de madera hecho a mano extremadamente raro, fabricante de muebles japonés, escultura de Bearbrick de arte fino. Obra de arte de edición limitada en madera estampada, extremadamente rara, de 2020. Se exhibe en caja en perfectas condiciones. Karimoku, maestro de la madera en Japón, es un referente en el diseño de muebles y ahora también en figuras de lujo tras sus colaboraciones con Medicom.

Leer Más Menos

Compañero - Juguete de arte coleccionable de vinilo de edición limitada en negro, obra de arte del artista pop moderno Kaws. Edición limitada sin abrir de 2016. Medidas: 10,5 x 4,5 x 2,5 pulgadas / 16,7 x 11,4 x 6,4 cm. El compañero de KAWS en el panorama del arte callejero pop y el grafiti La serie Companion de KAWS, artista pop contemporáneo, se ha consolidado en la conciencia colectiva de los aficionados al arte urbano y al grafiti. El "Companion - Edición Limitada Negra de Vinilo" es un claro ejemplo de ello, fusionando la accesibilidad comercial de los juguetes con la vanguardia artística. Lanzada en noviembre de 2016 como parte de una codiciada serie, esta edición coincidió con la exposición "Where The End Starts" de KAWS en Fort Worth, Texas, marcando un hito en su trayectoria artística. Esta pieza de colección destaca por su valor estético y cultural, así como por su éxito comercial, ilustrando la intersección entre arte y consumismo que KAWS maneja con tanta maestría. Con unas dimensiones aproximadas de 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, el Companion ocupa un espacio físico íntimo y significativo, permitiendo una interacción personal que suele perderse en esculturas de mayor tamaño. La llamativa forma negra de la figura constituye un lienzo austero para sus emotivos detalles, en particular los ojos tachados que se han convertido en sinónimo de la obra del artista. La importancia de Companion de KAWS como icono cultural La figura Companion de KAWS, especialmente en su versión de vinilo negro, ha trascendido el mero objeto de colección para convertirse en un icono del arte pop urbano. Su aparición en diversas formas y soportes —desde esculturas de gran tamaño hasta pequeños juguetes— demuestra su versatilidad y la capacidad del artista para adaptar el arte urbano a distintos contextos. La uniformidad y la simplicidad de la forma de Companion permiten que se convierta en un vehículo para múltiples interpretaciones, de forma similar a como el grafiti suele transmitir significados complejos. La edición limitada y abierta de 2016 de la serie Companion es una prueba del atractivo perdurable del personaje y su resonancia con los temas de aislamiento y camaradería tan presentes en el arte urbano y el grafiti. Las versiones desprovistas de piel, que revelan la anatomía bajo la superficie, ofrecen una reflexión sobre la vulnerabilidad y la autenticidad, temas profundamente arraigados en la cultura urbana. Esta serie, especialmente la versión en negro, se puso a disposición a través de puntos de venta codiciados como KAWSONE, el MoMA y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, lo que ilustra la difuminación de las líneas entre las instituciones de arte de élite y los objetos coleccionables del arte pop callejero. El compañero de KAWS y la evolución del arte pop callejero La figura Companion de KAWS no es solo una obra de arte estática; es una narrativa, un personaje que ha evolucionado y se ha adaptado a lo largo de los años, al igual que el propio artista. Su viaje desde una imagen de grafiti hasta una sofisticada pieza de colección encapsula la evolución del arte urbano hacia una forma de consumo, sin perder su esencia. Con 28 cm de altura, Companion es un homenaje al grafiti tradicional y, a la vez, una ruptura con él. Encarna la naturaleza subversiva del arte urbano, convirtiéndose en un objeto de deseo para el gran público, tendiendo un puente entre las escenas artísticas underground y el refinado mundo del coleccionismo. El lanzamiento de la figura de vinilo coleccionable Companion - Edición Limitada Negra fue un evento culturalmente significativo, que marcó el apogeo de la influencia artística de KAWS y la creciente aceptación y celebración del arte pop urbano en la sociedad contemporánea. Esta pieza de colección es una instantánea de la época en que el arte urbano se estaba redefiniendo, dejando de verse solo en los muros de las ciudades para ocupar también un lugar en las estanterías de los amantes del arte, señalando una nueva era del arte pop urbano y del grafiti.

Leer Más Menos

Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV Edición limitada. Impresiones de pigmentos de archivo HPM con pintura en aerosol y detalles pintados a mano sobre papel Moab Fine Art por Cope2, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 15 ejemplares, firmada y numerada, 2019. Tamaño de la obra: 17 x 24 pulgadas. Mapas del metro de Nueva York IV, 2019. Impresión de pigmentos de archivo a color con retoques a mano sobre papel Moab Fine Art. 17 x 24 pulgadas (43,2 x 61 pulgadas) (hoja). Ed. 10/15. Firmada y numerada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo. La obra presenta un pequeño desgarro de 1,27 cm (0,5 pulgadas) en el borde inferior izquierdo. Adoptando las narrativas urbanas: Los mapas del metro de la ciudad de Nueva York de Cope2 IV "Mapas del Metro de Nueva York IV" de Cope2 es una fusión dinámica de la energía cruda del grafiti con la estética refinada del Pop Art moderno, que plasma el pulso de la vida urbana en un artefacto tangible del movimiento cotidiano de la ciudad. Esta serie de edición limitada de 2019, con solo 15 piezas firmadas y numeradas, representa una contribución significativa al movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Cada pieza de 43 x 61 cm es una impresión de pigmento de archivo intervenida a mano sobre papel Moab Fine Art, que ofrece una mezcla única de cultura callejera y arte de alta calidad. La firma de Cope2 autentica la obra, y su número de edición está escrito a lápiz en la esquina inferior izquierda. Una pieza en particular presenta un pequeño desgarro de 1,3 cm, lo que realza su autenticidad. La obra funciona como un archivo visual de la historia del grafiti neoyorquino, inmortalizando el arte espontáneo, a menudo efímero, que adorna los mapas del metro de la ciudad. Cope2, originario del Bronx, aporta autenticidad y credibilidad callejera a su trabajo, con una trayectoria de más de tres décadas en la escena del grafiti. Su obra "Mapas del metro de Nueva York IV" refleja la naturaleza compleja y con múltiples capas del arte callejero urbano, donde las etiquetas y los símbolos se entremezclan para contar las historias de los diversos habitantes de la ciudad. La intersección del arte callejero y las bellas artes en Cope2 La obra de Cope2 se sitúa en la intersección del arte urbano y las bellas artes, capturando la esencia de un medio en la forma del otro. Sus piezas son más que meras representaciones de grafitis callejeros; son la confluencia de las experiencias vividas del artista y su interacción con el entorno urbano. Los colores vivos y saturados, junto con las pinceladas enérgicas, evocan la época dorada del grafiti de los años 80 y 90, cuando artistas como Cope2 no solo decoraban la ciudad, sino que también marcaban territorios y expresaban identidades. La edición limitada de "Mapas del Metro de Nueva York IV" y los retoques realizados a mano por el propio Cope2 garantizan que cada lámina sea una pieza única, que encarna tanto el espíritu del arte urbano original como el toque personal del artista. La serie encapsula la crudeza de la subcultura del grafiti, elevándola a través de la técnica de grabado artístico, y desafiando las nociones tradicionales de lo que constituye arte y quién es considerado artista. En esencia, la obra de Cope2 es una celebración del lenguaje visual de las calles, presentada en el contexto de las bellas artes. Ofrece una narrativa profundamente arraigada en el tejido cultural de la ciudad de Nueva York, brindando una instantánea de un movimiento que ha evolucionado desde los márgenes hasta la corriente principal. La serie "Mapas del metro de Nueva York IV" no solo rinde homenaje a la historia del arte callejero, sino que también afirma su lugar dentro del continuo del arte contemporáneo. A través de su obra, Cope2 continúa influyendo y dando forma al diálogo en torno al arte pop callejero y el grafiti, asegurando que la vitalidad de la cultura callejera siga siendo una parte esencial del discurso del mundo del arte.

Leer Más Menos

Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Compre AK-47 Lotus: impresión serigráfica de 4 colores tirada a mano de edición limitada de gran formato en papel de trapo Coventry de algodón personalizado por el artista de Graffiti Street Shepard Fairey. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 100 ilustraciones Tamaño 30x41 "Las serigrafías de gran formato de AK-47 Lotus y AR-15 Lily están inspiradas en los manifestantes de la Guerra de Vietnam que ponían flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional que fueron traídos para reprimir sus protestas por la paz. Soy pacifista, ya sea eso significa encontrar soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la guerra a nivel internacional o encontrar soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la violencia armada en casa. No estoy en contra de la Segunda Enmienda, así que los trolls pueden calmarse... queremos que menos personas mueran innecesariamente. Brady United está haciendo un buen trabajo en la prevención de la violencia armada, por lo que recibirán una parte de las ganancias de estas dos impresiones. Gracias por preocuparse.⁠" -Shepard Fairey

Leer Más Menos

Ceci N'est Pas Une Peter Griffin Pintura original Acrílico y aerosol sobre lienzo de Shark Toof Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2014. Obra de arte original firmada, técnica mixta con aerosol, 27 x 19 pulgadas. «Este nuevo conjunto de obras es una fusión de mis raíces en el grafiti, donde desarrollé mi estilo único. Al mismo tiempo, también hay un aspecto que consiste en "no tomarse demasiado en serio, vandalizar tus iconos"», dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. «Me gusta Detroit porque es una ciudad muy "hazlo tú mismo", y yo soy un artista muy "hazlo tú mismo", así que me siento como pez en el agua». El dialecto artístico de Shark Toof: Subvirtiendo los íconos de la cultura pop «Ceci N'est Pas Une Peter Griffin» de Shark Toof es una obra cautivadora que muestra la hábil fusión del artista entre sus raíces en el grafiti y la irreverencia lúdica del arte pop moderno. Creada en 2014, esta pintura original plasma la voz única de Shark Toof, una voz que ha cultivado a través de sus profundos vínculos con el movimiento del arte urbano. Esta obra, de 68,5 x 48,3 cm, es un ejemplo impactante de su dominio de la técnica mixta, incorporando acrílico y aerosol sobre lienzo. En esta pieza, Shark Toof dialoga con la iconografía familiar de la cultura pop, específicamente con el conocido personaje Peter Griffin de la serie animada «Padre de Familia». Sin embargo, al más puro estilo del arte urbano, Shark Toof toma esta imagen familiar y la subvierte, añadiendo capas de significado y desafiando la percepción del espectador. El título, un guiño a la famosa obra de René Magritte, juega con la idea de representación y realidad, invitando a los espectadores a cuestionar lo que ven. La técnica mixta de la pintura es característica del arte pop urbano, que combina diversas técnicas y materiales para crear imágenes dinámicas. El uso que hace Shark Toof de colores vibrantes y rasgos exagerados captura la esencia del impacto del arte del grafiti, a la vez que rinde homenaje a la estética estilizada del arte pop. Su obra no rehúye el humor ni la sátira; al contrario, los incorpora para ofrecer una reflexión más profunda sobre la naturaleza de la fama, el fanatismo y el propio mundo del arte. En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, Shark Toof destaca como un artista que encarna el espíritu del «hazlo tú mismo» del género. Su afinidad por ciudades como Detroit, con su rico pasado industrial y su vibrante escena de arte urbano, refleja su compromiso con la naturaleza orgánica de su arte. La obra de Shark Toof, incluyendo «Ceci N'est Pas Une Peter Griffin», es un deleite visual y un testimonio del poder transformador del arte urbano en la era moderna. A través de su arte, Shark Toof sigue expandiendo los límites del arte pop urbano, demostrando su potencial para ser a la vez lúdico y profundamente perspicaz. Su habilidad para explorar la intersección entre el arte urbano y las bellas artes, manteniendo un sentido de autenticidad y accesibilidad, garantiza que su obra conecte con un amplio espectro de aficionados y coleccionistas de arte.

Leer Más Menos

Consistencia- 5 Pintura original en aerosol, acrílico y técnica mixta sobre panel de madera enmarcado por Cope2 Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. En los últimos años, Cope2 ha recibido encargos de Time Magazine, Converse y Adidas, entre otras marcas. Su trabajo incluso ha trascendido al mundo virtual, con apariciones en videojuegos como Mark Eckos: Getting Up y Rockstar Games: Grand Theft Auto IV. A mediados de la década de 1990, Cope2 comenzó a transitar lentamente de las calles al circuito artístico de las galerías. En aquel entonces, el arte callejero no era tan popular como lo es hoy en día, y la percepción general que tenía del mismo aún estaba intrínsecamente ligada a los barrios marginales, el narcotráfico, etc. El artista nunca ha ocultado su problemático pasado y evita idealizarlo para impulsar su carrera y su imagen artística. Al contrario, menciona lo siguiente: «Hombre, no hay nada de qué enorgullecerse en la vida callejera, pero tuve a mi primer hijo a los 16 años. Así que tuve que ganar dinero para mantenerlo a él y a su madre».

Leer Más Menos

Folk What You Heard #8 Edición Limitada HPM con Pintura en Aerosol y Serigrafía Intervenida a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Hijack Graffiti Artista Callejero Arte Pop Moderno. Edición única de 22,5 x 30 pulgadas, decorada a mano con pintura en aerosol y firmada en 2021.

Leer Más Menos

Serigrafía compartida de Kaws - Brian Donnelly. Impresa a mano sobre papel de bellas artes gris acero de 250 g/m². Obra de edición limitada. Lanzado en 2021. Edición limitada de 500 ejemplares firmados y numerados en 2022. Tamaño de la obra: 16x20. Serigrafía de Gray Kaws Companion Accomplice sosteniendo la muñeca Pink BFF Companion. La serigrafía «Share» de KAWS, también conocido como Brian Donnelly, es una pieza clave dentro del movimiento contemporáneo del Arte Pop Urbano, que ejemplifica la convergencia entre la expresividad cruda del grafiti y el meticuloso proceso de la impresión artística. Lanzada en 2021 y posteriormente firmada y numerada en 2022, esta obra de edición limitada encarna la fusión entre la cultura urbana y el arte de vanguardia que caracteriza la obra de KAWS. Con una edición limitada de 500 ejemplares, cada impresión posee un carácter de rareza y exclusividad en el mercado del arte. KAWS: De artista de graffiti a fenómeno artístico mundial Brian Donnelly, conocido profesionalmente como KAWS, inició su trayectoria en la subcultura del grafiti en Jersey City. Sus primeras obras se caracterizaban por su carácter rebelde, a menudo interviniendo vallas publicitarias para presentar a sus ahora icónicos personajes. Con el paso de los años, KAWS se ha consolidado como una figura clave en la escena artística mundial, trascendiendo sus raíces en el grafiti para abarcar una gama más amplia de medios, incluyendo la pintura, la escultura y, como demuestra "Share", la técnica tradicional de la serigrafía. El mérito artístico de 'Compartir' «Share» es un testimonio de la versatilidad artística de KAWS y su habilidad para desenvolverse en el complejo terreno del arte pop urbano. La obra presenta al KAWS Companion gris sosteniendo una muñeca BFF Companion rosa, impresa en papel artístico gris acero de 250 g/m². La elección de este papel no solo complementa la escala de grises del Companion, sino que también acentúa el rosa vibrante de la BFF, creando un impacto visual llamativo y emotivo. Los Companions, figuras recurrentes en la obra de KAWS, son conocidos por sus expresiones emotivas y casi humanas que comunican sentimientos universales a pesar de su apariencia caricaturesca. Las serigrafías, realizadas a mano, son laboriosas y requieren un alto nivel de habilidad, lo que refleja la dedicación de KAWS a la artesanía. Cada impresión de la serie «Share» es única debido a la naturaleza del proceso de impresión, con sutiles variaciones que convierten a cada pieza en una obra de arte singular. La edición limitada a 500 ejemplares, si bien es relativamente pequeña en productos de consumo masivo, es significativamente excesiva para una obra de arte hecha a mano, lo que indica la intención de KAWS de hacer su arte más accesible al público. El impacto cultural de las ediciones limitadas de KAWS Las ediciones limitadas de KAWS, como "Share", desempeñan un papel crucial en la democratización del arte. Permiten que un público más amplio se acerque y adquiera una obra de un artista muy reconocido en el ámbito del arte urbano y el arte popular. Estas láminas suelen servir como puerta de entrada para nuevos coleccionistas y aficionados al arte, tendiendo un puente entre los círculos artísticos exclusivos y el público general, más familiarizado con el arte urbano y el grafiti. Además, la presencia de la obra de KAWS en galerías y tiendas de ropa urbana pone de manifiesto la fluidez con la que su arte transita por diferentes contextos culturales. "Share", en particular, con su conmovedora representación de la compañía y el cariño, se ha convertido en una imagen simbólica que resuena en múltiples niveles sociales, emocionales y culturales. Habla de la necesidad humana fundamental de conexión, un tema recurrente en el arte pop urbano y el grafiti. El papel de KAWS en la evolución del arte callejero El lanzamiento de serigrafías como "Share" subraya la evolución del arte urbano, desde sus inicios clandestinos hasta su estatus actual como una forma de arte reconocida y celebrada. Mediante su meticulosa traducción de la estética del grafiti a la técnica de la impresión artística, KAWS ha desempeñado un papel fundamental en esta transformación. Su obra desafía las nociones tradicionales de lo que constituye el arte y quién puede ser considerado artista, ampliando el público y la comprensión del Street Pop Art. En esencia, "Share" de KAWS es un poderoso reflejo del espíritu del Street Pop Art. Captura la vitalidad de la cultura urbana a la vez que abraza la sofisticación de las bellas artes. Como serigrafía de edición limitada, se erige como un artefacto cultural que captura el espíritu del siglo XXI, difuminando las fronteras entre el arte culto y la cultura popular y conectando con un público diverso y global. A través de obras como "Share", KAWS continúa redefiniendo los límites del arte, asegurando que su legado perdure por generaciones.

Leer Más Menos

Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Mossiae - Serigrafía artesanal de 24 colores en color burdeos sobre papel satinado Somerset de 330 g/m² del artista de grafiti pop Fin DAC. Edición limitada de arte callejero raro. Obra de Findac . Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada, de 2022. Tamaño de la obra: 24,8031 x 33,8583 pulgadas. "Mossiae-Burgundy" de Fin DAC: Una sinfonía en serigrafía «Mossiae-Burgundy» de Fin DAC ejemplifica cómo el arte pop urbano trasciende al ámbito de las bellas artes mediante el meticuloso proceso de serigrafía. Esta serigrafía de 24 colores, impresa a mano sobre papel satinado Somerset de 330 g/m², es una pieza singular dentro de la obra del artista, que encarna la fusión entre el dinamismo crudo del arte urbano y la precisión de la producción artística de alta gama. Limitada a una serie de 150 ejemplares, cada pieza está meticulosamente firmada y numerada por Fin DAC, lo que certifica la exclusividad de la obra y la participación directa del artista en su creación. Comprendiendo los matices artísticos de Fin DAC en "Mossiae-Burgundy" La obra, de 62,6 x 86 cm, exhibe la estética distintiva de Fin DAC, a la que él mismo ha denominado «Estética Urbana». En «Mossiae-Burgundy», la protagonista es una figura femenina de apariencia casi etérea, yuxtapuesta a un fondo burdeos intenso. El rostro está marcado por el estilo característico de Fin DAC: líneas nítidas y definidas, y un toque de color vibrante en los ojos, que funciona a la vez como máscara y ventana al alma. Este motivo visual es un guiño a sus influencias del retrato clásico y un giro contemporáneo que captura la esencia del arte pop del grafiti. Impacto cultural y recepción de "Mossiae-Burgundy" de Fin DAC La influencia de Fin DAC en el arte pop urbano queda patente en obras como "Mossiae-Burgundy", muy codiciadas por coleccionistas y aficionados. Esta edición limitada no es solo una declaración visual, sino un hito cultural que captura la esencia del arte urbano moderno. La acogida de la obra refleja la creciente aceptación y valoración del arte inspirado en el grafiti dentro del ámbito de las colecciones de bellas artes. La visión del artista en grabados de edición limitada La elección de la serigrafía para "Mossiae-Burgundy" es deliberada, permitiendo a Fin DAC explorar la interacción de textura y color sobre papel, un medio que conserva la esencia táctil del arte urbano. La edición limitada de la obra garantiza que cada pieza ocupe un lugar único en la trayectoria artística de Fin DAC, ofreciendo al coleccionista una conexión tangible con la visión del artista. En esencia, "Mossiae-Burgundy" es un testimonio del dominio de Fin DAC sobre su técnica y su capacidad para comunicar narrativas profundas a través del lenguaje visual del arte pop urbano. Como artista, su obra tiende puentes entre la expresión callejera y la sofisticación propia de las galerías, consolidándolo como una figura clave del arte contemporáneo.

Leer Más Menos

Flechas Adornadas Desconocidas 2015 Edición Limitada Impresión Serigráfica HPM Adornada a Mano, Pintura, Pintura en Aerosol, Esténcil sobre Papel de Bellas Artes por Tavar Zawacki- Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. No recuerdo el nombre de esta obra de arte, si lo sabes por favor contáctame.

Leer Más Menos

Incognito - Serigrafía de edición limitada en negro de 20 colores, impresa a mano sobre papel 100% algodón blanco radiante, por Tavar Zawacki - Arte callejero poco común de un famoso artista de arte pop. El tamaño del papel es de 84 cm de ancho x 116 cm de alto (33 pulgadas de ancho x 45,5 pulgadas de alto). Papel Somerset de 330 g/m², libre de ácido, blanco radiante, 100% algodón. Todos los estampados tienen bordes irregulares hechos a mano. CARACTERÍSTICAS DE LA IMPRESIÓN: Incognito se imprimió en el estudio Mother Drucker Print Studio de Berlín. Incognito es un proceso de serigrafía tradicional CMYK. El diseño incluye más de 20 colores diferentes. Todos los estampados están firmados, fechados, con un relieve personalizado y un sello en el reverso.

Leer Más Menos

Spray Happiness - Edición limitada en rojo, impresión serigráfica tricolor impresa a mano con adornos de pintura acrílica sobre papel de bellas artes con bordes irregulares, por Mr Brainwash - Thierry Guetta, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2018 Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 30 x 22,5 Serigrafía a tres colores con salpicaduras de pintura aplicadas a mano sobre papel artístico de archivo rasgado a mano. 57,2 x 76,2 cm (30 x 22 pulgadas). Edición de 75 ejemplares.

Leer Más Menos

Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Mi Corazón y Alma, una pintura acrílica original de Raid71, una obra de arte sobre lienzo de un artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada en 2023, tamaño 24x48 , de Mickey Mouse estilizado con tatuajes relacionados con Disney y Star Wars por toda la superficie. El tapiz cultural del arte original de Raid71 Raid71, conocido por su estilo visual impactante e imaginativo, crea una declaración audaz con "My Heart and Soul". El lienzo de 24x48 pulgadas le brinda al artista un amplio espacio para explorar la profundidad y complejidad de la transformación del personaje. El uso de acrílicos le permite a Raid71 superponer capas y texturizar la obra, proporcionando una sensación de dimensión que da vida a los tatuajes. Estos tatuajes son más que una simple decoración; narran historias dentro de historias, haciendo referencia a los ricos mundos de Disney y Star Wars, que han impactado profundamente la cultura popular. En esta pintura, el artista profundiza en la noción de identidad y legado: cómo los personajes e historias de nuestra infancia permanecen arraigados en nuestro ser adulto, como tinta indeleble en la piel. La yuxtaposición de un personaje tradicionalmente inocente adornado con tatuajes típicamente asociados con un estilo de vida contracultural desafía las percepciones de los espectadores y los invita a encontrar conexiones con las imágenes. El arte pop urbano y el grafiti siempre han sido una plataforma para que los artistas fusionen elementos icónicos de la cultura pop con la energía cruda y auténtica de las calles. «Mi corazón y mi alma», una pintura acrílica original de Raid71, ejemplifica esta síntesis al reimaginar a un personaje universalmente querido, Mickey Mouse, fusionándolo con un tapiz de tatuajes relacionados con Disney y Star Wars. Esta obra original, firmada por el artista y fechada en 2023, representa cómo el arte urbano y la iconografía de la cultura pop pueden converger de maneras vibrantes e inesperadas. Importancia de los acrílicos en el arte pop callejero y el grafiti La pintura acrílica es especialmente idónea para las necesidades expresivas del arte pop urbano y el grafiti. Su versatilidad y rápido secado permiten a artistas como Raid71 trabajar con espontaneidad, un enfoque esencial en el arte urbano. Además, el acrílico ofrece la durabilidad necesaria para obras destinadas a diversos entornos, desde galerías de arte hasta colecciones privadas. En «My Heart and Soul», Raid71 utiliza el acrílico para crear texturas y capas que imitan la apariencia de los tatuajes en la piel, una hazaña que requiere tanto habilidad como un profundo conocimiento del medio. El resultado es una obra que trasciende la mera pintura para convertirse en una representación de la destreza técnica y la visión creativa del artista. El lugar de Raid71 en el panteón del arte pop callejero y el grafiti Artistas como Raid71 están transformando el panorama del arte urbano pop y el grafiti, demostrando que este género no se limita a murales públicos ni a obras efímeras. Al trasladar la sensibilidad del arte urbano al lienzo, crean obras que pueden apreciarse en un contexto artístico más tradicional, conservando a la vez la rebeldía y la inmediatez que definen el arte urbano. «My Heart and Soul» es un testimonio de esta evolución, mostrando cómo el arte urbano puede ser accesible y sofisticado. La pintura afirma que personajes como Mickey Mouse, que algunos podrían considerar mero entretenimiento infantil, poseen un significado más profundo y pueden convertirse en poderosos símbolos al ser reinterpretados desde la perspectiva del arte urbano. Coleccionabilidad y atractivo perdurable de las obras originales Las obras originales de arte urbano pop y grafiti ocupan un lugar especial en el corazón de los coleccionistas. «My Heart and Soul», una pieza única e irrepetible, posee un valor intrínseco que trasciende su atractivo visual. El hecho de que el artista la firme le confiere autenticidad y crea un vínculo directo entre el artista y el coleccionista. Coleccionistas y aficionados se sienten atraídos por la originalidad y el toque personal de estas obras. En un mundo donde abundan las reproducciones e impresiones, una obra original es una creación singular que captura un momento en la trayectoria artística del artista. La pintura de Raid71, con sus intrincados detalles y referencias culturales, no es solo una obra de arte; es un pedazo de historia, una instantánea de la convergencia actual entre la cultura pop y el arte urbano. En resumen, «Mi corazón y mi alma», de Raid71, celebra el arte pop urbano y el grafiti, un género que continúa expandiendo límites y desafiando nuestra comprensión del arte y la cultura. Mediante el uso de acrílicos y lienzo, Raid71 nos invita a reflexionar sobre nuestra conexión con los íconos de nuestra infancia y las historias que dan forma a nuestro mundo. Esta pintura es una audaz representación del potencial creativo que surge de la intersección entre el arte urbano y la cultura pop, un potencial que Raid71 aprovecha con habilidad y visión.

Leer Más Menos

Compra la obra de arte coleccionable de esculturas de vinilo de edición limitada VINYLTOY de Pop Street Artist. 2022 Edición limitada de XXX Obra de arte Tamaño XXX Nuevo En caja Con sello/Impreso/COA INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Holiday Space - Edición Limitada Dorada, Juguete de Vinilo Coleccionable, Obra de Arte del Artista Pop Moderno Kaws. Edición limitada abierta 2020. 11,5 x 5 x 4,5 pulgadas / 29,2 x 12,7 x 11,4 cm cada una. Se exhibe con caja. KAWS presenta su colección navideña Space-Gold: una brillante fusión de arte y aventura. La figura Holiday Space-Gold de KAWS es un testimonio de la fusión dinámica entre la accesibilidad del arte urbano y las aspiraciones de la exploración espacial. Esta figura de vinilo, una edición limitada abierta de 2020, mide 29 x 13 x 11 cm y se presenta en una caja que refleja su estética. Tras ser lanzada a más de 41.000 metros de altura, sujeta a un globo meteorológico, esta pieza trasciende su condición de objeto de colección para convertirse en una narrativa de ambición. El acabado dorado de la figura, con cada pieza brillando con una superficie espejada, captura la esencia del icónico trofeo Moonman de MTV, que KAWS reinterpretó para los MTV VMAs de 2013. Esta conexión con la cultura pop, junto con el viaje celestial de la figura, encapsula la esencia del arte pop moderno: audaz, innovador y profundamente entrelazado con la iconografía contemporánea. El lanzamiento de estas figuras en el sitio web de DDT Store el 17 de agosto de 2020 fue un evento histórico que celebró el espíritu innovador de KAWS en el contexto del arte pop callejero y el arte del graffiti. El viaje interestelar del arte de KAWS en la percepción pública La figura KAWS Holiday Space-Gold no es simplemente un objeto físico, sino una obra de performance que desafió los límites del arte, literalmente. Al lanzarla a la estratosfera, KAWS hizo una poderosa declaración sobre las posibilidades ilimitadas de la expresión artística. Enviar la figura al espacio antes de su lanzamiento la dotó de un pasado legendario y un regreso triunfal, evocando las narrativas de los viajes y la exploración espacial que han cautivado a la humanidad durante generaciones. En el contexto del arte urbano y la cultura pop, la figura Holiday Space-Gold se erige como un faro de innovación. La colaboración de KAWS con All Rights Reserved para lograr esta hazaña ejemplifica el espíritu colaborativo que impulsa gran parte de la ética del arte urbano: la voluntad de adoptar nuevos métodos, tecnologías y alianzas para crear algo verdaderamente sin precedentes. El color dorado de la figura no solo es visualmente impactante, sino también simbólicamente rico, a menudo asociado con el logro, el triunfo y lo extraordinario; temas que resuenan profundamente con la narrativa artística general de KAWS. El espacio dorado navideño de KAWS como artefacto moderno Como edición limitada agotada, la figura Holiday Space-Gold de KAWS se ha consolidado como una pieza de colección moderna. Su histórico viaje al espacio y de regreso, junto con su alusión al MTV Moonman, la convierte en un símbolo complejo de la fascinación de la cultura contemporánea por el espectáculo, la fama y lo desconocido del cosmos. La superficie reflectante de la figura interactúa con su entorno, capturando la luz y el espacio, e invita a la introspección sobre el lugar del espectador en el universo y dentro de la narrativa del arte urbano. Mientras el arte pop urbano y el grafiti continúan afirmando su relevancia en el mundo de las bellas artes, la figura Holiday Space-Gold de KAWS sirve como recordatorio del horizonte en constante expansión del género. Es una obra impactante que transmite la visión del artista de expandir los límites del arte. Con su rica historia y su presencia impactante, esta figura encapsula el espíritu aventurero de la obra de KAWS y la continua evolución del arte urbano hacia territorios nuevos e inesperados.

Leer Más Menos

Protege el Planeta Azul - Serigrafía de gran formato, edición limitada, impresa a mano en 2 colores sobre papel Coventry Rag 100% algodón por Shepard Fairey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía de 2022, firmada y numerada, con bordes irregulares hechos a mano, de 30 x 41 pulgadas, sobre papel Coventry Rag, 100% algodón, de calidad de archivo. Edición limitada de 75 ejemplares firmados y numerados. Impresa por Obey Giant. «Protect The Blue Planet» es un testimonio de la dedicación de Shepard Fairey a utilizar su arte como vehículo para la defensa del medio ambiente, fusionando el arte pop, el arte urbano y el grafiti. Esta serigrafía de edición limitada, impresa a mano en dos colores, revela la compleja relación entre la humanidad y nuestro entorno. Impresa en papel Coventry Rag 100% algodón, la elección del material subraya el compromiso de Fairey con el arte sostenible. La obra, de 76 x 104 cm, ofrece una experiencia visual inmersiva, acentuada aún más por sus bordes irregulares, que le confieren un toque táctil y orgánico, evocando los bordes sin pulir de los carteles callejeros. En colaboración con la Fundación PangeaSeed para el lanzamiento de esta obra con motivo del Mes de la Tierra, Fairey plasma las acuciantes preocupaciones medioambientales de la era moderna. El elemento central de la obra es la representación de una ballena franca del Atlántico Norte, especie en peligro de extinción, que irradia un mandala con la Tierra en su interior. Este mandala, arraigado en diversas tradiciones culturales, simboliza la armonía, la unidad y la interconexión de los ecosistemas del planeta. Los ornamentos florales que contiene florecen como símbolos de una armonía floreciente, pero la inclusión contrastante de llamas recuerda crudamente a los espectadores la amenaza siempre presente del calentamiento global. El texto —«Protejan el Planeta Azul» y «Un Océano, Un Pueblo»—, junto con la paleta de azules elegida, destaca el vínculo inseparable entre la salud de los océanos y un mundo sostenible. Como figura destacada del arte urbano, la obra de Fairey siempre ha desafiado los límites, y con «Protejan el Planeta Azul», una vez más difumina las fronteras entre la expresión artística, el activismo y la responsabilidad social, recordando al mundo su papel en la protección del planeta. Para celebrar el Mes de la Tierra, en colaboración con la Fundación PangeaSeed, me complace presentar «Protege el Planeta Azul», una obra que muestra una ballena franca del Atlántico Norte, especie en peligro de extinción, emanando un mandala con la Tierra como eje central. En diversas culturas, el mandala representa la armonía, la unidad y la plenitud, conceptos fundamentales para comprender la interconexión de los ecosistemas, las personas y las especies del planeta. El mandala incluye ornamentos florales que simbolizan la armonía en plena floración, así como llamas que nos recuerdan los peligros del calentamiento global. Los lemas «Protege el Planeta Azul» y «Un Océano, Una Humanidad», junto con la paleta de colores azules, subrayan la crucial conexión entre la salud de los océanos y la salud del planeta. – Shepard

Leer Más Menos

Compañero - Blush Edición Limitada Juguete de Vinilo Coleccionable Obra de Arte del Artista Pop Moderno Kaws. Edición limitada sin abrir de 2016. Medidas: 10,5 x 4,5 x 2,5 pulgadas / 16,7 x 11,4 x 6,4 cm. El rubor Companion de KAWS: Un símbolo del arte pop callejero moderno y del grafiti En el vibrante panorama del arte pop moderno, KAWS destaca como un artista que fusiona a la perfección el diseño comercial con las bellas artes. Su serie Companion, especialmente la figura coleccionable de vinilo "Companion-Blush Limited Edition", se ha convertido en un referente cultural dentro del arte pop urbano y el grafiti. La Companion-Blush, con su color distintivo y el clásico motivo de KAWS, se lanzó en 2016 como una edición limitada abierta, plasmando el icónico diseño del artista en una forma tangible. Al igual que sus predecesoras, esta pieza mide 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, logrando un equilibrio perfecto entre ser llamativa y lo suficientemente compacta para exhibirla personalmente. Cada figura de esta serie mide 27,9 cm de alto, permitiendo apreciar los detalles sin sobrecargar el espacio. El empaque sin abrir de la edición Companion-Blush garantiza su perfecto estado, preservando la integridad de la obra y la emoción de su primer descubrimiento por parte de un coleccionista. Relevancia y recepción de Companion-Blush de KAWS en círculos artísticos El Companion-Blush es más que un objeto de colección; es una pieza narrativa que ha evolucionado desde las raíces del grafiti de KAWS hasta convertirse en un ícono del movimiento del arte pop urbano. Con sus ojos tachados y rasgos abstractos, el personaje transmite la profundidad emocional y el mensaje característicos del grafiti. Su lanzamiento a través de canales de renombre como KAWSONE, el MoMA y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth subraya la difuminación de las fronteras entre la cultura popular y la subcultura, una prueba del atractivo universal del Companion. La coincidencia de este lanzamiento con la exposición de KAWS "Where The End Starts" fue crucial, marcando un período de gran demanda e intenso interés por su obra. La decisión de lanzar una serie de seis Companions diferentes, incluyendo versiones de cuerpo entero y desolladas, atrajo a un público amplio, desde conocedores del arte hasta entusiastas de la cultura pop, consolidando aún más el estatus del Companion en el mundo del arte. El impacto del colorete Companion de KAWS en la evolución del arte callejero La Companion-Blush ejemplifica la evolución del arte urbano hacia una forma refinada, celebrada por su valor artístico y su significado cultural. A través de su serie Companion, KAWS ha desafiado las nociones tradicionales del grafiti, transformándolo en una pieza de colección muy codiciada. Con su vibrante tonalidad y su meticuloso diseño, la Companion-Blush es un símbolo del poder transformador del arte pop urbano, que demuestra cómo la energía cruda del arte urbano puede encapsularse en una forma que conecta con un público más amplio. Esta pieza de colección es parte de la trayectoria artística de KAWS y un fragmento de la narrativa más amplia de la integración del arte urbano en el mercado global del arte. Simboliza el momento en que el arte inspirado en la calle comenzó a captar la atención y el respeto que antes se reservaban a las formas de arte más convencionales. Por lo tanto, la Companion-Blush no es solo un objeto de arte; es un artefacto cultural que representa el panorama dinámico y en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti modernos.

Leer Más Menos

Compre SCULPTURELIMITED Obra de arte de escultura MEDIA de edición limitada del artista callejero ARTIST Fine Art. 2022 Escultura firmada Edición limitada de XXX Tamaño de la obra XXXX INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Cubismo abstracto 1 Original Único en su clase Técnica mixta Pintura acrílica en aerosol sobre lienzo estirado por el popular artista de graffiti callejero RD-357. Cuadro enmarcado a medida de 31,5 x 22,5 pulgadas. Cubismo abstracto 1 de RD-357. Esta pintura original sobre lienzo, realizada con técnica mixta de aerosol y graffiti, presenta la firma RD con colores cubistas de fondo. Impresionante y rara obra original sobre lienzo del prolífico artista urbano Real Deal RD357.

Leer Más Menos

Disfrute de la técnica mixta sobre panel de madera enmarcado. Pintura original del artista callejero de graffiti Denial. Arte pop moderno. Listo para colgar. Recientemente, esta obra no fue admitida en una exposición en la que quería que participara. En Dubái, tienen normas estrictas sobre obscenidad y vulgaridad. Llevaba mucho tiempo queriendo pintar esta pieza y buscaba la imagen perfecta para usar como base. Finalmente la encontré en los recovecos de internet. Esta pintura es una visualización de un chiste genial de Bill Hicks, de su monólogo. En él, Bill profundiza en los males de la publicidad cuando no se la cuestiona ni se la controla. Imagina y describe un anuncio de un futuro no muy lejano que algún día podría existir. Esta pintura representa ese anuncio. Bill Hicks era un genio, y solo espero haberle hecho justicia a su obra. Fue una gran inspiración para mi mentalidad actual; un verdadero artista y rebelde. Me inspiro en diferentes artistas de diferentes maneras. Me gusta visualizar cosas como canciones, discursos o comedia y jugar con los diferentes elementos que se me ocurren. Tengo una mente muy juguetona. - Negación Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

Leer Más Menos

FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40 Aniversario Vinilo de Futura 2000- Leonard McGurr Figura de Vinilo Escultura de Juguete de Arte Obra de Arte Coleccionable del Artista Pop Callejero. 2024 Marc Jacobs Nuevo en caja Edición limitada de 300 Pointman Monogram Obra de arte del 40 aniversario Tamaño 3.75x12 Nuevo en caja Grafiti en blanco y negro Logotipo de moda Marc Jacobs 5 Puntos de movimiento. 24A124FUVF FUTURA (también conocido como FUTURA2000) es un artista de renombre mundial, respetado no solo por sus creaciones actuales en pintura, escultura y dibujo, sino también por su papel pionero en la "Escuela del Metro" de Nueva York, un movimiento de graffiti de los años 80. FUTURA y MARC colaboraron recientemente en un proyecto y una beca a beneficio de FREE ARTS NYC en 2022. MARC y FUTURA comparten una profunda pasión por el arte y la expresión creativa, y ambos están comprometidos con la promoción del espíritu y la ética del centro de Nueva York en todo el mundo. Esta colección cápsula representa el diseño de MARC, expresado a través del universo de personajes, iconos y gestos dinámicos de FUTURA. Se trata de la primera figura coleccionable de vinilo fruto de la colaboración entre el artista FUTURA y el ícono de la moda MARC JACOBS. Esta edición especial limitada FL-001 "Pointman" se creó para celebrar el 40 aniversario de la casa de moda homónima de MARC JACOBS. "Con el monograma estilizado a mano de FUTURA." -Marc Jacobs Figura de vinilo FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40 Aniversario de Futura 2000 La figura de vinilo FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40th Anniversary de Futura 2000 es una colaboración innovadora entre el legendario artista de graffiti Leonard McGurr, conocido como Futura 2000, y el icónico diseñador de moda Marc Jacobs. Lanzada en 2024 para conmemorar el 40 aniversario de la casa de moda homónima de Marc Jacobs, esta figura de vinilo de edición limitada es una auténtica celebración del arte, la moda y la cultura pop urbana. Con solo 300 piezas disponibles, la escultura Pointman en blanco y negro luce el monograma característico de Futura, inspirado en el graffiti, y la audaz imagen de marca de Marc Jacobs, convirtiéndola en una pieza imprescindible para coleccionistas y aficionados. Una fusión de arte urbano y alta costura Esta edición especial de Pointman personifica la fusión perfecta entre el arte pop urbano y la alta costura. Con una altura de 30,5 cm y una base de 9,5 cm, la figura está adornada con un intrincado monograma en blanco y negro que representa la energía cinética del estilo artístico de Futura. Las letras de grafiti, aplicadas con meticuloso detalle, crean una interacción dinámica entre el arte y la audaz imagen de marca de Marc Jacobs. Los cinco puntos de movimiento añaden un elemento escultórico e interactivo a la pieza, reforzando su versatilidad como objeto de arte y figura de colección. La visión de Futura 2000 Futura 2000, pionero del movimiento del grafiti en Nueva York, ha sido aclamado mundialmente por su enfoque innovador del arte abstracto y la expresión urbana. Reconocido por trascender las normas tradicionales del grafiti, la obra de Futura suele fusionar diseños audaces y futuristas con formas orgánicas y fluidas. La figura FL-001 Pointman Monogram refleja su capacidad para adaptar su arte a nuevos medios sin perder su estilo distintivo. Gracias a su colaboración con Marc Jacobs, Futura continúa expandiendo el alcance del arte del grafiti, consolidando su lugar dentro del arte y el diseño contemporáneos. Un monumento al legado de Marc Jacobs La figura Pointman Monogram rinde homenaje al legado de Marc Jacobs, quien siempre ha desafiado los límites de la moda y el diseño. Esta colaboración con Futura refleja la dedicación de Jacobs a la fusión de disciplinas creativas, celebrando la energía y el espíritu del centro de Nueva York. La figura no solo conmemora el 40 aniversario de su casa de moda, sino que también refuerza su compromiso con el apoyo al arte y la expresión cultural, como lo demuestran proyectos anteriores como la iniciativa Free Arts NYC. El sueño de un coleccionista Limitada a tan solo 300 piezas, la figura de vinilo FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40 Aniversario es una pieza de colección muy codiciada. Presentada en una caja de diseño exclusivo, su exclusividad y llamativo diseño la convierten en una pieza central para los amantes del arte y la moda. Su paleta atemporal en blanco y negro garantiza que destaque en cualquier ambiente, mientras que su significado cultural aumenta su atractivo como objeto de colección icónico que fusiona el grafiti, el arte pop y la alta costura. Esta colaboración entre Futura 2000 y Marc Jacobs representa una fusión perfecta entre la cultura urbana y el diseño de lujo, convirtiendo a la figura FL-001 Pointman Monogram en una verdadera obra maestra del arte moderno.

Leer Más Menos

Detroit Serie 24 Pintura original Pintura en aerosol, pintura acrílica y técnica mixta sobre madera entelada por Cope2 Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2010. Obra original firmada y titulada. Pintura acrílica en aerosol, técnica mixta, sobre panel de madera entelado. Lista para colgar. Arte de graffiti. Letras burbuja. Tamaño: 24 x 16 pulgadas. Siempre quise hacer una exposición como esta. Últimamente me he dedicado principalmente a la pintura con técnicas mixtas, pero llevo más de treinta años haciendo grafiti puro y duro, si se le puede llamar así. Eso es lo que me convirtió en Cope2. Pero me gusta variar y mostrar mis diferentes estilos. Así que, con esta exposición, puedo mostrar mi evolución estilística y cómo he progresado. "Versátil" muestra de dónde vengo y qué hago ahora", dijo Cope2 desde su estudio en Nueva York. Cope2 y la intersección del arte pop callejero y el arte del grafiti La obra "Detroit Series 24 Original Painting" de Cope2 marca un hito significativo en la fusión del arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza de 2010, de 24x16 pulgadas, es una magistral combinación de pintura en aerosol, pintura acrílica y técnica mixta sobre madera enmarcada, firmada y titulada por el propio artista. La obra, lista para colgar, es un testimonio de la trayectoria de Cope2 en el mundo del arte, que encapsula vívidamente sus más de treinta años de experiencia con lo que él denomina "grafiti hardcore". Esta pieza es una audaz declaración de la evolución del artista, que encarna los diversos estilos que Cope2 ha adoptado y dominado a lo largo de los años. Las letras burbuja de la obra resaltan sobre el panel de madera, mostrando la habilidad de Cope2 para combinar la espontaneidad del arte urbano con la permanencia y la textura que proporcionan los medios artísticos como la madera y el acrílico. "Detroit Series 24" no es solo una obra de arte; Se trata de una narrativa, una autobiografía visual que traza la evolución del artista desde las calles de Nueva York hasta los espacios refinados de las galerías. La adaptación de Cope2 a la pintura con técnicas mixtas es una elección consciente que refleja su deseo de crecimiento y exploración dentro de su oficio, a la vez que rinde homenaje a las raíces del grafiti que sentaron las bases de su carrera. Repercusiones de la evolución artística de Cope2 El compromiso de Cope2 con mostrar su evolución estilística es palpable en "Detroit Series 24". La obra es una manifestación física de la versatilidad de la que habla. Esta versatilidad le ha permitido mantenerse como una figura relevante y aclamada en el arte moderno. A través de esta serie, ofrece una historia visual de su desarrollo personal, mostrando la amplitud de sus capacidades artísticas. La serie celebra el cambio, el potencial del grafiti para adaptarse y prosperar en diversos entornos y formatos. En esta pieza, al igual que en otras de la serie, se establece un diálogo entre la crudeza y la energía del arte callejero y la naturaleza reflexiva e intencional del trabajo de estudio. La obra sirve de puente, conectando el grafiti, a menudo subrepresentado, con la narrativa dominante del arte contemporáneo. Es un testimonio de la legitimidad y la profundidad del arte pop callejero y del grafiti, desafiando la idea de que estas formas de expresión son de alguna manera menos válidas que sus contrapartes tradicionales. El legado de la serie Detroit de Cope2 en el arte pop callejero y el grafiti El legado de "Detroit Series 24" trasciende sus logros estéticos. La obra constituye una importante contribución al debate actual sobre el lugar del arte urbano en el contexto más amplio de la historia del arte. La trayectoria de Cope2 refleja la del propio grafiti, desde un acto de rebeldía hasta una forma de arte respetada que ocupa un lugar destacado tanto en galerías como en colecciones privadas. Su obra, en particular en esta serie, encapsula el espíritu de resiliencia que define gran parte del arte urbano y el grafiti, demostrando una adaptabilidad que ha permitido que esta forma de arte florezca. Cope2 no solo ha documentado su evolución a través de su arte, sino que también ha reflejado la evolución del arte pop urbano y el grafiti. "Detroit Series 24" es una vibrante celebración de esta progresión, un lienzo donde el pasado y el presente coexisten, donde el lenguaje de las calles se traduce al léxico de las bellas artes. La contribución de Cope2 al mundo del arte a través de esta obra y otras de la serie es invaluable, consagrándolo como una figura clave en el reconocimiento y la apreciación del arte inspirado en la calle. En definitiva, "Detroit Series 24" es una audaz declaración sobre el poder transformador del arte y la constante búsqueda de expresión y reinvención del artista. A través de su obra, Cope2 sigue inspirando y desafiando, ampliando los límites del arte pop urbano y el grafiti. Sus piezas no son meras obras para colgar en una pared; son diálogos dinámicos, en constante evolución a la par del propio artista, que invitan al espectador a presenciar la historia de uno de los artistas modernos más influyentes del arte pop urbano y el grafiti.

Leer Más Menos

Letrero original de la calle "Zona de construcción del Joker de Heath Ledger", pintado por RD-357. Obra de arte única en metal real de Nueva York. Letrero de "Zona de construcción - Prohibido el paso" de un artista pop de arte graffiti. 2012. Firmada. Técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre madera reciclada de Nueva York. Letrero de "Zona de Construcción - Prohibido el Paso". Obra original. Medidas: 24x24 pulgadas . Representa al Joker, el villano de Batman interpretado por Heath Ledger en la película, mirando al espectador. Etiqueta RD en rojo óxido. El Joker de Heath Ledger de RD-357: Una fusión de arte pop callejero e iconografía La pintura original de RD-357, también conocido como Real Deal, titulada «Zona de Construcción del Joker de Heath Ledger», encapsula la esencia del arte pop urbano mediante el uso provocador de señalización pública reutilizada para la expresión artística. Creada en 2012, esta obra de técnica mixta (acrílico y aerosol) transforma una señal de «Prohibido el paso» de una zona de construcción de la ciudad de Nueva York en un lienzo que representa al icónico villano de Batman, interpretado por Heath Ledger, de una manera que desafía y cautiva al espectador. Contextualizando el enfoque artístico de RD-357 RD-357, un artista cuyo nombre real permanece en el anonimato, fiel al espíritu del arte urbano, es conocido por sus crudas interpretaciones de figuras de la cultura pop sobre lienzos poco convencionales. Esta obra en particular mide 61x61 cm y es un testimonio de la versatilidad del arte urbano, que trasciende los límites tradicionales. RD-357 se inspira en el espíritu anárquico del Joker, utilizando un símbolo de ley y orden —una señal de construcción— para presentar una imagen de caos y rebeldía. La ironía es palpable; la señal, que alguna vez advirtió contra el acceso no autorizado, ahora invita a los espectadores a interactuar con la obra de una manera personal, casi agresiva. Simbolismo e impacto en la ilustración del Joker de RD-357 Esta obra no es solo un retrato; es una declaración. Al elegir al Joker de Heath Ledger, RD-357 conecta con la conciencia colectiva de una sociedad fascinada por el arquetipo del antihéroe. La interpretación del Joker por parte de Ledger fue celebrada póstumamente, y su muerte en 2008 dejó una huella cultural que RD-357 aprovecha en esta obra. La yuxtaposición de la figura del Joker sobre el fondo de una señal de construcción neoyorquina revela mucho sobre las corrientes subterráneas caóticas dentro del orden percibido de la vida urbana. El uso de técnicas mixtas, con acrílico y pintura en aerosol, resalta la naturaleza cruda y visceral del arte callejero, a la vez que rinde homenaje a la vitalidad del arte pop. El espectador se enfrenta a la mirada del Joker, que, junto con los brillantes colores de advertencia de la señal de construcción, crea una presencia inquietante pero magnética. Esta interacción obliga al público a contemplar las capas de significado que subyacen a la obra: desde la transformación de la propiedad pública en un medio de expresión personal hasta el diálogo entre el arte y el espectador que desafía las normas sociales y la propia definición de espacio público. En conclusión, el Joker de Heath Ledger de RD-357 en una señal de construcción de Nueva York es un ejemplo sobresaliente de cómo el arte pop urbano puede fusionar iconografía cultural con mensajes subversivos. Mediante esta obra, el artista inmortaliza a un personaje cinematográfico icónico y plantea interrogantes sobre la autoridad, la propiedad y el papel del arte en el discurso público. La obra se erige como un testimonio único del poder del grafiti para redefinir espacios y provocar la reflexión mucho después de que la pintura se haya secado.

Leer Más Menos

3 Lil Piggies - Edición limitada Pink Pasadena, impresiones serigráficas HPM de 5 colores con detalles pintados a mano sobre papel Somerset Hot Press, por OG Slick, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Enmarcado, 2015. Firmado por OG Slick (n. 1967). 3lilpigs 3 Lil Piggies (Pink Pasadena), 2015. Serigrafía a color con detalles pintados a mano sobre papel Somerset Hot Press. 61 x 61 cm (hoja). Edición 21/25. Firmado y fechado a lápiz en el borde inferior. Publicado por Big Dicks Hardware, Los Ángeles. Enmarcado bajo cristal. Dimensiones del marco: 63,5 x 63,5 cm.

Leer Más Menos

La Nascita, Milano Centrale Italie 2024 Impresión de archivo de Atelier JR Jean-René Edición limitada en papel mate Fuji Crystal Archive DP II Arte pop, graffiti, artista callejero, obra de arte moderna. Impresión firmada y numerada de 2024. Edición limitada de 293 ejemplares. Tamaño de la obra: 16,4 x 12,2 cm. Impresión artística con pigmentos de archivo. Una fascinante fusión de arquitectura y visión artística La Nascita, Milano Centrale Italie 2024, impresión de archivo de Atelier JR Jean-René, presenta una impactante yuxtaposición entre la grandeza histórica y la intervención creativa moderna. La fotografía muestra la monumental fachada de la Stazione Milano Centrale, parcialmente oculta por lo que parece ser un abismo en el centro del edificio. Esta formación escarpada, similar a una montaña, interrumpe la simetría lineal de la estación, despertando la curiosidad sobre la historia de su construcción. En 1906, se inició la construcción de Milano Centrale tras la excavación de grandes cantidades de roca alpina para la construcción del Túnel del Simplón, que une Italia y Suiza. La creación del túnel sentó las bases de la estación, que posteriormente incorporó influencias romanas, modernistas y art déco. La representación de Jean-René de una montaña ahuecada en medio de esta imponente arquitectura rinde homenaje a la historia, envuelto en un surrealista efecto trampantojo. Influencia del arte pop callejero y el grafiti Quienes aprecian el arte pop urbano y el grafiti encontrarán paralelismos en la inmediatez y audacia de la intervención de Jean-René. La reinterpretación de la arquitectura clásica como un paisaje rocoso fragmentado evoca el enfoque disruptivo pero significativo de la expresión callejera. En esta obra, se entrelazan capas de tiempo y lugar, transformando un emblemático monumento europeo en un escenario para la reflexión sobre el progreso, el patrimonio y el afán humano de explorar. Los artistas urbanos suelen buscar provocar la reflexión insertando mensajes visuales directamente en espacios públicos bulliciosos. Esta pieza ejemplifica dicho enfoque, conservando una crudeza que, a la vez, exhibe una refinada maestría fotográfica. La fotografía destaca cómo un concepto audaz puede fusionarse con técnicas avanzadas para crear una obra maestra moderna que conecta tanto con los transeúntes como con los coleccionistas de arte más exigentes. Profundidad conceptual y diálogo atractivo Al cubrir las columnas, estatuas y detalles ornamentales de la estación con una monumental representación en blanco y negro de roca fracturada, el artista invita a reflexionar sobre la memoria, la transformación y la ambición humana. El espectador percibe un eco de principios del siglo XX, cuando las hazañas de ingeniería trazaron nuevos caminos a través de los Alpes, permitiendo una mayor conexión entre regiones y forjando nuevas posibilidades. La ubicación de esta instalación en un punto neurálgico de llegadas y salidas subraya una narrativa continua de movimiento y descubrimiento. Los viajeros que llegan a la estación se encuentran con una intervención de otro mundo integrada en la elegancia formal del edificio. Este diálogo visual resalta la tensión entre la arquitectura atemporal y los momentos fugaces, fomentando la conciencia de que cada viaje forma parte de una historia más amplia compartida por innumerables pasajeros a lo largo del tiempo. Obra de arte de archivo de edición limitada Esta obra se presenta como una lámina firmada y numerada de 16,4 x 12,2 cm, impresa en papel mate Fuji Crystal Archive DP II. El proceso de pigmentación de archivo garantiza una vibrante intensidad de color y preserva las sutiles transiciones entre los majestuosos tonos marrones y grises de la estación y las nítidas líneas monocromáticas de la fachada montañosa. Los coleccionistas acceden a una ventana única a la historia, que rinde homenaje al pasado e invita a la contemplación del presente. Al capturar múltiples momentos a lo largo del día, Jean-René fusiona las cambiantes condiciones de luz en una sola composición, dotando a la lámina de una enigmática sensación de tiempo suspendido. Esta cualidad resuena con fuerza con el espíritu del arte urbano: la superposición de diversos contextos en un único acto creativo. Esta edición limitada ofrece una forma inmersiva de apreciar las narrativas en constante evolución que se entretejen en los paisajes urbanos, ilustrando cómo la visión de un artista puede añadir una nueva dimensión de asombro a las estructuras ya establecidas.

Leer Más Menos

Marilyn Monroe - Bogart & Becall Edición Limitada Pintura al Óleo HPM Intervenida a Mano sobre Lienzo por Steve Kaufman SAK Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Lienzo sin bastidor, la imagen está en perfectas condiciones. Rara fotografía de Marilyn Monroe con la estrella de cine retro Humphrey Bogart y la actriz Lauren Bacall .

Leer Más Menos

Royal Selangor - Bearbrick BE@RBRICK Steampunk Iron Bright 400% Edición Limitada Juguete de Arte Metálico Peltre Figuras de Arte Coleccionables Urbanas Edición limitada de 400 unidades. A finales del siglo XIX, las innovaciones en la fundición catalizaron el inicio de la llamada Nueva Edad del Hierro. El metal de mayor calidad se empleó ampliamente, desde infraestructuras de transporte e ingeniería civil hasta los usos domésticos más sencillos. La edición especial Iron Bright Steampunk BE@RBRICK ROYAL SELANGOR, con su brillante acabado en peltre, evoca el brillo del hierro nuevo, mientras que los paneles faltantes dejan ver un mecanismo interno tratado con grafito. Desde su debut en Tokio en 2001, BE@RBRICK de MEDICOM TOY ha alcanzado un estatus de culto internacional; su forma de oso caricaturesco se ha convertido en un lienzo colaborativo para grandes figuras del arte, el diseño y la moda. Pequeño desgarro en la caja https://www.youtube.com/watch?v=RmUPvGpTXJU

Leer Más Menos

Feliz OG San F30 Impresión Giclée HPM con detalles pintados a mano por OG Slick Artwork Impresión de edición limitada en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares Impresión con detalles pintados a mano Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 25 ejemplares de HPM (2025), firmada y numerada, intervenida a mano por OG Slick mediante impresión giclée y pintura en aerosol. Tamaño de la obra: 30x30 cm. Impresión giclée HPM intervenida a mano. El patrón de salpicaduras, las pinceladas y el color de la pintura varían. Cada HPM es única. Es posible que no reciba la misma que aparece en la foto; se elige al azar. Happy OG San F30 de OG Slick: Rebelión de bombas adhesivas en arte pop callejero y obras de arte de graffiti Happy OG San F30 es una impresión giclée de 2025 intervenida a mano por OG Slick, innovador del graffiti de la Costa Oeste. Lanzada en una edición extremadamente limitada de solo 25 ejemplares, esta impresión de 76x76 cm está realizada en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares y mejorada individualmente a mano con pintura en aerosol, salpicaduras y plantillas. Cada versión está firmada, numerada y modificada de forma única, convirtiendo cada pieza en una pieza de colección irrepetible. La imagen se centra en el inconfundible personaje de OG Slick, una carita sonriente con parche en el ojo, rodeada por un muro de pegatinas superpuestas: logotipos, firmas de graffiti y escritura japonesa en una repetición caótica. El fondo vibra con energía y contraste, canalizando el lenguaje urbano hacia la presentación en galería, consolidando esta obra dentro del ámbito del Arte Pop Urbano y el Graffiti. Identidad del grafiti y sobrecarga urbana En el centro de Happy OG San F30 se encuentra una ilusión tridimensional del rostro sonriente, al estilo de la mascota de Slick, sobre un fondo repleto de pegatinas y logotipos. El rostro del personaje, travieso e icónico —de color amarillo brillante, con parche en el ojo y sonriendo—, se incrusta en una superficie de repetidos grafitis de OG Slick, manos enguantadas, tipografía japonesa y gráficos de estilo retrato. Estos elementos, que suelen verse pegados con engrudo en las paredes de la ciudad, se transforman en un mosaico visual de impronta cultural. Cada pieza de la edición presenta variaciones en la ornamentación: algunas están cubiertas de gotas de corrector líquido, otras presentan texturas de grafiti y destellos de color. Esta aleatoriedad intencionada refleja la imprevisibilidad de la calle y la naturaleza performativa del grafiti, la remezcla y la reinterpretación del espacio público. En el arte pop urbano y el grafiti, la identidad se estratifica y se cuestiona, y esta obra captura esa idea mediante la repetición y la distorsión de la marca autorreferencial. La mezcla característica de humor y rebeldía de OG Slick OG Slick, afincado en Los Ángeles y con raíces hawaianas, lleva décadas fusionando la técnica del grafiti con la crítica de la cultura pop. Su obra siempre ha equilibrado una iconografía lúdica —como sus recurrentes figuras de guantes y caritas sonrientes— con una rebeldía cruda. En Happy OG San F30, Slick aborda la comercialización del grafiti, presentándolo como bellas artes sin renunciar al caos agresivo que le da fuerza. La estética de las pegatinas evoca la cultura de los fanzines DIY, el punk y el grafiti urbano. Crea un lienzo claustrofóbico pero rítmico que imita superficies urbanas reales superpuestas a lo largo del tiempo. El parche en el ojo de la carita sonriente inyecta actitud y desafío a lo que de otro modo podría parecer nostálgico o ingenuo. Es una declaración: esto no es solo felicidad, es caos ganado. Edición limitada impresa como objeto urbano y gesto subversivo Impresa con técnicas giclée de alta resolución y realzada a mano con aerosol y pulido, cada copia de Happy OG San F30 constituye una fusión táctil entre el arte y la creatividad no convencional. Los bordes irregulares y el papel de calidad de archivo elevan la obra a la categoría de objeto, mientras que los detalles aportan inestabilidad, inmediatez y vitalidad a cada pieza. La aleatoriedad del aerosol, las capas y el pulido en toda la edición reflejan la fugacidad del grafiti en el mundo real: ningún muro permanece igual y ninguna firma es sagrada. OG Slick invita a los coleccionistas a un instante de caos callejero plasmado en papel, donde los símbolos de rebeldía se transforman en iconos estéticos. Como parte del arte pop urbano y el grafiti, esta impresión funciona a la vez como artefacto e intervención, marcando el punto de encuentro entre la subcultura y la atención pública, y convirtiendo la sobrecarga visual en algo permanente, bello y desafiante.

Leer Más Menos

Fin del Imperio Edición Limitada Serigrafía Manual a 2 Colores Impresa en Papel Blanco Coventry Rag por Cleon Peterson Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Fin del Imperio, 2015. Serigrafía en color sobre papel Coventry Rag blanco. 71,1 x 71,1 cm (hoja). Edición 2/150. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por el artista. El mundo de Cleon Peterson está plagado de crueldad despiadada, libertinaje caótico y una lucha constante por subvertir el poder y la opresión. Sus composiciones, de aparente sencillez, encierran connotaciones complejas y una inquietante crítica a la creciente marginación, el aislamiento y la desesperación de la sociedad. Al observar su obra, resulta evidente que el artista no aboga por la violencia, sino que la utiliza como arma en la batalla contra la apatía.

Leer Más Menos

¿Qué fiesta? 7 - Serigrafía amarilla de 3 colores impresa a mano sobre papel Saunders Waterford Hi-White del artista de grafiti pop Kaws. Obra de arte callejero rara de edición limitada. 2020. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 22 x 22 pulgadas. Enmarcada con marco y paspartú personalizados. KAWS (n. 1974) What Party (Amarillo), 2020. Serigrafía a color sobre papel Saunders Waterford HP Hi-White. 22 x 22 pulgadas (55,9 x 55,9 cm) (hoja). Ed. 41/100. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por el artista. KAWS' What Party 7- Amarillo: Una obra maestra del arte pop callejero y el grafiti KAWS, cuyo nombre real es Brian Donnelly (nacido en 1974), se ha convertido en una figura emblemática en la intersección entre el arte de vanguardia y la cultura popular, fusionando elementos del arte urbano, el grafiti y el arte pop en su dinámica obra. Una de sus creaciones más destacadas es «What Party 7 - Yellow», una serigrafía artesanal de tres colores que muestra su singular enfoque artístico. Realizada en 2020, esta pieza está impresa en papel Saunders Waterford Hi-White, un papel de alta calidad conocido por su durabilidad y su excepcional superficie, que permite la vibrante aplicación de tintas y los intrincados detalles que caracterizan a KAWS. Artesanía y exclusividad de What Party 7- Amarillo La obra «What Party 7- Yellow» es un testimonio de la meticulosa artesanía de la serigrafía, que requiere precisión y paciencia. La superposición de tres colores para crear la imagen final es una tarea compleja que refleja la dedicación del artista a su oficio. Esta impresión, una edición limitada de solo 100 ejemplares, es una rareza y ejemplifica la exclusividad que caracteriza a las obras de KAWS. Cada impresión está firmada, numerada y fechada en el borde inferior, lo que confirma su autenticidad y la participación directa del artista en su creación. El lenguaje visual de KAWS en What Party 7 - Amarillo El lenguaje visual de KAWS es inmediatamente reconocible en "What Party 7 - Yellow", con sus líneas gráficas y audaces y el uso de sus icónicos personajes que transmiten una amplia gama de emociones a pesar de sus expresiones faciales sencillas. El amarillo en esta obra es impactante, creando una sensación de energía y vitalidad, características que suelen asociarse con este color. El tamaño de la obra, 22 x 22 pulgadas, ofrece un amplio lienzo para que KAWS plasme su visión, logrando un equilibrio entre accesibilidad y grandeza. El encuadre de qué Partido 7- Amarillo La presentación de «What Party 7 - Yellow» se ve realzada por el gran marco y paspartú personalizados que acompañan a la lámina. La elección del marco es fundamental para la percepción y la experiencia de la obra. No solo la protege, sino que también destaca sus características y refuerza sus elementos temáticos. El marco y el paspartú son esenciales para la estética general y, a menudo, los coleccionistas los consideran parte de la obra misma. El impacto de What Party 7- Yellow en el arte pop callejero "What Party 7- Yellow" es un ejemplo fascinante de arte pop urbano y grafiti. KAWS logra trascender los límites tradicionales del arte urbano y el grafiti, situando su obra en un contexto histórico-artístico más amplio, a la vez que mantiene la energía y la autenticidad que caracterizan la cultura callejera. Como gran parte de su trabajo, esta pieza tiende un puente entre lo subversivo y lo convencional, introduciendo elementos del arte urbano en el refinado espacio de las galerías de arte y desafiando las ideas preconcebidas sobre el valor y el potencial del grafiti. En resumen, "What Party 7- Yellow" de KAWS es un ejemplo luminoso de arte pop urbano y grafiti. Su técnica de serigrafía manual, su carácter de edición limitada, la firma del artista y su singular enmarcado contribuyen a su importancia como obra de arte. Como pieza de colección, representa un momento crucial en la evolución del arte urbano, sirviendo de puente entre los movimientos artísticos underground y el refinado mundo de las galerías de arte. Para entusiastas y coleccionistas, "What Party 7- Yellow" no es simplemente una pieza para poseer; Es un artefacto de gran importancia cultural que encarna el espíritu y la transformación del arte contemporáneo.

Leer Más Menos

El hombre que atraviesa las paredes. Prueba de artista AP. Serigrafía de Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat. Impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2008 firmada por Shepard Fairey y Blek le Rat y marcada AP, edición limitada. Tamaño de la obra: 18x24. Impresión serigráfica. Shepard Fairey x Blek le Rat El hombre que atraviesa las paredes AP Serigrafía 2008 La serigrafía de prueba de artista (AP) de 2008, «El hombre que atraviesa las paredes», es una colaboración excepcional entre Shepard Fairey, conocido internacionalmente como OBEY, y el pionero del esténcil Blek le Rat. Impresa a mano sobre papel de bellas artes y con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas), esta prueba de artista de edición limitada está firmada por ambos artistas y marcada como «AP», lo que la distingue de la edición estándar numerada de 100 ejemplares. Como prueba de artista, posee un valor especial entre los coleccionistas de arte urbano pop y grafiti, ya que simboliza tanto la experimentación artística como la aprobación directa de sus creadores. Imágenes y contexto urbano La composición combina el marcado estilo del esténcil con una pared repleta de grafitis, integrando la obra en la energía cruda de la vida urbana. En el centro, un hombre de traje lleva bolsas con texto, junto a una cabra, mientras un policía pasa en primer plano. A la derecha, una cabina telefónica interrumpe la escena, anclando la obra en la arquitectura cotidiana de la ciudad. La superposición de grafitis, mensajes políticos y la yuxtaposición surrealista de figuras evocan temas como el consumismo, la autoridad y la rebeldía. La figura del traje, en particular, sugiere la alienación urbana, mientras que la presencia de la cabra y la cabina añade un toque de absurdo, haciendo que la composición sea a la vez humorística y mordazmente crítica. Colaboración entre Shepard Fairey y Blek le Rat Blek le Rat, cuyo nombre real es Xavier Prou ​​(nacido en 1951 en Francia), es considerado el padre del grafiti con esténcil, llevando la crítica social directamente a las calles de París a partir de la década de 1980. Shepard Fairey, nacido en 1970 en Charleston, Carolina del Sur, se forjó una reputación gracias a su campaña de pegatinas OBEY y sus grabados de contenido político, como el póster Hope de Barack Obama. Sus obras colaborativas, como El hombre que atraviesa las paredes, ponen de manifiesto una creencia compartida en el papel del arte público como plataforma para la protesta y el diálogo. La fusión de la sensibilidad gráfica de Fairey con el enfoque directo del esténcil de Blek subraya la continuidad entre dos generaciones de artistas urbanos con conciencia política. Rareza y significado de la prueba de artista La edición de Prueba de Artista tiene un peso especial en el mundo del grabado, ya que se produce en cantidades muy reducidas y a menudo la conservan los artistas. Firmada por Shepard Fairey y Blek le Rat y marcada como AP, esta impresión posee un alto valor de colección y autenticidad. Más allá de su rareza, su iconografía y su carácter colaborativo subrayan la fuerza del arte urbano como vehículo de crítica política y cultural. La serigrafía AP de «El hombre que atraviesa las paredes» no es solo una obra de arte, sino también una vívida declaración sobre la cultura urbana, el consumismo y la resistencia, convirtiéndose así en un ejemplo clave en la historia del arte pop urbano y el grafiti.

Leer Más Menos

Oso Meditando. Pintura original al óleo sobre lienzo, con bastidor de galería, por Phil Lumbang, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Pintura original y única de un oso de piedra meditando en un bosque de bambú púrpura.

Leer Más Menos

Compra TITLE Múltiple pintado a mano original (HPM) en panel de madera listo para colgar por ARTIST graffiti street artist modern pop art. INFORMACIÓN

Leer Más Menos

Compañero - Figura coleccionable de vinilo de edición limitada en gris, obra de arte del artista pop moderno Kaws. Edición limitada sin abrir de 2016. Medidas: 10,5 x 4,5 x 2,5 pulgadas / 16,7 x 11,4 x 6,4 cm. The Companion-Grey de KAWS: Un emblema moderno del arte pop callejero y el grafiti La figura coleccionable de vinilo de edición limitada Companion-Grey, creada por el artista pop contemporáneo KAWS, encapsula un movimiento significativo dentro del arte urbano pop y el grafiti. Lanzada en 2016, esta pieza representa el apogeo de la exploración de la forma y la crítica cultural por parte de KAWS, manifestada a través de su figura más reconocible: el Companion. Esta versión particular de la serie Companion mantiene el enfoque distintivo del artista hacia el arte pop, mientras que su tonalidad gris le confiere una cualidad clásica y atemporal. Sellada en su empaque original, la figura Companion-Grey mide 28 cm de alto, una elección deliberada que ofrece una presencia íntima pero sustancial. Sus dimensiones de 27 x 11 x 6 cm están diseñadas para integrarse a colecciones privadas de amantes del arte y exhibiciones de instituciones exigentes. La naturaleza de edición limitada y abierta de la Companion-Grey la ha convertido en un objeto de deseo para los coleccionistas, capturando la intersección entre arte y producto que KAWS maneja con destreza. La intersección entre la expresión artística y la cultura de consumo en Companion-Grey de KAWS El Companion-Grey no es solo una pieza de colección; es una declaración audaz en la narrativa del arte contemporáneo. Con esta creación, KAWS continúa desafiando los límites entre el arte elevado y el comercialismo. El lanzamiento de la figura a través de canales selectos como KAWSONE, el MoMA y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth ejemplifica la fusión del mundo del arte con la cultura de consumo, una tendencia que KAWS ha impulsado de manera decisiva. Presentado como parte de la serie más extensa lanzada en conjunto con la exposición "Where The End Starts" de KAWS, el Companion-Grey compartió protagonismo con versiones del personaje tanto de cuerpo entero como desolladas, demostrando la versatilidad y profundidad de la visión del artista. El lanzamiento de la colección en noviembre de 2016 generó gran expectación y fue aclamado, poniendo de relieve la creciente demanda de obras de arte que trascienden los medios tradicionales y adoptan la esencia del arte urbano. Significado cultural e impacto artístico de Companion-Grey de KAWS Como figura clave del arte urbano pop y el grafiti, el Companion-Grey es testimonio del atractivo perdurable del arte de KAWS. Es una pieza que evoca temas como la identidad y la reflexión existencial, recurrentes en el grafiti, mientras que su éxito comercial subraya su relevancia en la cultura pop. El Companion-Grey, con su color apagado y su diseño icónico, alude a la universalidad de la experiencia humana, un tema central tanto en el arte urbano como en la obra de KAWS en general. La presencia del Companion-Grey en debates y colecciones de arte a nivel mundial pone de relieve el cambio de paradigma en la percepción y valoración del arte urbano. Ejemplifica la evolución del grafiti desde sus inicios clandestinos hasta convertirse en una forma de arte consagrada en el mercado, tendiendo un puente entre las expresiones urbanas efímeras y el arte coleccionable perdurable. A través de Companion-Grey, KAWS continúa desempeñando un papel fundamental en la narrativa del arte moderno, afianzando su posición como artista visionario que ha transformado el panorama del arte pop callejero y el arte del grafiti.

Leer Más Menos

Paisaje sangriento. Pintura original de técnica mixta con sangre de Richard Hambleton. Obra de arte única en papel de bellas artes del artista pop de arte callejero. Pintura original de Sangre Humana firmada, 1995. Tamaño 16x12 (enmarcada 23,5x19,5). En buen estado, como se muestra, con un ligero pliegue por manipulación en la parte superior izquierda. La esencia provocativa del arte de Richard Hambleton Richard Hambleton, artista canadiense fallecido en 2017, se erige como una figura enigmática del arte pop urbano. Su pintura «Paisaje de sangre», una obra original de técnica mixta con sangre, ejemplifica el impacto visceral y la cruda intimidad que caracterizan su arte. Terminada en 1995, la obra muestra el uso poco convencional que Hambleton hacía de la sangre humana, añadiendo una capa de fuerza vital, tanto personal como literal, al lienzo. Esta pieza, de 40,6 x 30,5 cm (16 x 12 pulgadas) y enmarcada a 59,7 x 49,5 cm (23,5 x 19,5 pulgadas), representa una audaz declaración en el espacio donde las bellas artes se encuentran con el arte urbano, tal como sucedió para Hambleton a lo largo de su innovadora trayectoria. Richard Hambleton: Un pionero del arte pop callejero Las contribuciones de Hambleton al arte pop callejero se centraron tanto en el medio como en el mensaje. Su decisión de usar la sangre como medio no buscaba simplemente impactar; conectó la condición humana con el paisaje urbano de una manera profundamente íntima. «Paisaje de sangre» encierra no solo la esencia física del artista, sino también la resonancia emocional y psicológica de sus experiencias vitales. Con esta obra, Hambleton continuó su exploración de la mortalidad y la vulnerabilidad, temas recurrentes en su arte callejero, especialmente en su renombrada serie «El hombre sombra», que inquietó las calles de Nueva York en la década de 1980. El estado de «Paisaje de sangre», que se describe como bueno salvo por una leve marca de manipulación en la esquina superior izquierda, refleja las imperfecciones inherentes al arte callejero. En este mundo, lo prístino se valora menos que lo expresivo. Es un testimonio silencioso del paso del tiempo y de la naturaleza perdurable de la visión de Hambleton. La procedencia de la pieza se remonta a la colección de Robert Murphy, lo que garantiza su linaje dentro del ámbito del arte contemporáneo de prestigio. Autenticidad y legado en la obra de Hambleton La autenticidad de la obra está validada por un Certificado de Autenticidad (COA) manuscrito de Robert Murphy y otro de Dirtypilot. Este gesto subraya la importancia de la procedencia en el arte, especialmente en obras tan poco convencionales como «Bloodscape». El reconocimiento por parte del mundo del arte de métodos y medios tan heterodoxos refleja una comprensión más profunda de lo que constituyen los materiales artísticos y de la evolución del arte pop y el arte urbano. Como gran parte de la obra de Hambleton, «Bloodscape» no se limita a la apreciación estética; es una herramienta dialógica, una invitación a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la vida y la permanencia del arte. El uso de la sangre, un fluido sinónimo de vida, como medio en esta pintura de técnica mixta invita al espectador a considerar la vitalidad del artista presente en la obra. Cada pincelada y cada salpicadura es una firma genética, una parte del propio Hambleton, congelada en el tiempo. Esta pintura, una obra singular dentro del arte pop urbano y el grafiti, sigue suscitando diálogo, desafiando percepciones y provocando fuertes reacciones emocionales, demostrando el potencial del arte para conmover el espíritu humano. El legado de Richard Hambleton y obras como «Paisaje de sangre» reside en su audaz exploración de territorios inexplorados de la expresión artística y en su capacidad inquebrantable para provocar la reflexión mucho después de la muerte del artista.

Leer Más Menos

Obra de arte original y única de 1987, realizada con técnica mixta de pintura en aerosol y objetos reciclados sobre madera reutilizada por el popular artista de graffiti callejero Eddie Colla. 2019. Obra original firmada, técnica mixta, pintura acrílica en aerosol con elementos reciclados. Medidas: 34 x 34 pulgadas. «1987» 86 x 86 cm (34 x 34 pulgadas) Técnica mixta sobre madera 2019 Firmado y titulado al dorso

Leer Más Menos

Cradle AP Serigrafía de Add Fuel. Impresión manual de 7 colores sobre papel artístico Astropack de 320 g/m². Obra de arte de edición limitada. Prueba de artista AP 2023 Firmada y marcada AP Edición limitada Obra de arte Tamaño 19,69 x 19,69 Impresión serigráfica de símbolos estilizados de caduceo médico tipo azulejo, corazones y elementos tipo máquina steampunk. Como parte del proceso de creación, instalación y presentación pública de CRADLE, creé esta serigrafía de edición limitada basada en la estética visual de la instalación de azulejos. Esta edición no está (¿estaba?) a la venta. -Add Fuel. La intersección de la iconografía tradicional y las técnicas modernas en la serigrafía Cradle AP de Add Fuel «Cradle AP» de Add Fuel es una obra ejemplar de arte pop urbano y grafiti, una serigrafía que entrelaza con maestría simbolismo histórico y diseño contemporáneo. Esta impresión artesanal de 7 colores sobre papel artístico Astropack de 320 g/m² destaca por su edición limitada, ya que cada pieza está marcada como prueba de artista (AP) y firmada por el artista en 2023. Con unas dimensiones de 50 x 50 cm, «Cradle AP» es un testimonio de la meticulosa técnica de la serigrafía y del espíritu innovador del arte urbano moderno. El lenguaje visual de la impresión es un tapiz de patrones estilizados que recuerdan a azulejos, símbolos del caduceo médico, corazones y elementos steampunk. Esta fusión iconográfica es un sello distintivo del arte pop urbano y el grafiti, donde los artistas suelen emplear motivos familiares de forma inesperada para desafiar la percepción del espectador e invitar a una reflexión más profunda sobre la intersección entre pasado y presente, tradición e innovación. El lenguaje artístico de Add Fuel: una mezcla de herencia y rebeldía «Cradle AP» emplea un lenguaje visual complejo que rinde homenaje y, a la vez, reinterpreta formas artísticas históricas. El uso de patrones que recuerdan a azulejos alude a la antigua práctica de la cerámica, un oficio con una rica herencia cultural y presente a menudo en edificios históricos. Sin embargo, Add Fuel dota a la obra de relevancia contemporánea y conexión con la cultura pop al incorporar símbolos modernos como el caduceo —asociado a la medicina y la sanación— y corazones. La inclusión de elementos steampunk profundiza esta fusión de épocas y tradiciones, presentando una subcultura que encarna la combinación de maquinaria industrial de vapor de la era victoriana con conceptos futuristas. Este estilo anacrónico resuena especialmente en el arte pop urbano y el grafiti, donde los artistas suelen mezclar épocas e ideas para crear algo totalmente nuevo y provocador. Materialidad y método: La importancia de la serigrafía en el arte pop callejero La técnica de serigrafía empleada en "Cradle AP" es significativa dentro del contexto del arte pop urbano y el grafiti. La serigrafía, o impresión serigráfica, es una técnica adoptada por diversos movimientos artísticos a lo largo del siglo XX, especialmente por el arte pop. Permite una aplicación vibrante y precisa del color, evidente en las ricas texturas y capas de esta impresión. Al elegir el papel artístico Astropack, Add Fuel garantiza un acabado de alta calidad y una gran durabilidad, reflejando el impacto perdurable del arte urbano en los paisajes de las ciudades. Esta elección de soporte refleja una reverencia por la perdurabilidad del arte urbano. A su vez, la edición limitada de la obra introduce un elemento de exclusividad similar a la naturaleza única y específica del grafiti. Coleccionabilidad y resonancia cultural de Cradle AP La edición limitada "Cradle AP" ocupa un lugar especial en el coleccionismo de arte urbano pop y grafiti. Como prueba de artista, sirve como testimonio del proceso creativo, ofreciendo una visión del trabajo del artista antes de la impresión de la edición final. Los coleccionistas de arte urbano suelen sentirse atraídos por la autenticidad y la crudeza de las pruebas de artista, encontrando valor en las iteraciones y refinamientos visibles que conducen a la obra final. Cada impresión incluye la firma de Fuel, que sirve como conexión directa entre el artista y el coleccionista, un elemento significativo en el arte urbano donde la identidad y el toque personal del artista tienen un peso sustancial. Este aspecto de "Cradle AP" es un guiño a los orígenes del grafiti, donde la firma del artista es tanto una firma como una reivindicación del espacio. La evolución del arte callejero: la contribución de Add Fuel La obra "Cradle AP" de Add Fuel representa un punto de inflexión en la evolución del arte pop urbano y el grafiti, donde los artistas exploran nuevos métodos y técnicas sin perder la esencia del arte callejero. Con su intrincado diseño y sus múltiples significados, esta pieza ejemplifica la naturaleza dinámica del arte urbano, trascendiendo los límites de los espacios urbanos y adentrándose en el mundo de las colecciones de arte. La obra celebra el poder del arte callejero para transformar espacios e ideas, fusionar lo histórico con lo contemporáneo y crear diálogos que cruzan fronteras culturales y temporales. "Cradle AP" no es solo una impresión, sino una narrativa tejida en color y forma que continúa la historia en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti.

Leer Más Menos

Compra Post No Bills- Original sin título, pintura en aerosol única en su tipo y pintura de plantilla, obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de cultura pop Street Art Seen UA. 2018 Cuadro Original Firmado Tamaño 18x24 Craquelado por todas partes. Lienzo sin forro.

Leer Más Menos

La jaula y el corazón de la bestia. Prueba de impresión serigráfica PP sobre papel Somerset Fine Art de la artista Sandra Chevrier. Obra de arte limitada. Prueba de imprenta PP 2019. Firmada y marcada PP. Tamaño de la obra: 27 x 35,5 pulgadas. Sandra Chevrier (n. 1983). La Cage Et Le Coeur De La Bête, 2019. Serigrafía a color sobre papel Somerset. 35 1/2 x 27 pulgadas (90,2 x 68,6 cm) (hoja). PP. Firmada y numerada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Graffiti Prints, Reino Unido. El poder emotivo en el arte de Chevrier «La Cage Et Le Coeur De La Bête» (La Jaula y el Corazón de la Bestia) de Sandra Chevrier es una impactante serigrafía que fusiona la intensidad visual del arte urbano con la profundidad emocional del arte pop. Esta edición de prueba de imprenta (PP), producida en 2019, es una obra emblemática que consolida la reputación de Chevrier como un talento formidable en el arte contemporáneo. La pieza, publicada por Graffiti Prints en el Reino Unido, representa una confluencia de técnicas y temas que resuenan profundamente en la comunidad artística. «La Cage Et Le Coeur De La Bête» explora visualmente la identidad, la opresión y la liberación. La obra de Chevrier suele presentar el motivo del rostro de una mujer oculto por imágenes de cómic, una representación de las «jaulas» sociales que pueden definir y restringir. En esta obra, los colores vivos y las escenas de libros dinámicas y divertidas que se superponen al rostro de la protagonista funcionan a la vez como una máscara y una revelación de la turbulencia interior y la fortaleza de la mujer retratada. La impresión, de 35 1/2 x 27 pulgadas, es un testimonio del enfoque detallado e intrincado de la artista en la serigrafía, un medio que permite la articulación nítida de imágenes complejas. La elección del papel Somerset para la impresión demuestra el compromiso de Chevrier con la calidad; se trata de un tipo de papel reconocido por su capacidad para retener la tinta y producir imágenes ricas y vívidas. Comentario de Chevrier sobre la feminidad y la fuerza «La Cage Et Le Coeur De La Bête» de Chevrier está impregnada de una narrativa de feminidad y fortaleza. Invita al espectador a reflexionar sobre la yuxtaposición de vulnerabilidad y poder, lo visible y lo invisible, y lo personal frente a lo social. La inclusión de imágenes de superhéroes superpuestas en el rostro de la mujer introduce un diálogo entre lo fantástico y lo cotidiano, suscitando una reflexión sobre las cualidades heroicas presentes en las batallas personales que libramos. Esta pieza, marcada como Prueba de Imprenta, destaca su singularidad en el proceso de grabado, reservada a menudo para uso del artista y el impresor antes de la tirada de la edición final. La designación PP aumenta el valor de colección de la obra, convirtiéndola en una pieza excepcional de Chevrier. Influencia del arte pop callejero y el grafiti En el ámbito del arte pop urbano y el grafiti, la obra de Chevrier se erige como un vibrante ejemplo de cómo la intimidad del arte clásico puede converger con la audacia pública del arte urbano. Su trabajo captura la esencia del arte urbano: su accesibilidad y su capacidad para generar una profunda resonancia emocional, manteniendo a la vez el carácter coleccionable de las ediciones limitadas de grabados artísticos. «La Cage Et Le Coeur De La Bête» de Sandra Chevrier es más que una simple serigrafía; es una pieza narrativa que aborda temas como el empoderamiento, la opresión y la identidad. Refleja el lugar singular de la artista en el panorama del arte pop urbano y el grafiti, donde se fusionan a la perfección la expresión personal y la crítica cultural. A través de su arte, Chevrier nos invita a reconocer y reflexionar sobre las jaulas que nos limitan y el potencial que reside en cada uno de nosotros para encontrar nuestra propia esencia salvaje.

Leer Más Menos

Exclamación - Serigrafía de gran formato, edición limitada, impresa a mano en dos colores sobre papel Coventry Rag, 100% algodón, papel de archivo personalizado con bordes irregulares hechos a mano, por Shepard Fairey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. La evolución de Andre dio como resultado el rostro simplificado del ícono de Obey, la estrella de Obey y el logotipo de la caja roja de Obey, inspirado en la obra de Barbara Kruger. Estos íconos, junto con diversos elementos de la pegatina original, se convirtieron en los pilares del repertorio visual de Shepard Fairey. Su incorporación reiterada en la obra busca imitar el mecanismo estratégico empleado por las marcas y la publicidad. Serigrafía sobre papel Coventry Rag, 100% algodón, de calidad de archivo, con bordes deshilachados a mano. 76 x 104 cm. Firmada por Shepard Fairey. Edición numerada de 89 ejemplares.

Leer Más Menos

Praxis Of Confusion - Pintura original roja, acrílico y ensamblaje de madera cortada, por Kwest, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Kwest nació y creció en Toronto, Canadá, e inició su carrera artística como grafitero a principios de la década de 1990. Durante más de veinte años, ha desarrollado un estilo propio, único y complejo de letras, una tipografía mecánica fluida y precisa que parece surgir de las mismas estructuras sobre las que las plasma. Su lienzo principal han sido los trenes de carga, y ha creado más de 5000 obras individuales, renunciando a ellas una vez terminadas, destinadas a recorrer la vasta red ferroviaria que cruza Norteamérica. Gracias a su práctica solitaria y su rápido trabajo al aire libre, Kwest ha perfeccionado su lenguaje visual y, del mismo modo, ha obtenido el reconocimiento y el respeto de sus colegas.

Leer Más Menos