Arte de grado de inversión

Es tu cumpleaños. Edición limitada pintada a mano con pintura negra. Impresión serigráfica y acrílica HPM de 1 color sobre papel de bellas artes con bordes irregulares, por Mr. Brainwash, artista callejero de graffiti Thierry Guetta, arte pop moderno. 2018 Enmarcado Firmado y Numerado Pintura Negra HPM Edición Limitada de 30 Obra de Arte Tamaño 50x38 Impresión Serigráfica de un solo color con Acabado a Mano en Papel de Bellas Artes de Archivo. Explorando la fusión del arte callejero y el arte pop en la edición limitada impresa de Mr. Brainwash En el dinámico mundo del arte urbano pop y el grafiti, pocas obras capturan la esencia de esta vibrante forma de arte con tanta fuerza como la edición limitada de Mr. Brainwash, una lámina intervenida a mano titulada "It's Your Birthday" (Es tu cumpleaños). Esta obra única es creación de Thierry Guetta, conocido en el mundo del arte como Mr. Brainwash, un apodo que refleja su enfoque provocador. Guetta es una figura destacada en la escena del arte urbano, que a menudo difumina los límites entre la cultura popular y el arte callejero para crear obras que conectan con el público contemporáneo. La lámina "It's Your Birthday" es un ejemplo impactante del estilo distintivo de Guetta, que suele incorporar elementos del arte urbano y pop. Producida en 2018, esta edición limitada presenta una impresión en serigrafía y pintura acrílica a un color sobre papel de bellas artes con bordes irregulares. Es un ejemplo perfecto de cómo el arte del grafiti trasciende los límites de los muros urbanos y se convierte en una forma de arte contemporáneo muy apreciada. Esta lámina destaca especialmente por su acabado a mano, un detalle que le confiere un carácter único a cada pieza de la edición. Este acabado artesanal implica que no hay dos láminas exactamente iguales, ya que cada una presenta sutiles variaciones aplicadas personalmente por el artista. Este toque humano es un testimonio del espíritu del arte urbano, donde la interacción directa del artista con su medio es fundamental. La técnica y la visión artística del Sr. Brainwash La técnica de Mr. Brainwash combina la audacia del grafiti con la sofisticación de la serigrafía. Al elegir una serigrafía monocromática para "It's Your Birthday", Guetta demuestra su habilidad para crear profundidad y dimensión con elementos mínimos. La intensidad de la tinta negra sobre la textura del papel artístico acentúa el contraste inherente a su obra, reflejando la cruda realidad del arte callejero frente al mundo, a menudo pulido, de la cultura pop. El motivo de la impresión, una cámara Polaroid vintage, encapsula la fascinación de Guetta por la nostalgia y la iconografía. Las cámaras son motivos recurrentes en su obra, que simbolizan momentos capturados en el tiempo, al igual que el arte callejero, que captura el espíritu de la época. En esta impresión, la cámara no es solo un objeto tecnológico, sino un portal al pasado que invita a reflexionar sobre la fugacidad del arte y la vida. Las siglas «HPM» en el título de la obra hacen referencia a «Hand-Painted Multiples» (Múltiples Pintados a Mano), lo que indica que esta impresión forma parte de un selecto grupo de obras que han sido intervenidas individualmente por el artista. Este proceso transforma la impresión, convirtiéndola de una mera reproducción en una pieza de arte única, fusionando la reproducibilidad del arte pop con la singularidad del arte urbano. El impacto y la importancia de "Es tu cumpleaños" en el arte moderno «Es tu cumpleaños» es más que una obra de arte; es una declaración. Con una edición limitada de solo 30 ejemplares, subraya la exclusividad que suele acompañar a las bellas artes, a la vez que rinde homenaje a la naturaleza más democrática y accesible del arte urbano. Este equilibrio entre accesibilidad y exclusividad se ha convertido en un sello distintivo del enfoque de Mr. Brainwash, permitiéndole mantenerse presente en los círculos del arte de élite y la cultura popular. Además, el lanzamiento de esta obra en 2018 marca un periodo en el que el arte urbano comenzaba a ser reconocido en las altas esferas del mundo del arte. Galerías y coleccionistas, que antes podrían haber desdeñado la idea del arte urbano como una forma legítima, empezaban a reconocer su impacto y significado. El tamaño de la obra, 50 x 38 pulgadas, impone presencia y ocupa espacio, al igual que el arte urbano exige la atención del espectador en el paisaje urbano. Su tamaño permite que los detalles y los acabados artesanales resalten, posibilitando una conexión íntima con la obra a pesar de su imponente presencia. Legado y valor coleccionable de la obra del Sr. Brainwash Los coleccionistas de la obra de Mr. Brainwash se sienten atraídos por piezas como "It's Your Birthday" por su atractivo visual y su potencial de inversión. Al ser una edición limitada, firmada y numerada por el artista, esta impresión representa un bien preciado en el mercado del arte. El hecho de que esté enmarcada le añade un valor añadido, preservando la integridad de la obra y realzando su presentación. El legado de "It's Your Birthday" reside en su capacidad para encapsular la esencia del arte pop urbano y el grafiti. Al fusionar el espíritu rebelde del arte urbano con el atractivo masivo del arte pop, Guetta crea un lenguaje visual familiar y provocador. Esta pieza es una poderosa representación de la evolución del arte contemporáneo y de la difuminación de las fronteras entre los diferentes movimientos artísticos y la crítica cultural.

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La vida es bella: Escultura de resina de edición limitada en color naranja intenso. Obra de arte del legendario artista callejero de graffiti Mr Brainwash, Thierry Guetta. 2022 Edición limitada de 70 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 12x7 Edición limitada firmada de 70 ejemplares. Tamaño: 7 x 12 x 1,75 pulgadas (17,8 x 30,5 x 4,4 cm). Incluye vitrina de plexiglás y obra de arte de escultura en resina firmada por el artista.

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¿Qué sube? Pintura acrílica original con aerosol de Meggs. Obra de arte única sobre lienzo con marco de madera reciclada personalizado del artista pop de arte callejero. 2014. Pintura original sobre lienzo, firmada, realizada con acrílico y pintura en aerosol, enmarcada en madera reciclada hecha a mano por el artista. Medidas de la obra : 49 x 49 cm. De la exposición Spoiled Rotten. Explorando la esencia dinámica de "Lo que sube" de Meggs «Lo que sube» es una pintura original en acrílico y aerosol del aclamado artista pop urbano Meggs, que encapsula el dinamismo y la energía de su obra. Creada en 2014, esta pieza refleja el estilo característico de Meggs, que fusiona armoniosamente la crudeza del arte urbano con la viveza del arte pop. Esta obra única es una pieza impactante y un lienzo narrativo que explora temas recurrentes en la obra de Meggs, como la lucha constante entre fuerzas opuestas y la naturaleza transitoria del éxito y el fracaso. La pintura mide 117 x 117 cm y está enmarcada en un marco de madera reciclada hecho a mano por el artista. La madera reciclada añade una dimensión ecológica a la obra, reforzando el interés de Meggs por la sostenibilidad y la reutilización de materiales. Esta elección de marco también acentúa la estética urbana y cruda de la pintura, en consonancia con la tradición del arte urbano de utilizar objetos y espacios encontrados. Técnicas artísticas e impacto visual en "Lo que sube" En «What Goes Up», Meggs emplea acrílico y pintura en aerosol, demostrando su dominio de técnicas tradicionales y no tradicionales. El acrílico aporta profundidad y textura, mientras que la pintura en aerosol ofrece una sensación de inmediatez y espontaneidad intrínseca al arte del grafiti. La pintura es una cacofonía de colores que brotan de un punto central, sugiriendo una explosión de energía y creatividad. Los colores no están simplemente salpicados al azar sobre el lienzo; están meticulosamente superpuestos para crear un impacto visual que es a la vez caótico y controlado. La obra presenta un motivo de calavera, un elemento recurrente en el arte de Meggs, que a menudo simboliza la naturaleza transitoria de la existencia humana y la naturaleza cíclica de la vida. Sin embargo, en «What Goes Up», la calavera se yuxtapone con colores vibrantes y exclamaciones de estilo cómic, lo que podría interpretarse como un comentario sobre la superficialidad de la cultura popular y la fugacidad de la fama y el éxito. La calavera parece desintegrarse o explotar en una gama de colores y formas, una poderosa metáfora visual de la inevitable caída que sigue al ascenso a la cima. Comentario cultural y la esencia del arte pop callejero El título del cuadro, «Lo que sube, baja», alude al refrán «todo lo que sube, baja», sugiriendo una narrativa de ascenso y descenso. Meggs suele impregnar su arte pop urbano y sus grafitis con reflexiones filosóficas y observaciones críticas de la sociedad. La obra simboliza los ciclos de la vida y puede interpretarse como un reflejo de la naturaleza transitoria del éxito o de la arrogancia que a menudo precede a la caída. El uso del texto en la pintura, con un estilo similar al del cómic, añade una dimensión comunicativa al espectador, invitándolo a reflexionar sobre los significados más profundos que se esconden tras la vibrante fachada. La pieza es un testimonio de la habilidad del artista para moverse entre el arte de galería y el arte urbano, haciéndolo accesible a un público diverso. La inclusividad del arte urbano se hace evidente en la obra de Meggs, donde el espacio público se convierte en un lienzo para el diálogo y el arte se integra en el paisaje urbano cotidiano. «Lo que sube» no es solo un espectáculo visual, sino también una pieza de comentario cultural que encapsula la esencia del arte urbano y su papel en el discurso contemporáneo. «Lo que sube» es un ejemplo paradigmático del impacto de Meggs en el ámbito del arte urbano y su contribución al movimiento del arte pop en general. La pintura manifiesta la dedicación del artista a la técnica, el concepto y el comentario. Mediante la integración de diversas técnicas artísticas y el uso estratégico de materiales reciclados, Meggs ha creado una obra que es a la vez un deleite visual y una potente herramienta conceptual. La importancia de la obra de Meggs reside en su capacidad de conectar con el espectador a múltiples niveles. Esta obra se puede apreciar por sus cualidades estéticas y su capacidad para evocar emociones y provocar la reflexión. Como pieza de arte pop urbano y grafiti, «Lo que sube» encarna el espíritu de este género, que continúa expandiendo los límites del arte y su lugar en la sociedad. Sigue siendo una obra conmovedora dentro del conjunto de la obra de Meggs y dentro del debate más amplio del arte contemporáneo.

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Black Book Graffiti: Diario de Dibujo Personal Original de Stay High 149 - Wayne Roberts. Arte urbano moderno, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte reflexivas. STAYHIGH149 x Cuaderno de bocetos original firmado de 2003. Dibujo de graffiti en técnica mixta con rotulador, aerosol, acrílico y pegatinas. Tamaño: 8.5 x 11 pulgadas. Buen estado, con algunas marcas de uso y algunas páginas faltantes. Este cuaderno único perteneció al legendario STAYHIGH149, un verdadero ícono de la historia del graffiti. Es más que un simple cuaderno de bocetos: es una pieza cultural digna de un museo. En su interior, encontrarás más de 130 páginas repletas de firmas y obras auténticas, no solo de STAYHIGH149, sino también de su colaborador Dead Leg y figuras influyentes como TRACY 168, entre otros. Este cuaderno rebosa historia visual. La contraportada también está decorada, ofreciendo una visión completa del arte underground de una época. Libro negro histórico de la leyenda del graffiti STAYHIGH149 Este cuaderno de dibujo original es una pieza sumamente rara y de gran importancia cultural, directamente vinculada al fallecido Wayne Roberts, más conocido como STAYHIGH149. Figura clave en los inicios del grafiti neoyorquino, STAYHIGH149 dejó una huella imborrable en el movimiento con su icónico tag del "fumador" y sus letras de gran relieve. El cuaderno negro que aquí se presenta no es solo una colección de páginas; es una pieza digna de museo que revela la esencia de la cultura del grafiti de las décadas de 1970 y 1980 a través de las manos de sus pioneros. Está firmado y anotado en su totalidad, y fue utilizado activamente a principios de la década de 2000, sirviendo como una cápsula del tiempo visual de creatividad, compañerismo y la energía cruda de la calle. Páginas con grafitis a mano de la escuela original del grafiti El cuaderno negro, de 21,5 x 28 cm, contiene más de 130 páginas de tags, throw-ups, personajes y bocetos sin editar, cada uno con capas de marcadores, pintura en aerosol, pegatinas y técnicas mixtas. Algunas páginas están tachadas o desgastadas, mostrando el paso del tiempo y el uso frecuente por parte del artista y su círculo cercano. En su interior, destaca la presencia de Dead Leg, colaborador habitual de STAYHIGH149, junto con obras y dedicatorias de otras leyendas como TRACY 168. Estas obras no han sido seleccionadas; son crudas, espontáneas y rebosan estilo, convirtiéndolas en algunas de las muestras más auténticas de arte pop callejero y graffiti en papel que se conservan. Algunas páginas están completamente saturadas de color, mientras que otras presentan rápidas ráfagas de letras y dibujos de personajes icónicos. Condición física e integridad artística Este cuaderno negro único en su clase muestra las huellas de su uso: le faltan algunas páginas, muchas tienen los bordes desgastados y algunas presentan marcas de tinta de rotulador. Sin embargo, esto no hace sino aumentar su autenticidad como herramienta y compañera de una de las figuras más visionarias del grafiti. Las tapas están profusamente decoradas con tinta y pintura, y la contraportada incluye frases como «Voz del Gueto», un mensaje que conecta directamente con el legado de Wayne Roberts. En su interior, la mezcla de letras de burbuja, firmas clásicas y dibujos estilizados representa décadas de tradición artística urbana trasladada desde los vagones del metro y los muros de la ciudad a un lienzo personal. Legado plasmado en el arte pop callejero y el grafiti Este libro negro no es una reproducción ni una retrospectiva. Es un archivo vivo de la historia del grafiti, creado por las manos de quienes construyeron la cultura desde sus cimientos. STAYHIGH149 sigue siendo una figura imponente en el mundo del grafiti, y este libro refleja la camaradería, la influencia y la implacable energía que definieron toda una era. Es un poderoso ejemplo de cómo el arte pop callejero y el grafiti evolucionaron más allá de las calles de la ciudad para convertirse en una venerada forma de expresión contemporánea. Este libro negro es una oportunidad única para presenciar el mundo del arte underground tal como era: personal, auténtico e inmortal.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Impresiones artísticas de edición limitada "Noches de Hollywood" con pigmentos de archivo sobre papel de algodón Entrada de 290 g/m² del artista de arte callejero y cultura pop Faile. Impresión "Noches de Hollywood" 28 x 42 pulgadas. Tinta de archivo sobre papel Entrada de algodón de 290 g/m². Edición limitada de 400 ejemplares. Estampada en relieve, firmada y numerada. FAILE 2021

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Marilyn Monroe - Joe DiMaggio Edición Limitada Impresión Serigráfica HPM sobre Lienzo con Pintura al Óleo y Detalles Pintados a Mano por Steve Kaufman SAK Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. 1996. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 16x16. Lienzo sin bastidor, la imagen está en perfecto estado. Edición limitada de Marilyn Monroe con el jugador de béisbol Joe DiMaggio.

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Familiar - Edición limitada gris/rosa, juguete de vinilo coleccionable, obra de arte del artista pop moderno Kaws. Edición limitada abierta 2021 13,39 x 12,2 x 5,71 pulgadas / 34 x 31 x 14,5 cm. Se exhibe con caja. La serie Family-Grey/Pink de KAWS y su lugar en el arte pop callejero El set coleccionable de edición limitada "Family-Grey/Pink" de KAWS, presentado en septiembre de 2021, personifica la fusión de la cultura urbana con el arte coleccionable de alta gama. Como parte de su aclamada exposición de arte TOKYO FIRST en Japón, este lanzamiento incluye una atractiva combinación de dos figuras Companion, una figura Chum en miniatura y otra de tamaño normal, además de una llamativa figura BFF. Cada pieza de este set de 34 x 31 x 14,5 cm se presenta con la meticulosa atención al detalle que caracteriza a KAWS, y se exhibe en su caja original, lo que realza su presentación estética y su valor como objeto de colección. La gama de tonos grises y rosas ofrece un contraste visualmente impactante, aportando una vibrante dinámica a la colección. Estos colores, elegidos por KAWS, no son arbitrarios; el gris suele simbolizar el equilibrio y la neutralidad en el arte, mientras que el rosa puede representar la alegría y la calidez, reflejando las diversas emociones y relaciones que encierra el concepto de familia. Al aplicar estos colores a sus personajes icónicos, KAWS invita a un diálogo sobre las diversas dinámicas dentro de los lazos familiares, interpretadas a través del prisma del arte pop callejero y el arte del grafiti. Resonancia cultural del arte de KAWS en la escena contemporánea En el panorama del arte contemporáneo, la serie "Family-Grey/Pink" de KAWS destaca como una obra significativa que captura el espíritu de la época del arte urbano pop moderno y el grafiti. Su lanzamiento en la exposición TOKYO FIRST es testimonio del amplio atractivo y el profundo impacto del arte de KAWS. Su habilidad para traducir la energía y la esencia del arte urbano en figuras coleccionables ha permitido que su obra trascienda los espacios artísticos tradicionales y conecte con un público global. La representación lúdica pero reflexiva de los personajes, caracterizados por sus ojos tachados —un motivo distintivo del artista—, invita a los espectadores a encontrar significados más profundos tras la aparente sencillez de sus apariencias. Por lo tanto, esta serie no solo representa el talento artístico de KAWS, sino que también encarna temas recurrentes en el arte urbano, como la comunidad, la identidad y la experiencia humana, plasmados con una delicadeza única en su lenguaje artístico. La influencia de KAWS en la evolución del arte callejero y los objetos de colección El impacto de la colección "Family-Grey/Pink" en la evolución del arte urbano es multifacético. Al elevar el juguete artístico a la categoría de objeto de colección, KAWS ha desempeñado un papel fundamental en la comercialización del arte urbano, garantizando su accesibilidad y conexión con un público más amplio. La naturaleza de edición abierta y limitada de la serie se alinea con el espíritu democrático inherente al arte urbano, ofreciendo a los entusiastas y coleccionistas la oportunidad de poseer una pieza de este fenómeno cultural. Además, el lanzamiento de la serie en septiembre de 2021 refleja la creciente tendencia de integrar el arte con el estilo de vida, donde tener una figura de KAWS implica tanto una apreciación estética como una declaración de conciencia cultural. Por lo tanto, el set "Family-Grey/Pink" no es solo un conjunto de figuras, sino una cuidada selección de arte que conecta con la esencia de la cultura urbana, invitando a la reflexión, el debate y la apreciación del arte pop urbano y el grafiti en la actualidad.

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Chuck D Black Steel Serigrafía de gran formato de Shepard Fairey - OBEY. Impresa a mano sobre papel de bellas artes color crema con motas. Obra de arte de edición limitada. Artista de la cultura pop Obey. 2018 Firmado por Sheppard Fairey, Janette Beckman y Chuck D. Edición limitada numerada de 300. Tamaño de la obra: 24x36. Serigrafía del rapero Chuck D de Public Enemy y Prophets of Rage. Chuck D ha sido durante mucho tiempo uno de mis héroes: fundador y rapero principal de Public Enemy, una voz social y política comprometida, activista y ahora vocalista de Prophets of Rage. Siempre busco la oportunidad de colaborar con Chuck y celebrar su influencia en mí y en la cultura en general, así que me alegró mucho trabajar con él y con Janette Beckman, cuya fotografía de hip-hop y punk me ha fascinado durante años. Con motivo del 30 aniversario de "It Takes A Nation of Millions To Hold Us Back" de Public Enemy, que se celebra el 28 de junio, decidí que una de las fotos de Janette de Chuck de esa época sería perfecta para ilustrar como homenaje a mi MC favorito y a mi álbum de hip-hop favorito de todos los tiempos. Si aún no tienes "It Takes A Nation of Millions To Hold Us Back" de Public Enemy, descubre lo que puede ser la música en la cima de su potencial sonoro, político y revolucionario. Los beneficios de esta lámina se destinarán a Central Coast Alliance United for Una economía sostenible (CAUSE). Todas las láminas están firmadas por Shepard, Janette Beckman y Chuck D. ¡Gracias por la inspiración, Chuck! -Shepard Fairey- OBEY La fusión entre música y arte visual encuentra una expresión impactante en "Chuck D Black Steel Large Format Silkscreen Print" de Shepard Fairey, una obra que se erige como testimonio del legado perdurable de las poderosas voces del hip-hop. Lanzada en 2018, esta obra de edición limitada es una colaboración que presenta la icónica presencia de Chuck D, líder del influyente grupo de hip-hop Public Enemy, capturada por la lente de la reconocida fotógrafa Janette Beckman y reinterpretada por el estilo gráfico distintivo de Fairey. Esta impresión en particular celebra una ocasión trascendental: el 30 aniversario de "It Takes A Nation of Millions To Hold Us Back" de Public Enemy, considerado uno de los álbumes más influyentes del hip-hop. Fairey, conocido por su campaña "OBEY" y su importante papel en la cultura pop y el arte urbano, suele impregnar su obra con comentarios sociales y políticos, haciéndose eco del espíritu artístico de Chuck D. La elección de la fotografía de Beckman para la ilustración es deliberada, reconociendo su impacto en la cultura hip-hop a través de su documentación visual. La colaboración entre Fairey, Beckman y Chuck D en la creación de esta serigrafía encarna una fusión de talentos que rinde homenaje al pasado a la vez que se pronuncia en el presente. La obra presenta una representación en blanco y negro de Chuck D, con un fondo de palabras e imágenes que evocan los mensajes transmitidos a través de su música: resistencia, empoderamiento y la lucha contra la injusticia. La impresión, de 61 x 91 cm, fue realizada a mano sobre papel artístico color crema con motas, lo que realza aún más su calidad táctil y su exclusividad, con una edición limitada de 300 ejemplares firmados y numerados. La decisión de Fairey de destinar los beneficios de esta impresión a la Central Coast Alliance United for a Sustainable Economy (CAUSE) se alinea con el activismo social inherente a la música de Chuck D. Esta iniciativa no solo celebra la importancia cultural del hip-hop, sino también su potencial para impulsar el cambio social. La convergencia de música, arte y activismo en esta serigrafía subraya la posición del hip-hop como vehículo de crítica social, con artistas como Chuck D a la cabeza y figuras como Shepard Fairey amplificando el mensaje a través de medios visuales. Esta pieza no es solo un objeto de colección, sino que funciona como una narrativa, una intersección donde el arte se encuentra con las voces profundas de un movimiento, inspirando y provocando la reflexión de una manera emblemática tanto del arte pop como del arte urbano.

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Estoy bailando entre ángeles/ Historias de amor Cara B HPM Serigrafía de edición limitada de 24 colores impresa a mano con acrílico, tinta de serigrafía y pintura en aerosol sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² con bordes irregulares de Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Edición limitada firmada y numerada de 2020: Dancing Between Angels / Love Stories (Cara B)⁠ 28 x 40 pulgadas⁠ Edición variada pintada a mano de 22⁠ Acrílico, tinta serigráfica y pintura en aerosol⁠ Papel Coventry Rag de 320 g/m²⁠ Firmada, sellada y con relieve El título de esta imagen proviene de un verso del poema «Paisajes pintados me engañan: bailando entre ángeles y ángeles». Esto alude a la llegada de María Antonieta a Estrasburgo al convertirse en reina y a los paisajes pintados que colocaron frente a su ventana para darle la bienvenida. También hace referencia al movimiento De Stijl y al salón de baile Aubette, con sus líneas angulares y rectilíneas características. Además, se inspira en la proximidad de la catedral y los ángeles que adornan sus muros. Burbujas parecen volar libremente y danzar en el espacio, en cierto modo la antítesis de lo que transmitía De Stijl, pero una sutil alusión al movimiento. Nos gustó la idea de la joven despojándose de las percepciones construidas a su alrededor mientras intenta no perderse a sí misma. -Faile Narrativas artísticas en movimiento: La historia de "Bailando entre ángeles/Cara B de historias de amor" de Faile «Dancing Between Angels/Love Stories B-Side», una cautivadora obra del colectivo artístico Faile, es un testimonio de la intrincada superposición de capas y la narrativa inherentes al arte pop urbano y al grafiti. Esta pieza de edición limitada, una edición variada de 22 ejemplares pintados a mano, es una serigrafía de 24 colores realizada a mano, con detalles en acrílico, tinta serigráfica y pintura en aerosol sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² con textura irregular. Con unas dimensiones de 71 x 102 cm, cada lámina está firmada, sellada y grabada en relieve, y presenta una narrativa única que entrelaza referencias históricas con un léxico artístico moderno. El título de esta imagen proviene de un verso del poema «Paisajes pintados me engañan: bailando entre ángeles y ángeles». Esto alude a la llegada de María Antonieta a Estrasburgo al convertirse en reina y a los falsos paisajes pintados que colocaron frente a su ventana para darle la bienvenida. También hace referencia al movimiento De Stijl y al salón de baile Aubette, con sus líneas angulares y rectilíneas características. Su proximidad a la catedral y los ángeles que adornan sus muros también son un punto de alusión. Burbujas que vuelan libremente y danzan en el espacio, en cierto modo la antítesis de lo que transmitía De Stijl, pero una bella referencia al movimiento. Nos gustó la idea de la joven despojándose de las percepciones construidas a su alrededor mientras intenta no perderse a sí misma. -Faile. Deconstruyendo las ilusiones históricas: El lienzo interpretativo de Faile La narrativa de "Dancing Between Angels/Love Stories B-Side" se nutre de un rico tapiz de referencias históricas y artísticas. Inspirado en un poema, el título alude a los engañosos paisajes bucólicos que se le presentaron a María Antonieta a su llegada a Estrasburgo, diseñados para crear una ilusión de bienvenida y grandeza. Faile extiende esta metáfora para explorar los conceptos de percepción y yo dentro del marco del arte pop y urbano. La obra explora visualmente el despojamiento de capas de pretensión, una danza vibrante entre realidad y artificio. La pieza también rinde homenaje a De Stijl, un movimiento artístico neerlandés que enfatiza la abstracción y las formas geométricas. Los ángulos agudos y las líneas rectilíneas características de De Stijl están presentes en la obra, yuxtapuestos con las formas orgánicas de las burbujas y la fluidez de la figura central. Este contraste es un guiño deliberado al movimiento y al dinamismo, desafiando la rigidez de De Stijl con la danza fugaz de las burbujas en el espacio. Movimiento y metáfora: la fusión de danza y arte de Faile En el corazón de la creación de Faile se encuentra la representación de una figura femenina que irrumpe a través de las fachadas que la rodean. Este acto es literal y simbólico, una danza de liberación que revela las capas ocultas bajo la superficie. El gesto de la figura, con los brazos extendidos hacia arriba y las piernas en equilibrio, evoca una gracia casi de ballet, sugiriendo que desenmascarar el engaño es tan elegante como contundente. Los ángeles y los elementos arquitectónicos presentes en la obra sirven para anclarla dentro de una narrativa histórica más amplia, conectando la naturaleza transitoria del arte urbano con la permanencia del patrimonio cultural. La inclusión de estos elementos crea un diálogo entre el pasado y el presente, infundiendo a la obra un sentido de atemporalidad. Poesía visual: El atractivo rítmico de la obra de Faile «Dancing Between Angels/Love Stories B-Side» es, en esencia, un poema visual que llega al corazón del arte pop urbano y el grafiti. Es una danza de colores y formas, una composición rítmica que trasciende los límites del medio. La obra de Faile captura el espíritu del diálogo entre el arte pop y la cultura popular, fusionándolo con el carácter subversivo del arte urbano para crear algo totalmente nuevo y profundamente conmovedor. Cada impresión de esta edición limitada es un fragmento narrativo que invita al espectador a interactuar con la obra en múltiples niveles. La danza representada en la impresión no es solo física; es un viaje emocional y psicológico, una danza del alma que refleja la complejidad y la vitalidad de la experiencia humana. En el diverso mundo del arte pop urbano y el grafiti, «Dancing Between Angels/Love Stories B-Side» de Faile es una poderosa expresión de la capacidad narrativa y la profundidad emocional del género. Sirve como recordatorio de que el arte puede ser un vehículo para examinar nuestras percepciones, desvelando las capas que oscurecen la verdad y celebrando el poder liberador de la danza y el movimiento.

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No les escuches. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti. Arte pop moderno. El artista canadiense Denial y el australiano Ben Frost han unido fuerzas en una audaz exposición de obra reciente que explora los límites de la apropiación, confrontando las reinterpretaciones de nuestra actual sociedad distópica. Autodenominados «ladrones visuales», ambos artistas cuentan con una larga trayectoria robando y subvirtiendo los iconos culturales que el mundo publicitario y consumista nos ha impuesto, para crear interpretaciones nuevas y pertinentes que son tan provocadoras como humorísticas. El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Viaje en el tiempo. Impresión serigráfica de 29 colores realizada a mano sobre papel Coventry Rag de 320 g del deseable artista Futura 2000 - Leonard McGurr. Obra de arte pop de edición limitada. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 30 x 22 cm. Título: VIAJE EN EL TIEMPO Técnica: Serigrafía a 29 colores Papel: Papel Coventry Rag de 320 g Borde: Recto Edición: 100 Año: 2022 Impresor: Gary Litchenstein Edición firmada y numerada Sello en relieve del maestro impresor Incluye certificado de autenticidad

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Dulces Pecados - Serigrafía HOM de edición limitada, azul, bicolor, impresa a mano sobre papel Lenox 100 por Faile Rare Street Art, artista famoso del arte pop. Edición de 250 ejemplares. Acrílico y tinta serigráfica sobre papel Lenox 100. Esta es la versión azul/roja. Firmada, sellada y numerada.

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Portada del cómic del Joker n.° 3, edición limitada, impresión serigráfica HPM de 1 color con detalles en acuarela sobre papel de bellas artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada, de 2019. Tamaño de la obra: 34x46 Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a su serie de portadas de cómics, esta vez con uno de los supervillanos más infames: la portada de Batman con el Joker. Se trata de una serigrafía a un color sobre papel artístico de archivo rasgado a mano, con acabado artesanal en acuarela. Cada impresión es única y los colores varían ligeramente. Tamaño: 86 x 117 cm. Edición limitada de 25 ejemplares.

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Blackjack HPM, obra de arte en serigrafía de técnica mixta con detalles pintados a mano sobre lienzo enmarcado, del artista Steve Kaufman SAK. Obra de arte pop contemporánea. 2000 Firmado y numerado al dorso HPM Edición limitada de 25 con detalles pintados a mano Tamaño de la obra 16x16

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El Joker de Batman DC Comics Edición Limitada Serigrafía de 7 colores impresa a mano en papel de bellas artes por Mr. Brainwash Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2019 Edición limitada de 79 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 32x43 Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a su serie de portadas de cómics, esta vez protagonizada por uno de los supervillanos más infames: el Joker. Se trata de una serigrafía de siete colores sobre papel artístico de archivo rasgado a mano. Cada lámina está firmada y numerada, con una huella dactilar en el reverso. La edición estándar consta de 79 ejemplares. -Mr. Brainwash- Thierry Guetta (Equipo) Mr. Brainwash, alias del artista urbano Thierry Guetta, sigue influyendo en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti con sus obras distintivas que a menudo fusionan referencias a la cultura pop con una estética urbana transgresora. Su última incursión en el arte del cómic nos presenta una serigrafía de edición limitada del Joker, uno de los adversarios más infames de Batman en DC Comics. Esta pieza en particular es una impresionante representación del Joker, que encapsula la energía caótica y el espíritu anárquico del personaje. Elaborada mediante un meticuloso proceso de serigrafía manual de siete colores sobre papel de bellas artes, la impresión ejemplifica el estilo característico de Mr. Brainwash, que fusiona elementos del arte callejero y el arte pop. La obra es una explosión de color, con salpicaduras y goteos que sugieren una fuerza cruda e incontrolable, muy parecida a la del propio Joker. Este enfoque de la pieza evoca la espontaneidad y la naturaleza rebelde del grafiti, mientras que la icónica imaginería del cómic la vincula firmemente con las tradiciones del arte pop. Cada una de las láminas de edición limitada, con un impresionante tamaño de 81x109 cm, no solo está firmada y numerada, sino que también lleva la huella dactilar única del artista en el reverso, un sello de autenticidad y un toque personal de Mr. Brainwash. Con solo 79 piezas, esta obra es una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados a los cómics y al arte pop urbano contemporáneo. La elección del Joker resuena especialmente en la cultura actual, simbolizando la dualidad entre el caos y el intelecto. La interpretación de Mr. Brainwash conecta con el espíritu de la época, presentando al Joker como un personaje de cómic y un icono de las contradicciones sociales modernas. Esta obra representa una declaración audaz en la trayectoria de Mr. Brainwash, continuando su exploración de la cultura popular y sus iconos a través del arte urbano y el pop.

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Se erosionó la escultura de resina de astronauta de Daniel Arsham x Billionaire Boys Club, edición limitada, figura de arte callejero pop graffiti. Escultura de arte pop de edición limitada numerada de 500 ejemplares (2023). Medidas: 8,5 x 12 pulgadas. Representa un astronauta estilizado moderno de EE. UU. con elementos erosionados en resina blanca y cristal triturado. Se presenta en su caja original. Reinos que se cruzan: la escultura del astronauta erosionado de Daniel Arsham «El astronauta erosionado» es una profunda obra de arte moderno que se sitúa en la intersección del arte pop, el arte urbano y la arqueología. Fruto de la colaboración entre el aclamado artista Daniel Arsham y la marca de moda y estilo de vida Billionaire Boys Club, esta escultura de edición limitada explora el tiempo, el espacio y la materia. Lanzada en una serie numerada de 500 ejemplares, la obra mide 21,6 x 30,5 cm y está elaborada con resina blanca y cristal triturado, evocando un futurismo decadente. La obra de Daniel Arsham se caracteriza por su concepto distintivo de «arqueología ficticia», y «El astronauta erosionado» es un ejemplo impactante de ello. La figura, un astronauta moderno con estilismo estadounidense, se reinterpreta a través del prisma de la erosión, sugiriendo el paso del tiempo y la impermanencia de los esfuerzos humanos. La resina blanca alude a la pureza y la ambición de la exploración espacial. A su vez, la inclusión de cristal triturado añade una capa de profundidad, creando una textura que implica siglos de degradación. Esta obra es un testimonio de la sensibilidad estética compartida entre Arsham y Billionaire Boys Club, que fusiona el arte pop urbano y el grafiti con la meticulosa artesanía de la escultura. «El Astronauta Erosionado» trasciende las limitaciones bidimensionales del arte urbano tradicional, plasmando la energía y el espíritu de las calles en una forma tridimensional que desafía y cautiva al observador. En el contexto del grafiti pop y el arte urbano, «El Astronauta Erosionado» es una manifestación física de los temas recurrentes en estos géneros: el cuestionamiento de los iconos culturales, la deconstrucción de los mitos modernos y el diálogo entre el pasado y el futuro. La escultura de Arsham invita a reflexionar sobre las narrativas que construimos en torno al progreso y la huella que dejamos en la historia. Esta edición limitada de «El Astronauta Erosionado» no es solo una pieza de colección; es un tema de conversación que tiende un puente entre el arte y el objeto, entre lo efímero y lo eterno. Se trata de una declaración audaz que refleja la naturaleza cambiante del arte pop urbano y el grafiti, capturando el espíritu de exploración y la estética de la erosión que caracterizan a Daniel Arsham. Coleccionistas y admiradores de las esculturas de Daniel Arsham y los innovadores diseños de Billionaire Boys Club encontrarán en «El astronauta erosionado» una pieza fascinante para sus colecciones. Cada escultura, con su numeración única, es un fragmento de una narrativa más amplia que alude al paso del tiempo y al atractivo perdurable de la exploración espacial. Esta obra es un testimonio del poder de la colaboración para expandir los límites del arte pop urbano y el grafiti hacia territorios nuevos e inexplorados.

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ABC Camo Shark- Gold 1000% Bape BE@RBRICK Edición Limitada Vinilo Obra de Arte Medicom Toy Figura de Arte Coleccionable. Bape Bearbrick Medicom Coleccionable 2022, tamaño 1000%, A Bathing Ape

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Café Zen Enso- Blanco SP 1-Color Impresión serigráfica de edición limitada hecha a mano sobre filtro de café por Takashi Murakami TM/KK Arte callejero raro Artista famoso de arte pop. SP Prueba Especial 2020 Firmada y Marcada "SP". Edición Limitada de 15. Tamaño de la obra: 11,4 x 12 pulgadas. Forma circular blanca sobre papel de filtro de café hecho a mano y teñido con café. SP es similar a una Prueba de Artista (PA). Café Zen Enso – La serigrafía blanca SP de Takashi Murakami como meditación pop callejera La obra de Takashi Murakami, Coffee Zen Enso – White SP, creada en 2020 como parte de una edición limitada de tan solo 15 serigrafías, revela una visión evocadora y meditativa que se aleja del universo hipercolorido por el que es más conocido. Se trata de una serigrafía monocromática realizada a mano que presenta un audaz círculo Enso blanco sobre papel de filtro de café artesanal, teñido de café. Esta edición limitada SP, equivalente a una Prueba de Artista, está firmada por el propio Murakami y constituye una rareza muy codiciada en el mundo del arte pop urbano y el grafiti. La serie Enso de Murakami transforma la tradición caligráfica zen en un nuevo lenguaje visual que se sitúa entre el minimalismo pop y la estética cruda del grafiti. El Enso, a menudo pintado con una sola pincelada libre y fluida, simboliza un momento de claridad, plenitud y verdad expresiva en la práctica zen japonesa. Al utilizar tinta blanca en lugar de negra, Murakami invierte la dinámica habitual: lo que normalmente se llena de pigmento se convierte en un vacío, una ausencia radiante, como si la luz misma se hubiera grabado en la superficie orgánica y envejecida del filtro de café. El contraste entre la tinta blanca y los tonos marrones terrosos del papel establece un diálogo poético entre material y concepto. Las manchas de café, irregulares y de profunda tonalidad, evocan una sensación de tiempo, decadencia y ritual, reflejando la experiencia tranquila y contemplativa de beber café o meditar en soledad. A diferencia de los personajes vívidos y las superficies vibrantes que suelen asociarse con Murakami, esta obra utiliza el silencio y la contención como su lenguaje principal, convirtiéndola en una poderosa declaración dentro del género del arte urbano pop y el grafiti. Se mantiene arraigada en la espontaneidad e inmediatez que caracterizan las prácticas callejeras, pero eleva esas ideas a un espacio casi sagrado mediante su ejecución minimalista. La firma SP y la marca de edición denotan su rareza y refuerzan su condición de objeto de arte. Con unas dimensiones aproximadas de 29 x 30,5 cm, esta obra transmite una sensación íntima y táctil. Invita al espectador a examinar no solo la forma, sino también la textura, el proceso y el peso conceptual que la sustenta. La calidad artesanal del papel la vincula con la cultura del grafiti DIY, mientras que el motivo circular la acerca a la abstracción meditativa. Al elegir papel teñido con café, Murakami conecta el ritual cotidiano con el arte sagrado. La impresión se convierte en un koan visual, un rompecabezas meditativo que se resiste al consumo rápido. Encarna la quietud en medio del caos, la pureza enmarcada por la imperfección orgánica y la tensión entre el vacío y la forma. El impacto visual del Enso blanco rompe con las expectativas y desafía a los espectadores a repensar cómo la simplicidad puede alcanzar la profundidad. Esta singular serigrafía fusiona técnicas de impresión contemporáneas con simbolismo ancestral, la ética del grafiti con la pureza zen y el contexto pop con la indagación espiritual. En Coffee Zen Enso – White SP, Murakami demuestra que el arte pop urbano y el grafiti pueden ser tan meditativos y filosóficos como rebeldes y coloridos.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Portafolio de arte Debut Homeage Box, conjunto de impresiones de archivo de Fin DAC, edición limitada de 8x en papel Somerset Fine Art blanco satinado mejorado de 330 g/m², arte moderno de artista callejero de graffiti pop. Edición limitada de 60 láminas firmadas y numeradas de 2023. Conjunto de 8 obras de arte en portafolio. Tamaño: 15,75 x 23,62 cm. Impresión artística de pigmentos de archivo. Este exclusivo paquete incluye un folleto HomEage A4 de 24 páginas, elegantemente encuadernado con una cubierta a color metalizada en un majestuoso tono púrpura. El folleto está firmado personalmente por el artista en la página introductoria, lo que le confiere un toque de exclusividad y valor. Se adjunta un detallado Certificado de Autenticidad de 12 páginas que garantiza la procedencia de la obra. Para asegurar la conservación de esta pieza de arte coleccionable, se incluyen un par de lujosos guantes de algodón 100% bordados con el distintivo logotipo de HomEage para su cuidadoso manejo. Artistas a los que Fin DAC rinde homenaje en el conjunto de arte del portafolio debut HomEage Box Erte - Zuihou de Fin DAC Firmado y Numerado Keith Haring - Lucheng por Fin DAC Firmado y Numerado Gustav Klimt - Tullerías por Fin DAC Firmado y numerado Barbara Kruger - Shukumei de Fin DAC Firmado y Numerado Frank Miller - Endian por Fin DAC Firmado y Numerado Hayoa Miyazaki - Madeleine por Fin DAC Firmada y Numerada Alphonse Mucha - Changsegi por Fin DAC Firmado y Numerado Vincent van Gogh - Akiko por Fin DAC Firmado y numerado Caja de presentación personalizada de Oxford Buckram El estuche de presentación, exquisitamente elaborado, luce una lujosa cubierta de tela Oxford de primera calidad en color púrpura, complementada con un forro interior de delicada tela Wibalin natural en un suave tono lila. El exterior del estuche y el lomo están adornados con un estampado en dorado metalizado, que añade un toque de elegancia y refinamiento. Este exclusivo estuche mide 686 x 490 x 47 mm, lo que garantiza un amplio espacio para el contenido. Como detalle personal, cada estuche está firmado y numerado a mano por el artista en la contraportada, convirtiendo a cada uno en una pieza de colección única. Conjunto de impresiones artísticas de archivo con bordes irregulares hechas a mano Las láminas se presentan meticulosamente en una carpeta protectora, elegantemente ubicada en la parte superior. Esta carpeta está decorada con estampado en dorado metalizado sobre papel Colorplan liso Amethyst de 330 g/m², que irradia sofisticación. Debajo de cada lámina se encuentra una hoja de papel translúcido libre de ácido, que garantiza la máxima protección. El estuche contiene ocho exquisitas láminas de archivo con bordes deshilachados a mano, cada una impresa en papel Somerset Enhanced Satin blanco radiante de 330 g/m². Con unas dimensiones de 60 x 40 cm, estas láminas están firmadas, numeradas y selladas a mano por el artista, lo que les confiere un sello distintivo de autenticidad y maestría. Vídeo de arte contemporáneo Fin DAC x West Presentación del set de arte del portafolio de la caja HomEage debut de Fin DAC En el vibrante mundo del arte moderno, el portafolio debut HomEage Box del aclamado artista urbano y de graffiti Fin DAC se erige como testimonio de la armoniosa fusión entre el homenaje tradicional y la estética contemporánea. Esta edición limitada de tan solo 60 portafolios celebra la sinergia cultural, encapsulando la vitalidad del arte urbano y la delicadeza del papel de bellas artes. Cada una de las ocho obras que componen el conjunto es una dedicatoria, una fusión inconfundible del estilo característico de Fin DAC con la influencia indeleble de artistas icónicos de diversos movimientos y épocas artísticas. Homenaje artístico de Fin DAC a los maestros Con un respetuoso homenaje a los grandes maestros del arte, Fin DAC celebra una diversa tradición artística a través de sus grabados de archivo. Desde el brillo Art Déco de "Zuihou" de Erté hasta el dinámico expresionismo de "Lucheng" de Keith Haring, cada obra es un diálogo a través del tiempo. Los motivos dorados y los intrincados detalles de "Las Tullerías" de Gustav Klimt encuentran una contraparte moderna en estos grabados. Los provocativos contrastes texturales de "Shukumei" de Barbara Kruger y la intensidad noir de "Endian" de Frank Miller se reinterpretan a través del prisma del arte pop urbano. La narrativa caprichosa de "Madeleine" de Hayao Miyazaki y la elegancia Art Nouveau de "Changsegi" de Alphonse Mucha se entrelazan armoniosamente con el arte urbano. Por último, se revitaliza el vigor postimpresionista de "Akiko" de Vincent van Gogh, reflejando la influencia perpetua de estos artistas en las creaciones contemporáneas. Presentación y conservación exquisitas El portafolio HomEage Box es la personificación del lujo y la atención al detalle. La caja de presentación es una obra maestra, revestida en tela Oxford púrpura de primera calidad y forrada con un acabado natural lila de Wibalin, reflejando una estética regia. El estampado en dorado metalizado en el exterior y el lomo de la caja añade una capa de lujo, evocando la época dorada del arte. Dentro de esta caja, un folleto de 24 páginas en formato A4, encuadernado en Colorplan y estampado en dorado metalizado, aguarda al coleccionista, junto con un Certificado de Autenticidad de 12 páginas meticulosamente detallado. Este certificado no solo garantiza la procedencia, sino que también enriquece la historia de cada pieza. Como muestra de la exclusividad del conjunto, cada folleto está firmado a mano por Fin DAC, consolidando su estatus como un tesoro para coleccionistas. Impresiones de archivo de calidad impecable El corazón de la colección reside en las impresiones de archivo, cada una una obra de arte realizada a mano con bordes irregulares sobre papel Somerset Enhanced Satin blanco, de un gramaje considerable de 330 g/m² que irradia calidad. Las impresiones, de un impresionante tamaño de 60 x 40 cm, están firmadas, numeradas y selladas individualmente por el artista. Presentadas en una carpeta protectora con detalles en lámina dorada sobre papel Colorplan Amethyst, cada impresión está separada por papel translúcido libre de ácido, lo que garantiza su durabilidad y viveza. La combinación de materiales y los acabados artesanales reflejan el compromiso del artista con la creación de arte y piezas que perduren en el tiempo. Legado y artesanía en el arte urbano pop y el grafiti El portafolio debut HomEage Box de Fin DAC fusiona tradición e innovación, un homenaje que trasciende el tiempo a través del arte urbano pop y el grafiti. Se trata de una experiencia cuidadosamente seleccionada que ofrece un festín visual y una profunda exploración del legado de los grandes, interpretado por uno de los artistas más fascinantes del panorama del arte urbano contemporáneo. Esta colección de láminas de archivo es una pieza audaz en el mundo del coleccionismo de arte, que promete ser un tema de conversación y una posesión preciada para generaciones de amantes del arte.

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Te amaré hasta el final. Edición limitada. Pintura en aerosol, acrílico, plantilla y técnica mixta sobre panel de madera entelado, intervenida a mano por Denial Graffiti Street Artist. Arte pop moderno. Edición limitada firmada de 2015 de HPM 5. Obra de arte intervenida a mano. Tamaño 24x36. Enmarcada en madera. Lista para colgar. Te amaré hasta el final por Denial: Inocencia y apocalipsis en el arte pop callejero y el grafiti «Te amaré hasta el final» es una obra de arte de técnica mixta, edición limitada de 2015, intervenida a mano por el artista canadiense de pop y graffiti Denial. Cada pieza de la edición de cinco es única, creada con pintura en aerosol, esténcil, acrílico y capas de técnica mixta sobre un panel de madera enmarcado de 61 x 91 cm. Firmada y lista para colgar, esta pintura de gran formato fusiona la sinceridad emocional con una mordaz crítica a la inestabilidad global y el caos moderno. Es una contradicción visual donde la imaginería romántica colisiona con el lenguaje de la guerra, consolidando el enfoque característico de Denial hacia el arte pop urbano y el graffiti como una obra a la vez emocionalmente provocativa y conceptualmente subversiva. Elementos visuales contrastantes y dualidad emocional El punto central de la obra es la silueta de un niño y una niña frente a frente, en un momento de tierno afecto. El niño oculta un ramo de flores a su espalda, símbolo de amor inocente y vulnerabilidad juvenil. Tras ellos, sin embargo, estalla una enorme nube en forma de hongo, representada en marcado contraste con vibrantes tonos rojos, amarillos y naranjas. Este telón de fondo apocalíptico rompe la serenidad del primer plano, sugiriendo que ni siquiera los momentos más puros de amor son inmunes a las violentas consecuencias de las decisiones humanas. El gesto de generosidad del niño y la atenta postura de la niña se convierten en metáforas de la frágil esperanza en medio de la destrucción, subrayando cómo el amor persiste a la sombra de la catástrofe inminente. Materiales, textura y proceso de pintura a mano Cada obra está creada sobre panel de madera, lo que le confiere una crudeza y un peso físico acordes con la autenticidad de sus orígenes en el arte urbano. El carácter artesanal de la edición garantiza que cada panel presente capas únicas de estarcido, pintura en aerosol expresiva e imperfecciones intencionadas. El uso del espacio negativo en las siluetas contrasta con el fondo de explosiva riqueza de detalles, atrayendo la mirada del espectador directamente al diálogo visual entre el afecto y la aniquilación. La textura de la superficie del panel y la superposición de técnicas aportan profundidad e intensidad a la tensión emocional de la obra. La visión y el comentario cultural de la negación Denial, cuyo nombre real es Daniel Bombardier, es conocido por utilizar la ironía, la contradicción y un simbolismo complejo para criticar los medios de comunicación, el consumismo y la complacencia política. En «Te amaré hasta el final», su uso de siluetas juveniles no es nostálgico, sino intencionalmente irónico. La inocencia de la infancia se convierte en un símbolo de esperanza, amenazada por el espectro siempre presente del conflicto. El arte de Denial a menudo expone lo absurdo de las ideologías modernas, y aquí se pregunta si el amor puede perdurar cuando el mundo está en llamas. Esta obra refleja la dualidad presente en el arte pop urbano y el grafiti: belleza versus caos, sinceridad versus espectáculo, y la emoción humana resistiendo con resiliencia frente a los sistemas de destrucción. Mediante la metáfora visual y una estética provocadora, Denial invita a los espectadores a reflexionar no solo sobre la fragilidad del afecto, sino también sobre su poder frente al olvido.

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Compra Ms Rainbow Flower- SP Impresión de serigrafía de edición limitada tirada a mano de 13 colores en papel de bellas artes por Takashi Murakami TM/KK Rare Street Art Famoso artista de ilustraciones pop. Edición SP 2020 firmada de 25 raras Takashi Murakami TM/KK Sra. Rainbow Flower Obra de arte con serigrafía 19.68x19.68in 50x50cm

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Royal Selangor - Steampunk 400% Bearbrick BE@RBRICK Edición Limitada Juguete de Arte Metálico Peltre Figuras de Arte Coleccionables Urbanas El revestimiento metálico remachado con efecto trampantojo define la Edición Especial 400% Steampunk BE@RBRICK ROYAL SELANGOR, evocando el rugido gutural de un horno de carbón, el siseo del vapor y todo el romanticismo de la ingeniería del siglo XIX. Fundido en peltre y con un acabado de bronce tratado con grafito para simular hierro envejecido, la ausencia selectiva de paneles deja al descubierto el mecanismo interno del autómata, compuesto por manómetros y conductos de peltre. Con forma antropomórfica y aspecto de oso de dibujos animados, el BE@RBRICK de MEDICOM TOY debutó en Tokio en 2001. Desde entonces, este juguete de diseño ha alcanzado un estatus de culto internacional, en gran parte gracias a sus lanzamientos posteriores en una variedad de materiales, tamaños y temáticas, y a sus colaboraciones con numerosas figuras destacadas del arte, el diseño y la moda. https://youtu.be/fkBpxS3Twrw

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Detroit Entities Alpha Pintura original Acrílico y pintura en aerosol sobre plexiglás por Askew One Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. Obra de arte original firmada, 2013. Tamaño: 48x48 cm. Enmarcada a medida. «Detroit fue el punto de partida de toda esta reflexión durante mi primera visita en 2009. Creo que la metáfora de la entropía está presente en todo el mundo, pero también se aplica a Detroit. En el caso de Detroit, la entropía se manifestaba en la expansión urbana y la industria. Sin embargo, esta obra es optimista, como Detroit. Trata sobre nuevos comienzos». – ASKEW ONE

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Bunny Boy - Sueños - Serigrafía de edición limitada de 11 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag por Faile. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. FAILE (n. 1975) Bunny Boy (Dreams), 2019 Serigrafía en color sobre papel Coventry Rag 45,7 x 30,5 cm (hoja) Ed. 216/350 Firmada a lápiz en el borde inferior; fechada y numerada al dorso. Publicada por el artista.

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Cruce RR - Leyenda auténtica. Pintura original de técnica mixta. Artista de graffiti, arte pop moderno sobre letrero de metal real de Cope2. Pintura sobre letrero de calle. Tamaño: 30 x 30 pulgadas. Lanzamiento: 24 de marzo de 2021. Tirada: 1 unidad. A mediados de la década de 1990, Cope2 comenzó a transitar lentamente de las calles al circuito artístico de las galerías. En aquel entonces, el arte callejero no era tan popular como lo es hoy en día, y la percepción general que tenía del mismo aún estaba intrínsecamente ligada a los barrios marginales, el narcotráfico, etc. El artista nunca ha ocultado su problemático pasado y evita idealizarlo para impulsar su carrera y su imagen artística. Al contrario, menciona lo siguiente: «Hombre, no hay nada de qué enorgullecerse en la vida callejera, pero tuve a mi primer hijo a los 16 años. Así que tuve que ganar dinero para mantenerlo a él y a su madre».

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Somos el Clan Jocular. Litografía offset de Takashi Murakami TM/KK. Impresión en papel de bellas artes liso. Edición limitada. Arte callejero pop impreso a mano. Edición limitada de 300 ejemplares, firmada y numerada en 2018. Litografía offset. Tamaño de impresión: 19,63 x 19,63 pulgadas. Kaikai Kiki Co. Ltd., Tokio. Descifrando la sinfonía visual de "Somos el clan jocoso" de Takashi Murakami La fusión del arte contemporáneo y la cultura urbana queda magníficamente plasmada en la litografía offset de Takashi Murakami, "We Are the Jocular Clan". Esta pieza de edición limitada, impresa a mano sobre papel de bellas artes de trama suave, es un ejemplo paradigmático del arte pop urbano y el grafiti. Murakami, figura clave del arte posmoderno, es conocido por difuminar las fronteras entre la alta y la baja cultura, un tema que resuena con fuerza en esta creación de 2018. La obra, firmada y numerada, consta de una serie limitada de 300 ejemplares, cada uno de 50 x 50 cm, y presenta una narrativa visual a la vez lúdica y profunda. El legado artístico de Takashi Murakami y su arte pop callejero La estética de Murakami, a menudo categorizada dentro del movimiento Superflat, revela su profundo compromiso con el lenguaje visual histórico y contemporáneo. «Somos el Clan Jocular» exhibe los elementos icónicos del diseño de Murakami, como las flores sonrientes y los ojos caprichosos, que se han convertido en sinónimo de su nombre. Estos motivos no son meros temas visuales recurrentes, sino que también están imbuidos de significado cultural, bebiendo de las tradiciones artísticas japonesas y del impacto global del anime y el manga. La yuxtaposición del arte tradicional japonés con la energía anárquica del arte callejero y el grafiti conforma un tapiz complejo y lleno de significados que desafía la percepción del espectador sobre el arte, la cultura y la sociedad. Materialidad y artesanía en el grabado de Murakami La maestría en la producción de "We Are the Jocular Clan" es testimonio de los meticulosos procesos que conlleva la impresión artística. La decisión de utilizar la litografía offset es un guiño a la democratización del arte, un principio frecuentemente celebrado en el arte pop urbano. Este método permite una mayor difusión de la obra de Murakami, haciéndola accesible a un público más amplio y no solo a los círculos de coleccionistas de arte. El papel artístico de trama suave es un lienzo que captura los colores vibrantes y los intrincados detalles de la obra original, asegurando que cada pieza, aunque forme parte de una serie, conserve un sentido de singularidad e individualidad. Diálogo cultural a través del lenguaje visual de Murakami «Somos el Clan Jocular» no es solo un deleite visual, sino un diálogo cultural articulado a través del singular lenguaje visual de Murakami. La obra encarna la esencia del arte pop urbano: es accesible y compleja a la vez, severa y lúdica, individual y universal. El trabajo de Murakami tiende un puente entre la calle y la galería, invitando a interpretaciones en diversos contextos culturales y sociales. Refleja las indagaciones filosóficas del artista sobre la naturaleza de la alegría, la construcción de comunidades de tipo clan y el papel del arte como experiencia colectiva. En el arte contemporáneo, la obra de Murakami ha desafiado constantemente los límites de lo que se considera arte, al igual que el grafiti desafió en su momento los límites de la legalidad y la aceptación en los espacios públicos. «Somos el Clan Jocular» contiene en su vibrante composición el espíritu revolucionario del arte urbano, el placer estético del arte pop y la profundidad conceptual de las prácticas artísticas contemporáneas. Al igual que la obra de Murakami, esta pieza artística cataliza el debate actual sobre las intersecciones y divergencias entre las formas artísticas y la narrativa en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti.

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Goofy Love - Serigrafía de edición limitada en rojo de 5 colores impresa a mano sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite con bordes irregulares, por Ben Frost. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Goofy Love, 2016 - Variante roja. Serigrafía de 5 colores, impresa a mano, con efecto degradado bicolor. Impresa en papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb con bordes irregulares. 20 x 24” / 51 x 61 cm. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada por Ben Frost. Impresa por POP!NK Editions. Goofy Love - Variante Roja de Ben Frost: Un ícono audaz del arte pop callejero y el grafiti Goofy Love - Red Variant es una impactante obra de arte urbano pop y grafiti creada por el artista australiano Ben Frost, reconocido internacionalmente por su provocativa fusión de imágenes de la cultura pop y crítica del consumismo. Lanzada en 2016, esta singular obra es una serigrafía de cinco colores impresa a mano con la técnica de degradado de dos colores, que aporta una vívida profundidad y riqueza a la composición. Impresa en papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb con bordes deshilachados a mano, la pieza mide 20 x 24 pulgadas o 51 x 61 centímetros. La edición se limitó a tan solo 50 ejemplares, cada uno firmado y numerado por Ben Frost, y producido por la prestigiosa editorial POPINK Editions. Esta obra presenta al entrañable personaje de Disney, Goofy, pero Frost subvierte la inocencia tradicional al representar manos ensangrentadas que forman la palabra AMOR, ofreciendo un comentario visceral sobre la dualidad entre el afecto y la violencia. El método artístico y el poder detrás de Goofy Love - Variante Roja El uso que hace Ben Frost de la serigrafía a cinco colores dota a Goofy Love - Red Variant de una intensidad nítida y dinámica. La técnica de degradado bicolor añade un efecto hipnótico, realzando la sensación de movimiento y la turbulencia emocional que transmite la imagen. Al emplear papel Mohawk Superfine UltraWhite con bordes irregulares, Frost garantiza que la calidad táctil de la obra esté a la altura de su impacto visual, enfatizando aún más su autenticidad artesanal. Goofy, generalmente visto como un símbolo de inocencia torpe, se convierte en un vehículo para una crítica más oscura bajo la interpretación de Frost. Sus ojos grandes, casi de pánico, y sus manos manchadas de sangre invitan al espectador a reflexionar sobre la ferocidad oculta tras las ideas de amor y devoción. Esta obra desafía las representaciones comerciales del amor y revela las realidades caóticas, a menudo violentas, que pueden esconderse bajo las emociones superficiales, un tema central dentro del arte pop urbano y el grafiti. El enfoque revolucionario de Ben Frost hacia el arte pop callejero y el grafiti Ben Frost, nacido en Australia, se ha labrado un espacio único en el mundo del arte urbano pop y el grafiti al fusionar de forma constante lo familiar con lo provocativo. Su obra suele consistir en apropiarse y recontextualizar logotipos corporativos, personajes de dibujos animados y envases farmacéuticos para criticar el consumismo moderno y las normas sociales. En «Goofy Love - Red Variant», Frost transforma con éxito una figura universalmente querida en un símbolo de inquietantes verdades humanas. Su habilidad para yuxtaponer lo lúdico con la violencia ejemplifica el potencial subversivo del arte urbano pop y el grafiti, un estilo que se nutre de desafiar las narrativas establecidas y provocar respuestas emocionales intensas en el espectador. El dominio de Frost de las técnicas de serigrafía, combinado con sus audaces elecciones temáticas, consolida su reputación como una de las voces contemporáneas más destacadas en este campo. Coleccionabilidad e impacto cultural de Goofy Love - Variante Roja La rareza y la maestría de Goofy Love - Red Variant la convierten en una pieza codiciada entre coleccionistas y entusiastas del arte pop urbano y el grafiti. Con solo 50 copias existentes, cada una firmada y numerada a mano por Ben Frost, la obra captura un momento en el que la imaginería pop tradicional se transforma en una poderosa crítica del panorama emocional contemporáneo. La elección del papel Mohawk Superfine UltraWhite y los meticulosos bordes deshilachados a mano elevan la pieza más allá de una simple impresión, convirtiéndola en una obra de arte. Impresa por POPINK Editions, un estudio reconocido por producir serigrafías de alta calidad para artistas de renombre, esta obra representa una contribución significativa a la evolución del arte pop urbano y el grafiti. Goofy Love - Red Variant obliga al espectador a confrontar las contradicciones del amor, la violencia y la mercantilización de una manera que solo un maestro de la subversión de la cultura pop como Ben Frost podría lograr.

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Tríptico "The Possessed" (Tríptico Poseído) Serigrafía de Cleon Peterson Impresa a mano sobre papel artístico Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Obra de edición limitada. 2024 Firmado y numerado Cleon Peterson Edición limitada de 125 Tamaño de la obra 154x18 (18x18 x 3) Tríptico Impresión serigráfica. Desvelando a los poseídos: Un tríptico de Cleon Peterson El tríptico serigrafiado «Possessed» de Cleon Peterson captura una energía cruda y dinámica, a la vez cautivadora y provocadora, que encarna el espíritu del arte pop urbano y el grafiti. Lanzada en 2024, esta obra de edición limitada refleja el estilo austero y narrativo de Peterson, mostrando su singular enfoque de la narrativa visual a través de líneas audaces y colores contrastantes. La visión de Cleon Peterson en la imprenta Con tan solo 125 ejemplares disponibles, cada uno firmado y numerado por el artista, el Tríptico de la Posesión se convierte en una pieza codiciada por entusiastas y coleccionistas de arte. Sus impresionantes dimensiones de 137 cm de ancho por 46 cm de alto, al exhibirse uno al lado del otro, crean un impactante efecto visual. Impreso a mano sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con textura rugosa, el tríptico presenta una técnica tan refinada como su ejecución, testimonio de la maestría y la meticulosidad de Peterson. La elección del papel Coventry Rag subraya el compromiso del artista con la calidad. Reconocido por su durabilidad y excepcional superficie, este papel realza la profundidad e intensidad de la serigrafía, permitiendo que los marcados contrastes y los intrincados detalles cautiven al espectador. Interpretando el Tríptico de los Poseídos El Tríptico de los Poseídos es una fascinante exploración del caos, el poder y la interacción humana. La obra de Peterson suele estar impregnada de temas de lucha y conflicto, representando escenas que desafían la percepción del espectador sobre la moralidad y el orden. Este tríptico no es la excepción, presentando una narrativa tumultuosa que se desarrolla a lo largo de los tres paneles, sumergiendo al espectador en un mundo de marcadas dicotomías y emociones crudas. El uso que hace Peterson de una paleta de colores limitada intensifica el dramatismo de cada viñeta, donde el negro intenso y la calidez del dorado se enfrascan en una danza visual de expresiones tanto antiguas como contemporáneas. Las formas agresivas y la interacción de las figuras sugieren un comentario más profundo sobre las estructuras sociales y los demonios internos, dejando mucho a la interpretación al tiempo que deja clara la naturaleza omnipresente del conflicto. El impacto cultural del trabajo de Peterson La obra de Cleon Peterson no surge del vacío, sino que es una respuesta directa al mundo que lo rodea. Al igual que el resto de su producción, el Tríptico de los Poseídos constituye una audaz declaración dentro del arte pop urbano, un género que a menudo sirve como foro público para la crítica y la reflexión social. Su estilo distintivo ha consolidado su posición en la escena del arte contemporáneo, resonando con el espíritu del arte urbano y sus raíces en la naturaleza transgresora del grafiti. Como narrador visual, Peterson asume el rol de cronista moderno, utilizando serigrafías para documentar y analizar las complejidades de la condición humana. La edición limitada del Tríptico de los Poseídos garantiza que cada pieza forme parte de esta narrativa, un testimonio del recorrido artístico de Peterson y una instantánea del discurso cultural. El Tríptico de los Poseídos de Cleon Peterson es una poderosa adición al canon del arte pop urbano y el grafiti, ofreciendo una visión de la profunda conexión del artista con temas como el poder, el caos y las construcciones sociales. Mediante la serigrafía, Peterson ha creado una serie que capta la atención y a la vez provoca la mente, asegurando que su obra siga siendo objeto de debate y admiración dentro de la comunidad artística.

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Libro negro de dibujo de graffiti Tg Throw Up Práctica Diario personal por TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Delk x Comet x Kaws Pop callejero moderno Etiqueta, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte de pensamiento. Cuaderno de bocetos de grafiti de varios artistas, c. 1994. Firmado y con firmas originales de artistas, incluyendo a Kaws, ZiNk, Psycho Seen TC5 y Totem del colectivo TC5. Incluye dibujos a color, numerosos tags y dibujos con rotulador, anotaciones personales, números de teléfono antiguos, lugares de reunión, ideas e información privada sobre el colectivo. 50 páginas y la portada repletas de dibujos (también incluye muchas páginas en blanco). Además, incluye a IBM, Squad One, Pilot y MPV. Black Book Graffiti Journal de TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Kaws Este cuaderno de bocetos de 1994 captura un momento extraordinario en la historia del grafiti, representando una convergencia de estilo, rebeldía y experimentación creativa por parte de algunos de los miembros más influyentes del colectivo TC5. El libro de tapa dura de 21,5 x 28 cm no es simplemente un cuaderno de bocetos, sino un archivo profundamente personal de la energía cruda de la calle. El cuaderno incluye vibrantes dibujos a rotulador, superposición de pegatinas, ilustraciones detalladas de personajes, rellenos, ejercicios de throw-up, notas personales y firmas de miembros clave como Totem, Psycho, ZiNk, Delk, Comet, Seen y Kaws. El libro también incluye alias y colectivos paralelos como IBM, MPV y Squad One, ofreciendo una visión compleja de los subgrupos de grafiti interconectados que operaban en la ciudad de Nueva York durante la época dorada de la cultura del cuaderno negro. Evolución de las etiquetas y arte pop callejero y grafiti Las entradas de este diario reflejan la fusión de la estética tradicional del graffiti estilo libre con la sensibilidad gráfica que influiría en el Street Pop Art. Cada página revela una combinación de práctica y performance: contornos de firmas perfeccionados, rellenos psicodélicos, recortes de flyers en collage y bocetos de personajes llenos de humor y actitud. Artistas como ZiNk y Psycho demostraron su destreza técnica en letras tridimensionales, superponiéndolas simultáneamente con personajes lúdicos y fondos surrealistas. La firma inicial de Kaws, que se encuentra aquí bajo las siglas FC y TC5, muestra la incipiente influencia de su iconografía fusión de dibujos animados, que más tarde se convertiría en su sello distintivo tanto en las bellas artes como en las plataformas comerciales. Legado del formato del Libro Negro Los cuadernos negros fueron el corazón de la cultura del grafiti mucho antes de los archivos digitales. Eran galerías itinerantes, espacios de práctica y plataformas de comunicación íntima entre grafiteros. La inclusión en este cuaderno de firmas personales, ubicaciones secretas, números de teléfono y reflexiones emocionales revela que el grafiti era más que una expresión exterior: era una vida interior. El estilo agresivo de Totem, la iconografía urbana estilizada de Delk y los fragmentos clásicos de wildstyle de Comet reflejan años de experimentación en las vías del tren plasmados en papel. MPV e IBM aparecen con frecuencia garabateados en las superficies y bordes de las pegatinas, y aunque el significado específico de IBM en este contexto aún es ambiguo, aparece constantemente junto a firmas reconocidas y conlleva el peso del respeto del colectivo. Peso cultural y significado para los coleccionistas Este cuaderno no solo documenta la época dorada del grafiti en TC5, sino que también refleja un cambio cultural hacia el arte pop callejero y el grafiti estilizados. La profusión de elementos —letras dibujadas a mano, collages de flyers de música, referencias a marcas pop como Richie Rich y Nervous Records, y pegatinas personalizadas— convierte a este cuaderno negro en un objeto cultural multidisciplinario. En el mercado del arte actual, estos cuadernos son venerados por su honestidad, crudeza y la visión que ofrecen de la vida privada de los artistas de grafiti más conocidos. Las firmas manuscritas de Kaws, Psycho, ZiNk y Totem, en particular, hacen de este cuaderno un testimonio digno de museo de la transformación del grafiti, desde los trenes hasta las galerías de arte.

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Jimi Hendrix - Cream Edición Limitada Serigrafía de 5 Colores Impresa a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. 2015 Edición limitada de 70 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 22,5 x 30 cm. Artista: Mr. Brainwash Título: Hendrix (Cream) Año: 2015 Dimensiones: 76,2 cm x 57,2 cm Edición: Edición limitada de 70 ejemplares Técnica: Serigrafía a color sobre papel de archivo rasgado a mano. Estado: Excelente Detalles de la firma: Firmado a mano y con huella dactilar

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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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This Is Bad Lands - Serigrafía HPM de edición limitada, roja/azul, tricolor, impresa a mano y con adornos, sobre papel Lenox 100 con bordes irregulares, por Faile. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Edición limitada de 250 ejemplares, firmada y numerada, de HPM (2014). Obra de arte múltiple pintada a mano. Tamaño: 12,5 x 19 pulgadas. La lámina artística "Bad Lands" de Faile es una obra maestra de edición limitada con tan solo 250 copias disponibles en todo el mundo. Como la más reciente incorporación a la Serie 150, esta edición presenta aproximadamente siete variaciones únicas, incluyendo múltiples combinaciones de colores, versiones pintadas a mano, teñidas e impresas. Impresa en papel de archivo grueso y duradero, la llamativa variación Rojo/Azul es una pieza muy codiciada que presume de una textura extraordinaria. La lámina mide 31,75 x 48,33 cm (12,5" x 19") y presenta dos bordes irregulares y dos rectos. El anverso y el reverso de la lámina están meticulosamente detallados, y el reverso está adornado con impresiones, sellos y otros detalles. Cada copia está firmada, numerada, fechada, sellada y grabada en relieve por el artista, lo que la convierte en una pieza de colección verdaderamente exclusiva y valiosa. ¡No pierda la oportunidad de poseer esta increíble lámina artística y experimente su impresionante impacto visual en persona! La serigrafía «This Is Bad Lands Red/Blue HPM» es una obra de arte creada por Faile, un proyecto artístico colaborativo entre Patrick McNeil y Patrick Miller. Faile es conocido por su estilo distintivo, que combina elementos del arte urbano, el diseño gráfico, la cultura pop y las bellas artes. En esta pieza, la serigrafía «This Is Bad Lands Red/Blue HPM» es una impresión múltiple pintada a mano (HPM) que presenta colores rojo y azul y la imagen de un vaquero conduciendo un coche deportivo clásico. «Bad Lands» (tierras baldías) alude a un entorno desolado o inhóspito, lo que sugiere que la obra puede transmitir una sensación de peligro o conflicto. El trabajo de Faile suele contener capas de imágenes y detalles intrincados, y sus serigrafías generalmente implican múltiples capas de color y textura. A menudo incorporan materiales encontrados, plantillas y engrudo, creando una estética distintiva que fusiona el arte urbano y las bellas artes contemporáneas.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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New York Invasion Blacklight, serigrafía de edición limitada de 6 colores impresa a mano sobre papel artístico UV de Faile Rare Street Art, artista famoso del arte pop. Edición limitada de 200 unidades, variante artística con luz negra.

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Consigue un trabajo HPM Serigrafía con plantilla sobre madera de Shepard Fairey- OBEY Panel múltiple pintado a mano Listo para colgar Artista callejero Graffiti moderno Arte pop. Edición limitada de 2012, firmada y numerada (6 ejemplares). Impresión serigráfica HPM. Medidas de la obra: 18 x 24 pulgadas sobre panel de madera. Enmarcada sin cristal. Dimensiones del marco: 25 x 19 pulgadas. Shepard Fairey Consigue un trabajo HPM Serigrafía Plantilla sobre madera 2012 La obra múltiple pintada a mano «Get A Job» (2012), del artista estadounidense Shepard Fairey, conocido por el nombre OBEY, es una impactante fusión de serigrafía con plantillas y detalles aplicados a mano sobre un panel de madera. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, esta pieza forma parte de una edición extremadamente limitada de tan solo seis ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista. Reconocido por su imaginería de fuerte contenido político y conciencia social, Fairey utiliza el lenguaje visual de los carteles propagandísticos para ofrecer una mordaz crítica al trabajo, la autoridad y las expectativas sociales, aquí reinterpretadas a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Composición inspirada en la propaganda La figura central de la obra señala directamente hacia afuera, evocando la imaginería icónica de los carteles de reclutamiento, pero la instrucción aquí se altera satíricamente a «Quiero que consigas un trabajo». Este mensaje con múltiples capas imita y critica el tono autoritario de la propaganda histórica, poniendo de relieve la mercantilización del trabajo y las presiones de la productividad. La composición está impregnada de rayos dorados que irradian sobre un fondo rojo dominante, con dos trabajadores robustos y uniformados que flanquean la escena, reforzando la estética militarista e intensificando el impacto visual. Técnica y materialidad Esta obra no es una impresión estándar, sino una serie pintada a mano, lo que significa que cada panel fue trabajado individualmente por el artista, dando como resultado sutiles variaciones en toda la edición. El uso de la madera como superficie base aporta calidez, textura y durabilidad, contrastando con la nitidez de la aplicación de la plantilla serigráfica. La superposición de capas de pintura y plantilla de Fairey produce profundidad y complejidad, con áreas de desgaste e imperfección intencionales que realzan la autenticidad del arte urbano. La ausencia de cristal en el marco invita a una observación más detallada de la textura y las cualidades táctiles de la veta de la madera bajo la pintura. Comentario cultural de Shepard Fairey Nacido en 1970 en Charleston, Carolina del Sur, Shepard Fairey surgió de la escena del skateboarding con su campaña de pegatinas OBEY antes de convertirse en una figura central del arte callejero político contemporáneo. Sus obras frecuentemente cuestionan las estructuras de poder, la influencia de los medios y la cultura de consumo. En «Get A Job», Fairey utiliza la estética del realismo socialista y la propaganda bélica para ofrecer una crítica profunda de la dinámica laboral moderna, manteniendo el estilo gráfico audaz que ha hecho que su obra sea reconocida internacionalmente. Con su combinación de edición limitada, técnica mixta y mensaje socialmente incisivo, esta pieza es un poderoso ejemplo de la capacidad de Fairey para fusionar la seducción visual con la provocación política en el ámbito del arte pop callejero y el grafiti.

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Diamond FAILEdoodle - Serigrafía de edición limitada en dos colores, negra/negra, impresa a mano con acrílico, pintura en aerosol, tinta de serigrafía y purpurina sobre papel Lenox de archivo por Faile Rare Street Art, famoso artista de arte pop. 2022 Diamond FAILEdoodle: Negro/Negro 19 x 25 pulgadas Cada variante es una edición de 25 Acrílico, pintura en aerosol, tinta de serigrafía y brillantina sobre papel Lenox de archivo 100 Firmado, sellado y con relieve Una nueva raza de perro Faile nació el año pasado. Encontrado por primera vez en las calles de Nueva York, este cachorro llegó al estudio y cobró vida. Últimamente hemos estado explorando nuestro proceso de impresión brillante, y esta nos pareció la impresión perfecta para incorporarlo a nuestra práctica. Cuatro ediciones diferentes: dos con purpurina roja y dos con purpurina negra. Todas teñidas, rociadas, pintadas e impresas; todas las características de una impresión de estudio, ahora con mucho más brillo. En palabras de los propios artistas, la obra «transmite la sensación de que está ahí solo para uno mismo. De haber encontrado una pequeña joya en medio del caos cotidiano, una joya que realmente puede resonar con uno. Buscamos incorporar cierta ambigüedad que permita al espectador encontrarse a sí mismo dentro de la historia». Este carácter relacional del arte de FAILE se corresponde y se ve amplificado por sus constantes viajes y la falta de un estudio permanente hasta mediados de la década de 2000. Esto llevó al dúo a integrar y utilizar las calles urbanas y, naturalmente, dotó a la obra de un carácter «específico del lugar», ya que el arte público inevitablemente se adapta a la ubicación de su exhibición.

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Compra la obra de arte coleccionable de esculturas de vinilo de edición limitada VINYLTOY de Pop Street Artist. 2022 Edición limitada de XXX Obra de arte Tamaño XXX Nuevo En caja Con sello/Impreso/COA INFORMACIÓN

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¿Dónde está la calle? Impresión giclée HPM K30 intervenida a mano por OG Slick Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares. Impresión intervenida a mano. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 25 ejemplares de HPM (2025), firmada y numerada, intervenida a mano por OG Slick mediante impresión giclée y pintura en aerosol. Tamaño de la obra: 30x30 cm. Impresión giclée HPM intervenida a mano. El patrón de salpicaduras, las pinceladas y el color de la pintura varían. Cada HPM es única. Es posible que no reciba la misma que aparece en la foto; se elige al azar.

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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Escultura de resina pintada en oro cromado "Keep Smiling" de Mr Brainwash - Thierry Guetta - Edición limitada - Obra de arte pop - Artista callejero - Bellas artes. Escultura firmada y numerada de 2023, edición limitada de 18 piezas. Tamaño de la obra: 10,75 x 6,75 x 1,5 pulgadas. Incluye caja con la inscripción "Keep Smiling" en color amarillo dorado cromado. El brillante mensaje de Thierry Guetta en resina La escultura "Keep Smiling" de Thierry Guetta, artista conocido mundialmente como Mr. Brainwash, es un ejemplo radiante de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden encapsular un impacto tanto visual como emocional dentro del ámbito de las bellas artes. Esta obra de edición limitada, una de tan solo 18 piezas, está elaborada en resina y acabada con pintura dorada cromada, reflejando el estilo característico de Guetta que fusiona la espontaneidad del arte urbano con la audacia del arte pop. Sus dimensiones, 27,3 x 17,1 x 3,8 cm, la convierten en una obra sustancial pero accesible, ideal tanto para colecciones privadas como para exposiciones públicas. Acompañada de una caja que reitera el vibrante color amarillo dorado cromado de la obra, la escultura no solo funciona como pieza individual, sino también como parte de una narrativa más amplia que el artista ha ido desarrollando a lo largo de su trayectoria. Esta narrativa se evidencia en el mensaje de la escultura: "Keep Smiling" (Sigue sonriendo). Al elegir estas palabras, Guetta conecta con un sentimiento universal, abogando por el optimismo y la resiliencia ante los desafíos de la vida. El uso del dorado, color asociado a la riqueza, el éxito y, a menudo, la opulencia, contrasta con la accesibilidad y la cercanía del arte callejero, creando una tensión dinámica que caracteriza la obra de Guetta. Materialidad y artesanía en la escultura de Guetta La elección de resina por parte de Guetta, conocida por su durabilidad y acabado brillante, permite la creación de esculturas que no solo son estéticamente atractivas, sino también robustas y duraderas. La superficie reflectante de la pintura dorada cromada utilizada en "Keep Smiling" interactúa con la luz y el espacio, animando la escultura y asegurando que destaque en cualquier entorno. Esta elección de material y acabado también refleja la intención del artista de llevar la estética cruda y a menudo áspera del arte urbano a una forma más refinada y perdurable, elevándola así al ámbito de las bellas artes. La artesanía requerida para producir una pieza así es considerable. La resina debe moldearse cuidadosamente, la pintura cromada aplicarse con maestría y el acabado pulirse meticulosamente, garantizando que cada una de las ediciones limitadas sea consistente en calidad y apariencia. Este nivel de artesanía es indicativo de la profesionalización y maduración del arte urbano, ya que artistas como Guetta continúan expandiendo los límites del género. La influencia de Guetta en la evolución del arte callejero Thierry Guetta, conocido popularmente como Mr. Brainwash, ha sido una figura controvertida e innegablemente influyente en el mundo del arte contemporáneo. Sus obras, incluyendo "Keep Smiling", representan una fusión entre los orígenes populares del arte callejero y el atractivo comercial y popular del arte pop. Las esculturas de Guetta, que a menudo presentan mensajes optimistas e iconografía reconocible, han contribuido a la creciente aceptación y celebración del arte callejero dentro de la comunidad de las bellas artes. La edición limitada de "Keep Smiling" crea una sensación de exclusividad que suele estar en desacuerdo con el espíritu inclusivo del arte callejero. Sin embargo, Guetta sortea esta contradicción asegurándose de que el mensaje de su obra permanezca arraigado en los principios del arte pop callejero: accesible, conmovedor y visualmente impactante. A través de su trabajo, Guetta ha abierto diálogos sobre el valor y el lugar del arte callejero en la cultura contemporánea, fomentando una reevaluación de lo que se considera arte "culto" frente a arte "popular". La escultura «Keep Smiling», con su acabado dorado cromado y su mensaje de positividad, es un ejemplo paradigmático de cómo el arte urbano ha evolucionado hasta convertirse en una forma de arte sofisticada y respetada. La obra de Guetta es testimonio del poder transformador del arte y su capacidad para transmitir mensajes que conectan con un público amplio. A través de piezas como esta, el otrora clandestino mundo del grafiti y el arte urbano sigue aportando su luz al panorama cada vez más diverso de las bellas artes.

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Compra TITLE Múltiple pintado a mano original (HPM) en panel de madera listo para colgar por ARTIST graffiti street artist modern pop art. INFORMACIÓN

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Querida mamá Composición - Papel Edición Limitada Serigrafía de 5 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2021 Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 22 x 26 pulgadas. Querida Mamá - Edición en Papel de 75 ejemplares, Edición de Prueba de Artista (AP) de 7 ejemplares. 66,04 × 55,88 cm (26 × 22 pulgadas). Bordes rasgados a mano. Firma con huella dactilar. Certificado de Autenticidad. Para celebrar a todas las madres del mundo, nos complace anunciar el lanzamiento de esta edición en dos partes de Mr. Brainwash. "Querida Mamá" presenta un diseño nostálgico con notas manuscritas para mamá en cuadernos de rayas o de composición. Cada cuaderno es una serigrafía de 5 colores.

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Desinterés H14-7 Los Jardines Secretos Pop Street Artwork Impresión Giclée de edición limitada sobre lámina de aluminio del artista urbano de graffiti moderno Damien Hirst. 2024 Firmado y numerado al dorso de la etiqueta Edición limitada de 578 Tamaño de la obra 36,61 x 47,24 Impresión giclée laminada en metal sobre lámina de aluminio Parte de la colección: Las pinturas de los jardines secretos. La fusión de la estética urbana y las imágenes de la naturaleza Selflessness H14-7, una cautivadora obra de la serie «The Secret Gardens» del destacado artista inglés Damien Hirst, es una fascinante fusión de arte pop urbano y grafiti. Esta edición limitada de impresión giclée sobre lámina de aluminio representa un paso audaz en la trayectoria de Hirst, al combinar la vitalidad cruda del arte callejero con la meticulosa sofisticación de la impresión artística. Esta pieza, firmada y numerada por el artista al dorso en una etiqueta, subraya su destreza no solo en los ámbitos artísticos tradicionales, sino también en el innovador campo del arte urbano. Con tan solo 578 ejemplares disponibles, la obra, de 93 x 120 cm, se erige como una codiciada pieza de colección. Hirst, nacido en Bristol, Inglaterra, en 1965, continúa siendo una figura imponente en el mundo del arte, conocido por sus obras audaces y a menudo controvertidas que exploran temas como la vida, la muerte y la experiencia. Su incursión en el arte pop callejero y el grafiti con esta colección ofrece una perspectiva fascinante a través de la cual observar su incesante evolución como artista. Estética ecléctica del arte pop callejero y el grafiti «Altruismo H14-7» integra la espontaneidad y el espíritu rebelde del arte pop urbano con la elegancia de las formas artísticas más tradicionales de Hirst. La técnica de impresión giclée sobre metal, conocida por su alta fidelidad a la paleta de colores original y su precisión, proporciona una calidad duradera y reflectante, a la vez moderna y lujosa. En esta obra, Hirst aprovecha las propiedades inherentes del aluminio para dotar a la imagen de un brillo dinámico, intensificando aún más el impacto visual del arreglo floral representado. La vibrante composición de la pieza es un vívido cuadro floral que parece brotar de los límites de su lienzo metálico. La obra recuerda a las breves y orgánicas firmas de grafiti en los paisajes urbanos, transformándose en una forma permanente y prestigiosa. El uso característico de Hirst de colores vibrantes y la superposición de gotas de pintura crean una sensación de profundidad y textura propia del arte del grafiti. Damien Hirst y el atractivo de las impresiones en aluminio En la serie «Jardines Secretos», Hirst continúa desafiando los límites entre el arte elevado y las expresiones más democráticas y callejeras del arte pop y el grafiti. Al presentar esta serie como impresiones giclée laminadas sobre láminas de aluminio, Hirst no solo se deleita con el placer estético de los soportes reflectantes, sino que también subraya la permanencia del arte en contraste con la naturaleza a menudo transitoria del arte callejero. El soporte metálico evoca un telón de fondo industrial que recuerda a los entornos urbanos que dan origen al grafiti, proporcionando un lienzo conmovedor para las exuberantes y caóticas representaciones de la naturaleza. Esta elección de medio y técnica marca una fusión deliberada de lo efímero con lo eterno, lo orgánico con lo artificial y lo tradicional con lo vanguardista. «Altruismo H14-7» se convierte así en un artefacto de la cultura urbana moderna, elevado a la categoría de arte elevado gracias a la hábil conceptualización y ejecución de Hirst. La obra refleja la exploración constante de Hirst sobre las dualidades de la vida y las complejidades de la percepción humana. La obra interpela al espectador en múltiples niveles, invitándolo a reconsiderar las divisiones convencionales entre las formas artísticas y los espacios que ocupan. «Selflessness H14-7» de Damien Hirst, perteneciente a la serie «The Secret Gardens», contribuye significativamente al arte pop urbano y al grafiti. El uso de una lámina de aluminio como lienzo para una impresión giclée pone de manifiesto la hibridación de las formas artísticas. Refleja la síntesis de la crudeza urbana con la vitalidad del mundo natural. Mientras Hirst continúa creando arte que invita a la reflexión, obras como esta no solo cautivan la imaginación del público, sino que también reflejan el panorama en constante evolución del arte contemporáneo.

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Rocky: La película completa, caja recopilatoria de Sylvester Stallone, libro de arte de Taschen Books, edición limitada y rara, referencia de obras de arte sobre boxeo, deportes y cultura pop moderna. 2021. Edición limitada autografiada por Sylvester Stallone del libro de 1976, 380 páginas, de la película Rocky Balboa. Edición de tapa dura en estuche (29 x 44 cm, 11 kg) con 380 páginas, cada una numerada y firmada por Sylvester Stallone. Incluye una lámina de la pintura de Stallone de 1975, «Finding Rocky» , y un facsímil de 36 páginas de su cuaderno de Rocky (20 x 28 cm). Esta colección presenta imágenes de los archivos de MGM y la Biblioteca de la Academia, con un prólogo escrito por Sylvester Stallone y entrevistas exclusivas con el actor. 10.03144.00.01 Rocky: La colección completa de películas de Sylvester Stallone La colección completa de Rocky, publicada por Taschen Books en 2021, es un homenaje monumental a una de las franquicias más icónicas de la cultura pop moderna. Esta edición de coleccionista celebra el legado de Rocky Balboa, fusionando deporte, arte y cine en un formato diseñado para cautivar a los aficionados al cine, al boxeo y a la expresión artística. Excelencia de Edición Limitada Esta edición limitada de 1976 ejemplares conmemora el año en que Rocky llegó a la gran pantalla y revolucionó el cine deportivo. Cada caja está numerada individualmente y firmada por Sylvester Stallone, ofreciendo una conexión especial con el actor que dio vida a Rocky Balboa. La edición de tapa dura se presenta en un estuche de gran tamaño de 29 x 44 cm y un peso de 11 kg. Esto la convierte no solo en un espectáculo visual, sino también en una pieza de colección de gran valor. El arte se encuentra con el cine Una de las características más destacadas de esta caja recopilatoria es la inclusión de «Finding Rocky», una reproducción de la pintura de Stallone de 1975 que encapsula visualmente la esencia de la historia de superación que dio origen a Rocky. La incursión de Stallone en las artes visuales subraya su visión creativa multifacética, fusionando a la perfección su pasión por la narrativa y la expresión artística. La pintura complementa la experiencia cinematográfica, ofreciendo una perspectiva única de la visión personal del actor sobre los orígenes del personaje. Un vistazo excepcional a la creación de Rocky Para mayor exclusividad, la caja incluye una reproducción de 36 páginas del cuaderno original de Rocky de Stallone. Este documento ofrece información manuscrita sobre el desarrollo de la película, mostrando borradores del guion, ideas y notas. Con unas dimensiones de 20 x 28 cm, el cuaderno es un tesoro para los fans que deseen explorar el proceso creativo tras la realización de esta película icónica. Un archivo sin parangón El libro de 380 páginas es una obra maestra visual, con imágenes inéditas y poco comunes procedentes de los archivos de MGM y la Biblioteca de la Academia. Acompañado del prólogo de Stallone y entrevistas exclusivas, el contenido profundiza en la creación de todas las películas de Rocky. Captura la evolución del personaje y la franquicia, celebrando su impacto cultural a través de imágenes y narrativas de alta calidad. Esta publicación de Taschen no es solo un libro, sino una obra de arte integral que rinde homenaje a un legado cinematográfico. Tanto si eres aficionado al boxeo, la cultura pop o la narrativa artística, Rocky: The Complete Films ofrece una combinación única de nostalgia y profundidad artística, convirtiéndolo en una pieza imprescindible para coleccionistas y entusiastas.

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