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Correo prioritario RD Marcador de burbujas azul Pegatina original Etiqueta adhesiva Pintura/Dibujo Arte de Tru Leyenda del graffiti RD-357 Artista callejero moderno. Etiqueta de arte de graffiti original de Slap Up, firmada en 2021, 5.5 x 4.25 pulgadas

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Boceto original de Batman, dibujo a rotulador sobre papel de bellas artes, por el artista callejero de graffiti y arte pop moderno Rich Pellegrino. Dibujo original a rotulador firmado por Rich Pellegrino, 2013. Tamaño de la obra: 9x12.

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Figura coleccionable de vinilo Target Red King HPM SDCC 12 de edición limitada, obra de arte del artista de graffiti callejero Luke Chueh. 2012 Firmado con HPM Unique, exclusivo de la Comic-Con de San Diego 2012 (SDCC). Imagen y texto dibujados a mano con detalles "Shoot to Kill". Edición limitada de 250 unidades (una selección de HPM con dibujos únicos a mano en la pared). Escultura de 6,5 x 10,5 pulgadas. Nueva en caja. Incluye pincel y cubo extraíbles. De la famosa serie "Target" de Luke Chueh, que representa a un oso pintando una diana en el pecho, de pie junto a una pared de tiro dibujada a mano con una diana roja y un cubo de pintura. Target Red HPM SDCC 2012 Edición Limitada de Luke Chueh La escultura de vinilo Target Red HPM SDCC Limited Edition de Luke Chueh, de 2012, es un ejemplo clave de cómo se pueden plasmar temas de gran resonancia emocional a través del arte coleccionable. Lanzada exclusivamente para la Comic-Con de San Diego de 2012, esta edición de la serie Target, intervenida a mano por Munky King, sigue siendo una de las piezas más codiciadas de la carrera de Chueh. La obra se basa en su icónica pintura que representa a un oso solitario marcándose a sí mismo con una diana, de pie frente a un muro de ejecución acribillado a balazos. Esta escultura no solo captura la esencia de la autoconciencia y la vulnerabilidad, sino que añade una dimensión cruda gracias a su dimensionalidad física y a los elementos dibujados a mano, únicos en cada pieza. Detalles adornados a mano y temas distintivos Esta figura de Target, de 16,5 x 26,5 cm, se presenta nueva en su caja e incluye accesorios extraíbles: un pincel y un cubo de pintura. Viene en un embalaje moldeado que imita el fondo de pared de piedra de la pintura original. Lo que distingue a esta edición de la SDCC 2012 de las ediciones estándar de Target es el detalle dibujado a mano en el panel posterior. En esta versión de HPM, Luke Chueh dibujó un oso con una corona y su firma en la pared de tiro, utilizando la ubicación de los agujeros de bala para enfatizar la sensación de mortalidad y crítica. Algunas versiones incluyen frases adicionales como «disparar a matar», que transmiten una poderosa sensación de peligro y un comentario social. La diana roja en el pecho del oso, pintada a mano para que parezca recién aplicada, contrasta fuertemente con la destrucción circundante. El legado del arte pop callejero y el grafiti de Luke Chueh Luke Chueh, artista urbano pop y grafitero afincado en Los Ángeles, se ha labrado una reputación por utilizar figuras minimalistas y personajes icónicos de osos para explorar temas profundamente psicológicos. Su obra fusiona el surrealismo pop con la sensibilidad urbana y se nutre en gran medida de sus propias experiencias personales. A menudo representadas con paletas de colores apagados, las figuras de Chueh son vehículos para explorar la alienación, la depresión y la autodestrucción. En la edición Target Red HPM SDCC, condensa todo el peso de estas emociones en un único momento de vulnerabilidad performativa: su oso elige marcarse a sí mismo para su destrucción, mientras se yergue contra una pared ya marcada por la historia. El uso del humor, la oscuridad y una iconografía infantil invita al público a una confrontación reveladora con verdades profundas. Coleccionabilidad y comentario cultural Limitada a tan solo 250 piezas, de las cuales solo una selecta parte incluye detalles originales dibujados a mano, la figura Target Red HPM SDCC sigue siendo una pieza de colección codiciada por los coleccionistas más exigentes de arte pop urbano y grafiti. Cada escultura captura un momento estático pero emocionalmente turbulento que refleja críticas culturales más amplias sobre la violencia, las presiones sociales y la identidad en la era de la hipervisibilidad. Su debut en la Comic-Con de San Diego evidencia las raíces de Chueh en la cultura pop y su capacidad para subvertirla desde dentro. Esta edición no solo simboliza la convergencia entre la cultura del juguete de diseño y las bellas artes, sino que también consolida a Luke Chueh como uno de los artistas más conceptuales que trabajan en el ámbito de los juguetes de diseño y el arte narrativo moderno.

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Líneas en la corriente de aire #14 Obra de arte original única en tinta de rotulador sobre papel de acuarela de bellas artes del popular artista de arte callejero y cultura pop JM Rizzi. 2022. Pintura original firmada con tinta de rotulador. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Vivimos tiempos de tensión. Con los ojos cerrados, me entrego a la corriente, patino sobre la estela de un flujo energético incesante. Esta serie de obras sobre papel representa un experimento más sofisticado con motivos abstractos. El aluminio de un avión y el oro regio ondulan y se entrelazan como remolinos salpicados de carmesí. El acto final: una amalgama de tonalidades metálicas con finas líneas negras que cuestionan la delimitación entre el espacio positivo y negativo. Una interpretación visual de la sensación tácita del impulso eterno de la historia humana. –JM Rizzi

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Serie Detroit Tag - 6 pinturas originales en aerosol y rotulador Krink sobre lienzo por Cope2, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Aerosol y Krink originales firmados, 2010, sobre lienzo tensado. Medidas: 20 x 12 x 1,5 pulgadas. Lanzamiento: 16 de noviembre de 2010. Edición limitada a 1 ejemplar. Siempre quise hacer una exposición como esta. Últimamente me he dedicado principalmente a la pintura con técnicas mixtas, pero llevo más de treinta años haciendo grafiti puro y duro, si se le puede llamar así. Eso es lo que me convirtió en Cope2. Pero me gusta variar y mostrar mis diferentes estilos. Así que, con esta exposición, puedo mostrar mi evolución estilística y cómo he progresado. "Versátil" muestra de dónde vengo y qué hago ahora. -Cope2 Explorando la 'Serie de Etiquetas de Detroit - 6' de Cope2 Cope2, cuyo nombre real es Fernando Carlo, es una figura de referencia en el mundo del grafiti y el arte urbano. Su obra «Detroit Tag Series-6» es una impactante pintura original que fusiona la energía cruda del aerosol con la precisión de los marcadores Krink sobre lienzo. Esta pieza, creada en 2010, es testimonio de su versatilidad y evolución como artista influyente en la escena desde hace más de tres décadas. La trayectoria evolutiva del arte de Cope2 La trayectoria artística de Cope2 lo ha llevado desde las calles del Bronx, donde se forjó como grafitero, hasta las galerías que ahora albergan su obra. «Detroit Tag Series- 6» refleja esta evolución, mostrando un estilo maduro sin perder la espontaneidad y el vigor de sus primeros trabajos. La pieza, de 50,8 x 30,5 x 3,8 cm, es una expresión singular dentro de una edición limitada, lo que subraya el compromiso de Cope2 con la creación de obras únicas, personales y que reflejan sus raíces en la cultura urbana. En esta serie, Cope2 captura la esencia del paisaje urbano de Detroit a través de su icónico estilo de grafiti. Las curvas amplias y las líneas nítidas en negro sobre un llamativo fondo rojo evidencian su mano experta, perfeccionada a lo largo de años de práctica. El uso de marcadores Krink, conocidos por su tinta vibrante y su durabilidad, permite a Cope2 plasmar en el lienzo la inmediatez y la autenticidad del grafiti callejero. Exposición «Versátil» de Cope2: Una muestra de diversidad artística La serie «Detroit Tag Series-6» fue uno de los momentos más destacados de la exposición «Versátil» de Cope2, que mostró la amplitud de su repertorio artístico. En sus propias palabras, la muestra fue una oportunidad para presentar la evolución de su estilo y su progresión como artista. La capacidad de Cope2 para moverse entre la calle y el estudio, para exhibir la crudeza del grafiti junto con el refinamiento de las pinturas de técnica mixta, refleja su enfoque adaptativo del proceso creativo. Su obra no solo captura la esencia del arte pop urbano, sino que también expande sus límites, invitando a los espectadores a experimentar la naturaleza dinámica del grafiti en nuevos contextos. La exposición fue una narrativa de crecimiento, una documentación visual de la transición de Cope2 de leyenda urbana a figura respetada del arte contemporáneo. «Detroit Tag Series-6» se erige como un orgulloso testimonio del espíritu original del arte urbano, a la vez que señala la continua exploración de Cope2 de la forma, el color y el medio. El legado perdurable de Cope2 en el arte callejero La influencia de Cope2 en el arte pop urbano y el grafiti es imborrable. «Detroit Tag Series-6» es un lienzo y una crónica de la dedicación de toda una vida de un artista a su oficio. A través de esta obra y otras similares, Cope2 demuestra que el grafiti no es una forma de arte estática, sino una práctica viva y en constante evolución que continúa desafiando y redefiniendo la expresión artística. Como figura clave en el mundo del grafiti, las contribuciones de Cope2 trascienden sus obras. Ha inspirado a generaciones de artistas a tomar el aerosol y el marcador, a dejar su huella en el mundo y a expresar sus voces con audacia y sin complejos. Cope2 sigue siendo una presencia vital en la comunidad artística; su obra une el pasado y el futuro del arte urbano. Su legado es de transformación, un recordatorio de que el arte está en constante movimiento, buscando nuevos lienzos que conquistar e historias que contar.

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Dibujo original a mano con rotulador y lápiz de una pieza de valla sobre papel Bristol por el artista de arte callejero moderno Sechor, especializado en graffiti. Dibujo original firmado en abril de 2021. Tamaño: 14 x 17 pulgadas. Papel Bristol.

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Aki Sharks #1 Dibujo original a mano con rotulador sobre lienzo del artista de arte callejero moderno de tendencia Akinori Oishi. Dibujo original firmado a rotulador sobre lienzo sin bastidor, 2014. Medidas de la obra: 11 x 13,25 pulgadas. Printed Oceans es el programa de láminas artísticas de la Fundación PangeaSeed que busca crear conciencia y educar sobre los problemas ambientales marinos más urgentes a través de la mirada de algunas de las mentes creativas más respetadas de la actualidad. Desde 2012, hemos publicado más de 100 ediciones originales de láminas artísticas que destacan especies marinas en peligro de extinción y hábitats oceánicos. Estas magníficas ediciones ayudan a llevar historias importantes sobre conservación a hogares y espacios de trabajo de todo el mundo, generando un diálogo crucial e inspirando acciones positivas. Al adquirir estas obras de arte de edición limitada, elaboradas artesanalmente con esmero, no solo impulsas el trabajo pionero de la Fundación PangeaSeed en comunidades de todo el mundo, sino que también contribuyes al sustento de nuestros artistas activistas. Juntos, a través del arte y el activismo, podemos ayudar a salvar nuestros océanos.

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Etiqueta adhesiva Priority Mail 228-2013 Slap-Up Label Sticker Original Tag Art by Saber Original Permanent Drawing Art on USPS Mailing Label by Graffiti Artist Modern Street Artwork. 2020 Firmado por Tag Original Slap Up Graffiti Art Tag 4.5x3.5 Marcador de color en la etiqueta de correo prioritario del Servicio Postal de los Estados Unidos USPS 228-2013. La intersección del arte callejero con los objetos cotidianos La etiqueta adhesiva «Priority Mail 228-2013», con arte original de Saber, es un ejemplo notable de cómo el arte urbano moderno se fusiona con objetos cotidianos. Saber, un nombre reconocido en el mundo del grafiti, transforma una simple etiqueta de envío del Servicio Postal de los Estados Unidos (USPS) en un lienzo para su expresión artística. Esta obra, un dibujo a rotulador de color de 4,5 x 3,5 cm sobre la etiqueta «Priority Mail 228-2013» del USPS, es original de 2020 y demuestra la singular habilidad del artista para convertir objetos cotidianos en arte. Comentario artístico de Saber sobre la comunicación Esta obra es más que un simple acto de reutilización creativa; funciona como un comentario sobre la comunicación y cómo se transmiten los mensajes en el mundo moderno. Al elegir una etiqueta de correo prioritario, Saber explora el tema de la urgencia y la importancia de los mensajes que dichas etiquetas representan. Su obra interrumpe esta narrativa de comunicación instantánea con una etiqueta personal y enigmática, sugiriendo que, en medio del rápido intercambio de información, existen capas de significado esperando ser descubiertas. La etiqueta, aplicada con un rotulador de color, fluye sobre la etiqueta con un estilo que recuerda a los murales de arte urbano de Saber. Los vibrantes trazos verdes sobre el blanco y el rojo de la etiqueta de correo prioritario crean un marcado contraste, simbolizando quizás el choque entre lo institucional y lo individual, lo estandarizado y lo personalizado. El uso de una etiqueta del Servicio Postal de los Estados Unidos (USPS) también señala el dominio público como un espacio propicio para la intervención artística, donde el artista puede dejar una huella provocativa y, a la vez, accesible al público. Arte callejero moderno y la cultura de las etiquetas llamativas La elección de Saber de una etiqueta impresa se adhiere a la cultura del arte pop callejero, donde las creaciones rápidas y espontáneas son esenciales para esta forma de arte. Las etiquetas impresas se caracterizan por su inmediatez y los artistas suelen usarlas para dejar una huella rápida en espacios públicos. Esta obra emula esa cultura, siendo la etiqueta de Saber una marca, tanto literal como figurativa, de la presencia del artista. En el contexto del arte pop callejero y el grafiti, la etiqueta «Priority Mail 228-2013» de Saber es un testimonio de la evolución del género. Trasciende los muros y los vagones del metro para encontrar su lugar en objetos cotidianos y portátiles, expandiendo así el alcance del arte callejero. Saber, artista estadounidense, es conocido por estas innovaciones, desafiando constantemente los límites de dónde y qué puede ser el arte callejero. En resumen, la obra en la etiqueta de Priority Mail es una declaración sobre el poder del arte callejero para transformar lo mundano en extraordinario. Captura la esencia de la espontaneidad del arte pop callejero y el papel de Saber como pionero del movimiento. La firma, sello distintivo del artista, evoca el toque personal en un mundo cada vez más impersonal, dominado por la comunicación digital y los servicios estandarizados.

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Target Red King #2 HPM SDCC 12 Edición Limitada Figura de Vinilo Coleccionable, Obra de Arte del artista de graffiti callejero Luke Chueh. 2012 Firmado con HPM Unique, exclusivo de la Comic-Con de San Diego 2012 (SDCC). Imagen y texto dibujados a mano con detalles "Shoot to Kill". Edición limitada de 250 unidades (una selección de HPM con dibujos únicos a mano en la pared). Escultura de 6,5 x 10,5 pulgadas. Nueva en caja. Incluye pincel y cubo extraíbles. De la famosa serie "Target" de Luke Chueh, que representa a un oso pintando una diana en el pecho, de pie junto a una pared de tiro dibujada a mano con una diana roja y un cubo de pintura. Figura de vinilo Target Red King #2 HPM SDCC 12 de Luke Chueh La figura de vinilo Target Red King #2 HPM SDCC 12 de Luke Chueh destaca como una de las piezas más evocadoras y conceptualmente impactantes dentro del arte pop urbano y el graffiti. Lanzada en 2012 como exclusiva de la Comic-Con de San Diego y producida por Munky King, esta figura de edición limitada forma parte de una serie más amplia basada en la pintura original de Chueh para Target. Esta versión en particular, con detalles pintados a mano por el propio artista en la pared de fuego, encapsula los temas profundamente introspectivos de Chueh a través de un medio escultórico que conecta con coleccionistas, críticos y aficionados al arte pop oscuro y conceptual. Esta figura representa una continuación de la exploración de Chueh sobre la vulnerabilidad, la autoconciencia y la relación entre creador y sujeto. Diseño, detalles y estructura física Esta pieza de colección mide 16,5 x 26,7 cm y está elaborada en vinilo con una base escultórica de técnica mixta. La figura representa al icónico oso de Chueh, con una paleta minimalista, pintando una diana concéntrica de color rojo sangre sobre su propio pecho, frente a una pared agrietada y acribillada a balazos. El fondo simboliza la vulnerabilidad, con una llamativa cabeza de oso dibujada a mano y una corona, firmada por Luke Chueh. Esta versión, conocida como Red King #2, forma parte de una subedición selecta de la tirada original de 250 unidades, con personalizaciones individuales de estilo grafiti dibujadas a mano en la base, convirtiendo cada pieza en una obra de arte única. La inclusión del pincel y el cubo extraíbles le confiere a la figura una trágica sensación de complicidad, difuminando la línea entre el empoderamiento y la autodestrucción. Narrativa conceptual y simbolismo «Target» no es solo un título; es una declaración sobre identidad y visibilidad. Al pintar la diana sobre su propio cuerpo, el personaje se convierte en artista y objeto, agresor y víctima. El muro que se alza tras él, evocando el escenario de una ejecución urbana, intensifica la tensión de la obra. En esta edición de «Red King», la corona adicional garabateada sobre el oso añade una capa de soberanía o martirio, elevando al personaje a símbolo de sacrificio. Esta dualidad ha sido durante mucho tiempo un sello distintivo del trabajo de Luke Chueh, que combina elementos tiernos y trágicos en una narrativa surrealista de arte pop que refleja su constante reflexión sobre la ansiedad, la depresión, la autoimagen y las cargas de la autoexpresión. Legado en el arte urbano contemporáneo Luke Chueh, nacido en Estados Unidos en 1973, es una figura clave en el movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Su uso de personajes icónicos y simplificados, junto con una paleta de colores apagados, le permite canalizar emociones intensas a través de líneas limpias y una puesta en escena impactante. La colaboración de Munky King con Chueh en la serie Target representa una de las adaptaciones más exitosas del arte de personajes, concebido para galerías, a objetos coleccionables tridimensionales. Cada edición, especialmente las variantes raras como Red King #2, transmite la profundidad emocional y la simplicidad visual que Chueh ha cultivado en diversos medios. La exclusividad de esta obra para la SDCC no hace sino aumentar su rareza y atractivo, consolidándola como una pieza fundamental en la historia de la escultura coleccionable moderna.

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Etiqueta plateada alta con rotulador metálico original. Dibujo artístico en etiqueta de envío por el artista de graffiti Sechor Modern Street Artwork. Etiqueta de arte de graffiti original firmada de 2021, 5,5 x 4,25, con marcador, en etiqueta de envío prioritario de USPS. Cómo tratar los pliegues en la zona media.

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Escena de la Naividad, Época 12. Dibujo original a rotulador sobre lienzo enmarcado por Blake Jones. Obra de arte pop urbano moderno. Dibujo original a mano con rotulador de color, firmado y enmarcado, 2019. Tamaño: 7,75 x 10,25 pulgadas. Naivety Scene Era 12 de Blake Jones – Fantasía dibujada a mano en el arte pop callejero y el graffiti Naivety Scene Era 12 es un dibujo original de 2019, enmarcado y realizado con rotuladores sobre lienzo por el artista estadounidense Blake Jones. Sus dimensiones son 7,75 x 10,25 pulgadas. Reconocido por sus composiciones dinámicas, centradas en los personajes, y su audaz uso de la línea y el color, Jones imprime a esta obra una alegría desbordante y una imaginación hiperactiva. Realizada completamente a mano con rotuladores de colores, la obra presenta un universo libre de criaturas, objetos y garabatos plasmados en una explosión a modo de collage. Enmarcada en blanco impoluto para contrastar con la energía visual del interior, la pieza transmite una inmediata sensación de personalidad y movimiento. Esta obra original única se inspira en la lúdica absurdidad del arte infantil, integrando a la vez la repetición consciente y la superposición simbólica propias del arte pop urbano y el grafiti. Desorden de personajes y caos controlado La superficie de Naivety Scene Era 12 es un caleidoscopio de formas caricaturescas: fantasmas de ojos brillantes, perros ladrando, helados derritiéndose, dientes de caimán, rayos y rostros humanoides de mirada desorbitada; cada una dibujada con un estilo único y delineada con colores vibrantes. Estas figuras habitan el espacio sin una jerarquía aparente, enfatizando la naturaleza democrática e improvisada de la obra de Jones. Cada centímetro del lienzo se aprovecha, creando un entorno densamente poblado que se siente a la vez aleatorio e intencional. Algunos personajes están dibujados en blanco y negro, mientras que otros irrumpen en neones y tonos pastel. La mezcla de gestos expresivos, patrones gráficos y elementos de texto como YO y CALIENTE ofrece múltiples puntos de entrada para la interpretación. No es una narrativa; es un momento de juego visual que invita al espectador a explorar sin límites. Esta estrategia encaja perfectamente dentro del Street Pop Art y el Graffiti, donde la creación de imágenes se centra tanto en la energía y la vibra como en el mensaje. El marcador como medio, el proceso como performance El uso que hace Blake Jones de marcadores como medio principal refuerza la crudeza y la espontaneidad de la obra. A diferencia del trabajo digital o la pintura, el marcador permite una inmediatez y una textura que reflejan el movimiento de la mano y la expresión personal. La superposición de colores, las superposiciones visibles y la variación en la presión y el grosor de la línea evidencian un proceso directo y sin filtros. La contención del artista al trabajar en un lienzo de tamaño reducido intensifica la obra, obligando a cada forma a interactuar y reaccionar dentro de límites estrictos. Este tipo de creación intuitiva y espontánea tiene sus raíces en la cultura del cuaderno de bocetos y las tradiciones del graffiti, donde los artistas generan rápidamente ideas, formas y energía con las herramientas que tienen a su alcance. Jones traduce esto en una obra final que conserva toda la frescura de una sesión espontánea. Alegría visual y remezcla cultural de Blake Jones Blake Jones continúa desarrollando un lenguaje visual que difumina la línea entre el dibujo autodidacta, la ilustración de estudio y la espontaneidad del grafiti. En Naivety Scene Era 12, el artista celebra las imperfecciones del instinto, el humor de la aleatoriedad y la belleza del desorden. Presenta una composición que rechaza el minimalismo en favor de la abundancia, el ruido y la expresión. El formato enmarcado realza la imaginería caótica, otorgándole presencia de galería sin perder su cruda accesibilidad emocional. Como parte de Street Pop Art & Graffiti Artwork, este dibujo original ejemplifica cómo el arte puede existir tanto en formas cotidianas como coleccionables, recordando a los espectadores que incluso los gestos más simples —cuando se repiten y refinan— pueden formar universos complejos. Blake Jones no solo dibuja imágenes. Construye ecosistemas de sentimiento, gesto y juego gráfico donde todo tiene cabida, nada es sagrado y la alegría es la única regla.

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Etiqueta Priority Mail Double White 2021 Original Marker Slap-Up con arte de pintura/dibujo sobre etiqueta USPS por Tru Graffiti Legend Sechor, artista callejero moderno. Pegatina de arte de graffiti Slap Up original de 2021, firmada con rotulador de 4,25 x 5,5 pulgadas en etiqueta de correo prioritario USPS.

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Compra DIBUJO Original único en su clase MEDIA Drawing Artwork en MEDIUM por Urban Street Artist ARTIST. 2022 Firmado Original XXXX Dibujo Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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MAPA DE LA MTA DE NUEVA YORK, 1er elemento, 1965. Marcador original único en su tipo en el mapa del metro. Obra de arte pintada por el popular artista de graffiti callejero Cornbread, Darryl McCray. Artista: Darryl "Cornbread" McCray. Descripción: Cambió el mundo 196, rotulador sobre mapa original del MTA de Nueva York. Papel: Mapa del MTA de Nueva York. Tamaño: 58,4 x 81,3 cm (23" x 32"). Edición limitada a 1 ejemplar. Firmado y numerado a mano por el artista.

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Dibujo 24. Dibujo original a mano con tinta de rotulador sobre papel de acuarela del artista de arte callejero moderno de tendencia JM Rizzi. Dibujo original firmado en 2021. Tinta de rotulador sobre papel de acuarela. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Fecha de publicación: 15 de noviembre de 2021.

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¡Gracias! Dibujo original con rotulador de Dalek- James Marshall sobre cartón. Arte pop urbano moderno. Dibujo de agradecimiento original firmado con rotulador permanente sobre cartón, 2023. Tamaño: 12 x 6 pulgadas. La gratitud del grafiti: ¡¡Gracias!! Etiqueta de cartón de Dalek La sencilla pero profunda frase «¡Gracias!» cobra nueva vida en manos de Dalek, el nombre artístico del artista James Marshall. Este dibujo original, realizado con rotulador sobre cartón, destaca en el ámbito del arte urbano pop contemporáneo. Firmado en 2023, mide 30,5 x 15 cm. Es una genuina expresión de gratitud, plasmada con la tinta permanente del rotulador, un material sinónimo de la honestidad sin filtros del arte urbano. "¡Gracias!" de James Marshall: Un estudio sobre la sinceridad En una era donde la comunicación digital suele ser la predominante, la decisión de James Marshall de volver a las raíces del contacto personal con una firma dibujada a mano sobre cartón es muy significativa. El cartón, a menudo desechado, es recuperado por Marshall como una superficie legítima y conmovedora para el arte. Es un guiño a la naturaleza ecológica e ingeniosa del arte pop urbano y el grafiti, que a menudo encuentran valor y potencial en lugares desapercibidos. Su obra conecta con el espíritu de la cultura del arte urbano, que encuentra su voz en lo cotidiano, transformando lo mundano en extraordinario. El cartón como lienzo: El encanto efímero del arte pop callejero La obra de Marshall sobre cartón también captura el encanto efímero, a menudo la esencia del arte pop callejero. A diferencia de los lienzos destinados a las galerías, el cartón sugiere una naturaleza transitoria: hoy es arte, mañana podría ser parte de la pila de reciclaje. Esta pieza, con sus trazos negros y audaces que forman las palabras "¡Gracias!", eleva el material transitorio a una declaración perdurable de gratitud, un sentimiento universal y atemporal. En cierto modo, la obra de Marshall inmortaliza los fugaces momentos de aprecio que experimentamos a diario, recordándonos que debemos reconocerlos y celebrarlos. En esencia, "¡Gracias!" de Dalek es más que un simple dibujo con rotulador; es un testimonio del poder transformador del arte pop callejero. A través de la obra de Marshall, se nos invita a reconocer la belleza en la simplicidad, el potencial de los materiales no convencionales y la importancia de la gratitud. A medida que esta pieza viaja de las calles al archivo del coleccionista, lleva consigo el sincero agradecimiento del artista, un mensaje que resuena en los corazones de quienes la contemplan.

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Hombre en el espejo. Dibujo original con rotulador permanente del extremo de una caja de USPS sobre cartón, obra del artista de graffiti DrNuse69. Arte callejero moderno. Etiqueta de arte de graffiti original firmada de 2022, 7.5x4.5, con marcador, en el extremo de la caja de envío prioritario de USPS.

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Boceto original de un Tusken Raider, dibujo a rotulador sobre papel de bellas artes del artista callejero de graffiti y arte pop moderno Rich Pellegrino. Dibujo original a rotulador firmado por Rich Pellegrino, 2013. Tamaño de la obra: 9x12.

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Compra DIBUJO Original único en su clase MEDIA Drawing Artwork en MEDIUM por Urban Street Artist ARTIST. 2022 Firmado Original XXXX Dibujo Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Advertencia: Adictivo - Edición limitada en azul con serigrafía en la tabla de skate, obra del artista de la cultura pop callejera Shepard Fairey OBEY. Firmada en el frente con rotulador. Advertencia: Tabla de skate adictiva. Edición numerada de 400 unidades. Firmada por Shepard Fairey. Soy un gran admirador del arte y el skateboarding de Andy Howell desde finales de los 80, y seguí con entusiasmo el lanzamiento de New Deal Skateboards junto a sus socios en 1990. New Deal fue revolucionaria no solo porque los skaters la lideraron creativamente, sino porque el arte y el diseño de Andy Howell transformaron casi instantáneamente la estética y el estilo del skateboarding, pasando de calaveras y dragones al grafiti y el hip-hop. New Deal fue la primera compañía centrada principalmente en el skateboarding callejero y la cultura urbana, y sus ingeniosos y divertidos anuncios celebraban su papel como la vanguardia de las compañías propiedad de skaters, siempre al servicio del pueblo y atentas a la calle. Desde el principio, New Deal marcó la pauta de los 90. -Shepard

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"Walking Tall", pintura original en aerosol acrílico con rotulador de BLADE - Steven Ogburn. Obra de arte única sobre el mapa del metro de la MTA de Nueva York, realizada por un artista pop de arte callejero. 2011. Obra original firmada, realizada con acrílico, pintura en aerosol y rotulador. Tamaño: 32 x 23 pulgadas sobre un mapa reciclado del metro de Nueva York. Caminando erguidos sobre las huellas de la historia Creada en 2011 por BLADE, leyenda del graffiti neoyorquino (cuyo nombre real es Steven Ogburn), «Walking Tall» es una obra única e impactante que encapsula la crudeza y el orgullo de la cultura del graffiti en el metro. Realizada sobre un mapa reciclado del metro de Nueva York (MTA), esta pieza de técnica mixta de 81 x 58 cm es una fusión cruda de acrílico, pintura en aerosol y rotulador que evoca la estética del auge del graffiti de principios de los 70, a la vez que refleja el inconfundible estilo del artista. Es tanto un homenaje a la época dorada de BLADE en el metro de Nueva York como un reflejo de su continua presencia como figura clave en la evolución del arte pop urbano y el graffiti. El uso de un mapa real del metro como lienzo es simbólico y literal: una superficie que una vez fue su galería al aire libre se transforma en una pieza de arte coleccionable. Trenes de metro reimaginados en papel La obra «Walking Tall» de BLADE se centra en un vagón de tren estilizado con letras abstractas, donde las técnicas tradicionales del grafiti se fusionan con la expresión geométrica y la iconografía. La parte superior del mapa muestra la representación minimalista de un vagón de metro plateado, como si asomara por encima de una nube negra, un claro guiño a las icónicas intervenciones de grafiti que ocupaban vagones enteros. El tercio inferior estalla con letras estilizadas verdes y amarillas sobre un fondo texturizado pintado con aerosol, con estrellas, líneas y símbolos que se han convertido en señas de identidad del lenguaje visual de BLADE. Cada sección del panel rebosa de un caos controlado, que simboliza tanto el movimiento de los trenes como el implacable dinamismo del propio movimiento del grafiti. Este formato refuerza el contexto en el que el artista se dio a conocer: entre el movimiento, la suciedad y el ruido de una infraestructura urbana en funcionamiento. Las marcas personales de un rey Walking Tall es más que un grafiti: es una declaración de trayectoria y autoría. Sobre el tren estilizado, BLADE firma junto a su grupo original, The Crazy 5, anclando esta obra en la historia fundacional del grafiti neoyorquino. La inclusión de sus elementos clásicos, como flechas, formas y trucos tridimensionales, no es meramente decorativa, sino profundamente personal. Estos componentes sirven como claves narrativas de una época en la que pintar trenes era tanto una revolución cultural como artística. La decisión de BLADE de superponer su obra sobre un mapa oficial de la MTA añade una nueva dimensión, fusionando la historia del grafiti callejero con la cartografía institucional. Arte pop callejero y grafiti con impacto institucional Como gran parte de la obra de BLADE en la galería, Walking Tall mantiene la esencia de la calle al tiempo que recontextualiza el grafiti en el ámbito del arte contemporáneo. El resultado es una experiencia visual híbrida: arte elevado con un toque crudo, técnica refinada con espontaneidad callejera. Esta pieza se inscribe en una trayectoria más amplia en la que artistas nacidos en el metro han dado el salto de la fama anónima a obras documentadas, firmadas y archivadas. Refleja una carrera arraigada en la narrativa urbana auténtica, ahora preservada en colecciones permanentes y museos de todo el mundo. Walking Tall no es nostalgia: es supervivencia, expresión y estilo, plasmados en un mapa que antaño guiaba los mismos trenes que transformó en lienzos rodantes.

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Etiqueta de texto con forma de ojo. Dibujo artístico original con rotulador permanente sobre etiqueta de envío, realizado por el artista de graffiti DrNuse69. Arte callejero moderno. Etiqueta de arte de graffiti original firmada de 2022, 4,25 x 5,5 pulgadas, con marcador, en etiqueta de envío prioritario de USPS.

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Cuaderno negro Dibujo sin título Pintura original de técnica mixta sobre papel artístico por el artista callejero de graffiti Artista pop moderno Sen2. 2005 Firmado Sen2 "Sin título" Dibujo en cuaderno de bocetos Enmarcado Tinta Marcador Lápiz Grafiti Obra de arte enmarcada Tamaño 25.5x19 Dibujo sin título en cuaderno negro de Sen2 Este dibujo sin título de 2005, realizado en un cuaderno de bocetos por el reconocido artista callejero de graffiti Sen2, captura un momento crudo y preciso de la práctica artística de uno de los escritores más icónicos surgidos del Bronx. Realizado con tinta, rotulador y lápiz sobre papel artístico, la obra ejemplifica la energía geométrica, el dominio del color y el dinamismo característicos del artista. La obra enmarcada mide 65 x 48 cm y transmite la intensidad del estilo de dibujo a mano y el juego de letras tridimensionales que definieron la transición del graffiti del metro al estudio. Del estilo salvaje al dibujo de precisión Sen2, cuyo nombre real es Sandro Figueroa García, nació en Puerto Rico y se convirtió en una figura clave del movimiento del grafiti en Nueva York durante la década de 1980. Este dibujo, realizado en su cuaderno de bocetos, plasma su transición desde pintar muros y trenes hasta perfeccionar su técnica dentro de la estructura del trabajo de estudio. Cada trazo de rotulador y cada aguada de color en la obra es intencional, fruto de años de experiencia con aerosol y superficies urbanas. La capacidad de Sen2 para mantener el espíritu rebelde del wildstyle, a la vez que integra la estructura arquitectónica y la claridad visual, lo distingue en el mundo del arte pop urbano y el grafiti. Color en capas y tensión visual La composición rebosa de contrastes. Suaves tonos pastel en azul, amarillo, verde y naranja interactúan con densas sombras negras y líneas nítidas que sugieren movimiento y profundidad espacial. Estas formas superpuestas evocan la energía del arte urbano del metro, a la vez que se asientan en la sofisticación de un dibujo digno de galería. Las flechas, las texturas y los ángulos entrelazados guían al espectador a través de múltiples capas de intención: cada borde refinado, cada patrón de relleno calculado y, a la vez, expresivo. El dibujo captura no solo la forma, sino también la actitud, con un estilo que sugiere movimiento, control y una evolución constante. Estudio Evolución del lenguaje del grafiti La obra sin título de Sen2 se inscribe en un movimiento más amplio donde los cuadernos de bocetos dejaron de ser meras herramientas preparatorias para convertirse en obras de arte con entidad propia. El arte pop urbano y el grafiti suelen comenzar con bocetos, y esta pieza constituye un testimonio definitivo de ese proceso. Documenta un instante de imaginación previo a la ejecución, donde las letras se transforman en armas de estilo y el lenguaje visual de la calle se transcribe a un soporte apto para la galería. Para los coleccionistas, la obra ofrece una ventana al talento en bruto y al proceso creativo de uno de los pioneros modernos del grafiti, preservado con esmero y ahora enmarcado como un ejemplo de la historia del arte en movimiento.

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Dibujo de etiqueta Slap-Up con pintura en aerosol y marcador permanente Shark USPS Priority por el artista de graffiti Tru Shark Toof Modern Street Artwork. 2015. Obra de arte original firmada, realizada con pintura en aerosol, técnica mixta y rotulador. Dibujo de graffiti. Tamaño: 4,75 x 3,5 pulgadas. Etiqueta de arte de graffiti Slap Up 4.75x3.5, pintada con aerosol y marcador sobre etiqueta USPS.

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Hola, lata de arte original de pintura en aerosol naranja de Atomik Sculpture Drawing Artwork de un artista moderno icónico de la cultura pop. 2025. Obra de arte original firmada con rotulador mágico Atomik naranja con cara sonriente, realizada con una lata de pintura en aerosol reciclada. Tamaño: 3x8. Hola, lata de pintura en aerosol naranja original de Atomik La obra "Hello There Orange Original Spray Paint Art Can" de Atomik es una pieza singular de arte urbano pop y grafiti que ejemplifica el compromiso del artista con la transformación de objetos cotidianos en declaraciones personalizadas de identidad y expresión. Creada en 2025 y firmada por el artista, esta obra está dibujada directamente sobre una lata de pintura en aerosol reciclada con un rotulador. La obra presenta el icónico rostro naranja sonriente, que se ha convertido en sinónimo del lenguaje visual de Atomik. Con trazos negros intensos sobre una lata de aerosol Montana usada, la pieza fusiona la energía cruda de los materiales del grafiti con la inmediatez íntima de una ilustración dibujada a mano. El inconfundible rostro naranja de Atomik asoma con ojos caricaturescos desproporcionados y una sonrisa traviesa, encapsulando el espíritu de su herencia artística urbana de Miami. Recuperando las herramientas de expresión como objetos de arte Los botes de pintura en aerosol son un elemento básico en la cultura del grafiti y el arte urbano. Son herramientas de resistencia, libertad y autoexpresión. La decisión de Atomik de convertir un bote de aerosol en el lienzo mismo refleja una ética más profunda en el arte pop urbano y el grafiti. En lugar de desechar el material una vez vacío, lo recupera, transformando lo funcional en coleccionable. La obra resultante se erige como un homenaje al proceso táctil del grafiti y una rebelión contra las nociones tradicionales de las bellas artes. Cada abolladura, rasguño y etiqueta de advertencia en el bote se convierte en parte de la estética final, arraigando al personaje naranja en la realidad cotidiana del arte callejero. Esta práctica no solo preserva una pieza de la historia del grafiti, sino que la reinterpreta como un objeto único digno de admiración y debate. La Naranja Sonriente y la Identidad de Miami La naranja sonriente tiene su origen en la respuesta personal de Atomik a la demolición del querido estadio Orange Bowl de Miami, un símbolo de orgullo cívico. Atomik reinterpretó la naranja como un personaje de grafiti que rinde homenaje al estadio a la vez que afirma un sabor singularmente floridano. Con el paso de los años, ha aparecido en trenes de carga, edificios abandonados y murales, convirtiéndose en uno de los personajes más reconocidos del grafiti contemporáneo. En esta lata de aerosol en particular, la naranja flota en contraste con un mar de letra pequeña, advertencias y símbolos de peligro. Esta yuxtaposición de texto normativo y un personaje rebelde refleja la tensión entre control y libertad, legalidad y expresión. También refleja la constante reflexión del artista sobre la recuperación del espacio y los materiales para la narrativa cultural. El grafiti como escultura y comentario coleccionable Esta lata reciclada, dibujada a mano, no es solo una pieza visual, sino también escultórica. Su forma cilíndrica permite que la obra cobre vida en tres dimensiones, brindando al espectador la oportunidad de apreciar la evolución del arte urbano al adoptar un formato más permanente y coleccionable. A diferencia de los lienzos tradicionales o las impresiones digitales, el uso de la lata de aerosol conecta al espectador, tanto física como conceptualmente, con el proceso del grafiti. La firma de Atomik en la base autentifica aún más la pieza, consolidándola dentro de su linaje y práctica artística. A medida que el arte pop urbano y el grafiti continúan expandiendo sus límites, obras como la lata de aerosol naranja "Hello There" se destacan, demostrando que incluso un objeto desechado puede convertirse en una pieza célebre en manos del artista adecuado.

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Hardcore Energy, pintura original con rotulador en aerosol de Optimo NYC. Obra de arte única sobre papel de bellas artes. Arte callejero. Artista pop. 2022. Obra original pintada con rotulador y aerosol, firmada. Tamaño: 7x9. Hardcore Energy de Optimo NYC – Obra original con aerosol y rotulador en el estilo Street Pop Art y Graffiti Hardcore Energy es una pintura original de técnica mixta de 2022, de 18 x 23 cm, creada por Optimo NYC con pintura en aerosol y rotulador sobre papel de bellas artes. Esta pieza única destila la esencia de la presencia callejera y el ritmo visual en una composición compacta, cruda y estilizada. La figura central está dibujada con una elegancia minimalista, definida por líneas de rotulador nítidas y fluidas que perfilan una figura sin rostro con sombrero de copa y abrigo. La frase Hardcore Energy está escrita con audacia en el pecho, funcionando a la vez como mensaje y ancla visual. El fondo palpita con un remolino de pintura en aerosol roja, blanca, azul y negra, aplicada en capas que evocan la bruma del aerosol, el reflejo de la luz y el polvo de una intervención nocturna en una pared. El contraste entre la suave bruma de la pintura y la rigidez de la tinta negra captura la dualidad que define al grafiti: energía caótica y control estilizado. Identidad visual y creación de personajes icónicos El personaje característico de Optimo NYC, presente tanto en sus obras callejeras como en sus piezas artísticas, regresa aquí con un trazo refinado. El sombrero de copa, los hombros angulosos y la silueta alargada son inconfundibles e icónicos, evocando la iconografía callejera neoyorquina de mediados de los 80 y afirmando una presencia visual atemporal. Esta figura se muestra distante pero imponente, anónima pero memorable: un símbolo de estilo y personalidad. La frase manuscrita "Hardcore Energy" en el pecho no es un título, sino un pulso que vibra con el espíritu de la calle y la esencia del grafiti neoyorquino. El pequeño triángulo bajo las letras sugiere una marca codificada, emblemática de cómo el grafiti suele contener significados complejos ocultos a simple vista. Técnica de pulverización y abstracción urbana El fondo de pintura en aerosol posee una elegancia rústica, con sutiles degradados y pinceladas direccionales que integran la figura en la atmósfera. Matices rojos y morados se arremolinan tras suaves blancos empolvados, mientras que motas negras y plateadas anclan la composición en su base. Esta superposición de capas es más que decorativa: reproduce la textura de la ciudad, la mugre del asfalto y la pintura pulverizada que se encuentra en paredes pulidas y superficies metálicas. Optimo NYC fusiona estas texturas en un formato compacto, permitiendo al espectador sumergirse en todo un mundo de movimiento y atmósfera en un espacio de 7 x 9 pulgadas. La composición nunca permanece estática; vibra con un movimiento residual y la memoria de la acción. Actitud neoyorquina en el arte pop callejero y el grafiti Hardcore Energy no es un eslogan, es una filosofía, y en esta obra define el tono, la composición y la voz visual de Optimo NYC. Como pieza original firmada por un artista con profundas raíces en la cultura del grafiti, esta obra se sitúa en la intersección entre el gesto crudo y la iconografía estilizada. El formato ajustado del papel amplifica su intensidad en lugar de limitarla, convirtiendo cada centímetro en un campo de tensión entre abstracción y simbolismo. Para coleccionistas y seguidores del arte pop urbano y el grafiti, esta pieza ofrece no solo una imagen, sino un destello de la velocidad, la postura y la energía codificada de la cultura. Es un objeto visual auténtico impulsado por el ritmo sin filtros de la calle y el instinto agudo del artista.

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Boceto original de Abe Sapien, dibujo a rotulador sobre papel de bellas artes del artista callejero de graffiti y arte pop moderno Rich Pellegrino. Dibujo original a rotulador firmado por Rich Pellegrino, 2013. Tamaño de la obra: 9x12.

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Dibujo original de Tara McPherson con rotulador rosa y morado, calavera con diente de oro y flor, sobre cartulina. Obra de arte pop urbano moderno. Dibujo original firmado a rotulador, 2006. Tamaño: 9 x 11,5 pulgadas. Representa una flor con forma de calavera y un diente de oro. Representa una flor con un diente de oro. Medidas: 9 x 11,5 pulgadas. «Flor de Calavera con Diente de Oro», un dibujo original a rotulador de Tara McPherson, es un ejemplo impactante del arte pop urbano moderno que fusiona lo macabro con lo encantador. Creada en 2006, esta pieza firmada, de 23 x 29 cm, ilustra una flor de calavera caracterizada por un único diente de oro: un elemento simbólico que nos permite vislumbrar el singular universo artístico de McPherson. Realizado con rotulador rosa y morado sobre cartulina, el dibujo ejemplifica el enfoque de McPherson hacia sus temas, que a menudo entrelazan lo surrealista con las emociones humanas. La calavera, símbolo frecuentemente asociado con la mortalidad y la fugacidad de la vida, cobra nueva vida al transformarse en una flor: una representación del crecimiento, la belleza y la renovación. El diente de oro añade un toque lúdico al símbolo, por lo demás triste, de la calavera, inyectando humor y ligereza a la obra. Esta yuxtaposición es un hilo conductor en la obra de McPherson, donde fusiona con fluidez temas contrastantes para crear obras que invitan a la reflexión y, a la vez, son accesibles. Esta obra destaca en el arte pop urbano por su estilo distintivo y la forma atractiva en que invita a los espectadores a reinterpretar símbolos familiares. El arte de McPherson suele adornar tanto las paredes de las calles como las salas de galerías, lo que refleja la creciente aceptación y aprecio del arte urbano dentro de la comunidad artística en general. En «Flor de Calavera con Diente de Oro», McPherson continúa explorando las infinitas posibilidades de materiales sencillos como los rotuladores, demostrando que el arte impactante no se limita a los medios o métodos tradicionales. Su obra sigue siendo una parte fundamental del movimiento del arte pop urbano, conocida por su capacidad para desafiar las percepciones y deleitar al público con su visión ingeniosa de lo cotidiano.

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Líneas en la corriente de aire #4. Obra de arte original y única realizada con tinta de rotulador sobre papel de acuarela de bellas artes por el popular artista de arte callejero y cultura pop JM Rizzi. 2022. Pintura original firmada con tinta de rotulador. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Vivimos tiempos de tensión. Con los ojos cerrados, me entrego a la corriente, patino sobre la estela de un flujo energético incesante. Esta serie de obras sobre papel representa un experimento más sofisticado con motivos abstractos. El aluminio de un avión y el oro regio ondulan y se entrelazan como remolinos salpicados de carmesí. El acto final: una amalgama de tonalidades metálicas con finas líneas negras que cuestionan la delimitación entre el espacio positivo y negativo. Una interpretación visual de la sensación tácita del impulso eterno de la historia humana. –JM Rizzi

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Lady Shiva Original, obra única en su género, dibujo con técnica mixta de pintura y marcadores sobre papel artístico artesanal con bordes irregulares, por la popular artista de graffiti callejero Lady Pink. Ilustración original firmada y fechada en 2019, realizada con rotuladores sobre papel artesanal con textura irregular. Tamaño: 6 x 18 pulgadas. Lady Shiva de Lady Pink: La mitología se encuentra con la resistencia en el arte pop callejero Lady Shiva de Lady Pink, creada en 2019 con técnica mixta y rotulador sobre papel artístico artesanal con bordes irregulares, fusiona la mitología de influencia azteca con el simbolismo del grafiti y la resistencia social. Con unas dimensiones de 15 x 45 cm, esta obra única ejemplifica su compromiso constante con el empoderamiento femenino y la recuperación cultural a través del lenguaje del arte pop urbano y el grafiti. La figura central es una mujer vibrante, de aspecto divino, con seis brazos, adornada con calaveras, símbolos de la paz y llamativos rasgos faciales. Porta latas de aerosol y cadenas, una clara referencia a las herramientas y las luchas del movimiento del grafiti. La composición combina iconografía tradicional con una energía caricaturesca, canalizando tanto el arte mesoamericano como la rebeldía visual contemporánea. La figura central de la diosa alude a la deidad hindú Shiva, un poderoso símbolo de destrucción y transformación, pero aquí se la reinterpreta a través de la lente de la cultura urbana. Su expresión es feroz, desafiante y jubilosa. A su alrededor hay serpientes, pájaros y símbolos ornamentales dibujados en una paleta de rosas, morados y verdes saturados; una elección estética que refleja la historia de Lady Pink de desafiar las narrativas dominadas por los hombres en el graffiti apropiándose de su espacio con color y forma sin complejos. Alegoría visual del poder, la cultura y la resistencia La narrativa se desarrolla con marcados contrastes y un rico simbolismo. Por un lado, un grotesco policía con rostro de cerdo, esposado a la diosa, sostiene un aerosol como si se lo hubieran confiscado o lo hubieran malinterpretado. Por otro, figuras míticas —con collares de calaveras y serpientes— se alinean con la causa de la diosa. El diseño de los personajes es lúdico, pero el mensaje es contundente. Lady Pink utiliza el humor y la caricatura para exponer los ciclos de vigilancia, la aniquilación cultural y el control sistémico. Los grilletes y los puños cerrados transforman la obra en una alegoría del empoderamiento, donde el arte, la identidad y la herencia se convierten en instrumentos de resistencia. No se trata de una representación pasiva de la rebelión, sino activa, dinámica y festiva. La diosa empuña el grafiti como un arma de reinvención. Sus ojos, delineados con espesas pestañas, derraman lágrimas estilizadas que evocan tanto tristeza como poder. Su sonrisa, llena de dientes afilados, interpela directamente al espectador. Esta hibridez emocional —ferocidad combinada con alegría— es fundamental en el estilo de Lady Pink. Ella construye una mitología visual donde la memoria cultural y la rebeldía contemporánea se encuentran en la intersección del género, la historia y la pintura. Iconografía del grafiti reinterpretada desde una perspectiva feminista Lady Pink, nacida como Sandra Fabara en Ecuador y criada en Nueva York, ha sido una voz pionera en el grafiti desde la década de 1980. Su obra fusiona constantemente la energía de la calle con narrativas personales y políticas, especialmente desde una perspectiva feminista. Lady Shiva es un testimonio de su papel en la transformación del grafiti en un espacio de inclusión y crítica cultural. En lugar de adherirse a las convenciones hipermasculinas del tagging y el bombing, incorpora motivos ancestrales, ilustración de personajes y simbolismo para narrar comentarios sociales más profundos. En Lady Shiva, la combinación de papel artesanal, trazos gruesos de rotulador y temática mitológica se alinea con la naturaleza táctil y efímera del grafiti. Los bordes sin pulir, las texturas visibles del pincel y los rellenos brillantes del rotulador evocan la inmediatez de los muros de las calles y los cuadernos de bocetos. Esta fisicalidad conecta con las raíces del medio: accesible, sin filtros y profundamente personal. La obra rechaza el pulido en favor de la presencia, otorgando a la diosa una cualidad cruda y viva. A través de Lady Shiva, Lady Pink no solo crea una diosa, sino un arma narrativa. La obra se convierte en una declaración de proporciones murales en miniatura, uniendo poder espiritual, arte ancestral y la resistencia vivida de las mujeres artistas que reivindican su espacio en la esfera pública. Es un hechizo visual realizado con aerosol y rotulador, que evoca la transformación en el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti.

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Advertencia: Adictivo - Edición limitada naranja con serigrafía en la tabla de skate, obra del artista de la cultura pop callejera Shepard Fairey OBEY. Firmada en el frente con rotulador. Advertencia: Tabla de skate adictiva. Edición numerada de 400 unidades. Firmada por Shepard Fairey. Soy un gran admirador del arte y el skateboarding de Andy Howell desde finales de los 80, y seguí con entusiasmo el lanzamiento de New Deal Skateboards junto a sus socios en 1990. New Deal fue revolucionaria no solo porque los skaters la lideraron creativamente, sino porque el arte y el diseño de Andy Howell transformaron casi instantáneamente la estética y el estilo del skateboarding, pasando de calaveras y dragones al grafiti y el hip-hop. New Deal fue la primera compañía centrada principalmente en el skateboarding callejero y la cultura urbana, y sus ingeniosos y divertidos anuncios celebraban su papel como la vanguardia de las compañías propiedad de skaters, siempre al servicio del pueblo y atentas a la calle. Desde el principio, New Deal marcó la pauta de los 90. -Shepard

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Compra el DIBUJO en la obra de arte Modern Street Pop MEDIUM. 2022 Firmado Original XXXX MEDIOS Dibujo Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Camiseta de leopardo. Dibujo original en técnica mixta de RAE BK sobre cartulina. Obra de arte pop urbano moderno. 2022. Original firmado. Marcadores y rotuladores permanentes, lápices de grafito y de colores, tinta, dibujo de técnica mixta. Tamaño: 5x8. Camisa Leppard de RAE BK – Forma fragmentada y textura emocional en el arte pop callejero y el grafiti «Camisa de Leopardo» es un dibujo original de técnica mixta de 2022 de la artista RAE BK, residente en Brooklyn. La obra, realizada sobre cartulina de 12,7 x 20,3 cm, utiliza marcadores, rotuladores permanentes, grafito, lápices de colores y tinta, además de otros detalles que evocan un collage. Esta pieza única exhibe el lenguaje visual espontáneo, complejo y cargado de emotividad de RAE BK. Dominada por una figura abstracta y audaz, dibujada con gruesas líneas negras y rasgos irregulares, la composición juega con el retrato de una manera intencionadamente fragmentada y expresiva. Los elementos faciales se repiten, distorsionan o reflejan, mientras que el estampado de manchas de la camisa —un guiño al título— se representa con marcas difusas que oscilan entre la representación y la textura simbólica. Esta obra existe tanto como dibujo como objeto, operando dentro del caos estético que define el Arte Pop Urbano y el Grafiti. Energía expresionista en carácter y superficie Las figuras de RAE BK nunca son pulcras ni simétricas; se construyen desde cero, se corrigen en tiempo real y se impregnan de una emoción cruda y sin filtros. En «Camisa de leopardo», el rostro central se siente inestable, pero a la vez seguro de su presencia. La nariz desproporcionada, los ojos simplificados y la boca curva se superponen a capas de material difuminado, creando un retrato que transmite emoción más que literalidad. La repetición del motivo facial en miniatura —como ecos o iteraciones— sugiere memoria o comentario. La obra no ofrece una figura resuelta, sino una huella psicológica, trazada con urgencia y espontaneidad. Esta sensación de inmediatez emocional es lo que sitúa la obra de RAE BK firmemente dentro de la tradición del Arte Pop Urbano y el Grafiti, donde las líneas tienen tanto que ver con el ritmo y la respuesta como con el control. Elementos de collage y disrupción material La presencia de materiales mixtos —como brillantina, objetos adheridos y lo que parece ser una etiqueta de código de barras— transforma la superficie en un diálogo textural entre imagen y objeto. El artista utiliza las herramientas de la calle —fragmentos encontrados, capas improvisadas, materiales en bruto— y las comprime en una obra sobre papel que se siente escultórica y viva. Estas adiciones táctiles no solo decoran la página, sino que la irrumpen. Funcionan como interrupción, símbolo y crítica a la vez. La brillantina se convierte en distorsión. La cinta adhesiva, en gesto. El resultado es un dibujo que funciona como un cartel pegado en la pared o una etiqueta encontrada: un mensaje entregado en partes, abierto a la interpretación pero cargado de presencia. La superposición de capas y la creación de marcas se fusionan en un campo visual de caos controlado, que evoca la realidad estratificada de la experiencia urbana y la supervivencia artística. RAE BK y el lenguaje del artefacto urbano La obra «Camisa de leopardo» de RAE BK es una representación en miniatura, pero completa, de su práctica artística más amplia: una fusión intuitiva de abstracción emocional, símbolos codificados y lenguaje visual recuperado. La pieza no busca una comprensión lineal. Existe como un documento de sentimientos, una colisión entre la narrativa interna y la realidad encontrada. Su enfoque abraza la imperfección, confiando en que los materiales y su disposición hablen con más fuerza que una composición pulida. Como parte de «Arte Pop Urbano y Grafiti», este dibujo nos recuerda que una obra de pequeño formato puede transmitir la misma intensidad y significado que un mural o una instalación. RAE BK continúa creando no por necesidad de explicación, sino desde la urgencia, el ritmo y la resistencia, otorgando al papel, como a los muros de la ciudad, el poder de transmitir voces que se niegan a ser ignoradas.

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Al Tren del Arte. Pintura original de estilo urbano del metro sobre escultura mural, obra de arte del artista callejero de graffiti Rek Santiago. Escultura de tren estilo urbano, firmada en 2010, original, con rotulador de pintura en aerosol y diseño único. Medidas: 20,25 x 5 x 1,75 pulgadas. Grafiti original pintado a mano y firmado por RekOne NSA y RekOne WB sobre soporte de pared, estilo andén de metro de cualquier ciudad. Suciedad y marcas dispersas propias de la edad, excelente estado.

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Medusa demoníaca. Dibujo original a rotulador de Buff Monster sobre cartulina. Obra de arte pop urbano moderno. Dibujo original firmado a rotulador mágico de 2007, tamaño 10x6, de una medusa demonio voladora. «Medusa Demoníaca», una impactante obra de Buff Monster, encapsula la vibrante esencia del arte pop urbano. Creada en 2007, esta obra original a rotulador sobre cartulina mide 25,4 x 15,2 cm y presenta un tema intrigante: una medusa demoníaca voladora. Al ser una obra original firmada, constituye una conexión tangible con el espíritu creativo de Buff Monster y la narrativa más amplia del arte urbano. La obra presenta una criatura caprichosa, sello distintivo del estilo de Buff Monster, que a menudo combina lo tierno con lo grotesco y lo lúdico con lo demoníaco. Esta yuxtaposición es emblemática del poder del arte pop urbano para fusionar elementos dispares con el fin de provocar la reflexión y evocar emociones. La medusa, con sus tentáculos colgantes y alas angelicales, invita a un diálogo sobre la naturaleza de la dualidad: siniestra pero benigna, flotante pero dirigida. El uso que hace Buff Monster de la tinta negra intensa sobre el fondo liso ejemplifica la potencia del contraste, una técnica frecuentemente empleada en el arte urbano para transmitir imágenes explícitas y poderosas incluso a distancia. La decisión de representar una medusa demoníaca sugiere una narrativa donde convergen criaturas mitológicas y leyendas urbanas, creando un tapiz de folclore moderno. La inclusión de la firma de Buff Monster y el año de creación sitúan la obra en el tiempo, ofreciendo autenticidad y una instantánea de la evolución del artista. A medida que el arte pop urbano continúa ganando reconocimiento, obras como «Medusa Demoníaca» son fundamentales para documentar la historia del movimiento y la diversidad de sus expresiones artísticas. En el contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti, «Medusa Demoníaca» se erige como un testimonio de la creatividad sin límites de los artistas que se inspiran en sus entornos urbanos. La obra de Buff Monster invita a los espectadores a encontrar belleza y significado en formas inesperadas, demostrando que incluso las criaturas más fantásticas tienen un lugar en las calles y en el corazón de quienes las encuentran.

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RD Bold Tag Marker Dibujo original de RD-357 Real Deal en cartón Arte pop callejero moderno. 2012. Dibujo original firmado con rotulador sobre cartón reciclado. Tamaño: 16,5 x 7,5 cm. Presenta marcas de cinta adhesiva y pliegues naturales. RD-357: Las líneas audaces de la identidad callejera RD-357, conocido como 'Real Deal', es un artista cuyas llamativas firmas se han convertido en un símbolo de autenticidad y expresión cruda en la comunidad del arte urbano. Su obra de 2012, un original firmado con rotulador sobre cartón, de unas impactantes dimensiones de 42 x 19 cm, es un testimonio de su enfoque directo hacia el arte. Esta pieza, conocida simplemente como "RD Bold Tag", es un ejemplo paradigmático de cómo el arte urbano transmite identidad y presencia. La etiqueta como firma de existencia En el grafiti y el arte urbano, la firma representa mucho más que un nombre; es la rúbrica del artista y, a menudo, su alter ego. Es un sello de existencia, una reivindicación de un momento en el tiempo y el espacio. La «RD Bold Tag» de RD-357 es una declaración de identidad, plasmada en marcado contraste sobre el humilde soporte del cartón reciclado. El uso de materiales desechados como lienzo refleja el ingenio y la creatividad del arte urbano, haciendo eco de las raíces del movimiento en la búsqueda del máximo aprovechamiento del paisaje urbano. Arte pop callejero: un diálogo con la corriente principal El arte pop callejero, una rama del movimiento pop art, toma imágenes y objetos cotidianos y los recontextualiza dentro del mundo del arte. La obra de RD-357 encaja perfectamente en esta definición, ya que eleva una simple firma a la categoría de arte elevado mediante su ejecución e intención. Firmar "RD" en cualquier superficie es una forma de arte pop: tomar un elemento común de las calles e imbuirlo de una cualidad artística única. La naturaleza de la obra de RD-357 —su simplicidad, franqueza y su negativa a ser ignorada— refleja las corrientes subyacentes que impulsan gran parte del arte pop y callejero. Es un recordatorio de que el arte no necesita ser complejo para ser poderoso. A veces, una firma y un trozo de cartón bastan para hacer una declaración perdurable. "RD Bold Tag" de RD-357 encapsula el espíritu del arte callejero en su forma más elemental. No solo marca un espacio físico; marca un punto en la trayectoria del artista, un hito en la historia del arte callejero. Esta obra sirve como ejemplo del trabajo de RD-357 y como símbolo del legado perdurable del movimiento del arte urbano. Este legado continúa evolucionando e influyendo en nuevas generaciones de artistas en todo el mundo.

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Hola, mi nombre es Montana Cans Original Permanent Marker Slap-Up Label Drawing Art on Montana Spray Paint Label by Graffiti Artist Lyric One Modern Street Artwork. Etiqueta de arte de graffiti original firmada de 2020, 5x3.75, con marcador, sobre etiqueta de Montana Spray Paint Company "Hola, mi nombre es". Pliegue a lo largo del lado derecho.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Taza de pintura con pinceles. Escultura original de cerámica pintada a mano por Joshua Vides. Serie Sueños Rotos. Obra de arte del artista callejero de graffiti. Escultura original hecha a mano y firmada en 2023. Obra única de cerámica y pintura acrílica. Tamaño: 4x7. Taza en blanco y negro mate con rotulador, lápiz y bolígrafo. Taza de pintura con pinceles de Joshua Vides: Ilusión escultórica en el arte pop callejero y el grafiti «Taza de pintura con pinceles» es una escultura cerámica original pintada a mano en 2023 por el artista de graffiti e innovador visual Joshua Vides. Creada como parte de su serie «Sueños rotos», esta obra única mide 10 x 18 cm y está compuesta de cerámica y pintura acrílica. La pieza representa una taza de café blanca con el característico estilo gráfico de dibujos animados en blanco y negro de Vides, llena de herramientas de creación hiperestilizadas: un lápiz amarillo, un rotulador y un bolígrafo negro. La escultura plasma una escena de estudio en forma física, utilizando materiales artesanales para simular objetos que suelen ser desechables, de uso inmediato y que a menudo pasan desapercibidos. Lo que distingue a esta pieza no es solo su precisión visual, sino su subversión conceptual: transforma algo utilitario en un emblema escultórico de la práctica artística y la parodia cultural dentro del contexto del arte pop urbano y el graffiti. La taza presenta un llamativo patrón de semitonos al estilo cómic y un bocadillo con la inscripción «MATTE BLACK», estilizado en letras mayúsculas que hacen referencia a la estética del arte pop y la publicidad de la era de la imprenta. Las gotas negras en el borde de la taza están meticulosamente pintadas para imitar el derrame de tinta real, pero están fijadas en el esmalte. Cada herramienta dentro de la taza está permanentemente unida, sin posibilidad de extracción, convirtiendo los instrumentos de dibujo cotidianos en elementos de una ilusión elaborada. Las superficies están cubiertas de salpicaduras y marcas de desgaste, evocando la energía cruda de un taller de dibujo, a la vez que están completamente esculpidas y selladas en cerámica. Vides juega con la textura, el contraste y la asociación cultural, creando una escultura que es a la vez lúdica y transgresora. Transformación de materiales y gesto estático Joshua Vides es conocido por transformar objetos y entornos reales en audaces representaciones en blanco y negro que imitan bocetos o acetatos de animación primitiva. «Taza de pintura con pinceles» continúa esta práctica, pero en una escala compacta y sumamente íntima. La taza y su contenido simulan los vestigios del trabajo creativo, pero se recontextualizan como objetos permanentes. Esta transformación de lo efímero a lo coleccionable subraya la tensión entre proceso y presentación, temas centrales en la obra escultórica de Vides. El patrón de semitonos y los elementos cómicos hacen un guiño a las tradiciones del arte pop, reinterpretados desde una perspectiva influenciada por el grafiti. Las herramientas dentro de la taza están exageradas en tamaño y forma, creando una ligera distorsión que aporta humor y estilización a la pieza. Si bien cada objeto parece familiar, la presentación en conjunto los convierte en una declaración visual sobre la repetición, el esfuerzo y el valor en el proceso creativo. Joshua Vides y el lenguaje de la cultura de los objetos urbanos Vides se ha convertido en una figura clave en el diálogo entre las bellas artes, la moda y la cultura del grafiti, conocido por su estética nítida y su coherencia temática. Su serie «Shattered Dreams» amplía su exploración del trabajo artístico y la identidad comercial, integrando la crítica en formas engañosamente simples. «Paint Mug With Brushes» traslada esta indagación a una escala doméstica y personal. La superficie cerámica, generalmente asociada a la artesanía funcional, se reinventa aquí como un medio escultórico para la metáfora visual. Esta escultura no trata sobre la función, sino sobre el significado, sobre lo que significa crear y las herramientas que utilizamos para ello. El bocadillo que contiene la frase «MATTE BLACK» también funciona como un código cultural, aludiendo tanto a la estética literal de la escultura como a la obsesión contemporánea por las marcas y las ediciones limitadas. En manos de Vides, la taza no es solo un recipiente, sino un comentario sobre el gusto, las tendencias y la voz artística. Refleja una mezcla de ironía del cómic, práctica callejera y conceptualismo pop que define el Street Pop Art y el Graffiti en su máxima expresión. Taza de pintura con pinceles como icono del proceso y símbolo personal Esta escultura es más que un objeto: es un símbolo del mundo interior y exterior del artista, donde las herramientas se convierten en trofeos y las marcas de uso en elementos de estilo. «Taza de pintura con pinceles» es una celebración visual de la imperfección, el proceso y la persistencia. Captura una escena cotidiana y silenciosa —el vaso de bolígrafos del artista— y la vuelve permanente, elevada e impregnada de sátira. Joshua Vides transforma lo mundano en iconografía, inspirándose en el mismo instinto que impulsa el arte callejero: marcar las herramientas, dejar huella, contar una historia con trazos audaces. Dentro del amplio mundo del arte pop callejero y el grafiti, «Taza de pintura con pinceles» funciona como un altar en miniatura a la creatividad misma. Es limpia y a la vez desordenada, lúdica y a la vez cargada de significado, esculpida y a la vez esbozada. Al congelar el momento en que nace el arte —el gesto de tomar el bolígrafo, el contacto con el pincel— Vides ofrece una representación estática de la energía creativa. Es a la vez una reliquia de estudio y un artefacto cultural, y su mensaje es simple pero poderoso: incluso las herramientas más pequeñas pueden tener la voz más fuerte.

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