Dinero en efectivo

El más grande de todos los tiempos 3 Muhammad Ali x Sonny Liston Pop Street Artwork Impresión giclée de edición limitada en papel acuarela grueso del artista moderno Alec Monopoly Brand. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 36 x 24 pulgadas.

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Juego de dominó dorado, obra de arte de Ben Baller, edición limitada, pieza de colección de diseño pop. Edición limitada de 2022 de 2000 unidades. Juego de dominó dorado raro con caja de arte de objeto. Nuevo en caja. Reimaginando el juego: El juego de dominó dorado de Ben Baller como arte objetual El juego de dominó dorado, una obra de arte de Ben Baller, personifica la fusión entre lujo y juego. Esta edición limitada redefine los juegos tradicionales a través del prisma del arte pop. Tan solo 2000 piezas de esta exclusiva colección fueron creadas en 2022, cada una un testimonio del espíritu innovador de los movimientos artísticos contemporáneos. El juego viene en una caja que forma parte integral de la obra, al igual que las fichas de dominó, con la contundente inscripción "ESTA NO ES TU VIDA DE PRÁCTICA", que evoca la filosofía del arte pop urbano y el grafiti. La transformación de un juego clásico en un objeto de colección de diseño refleja la tendencia del arte pop urbano a elevar lo mundano a lo sublime. Al incorporar el oro —un material que históricamente ha simbolizado riqueza y poder— en un contexto lúdico, Ben Baller invita a reflexionar sobre la yuxtaposición entre valor y entretenimiento. Las fichas de dominó no son meras piezas de juego, sino obras de arte individuales, cada una con el potencial de formar innumerables combinaciones y resultados, al igual que el arte del grafiti. Este juego de dominó trasciende su función como juego, adentrándose en el ámbito del arte interactivo. Está diseñado para entretener, servir como punto de encuentro para la interacción social y ser una experiencia táctil que deleita tanto por su estética como por su uso. El juego dorado, presentado nuevo en su caja, irradia exclusividad y la anticipación de una pieza aún por descubrir. Juego de oro: El dominó como símbolo en la cultura del arte callejero En la cultura del arte pop urbano y el grafiti, los símbolos e iconos se reinterpretan con frecuencia para desafiar percepciones y criticar las normas sociales. El juego de dominó dorado de Ben Baller simboliza la intersección entre el arte elevado y la cultura popular, donde el acto de jugar se presenta en una forma lujosa. El juego se convierte en un lienzo que refleja la visión del artista y la expresividad lúdica del arte urbano. Asimismo, refleja el carácter comunitario del arte urbano: al igual que los murales y las firmas se integran al tejido del barrio, este juego invita a la comunidad y al compañerismo. Jugar al dominó es un lenguaje universal que une culturas y generaciones, al igual que el arte urbano comunica a públicos diversos. El logotipo «BB», sinónimo de la marca de Ben Baller, sirve como firma de esta experiencia colectiva, integrando cada partida en una narrativa más amplia. Además, el conjunto se alinea con la exploración del consumismo y la mercantilización del ocio propia del movimiento pop art. Cuestiona los límites entre arte y objeto, entre una pieza de galería y un artículo doméstico. De este modo, el Juego de Dominó Dorado no es solo un objeto de juego, sino una declaración sobre la importancia cultural de los juegos y su papel en nuestras vidas. Inversión artística: Coleccionar el juego de dominó dorado Para los coleccionistas, el atractivo del Juego de Dominó Dorado de Ben Baller reside en su doble identidad: un juego funcional y una pieza de arte de edición limitada. Como inversión, representa la convergencia entre la expresión artística y el prestigio cultural del diseño coleccionable. Este juego es emblemático de una tendencia artística donde los límites entre los objetos prácticos y las obras de arte no solo se difuminan, sino que se entrelazan deliberadamente. Su carácter de edición limitada —solo existen 2000 unidades— eleva su estatus dentro del mercado del arte y el coleccionismo. Se convierte en una pieza codiciada por su belleza, su exquisita artesanía, su rareza y su potencial de revalorización. Como objeto de colección, encierra una historia, una muestra de la visión del artista y un momento donde el arte y el juego se celebran en perfecta armonía. El Juego de Dominó Dorado de Ben Baller es un artefacto cultural en la encrucijada del arte pop urbano, el grafiti y el diseño de lujo. Es una celebración del espíritu lúdico que inspira gran parte del arte pop, una interpretación lujosa de un juego atemporal y un guiño a la alegría colectiva de las experiencias compartidas. Este conjunto no es simplemente una colección de fichas de dominó doradas; es un compendio de arte, juego y el mensaje imperecedero de que la vida, con todos sus juegos y apuestas, no es un ensayo, sino un escenario para el esplendor y el espectáculo.

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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Límite de crédito - Hasta que la deuda nos separe. Edición limitada. Impresión artística de pigmentos de archivo en papel MOAB Fine Art de 290 g/m² del legendario artista de arte callejero y cultura pop moderna Denial. Límite de crédito 2020: Hasta que la deuda nos separe. Arte con temática de dinero y tarjetas de crédito. Numerado, firmado, sellado al dorso, edición de 25, 24 x 18 pulgadas, impresión de pigmento de archivo en papel artístico MOAB de 290 g/m². Límite de crédito: Hasta que la deuda nos separe por denegación «Límite de Crédito: Hasta que la Deuda nos Separe» es una provocativa impresión artística de pigmentos de archivo creada por el artista canadiense de arte urbano pop y grafiti Daniel Bombardier, conocido profesionalmente como Denial. Lanzada en 2020, esta obra forma parte de la icónica serie «Límite de Crédito» del artista, que critica el consumismo y la arraigada relación entre el amor, el matrimonio y la dependencia financiera. Con unas dimensiones de 61 x 46 cm (24 x 18 pulgadas) e impresa en papel artístico MOAB de 290 g/m², esta obra de edición limitada está firmada, numerada y sellada al dorso, con solo 25 copias disponibles. La pieza combina imágenes impactantes con una aguda crítica social, convirtiéndose en un ejemplo sobresaliente del estilo característico de Denial. Explorando el amor y el consumismo a través del arte pop «Hasta que la deuda nos separe» presenta un abrazo romántico entre una pareja sobre un diseño inspirado en una tarjeta de crédito American Express. La yuxtaposición de amor y compromiso financiero resalta la dimensión monetaria, a menudo ignorada, de las relaciones. La pose íntima de la pareja, plasmada con colores vibrantes y líneas al estilo del cómic, transmite pasión y ternura. Sin embargo, el fondo de una tarjeta de crédito sirve como un crudo recordatorio de las realidades financieras que pueden influir y complicar las relaciones. Esta dualidad entre emoción y materialismo invita a los espectadores a reflexionar sobre las implicaciones culturales y personales de fusionar el amor con las obligaciones económicas. El enfoque artístico único de Denial La obra de Daniel Bombardier es reconocida por su fusión de imágenes de la cultura pop con una crítica social incisiva. «Until Debt Do Us Part» ejemplifica su habilidad para transformar símbolos cotidianos en poderosas declaraciones artísticas. El diseño, inspirado en American Express, subraya el papel omnipresente de las instituciones financieras en la vida moderna, mientras que las imágenes románticas añaden una profundidad emocional que conecta con el público. El uso de impresión con pigmentos de archivo por parte de Denial garantiza que la obra conserve sus colores vibrantes y detalles nítidos, mientras que el papel MOAB de 290 g/m² realza su calidad visual y táctil. Al combinar elementos del arte pop urbano y el grafiti, Denial crea una pieza visualmente atractiva e intelectualmente estimulante. La relevancia cultural de Hasta que la deuda nos separe Esta obra aborda las complejas intersecciones entre el amor, el matrimonio y la cultura del consumo. Al enmarcar un momento romántico dentro del contexto de la dependencia financiera, Denial critica las presiones sociales que a menudo entrelazan los compromisos emocionales y económicos. Su carácter de edición limitada aumenta su importancia, convirtiéndola en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados al arte pop urbano y al grafiti. «Hasta que la deuda nos separe» es un conmovedor recordatorio de cómo los sistemas financieros influyen en nuestras relaciones más personales, consolidando la reputación de Denial como una voz destacada del arte contemporáneo. A través de sus impactantes imágenes y temas provocativos, esta obra invita a los espectadores a reconsiderar la dinámica del amor y la deuda en un mundo materialista.

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Obra de arte de Landfall, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de 290 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Josh Keyes. Edición de 175 ejemplares. 46 x 66 cm (18 x 26 pulgadas). Impresión artística en papel de 290 g/m². Firmada y numerada a mano. El mundo híbrido que Keyes ha creado oscila entre el surrealismo y el fotorrealismo, una mezcla que inquieta al espectador, haciéndonos sentir inseguros y expuestos a un futuro incierto y peligroso. En el centro de su obra reside la preocupación por nuestra supervivencia y el futuro de la Tierra. Esta inquietud se destaca mediante la representación de animales perdidos y desplazados de sus hábitats naturales. Se encuentran en peligro y lejos de su ecosistema natural, reubicados en dioramas fantásticos.

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Libertad/Prosperidad a cualquier precio - Edición limitada en negro, impresión serigráfica de 2 colores realizada a mano sobre papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía artesanal de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas). Impresa en papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada ejemplar está firmado y numerado. Edición limitada de 125 copias. El arte de Peterson posee un marcado carácter antisistema, y ​​la ira, como fuerza creativa, está presente en la mayoría de sus obras. El artista es el sujeto de la ira, y con su trabajo se rebela contra el profundo hastío y malestar de la sociedad. Este artista afincado en Los Ángeles es el artífice de una serie de obras distópicas —pinturas, grabados, esculturas y murales— expuestas en Estados Unidos, Europa y Asia.

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Let Us Prey - Edición limitada en vinilo negro mate, juguete coleccionable, obra de arte del artista de graffiti callejero Frank Kozik. Obra de arte de edición limitada 2021, 25 cm de alto Se muestra con caja Atrapados en un mundo cruel donde el dinero es fuente de ingresos y felicidad, hemos transformado cualquier intercambio hasta convertirlo en algo muy distinto a una sonrisa de un desconocido. Nuestras plegarias se han convertido en súplicas para ser bendecidos con riquezas y bienes materiales que garanticen nuestra longevidad y cuiden nuestras cuentas bancarias en lugar de a nuestros amigos.

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Dibujo original de marcador de MQ Silver Tag Dollar por MQ Planet - MQ en billete de 1 dólar estadounidense y lote de 100 obras de arte pop callejero moderno. 2023. Firmado por Tag. Dibujo original con rotulador permanente plateado y negro. Tamaño: 6 x 2,75 pulgadas. Sobre billete auténtico de 1 dólar estadounidense. Incluye también dos impresiones de billetes de 100 dólares con etiquetas impresas o hechas con rotulador; no puedo distinguirlas, ya que la tinta tiene un brillo moteado. El "MQ Silver Tag Dollar" de MQ Planet: Una moneda del arte pop callejero MQ Planet, conocido mundialmente como Mque, trasciende las formas artísticas tradicionales al fusionar el arte pop urbano y el grafiti con el emblemático lienzo del billete. El "MQ Silver Tag Dollar", una obra original firmada de 2023, es un ejemplo brillante de cómo la energía cruda del arte urbano puede plasmarse en un billete de un dólar estadounidense. Con unas dimensiones de 15,2 x 7 cm, esta pieza presenta un dibujo a rotulador permanente plateado y negro, que subraya el enfoque innovador del artista hacia el arte pop urbano moderno. Medio monetario: una nueva vía de expresión Utilizar el dinero como lienzo no es una simple elección, sino una declaración, una forma en que MQ Planet integra su mensaje en la esencia misma de las transacciones cotidianas. Imprimir su icónica firma en un billete de dólar es provocador; transforma el billete de moneda de curso legal en una obra de arte, desafiando al espectador a reconsiderar el valor que le damos al dinero frente al arte. El "Dólar con la Etiqueta Plateada de MQ" ejemplifica cómo el artista capitaliza la ubicuidad del dinero para difundir su visión, asegurando que su arte circule con la misma libertad que el propio dólar. La pieza no es solo arte; se convierte en un vehículo para transmitir la cultura pop urbana. Planeta MQ: Un alquimista artístico En manos de MQ Planet, el billete de dólar trasciende su función monetaria, transformándose en algo de gran significado cultural. Con el "MQ Silver Tag Dollar", Mque realiza un acto de alquimia artística, convirtiendo lo ordinario en extraordinario. Su elección de un marcador plateado es deliberada, contrastando con el verde intenso del billete y otorgándole al tag un brillo cromado que atrae todas las miradas. El tag, una audaz representación de la firma del artista, es a la vez una marca personal y un símbolo universal dentro de la comunidad del grafiti. Significa propiedad y presencia, la reivindicación del espacio por parte del artista, incluso en algo tan pequeño como un billete de dólar. El "MQ Silver Tag Dollar" es un testimonio de la perdurable versatilidad y adaptabilidad del arte pop urbano y el grafiti. Ejemplifica cómo artistas como MQ Planet constantemente expanden los límites de su arte, encontrando nuevas formas de conectar con el público y dejar una huella imborrable en el panorama cultural. Mediante obras como esta, MQ Planet deja su firma en un objeto físico e imprime su visión en la propia esencia de la cultura pop.

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Money GID Glow 3oz Kickstarter Exclusive Canbot Canz Art Toy by Czee13 Limited Edition Spray Paint Can Figure Robot Pop Graffiti Artwork. 2021 Brilla en la Oscuridad GID Edición Limitada Exclusiva de Kickstarter Nuevo en Caja Tamaño 1.5x3 Robot Canz 3oz Canbot Canz Lata de Pintura en Aerosol Juguete de Arte. Lata de aerosol Money GID Glow de 3 oz de Czee13 – Edición limitada exclusiva de Kickstarter El Money GID Glow 3oz Canbot de Czee13 es una llamativa fusión entre la cultura de los juguetes coleccionables de diseño y la estética rebelde del grafiti y el surrealismo pop. Lanzada en 2021 como exclusiva de Kickstarter, esta figura de edición limitada que brilla en la oscuridad mide aproximadamente 7,6 cm de alto y viene en su caja original de exhibición personalizada. La serie Canbot, conocida por transformar latas de pintura en aerosol en carismáticas figuras inspiradas en robots, ejemplifica cómo el arte urbano puede reinventarse en forma escultórica. Czee13, un prolífico artista y diseñador de juguetes del Reino Unido, creó la plataforma Canbot para fusionar la iconografía del grafiti con la diversión de los juguetes de vinilo, manteniendo la integridad artística tanto en el concepto como en la ejecución. Innovación fluorescente en la cultura de los juguetes de diseño Lo que distingue al Money GID Glow Canbot es su capacidad de brillar en la oscuridad, convirtiéndolo en un objeto de arte funcional y una experiencia visual vibrante. El tono verde translúcido de la figura cobra vida bajo luz negra o en la oscuridad, transformando su forma minimalista en un faro luminoso de energía creativa. Su superficie está decorada con los característicos goteos y simbología mística de Czee13, incluyendo el ojo que todo lo ve e iconos esotéricos. Esta interacción de luz, material y mensaje crea una pieza que se siente viva, conectando con el espectador a través de su atractivo táctil y su energía luminosa. La forma del Canbot, con su cabeza abovedada que recuerda a una lata de aerosol y su postura desafiante, refleja la herencia cruda del arte urbano a la vez que atrae a una nueva generación de coleccionistas que anhelan tanto la nostalgia como la innovación. De la lata de pintura en aerosol a la escultura de arte pop callejero El Canbot transforma el práctico bote de pintura en aerosol en una declaración figurativa de rebeldía artística. Se inspira directamente en la cultura del grafiti, haciendo referencia a la herramienta del grafitero y muralista, a la vez que la antropomorfiza con brazos, piernas y un expresivo lenguaje corporal. Como edición arraigada en el espíritu DIY de las campañas de Kickstarter, el Canbot 3oz Money GID Glow se erige como un logro independiente en la historia de los juguetes de diseño. Combina la accesibilidad del arte en vinilo producido en masa con la exclusividad y la artesanía del arte pop urbano. La habilidad de Czee13 para fusionar un minimalismo elegante con símbolos culturales subversivos posiciona la línea Canbot de lleno dentro del lenguaje visual del arte urbano contemporáneo. Czee13 y la expansión del arte del grafiti en los juguetes de diseño Czee13, originario del Reino Unido, se ha ganado el reconocimiento por llevar al límite la escultura basada en el grafiti y el arte coleccionable en vinilo. Su plataforma Canbot ha sido testigo de numerosas colaboraciones con artistas, pero la edición Money GID Glow, creada exclusivamente bajo su propia dirección estética, representa la pureza de su visión creativa. Clutter Studios y el sello del artista garantizaron una producción de alta calidad y un detallado preciso, convirtiendo esta edición en una de las más codiciadas entre los coleccionistas de Canbot. La serie Canbot ejemplifica cómo el arte pop urbano y el grafiti continúan evolucionando, trascendiendo muros y trenes para existir en manos de coleccionistas, en vitrinas y dentro de selectas colecciones de objetos efímeros de la cultura pop moderna.

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El más grande de todos los tiempos 2 Muhammad Ali x Floyd Patterson Pop Street Artwork Impresión giclée de edición limitada en papel acuarela grueso del artista moderno Alec Monopoly Brand. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 36 x 24 pulgadas. Pequeño desgarro de 2,5 cm en la parte inferior central

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Top Elite Fashions - Impresión serigráfica de edición limitada a dos colores, realizada a mano sobre papel de bellas artes, por Shepard Fairey. Arte callejero único. Artista pop OBEY. Serigrafía de 18 x 24 pulgadas, edición firmada y numerada de 450 ejemplares. Firmada y numerada a lápiz por Shepard Fairey, esta serigrafía está impresa en papel de color blanco hueso de peso medio.

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Billete de un dólar de George Washington. Pintura al óleo original y única sobre lienzo del artista pop moderno Steve Kaufman SAK. 2002. Obra original firmada, enmarcada a medida y sobre lienzo tensado. Medidas: 27 x 44 pulgadas.

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Billete de 500 dólares - Edición limitada verde, pintura al óleo HPM serigrafiada sobre lienzo con detalles pintados a mano por Steve Kaufman, artista callejero de graffiti SAK, arte pop moderno. Billete de 500 dólares estadounidenses de 1934, firmado y enmarcado a medida, con la imagen del presidente estadounidense William McKinley. Billete de 500 dólares, edición limitada en verde, pintura al óleo HPM sobre lienzo, con detalles pintados a mano, por Steve Kaufman La edición limitada en lienzo de edición limitada con pintura al óleo HPM, con detalles pintados a mano, del billete de 500 dólares, es una impactante obra de arte pop urbano y grafiti del legendario artista pop moderno Steve Kaufman. La obra es una reproducción firmada y enmarcada a medida del anverso del billete de 500 dólares estadounidenses de 1934, con la imagen del presidente William McKinley. Esta pieza, creada en 1995, constituye un poderoso ejemplo del estilo característico de Kaufman para transformar símbolos históricos y culturales en vibrantes obras maestras modernas. Steve Kaufman y su impacto en el arte pop callejero y el grafiti Steve Alan Kaufman, nacido en 1960 en Estados Unidos, fue alumno y asistente de Andy Warhol antes de desarrollar su propio estilo artístico. Amplió las técnicas del arte pop de Warhol incorporando detalles pintados a mano, elementos de grafiti y combinaciones de colores poco convencionales, convirtiendo sus obras en piezas de colección únicas. Las contribuciones de Kaufman al arte pop urbano y al grafiti se caracterizaron por una profunda conexión con la iconografía cultural estadounidense, incluyendo billetes, figuras históricas y símbolos de consumo icónicos. Su obra exploró con frecuencia temas como el capitalismo, la nostalgia y el poder de las imágenes reconocibles para evocar emociones y generar reflexión. Esta impresión de un billete de 500 dólares es una excelente muestra de la habilidad de Kaufman para fusionar la iconografía financiera con la estética del arte urbano. Mediante el uso de detalles pintados a mano con pintura al óleo y técnicas de serigrafía, la pieza logra una riqueza táctil que contrasta con el diseño tradicional de la moneda estadounidense. Al reimaginar el billete con colores llamativos, Kaufman insufla nueva vida a un objeto típicamente asociado con el poder económico y la exclusividad. Simbolismo del billete de 500 dólares en el arte pop y la cultura del grafiti callejero El billete de 500 dólares, en particular el de la serie de 1934 con la imagen del presidente William McKinley, es una forma rara y descatalogada de moneda estadounidense. Aunque alguna vez estuvo en circulación, estos billetes de alta denominación fueron retirados del uso general y ahora existen principalmente como piezas de colección. En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, la representación de billetes de alta denominación funciona como un comentario sobre la riqueza, el valor y la naturaleza transitoria del dinero. La reinterpretación que hace Kaufman del billete, con sus vívidos tonos verdes y amarillos, lo transforma de un instrumento monetario en una impactante declaración visual. El contraste entre el diseño estructurado y oficial del billete original y la expresiva aplicación del color, inspirada en el grafiti, crea una tensión cautivadora. Esta reinvención obliga al espectador a reconsiderar el significado del dinero más allá de su función tradicional en las transacciones, convirtiéndolo en una expresión artística de poder, historia y relevancia cultural. El uso que hace Kaufman de la superposición de capas, la textura y los detalles a mano alzada añade a la obra una energía urbana, casi rebelde, que la hace destacar en cualquier colección de arte pop moderno. El legado de la obra de arte de Kaufman con el billete de 500 dólares La serigrafía Green HPM de edición limitada del billete de 500 dólares de Steve Kaufman ejemplifica su enfoque de combinar el simbolismo financiero con la innovación artística. Esta pieza, enmarcada a medida, es más que un elemento decorativo; encapsula la esencia del arte pop urbano y el grafiti al desafiar las nociones tradicionales de riqueza y estatus. La audaz paleta de colores, los detalles pintados a mano y la reinterpretación a gran escala de un billete histórico garantizan que esta obra sea visualmente cautivadora e intelectualmente estimulante. Con obras como esta, Kaufman consolidó su legado como una figura clave del arte pop moderno, influyendo en artistas que continúan fusionando técnicas de bellas artes con la cultura urbana. Su reinterpretación del billete de 500 dólares constituye un testimonio perdurable de su capacidad para transformar objetos cotidianos en obras de arte extraordinarias que capturan la energía y la complejidad de la sociedad contemporánea.

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Mashups Stevie Williams Astronaut 8.25 Skateboard Art Deck by DKG Limited Edition Print From Artist on Wood Pop Street Graffiti Sports Object Artwork. Edición limitada 2021 de arte deportivo para monopatín, tamaño 8x31, tabla de monopatín con arte impreso, objeto de arte, patinador profesional John Shanahan x DGK, mujer con dinero en efectivo, tabla estilizada. Tabla de skate Mashups John Shanahan Woman with Cash de DGK: Arte pop callejero y graffiti sobre madera de arce de 7 capas. La tabla de skate Mashups John Shanahan Woman with Cash de DGK es una declaración visual y cultural que transforma un objeto deportivo de alto rendimiento en un emblema del arte urbano pop y el grafiti contemporáneos. Lanzada en 2021, esta tabla de edición limitada mide 20,3 cm de ancho por 78,7 cm de largo y está construida con madera de arce premium de 7 capas con chapas de diferentes tintes. La tabla presenta un gráfico completo en la parte inferior y gráficos en la parte superior que reflejan la energía cruda y el simbolismo cultural asociados con la marca DGK y el universo visual del skater profesional John Shanahan. Con una imagen que fusiona dinero, moda y un diseño de personaje audaz, esta tabla artística ofrece mucho más que una simple estética: comunica un lenguaje ligado al estatus, la rebeldía y la autenticidad urbana. Composición visual y peso simbólico del gráfico La imagen del tablero muestra a una mujer estilizada con cabello turquesa, uñas moradas y manos con numerosos tatuajes que exhiben fajos de billetes de cien dólares. Su expresión es descaradamente atractiva, con los ojos entrecerrados en una calma desafiante. Cada detalle —desde la cadena de oro y el Rolex hasta el anillo DGK— evoca riqueza urbana, ambición y empoderamiento. Sus manos dominan el primer plano, cruzando el tablero verticalmente en una postura agresiva pero elegante. El fondo se difumina en un suave degradado azul hielo, contrastando con la viveza de su tono de piel y su vestimenta. Esta estética tiene sus raíces en el arte pop urbano y el grafiti, que a menudo fusionan elementos de la cultura pop con comentarios sociales. La mujer se convierte en un ícono no solo de riqueza, sino también de poder, actitud e independencia callejera. La combinación de un estilo caricaturesco con un realismo altamente estilizado le da a la pieza un toque distintivo que la sitúa al mismo nivel que las láminas coleccionables de arte urbano y las expresiones de la cultura pop para vestir. John Shanahan y DGK: Cultivando el arte del skate con una identidad urbana John Shanahan, miembro clave del equipo de skate DGK, aporta un estilo inconfundible y una profunda conciencia cultural a todo lo que hace. Reconocido por su estética vintage inspirada en la moda, la influencia de Shanahan se refleja claramente en el diseño de la tabla. DGK, fundada por Stevie Williams, siempre se ha caracterizado por contar historias a través de la realidad urbana, y esta tabla no es la excepción. El respaldo de Shanahan a una tabla como esta reafirma su autenticidad tanto dentro de la comunidad del skateboarding como en la artística. Como skater que fusiona la estética retro con el talento vanguardista, la colaboración de Shanahan con DGK continúa enriqueciendo la narrativa del diseño de tablas de skate como una forma de arte arraigada en la resistencia, la tenacidad y la individualidad. Esta pieza no solo lleva su nombre, sino que encarna el estilo de vida y la cultura que representa. Tablas de skate como lienzos modernos en el arte pop callejero y el grafiti La tabla Mashups John Shanahan Woman with Cash es un ejemplo perfecto de cómo las tablas de skate han evolucionado hasta convertirse en plataformas para el arte moderno. Su construcción de siete capas de arce está diseñada para ofrecer durabilidad y rendimiento, pero la superficie impresa la transforma en un objeto de arte dinámico. La parte inferior, completamente gráfica, funciona como un mural: portátil, llamativa y expuesta al público en movimiento. Cuando no se usa para patinar, la tabla se convierte en una declaración de estilo que captura el espíritu del arte contemporáneo que vive en las calles. La fusión de iconografía, crítica cultural y actitud de moda, todo ello plasmado en una explosión visual, sitúa a esta tabla DGK de lleno en el legado del arte pop urbano y el grafiti, donde las fronteras entre cultura, función y bellas artes se difuminan cada vez más.

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Impresión de archivo Elegant Universe AR de Ramon Maiden x Handiedan AR. Edición limitada de realidad aumentada en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Arte moderno de artista callejero de graffiti pop. Impresión de Realidad Aumentada (RA) firmada y numerada, edición limitada de 100 ejemplares (2023). Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. Impresión artística de pigmento de archivo. La Realidad Aumentada utiliza... Aplicación Artivive . Arte contemporáneo y síntesis tecnológica La impresión de archivo "Universo Elegante AR" es una cautivadora fusión de arte moderno e innovación tecnológica, símbolo de la sinergia dinámica entre el arte pop urbano y el grafiti. Representa una serie de edición limitada creada por la colaboración de Ramon Maiden y Handiedan, dos artistas contemporáneos que han captado la atención en el ámbito del grafiti pop y el arte urbano. Esta impresión es más que una imagen estática; incorpora realidad aumentada (RA), lo que le permite trascender los límites tradicionales del lienzo y el papel para interactuar con los espectadores en un espacio multidimensional. Esta edición limitada de 100 piezas, cada una firmada y numerada por los artistas, subraya la exclusividad y el carácter coleccionable de la obra. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas), la impresión está realizada en papel Moab Entrada de 290 g/m², lo que refleja la importancia de la calidad y la durabilidad en las obras de arte de archivo. Los artistas han empleado pigmentos de archivo en el proceso de creación, lo que garantiza que los colores y los detalles se mantengan vibrantes e intactos con el paso del tiempo, una muestra de su dedicación a la excelencia. La obra se inspira en la estética del arte pop urbano y el grafiti, géneros conocidos por su lenguaje visual vibrante y a menudo provocador que conecta directamente con el público. Estas expresiones artísticas suelen surgir en entornos urbanos. Se caracterizan por un espíritu rebelde que desafía constantemente las normas establecidas y aboga por una expresión cultural más democrática. Al plasmar esta filosofía en una edición limitada, Ramon Maiden y Handiedan han fusionado la espontaneidad de la calle con la exclusividad de la galería. La realidad aumentada como medio artístico Lo que distingue a la "Impresión de Archivo AR del Universo Elegante" es su integración de la tecnología de realidad aumentada (RA), que activa una capa de interacción digital al visualizarla a través de una aplicación o dispositivo específico. Esta experiencia inmersiva permite que la obra exista tanto en el plano físico como en el virtual, ofreciendo un giro contemporáneo a la experiencia visual. El componente de RA añade una dimensión de interactividad y se alinea con la narrativa en constante evolución del arte urbano, que siempre se ha centrado en la accesibilidad y en ampliar los límites de cómo y dónde se puede encontrar el arte. Ramon Maiden, conocido por sus intrincados diseños que a menudo recontextualizan imágenes históricas con motivos modernos, ha aportado su sello distintivo a esta colaboración. Handiedan, cuyo trabajo suele incorporar collages complejos con elementos estéticos vintage, complementa el estilo de Maiden con sus composiciones en capas. Juntos, crean una pieza rica en detalles y simbolismo, donde cada componente está cuidadosamente colocado para contribuir a una narrativa armoniosa y más amplia. Implicaciones para los coleccionistas de arte moderno Los coleccionistas de arte moderno se sienten atraídos por obras como la "Impresión de Archivo AR Universo Elegante", no solo por su atractivo estético, sino también por su innovador uso de la tecnología y su disponibilidad limitada. A medida que el arte evoluciona con los avances tecnológicos, las obras que incorporan elementos como la realidad aumentada (RA) adquieren cada vez mayor relevancia. Representan una nueva frontera para los coleccionistas interesados ​​en la intersección del arte, la tecnología y la cultura. En resumen, la "Impresión de Archivo AR Universo Elegante" de Ramon Maiden x Handiedan constituye un hito en la fusión de técnicas artísticas tradicionales con tecnología de vanguardia. Esta impresión de edición limitada encarna el espíritu del arte pop urbano y el grafiti. A su vez, su función de RA nos invita a explorar cómo el arte puede trascender el mundo físico para ofrecer una experiencia multisensorial. Es un testimonio del poder transformador de la colaboración y la innovación en el mundo del arte.

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Sin publicaciones, sin facturas - Edición limitada en papel de 24x36 pulgadas, impresión serigráfica a mano de 4 colores sobre papel de archivo por Mr Brainwash - Thierry Guetta, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 70 ejemplares, firmada y numerada, 2021. Tamaño de la obra: 36 x 26 pulgadas. Mr Brainwash - Thierry Guetta 2021 NO POST, NO BILLS Edición en papel Impresión de 24 x 36” Edición limitada de 75

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La felicidad es cara: edición limitada en gris y rosa, serigrafías de 6 colores intervenidas a mano sobre papel Fabrino Rosapina de 300 g/m² por Prefab77, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «La felicidad es cara» forma parte de una temática que estamos desarrollando, manteniendo nuestro estilo directo y contundente, fusionándolo con el retrato. Queremos explorar la iconografía y el poder de la figura femenina en el arte, la música y la moda tradicionales. A lo largo de la historia, los retratos se han utilizado para reflejar no solo al sujeto, sino también la época a la que pertenece, con mensajes ocultos, creencias religiosas e iconografía entretejida en la obra. Queremos llevar esto un paso más allá y utilizar la figura humana como elemento principal para plasmar estos mensajes en una pieza impactante. Buscamos tender un puente entre el arte urbano y el arte tradicional mediante el uso de una mezcla de acrílico, pintura en aerosol, plantillas, engrudo y diversas tintas de serigrafía, creando impresiones y originales de lujo. - Prefab77 «La felicidad es cara - Gris y rosa» es una cautivadora serigrafía de edición limitada de Prefab77, un reconocido artista del grafiti y el arte pop moderno. Esta obra, intervenida a mano y realizada sobre papel Fabriano Rosapina de 300 g/m², es testimonio del compromiso de Prefab77 por fusionar la energía cruda del arte urbano con la delicadeza del retrato tradicional. La pieza exhibe una compleja interacción de serigrafías de seis colores, cada capa aplicada meticulosamente para construir una composición rica en textura y profundidad. La intención de Prefab77 de reflejar la iconografía y el poder de la figura femenina se materializa a través de la figura central. Esta representación canaliza la esencia de la feminidad tal como se observa en el arte, la música y la moda a lo largo de la historia. La obra funciona como un lienzo contemporáneo donde convergen pasado y presente, y la figura femenina encarna no solo su historia, sino también el espíritu de nuestra época. En «La felicidad es cara - Gris y rosa», Prefab77 profundiza en la tradición del retrato, reinventándola con un toque moderno. La obra está entrelazada con sutiles motivos y símbolos que evocan afiliaciones religiosas y sociales, similares a los mensajes ocultos del arte clásico. Sin embargo, el artista traslada estos elementos al presente, infundiendo a la pieza técnicas propias del arte urbano, como acrílicos, pintura en aerosol, plantillas y engrudo. Esta obra explora el lujo tanto en impresiones como en creaciones originales, difuminando las fronteras entre el arte urbano accesible y la exclusividad de las bellas artes. La edición limitada de «La felicidad es cara - Gris y rosa», firmada por el artista, aumenta su atractivo y valor, convirtiéndola en una pieza preciada para coleccionistas y aficionados al arte pop urbano y al grafiti.

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Influencia Legislativa a la Venta. Serigrafía de edición limitada de 2 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes, por Shepard Fairey. Arte callejero raro. OBEY. Obra de arte pop. Edición limitada de 450 ejemplares, firmada y numerada en 2011. Tamaño de la obra: 18x24. Serigrafía de propaganda demócrata que muestra al presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, sosteniendo un cartel que dice "Influencia legislativa en venta", como si una de las partes fuera inocente. «Influencia Legislativa en Venta» es un potente comentario visual del renombrado artista callejero Shepard Fairey, conocido mundialmente como OBEY. Esta obra, creada en 2011, es una serigrafía artesanal de edición limitada sobre papel de bellas artes, cuya exclusividad se ve reforzada por su rareza: solo existen 450 copias firmadas y numeradas. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, esta pieza no es solo arte; es una declaración sociopolítica que invita a la reflexión sobre las complejidades del poder, la política y la influencia. La imaginería elegida por Fairey es audaz y provocadora. Presenta una representación del cuadragésimo presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan, sosteniendo un cartel que proclama: «Influencia Legislativa en Venta». Esta audaz representación alude a la compleja interacción entre agendas políticas, influencias financieras y cabildeo, sugiriendo que ni siquiera el cargo más alto es inmune a la corrupción o a las influencias indebidas. Además, la ingeniosa yuxtaposición del artista, que sugiere la posible inocencia de una de las partes, juega con la ambigüedad de la rectitud política, obligando a reflexionar sobre los matices de la moral política. En el ámbito del arte pop, el arte urbano y el grafiti, los artistas suelen reflejar la sociedad, instando a la introspección, la crítica y, en ocasiones, el activismo. La obra de Shepard Fairey destaca dentro de esta tradición. Su uso deliberado de la serigrafía, técnica históricamente asociada tanto a las bellas artes (como Andy Warhol) como a la protesta (recordemos los carteles y folletos), enfatiza la fusión de belleza estética y mensaje contundente. Con «Legislative Influence For Sale», Fairey no solo se consagra como una leyenda del arte urbano, sino que también reaviva debates esenciales sobre la democracia, la integridad y los posibles peligros del poder sin control.

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En El Tesoro del Tiempo - Impresión giclée de edición limitada de obras de arte azules en papel de algodón para grabado de 315 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Handiedan. Edición limitada 2021, variante azul, firmada y numerada. Impresión artística giclée con realidad aumentada. Papel de algodón de 315 g/m². 42 x 54 cm (16,5" x 21,25"). Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada con sello de cera caliente. 2021. Realidad aumentada (RA): https://vimeo.com/518617123. Utiliza la aplicación Artivive. En El Tesoro del Tiempo – Edición Azul de Handiedan en Arte Pop Callejero y Arte de Grafiti En El Tesoro del Tiempo – Azul es una edición limitada de 2021 de la artista neerlandesa Handiedan, conocida por sus intrincadas composiciones que fusionan la estética vintage con el simbolismo moderno. Esta variante azul, de 42 x 54 cm (16,5 x 21,25 pulgadas) e impresa en papel de algodón de 315 g/m², presenta detalladas capas visuales que combinan el diseño de billetes, el collage figurativo y el romanticismo clásico. Con una edición limitada de solo 25 ejemplares, cada impresión está firmada, numerada, sellada con lacre y mejorada con elementos de realidad aumentada que expanden la experiencia del espectador más allá de la impresión física. La obra de Handiedan se sitúa en la intersección de la complejidad barroca y la composición del arte urbano, reinterpretando la iconografía monetaria y el diseño ornamental para convertirlos en reflexiones sobre el valor, la identidad y la forma femenina. Profundidad conceptual a través de la moneda y la composición En «El tesoro del tiempo – Azul», la obra gira en torno a una estructura de billete reimaginada, cargada de simbolismo alegórico y emocional. Dos figuras masculinas ocupan el centro, inmersas en un intercambio íntimo pero ambiguo que podría sugerir conflicto, deseo o lucha interna. Su interacción está rodeada de ornamentos decorativos, referencias numéricas y motivos recurrentes propios del diseño de billetes antiguos. El título de la pieza, integrado en el marco ornamentado, alude al tema del tiempo como bien y como ilusión. Handiedan juega con el retrato clásico y la estética de los billetes para criticar la mercantilización de la identidad y la emoción. Las figuras, aunque de gran detalle, existen dentro de un marco simbólico que sugiere que están atrapadas en ciclos de valor, propiedad y consumo visual. El tono azul y el papel de la repetición en el arte pop callejero La variante azul no es simplemente un cambio de paleta, sino una recalibración emocional. Los tonos fríos evocan nostalgia y distancia emocional, permitiendo al espectador contemplar la obra con una mirada más pausada y reflexiva. La superposición de elementos ornamentales —marcos, florituras y figuras reflejadas— crea un ritmo visual que imita tanto la superposición de carteles callejeros como los grabados antiguos. La repetición en la obra de Handiedan funciona tanto decorativa como filosóficamente, enfatizando ciclos de poder, atracción y amnesia histórica. Su manipulación de la simetría y el patrón transforma elementos del dinero y la producción en masa en obras de indagación emotiva y espiritual. Este enfoque refleja el espíritu del arte pop callejero y el grafiti, donde la subversión a menudo se oculta tras la belleza. Artesanía técnica e integración de realidad aumentada Impresa en papel de algodón de alta calidad de 315 g/m² para grabado mediante la técnica giclée, la textura y riqueza de «En el Tesoro del Tiempo – Azul» reflejan la precisión y el dominio de los materiales de Handiedan. El sello de cera caliente y la firma manuscrita refuerzan la naturaleza táctil y única de cada impresión en la edición de 25 ejemplares. Lo que distingue a esta obra es su integración de realidad aumentada, que permite que las interacciones digitales expandan la narrativa. Mediante esta tecnología, el espectador puede acceder a capas visuales adicionales, animaciones o referencias simbólicas que enriquecen el significado sin distraer la atención de la obra de arte analógica. Esta fusión de la impresión tradicional con la experiencia digital sitúa el trabajo de Handiedan a la vanguardia del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos, donde los medios físicos y virtuales se unen para profundizar la narrativa artística. «En el Tesoro del Tiempo – Azul» no es solo un retrato o un collage, sino una obra compleja que evoca poder, memoria y meditación visual.

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Influencia Legislativa a la Venta AP Prueba de Artista Edición Limitada Serigrafía de 2 Colores Tirada a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Shepard Fairey Arte Callejero Raro OBEY Obra de Arte Pop Artista. Prueba de artista AP 2011 Firmada y marcada como AP Tamaño de la obra 18x24 Impresión serigráfica de propaganda demócrata del presidente de los Estados Unidos Ronald Reagan sosteniendo un cartel que dice "Influencia legislativa en venta" como si una de las partes fuera inocente. «Legislative Influence For Sale AP Artist Proof» es un testimonio de la profunda intersección entre política, arte pop y estética urbana, y personifica la esencia del género a través de la mirada de Shepard Fairey, figura clave del arte urbano contemporáneo. Creada en 2011, esta serigrafía de edición limitada, impresa a mano en dos colores sobre papel de bellas artes, captura no solo la vitalidad y la crudeza del lenguaje visual de Fairey, sino también un conmovedor comentario sobre la naturaleza del poder y la influencia política en Estados Unidos. Marcada por su emblemático uso de fuertes contrastes, la obra presenta una imagen del cuadragésimo presidente de Estados Unidos, Ronald Reagan, sosteniendo un cartel con la audaz declaración «Legislative Influence For Sale» (Influencia Legislativa en Venta). Esta retórica visual pone de relieve las controvertidas afirmaciones sobre el papel del dinero en la configuración de los resultados políticos, resaltando los matices de la relación entre la gobernanza y los intereses monetarios. Al mismo tiempo, al yuxtaponer a Reagan —quien suele simbolizar los ideales conservadores— con un cartel que sugiere irregularidades políticas, Fairey invita al espectador a cuestionar y confrontar sus ideas preconcebidas sobre la inocencia y la culpabilidad en el ámbito político. En este contexto, la obra de Shepard Fairey —a menudo publicada bajo el seudónimo de OBEY— ha estado siempre a la vanguardia del arte urbano, transformándolo de un mero espectáculo visual a un medio que comunica mensajes sociales urgentes. Esta pieza no es la excepción. Fusionando el tono populista del arte urbano con la representación iconográfica propia del arte pop, "Legislative Influence For Sale AP Artist Proof" de Fairey es más que una simple obra de arte. Es la encarnación de una época, una declaración y un llamado a la conciencia en un mundo donde el arte y el activismo se entrelazan de forma natural.

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American Expression Edición Limitada Serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel French Speckletone Fine Art de 300 g/m² por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. En el año 2000 adoptó el nombre artístico «DENIAL» para satirizar la publicidad, la política y los mensajes mediáticos que la sociedad contemporánea suele negar. Desde entonces, ha mantenido una campaña global de arte callejero con más de 500 000 pegatinas, pancartas y murales, utilizando los caracteres alfanuméricos «D3N!@L». Concebido como una forma conceptual de comercializar el absurdo, DENIAL también desafía las nociones tradicionales del grafiti y el arte público mediante sus audaces y, a menudo, satíricas subversiones visuales. Denial es un artista canadiense que experimenta con aerosol y plantillas, y sus principales intereses son el consumismo, la política y la condición humana en la sociedad actual. Dado que la cultura del grafiti ganaba cada vez más popularidad en Estados Unidos y Europa, los grafiteros debían ser cada vez más originales para destacar. Las firmas se volvieron más grandes, estilizadas y coloridas.

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Objeto de arte de selladora al vacío dorada de Ben Baller, edición limitada, pieza de colección de diseño del artista pop. Selladora al vacío de almacenamiento profundo dorada, edición limitada 2022, rara, objeto artístico, nueva en caja. Selladora al vacío dorada como lienzo para arte pop callejero y grafiti La intersección entre practicidad y lujo a menudo se presenta de formas inesperadas, y la selladora al vacío dorada de Ben Baller es un ejemplo paradigmático de esta fusión. Lanzada en edición limitada de 2022, esta selladora al vacío dorada de gran capacidad eleva un artículo doméstico común a la categoría de pieza de colección, encarnando la esencia del arte pop en su diseño y función. Con su superficie adornada con el icónico logotipo "BB", el objeto irradia exclusividad y refleja la búsqueda del coleccionista moderno por artículos únicos y de alta gama. El uso del oro por parte de Ben Baller, un material históricamente asociado con la riqueza y el estatus, tiende un puente entre la utilidad doméstica y el arte opulento. El acabado brillante no solo realza el atractivo visual de la selladora al vacío, sino que también rinde homenaje a la extravagancia del arte pop urbano, donde los objetos cotidianos se transforman en piezas de lujo. La inclusión de bolsas para envasar al vacío y un manual de instrucciones no disminuye su valor como obra de arte; al contrario, enfatiza la fusión de forma y función característica de los objetos de colección de diseño. En el ámbito del arte urbano, la envasadora al vacío simboliza la preservación de la naturaleza efímera del arte callejero. Así como el envasador protege y mantiene la calidad de los alimentos, el arte urbano busca capturar y preservar momentos de relevancia cultural, a menudo frente a la fugacidad y el cambio. Esta obra es testimonio del impacto perdurable del arte urbano y de la visión del artista de plasmar un instante en el tiempo con su estilo inconfundible. El papel de los objetos de arte funcionales en los movimientos de arte callejero contemporáneo Los movimientos contemporáneos de arte pop urbano y grafiti suelen explorar el diálogo entre el arte y la vida cotidiana, y la envasadora al vacío dorada de Ben Baller es una manifestación material de este discurso. Al tomar un electrodoméstico común y corriente y darle un acabado dorado, el artista desafía nuestra percepción de lo que constituye un objeto artístico. Esta obra difumina los límites entre lo práctico y lo estético, invitando al espectador a reconocer el potencial artístico en todas las formas de la materia. La elección de una envasadora al vacío, un dispositivo utilizado para conservar alimentos perecederos, resulta particularmente evocadora en el contexto del arte pop. Simboliza la conservación de los alimentos y el deseo de mantener la frescura de las ideas y el arte en un mundo en constante cambio. El electrodoméstico se convierte en una metáfora del papel del arte en la sociedad: evitar que la cultura se estanque y protegerla de la degradación del tiempo y la memoria. Además, la inclusión del logotipo "BB" de Ben Baller en el centro de la envasadora al vacío funciona como su firma, similar a las etiquetas que usan los grafiteros para marcar su obra en el paisaje urbano. El logotipo simboliza autenticidad y propiedad, a la vez que contribuye a la narrativa de que cada objeto cuenta una historia a través de su diseño y uso. Arte coleccionable en la era del pop callejero y la expresión del grafiti Como objeto de colección, la Selladora al Vacío Dorada fusiona el arte con la funcionalidad. Su condición de edición limitada garantiza que sea un dispositivo práctico y una valiosa pieza para coleccionistas que aprecian la convergencia entre el arte y los objetos cotidianos. Esta obra de arte refleja la creciente tendencia del Arte Pop Urbano y el Grafiti, donde las herramientas y objetos de la vida diaria se transforman en lienzos para la expresión creativa. La nueva selladora al vacío, al venir en su caja, evoca una expectación similar a la de desenvolver una obra de arte. Captura la emoción del momento de abrir una caja, que se ha convertido en un ritual de revelación en la era digital. Coleccionistas y amantes del arte adquieren no solo una herramienta de conservación, sino una muestra de la visión artística de Ben Baller: una visión que encapsula la energía cruda de la calle y la vibrante expresividad del arte pop. La Selladora al Vacío Dorada de Ben Baller es un brillante ejemplo del espíritu innovador que impulsa el Arte Pop Urbano y el Grafiti. Es un testimonio de la naturaleza cambiante del arte, donde la línea entre lo que es una obra de arte y lo que es un objeto se difumina constantemente. Este objeto artístico no solo rinde homenaje a la destreza creativa del artista, sino que también ilumina el camino para futuras iniciativas artísticas que buscan fusionar la funcionalidad con lo extraordinario.

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Let Us Prey - Edición Limitada Sangrienta, Juguete de Vinilo Coleccionable, Obra de Arte del artista callejero de graffiti Frank Kozik. Este anuncio corresponde a la versión sangrienta de "Let Us Prey" de Frank Kozik. Edición limitada de 100 piezas en todo el mundo. Atrapados en un mundo cruel donde el dinero es fuente de ingresos y felicidad, hemos transformado cualquier "intercambio" hasta convertirlo en algo muy distinto a una sonrisa de un desconocido. Nuestras plegarias se han convertido en súplicas para ser bendecidos con riqueza y bienes materiales que garanticen nuestra longevidad y cuiden nuestras cuentas bancarias en lugar de a nuestros amigos. En colaboración con el reconocido artista y director creativo de Kidrobot, Frank Kozik, la figura artística "Let Us Prey" captura la codicia moderna entre dos manos esperanzadas que antes rezaban por algo más que dinero. Con sus 25 cm de altura, esta figura de vinilo de 25 cm representa cómo la cultura popular se empeña en reflejar nuestra economía y posición social actuales. Es la pieza perfecta para recordarnos el equilibrio entre nuestra imagen en las redes sociales y nuestras verdaderas metas de autorrealización.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Obra de arte "Diosa en nosotros", impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Handiedan. 2020 Edición limitada firmada y numerada de 55 impresiones giclée firmadas y numeradas por el artista. «Crear estos collages de técnica mixta con múltiples capas me brinda la oportunidad de explorar las complejas capas de la vida y la energía. Siempre aspiro a una hermosa interacción con la mirada y el corazón del espectador». -Handiedan

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Cash Monster, obra de arte original pintada a mano con técnica mixta de pintura en aerosol sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar, por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación En esencia, Denial satiriza la realidad que tanto él como nosotros vivimos, a través de algunos de los símbolos más emblemáticos de la cultura occidental. Utiliza productos culturales con la intención de denunciar el sistema que los originó. De este modo, los recontextualiza y los transforma de productos comerciales en su legado cultural.

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Burn Baby Burn, impresión tipográfica de edición limitada a dos colores, realizada a mano, sobre papel crema moteado, por Shepard Fairey. Arte callejero raro. OBEY, artista de arte pop. 10 x 13 pulgadas. Edición de 450 ejemplares. 2 de febrero de 2021. «Burn Baby Burn», inspirada en la estética del rock 'n' roll del «vive rápido, muere joven», es una crítica a algunos hábitos dañinos a los que somos adictos. No solo a los efectos nocivos de la quema de combustibles fósiles, sino también a la peligrosa psicología de la negación y el nihilismo que sustenta la apatía hacia el futuro del planeta (¡y el nuestro!). Ya sea por la codicia desmedida de las corporaciones de combustibles fósiles o por la indiferencia de un público cómodo con el statu quo en torno a ellos, cualquier retraso adicional en la transición a las energías renovables será catastrófico para el planeta y todas sus especies. Sé que a nadie nos gusta la idea de romper con una costumbre arraigada. - Shepard Fairey

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¡Súper oferta! 2 serigrafías de edición limitada de 6 colores, intervenidas a mano, sobre papel de algodón de bellas artes de 350 g/m² enmarcado, por Denial Daniel Bombardier. Enmarcado a medida. Edición limitada HPM firmada de 2015 (40 ejemplares). Tamaño de la obra: 28 x 22 pulgadas. «Originalmente pinté una versión de esto en Wynwood, en Art Basel este año (2015). Como muchos artistas, pagué todo el viaje con mi tarjeta de crédito y tuve que lidiar con las consecuencias después de recibir la factura. Es básicamente una reflexión sobre vivir el día a día e intentar encontrarle el sentido a todo. Cómo crear arte, viajar y vivir con cierto equilibrio. Siento afinidad, como mucha gente, por los superhéroes. Creo que representan un hermoso sentimiento ante un mundo/existencia muy caótico.» - Negación Denial es un artista canadiense que experimenta con aerosol y plantillas, y sus principales intereses son el consumismo, la política y la condición humana en la sociedad actual. Dado que la cultura del grafiti ganaba cada vez más popularidad en Estados Unidos y Europa, los grafiteros debían ser cada vez más originales para destacar. Las firmas se volvieron más grandes, estilizadas y coloridas.

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Poder sin fin Petrol Palace - Serigrafía de edición limitada, roja, bicolor, impresa a mano sobre papel crema moteado, por Shepard Fairey. Arte callejero raro. Artista de arte pop OBEY. Poder Infinito Petrol Palace (Rojo) 18 x 24 pulgadas Edición de 350 13 de junio de 2019 El póster «Poder Infinito: Palacio de la Petróleo» es a la vez una celebración y una crítica de la seductora propaganda gráfica utilizada por la industria petrolera. Diseñé esta lámina para que evocara un anuncio antiguo que celebrara la abundancia de Estados Unidos y el brillante futuro del sueño americano. Si bien el petróleo es un recurso finito, nuestra dependencia de él es tan extrema que el poder que ostentan quienes lo controlan es prácticamente ilimitado. - Shepard Fairey

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Límite de crédito: Menos es más. Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel MOAB Fine Art de 290 g/m² del legendario artista de arte callejero y cultura pop moderna Denial. Límite de crédito 2020: Menos es más. Arte con temática de tarjetas de crédito. Numerado, firmado, sellado al dorso, edición de 25, 24x18, impresión de pigmento de archivo en papel artístico MOAB de 290 g/m². Límite de crédito: Menos es más (por denegación) «Límite de Crédito: Menos es Más» es una cautivadora impresión artística de pigmentos de archivo del artista canadiense de arte urbano pop y grafiti Daniel Bombardier, también conocido como Denial. Esta obra, parte de su serie «Límite de Crédito», constituye una audaz crítica a la cultura del consumo, la dependencia financiera y la omnipresente influencia de las marcas en la sociedad moderna. Creada en 2020, la pieza mide 61 x 46 cm y está impresa en papel artístico MOAB de 290 g/m², lo que garantiza el máximo nivel de detalle y viveza. Cada ejemplar forma parte de una edición limitada de 25, firmados, numerados y sellados individualmente en el reverso, convirtiéndola en una pieza de colección muy apreciada por los amantes del arte y los coleccionistas. El comentario visual de Menos es Más «Menos es más» transforma el diseño familiar de una tarjeta de crédito en una obra de arte provocativa que desafía las normas y valores sociales. La figura central, una mujer de piel verde y expresión melancólica, es una impactante reinterpretación del arte pop. Su apariencia estilizada, con patrones de semitonos y colores vibrantes, evoca la estética gráfica de los cómics de mediados del siglo XX. El diseño de la tarjeta de crédito presenta marcas y elementos ingeniosamente alterados para reflejar la crítica de Denial al consumismo y las contradicciones inherentes a la frase «menos es más». El mapamundi de fondo alude al alcance global de los sistemas financieros y su influencia en la vida de las personas. Al combinar estos elementos, la obra ofrece una exploración profunda del impacto emocional y cultural del materialismo. El enfoque artístico único de Denial La obra de Daniel Bombardier es reconocida por su habilidad para combinar humor, sátira y referencias a la cultura pop en piezas que invitan a la reflexión. «Menos es más» ejemplifica su destreza para convertir objetos cotidianos en vehículos de crítica social. El uso de una tarjeta de crédito como base de la obra alude a la omnipresencia del consumismo y su impacto en la identidad y los valores. La meticulosa atención al detalle de «Negación», desde la nitidez de la impresión con pigmentos de archivo hasta la dinámica interacción de colores, garantiza que la pieza sea visualmente impactante y temáticamente rica. Su fusión de arte pop urbano y grafiti sigue desafiando al público a repensar su relación con la cultura de consumo. La importancia cultural del límite de crédito: Menos es más «Menos es Más» plasma la paradójica relación entre las aspiraciones materiales y el coste psicológico del consumismo. Critica la idea de equiparar el éxito financiero con la realización personal, poniendo de relieve la disonancia emocional que suele acompañar la búsqueda de la riqueza. Como parte de la serie «Límite de Crédito», esta obra refuerza la crítica de Denial a los sistemas e ideologías que dan forma a la vida moderna. Su carácter de edición limitada subraya su exclusividad y valor como obra de arte que no solo resuena estéticamente, sino que también suscita debates críticos. La habilidad de Denial para fusionar imágenes impactantes con mensajes profundos garantiza que «Menos es Más» siga siendo una pieza destacada en el mundo del arte urbano pop contemporáneo y el grafiti.

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Billete de 100 dólares - Reverso - Edición limitada - Impresión serigráfica HPM sobre lienzo con pintura al óleo intervenida a mano por Steve Kaufman, artista callejero de graffiti SAK, arte pop moderno. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 1995. Medidas: 34 x 15 pulgadas. Lienzo sin bastidor. La imagen se encuentra en perfecto estado. Reverso de un billete de 100 dólares estadounidenses de la década de 1990. Billete de 100 dólares - Reverso. Edición limitada. Impresión serigráfica HPM sobre lienzo con detalles pintados a mano al óleo por Steve Kaufman. La serigrafía sobre lienzo «El reverso del billete de 100 dólares», de Steve Kaufman, es un impactante ejemplo de arte pop urbano y grafiti que captura la esencia de la cultura consumista estadounidense y el simbolismo de la riqueza. Creada en 1995, esta obra HPM (Hand-Painted Multiple), pintada al óleo y firmada y numerada, con detalles pintados a mano, forma parte de una edición limitada de 100 ejemplares. Con unas dimensiones de 86 x 38 cm sobre lienzo sin bastidor, esta pieza presenta una reinterpretación visualmente cautivadora del reverso de un billete de 100 dólares estadounidenses de la década de 1990. El enfoque distintivo de Kaufman en la técnica de grabado, combinado con su experiencia en el grafiti y el arte pop moderno, convierte esta obra en una declaración significativa dentro del género. La influencia de Steve Kaufman en el arte pop callejero Steve Kaufman, conocido a menudo por sus iniciales SAK, fue una figura clave del arte pop urbano contemporáneo. Como antiguo asistente de Andy Warhol, Kaufman desarrolló un estilo propio que fusionaba la iconografía comercial con elementos pintados a mano. Su obra se centraba frecuentemente en temas como el capitalismo, la producción en masa y la identidad estadounidense, utilizando imágenes reconocibles como billetes, celebridades y productos de consumo. Esta pieza, que representa el reverso de un billete de 100 dólares, es un ejemplo paradigmático de su capacidad para elevar símbolos cotidianos a la categoría de arte. Al incorporar la estética inspirada en el grafiti con técnicas de serigrafía, Kaufman transformó las formas artísticas tradicionales en algo dinámico y relevante para la era moderna. Su habilidad para fusionar la cultura urbana con las galerías de arte lo convirtió en un puente entre dos mundos artísticos. Esta edición limitada, con sus colores intensos y detalles texturizados, continúa su legado de desafiar las nociones convencionales de valor, arte y comercio. El simbolismo del dinero en el arte pop moderno El uso del dinero como tema en el arte pop moderno tiene profundas raíces históricas, y a menudo sirve como crítica a la riqueza, el poder y los valores sociales. La representación que hace Kaufman del reverso del billete de 100 dólares toma un objeto familiar y lo recontextualiza mediante el color, la escala y la intervención artística. La presencia del Independence Hall en la composición es particularmente significativa, pues simboliza la intersección entre la historia estadounidense y la cultura de consumo contemporánea. Esta obra es más que una simple reproducción de dinero: se convierte en una meditación sobre la influencia de la riqueza y los sistemas financieros en el arte y la vida cotidiana. La decisión de Kaufman de intervenir a mano cada impresión añade un toque de singularidad, reforzando la idea de que, incluso en un mundo impulsado por la producción en masa, la individualidad y la expresión artística siguen siendo esenciales. El audaz uso del color y el contraste amplifica el impacto visual, convirtiendo la impresión en una pieza destacada tanto como expresión artística como objeto de colección. Una pieza de coleccionista con un impacto duradero Esta impresión del reverso de un billete de 100 dólares ocupa un lugar especial en el mundo del arte urbano pop y el grafiti de edición limitada. Al ser un lienzo sin bastidor, ofrece flexibilidad para enmarcar y exhibir, permitiendo a los coleccionistas mostrarlo de la manera que mejor se ajuste a su estética. El legado de Kaufman como artista innovador sigue vigente, y sus obras son muy codiciadas por su relevancia cultural y atractivo visual. Para los entusiastas del arte y los coleccionistas que aprecian la fusión del grafiti, la cultura pop y las bellas artes, esta pieza constituye una poderosa representación de la visión de Kaufman. Encapsula la naturaleza audaz y sin complejos del arte urbano pop, a la vez que permanece profundamente ligada a la narrativa más amplia de la historia económica y artística estadounidense.

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Límite de crédito - Persigue tu cola. Edición limitada. Impresión artística de pigmentos de archivo en papel MOAB Fine Art de 290 g/m² del legendario artista de arte callejero y cultura pop moderna Denial. Límite de crédito: ¡Persigue tu cola! Arte con temática de tarjetas de crédito. Numerado, firmado, sellado al dorso, edición de 25, 24x18, impresión de pigmento de archivo en papel artístico MOAB de 290 g/m². Límite de crédito: Persigue tu cola con la negación «Límite de crédito: Persigue tu cola» es un ejemplo impactante de la habilidad de Denial para fusionar humor, crítica y nostalgia en una poderosa declaración a través del arte pop urbano y el grafiti. Esta impresión artística de 61 x 46 cm (24 x 18 pulgadas) con pigmentos de archivo forma parte de una edición limitada de 25 ejemplares, cada uno numerado, firmado y sellado al dorso, impreso en papel artístico MOAB de 290 g/m². Creada por el artista canadiense Daniel Bombardier, también conocido como Denial, esta obra continúa su exploración de la cultura del consumo y las construcciones sociales, mezclando referencias a la cultura pop con una mordaz crítica social. El diseño utiliza el formato de una tarjeta de crédito para criticar los sistemas financieros y el comportamiento humano en un mundo dominado por el consumismo. Profundidad temática y simbolismo Chase Your Tail reinventa una tarjeta de crédito con un toque fantástico, presentando a un feroz hombre lobo aferrado a una bolsa de dinero. Esta imagen encapsula la implacable búsqueda de riqueza y la naturaleza depredadora de los sistemas financieros. El hombre lobo, símbolo de transformación e instinto indómito, sirve como metáfora de los impulsos primarios y a menudo destructivos que subyacen al consumismo. El diseño de la tarjeta, con su ingeniosa alteración de la imagen de marca, resalta el ciclo interminable de perseguir la estabilidad financiera mientras se permanece atrapado en la deuda y el materialismo. Esta obra invita a reflexionar sobre las consecuencias personales y sociales de estas ambiciones, manteniendo la estética audaz y accesible del arte pop urbano. La perspectiva artística de la negación La obra de Daniel Bombardier es reconocida por su ingenio, atractivo visual y capacidad para criticar problemáticas contemporáneas. «Chase Your Tail» ejemplifica su talento para transformar símbolos cotidianos en poderosas declaraciones artísticas. Al incorporar el formato universalmente reconocible de una tarjeta de crédito, «Denial» llama la atención sobre cómo la cultura de consumo moldea la identidad y el comportamiento. Su uso de colores vibrantes y elementos gráficos refleja la influencia del arte del grafiti, mientras que los meticulosos detalles de la impresión pigmentada de archivo demuestran su compromiso con la calidad. Esta combinación de alta calidad técnica y temas provocativos es un sello distintivo del enfoque de «Denial» hacia el arte pop urbano moderno. El impacto cultural de Chase Your Tail «Chase Your Tail» conecta con el público al abordar temas como la codicia, el poder y la naturaleza cíclica del consumismo. Critica los sistemas financieros que perpetúan la desigualdad y la obsesión cultural por la riqueza, presentando estas ideas en un formato accesible e impactante. Su edición limitada aumenta su valor como pieza de colección, mientras que el mensaje de la obra sigue siendo relevante en un mundo cada vez más dominado por el crédito, la deuda y la desigualdad económica. Esta pieza demuestra la habilidad de Denial para utilizar el arte pop urbano y el grafiti como medio para cuestionar las normas sociales y generar debates críticos.

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Le Voleur Edición Limitada Serigrafía de 4 colores en papel Mohawk Fine Art de 130 libras por 123Klan Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. «El ladrón es uno de nuestros personajes más emblemáticos. Está plasmado en un lienzo de 60" x 36" disponible en la galería Yves Laroche. A primera vista parece un ladrón común, pero en realidad es una versión moderna de Robin Hood.» - 123Klan

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Factory Stacks - Poder sin fin. Serigrafía de edición limitada de 6 colores impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone de Shepard Fairey. Arte callejero raro. Artista de arte pop OBEY. 2022. Firmada por Shepard Fairey. Numerada. 18x24 pulgadas. Serigrafía sobre papel grueso color crema Speckletone. Edición numerada de 350 ejemplares. Estas imágenes de «Pilas de Fábrica» combinan la austera y angulosa fuerza de la arquitectura industrial con elementos gráficos que comentan lo que promovemos y aceptamos como sociedad, incluso cuando es destructivo. Las industrias de combustibles fósiles tienen un enorme poder económico, pero ahora sabemos que no solo son recursos finitos, sino que su uso es terrible para el cambio climático y, por lo tanto, para los ecosistemas que sustentan la vida en nuestro planeta. Desafortunadamente, debido al poder político de estas industrias y a la apatía pública ante el cambio climático, el gobierno las subsidia con miles de millones, incluso mientras dañan el medio ambiente. El gobierno trabaja para los ciudadanos, así que la decisión es nuestra. ¿Apoyamos el poder ilimitado de las grandes corporaciones de combustibles fósiles? ¿O políticas que prioricen la Tierra, con el planeta por encima de las ganancias? Les recomiendo leer ESTO LO CAMBIA TODO de Naomi Klein para comprender mejor el conflicto entre los intereses económicos y el cambio climático. Una parte de las ganancias de la venta de esta lámina se destinará a Greenpeace para la lucha contra el cambio climático. Gracias por su apoyo. – Shepard Factory Stacks – Serigrafía «Poder sin fin» de Shepard Fairey Factory Stacks – Endless Power es una impactante serigrafía de 6 colores creada en 2022 por Shepard Fairey, una de las figuras más influyentes del arte pop urbano y el grafiti. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, esta edición limitada de 350 ejemplares, firmada y numerada, está impresa en papel Speckletone grueso color crema y plasma la estética característica de Fairey: una fusión de composición de estilo propagandístico, mensajes sociopolíticos y precisión en el diseño gráfico. Esta obra da continuidad a su serie Factory Stacks, una campaña visual que busca confrontar los desequilibrios ambientales y sistémicos, en particular los relacionados con la industria de los combustibles fósiles. Lenguaje visual de la dominación industrial Esta obra presenta dos chimeneas gemelas que emergen de una fábrica, exhalando densas columnas de humo que se curvan en arcos geométricos sobre un fondo fracturado. La composición, imponente y elegante a la vez, está realizada con la paleta característica de Fairey: rojo, azul, crema y negro, con toques de dorado y gris. En la esquina superior, una sección muestra símbolos gráficos como billetes y figuras de autoridad uniformadas, junto con el texto «Poder sin fin», vinculando visualmente la dependencia de los combustibles fósiles con el control estatal y corporativo. Abajo, las llamas lamen la base de la estructura, simbolizando la destrucción disfrazada de progreso. Las imágenes estilizadas y las siluetas audaces evocan carteles políticos retro, transformando la fábrica en un icono de la ambición industrial desenfrenada. El título «Poder sin fin» es una ironía mordaz. Alude a la ilusión del consumo energético ilimitado que permiten los combustibles fósiles, a la vez que señala la estructura de poder político que sustenta este sistema destructivo. Fairey utiliza la metáfora visual de la contaminación y el fuego no solo como señales de alerta ambiental, sino también como emblemas de la negativa del capitalismo a transitar hacia la sostenibilidad. El grabado artístico como protesta a pie de calle Esta edición, impresa a mano y serigrafiada, exhibe la destreza técnica de Fairey en la superposición de líneas nítidas y campos de color vibrantes. La fisicalidad de la serigrafía —cada capa aplicada con intención— refleja la creencia del artista en la acción directa. El papel Speckletone utilizado añade textura y peso, reforzando la presencia física de la obra y su vínculo con los carteles de protesta del pasado. Como grabador arraigado en la tradición del arte callejero, Fairey abraza la reproducibilidad sin sacrificar la singularidad. Sus serigrafías son a la vez obras de arte y herramientas de comunicación masiva. «Factory Stacks – Endless Power» no se basa en la abstracción. Fuerza la claridad, haciendo que su crítica ambiental sea visualmente inmediata y emocionalmente provocativa. Comentario político a través de la estética inspirada en el grafiti La obra de Fairey se sitúa constantemente en la frontera entre las bellas artes y el grafiti, y esta pieza no es una excepción. Al incluir símbolos de nacionalismo, dinero y chimeneas industriales, vincula el poder corporativo y la degradación ambiental en un lenguaje visual único. Como parte de la filosofía de la campaña OBEY Giant, la obra invita a cuestionar la legitimidad de la autoridad, el capitalismo y el consumismo. En la esquina inferior izquierda, Fairey incluye el número de edición y su firma, reforzando su carácter de pieza de colección. Sin embargo, a diferencia del arte convencional de galería, esta pieza fue creada para comunicarse con el público. Una parte de los beneficios de esta edición se donó a Greenpeace, subrayando el compromiso del artista con el activismo a través del arte. Factory Stacks – Endless Power no es una lamentación, sino una exigencia visual. Recuerda que el poder, tanto político como industrial, no es infinito a menos que la gente lo permita. Mediante el formato audaz del arte pop callejero y el grafiti, Shepard Fairey transforma un sombrío horizonte industrial en un campo de batalla de ideas, instando a la acción antes de que el humo se vuelva irreversible.

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Figura coleccionable de vinilo con diseño anatómico de edición limitada Nerm Nermal en oro de 24 quilates, obra de arte del artista callejero de graffiti Rip N Dip. Figura de vinilo Lord Nermal de 14 pulgadas en oro de 24 quilates. Solo se fabricaron 500 unidades. Juguete artístico disecado.

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Monkey-Business, juguete coleccionable de vinilo de edición limitada, obra de arte del artista de graffiti callejero Joe Ledbetter. Edición limitada de 500 ejemplares, 2015. Tamaño de la obra: 10 x 8 pulgadas. Se muestra en la caja ¿Director ejecutivo? ¿Empleado asalariado? En cualquier caso, Monkey está listo para la jungla con su traje de oficina y su característica expresión adusta. Y viene acompañado de un pájaro mandón que le dice que gane dinero.

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Libertad/Prosperidad a cualquier precio - Edición limitada en rojo, serigrafía de dos colores impresa a mano sobre papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía artesanal de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas). Impresa en papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada ejemplar está firmado y numerado. Edición limitada de 125 copias. La visualidad de la obra de Cleon Peterson se nutre de diversas influencias, desde la cerámica griega antigua hasta el cómic, lo que resulta en una monocromía y un marcado simbolismo cromático. En concreto, las figuras se disponen sobre múltiples líneas rectas, creando así la ilusión de que la obra está dividida en niveles. La perspectiva y la sensación de profundidad están presentes en el arte de Peterson y, al igual que en los vasos griegos, el fondo suele dejarse vacío o ligeramente decorado.

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Billete antiguo de 500 dólares - Edición limitada roja, pintura al óleo HPM serigrafiada sobre lienzo con detalles pintados a mano por Steve Kaufman, artista callejero de graffiti SAK, arte pop moderno. Lienzo de edición limitada, firmado y numerado, de 2003. La imagen está en perfectas condiciones: anverso del billete de 500 dólares estadounidenses de 1934 con la imagen del presidente estadounidense William McKinley. En el vibrante panorama del arte pop moderno, "Old 500 Dollar Bill - Red Limited Edition" emerge como una pieza simbólica de Steve Kaufman, también conocido por sus iniciales SAK. Kaufman, figura destacada del arte pop urbano, fusiona el legado de la cultura estadounidense tradicional con la esencia dinámica del grafiti. Este lienzo de edición limitada es una serigrafía HPM con pintura al óleo, intervenida a mano, que refleja la predilección del artista por los colores vibrantes y las imágenes impactantes. Creada en 2003, esta obra forma parte de una serie firmada y numerada, lo que denota su exclusividad y valor para coleccionistas. La pieza presenta el anverso del billete de 500 dólares estadounidenses de 1934, con el retrato del presidente William McKinley en el centro. La interpretación de Kaufman infunde a este símbolo de antigua importancia económica un toque moderno, yuxtaponiendo el valor histórico del billete con la naturaleza efímera y a menudo rebelde del arte urbano. El lienzo se describe como en perfecto estado, lo que sugiere que la calidad de la obra de Kaufman se conserva, permitiendo que los colores vivos y los intrincados detalles resalten. Al reinterpretar el dinero, un elemento común en la crítica del consumismo propia del arte pop, la pieza de Kaufman habla del poder transformador del arte sobre lo mundano. Su uso de la serigrafía se alinea con las técnicas de los pioneros del arte pop, mientras que la pintura al óleo aplicada a mano aporta una dimensión táctil, característica de las texturas del arte urbano. «Old 500 Dollar Bill - Red Limited Edition» de Steve Kaufman es un ejemplo impactante de arte pop urbano que tiende un puente entre la reverencia histórica y la crítica contemporánea. Es una obra que encapsula el espíritu de su época, reflexionando sobre el valor y el simbolismo del dinero a través de la mirada de un artista que se desenvuelve con igual soltura con el aerosol que con el pincel.

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Impresión giclée de edición limitada Trinity Mao en papel de algodón de archivo de 330 g/m² por David Foox, artista callejero de la contracultura. Prueba de imprenta PP 2011. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 5,5 x 12,5 pulgadas. «El Mao de tres cabezas representa la dictadura mental de las distintas facultades de la percepción humana. Los dos terceros ojos, a la izquierda y a la derecha, representan tanto el hemisferio izquierdo (lógica y razón) como el derecho (creatividad y emotividad), así como los efectos negativos y positivos de la dualidad de la glándula pineal, es decir, la capacidad de la mente para dotar de valor espiritual a objetos inanimados o ideas. La tercera cabeza de Mao, la central, representa el yo objetivo, y la glándula pineal está representada por el tetragrama, que simboliza la conciencia divina y las leyes infinitas e inmutables de las matemáticas, la química y la física. El conejo representa las fuerzas animales de la naturaleza que infunden vida a las constelaciones, y la pirámide representa el impulso humano de transformar la materia en una forma perfecta». - Por Liam McMullan en nombre del artista David Foox (FOOX)

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Señal perdida, todo bien - Obra de arte original y única de Big Poppa pintada a mano en Ron English - POPaganda ¿No lo ves? Juguete de arte en vinilo. Figura pintada a mano por Dead St. 1 de 1. Técnica mixta, acrílico, pintura en aerosol.

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Dinero y Poder - Serigrafía monocromática blanca impresa a mano sobre papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, del artista Cleon Peterson. Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, 2022. Tamaño de la obra: 18x18 pulgadas. El dinero y el poder se han convertido en los principales motores del mundo moderno, empujándonos hacia una sociedad corrupta. Los días en que nuestros líderes velaban por los intereses del pueblo son cosa del pasado, reemplazados por el hombre fuerte que reprime las voces disidentes para imponer su voluntad. El dinero elige a los líderes; a cambio, estos tienen una deuda con el pueblo que los llevó al poder, implementando así nuestra nueva política pública de avaricia y capitalismo despiadado. Poco a poco aceptamos la corrupción, la ley se desvanece lentamente y la gente empieza a sentir que la democracia y una sociedad justa y equitativa siempre fueron solo una ilusión, un sueño del pasado que en realidad nunca existió. -Cleon Peterson Dinero y poder, de Cleon Peterson – Edición blanca de una cruda alegoría política en arte pop callejero y grafiti «Dinero y Poder» de Cleon Peterson es una serigrafía artesanal de 2022, firmada y numerada, producida en una edición limitada de 75 ejemplares. Con unas dimensiones de 45,7 x 45,7 cm (18 x 18 pulgadas) e impresa en tinta negra sobre papel Arches de 290 g/m² de algodón blanco impoluto con bordes deshilachados a mano, esta obra transmite un poderoso mensaje que, a través del minimalismo, revela los mecanismos del control autoritario y la dominación capitalista. El diseño presenta tres figuras militarizadas marchando al unísono bajo una pancarta con el símbolo del dólar. Cada figura saluda con una mano mientras empuña un arma con la otra, marchando al unísono hacia un futuro definido no por la democracia ni la justicia, sino por la obediencia al poder moldeado por la riqueza. La precisión de la imagen en blanco y negro refuerza la rigidez y la deshumanización retratadas, poniendo de relieve el paso de la gobernanza colectiva al autoritarismo impulsado por el capitalismo. La visión estadounidense de Cleon Peterson sobre las estructuras de poder modernas Cleon Peterson, artista estadounidense nacido en 1973, es reconocido por su estilo gráfico distintivo que fusiona la crudeza del arte callejero con la sensibilidad del arte pop. Sus obras no son decorativas, sino provocadoras, moralmente urgentes y reflejo de la violencia sistémica. «Dinero y Poder» ejemplifica la capacidad de Peterson para destilar complejas realidades sociopolíticas en imágenes únicas e inolvidables. Esta edición en blanco elimina cualquier distracción y permite al espectador centrarse por completo en el contenido y el mensaje. La ausencia de color evoca la aparente pérdida de matices en la gobernanza moderna, donde las decisiones ya no se rigen por consideraciones éticas, sino por intereses económicos. Peterson utiliza su formación en diseño y grafiti para reducir el mensaje a su esencia: quienes controlan el dinero controlan el mensaje, la ley y al pueblo. Simbolismo de las figuras marchando y el estandarte de la capital En Dinero y Poder, las figuras se reducen a símbolos de conformidad y control. Con movimientos robóticos y expresiones idénticas, actúan no como protectores del público, sino como agentes de un sistema que prioriza la preservación de la riqueza sobre el deber cívico. El arma en cada mano no es solo un arma: es una metáfora de la amenaza que sustenta la jerarquía. El saludo militar, generalmente un signo de honor o lealtad, se presenta aquí como una escalofriante sumisión a una ideología corrupta. Sobre ellos, la bandera con el símbolo del dólar reemplaza los símbolos nacionales o morales, declarando al dinero como la nueva bandera bajo la cual marchan las sociedades modernas. Esta imagen captura lo que Peterson describe como capitalismo mafioso: una economía y un gobierno fusionados en una sola fuerza corrupta que erosiona la capacidad de acción pública y los cimientos mismos de la democracia. El dinero y el poder como hito del arte pop callejero y el grafiti Esta edición de «Dinero y Poder» se presenta como una obra de arte y un cartel político, que denuncia la decadencia social nacida de la avaricia y la concentración de poder. Se inscribe firmemente en la tradición del arte pop urbano y el grafiti, empleando imágenes accesibles para transmitir verdades que a menudo se ignoran o minimizan en los ámbitos institucionales. La decisión de Peterson de limitar la edición a 75 copias impresas a mano añade peso a su mensaje, convirtiendo cada pieza en una llamada personal a la concienciación y la resistencia. A medida que el arte urbano evolucionó de la rebeldía al coleccionismo, artistas como Peterson se han mantenido fieles a las raíces del medio, utilizando imágenes de gran impacto público para expresar la disidencia. Esta obra no busca consolar ni embellecer, sino advertir. Captura un mundo donde el dinero ya no financia la democracia, sino que la reemplaza, revelando un ciclo en el que el poder engendra poder y el pueblo simplemente es arrastrado.

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The Showroom NYC MC Supersized- Mono Grey Grin Edición Limitada Juguete de Arte en Vinilo McSupersized Obra de Arte Coleccionable del artista de graffiti callejero Ron English- POPaganda. Ron English - POPaganda X The Showroom NYC MC Supersized (Mono Grey), 2004. Vinilo fundido pintado. 24,1 x 20,3 cm (9-1/2 x 8 pulgadas). Edición limitada de 100 unidades. Producido por The Showroom NYC, Nueva York. Según la página web de Ron, "MC Supersized fue una apropiación indebida por parte de English de la mascota de una popular cadena de comida rápida. Desde entonces, MC Supersized se ha convertido en una de las imágenes más icónicas de Ron, apareciendo en sus pinturas, vallas publicitarias y en el exitoso documental Supersize Me." The Showroom NYC era el espacio de exhibición de Toy Tokyo. Fueron los primeros en lanzar el icónico personaje de Ron en formato tridimensional. Tres de las cuatro combinaciones de colores se ofrecen en Heritage por primera vez. Este personaje ha sido producido por más de una docena de compañías en todos los tamaños y materiales imaginables desde 2004, pero estas son las ediciones limitadas más importantes. Si buscas la tarjeta de novato de Mickey Mantle de uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo, esta es la tuya. -Dov Kelemer

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Serigrafía «Shoplifters Welcome» de Shepard Fairey - OBEY x Jamie Reid Serigrafía artesanal sobre papel artístico color crema con motas. Edición limitada. Obra de arte pop urbano. Edición limitada de 450 ejemplares, firmada y numerada en 2012. Tamaño de la obra: 18x24. Creada para conmemorar la exposición Ragged Kingdom de Reid, del 16 de marzo al 14 de abril de 2012. Muestra una mano sacando leyes de un maletín, haciendo alusión a las regulaciones financieras de Wall Street. «Jamie ha sido una de mis mayores influencias, y me siento honrado de haber colaborado con él en algunas imágenes para la exposición. Las nuevas imágenes abordan los intereses comunes de Jamie y míos, tratando los problemas atemporales de la corrupción y la desigualdad económica, pero también se vinculan con los temas actuales del movimiento Occupy Wall Street y el callejón sin salida del consumo de combustibles fósiles». -Shepard Fairey La colaboración de Shepard Fairey con Jamie Reid en el arte pop callejero La serigrafía "Shoplifters Welcome" es una notable fusión entre el arte pop urbano y la crítica política, creada por el influyente Shepard Fairey en colaboración con Jamie Reid. Esta serigrafía de edición limitada, impresa a mano sobre papel artístico color crema con motas, es una prueba del poder del arte visual como herramienta de crítica social. Presentada como parte de la exposición "Ragged Kingdom" de Jamie Reid, del 16 de marzo al 14 de abril de 2012, esta obra resuena con temas antisistema y de disidencia comunes en el arte pop urbano y el grafiti. Shepard Fairey, reconocido por su campaña OBEY y el icónico póster "Hope" de Obama, se ha caracterizado por impregnar su obra con agudas reflexiones políticas. La obra en cuestión representa una mano sacando leyes de un maletín, una clara alusión a la desregulación de Wall Street y la liberación de las instituciones financieras de las restricciones legales. Esta metáfora visual transmite el mensaje de desigualdad económica y corrupción, ambos temas muy relevantes para el espíritu de la época de principios de la década de 2010, especialmente en el movimiento Occupy Wall Street. Expresión artística de cuestiones sociopolíticas La naturaleza colaborativa de esta obra, en la que participan Shepard Fairey y Jamie Reid, subraya un compromiso compartido para abordar problemas sociales acuciantes a través del arte. La declaración de Fairey sobre la colaboración destaca su interés común en afrontar los "problemas atemporales de la corrupción y la desigualdad económica", temas profundamente arraigados en la filosofía del arte pop urbano. La obra se convierte en un lienzo para el debate, haciéndose eco de los sentimientos de las protestas públicas y los movimientos que claman por justicia y reforma económica. Al crear la pieza "Shoplifters Welcome", Fairey y Reid recurren al legado del arte pop urbano y su capacidad para llegar a un público amplio. El arte pop urbano, que suele encontrarse en espacios públicos, se dirige directamente a las masas, sin el filtro de las restricciones de los espacios artísticos tradicionales. Aunque expuesta en el marco de una muestra, esta impresión transmite el espíritu del arte urbano al ser una obra de grafiti que se puede poseer: un símbolo tanto de rebeldía como de mercantilización. La naturaleza de edición limitada de esta lámina, con solo 450 ejemplares, añade un toque de exclusividad a una obra que aborda la desigualdad económica, creando una interesante tensión entre el mensaje de la obra y su condición de objeto de colección. Cada lámina, firmada y numerada por Fairey, es una pieza de arte y una declaración sobre el papel del artista en la sociedad: como observador, crítico y participante en el diálogo cultural sobre el poder y el dinero. Esta obra, de 18x24 pulgadas, encapsula un periodo de intenso activismo sociopolítico, sirviendo como documento histórico que captura la esencia de principios de la década de 2010. Las imágenes impactantes, que recuerdan al arte propagandístico, son tanto un guiño al pasado como un comentario sobre la situación actual. Traza un paralelismo entre las acciones en Wall Street y los problemas más amplios de la supervisión regulatoria y el desequilibrio de poder, que siguen siendo relevantes en los debates sobre economía y gobernanza. En el contexto más amplio del arte urbano pop y el grafiti, la obra "Shoplifters Welcome" de Shepard Fairey y Jamie Reid constituye un poderoso recordatorio del papel del arte en la sociedad. Tiende un puente entre el atractivo estético y la crítica social, funcionando como un manifiesto visual que invita a la reflexión y a la acción. La pieza no es simplemente una obra de arte para contemplar, sino un punto de partida para el diálogo, una llamada a la acción y un documento histórico.

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Daniel Plainview, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de Robert Bruno, artista callejero contracultural. Basado en el personaje de Daniel Plainview de la película de Daniel Day-Lewis, "There Will Be Blood". "Soy competitivo. No quiero que nadie más triunfe. Odio a la mayoría de la gente... hay veces que miro a la gente y no veo nada que merezca la pena. Quiero ganar suficiente dinero para alejarme de todos." -Daniel Plainview

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Oferta y Demanda. Serigrafía roja AP de Shepard Fairey - OBEY. Prueba de artista. Serigrafía impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2006 Firmada y marcada AP Edición limitada de la tirada original Tamaño de la obra 18x24 Impresión serigráfica del logotipo de Obey Giant Star Andre The Giant en una insignia tipo corona con Obey y el símbolo del dólar. Shepard Fairey, reconocido por su singular fusión de arte pop, urbano y grafiti, presentó en 2004 la "Prueba de Artista Roja de Oferta y Demanda", una muestra más de su icónica trayectoria artística. Esta pieza exhibe una meticulosa serigrafía realizada a mano sobre papel de bellas artes, demostrando la dedicación de Fairey a la técnica y el detalle. Las Pruebas de Artista, a menudo abreviadas como AP, son versiones únicas de ediciones limitadas, destinadas principalmente a la colección del artista o a personas cercanas. Esta serigrafía lleva en relieve el codiciado sello AP, que certifica su rareza y la distingue de la edición general. En el corazón de esta obra se encuentra la emblemática Estrella Gigante Obey de Fairey, un símbolo que se remonta a sus inicios en el mundo del arte. El emblema, inspirado en el rostro de André el Gigante, se ha convertido con el tiempo en una imagen poderosa del arte contemporáneo. Sobre un fondo de insignia con forma de corona, este motivo cobra protagonismo. La obra está salpicada de otros símbolos poderosos: la palabra imperativa «Obedece» y el omnipresente símbolo del dólar. Estos elementos, en conjunto, ofrecen una reflexión sobre la obediencia social, la cultura del consumo y la intersección entre poder, propaganda y capital. Las obras de Fairey suelen profundizar en estas exploraciones temáticas, invitando al espectador a interactuar críticamente con su entorno. Reconocidos mundialmente, los grabados de Shepard Fairey, ediciones minimalistas como «Supply and Demand Red AP», siguen cautivando al público. No solo representan la vibrante energía del arte urbano, sino que también subrayan el potencial de este medio para suscitar reflexión, diálogo y transformación. Esta serigrafía se erige como la máxima expresión del viaje transformador de Fairey, desde las esquinas de las calles hasta las prestigiosas galerías.

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XXXRAY Deck Fine Art Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Transferencia sobre Tabla de Skate Natural Escarpada Prensada en Frío por el Artista de Graffiti Urbano Denial. Edición limitada de 50 ejemplares firmados con certificado de autenticidad (COA) de 2020. Tamaño de la obra: 8 x 31,875 pulgadas. Transferencia de impresión de pigmentos de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío. Tamaño: 8 x 31,875 pulgadas. Lanzamiento: 20 de julio de 2020. Tirada: 50 unidades. El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Never Say Never Deck Fine Art Edición Limitada Impresión de Pigmentos de Archivo Transferencia sobre Tabla de Skate Steep Natural Prensada en Frío por el Artista de Graffiti Urbano Denial. Edición limitada de 3 unidades, 2021 Transferencia de impresión de pigmentos de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío. Tamaño: 8 x 31,875 pulgadas. Lanzamiento: 14 de julio de 2021. Tirada: 35 unidades. El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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