Labios de la boca

The Cops - Papel secante azul y cobalto, edición limitada, impresión artística de pigmento de archivo sobre papel secante perforado, por Niagara pop culture LSD artwork. "Teníamos un trabajo de chofer, entregando Porsches y Ferraris a escritores en Los Ángeles. El Coronel era un expiloto de carreras. Nunca parábamos para la policía y nunca nos pillaron... hasta la noche del día siguiente." - Niagara

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Mr. Dob, una escultura de vinilo de edición limitada, obra de arte coleccionable del artista japonés de la cultura pop Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Edición limitada 2017 de 400 Complexcon x BAITx Takashi Murakami 10 3/5 × 13 2/5 × 10 1/5 pulgadas Nuevo en caja. Sr. Dob, una escultura de vinilo de Takashi Murakami: Expresión maximalista en el arte pop callejero y el grafiti Mr. Dob A es una escultura de vinilo de edición limitada de 2017, creada por Takashi Murakami en colaboración con BAIT y lanzada durante ComplexCon. Esta pieza de colección, limitada a 400 unidades, mide aproximadamente 27 x 34 x 26 cm y viene en su caja original con ilustraciones originales de Murakami. La escultura captura al recurrente personaje del artista, Mr. Dob, plasmado en vinilo brillante con un nivel de detalle, patrones y colores impactantes. Con tentáculos salvajes, ojos giratorios, dientes dentados de colores arcoíris y un diseño de superficie hipnótico, Mr. Dob A funciona como la encarnación física de la estética Superflat de Murakami y su exploración del exceso en la cultura pop moderna. Representa una convergencia clave entre las bellas artes japonesas, el espectáculo consumista y la audaz energía visual del arte pop urbano y el grafiti. Diseño, simbolismo y técnica escultórica Esta escultura del Sr. Dob A es a la vez fantástica y amenazante. Su boca abierta es un cavernoso vórtice arcoíris rodeado de coloridos dientes triangulares, mientras que sus extremidades, similares a las de un pulpo, se enroscan hacia afuera, cada una cubierta de motivos oculares y patrones concéntricos. Con orejas en espiral y ojos saltones, el personaje oscila entre lo kawaii y lo kaiju, la inocencia y la amenaza. El acabado brillante refleja la obsesión de Murakami por la perfección pulida, un guiño a la fabricación de juguetes y a la superficie limpia de la producción de anime. Cada curva es intencional, exagerada e impregnada de caos. La precisión del molde de vinilo y la pintura transforman la pieza en algo más que un juguete: es un objeto surrealista de bellas artes, producido con la exactitud de un producto de diseño, pero palpitando con una anarquía visual. El Sr. Dob no es simplemente una mascota, sino una figura en constante evolución que simboliza la colisión entre los medios de comunicación, la mitología y la locura personal. El papel cultural de Takashi Murakami y su influencia a nivel de calle Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, es reconocido internacionalmente por su capacidad de fusionar el arte elevado y la cultura comercial en un único marco visual. Su concepto distintivo, el Superflat, comprime la pintura tradicional japonesa con el consumismo de posguerra, el anime y la cultura otaku. El Sr. Dob es uno de los personajes más antiguos y significativos de Murakami, que funciona como álter ego y crítica de la saturación cultural. La edición «Mr. Dob A» refleja la conexión de Murakami con las ferias de arte contemporáneo y el coleccionismo urbano, y debutó en ComplexCon, un mercado impulsado por la moda, el arte y la cultura del hype. En el mundo del arte pop urbano y el grafiti, la obra de Murakami existe como un portal donde la tradición y la disrupción coexisten, y donde figuras como el Sr. Dob se convierten tanto en símbolos como en productos de la identidad visual global. Edición limitada en vinilo como objeto de colección de bellas artes Cada escultura de Mr. Dob A se presenta en una caja diseñada a medida que refleja la expresión del personaje, plasmada en un audaz estilo vectorial en toda su superficie. El empaque y la figura son inseparables en su narrativa: funcionan como una sola unidad coleccionable. Al ser una edición limitada de 400 ejemplares, la obra ocupa una posición singular entre objeto comercial y artefacto cultural. A diferencia de las figuras de vinilo producidas en masa, esta edición se fundamenta en la tradición artística conceptual y la estrategia de coleccionismo de Murakami. Su presencia en galerías, colecciones privadas y museos la sitúa en diálogo directo con el debate más amplio sobre la función de los juguetes en las bellas artes. Dentro del creciente mundo del Arte Pop Urbano y el Grafiti, Mr. Dob A se erige como una escultura híbrida: descaradamente llamativa, autorreferencial y reflejo de un público global ávido de arte que fusiona espectáculo, subversión y superficie.

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Run Away, serigrafía de 10 colores impresa a mano sobre papel Lambeth Drawing Cartridge de 370 g/m² del artista D*Face. Edición limitada de obra de arte pop. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada, 2020. Tamaño de la obra: 27,25 x 39,5 pulgadas. Enmarcada con un marco y paspartú personalizados de gran tamaño. D*Face (n. 1978). Run Away, 2020. Serigrafía en color sobre papel Lambeth Drawing Cartridge. 39-1/2 x 27-1/4 pulgadas (100,3 x 69,2 cm) (hoja). Ed. 71/150. Firmada y numerada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Stolen Space Gallery, Londres. La fusión de lo clásico y lo contemporáneo en 'Run Away' de D*Face D*Face, seudónimo del artista callejero británico Dean Stockton, es desde hace tiempo una figura destacada del arte pop urbano y el grafiti. Su obra «Run Away» es una pieza notable de su producción: una serigrafía artesanal de diez colores sobre el prestigioso papel Lambeth Drawing Cartridge. Esta edición limitada, firmada y numerada, de 2020, ejemplifica el compromiso del artista con la fusión de la energía subversiva del arte callejero con la maestría de la impresión tradicional. Brillantez técnica y profundidad temática en 'Run Away' Con unas dimensiones de 39-1/2 x 27-1/4 pulgadas, «Run Away» destaca por su gran escala y sus intrincados detalles. La obra captura un momento de apasionado abrazo, pero las figuras se representan con elementos de disolución, sugiriendo quizás la fugacidad del amor o la naturaleza efímera de las relaciones. La narrativa de la obra se ve realzada por su complejidad visual: el uso de una paleta de 10 colores permite una vibrante profundidad de imagen. La elección del papel Lambeth Drawing Cartridge es crucial para el atractivo de la impresión. Conocido por su gramaje y calidad superior, este papel constituye una excelente base para la serigrafía. Permite una transferencia nítida de la tinta y una viveza de color que otros papeles no podrían reproducir. El papel Lambeth complementa las líneas audaces y los marcados contrastes de D*Face, garantizando que cada impresión de la edición limitada de 150 conserve la claridad y el impacto del diseño original. El lugar de D*Face en el panteón del arte pop «Run Away» de DFace refleja la posición del artista en el panorama del arte pop. Nacido en 1978, DFace ha sido testigo de la evolución del arte urbano, desde una subcultura hasta una forma de expresión artística reconocida mundialmente. Su obra suele contener comentarios sobre el consumismo, la fama y los entresijos del mundo del arte, todo ello hábilmente integrado en «Run Away». El estilo característico del artista fusiona la estética inspirada en el cómic con una mirada crítica a la sociedad moderna, lo que le ha valido el reconocimiento y un espacio en galerías de todo el mundo. «Run Away», publicada por la galería Stolen Space de Londres, es una pieza que encapsula el dominio de D*Face sobre su medio y su mensaje. Es una obra que invita a la reflexión sobre la naturaleza del romance moderno, los iconos de la cultura pop y el arte de la serigrafía. El impacto duradero de «Huir» en el arte moderno «Run Away» de D*Face ocupa un lugar destacado en el arte moderno, tendiendo un puente entre la expresividad cruda del arte urbano y la precisión de la impresión artística. La obra, enmarcada en un gran marco y paspartú hechos a medida, está diseñada para impactar, ya sea expuesta en una galería o en una colección privada. El uso del papel Lambeth Drawing Cartridge es una muestra del respeto de D*Face por la calidad y la tradición, incluso al tiempo que desafía los límites del arte con su estilo innovador y provocador. La pieza no es solo un deleite visual; es un artefacto cultural que encapsula el espíritu de la época. Con «Run Away», D*Face contribuye al debate actual sobre el lugar y el valor del arte pop urbano dentro de la narrativa artística más amplia. Su obra, en particular esta excepcional impresión, seguirá siendo estudiada y apreciada por quienes buscan comprender la compleja interacción entre el arte y la sociedad en el siglo XXI.

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Obra de arte "Diosa en nosotros", impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Handiedan. 2020 Edición limitada firmada y numerada de 55 impresiones giclée firmadas y numeradas por el artista. «Crear estos collages de técnica mixta con múltiples capas me brinda la oportunidad de explorar las complejas capas de la vida y la energía. Siempre aspiro a una hermosa interacción con la mirada y el corazón del espectador». -Handiedan

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Escultura de vinilo de edición limitada Mr Dob B, obra de arte coleccionable del artista de la cultura pop japonesa Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Edición limitada 2017 de 800 Complexcon x BAITx Takashi Murakami 9x12x8 Perfecto como nuevo Exhibido con caja. Escultura de vinilo Mr. Dob B de Takashi Murakami: Caos multicolor en el arte pop callejero y el grafiti Mr. Dob B es una escultura de vinilo de edición limitada de 2017 del artista japonés Takashi Murakami, creada en colaboración con BAIT y lanzada durante ComplexCon en una tirada de 800 piezas. Con unas dimensiones aproximadas de 23 x 30 x 20 cm, la pieza presenta al emblemático personaje de Murakami, Mr. Dob, una creación híbrida que combina orejas de ratón con una expresión psicodélica y frenética, y una vibrante paleta de colores. Presentada en formato escultórico con una caja de coleccionista totalmente ilustrada, la figura ejemplifica la habilidad de Murakami para traducir el caos visual bidimensional en una forma tridimensional táctil. La pieza encarna una convergencia de la estética superplana japonesa, la subcultura otaku y la escultura de bellas artes, alineándose estrechamente con el lenguaje y el impacto del arte pop urbano y el grafiti. Diseño, dimensión y evolución del personaje El Sr. Dob B es una de las manifestaciones físicas más impactantes del universo de Murakami. Su mandíbula abierta revela un vórtice interno de dientes, lenguas, arcoíris y púas. Los ojos giratorios, los rasgos faciales exagerados y las extremidades tentaculares transforman la figura en un espectáculo óptico que desafía el diseño de personajes tradicional. Construida en vinilo brillante con un acabado similar al de un caramelo, la escultura impone presencia y refleja la luz como un ídolo futurista. La superposición de referencias pop, elementos de la animación japonesa y paletas de colores comerciales por parte de Murakami da como resultado una forma que se siente a la vez festiva y provocadora. Esta versión del Sr. Dob funciona como una destilación física de la sobrecarga visual que suele observarse en las pinturas y murales de Murakami. Es una figura a la vez familiar y aterradora, cómica y agresiva, que alude a la cultura kawaii y la subvierte simultáneamente. La influencia de Takashi Murakami en la escultura coleccionable de inspiración pop Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, es ampliamente reconocido como una figura central del arte pop contemporáneo. Su obra difumina las fronteras entre la alta cultura y el consumismo, integrando anime, moda y grafiti en exposiciones de nivel museístico y colaboraciones comerciales. Mr. Dob, presentado a mediados de la década de 1990, se ha convertido en uno de los motivos más reconocibles de Murakami: en parte mascota, en parte avatar, en parte crítica del marketing. En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, las esculturas de vinilo de Murakami funcionan como iconos de la subversión del consumo. Están diseñadas para ser coleccionadas, exhibidas y celebradas, pero a la vez contienen los lenguajes codificados del marketing, la historia del arte y la cultura digital. Con el lanzamiento de Mr. Dob B en ComplexCon —un evento conocido por su fusión de moda urbana, arte y cultura de masas— Murakami consolidó aún más la escultura como un emblema de la remezcla cultural y la accesibilidad al arte de vanguardia. Vinilo de edición limitada como cápsula del tiempo de la cultura pop La edición 2017 de Mr. Dob B viene en una caja de gran formato, completamente impresa, que refleja la estética caótica de la figura en su interior. Cada escultura tiene un acabado de fábrica impecable, con una aplicación de pintura nítida y una forma equilibrada, que evoca el refinamiento comercial de la cultura del juguete de diseño. Sin embargo, a diferencia de los coleccionables de consumo masivo, esta figura forma parte de una edición limitada, lo que subraya su exclusividad e integridad artística. La presencia de Murakami en ComplexCon marcó un punto de inflexión: el arte no solo entró en el mundo del espectáculo, sino que se convirtió en su eje central. En Street Pop Art & Graffiti Artwork, esta edición se erige como una cápsula del tiempo de la cultura visual: lúdica, precisa y plenamente consciente de su impacto. Mr. Dob B no es simplemente una escultura, sino una declaración sobre la saturación, el espectáculo y la evolución del concepto de arte en un mundo saturado de medios de comunicación.

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Obra de arte "Festín Táctil" Impresión Giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Mandy Tsung. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12 x 16 pulgadas.

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La obra de arte "El animal que hay en mí" es una impresión giclée de edición limitada en papel grueso de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Edith Lebeau.

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Sin título de Blame Game- #10 Mano en la frente Impresión serigráfica de 11 colores realizada a mano sobre papel Saunders Waterford Hi-White del artista Kaws- Brian Donnelly Street Art Obra de arte de edición limitada. 2014. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 23 x 35 pulgadas. Enmarcada con un marco y paspartú personalizados de gran tamaño. Ligera marca en la parte inferior central del blanco. KAWS (n. 1974). Sin título, de la serie Blame Game, 2014. Serigrafía en color sobre papel Saunders Waterford Hi-White. 35 x 23 pulgadas (88,9 x 58,4 cm) (hoja). Edición de 100 ejemplares. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Pace Prints, Nueva York. El matiz expresivo de "Sin título de Blame Game - #10 Mano en la ceja" de KAWS La obra "Sin título de Blame Game - #10 Mano en la frente" constituye una pieza significativa dentro de la obra de KAWS, el seudónimo artístico de Brian Donnelly. Esta pieza forma parte de una serie limitada, una serigrafía artesanal de 11 colores sobre papel Saunders Waterford Hi-White, conocido por su excepcional calidad y resistencia. La obra, de 89 x 58 cm, es una de las 100 copias de una edición limitada, cada una firmada, numerada y fechada a lápiz por el artista en el borde inferior, lo que demuestra su implicación directa y su toque personal en cada pieza. Publicada en 2014 por Pace Prints en Nueva York, esta obra está enmarcada en un gran marco y paspartú hechos a medida, que la realzan con elegancia. El motivo de la "Mano en la frente" presente en la impresión refleja el lenguaje visual único y reconocible de KAWS, que suele incluir colores vivos, formas gráficas y los personajes reinterpretados que se han convertido en elementos centrales de su arte. El ligero roce de la pluma en la parte inferior central blanca de la impresión puede sugerir el proceso manual involucrado en la creación de estas obras, enfatizando su naturaleza hecha a mano y la autenticidad del proceso de serigrafía. KAWS: Uniendo el arte callejero y la esfera de las bellas artes La trayectoria de KAWS, desde sus inicios como grafitero en las calles de Jersey City hasta convertirse en un fenómeno artístico global, encapsula el poder transformador del arte pop urbano y su capacidad para permear el mundo de las bellas artes. Su origen en el grafiti se evidencia en la libertad y expresividad de su obra, pero su enfoque posee una sofisticación que armoniza con una delicada sensibilidad artística. Su obra "Sin título de Blame Game - #10 Mano en la ceja" representa vívidamente esta fusión, presentando un diálogo visual accesible y complejo a la vez, lúdico y profundo. El uso de una paleta de 11 colores en la serigrafía es particularmente destacable, permitiendo a KAWS superponer colores con precisión y crear imágenes con profundidad y viveza. La elección del papel Saunders Waterford Hi-White refleja su compromiso con la calidad, ya que es un soporte predilecto para impresiones artísticas debido a su textura y durabilidad superiores. Como muchas de las obras de KAWS, esta pieza es una sofisticada confluencia entre la rebeldía del arte urbano y el atractivo masivo del arte pop. Resonancia cultural de las ediciones limitadas de las láminas de KAWS Las serigrafías de KAWS, especialmente las de la serie "Blame Game", tienen gran resonancia cultural gracias a su comentario sobre las construcciones sociales y la experiencia individual. Los temas recurrentes en su obra, como el aislamiento, la compañía y la contemplación, son universalmente relevantes, lo que permite que su arte conecte con un público diverso. Su obra "Sin título de Blame Game - #10 Mano en la frente" encapsula estos temas, empleando sus icónicos ojos tachados y figuras abstractas para invitar a la introspección y la respuesta emocional. Al ser una pieza de edición limitada, esta obra ocupa un lugar especial en la narrativa del arte urbano pop y el grafiti. Coleccionistas y aficionados valoran las serigrafías de KAWS por su mérito artístico, su rareza y su potencial de inversión. El arte de KAWS, en particular obras como "Sin título de Blame Game - #10 Mano en la frente", sigue influyendo en la trayectoria del arte urbano, captando la atención tanto en entornos urbanos como en galerías de arte. En conclusión, «Sin título de Blame Game - #10 Mano en la frente» es un testimonio de la magistral fusión que KAWS logra entre la espontaneidad del arte urbano y la meticulosa técnica del grabado artístico. Esta obra simboliza la capacidad del artista para conectar con el público en múltiples niveles, ofreciendo un festín visual tan provocador como estéticamente placentero. A medida que el arte pop urbano continúa evolucionando, la obra de KAWS se erige como un referente clave, difuminando las fronteras entre las subculturas y las formas de arte convencionales.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Sin título de Blame Game- #3 Cara al revés Impresión serigráfica de 11 colores realizada a mano sobre papel Saunders Waterford Hi-White por el artista Kaws- Brian Donnelly Street Art Obra de arte de edición limitada. KAWS (n. 1974) Sin título de la serie Blame Game, 2014. Serigrafía a color sobre papel Saunders Waterford Hi-White. 88,9 x 58,4 cm (hoja). Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Pace Prints, Nueva York. Presentación de "Sin título de Blame Game - #3 Cara al revés" de KAWS En la dinámica intersección del arte pop urbano y el grafiti, pocos nombres resuenan tanto como el de KAWS, seudónimo del artista estadounidense Brian Donnelly. Nacido en 1974, KAWS se ha convertido en un ícono del arte contemporáneo, tendiendo puentes entre el arte y la cultura popular. Su obra "Sin título de Blame Game - #3 Cara al revés" es una demostración contundente de su maestría en esta forma de arte. Creada en 2014, esta obra forma parte de una edición limitada de 100 serigrafías impresas a mano en 11 colores sobre papel Saunders Waterford Hi-White, cada una con la firma, el número y la fecha del artista en el borde inferior. Publicada por Pace Prints, Nueva York, esta pieza ejemplifica la perfecta fusión entre arte comercial y bellas artes por la que KAWS es reconocido. La obra es una audaz expresión de la estética única de KAWS, que presenta un personaje característico con una "X" en cada ojo, un motivo que lo ha hecho famoso. Esta lámina, de 35 x 23 pulgadas, está enmarcada con un marco y paspartú personalizados de gran tamaño, lo que realza su impacto visual. La técnica de serigrafía de 11 colores es una muestra de la dedicación de KAWS a la artesanía y la calidad, lo que garantiza que cada lámina ofrezca una paleta de colores rica y vibrante, así como un nivel de detalle meticuloso. La elección del papel Saunders Waterford Hi-White, reconocido por su alta calidad, contribuye a la sensación de lujo y la durabilidad de la obra. KAWS y la evolución del arte pop callejero La trayectoria de KAWS en el mundo del arte se caracteriza por su transición de grafitero callejero en Nueva York a figura imponente en la escena artística global. Su obra se distingue por su fluidez al transitar entre diversas subculturas, incluyendo el arte urbano, el arte pop y la imaginería comercial. La serie "Sin título de Blame Game" ilustra a la perfección cómo KAWS ha transformado la sensibilidad del arte urbano en algo que puede apreciarse tanto en los bulliciosos callejones de la ciudad como en las recónditas galerías de arte. Sus personajes, aunque de forma simple, transmiten una profunda resonancia con el espectador, encarnando a menudo temas como la humanidad, la vulnerabilidad y el aislamiento. La capacidad de KAWS para evocar tales emociones manteniendo una estética lúdica y accesible es un sello distintivo de su trabajo. Esta dualidad lo ha hecho merecedor del aprecio de públicos diversos, desde amantes del arte urbano hasta coleccionistas de alto nivel. La importancia cultural de la obra de KAWS Más allá de su atractivo visual, la obra de KAWS está profundamente arraigada en el espíritu de la época. Su arte captura la esencia de la vida contemporánea, reflejando sus complejidades y simplicidades. «Sin título de Blame Game - #3 Cara al revés», como gran parte de su obra, está impregnada de introspección, desafiando al espectador a mirar más allá de la superficie. Los temas recurrentes de deconstrucción y recontextualización en sus piezas invitan a un diálogo sobre la naturaleza de la identidad y el reconocimiento en un entorno mediático saturado. Además, la influencia de KAWS se extiende más allá del lienzo, impactando el panorama del diseño, la moda y el branding comercial. Sus colaboraciones con grandes marcas han ampliado los límites de lo que se considera arte, haciendo que su visión sea accesible a un público más amplio y redefiniendo el concepto de arte pop urbano. «Sin título de Blame Game - #3 Cara al revés» no es solo un testimonio de la habilidad técnica y la visión artística de KAWS, sino también un símbolo de la evolución del arte pop urbano y el grafiti. Como pieza de edición limitada, ocupa un lugar especial en los anales del arte contemporáneo, representando un momento en el tiempo donde las líneas entre el arte elevado y la cultura callejera no solo se difuminan, sino que se entrelazan bellamente.

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Estudio Nocturno II. Dibujo original a tinta sobre papel de bellas artes del artista de arte callejero moderno de tendencia Sheefy McFly. Obra de arte original firmada, realizada con rotulador en 2020. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Estudio nocturno II enmarcado, 2020. Tinta sobre papel. 24 x 18 pulgadas (61 x 45,7 cm) (hoja). Firmado y fechado en el borde derecho. Dimensiones enmarcado: 27,5 x 21,5 pulgadas.

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Prueba de artista Relief AP, serigrafía de Pose- Jordan Nickel, impresa a mano en 12 colores sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb con bordes irregulares. Edición limitada. Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2023 Firmada y marcada "AP" Edición limitada Tamaño de la obra: 23 x 30 cm Impresión serigráfica Navegando por los complejos y fascinantes ámbitos del arte pop y urbano, la serigrafía «Relief AP Artist Proof» se erige como un ejemplo paradigmático del arte contemporáneo. Concebida por el ilustre artista Jordan Nickel, conocido en el mundo del arte como «Pose», esta obra encarna su estilo característico: una armoniosa fusión de paletas de colores audaces y patrones intrincados. Realizada meticulosamente con la técnica de serigrafía manual de 12 colores, la obra irradia una riqueza que se complementa con la impecable textura del papel Cover Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. El desbarbado manual del papel subraya el atractivo crudo y táctil de la pieza, añadiendo un toque orgánico a su esencia moderna. Designada como «Prueba de Artista» y marcada con «AP», esta impresión posee un significado especial dentro de la obra del artista. Las Pruebas de Artista se reservan tradicionalmente para la colección personal del artista o para ocasiones especiales, lo que convierte a esta obra en una pieza particularmente codiciada por coleccionistas y aficionados. Esta creación de 2023, de 23x30 cm, no solo está firmada por Pose, sino que también ostenta la prestigiosa marca "AP", que certifica su exclusividad. En "Relief AP Artist Proof", la vívida imaginación de Pose se manifiesta en una sinfonía de colores y formas. Los elementos entrelazados, desde los tonos radiantes hasta los patrones rítmicos, reflejan la convergencia entre la energía cruda del arte urbano y la icónica simplicidad del arte pop. Como testimonio de la contribución de Pose a la escena del arte contemporáneo, esta pieza se erige como un faro que ilumina el camino para futuras exploraciones artísticas.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Juego de cartas ComplexCon x Dobtopus Octopus Impresión de pigmento de archivo de edición limitada de bellas artes transferida sobre tabla de monopatín natural por el artista de graffiti de arte callejero Takashi Murakami TM/KK. Set de 3 tablas de 2017. Lanzado en ComplexCon en 2017, el set de tablas de skate Octopus de Takashi Murakami presenta el conocido motivo del pulpo de Murakami en un conjunto de 3 tablas que, al colocarlas juntas, forman una imagen armoniosa. Este set se lanzó el 4 de noviembre de 2017. Juego de cartas ComplexCon x Dobtopus Octopus de Takashi Murakami: El poder de los personajes en el arte pop callejero y el grafiti El set de tablas ComplexCon x Dobtopus Octopus de Takashi Murakami es una edición limitada de arte creada en colaboración con ComplexCon en 2017. Este conjunto de tres tablas de skate de madera natural de 8 x 31 pulgadas presenta una única impresión pigmentada de archivo que abarca los tres paneles para crear una composición unificada. Lanzado el 4 de noviembre de 2017, el set captura el lenguaje visual colorido y centrado en los personajes de Murakami en un formato que conecta los mundos del arte comercial, el diseño coleccionable y la cultura subversiva. Con colores vibrantes, líneas definidas y detalles surrealistas, el motivo Dobtopus ilustra la habilidad de Murakami para fusionar mitología, manga y merchandising en una declaración coherente dentro del arte pop urbano y el graffiti. Esta pieza presenta una representación fragmentaria y lúdica de la variación pulpo del Sr. Dob, un personaje recurrente en la obra de Murakami, similar a una mascota. La forma de pulpo añade un toque de fantasía y atractivo monstruoso, con ojos arremolinados, dientes afilados y tentáculos representados en suaves degradados y líneas saturadas. Motivos circulares y expresiones faciales exageradas se dispersan por la imagen, contribuyendo a la estética desorientadora y de múltiples ojos que caracteriza la obra de Murakami. Cada panel de la baraja se convierte en una muestra de caos y fascinación, enfatizando las múltiples personalidades y la energía incontenible de la criatura. El fondo de madera natural permite que el diseño hipercolorido flote sobre la superficie, creando una tensión única entre la tradición material y el exceso visual. ComplexCon como plataforma para el arte, la cultura y la identidad urbana Presentado durante ComplexCon, un evento cultural anual que fusiona moda, música, arte y diseño, este set de tablas de skate ejemplifica el papel de Murakami como nexo entre las bellas artes y los movimientos urbanos populares. En lugar de confinar su obra a los límites de la galería, Murakami expande su presencia a través de formatos accesibles y colaboraciones intersectoriales. En ComplexCon, donde convergen la cultura del hype y el arte contemporáneo, esta tabla se erigió como una pieza clave: arraigada en la tradición de las ediciones limitadas de ropa urbana, pero elevada por la profundidad conceptual y la herencia visual del artista. Al producir esta obra como un tríptico sobre tablas de skate, Murakami garantiza que funcione tanto como arte mural como objeto cultural. Las tablas de skate siguen siendo un medio venerado en el arte pop urbano y el grafiti debido a su dualidad: herramientas utilitarias reinventadas como superficies artísticas. Aquí, se convierten en el lienzo perfecto para la explosiva gramática visual de Murakami, consolidando aún más el lugar de las tablas en el léxico estético de la contracultura moderna. Cultura de los personajes y espectáculo emocional en el lenguaje visual de Murakami El uso que hace Murakami del personaje Dobtopus revela su obsesión por la exageración emocional, la mutación facial y las identidades híbridas. La figura con forma de pulpo, representada con ojos concéntricos y amplias sonrisas casi mecánicas, rompe con las expectativas tradicionales de los personajes. Funciona no solo como mascota, sino también como un reflejo de la saturación mediática, la sobrecarga de información y la fluidez de la identidad. Al extender el diseño a lo largo de tres paneles, Murakami juega con la fragmentación y la unidad: el espectador debe alejarse para comprender la imagen completa, lo que refleja cómo la sociedad contemporánea a menudo solo experimenta claridad a través del enfoque colectivo. Estos atributos son fundamentales para la sensibilidad del arte pop callejero y el grafiti. La sobrecarga visual, la extravagancia agresiva y el mensaje en capas son paralelos a las técnicas de los artistas urbanos que cubren los paisajes urbanos con personajes y firmas diseñados para provocar y perdurar. La obra de Murakami, aunque más pulida y refinada, mantiene esa urgencia y mordacidad. Sus personajes, especialmente Dob, se han convertido en tótems contemporáneos: a la vez lúdicos e inquietantes, tiernos y caóticos. El impacto global de Murakami y el arte del skate como archivo cultural Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, continúa moldeando el panorama internacional del arte pop urbano y el grafiti, combinando la técnica tradicional con la producción en masa. El set de cartas ComplexCon x Dobtopus Octopus cristaliza su compromiso de toda la vida con la narrativa visual que opera en múltiples niveles. Es, a la vez, una pieza de colección, un espectáculo pop y un espejo filosófico. Desde su lanzamiento en 2017, se ha integrado a un extenso archivo de objetos que documentan cómo los artistas desafían y transforman el significado de los materiales, los personajes y los valores culturales. Este set no se limita a mostrar una imagen; encapsula la fusión de animación, inquietud y espiritualidad de Murakami en una superficie que alguna vez estuvo destinada a la rebeldía y la diversión. El Dobtopus nada entre llamas de atención y ruido, reafirmando el poder de la imagen en su forma inmóvil. Murakami recuerda a los espectadores que incluso los objetos más comerciales pueden volverse sagrados, saturados de color, humor y un caos cuidadosamente calculado que nunca deja de observar.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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100% Angel - Impresión giclée de gran formato, edición limitada, sobre papel de bellas artes, de la artista de graffiti de la cultura pop Bei Badgirl. Impresión giclée de lujo, calidad de galería, en papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m², con firma del artista. Tamaño grande: 41 x 56,5 cm (16 x 22,5 pulgadas). 100% Ángel – Impresión giclée de gran formato, edición limitada, de Bei Badgirl 100% Angel es una impactante impresión giclée de gran formato de la artista de graffiti y cultura pop Bei Badgirl. Esta obra de arte, con calidad de galería, está impresa en papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m², lo que garantiza una excepcional viveza del color y una gran durabilidad. Firmada por la artista, la impresión mide 41 x 56,5 cm (16 x 22,5 pulgadas), convirtiéndola en una pieza imponente dentro del movimiento del arte pop urbano y el graffiti. Esta obra encarna la estética audaz, hiperfemenina y lúdicamente rebelde que caracteriza a Bei Badgirl, fusionando influencias contemporáneas con elementos de la cultura kawaii japonesa, la moda urbana y el surrealismo pop. La obra presenta una figura femenina estilizada y exagerada, con una melena rubia ondulada, pestañas extralargas y una actitud que irradia inocencia y poder. Vestida con un bikini rosa y blanco inspirado en un conejito, con lazos de pompones de piel sintética y un moño, el personaje encarna una mezcla de nostalgia, seducción y rebeldía con toques pop. La suave paleta de colores pastel, contrastada con gruesos contornos negros, realza el impacto visual, convirtiéndola en una pieza emblemática dentro de la creciente colección de láminas del artista. Bei Badgirl y su influencia en el arte pop callejero y el arte del grafiti Bei Badgirl es una artista de renombre internacional cuyo trabajo fusiona la estética del arte urbano con la cultura pop, la moda y temas feministas. Su arte se caracteriza por la representación singular de figuras femeninas ultraglamurosas, inspiradas en el estilo de los dibujos animados, que desafían las ideas tradicionales de belleza, sexualidad y empoderamiento. Inspirándose en el manga japonés, el arte pin-up occidental y la cultura pop de los 90, Bei Badgirl ha cultivado una identidad visual que es a la vez nostálgica y vanguardista. Su obra está profundamente arraigada en el lenguaje visual del grafiti y el arte pop urbano, y a menudo se caracteriza por líneas audaces, una iconografía lúdica y una temática provocativa. A través de personajes como el de 100% Angel, Bei Badgirl explora temas de feminidad, identidad y autoexpresión, celebrando el poder de la estética hiperfemenina en un género históricamente dominado por imágenes más agresivas y masculinas. Su habilidad para fusionar con fluidez imágenes suaves y oníricas con temas contundentes y sin complejos la ha convertido en una artista destacada del arte urbano contemporáneo. El arte de la impresión giclée y su papel en el arte urbano moderno La impresión giclée se ha convertido en un medio esencial para los artistas de arte urbano pop y grafiti, ya que permite reproducciones de alta resolución que conservan la integridad de la obra original. Este método de impresión utiliza tintas de calidad de archivo sobre papel de bellas artes, lo que garantiza que los colores se mantengan vibrantes y fieles a la visión del artista. La elección del papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m² realza aún más la profundidad y la riqueza de la impresión, proporcionando un lujoso acabado mate que complementa la estética suave pero audaz de la obra de Bei Badgirl. Las ediciones limitadas de láminas giclée, especialmente las firmadas por el artista, poseen un gran valor en el coleccionismo de arte contemporáneo. Permiten a los artistas compartir su obra con un público más amplio, preservando la exclusividad y la integridad artística. En el caso de 100% Angel, la lámina funciona tanto como objeto de colección como representación de la creciente influencia de Bei Badgirl en la estética urbana moderna. Coleccionabilidad e impacto cultural de 100% Angel 100% Angel es más que una obra visualmente impactante; es una declaración sobre la feminidad moderna, la autoimagen y la naturaleza lúdica y rebelde de la estética de la cultura pop. La habilidad de Bei Badgirl para fusionar técnicas de bellas artes con imágenes inspiradas en el arte urbano le ha granjeado una fiel clientela entre coleccionistas, diseñadores de moda y entusiastas del arte urbano. Su obra conecta con un público que aprecia la fusión del surrealismo pop, la cultura del grafiti y la estética digital contemporánea. Como parte de una edición limitada, esta lámina representa una oportunidad única para poseer una pieza del legado artístico de Bei Badgirl. La combinación de materiales de alta calidad, técnicas de impresión meticulosas y la firma de la artista convierten a 100% Angel en una obra de arte muy codiciada dentro del movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Ya sea expuesta en una galería, en una colección privada o en un espacio moderno, esta pieza es un testimonio del poder de la cultura pop en la configuración del arte contemporáneo.

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Labios Azules y Negros Emote Monoprint Serigrafía de Pose- Jordan Nickel Impresión manual de fuente dividida de 3 colores sobre papel artístico Mohawk SuperFine UltraWhite de bordes irregulares Edición limitada 2023. Edición limitada de 2 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 22 x 30 cm. Serigrafía de un primer plano del rostro y los labios de una mujer con cabello negro y piel azul. Adentrándonos en el mundo del arte pop y, más concretamente, en la intersección del arte urbano y el grafiti, nos encontramos con una obra particularmente evocadora titulada "Lips Blue & Black Emote". Esta impactante serigrafía monotipo es creación de Pose, también conocido como Jordan Nickel, un artista célebre por sus interpretaciones únicas y su visión contemporánea de los temas clásicos del arte pop. Elaborada meticulosamente en 2023, esta obra de edición limitada destaca no solo por su imaginería, sino también por su método de creación. El proceso de serigrafía empleado se realiza a mano, enfatizando el toque personal y la atención al detalle que Nickel imprime en sus creaciones. Aún más intrigante es el uso de la técnica de fuente dividida de tres colores, que da como resultado una mezcla gradual de colores, creando profundidad y fluidez en la impresión. El lienzo de esta obra no es otro que el papel SuperFine UltraWhite Mohawk Fine Art Paper, reconocido por sus bordes deshilachados a mano, que le confieren un auténtico toque de elegancia vintage. La elección de este papel acentúa el contraste de los vibrantes colores sobre un fondo blanco impoluto, resaltando aún más los vívidos detalles. Al acercarnos a la imagen principal de la impresión, nos encontramos con un fascinante primer plano del rostro de una mujer, en particular sus labios. Su apariencia posee un aire surrealista, caracterizado por su cabello negro que se funde armoniosamente con su piel azul. Esta audaz representación no solo cautiva al observador, sino que también desafía los límites de los cánones de belleza convencionales. Cada pieza de esta exclusiva colección está firmada y numerada por Nickel, lo que garantiza su autenticidad y su disponibilidad limitada, ya que solo existen dos ejemplares. Con unas dimensiones de 56 x 76 cm, su imponente tamaño realza su presencia, convirtiéndola en una pieza central indiscutible para la colección de cualquier amante del arte.

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Edición limitada de impresión giclée de la obra de arte Kiss en papel de 330 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Conrad Roset.

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Mujer 84 Verde Naranja Pintura al óleo original de Peter Keil Obra de arte única sobre panel de masonita enmarcado por El Hombre Salvaje de Berlín, un famoso artista contemporáneo. 1984. Firmado y fechado por Peter Keil. Óleo sobre panel de masonita. Obra original de 16,5 x 24,5 cm. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que pueden presentar desconchones debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo. Representa un busto estilizado de una mujer con cabello largo en tonos verdes y naranjas. Abrazando la vívida esencia del retrato de Peter Keil «Mujer 84 Verde Naranja» es una pintura al óleo original de Peter Keil, artista célebre por su estilo enérgico y dinámico, a menudo conocido como el Hombre Salvaje de Berlín. Esta creación de 1984, única en su género, está realizada sobre un panel de masonita enmarcado, exhibiendo sus características pinceladas expresionistas. La obra mide 42 x 62 cm y representa con gran viveza el busto de una mujer, caracterizado por una vívida interacción de tonos verdes y naranjas. La firma de Keil y la fecha se muestran de forma destacada, confirmando la autenticidad y la época de esta obra singular. La obra de Peter Keil es reconocida por su audaz uso del color y la técnica del impasto, donde se aplica pintura espesa para crear una superficie texturizada rica en profundidad e intensidad. Esta pintura en particular, con sus llamativos contrastes de color y su representación estilizada, es un testimonio de la habilidad de Keil para capturar algo más que el parecido físico de sus modelos. En cambio, transmite una sensación de la vida interior del sujeto, evocando emoción y narrativa a través de la forma abstracta. La influencia dinámica del arte pop callejero y el grafiti en la obra de Keil La influencia del arte pop urbano y el grafiti es evidente en la forma directa y contundente en que la pintura "Mujer 84 Verde Naranja" de Keil comunica. La obra está imbuida de una inmediatez propia del arte urbano, donde el espectador se enfrenta a imágenes impactantes en espacios públicos. Como gran parte del arte urbano, la pintura de Keil es un espectáculo visual y una experiencia interactiva que invita al espectador a conectar con la pieza a un nivel más profundo. Al igual que en muchas de sus obras, las gruesas capas de pintura han provocado cierto desconchado con el paso del tiempo, lo que enriquece el carácter y la historia de la pieza. Este proceso natural de envejecimiento recuerda la evolución de la obra a través del tiempo y es similar al desgaste que sufren los murales y grafitis al aire libre, que suelen cambiar y deteriorarse como parte de su ciclo vital. "Mujer 84 Verde Naranja" de Peter Keil es una poderosa encarnación de su visión artística, que fusiona la expresión cruda del arte urbano con la sofisticación de la pintura al óleo. Con su estilo distintivo y su resonancia emocional, la obra de Keil continúa cautivando a coleccionistas y amantes del arte, afianzando su lugar como una figura destacada del arte contemporáneo.

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Impresiones artísticas de edición limitada Au-Dream con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m² de la artista de arte callejero y cultura pop Ellen Gobeille. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Tamaño: 35,5 x 35,5 cm. Lanzamiento: 7 de mayo de 2021. Tirada: 25 ejemplares.

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Warhol 02 Rojo Púrpura Pintura al óleo original de Peter Keil Obra de arte única sobre panel de masonita del Hombre Salvaje de Berlín, un famoso artista contemporáneo. 2002. Firmado y fechado por Peter Keil. Óleo sobre panel de masonita. Obra original de 24x24 pulgadas. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que pueden presentar desconchones debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo. Retrato del rostro de un amigo de Andy Warhol en tonos púrpura, rojo y blanco. Expresionismo intenso en el Warhol 02 Rojo Púrpura de Peter Keil La obra "Warhol 02 Rojo Púrpura, Óleo Original" de Peter Keil, también conocido como el Hombre Salvaje de Berlín, es una cautivadora exploración de la forma y el color a través del prisma del Neoexpresionismo. Esta obra única, realizada sobre un panel de masonita, encarna la vibrante energía del artista, una figura contemporánea célebre por su audaz uso del color y su profunda representación de rostros. La pieza, de 2002, firmada y sellada con el año por Keil, es un cuadrado de 61 x 61 cm (24 x 24 pulgadas) que transmite una intensa emoción. La densa aplicación de pintura conforma la imagen de Andy Warhol, revelando la profunda influencia del arte pop en la obra de Keil. Su método artístico se define por una audaz técnica de impasto, donde la pintura se aplica en gruesas capas, otorgando a la obra una textura tridimensional que se percibe tanto visual como táctilmente. Esta técnica produce cierto grado de descamación con el tiempo, lo que se considera una característica inherente a la obra de Keil, aumentando su autenticidad y valor histórico. La pintura "Warhol 02 Red Purple" es un testimonio de este estilo, con sus vibrantes rojos y profundos púrpuras que se fusionan para formar el icónico rostro de Warhol, sobre un fondo blanco impoluto. La contribución de Peter Keil al arte contemporáneo La contribución de Peter Keil al arte pop callejero y al grafiti es sustancial, ya que traslada la esencia cruda e indómita del arte urbano a la galería. Su obra rehúye el pulido y la sobriedad convencionales que suelen asociarse a las bellas artes, abrazando en cambio un desenfreno más propio de las calles y los callejones donde florece el grafiti. «Warhol 02 Red Purple» ilustra vívidamente esta filosofía, al representar al protagonista —un pionero del arte pop— con el estilo desinhibido de Keil, creando un puente entre ambos mundos artísticos. Cada pintura de Keil es una narrativa original, una historia contada en el lenguaje visual de colores y formas. Los coleccionistas y entusiastas de la obra de Keil se sienten atraídos por la intensa emoción y el estilo distintivo de sus pinturas. En el caso de «Warhol 02 Red Purple», el atractivo se ve realzado por el tema —el legendario Andy Warhol—, que sitúa la pintura en la intersección entre la herencia del arte pop y la innovación artística contemporánea. Poseer una obra de Peter Keil es más que adquirir una pieza de arte; Es una inmersión en la vibrante historia de la propia pintura. La pintura desconchada, las pinceladas audaces y los contrastes impactantes crean una experiencia tan evocadora y compleja como el propio artista. «Warhol 02 Rojo Púrpura» es un símbolo vibrante de la perdurable visión artística de Keil y su impacto en el mundo del arte. «Warhol 02 Rojo Púrpura: Pintura al Óleo Original» de Peter Keil es un deleite visual y una pieza esencial de la historia del arte contemporáneo. Esta obra encapsula la esencia del arte pop callejero y el grafiti a través de la mirada de un maestro pintor cuyo enfoque poco convencional del arte ha cautivado a la comunidad artística mundial. La pintura de Keil celebra la libertad expresiva y el poder del arte para transmitir profundas emociones y pensamientos humanos.

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Grace- Euphrosyne, serigrafía de edición limitada, impresa a mano con purpurina de 12 colores sobre papel grueso de bellas artes, por Romero Britto, artista pop famoso y poco común. Edición limitada de 180 ejemplares, firmada y numerada, de 2006. Obra de arte con purpurina. Tamaño: 18 x 18 pulgadas. Pequeño bulto Nic en el contorno interior del ojo derecho Mujer, edición limitada de 180 ejemplares con purpurina aplicada a mano, impresa en 2006 por Britto Central Inc. Imagen de 14" Circle

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Juego de palabras en papel secante. Edición limitada. Impresión artística de pigmento de archivo sobre papel secante perforado de Ben Frost. Arte pop y LSD. El artista contemporáneo australiano Ben Frost es conocido por su audaz e irreverente arte pop. Su inconfundible interpretación de la cultura pop subvierte la iconografía cotidiana de las marcas más importantes del mundo. Al subvertir el significado y los mensajes de los medios de comunicación convencionales, la mordaz crítica de Frost a la publicidad, el entretenimiento y la política resulta provocadora y controvertida. La esencia del comentario de Frost se basa en subvertir el significado y los mensajes promovidos por los medios de comunicación convencionales. En otras palabras, y como él mismo ha afirmado: «Cuanto menos llenes tu mente con las trampas de la publicidad y la mala televisión, más espacio tendrás en tu cerebro para cosas valiosas». Al mismo tiempo, su visión de la cultura pop moderna resulta igualmente convincente. Los medios de comunicación convencionales, la publicidad y la política se identifican como algunos de sus principales campos de interés, que utiliza y mezcla de forma provocadora. El término «provocador» no se emplea al azar. Lo que hace el arte de Ben Frost es, esencialmente, la apropiación y la instrumentalización de imágenes contra el mismo sistema que las originó.

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Night Bender - Serie Savage Sacred Young Minds - Serigrafía de edición limitada de 23 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² (borde irregular) por Faile Rare Street Art, artista famoso de arte pop. FAILE: Night Bender. Serigrafía de 23 colores sobre papel Coventry Rag de 325 g/m². Tinta serigráfica sobre papel. Edición limitada de 100 ejemplares. 58 cm x 89 cm (23 x 36 pulgadas). 2016.

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Monroe POPfolio - Impresión serigráfica de 11 colores, hecha a mano, sobre papel de archivo por el artista pop moderno Mr Brainwash - Thierry Guetta. Obra de arte rara de Marilyn Monroe, edición limitada. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, de 2022. Tamaño de la obra: 24 x 24 pulgadas. Serigrafía de 11 colores "Bordes rectos", firmada y con huella dactilar del artista.

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Obra de arte Playtoy, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Bei Badgirl. Impresión giclée de lujo, calidad de galería, en papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m², con firma del artista. Tamaño grande: 41 x 56,5 cm (16 x 22,5 pulgadas).

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Rubus - Serigrafía de edición limitada de 6 colores, impresa a mano en verde, sobre papel Canson Guarro Superalfa Fine Art de 250 g/m², por Violeta Hernández. Arte callejero poco común. Famosa artista de arte pop. Serigrafía de 6 colores, firmada y numerada, impresa en papel Canson Guarro Superalfa Fine Art de 250 g/m². Tamaño: 45 x 45 cm. Lanzamiento: 17 de enero de 2022. Tirada: 50 ejemplares.

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Veinte, veintiuno. Serigrafía de edición limitada de 12 colores, impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 320 g/m² con recubrimiento UV, por Sheefy McFly, un artista famoso del arte pop y del arte callejero poco común. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2021). Serigrafía de 12 colores sobre papel Coventry Rag de 320 g/m² con barniz UV. Dimensiones: 43,5 x 54 cm. Con «Twenty, Twenty-One», Sheefy McFly continúa su exploración de la vibrante energía urbana a través del arte pop, presentando una serigrafía de edición limitada que rebosa vida y color. Esta pieza, al igual que sus contemporáneas, utiliza una paleta de doce colores aplicada a mano sobre papel Coventry Rag de 320 g/m² y está realzada con un recubrimiento UV que la protege a la vez que le añade una dimensión táctil. La obra, de imponentes dimensiones (110,5 x 137 cm), pertenece a una edición exclusiva de 150 ejemplares firmados y numerados, lo que aumenta su atractivo para coleccionistas y admiradores del arte urbano y pop. Sheefy McFly, conocido por su estética audaz y colorida, crea imágenes de impacto inmediato, inspiradas en la crudeza y autenticidad de la tradición del arte urbano. «Twenty, Twenty-One» no es una excepción; es una sinfonía de formas y matices que cautiva al espectador, impidiendo que pase desapercibida. Su compleja superposición de colores y formas evoca el bullicio de las calles y la naturaleza siempre cambiante de los espacios urbanos, reflejando la habilidad del artista para traducir la energía cinética de la ciudad en formas estáticas que, sin embargo, están impregnadas de movimiento. Esta obra es un artefacto cultural que trasciende la mera expresión artística; encapsula un momento en el tiempo, el año 2021, a través del singular lenguaje visual de McFly. El año, marcado por el cambio y la convulsión global, se interpreta e inmortaliza a través de la mirada del artista, ofreciendo una perspectiva que es tanto un registro histórico como una creación artística. Las capas y la yuxtaposición de colores evocan una sensación de complejidad y profundidad, reflejando las experiencias multifacéticas del año que representa. Sheefy McFly ha consolidado su reputación con "Twenty, Twenty-One", creando una obra de arte que es un vibrante testimonio de la época. Esta obra de arte no solo es un vibrante espectáculo visual, sino también una encarnación de la esencia de 2021, vista a través del prisma del arte callejero y pop, consolidando el estatus de McFly como un artista de gran importancia y resonancia.

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Rode Vlinder en Vuur Artwork Impresión Giclée de edición limitada en papel de algodón para grabado de 315 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Handiedan. Impresión artística giclée, papel de algodón grabado de 315 g/m², 42 x 52 cm (16,5 x 20,5 pulgadas), firmada y numerada. Logotipo en relieve. Edición limitada de 77 ejemplares, 2020. Realidad Aumentada (RA): https://vimeo.com/416245862 Utiliza la aplicación Artivive

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Y entonces las cosas mejoraron: Impresiones de pigmentos de archivo de edición limitada de otoño en papel de bellas artes de 330 g/m² de Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2021). Tamaño de la obra: 24x24. Variante otoñal. Y entonces las cosas mejoraron – Edición de otoño de Denial en Arte Pop Callejero y Grafiti «Y entonces las cosas mejoraron – Otoño» es una impresión de pigmento de archivo de edición limitada de 2021 del artista canadiense Denial, creada como parte de su serie que reinterpreta las imágenes del cómic a través del prisma del arte pop urbano contemporáneo. Con unas dimensiones de 61 x 61 cm e impresa en papel de bellas artes de 330 g/m², esta variante es una de las 25 impresiones firmadas y numeradas, lo que ofrece a los coleccionistas una perspectiva única y otoñal dentro de la colección. La edición de Otoño canaliza la paleta y la resonancia emocional del otoño a través de una cálida gama de colores terrosos con matices naranjas, ámbar y dorados. La mujer en el centro de la composición, definida por líneas audaces y un dramático mechón de cabello, mira hacia arriba con una mezcla de optimismo cauteloso y cansancio tras la tormenta. Sobre ella, la ya icónica frase «Y entonces las cosas mejoraron» destaca sobre un fondo amarillo-naranja, evocando simultáneamente la tradición del cómic y la transformación estacional. Emoción estacional y trabajo simbólico del color El tono visual de la edición de Otoño refleja las cualidades emocionales que suelen asociarse con esta estación: reflexión, cambio y aceptación. Los intensos tonos naranja quemado sustituyen a los tonos fríos de las paletas de colores anteriores, añadiendo una calidez emocional que sugiere la fortaleza interior forjada en la adversidad. Los ojos, los labios y el cabello del personaje están saturados de rojos óxido y marrones dorados, evocando hojas caídas y cielos de transición. Este cambio de color altera el ambiente de la obra sin modificar su estructura, demostrando la maestría de Denial en la modulación emocional a través del diseño minimalista. El texto se interpreta como una afirmación y una pregunta, invitando a los espectadores a reflexionar sobre si las cosas realmente han mejorado o si la calma es solo temporal. La edición de Otoño se sitúa en la pausa emocional que precede al inicio de un nuevo ciclo, utilizando la metáfora de la decadencia y la renovación estacionales como telón de fondo para la introspección. La voz de la negación en el arte pop callejero y el grafiti Daniel Bombardier, conocido como Denial, lleva tiempo trabajando en la intersección del arte público y la crítica comercial. Sus obras se caracterizan por fusionar la crudeza de la cultura del grafiti con la accesibilidad de la imaginería pop. La serie «And Then Things Got Better» explora matices psicológicos utilizando el estilo visual característico de las heroínas de cómic. Cada entrega de la serie posee una carga emocional singular gracias al uso del color, y la edición de otoño es una de las más profundas e introspectivas. La obra de Denial invita constantemente a la interpretación, y su uso de la ironía, la yuxtaposición y la nostalgia lo posiciona como una de las voces más representativas del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. La edición de otoño plasma este equilibrio ofreciendo una serenidad visual teñida de complejidad emocional, permitiendo al espectador proyectar su propia experiencia en la escena. Técnica de impresión y valor coleccionable La edición Otoño se produce con tinta pigmentada de archivo, lo que garantiza la durabilidad y la viveza de su paleta otoñal. El papel de bellas artes de 330 g/m² aporta peso y textura, permitiendo que el sombreado de medios tonos y los contrastes marcados se vean nítidos y táctiles. Cada lámina está firmada y numerada individualmente por Denial, lo que refuerza su condición de edición limitada de bellas artes. Con solo 25 láminas disponibles, la edición Otoño ofrece una declaración visual distintiva dentro de la serie. Posee un atractivo único para los coleccionistas de la obra de Denial y los aficionados al arte pop urbano y al grafiti que aprecian la crítica audaz envuelta en una forma visual nostálgica. Esta edición evoca las secuelas emocionales de la lucha, recordándonos que incluso en los momentos de calma e incertidumbre, las cosas pueden estar mejorando.

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Y entonces las cosas mejoraron: impresiones de pigmentos de archivo de edición limitada de Love en papel de bellas artes de 330 g/m² de Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2021). Tamaño de la obra: 24x24. Variante Amor. Y entonces las cosas mejoraron: Edición Amor de Denial en Arte Pop Callejero y Grafiti «And Then Things Got Better – Love» es una impresión de pigmento de archivo de 2021 del artista canadiense de graffiti y arte pop urbano Denial, presentada como una variante especial de su conocida serie inspirada en el cómic. Esta obra de arte de edición limitada mide 61 x 61 cm y está impresa en papel de bellas artes de 330 g/m² con tintas pigmentadas de calidad museo. Lanzada como una edición firmada y numerada de solo 25 ejemplares, la variante «Love» se distingue por su paleta cuidadosamente ajustada, que reemplaza los vibrantes colores primarios del original con tonos suaves y emotivos. El llamativo cambio a rosas y morados suaviza la estética general, manteniendo al mismo tiempo el trazo nítido y de alto contraste que define el estilo de Denial. La icónica frase impresa en el panel superior —«And Then Things Got Better»— sigue siendo el eje central de la obra, ubicada sobre el rostro de una mujer, surcado por lágrimas, representado con un estilo pop art audaz. Con piel pálida y labios expresivos, la figura mira hacia arriba, atrapada en un momento complejo entre la tristeza y el optimismo. Color, emoción y narrativa visual en la variante del amor En esta edición, Denial reinterpreta la carga emocional de su diseño original mediante tonos pastel de rosa y morado, creando una atmósfera de vulnerabilidad emocional que se superpone a una fuerza visual impactante. La variante «Amor» alude directamente a la experiencia del desamor y la sanación, donde la delicada coloración refleja ternura y sensibilidad. El cabello de la mujer, ahora de un violeta intenso, contrasta drásticamente con su tez pálida y sus labios suaves. El recuadro del texto —en rosa en lugar de amarillo— evoca una suavidad romántica que replantea la misma frase con implicaciones personales más profundas. Mientras que la original proclamaba un mensaje de supervivencia, esta variante lo susurra, sugiriendo un camino más pausado e íntimo hacia la recuperación emocional. La expresión del rostro de la mujer sigue siendo de fortaleza ante la adversidad, pero esta versión invita al espectador a un diálogo más silencioso y personal con la resiliencia. La voz de la negación en el arte pop callejero moderno y el grafiti Denial, cuyo nombre real es Daniel Bombardier, continúa expandiendo los límites del arte pop urbano y el grafiti con proyectos como la serie «And Then Things Got Better». Su obra sintetiza la estructura del cómic, la estética propagandística y el lenguaje satírico en una identidad visual única arraigada en la cultura del arte callejero. Si bien Denial es conocido por sus instalaciones públicas a gran escala y sus comentarios políticos de alto contraste, obras como esta impresión demuestran su capacidad para el matiz emocional. La variante «Love», en particular, muestra cómo las composiciones influenciadas por el pop pueden evolucionar hacia reflexiones visuales profundamente íntimas. Refleja la vulnerabilidad humana, conservando al mismo tiempo la inmediatez y la fuerza del arte callejero. El compromiso de Denial con la artesanía, evidenciado en su uso constante de materiales de calidad de archivo y formatos de edición limitada, refuerza el valor de cada pieza para coleccionistas. Artesanía y coleccionabilidad de la edición del amor Esta variante está impresa con tintas pigmentadas de archivo sobre papel libre de ácido de 330 g/m², lo que garantiza su durabilidad y la intensidad de sus colores. La textura de matriz de puntos imita el método de impresión Ben-Day, popularizado en los cómics de mediados del siglo XX, arraigando la obra en la tradición del arte pop y dotándola de una fuerza narrativa contemporánea. Cada impresión está firmada y numerada por el artista, lo que certifica su autenticidad y rareza. Con solo 25 ejemplares producidos, la variante «Love» se convierte en una pieza de colección muy codiciada que combina nostalgia visual con profundidad emocional. La meticulosa atención de Denial tanto al concepto como a la ejecución asegura que esta obra se erige como un ejemplo paradigmático de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden transmitir tanto impacto visual como un sentimiento sincero. Esta impresión no trata solo de cómo las cosas mejoraron, sino de la vulnerabilidad necesaria para creer que es posible.

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Y entonces las cosas mejoraron - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti, arte pop moderno. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Papel secante Bird Bath, edición limitada, impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado de Morgan McPeak, arte de la cultura pop y el LSD. 2021 Firmado y numerado con certificado de autenticidad. Impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño de la obra: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. Dead On de Herbie Greene: Grateful Dead, Haight-Ashbury y el núcleo psicodélico del arte pop callejero y el grafiti Dead On es una impresión de pigmento de archivo de 19 x 19 cm sobre papel secante perforado, obra de Herbie Greene, lanzada el 19 de abril de 2021 como una edición limitada, firmada y numerada. Cada impresión incluye un certificado de autenticidad y fue perforada a mano por Zane Kesey, reforzando así su vínculo histórico con el arte del papel secante de LSD. Esta impactante composición, a la vez nostálgica y provocadora, presenta una imagen en blanco y negro de Grateful Dead en la icónica esquina de Haight y Ashbury en San Francisco. Greene introduce el color con moderación pero estratégicamente: llamas brotan de un coche clásico, la acera estalla con el logo rojo, blanco y azul de Steal Your Face, y el texto DEAD FIFTY YEARS brilla en rojo y dorado en la esquina superior derecha. El resultado es una fusión de épocas, actitudes e iconografía que encarna la esencia rebelde del arte pop urbano y el grafiti. Herbie Greene, nacido en Estados Unidos, saltó a la fama documentando la explosión psicodélica de los años sesenta, especialmente como fotógrafo no oficial de Grateful Dead. En Dead On, transforma un momento histórico en un monumento simbólico de la energía contracultural. La actitud desenfadada de la banda en el corazón de la revolución hippie de San Francisco se siente atemporal y vibrante, potenciada aún más por el formato de papel secante. El LSD y Grateful Dead han compartido durante mucho tiempo un legado inseparable, y la impresión en papel perforado convierte la obra en un artefacto de transformación tanto visual como química. El uso selectivo del color sobre escala de grises por parte de Greene le confiere una inmediatez cruda que evoca la intensidad emocional presente en los murales de engrudo, las pintadas con plantilla y los carteles de conciertos hechos a mano. Documentando la contracultura a través de los medios psicodélicos La esquina de Haight y Ashbury no es solo un lugar en esta fotografía; es un símbolo de un levantamiento social y artístico que definió una era. Al capturar a Grateful Dead allí, Herbie Greene documenta más que una banda. Preserva un tiempo en el que el arte, la música y la conciencia se redefinían a través de la experimentación colectiva y la resistencia. Los autos clásicos, los edificios residenciales y las fachadas de las tiendas se conservan intactos en escala de grises, reforzando la realidad fotográfica del momento, mientras que los toques de color, similares al grafiti, resaltan el espíritu de protesta, la psicodelia y la pasión espiritual. El uso de papel secante añade una capa más profunda de simbolismo. Este material no se eligió por novedad, sino que es un guiño deliberado al papel que desempeñó el arte visual al potenciar o reflejar las experiencias con LSD durante la década de 1960 y más allá. La participación de Zane Kesey en la perforación de la fotografía da continuidad a esa historia. Su conexión con los Merry Pranksters originales y su custodia de las tradiciones de la impresión psicodélica garantizan que cada hoja contenga más que tinta: transmite la energía de un linaje cultural que nunca dejó de cuestionar el statu quo. Resistencia visual y la estética del arte pop callejero Dead On difumina la línea entre documentación y confrontación. La adición del fuego —que literalmente brota del fondo— convierte un apacible retrato callejero en un momento de espectáculo surrealista. El mensaje visual se alinea estrechamente con los principios del Arte Pop Urbano y el Grafiti, donde los espacios públicos se transforman mediante el color, el mensaje y la distorsión. Los rostros estoicos de los muertos contrastan con la intensidad del fuego y la audaz tipografía pop, creando una tensión entre la calma desafiante y la revolución ardiente. Esta técnica de mezclar realismo fotográfico con añadidos estilizados refleja la forma en que los artistas callejeros utilizan pegatinas o superposiciones pintadas sobre fotografías o impresiones en espacios urbanos. Evoca un mundo donde la memoria siempre está moldeada por la experiencia, donde los momentos sagrados pueden ser revisitados y recontextualizados a través del arte. Al añadir un mural psicodélico en el suelo y llamas ominosas, Greene no solo celebra el pasado, sino que lo reinventa para el presente. El mensaje se convierte en uno de persistencia, renovación cultural y verdad sin filtros. Herbie Greene y la memoria impresa del sonido y la visión La contribución de Herbie Greene a la cultura visual estadounidense abarca la música, la fotografía y el arte psicodélico. Con Dead On, presenta no solo una banda, ni solo un rincón, sino un monumento viviente a un movimiento que aún resuena hoy. La relación de Grateful Dead con el arte visual siempre ha sido fundamental en su mitología —desde las portadas de sus álbumes hasta el diseño de sus carteles— y la obra de Greene amplifica esa historia con una superficie táctil que evoca una época en la que la experiencia de ver era inseparable de la de sentir. Dead On es más que una fotografía. Es una memoria construida, plasmada en un material que en su día alteró la conciencia e inspiró revoluciones. Habla de las raíces del arte pop callejero y el grafiti, donde el lenguaje visual es crudo, urgente y concebido tanto para la permanencia como para la decadencia. Con esta pieza, Herbie Greene crea un espacio donde la nostalgia no es pasiva y la historia permanece encendida con la llama de la rebeldía psicodélica.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Impresiones artísticas de edición limitada con pigmentos de archivo camuflados sobre papel de acuarela de alta calidad, por un artista de arte callejero y cultura pop especializado en graffiti. Derechos reservados. Copyright Camouflaged Edición Limitada Print, 2019 Tinta de archivo sobre papel de acuarela de bellas artes 23 ½ x 23 ½ pulg., 60 x 60 cm Edición limitada de 30 Representa a una mujer joven con cabello corto y negro estilizado con mariposas a su alrededor. En el ámbito contemporáneo del grafiti, el arte urbano y la cultura pop, los artistas constantemente desafían los límites, ofreciendo perspectivas únicas y cuestionando el statu quo. Una obra destacada es la del reconocido artista conocido como Copyright. Este artista, célebre por su magistral incorporación de motivos de la cultura pop en el arte urbano, presenta una creación fascinante titulada "Camuflada". Elaborada meticulosamente en 2019, "Camuflada" es una impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo, realizada con precisión sobre papel de acuarela de alta calidad. Con unas dimensiones de 60 x 60 cm (23 ½ x 23 ½ pulgadas), sus dimensiones encapsulan un mundo de intrincados detalles e imágenes vívidas. En el centro de la composición se encuentra una joven, cuyo llamativo cabello corto y negro contrasta marcadamente con su tez pálida. Sin embargo, lo que realmente cautiva al observador es el hipnótico enjambre de mariposas que la rodea, cada una delicadamente detallada y rebosante de color. Estas criaturas aladas, a menudo símbolo de transformación y libertad, parecen danzar alrededor de su rostro, otorgando a la obra una cualidad etérea. Limitada a tan solo 30 copias, esta obra rezuma exclusividad y constituye un testimonio del compromiso de Copyright con la creación de arte que no solo cautiva visualmente, sino que también resuena emocionalmente. Obras maestras como las de Copyright subrayan la naturaleza cambiante del arte urbano y el arte pop. Ya no confinadas a los muros de las ciudades ni a las representaciones en los medios de comunicación populares, estas formas de arte trascienden sus orígenes, encontrando su lugar en galerías de prestigio y colecciones privadas. «Camuflada» es un brillante ejemplo de esta evolución, que fusiona a la perfección técnicas clásicas con temas contemporáneos, encarnando el espíritu de la expresión artística moderna.

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Cuatro tabletas diarias. Impresión de archivo de Ben Frost. Edición limitada en papel Canson Cotton Rag Photographique Fine Art de 310 g/m². Obra de arte moderna de artista callejero de grafiti pop. 2024 Impresión firmada y numerada Edición limitada de 15 Tamaño de la obra 11,7x11,7 Pigmento de archivo Bellas Artes Mujer en un envase farmacéutico de Ritalin 10. El envase farmacéutico como lienzo en el arte pop callejero y el grafiti «Four Tablets Daily», del artista australiano Ben Frost, se erige como un ejemplo vívido y mordaz del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. Esta obra de edición limitada de 2024, realizada mediante impresión de pigmentos de archivo sobre papel Canson Cotton Rag Photographique de 310 g/m², fusiona audazmente la estética de los fármacos comerciales con imágenes pop clásicas. El estilo distintivo de Frost combina imágenes elegantes, inspiradas en la publicidad, con temas como el consumo, la identidad y los efectos anestesiantes de la medicina moderna. En esta obra, el artista utiliza una caja real de Ritalin 10 como base, transformándola en un retrato irónico e inquietante de la dependencia moderna y los ideales de belleza. La fusión de la cultura de consumo y el comentario artístico Ben Frost, conocido por apropiarse de envases, logotipos y símbolos culturales, utiliza esta obra para confrontar la relación de la sociedad con los medicamentos recetados y los medios de comunicación. La impresión presenta el rostro estilizado de una mujer, con ojos azules y labios rojos que recuerdan a las heroínas de cómics de mediados de siglo, envuelto en las restricciones geométricas del envase farmacéutico. La yuxtaposición entre su mirada sensual y construida y el lenguaje clínico del etiquetado de Ritalin evoca la tensión entre el placer artificial y el control médico. Al conservar casi intacto el texto original del envase, Frost permite que la obra mantenga su contexto original, haciendo que el espectador sea incómodamente consciente de que esto no es solo arte, sino también un artefacto del uso cotidiano. Edición limitada: Bellas Artes se unen a la sátira pop del graffiti Impresa en una edición exclusiva de tan solo 15 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista. Sus dimensiones de 29,7 x 29,7 cm la convierten en una obra compacta pero impactante que condensa la crítica visual de Frost en un cuadrado incisivo y satírico. Mediante el uso de pigmentos de archivo sobre papel de algodón de calidad museística, la pieza eleva la naturaleza efímera del consumismo y la crítica callejera a la categoría de arte perdurable. La obra se sitúa en la intersección del arte contemporáneo de colección y la protesta crítica, canalizando la energía tanto de la galería como de la calle. El papel distintivo de Ben Frost en el arte pop moderno y el grafiti Ben Frost es un artista pop urbano afincado en Sídney que ha alcanzado reconocimiento mundial por su implacable crítica a la cultura pop, la industria farmacéutica y las marcas de consumo. Sus obras se han expuesto en ciudades como Londres, Nueva York y Tokio, y se han convertido en sinónimo de crítica post-pop. En «Four Tablets Daily», Frost consolida su posición en el arte pop urbano contemporáneo al convertir formatos familiares en armas y transformarlos en incisivas reflexiones sociales. Esta pieza, como gran parte de su obra, difumina la línea entre la presentación en galería y la confrontación a pie de calle, obligando a los espectadores a cuestionar sus hábitos, sus dependencias y las imágenes cuidadosamente empaquetadas que consumen a diario.

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Obra de arte angelical, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Charmaine Olivia. Edición limitada de 350 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 8,5 x 11 pulgadas.

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Obra de arte Cauldron, impresión giclée de edición limitada en papel Museum Natural Fine Art de 300 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Adam Caldwell. Prueba de artista AP 2013 Firmada y marcada como AP Tamaño de la obra 12x16

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Serigrafía de 4 colores, realizada a mano con gran precisión, sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite, por el artista de grafiti pop Pose-Jordan Nickel. Obra de arte callejero rara, edición limitada. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2017). Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas.

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Obra de arte "Bleeder", impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12x12 pulgadas.

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Linger - Edición limitada embellecida a mano. Impresiones de pigmentos de archivo HPM sobre papel de bellas artes por Sasha Ira, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Artista: Sasha Ira Título: "Linger" Técnica: Impresión de pigmento de archivo Edición: 10 Características: Firmada, numerada y con detalles intervenidos a mano por la artista Dimensiones: 28 x 35,5 cm

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Mujer Justicia - Serigrafía de edición limitada en tres colores azul, impresa a mano sobre papel crema moteado, por Shepard Fairey. Arte callejero raro. Artista de arte pop OBEY. 18 x 24 pulgadas. Edición de 550 ejemplares. 16 de marzo de 2021. La lámina «Mujer de la Justicia» rinde homenaje a todas las personas que luchan por la justicia, cuya determinación y tenacidad impulsan el universo hacia el futuro justo que necesitamos. La justicia es un concepto en constante evolución en diversos ámbitos, pero, en general, quienes están dispuestos a escuchar su conciencia, mirar a los demás a los ojos y defender lo que es correcto, dan un ejemplo importante y pueden influir en los demás para que traten a los demás como les gustaría ser tratados.

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Sin título de Blame Game- #8 Mano en el ojo Impresión serigráfica de 11 colores realizada a mano sobre papel Saunders Waterford Hi-White del artista Kaws- Brian Donnelly Street Art Obra de arte de edición limitada. 2014. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 23 x 35 pulgadas. Enmarcada con marco y paspartú personalizados. KAWS (n. 1974). Sin título, de la serie Blame Game, 2014. Serigrafía en color sobre papel Saunders Waterford Hi-White. 35 x 23 pulgadas (88,9 x 58,4 cm) (hoja). Edición de 100 ejemplares. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Pace Prints, Nueva York. «Sin título de Blame Game - #8 Mano en el ojo» de KAWS: Un símbolo del arte pop callejero En el diverso y vibrante mundo del arte pop urbano, KAWS, el nombre artístico de Brian Donnelly, es sinónimo de innovación y relevancia cultural. Su obra "Sin título de Blame Game - #8 Mano en el ojo" es un ejemplo paradigmático de su talento, que fusiona el grafiti, el arte pop y la imagen comercial. Esta pieza es una serigrafía artesanal de 11 colores sobre papel Saunders Waterford Hi-White y forma parte de una edición limitada lanzada en 2014. Cada impresión de esta serie pertenece a una colección exclusiva, limitada a 100 ejemplares firmados y numerados, lo que la convierte en una pieza codiciada tanto por coleccionistas como por aficionados. Las dimensiones de la obra, 35 x 23 pulgadas, permiten una experiencia visual inmersiva, y el enorme marco y paspartú personalizados realzan aún más su impactante presencia. El estilo característico de KAWS se evidencia en la interacción de colores y las imágenes icónicas que se han convertido en sinónimo de su nombre, en particular los ojos tachados, que se han transformado en un poderoso símbolo dentro del léxico del arte contemporáneo. Estas imágenes no son solo un sello distintivo de su diseño, sino que también ofrecen una reflexión más profunda sobre la sociedad, la identidad y la experiencia emocional. Técnica y comentario cultural en el arte de KAWS La maestría técnica de KAWS se aprecia plenamente en "Sin título de Blame Game - #8 Mano en el ojo", donde la precisión del proceso de serigrafía resalta su meticulosa atención al detalle. El formato de 11 colores revela una compleja superposición que aporta profundidad a la imagen, con cada tono seleccionado para contribuir a la narrativa general de la obra. El uso del papel Saunders Waterford Hi-White es una elección deliberada que garantiza la viveza de los colores y la durabilidad de la impresión, consideraciones que reflejan la dedicación del artista a su oficio. Más allá de su impacto visual, las obras de KAWS suelen transmitir un importante comentario cultural. Los temas recurrentes en sus piezas a menudo reflejan la saturación de medios e imágenes en la vida contemporánea, ofreciendo una crítica sobre cómo consumimos e interactuamos con los estímulos visuales. Sus obras tienden un puente entre el arte culto y la cultura popular, realizando declaraciones audaces que resuenan con un público amplio y consolidando su lugar como figura clave en la evolución del arte pop urbano. KAWS: Influyendo en la trayectoria del arte callejero y más allá Las contribuciones de KAWS al mundo del arte van más allá de sus grabados y pinturas. Su influencia impregna diversos sectores, desde colaboraciones comerciales convencionales hasta la alta costura y el diseño, desafiando los límites tradicionales y expandiendo el alcance del arte urbano. La serie "Sin título de Blame Game", específicamente "#8 Mano en el ojo", ejemplifica esta fusión, combinando la estética del arte urbano con la delicadeza de las bellas artes. Al firmar, numerar y fechar cada grabado en el borde inferior, KAWS personaliza cada edición publicada por Pace Prints, Nueva York. Este toque personal, junto con la disponibilidad limitada, aumenta el atractivo y el valor de la obra. Estos elementos han consolidado la posición de KAWS en el mundo del arte y han hecho que sus obras sean muy codiciadas en el mercado. "Sin título de Blame Game - #8 Mano en el ojo" de KAWS es un testimonio de la capacidad del artista para elevar el arte pop urbano a una forma que trasciende el grafiti tradicional. Su producción, presentación y profunda resonancia cultural subrayan el poder transformador del arte de KAWS. A medida que el arte urbano continúa evolucionando e influyendo en la cultura contemporánea, las obras de KAWS, como esta, seguirán siendo fundamentales para dar forma a la narrativa y la apreciación de esta dinámica forma de arte.

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LSD3 Edición Limitada Papel Secante de Bellas Artes Impresión de Pigmentos de Archivo sobre Papel Secante Perforado por el Artista Pop Moderno Sheefy McFly-Tashif Turner. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, impresa con pigmentos de archivo sobre papel secante perforado (2022). Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2022. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Y entonces las cosas mejoraron. Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en papel de bellas artes de 330 g/m² de Denial Graffiti, artista callejero de arte pop moderno. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño de la obra: 24x24 pulgadas. Y entonces las cosas mejoraron gracias a la negación: una audaz declaración de esperanza en el arte pop callejero y el grafiti. «Y entonces las cosas mejoraron» es una impactante impresión de pigmento de archivo creada por el artista canadiense de arte urbano pop Denial en 2020. Con unas dimensiones de 61 x 61 cm e impresa en papel de bellas artes de 330 g/m², esta obra se lanzó en una edición limitada, firmada y numerada, de tan solo 25 ejemplares. La pieza evoca inmediatamente la estética clásica del cómic, pero subvierte las expectativas a través de una perspectiva moderna. Presenta un retrato en primer plano de una mujer, con un alto contraste gracias a sus marcados contornos negros, labios de un rosa vibrante, ojos de un verde intenso y texturas de puntos Ben-Day. La impresión captura la intensidad emocional característica de Denial. La franja superior amarilla de la viñeta lleva la frase que da título a la obra, impresa en mayúsculas con tipografía de cómic: «Y entonces las cosas mejoraron». Esta sola línea, junto con la dramática mirada hacia arriba de la mujer y la mejilla surcada por una lágrima, encapsula una oleada de emociones contradictorias: parte alivio, parte incredulidad, parte dolor residual. La composición queda congelada en ese preciso instante psicológico en el que el cambio comienza a llegar, pero la sanación aún está en marcha. El lenguaje subversivo del arte pop de la negación Denial, cuyo nombre real es Daniel Bombardier y nació en Canadá, es un artista callejero y de galería reconocido internacionalmente. Su obra critica el consumismo, la propaganda y las normas sociales a través del humor y un fuerte impacto visual. Conocido por fusionar técnicas del grafiti, la señalización y el diseño de medios de comunicación, las impresiones e instalaciones de Denial se inspiran profundamente en el legado del arte pop, inyectándoles una urgencia urbana. En «And Then Things Got Better», utiliza un formato popularizado por los pioneros del arte pop de la década de 1960, pero lo reinterpreta para hablar no de melodrama romántico, sino de resiliencia y transformación psicológica. La expresión de la mujer no es de tristeza superficial, sino de profunda reflexión, que retrata un ajuste de cuentas honesto con la experiencia personal o colectiva. Mediante un texto conciso e imágenes impactantes, Denial enfatiza que el cambio, cuando llega, es complejo e incierto, pero merece la pena aceptarlo. Ejecución técnica y calidad de impresión Cada lámina de esta edición limitada se elabora mediante impresión de pigmentos de archivo de alta resolución sobre papel de bellas artes de 330 g/m², un soporte de calidad museística conocido por su textura, precisión cromática y durabilidad. El uso de tintas pigmentadas garantiza que los azules vívidos, los negros intensos y los rosas vibrantes conserven su viveza sin desvanecerse con el tiempo. El gramaje del papel aporta riqueza táctil y solidez física, acentuando la carga emocional de la obra. Dado que cada edición está firmada y numerada a mano por el artista, la pieza se convierte no solo en una reproducción, sino en un objeto personal que forma parte del catálogo en constante evolución de Denial. La nítida precisión del trazo, especialmente en el cabello y la tipografía, demuestra el dominio de Denial sobre el ritmo visual y el contraste. Es una obra que se integra armoniosamente tanto en interiores de estilo urbano como en entornos de galería formales. Y entonces las cosas mejoraron con el arte pop callejero contemporáneo y el grafiti. Esta obra ejemplifica el espíritu del arte pop urbano y el grafiti mediante la fusión de la iconografía pop con una profundidad emocional moderna. Si bien muchas obras del género recurren a la ironía o la sátira, la obra de Denial encuentra espacio para la sinceridad sin perder su impacto gráfico. Celebra la capacidad de los artistas pop contemporáneos para utilizar tropos del cómic y la estética urbana no solo para la crítica, sino también para la narración emocional. El mensaje de la pieza es sencillo, pero el contexto que la rodea —agitación social, crecimiento personal, angustia psicológica— le otorga una profunda resonancia. Denial logra canalizar la inmediatez gráfica del arte urbano con la fuerza estructurada del pop, dando voz a la esperanza que a menudo emerge silenciosamente tras la tormenta. «Y entonces las cosas mejoraron» no es solo una afirmación, sino una pregunta, un respiro y un recordatorio visual de la supervivencia a través del arte.

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