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Compre Atlas: serigrafía manual de 6 colores de edición limitada estándar en papel de archivo rasgado a mano por Mr Brainwash x Rubik, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada impresión está firmada y numerada por el Artista, con una huella digital en la parte posterior. Impreso en papel de archivo rasgado a mano.

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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Frida La Muerte Pop Street Artwork Impresión Giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista urbano de graffiti moderno Brian Viveros. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2013. Impresión giclée de 16x20 pulgadas. Frida La Muerte. Síntesis Cultural en "Frida La Muerte" Brian Viveros, artista urbano moderno conocido por su singular fusión de arte pop callejero y grafiti, ha causado un profundo impacto con sus impresiones giclée de edición limitada. Entre sus aclamadas obras se encuentra la impresión "Frida La Muerte", una pieza que destaca no solo por su potencia visual, sino también por su significado cultural. Esta obra forma parte de una serie de edición limitada, firmada y numerada por Viveros, lo que enfatiza su valor y atractivo para los coleccionistas en el mercado del arte. En "Frida La Muerte", Viveros rinde homenaje a Frida Kahlo, una de las figuras más icónicas de la historia del arte, a la vez que le imprime su característico estilo provocador. La impresión presenta un evocador retrato de una figura que recuerda a Kahlo, adornada con una corona de rosas y una calavera, o maquillaje de cráneo, tradicionalmente asociado con el Día de los Muertos mexicano. La combinación de estos elementos crea una poderosa narrativa visual que une los mundos de la vida y la muerte, un tema recurrente en la obra de Kahlo. Impresión giclée de edición limitada La técnica empleada en la producción de esta edición limitada es la impresión giclée, que consiste en rociar microscópicos puntos de tinta pigmentada sobre papel o lienzo de alta calidad. Este método es reconocido por producir colores vibrantes, detalles nítidos y una gran durabilidad, comparable a los procesos tradicionales de impresión con haluro de plata y gelatina. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas), «Frida La Muerte» es una obra de un tamaño ideal para una contemplación íntima, pero a la vez lo suficientemente grande como para crear un impacto visual en cualquier pared. Significado artístico y valor de colección Con una edición limitada de tan solo 100 ejemplares, "Frida La Muerte" posee un atractivo exclusivo. Coleccionistas y admiradores de la obra de Viveros se sienten atraídos por su escasez y el toque personal del artista: cada grabado refleja directamente su visión creativa. La exclusividad de estos grabados eleva su estatus, convirtiéndolos de meras reproducciones en piezas codiciadas dentro del mundo del arte. La influencia de Viveros en el arte pop callejero moderno La influencia de Viveros en el panorama del arte urbano pop y el grafiti modernos es innegable. Sus obras, incluyendo "Frida La Muerte", se caracterizan por su imaginería audaz, sus intrincados detalles y su profundidad temática. Estas cualidades le han granjeado una fiel legión de seguidores y han generado debates sobre la evolución del arte urbano y su lugar en el contexto más amplio del arte contemporáneo. "Frida La Muerte" de Brian Viveros encapsula la esencia del arte urbano pop y el grafiti, fusionando iconografía cultural con técnicas artísticas modernas para crear algo único. El carácter de edición limitada de la obra aumenta su atractivo, convirtiéndola en una pieza codiciada por coleccionistas y admiradores de la obra de Viveros. Como artista, Viveros continúa expandiendo los límites del arte urbano, desafiando percepciones e inspirando a una nueva generación de artistas y amantes del arte.

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Mapa del metro de Toronto, pintura original en aerosol amarilla de RIFF 170. Obra de arte única sobre un mapa reciclado del metro canadiense, realizada por un artista pop de arte callejero. Mapa del sistema de metro de Toronto, Canadá, 2021. Pintura en aerosol firmada. Obra de arte original. Tamaño: 16 x 8 pulgadas. Mapa del metro de Toronto amarillo por RIFF 170 – Obra original de pintura en aerosol en el género de arte pop urbano y grafiti «Mapa del metro de Toronto Amarillo» es una obra original de 2021, realizada con aerosol por el pionero del grafiti RIFF 170, sobre un auténtico mapa reciclado del sistema de metro canadiense. Con unas dimensiones de 40,6 x 20,3 cm, esta pieza única fusiona la navegación urbana con la autoridad del estilo a mano, marcando un hito transnacional en la historia del grafiti, donde el neoyorquino deja su huella en el trazado metropolitano de Toronto. Mediante audaces y fluidas técnicas de aerosol, RIFF 170 plasma su icónico nombre —RIFF— en el mapa con grandes y llamativas letras mayúsculas. Cada letra está rellena de degradados texturizados y moteados en tonos marrones terrosos y azules sombríos, mientras que un vibrante resplandor amarillo rodea la forma, actuando como un halo de movimiento y dinamismo. El estilo evoca la época dorada del grafiti en trenes, transformando un objeto estático e informativo en una superficie viva y expresiva. La transformación de este mapa utilitario del metro en una reliquia manchada de grafitis convierte la pieza en obra de arte y documento a la vez: un artefacto del lugar, del viaje y del dominio del aerosol. El legado del grafiti a través de las fronteras RIFF 170 se erige como una de las figuras fundacionales del grafiti estadounidense. Tras ascender en las filas de los pioneros del graffiti en trenes neoyorquinos en la década de 1970, su obra contribuyó a establecer el modelo de letras estilizadas, relleno de color e influencia caricaturesca que posteriormente dominaría el graffiti a nivel mundial. En «Mapa del metro de Toronto amarillo», traslada esa herencia cruda y original al contexto canadiense, superponiendo un fragmento del tejido urbano de Canadá con el legado icónico del graffiti neoyorquino. Esta transposición crea un diálogo visual entre dos grandes sistemas metropolitanos, vinculando la experiencia del transporte en metro con la presencia del graffiti como comentario, huella y movimiento. El mapa canadiense se convierte en un lienzo de resistencia, redefinido por un artista cuyo nombre ha trascendido décadas y fronteras sin perder vigencia. Color, textura y el uso de materiales encontrados La elección de colores de la obra es intencionada y potente. El relleno central de cada letra emplea un tono marrón oscuro que recuerda al acero oxidado, la decadencia y las superficies de los vagones de tren tras años de acumulación de capas. Las motas de aerosol sobre el relleno simulan suciedad y movimiento, creando una sensación de profundidad y textura que evoca estaciones de tren y túneles de metro. El contorno amarillo brilla como luces intermitentes, otorgando a las letras una sensación de urgencia y resaltando su viveza sobre el denso entramado del sistema de transporte de Toronto. La decisión de RIFF 170 de pintar sobre un mapa del metro refuerza la tradición del grafiti de utilizar materiales encontrados y efímeros, transformando un objeto cotidiano de navegación en un símbolo de movimiento con una marcada actitud visual. Arte pop callejero y graffiti en tiempo real El mapa amarillo del metro de Toronto se erige como un ejemplo contemporáneo del arte pop callejero y el grafiti en su forma más cruda y honesta. Toma una reliquia de la infraestructura pública y la transforma en un tablero de mensajes, fusionando la geografía de Toronto con el nombre icónico de una leyenda del Bronx. De esta manera, RIFF 170 reafirma la relevancia del grafiti no solo en el pasado, sino también en la continua redefinición del arte urbano. Esta obra trata tanto sobre la ubicación como sobre la identidad: sobre los lugares que dan forma al movimiento y los nombres que marcan esos espacios. El clásico contorno con efecto goteo de RIFF y su declaración en mayúsculas transmiten el peso de la historia con la energía del presente. Es un emblema del estilo transfronterizo, ejecutado con aerosol, firmado con legado y ubicado en el mapa de la cultura del grafiti moderno.

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Fusión Psicodélica- 03 Original Pintado a mano con múltiples técnicas de pintura en aerosol, tinta y técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser, listo para colgar por Tavar Zawacki (Arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. La serie Psicodélica se creó en conjunto con mi reciente exposición individual, Remix. Todas las obras de la serie se diseñaron con énfasis en un marcado contraste visual. Es similar al arte óptico (Op-art), que produce un efecto alucinante. Altera la percepción como si se estuviera bajo los efectos de drogas psicodélicas. Algunos de los diseños psicodélicos que realicé se exhibieron en Remix, y otros los creé específicamente para esta serie. Este diseño en particular, «Sunset Strip», lo desarrollé con mayor complejidad para mi exposición individual Remix. La exposición Remix consistía en intercambiar y combinar diferentes patrones de corte del mismo diseño, en distintos colores, para lograr la pieza final. La serie Psicodélica logra un efecto similar, pero con un estilo más básico: se bloquean los colores y se deja que el espacio negativo se revele.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Fuck The Law. Obra de arte original y única, realizada con técnica mixta de pintura en aerosol sobre lienzo por el popular artista de graffiti callejero Sechor. 2021. Técnica mixta firmada sobre lienzo sin bastidor de 16x20 pulgadas.

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Impresión giclée de Super Trooper por Brian Viveros. Edición limitada impresa en papel de algodón liso de 290 g/m² para bellas artes. Artista callejero pop y grafiti. Edición limitada de 70 ejemplares, firmada y numerada, 2023. Tamaño de la obra: 16 x 21 pulgadas. Impresión giclée de Super Trooper por Brian Viveros: Feminidad feroz en el arte pop callejero y el grafiti La impresión giclée de edición limitada de 2023, Super Trooper, de Brian Viveros, captura una fusión cruda y seductora de vulnerabilidad y rebeldía que ejemplifica su enfoque característico del arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza de 40,6 x 53,3 cm, publicada en una edición firmada y numerada de 70 ejemplares, está impresa en papel de bellas artes de algodón liso de 290 g/m², ofreciendo una rica superficie táctil que complementa el exuberante realismo y el detalle pictórico de la obra. La figura central es una guerrera estilizada, vestida con una camiseta de Superman manchada de sangre y adornada con un cigarrillo y un motivo floral que serpentea por su piel y vestimenta como tatuajes vivientes. Su casco, marcado con el emblema de los Dodgers de Los Ángeles y salpicaduras de pintura, junto con la llamativa rosa roja prendida en un lateral, fusiona la identidad urbana con la belleza simbólica. Las rosas desenfocadas del fondo contrastan fuertemente con el intenso maquillaje, los moretones y el vendaje de la mujer, reforzando la tensión característica de Viveros entre belleza y brutalidad. Brian Viveros y el auge del arquetipo de la diosa de la guerra Nacido en Estados Unidos, Brian Viveros se ha labrado una reputación por retratar mujeres feroces, adornadas con pintura de guerra, que dominan el lienzo con una presencia impactante y un magnetismo emocional arrollador. Estos personajes no son sujetos pasivos, sino iconos imponentes que fusionan la estética pin-up con el simbolismo bélico. En «Super Trooper», la mirada desafiante de la modelo y su traje de Superman salpicado de sangre aluden tanto a la cultura pop como a la resiliencia personal. No es una compañera ni una musa: es la superheroína, reinventada. Viveros sigue desafiando las representaciones tradicionales del poder femenino, utilizando texturas al óleo meticulosamente detalladas y toques surrealistas para dotar a cada sujeto de una presencia mítica. Esta obra canaliza el trauma y la fuerza en una expresión singular de dominio, autonomía y resistencia seductora. Medio, detalle y peso del formato de impresión El proceso de impresión giclée sobre papel de algodón liso de 290 g/m² garantiza que los vibrantes tonos carmesí, cobalto y gris ceniza se mantengan fieles a la visión original de Viveros. El acabado liso permite sutiles degradados en el tono de piel, las sombras y las luces, creando una impresión que transmite movimiento y tensión interna. Cada pétalo y cada mechón de cabello se representan con una precisión obsesiva, contrastando con el caos fluido de la pintura salpicada y las imperfecciones toscas de un casco desgastado y ropa manchada. Las dimensiones de 40,6 x 53,3 cm (16 x 21 pulgadas) crean una experiencia visual íntima, centrando la atención en la emoción tras los ojos entrecerrados del personaje y la complejidad de su representación. Este formato realza la fusión de fotorrealismo y ornamentación estilizada que define la contribución de Viveros al arte pop urbano y al grafiti contemporáneos. Simbolismo, identidad y creación de mitos callejeros Super Trooper funciona como un grito de guerra visual por la identidad en una cultura obsesionada con la imagen, la fantasía y la iconografía. Viveros no ofrece escapismo, sino confrontación. El emblema de Superman no se porta con orgullo, sino con propósito: un símbolo de fuerza recuperado, empañado por el dolor y la experiencia vivida. La venda en la mejilla, adornada con un corazón rojo, revela una vulnerabilidad envuelta en estoicismo. El cigarrillo que cuelga de los labios rojos añade un toque noir, una señal de rebeldía y desprecio por las convenciones. Al envolver a su musa en símbolos de guerra, feminidad, fanatismo y crudeza urbana, Viveros crea una obra de arte pop callejero y grafiti que se resiste a la categorización convencional. Super Trooper encarna su compromiso con una representación sin miedo, hablando directamente a un público que reconoce el poder en la imperfección y la belleza en las cicatrices.

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Serigrafía compartida de Kaws - Brian Donnelly. Impresa a mano sobre papel de bellas artes gris acero de 250 g/m². Obra de edición limitada. Lanzado en 2021. Edición limitada de 500 ejemplares firmados y numerados en 2022. Tamaño de la obra: 16x20. Serigrafía de Gray Kaws Companion Accomplice sosteniendo la muñeca Pink BFF Companion. La serigrafía «Share» de KAWS, también conocido como Brian Donnelly, es una pieza clave dentro del movimiento contemporáneo del Arte Pop Urbano, que ejemplifica la convergencia entre la expresividad cruda del grafiti y el meticuloso proceso de la impresión artística. Lanzada en 2021 y posteriormente firmada y numerada en 2022, esta obra de edición limitada encarna la fusión entre la cultura urbana y el arte de vanguardia que caracteriza la obra de KAWS. Con una edición limitada de 500 ejemplares, cada impresión posee un carácter de rareza y exclusividad en el mercado del arte. KAWS: De artista de graffiti a fenómeno artístico mundial Brian Donnelly, conocido profesionalmente como KAWS, inició su trayectoria en la subcultura del grafiti en Jersey City. Sus primeras obras se caracterizaban por su carácter rebelde, a menudo interviniendo vallas publicitarias para presentar a sus ahora icónicos personajes. Con el paso de los años, KAWS se ha consolidado como una figura clave en la escena artística mundial, trascendiendo sus raíces en el grafiti para abarcar una gama más amplia de medios, incluyendo la pintura, la escultura y, como demuestra "Share", la técnica tradicional de la serigrafía. El mérito artístico de 'Compartir' «Share» es un testimonio de la versatilidad artística de KAWS y su habilidad para desenvolverse en el complejo terreno del arte pop urbano. La obra presenta al KAWS Companion gris sosteniendo una muñeca BFF Companion rosa, impresa en papel artístico gris acero de 250 g/m². La elección de este papel no solo complementa la escala de grises del Companion, sino que también acentúa el rosa vibrante de la BFF, creando un impacto visual llamativo y emotivo. Los Companions, figuras recurrentes en la obra de KAWS, son conocidos por sus expresiones emotivas y casi humanas que comunican sentimientos universales a pesar de su apariencia caricaturesca. Las serigrafías, realizadas a mano, son laboriosas y requieren un alto nivel de habilidad, lo que refleja la dedicación de KAWS a la artesanía. Cada impresión de la serie «Share» es única debido a la naturaleza del proceso de impresión, con sutiles variaciones que convierten a cada pieza en una obra de arte singular. La edición limitada a 500 ejemplares, si bien es relativamente pequeña en productos de consumo masivo, es significativamente excesiva para una obra de arte hecha a mano, lo que indica la intención de KAWS de hacer su arte más accesible al público. El impacto cultural de las ediciones limitadas de KAWS Las ediciones limitadas de KAWS, como "Share", desempeñan un papel crucial en la democratización del arte. Permiten que un público más amplio se acerque y adquiera una obra de un artista muy reconocido en el ámbito del arte urbano y el arte popular. Estas láminas suelen servir como puerta de entrada para nuevos coleccionistas y aficionados al arte, tendiendo un puente entre los círculos artísticos exclusivos y el público general, más familiarizado con el arte urbano y el grafiti. Además, la presencia de la obra de KAWS en galerías y tiendas de ropa urbana pone de manifiesto la fluidez con la que su arte transita por diferentes contextos culturales. "Share", en particular, con su conmovedora representación de la compañía y el cariño, se ha convertido en una imagen simbólica que resuena en múltiples niveles sociales, emocionales y culturales. Habla de la necesidad humana fundamental de conexión, un tema recurrente en el arte pop urbano y el grafiti. El papel de KAWS en la evolución del arte callejero El lanzamiento de serigrafías como "Share" subraya la evolución del arte urbano, desde sus inicios clandestinos hasta su estatus actual como una forma de arte reconocida y celebrada. Mediante su meticulosa traducción de la estética del grafiti a la técnica de la impresión artística, KAWS ha desempeñado un papel fundamental en esta transformación. Su obra desafía las nociones tradicionales de lo que constituye el arte y quién puede ser considerado artista, ampliando el público y la comprensión del Street Pop Art. En esencia, "Share" de KAWS es un poderoso reflejo del espíritu del Street Pop Art. Captura la vitalidad de la cultura urbana a la vez que abraza la sofisticación de las bellas artes. Como serigrafía de edición limitada, se erige como un artefacto cultural que captura el espíritu del siglo XXI, difuminando las fronteras entre el arte culto y la cultura popular y conectando con un público diverso y global. A través de obras como "Share", KAWS continúa redefiniendo los límites del arte, asegurando que su legado perdure por generaciones.

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Compre Two Coming In Artwork Giclee Impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de cultura pop Scott Listfield .

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Serigrafía Marilyn Pure Joy Yellow de 3 colores, realizada por Pure Evil. Impresión manual sobre papel Somerset Fine Art Paper de 300 g/m² con bordes irregulares. Edición limitada. Edición limitada firmada y numerada de 2025 (TBD). Tamaño de la obra: 16x20. Serigrafía de la actriz de Hollywood Marilyn Monroe estilizada en negro y amarillo. Marilyn Pure Joy Yellow de Pure Evil como arte pop callejero y grafiti Marilyn Pure Joy Yellow es una serigrafía artesanal de tres colores creada por el artista londinense Pure Evil, cuyo nombre real es Charles Uzzell-Edwards. Impresa en papel Somerset de bellas artes de 300 g/m² con textura irregular, esta edición limitada de 2025 ejemplares, firmada y numerada, captura la esencia de la iconografía de la cultura pop y el minimalismo emocional a través de una singular mirada urbana. Con un tamaño de 40,6 x 50,8 cm, la obra presenta una representación estilizada de la leyenda de Hollywood, Marilyn Monroe, en tonos negros intensos y amarillos suaves, con la característica lágrima de Pure Evil: una gruesa línea negra que brota de un ojo y atraviesa el papel verticalmente. Este impactante recurso visual se ha convertido en un sello distintivo de la obra del artista y constituye una poderosa forma de crítica dentro del arte pop urbano y el grafiti. El ícono pop reimaginado a través de una lente de graffiti Pure Evil reinterpreta a Monroe, no como una diosa de la pantalla impecable, sino como un símbolo fragmentado de glamour y vulnerabilidad. En lugar de centrarse en el realismo, el retrato abraza la estilización y la abstracción, permitiendo una reinterpretación del mito de la figura. Los reflejos amarillos en el cabello evocan la cultura de belleza de mediados de siglo, pero los marcados contrastes monocromáticos enfatizan una sensación de pérdida o distorsión. No se trata simplemente de una celebración de la fama; es una meditación sobre su precio. El desgarro vertical negro, recurrente en la obra de Pure Evil, no es meramente decorativo. Evoca temas de trauma, impermanencia y pérdida de identidad asociados al culto a las celebridades. Al fusionar la estética del grafiti con elementos de la cultura pop, esta obra desestabiliza la nostalgia y obliga a reconsiderar la memoria colectiva. Materiales de bellas artes con una intención urbana Aunque con raíces en el arte urbano, esta serigrafía se imprime con técnicas y materiales de bellas artes. El papel Somerset de 300 g/m² y los bordes deshilachados a mano evidencian la familiaridad del artista con el sistema de galerías, a la vez que conservan elementos visuales propios del entorno urbano. Las líneas de contorno definidas, la aplicación tipo esténcil y la paleta saturada se inspiran en la sensibilidad gráfica del grafiti. Cada impresión se realiza a mano, lo que aporta una sutil variación y autenticidad a cada edición. Esta artesanía confirma que, si bien las imágenes se basan en iconografía producida en masa, la ejecución es profundamente intencional y personal. Sencillez emocional y simbolismo en el arte urbano contemporáneo La obra «Marilyn Pure Joy Yellow» de Pure Evil se inscribe en un debate contemporáneo más amplio sobre las corrientes emocionales subyacentes en la iconografía del arte pop urbano y el grafiti. Su núcleo emocional se intensifica gracias a la sobriedad formal: una paleta de colores limitada, una geometría audaz y el gesto simbólico de la lágrima. En una era saturada de imágenes digitales, esta pieza invita al espectador a la reflexión. Sugiere que nos detengamos a pensar en por qué idolatramos y qué ignoramos. A través de esta obra, Pure Evil amplía el diálogo sobre la fama, la fragilidad y las consecuencias psicológicas que suelen acompañar la elevación cultural. Como homenaje y crítica a la vez, la obra constituye un ejemplo convincente de cómo la cultura urbana puede infiltrarse en el discurso del arte elevado y elevarlo sin abandonar sus raíces rebeldes.

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The Crawler - Edición limitada en blanco, serigrafía manual de 2 colores sobre papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía artesanal de 40,6 x 30,5 cm en negro y hueso. Impresa en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 125 ejemplares. El arte de Peterson posee un marcado carácter antisistema, y ​​la ira, como fuerza creativa, está presente en la mayoría de sus obras. El artista es el sujeto de la ira, y con su trabajo se rebela contra el profundo hastío y malestar de la sociedad. Este artista afincado en Los Ángeles es el artífice de una serie de obras distópicas —pinturas, grabados, esculturas y murales— expuestas en Estados Unidos, Europa y Asia.

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Love is the Answer. Impresión serigráfica original y única con pintura en aerosol HPM de Mr. Brainwash - Thierry Guetta. Impresión serigráfica de técnica mixta sobre papel de bellas artes con bordes irregulares. Edición limitada de obra de arte pop callejero. 2015 Firmado con certificado de autenticidad. Pintura en aerosol, pintura acrílica, técnica mixta. Obra de arte original única HPM intervenida . Tamaño 16x21. El famoso físico teórico Albert Einstein sostiene un cartel que dice "El amor es la respuesta" con toneladas de pintura en aerosol de colores y pintura intervenida a mano. El amor es la respuesta: Un retrato del genio en el arte pop callejero En el ecléctico y vibrante mundo del arte contemporáneo, "Love is the Answer" emerge como una obra de gran impacto creada por el renombrado artista urbano Mr. Brainwash, conocido fuera del lienzo como Thierry Guetta. Esta serigrafía de técnica mixta sobre papel artístico de grano fino es una pieza de edición limitada que fusiona a la perfección el arte pop y el arte urbano con la icónica imagen de Albert Einstein. Creada en 2015, "Love is the Answer" es una obra original única, pintada a mano (HPM), con una base de serigrafía sobre la cual Mr. Brainwash aplicó pintura en aerosol y acrílica a mano. Este proceso de intervención manual garantiza que cada pieza de la serie sea una obra de arte única, impregnada de individualidad y carácter. La obra, de considerables dimensiones (40,6 x 53,3 cm), posee una presencia que cautiva al espectador e invita a la contemplación. El tema de la obra es el famoso físico teórico Albert Einstein, representado sosteniendo un cartel que dice "Love is the Answer" (El amor es la respuesta). Este mensaje, combinado con la vibrante explosión visual de la pintura en aerosol, crea una yuxtaposición impactante y a la vez sugerente. La imagen de Einstein, sinónimo de inteligencia y perspicacia, junto con un mensaje sencillo pero universal sobre el amor, invita a reflexionar sobre las complejidades de la condición humana y la sencillez de su resolución a través del amor. El estilo característico del Sr. Brainwash Mr. Brainwash es fundamental para llevar la estética del arte urbano al espacio de la galería. Su obra suele incorporar figuras de relevancia histórica y cultural, situándolas en un contexto contemporáneo accesible y a la vez provocador. En «Love is the Answer», se aprecia el estilo característico del artista: una base de tonos monocromáticos acentuada por explosiones de color, que simbolizan el caos y la vitalidad de la vida. Como gran parte de la obra de Mr. Brainwash, esta pieza es más que una simple representación; es una experiencia interactiva. Las salpicaduras y gotas de pintura no se limitan a adornar el papel; alteran y dialogan con la imagen de Einstein, sugiriendo que incluso en medio de la precisión calculada de la ciencia, hay espacio para la espontaneidad y la pasión del arte. El amor es la respuesta. Impacto cultural y coleccionabilidad únicos de HPM. Como obra de arte coleccionable, "El amor es la respuesta" posee un atractivo especial. Firmada por Mr. Brainwash e incluye un Certificado de Autenticidad, lo que aumenta su valor como pieza de la historia del arte. Los elementos de técnica mixta y su carácter de edición limitada la convierten en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados al arte pop urbano y al grafiti. El impacto cultural de la obra es también significativo. Representa un puente entre diversas formas de expresión, desde el mundo intelectual de la física teórica hasta el dinámico ámbito del arte urbano. Al situar a Einstein en un contexto tan colorido e inesperado, Mr. Brainwash invita a los espectadores a reconsiderar la figura como científico y mensajero de paz y amor. "El amor es la respuesta" de Mr. Brainwash es un poderoso ejemplo de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden trascender las calles y alcanzar la categoría de alta cultura. La obra va más allá de representar a una figura célebre; dota a la imagen de un nuevo significado y relevancia. Es una declaración de que, en medio de las complejidades y los desafíos de la vida, las verdades más sencillas pueden resonar con mayor fuerza. Para coleccionistas y admiradores, poseer «El amor es la respuesta» no es solo una inversión en una obra de arte, sino un respaldo a su mensaje y a la conversación que sigue inspirando.

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Blackjack HPM, obra de arte en serigrafía de técnica mixta con detalles pintados a mano sobre lienzo enmarcado, del artista Steve Kaufman SAK. Obra de arte pop contemporánea. 2000 Firmado y numerado al dorso HPM Edición limitada de 25 con detalles pintados a mano Tamaño de la obra 16x16

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Letras - Obra de arte blanca, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Seen UA. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2017). Tamaño de la obra: 16 x 22 pulgadas. Seen UA (n. 1961) Cartas (Blanco), 2017. Impresión giclée a color sobre papel Fine Art estirado a mano. 55,9 x 40,6 cm (hoja). Edición 17/50. Firmada, numerada y fechada a tinta en el borde inferior.

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Compre Night Lights Artwork Giclee Impresión de edición limitada en papel de bellas artes por el artista de graffiti de cultura pop Scott Listfield .

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Impresión Giclée Kaboom de Scott Listfield Artwork. Edición limitada impresa en papel de algodón liso de 290 g/m² para bellas artes. Artista callejero pop y grafiti. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, 2023. Tamaño de la obra: 16 x 24 pulgadas. Impresión giclée Kaboom de Scott Listfield: una reflexión posmoderna en el arte pop callejero y el grafiti. La impresión giclée de Scott Listfield de 2023, Kaboom, es una obra inquietante y visualmente impactante que fusiona la estética de la ciencia ficción con la desolación urbana y la crítica social. Impresa en una edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, esta obra de 40,6 x 61 cm está realizada sobre papel de bellas artes de algodón liso de 290 g/m². La calidad del material realza cada textura y matiz, destacando el vibrante juego de luces y sombras. En el centro de la obra se encuentra la icónica figura del astronauta de Listfield, aislada y contemplativa, observando el extenso horizonte urbano justo cuando una enorme nube en forma de hongo domina el horizonte. La explosión en sí está estilizada con líneas de escaneo horizontales que evocan pantallas digitales e interferencias de señales de vídeo retro, reforzando la idea del desastre como espectáculo y consumo mediático. Esta imaginería vincula la obra firmemente con el creciente léxico del arte pop urbano y el grafiti, donde la pintura tradicional colisiona con el futurismo distópico y la ansiedad de la cultura de masas. Scott Listfield y el simbolismo del astronauta solitario Scott Listfield, artista contemporáneo estadounidense, es conocido por su serie de astronautas, donde un solitario viajero espacial se convierte en un observador recurrente en paisajes repletos de símbolos modernos, ruinas e intervenciones surrealistas. En Kaboom, esta figura se presenta con iluminación atmosférica y texturas reflectantes, erigiéndose como un sustituto del espectador: distante, pasivo y contemplativo ante el cataclismo. La postura del astronauta sugiere resignación en lugar de acción, un comentario sobre la parálisis que muchos experimentan ante la crisis planetaria, el colapso cultural o la saturación digital. El astronauta de Listfield funciona no solo como protagonista, sino también como un espejo, creando un espacio para la desconexión de la existencia moderna rodeada de abrumadores estímulos visuales y amenazas. Color, composición y material en un paisaje digital apocalíptico La impresión presenta una paleta de colores ominosa pero saturada, dominada por púrpuras brillantes, naranjas intensos y los amarillos eléctricos de la ciudad. Estos tonos contribuyen a la belleza surrealista de la escena del fin del mundo. Los puntos RGB en la esquina superior izquierda recuerdan las marcas de calibración digital de las primeras pantallas de televisión, sugiriendo que el espectador no está presenciando la realidad, sino una versión mediada de ella. La precisión del proceso de impresión giclée sobre papel de algodón liso preserva la cualidad de pincelada de la pintura digital, ofreciendo una riqueza y profundidad raramente vistas fuera de las obras originales sobre lienzo. El formato, vertical y cinematográfico, evoca los carteles de películas clásicas de ciencia ficción retro, a la vez que se arraiga firmemente en la estética del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. Medios de comunicación, espectáculo y quietud en un mundo caótico Kaboom es más que un instante de explosión ficticia: es una instantánea cultural cargada de implicaciones sobre la violencia, la tecnología y el distanciamiento. El silencio de la imagen es su cualidad más ensordecedora. No hay figuras huyendo, no suena ninguna alarma, solo un astronauta vigila mientras una ciudad, inconsciente o indiferente, vive bajo amenaza. Listfield utiliza esta composición estática para comentar sobre la insensibilización de la sociedad ante la devastación, cómo las explosiones se han convertido en entretenimiento y cómo la observación ha reemplazado a la acción. En la tradición del arte pop urbano y el grafiti, esta obra contribuye al lenguaje crítico en constante evolución, envuelto en imágenes brillantes, invitando a los espectadores a reflexionar no solo sobre lo que ven, sino también sobre cómo lo ven. Es una obra de arte sobre las secuelas, la anticipación y la alienación, todo ello plasmado en tonos demasiado vívidos para ignorar.

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Compre Dream of Electric Sheep AP Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel prensado en caliente por el artista Scott Listfield. AP Artist Proof 2021 Tamaño firmado 16x16 Edición de 28. Impreso en papel de archivo, Hot Press, firmado y numerado

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Amantes Death Perception AP Death Perception Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Saner, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Edición de prueba de artista AP de 6 ejemplares. Edición regular de 50 ejemplares. Firmada. Edición limitada 2016. 16x20 Explorando la 'Percepción de la muerte en Amantes' Expresión artística a través de impresiones pigmentadas de archivo La obra titulada «Amantes Death Perception», del artista conocido como Saner, es una impresión artística de archivo con pigmentos que constituye un testimonio de la fusión entre el arte pop urbano y los motivos culturales tradicionales. Creada sobre papel Moab Entrada de 290 g/m², un soporte de alta calidad que garantiza durabilidad y una reproducción cromática vívida, esta edición limitada representa la intersección entre las prácticas artísticas contemporáneas y el rico lenguaje visual del grafiti y el arte urbano. Simbolismo en 'La percepción de la muerte en Amantes' Saner, leyenda del graffiti pop art callejero, utiliza este medio para explorar temas profundos como el amor, la mortalidad y la percepción. La obra presenta a dos figuras en un abrazo íntimo, con los rostros ocultos tras máscaras, un elemento recurrente en su trabajo. Estas máscaras se inspiran en las tradicionales máscaras de luchadores mexicanos y en el arte popular, impregnando la pieza de misterio e identidad cultural. El fondo oscuro acentúa a los personajes, resaltando sus vestimentas vibrantes y la naturaleza tierna y a la vez enigmática de su interacción. Ediciones limitadas y pruebas de artista La obra «Amantes Death Perception» se presenta en una edición limitada de 50 copias firmadas, con una edición adicional de seis Pruebas de Artista (PA), lo que la convierte en una pieza de colección muy codiciada. Firmadas por el artista en 2016, cada copia mide 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas), un tamaño que permite apreciar con detalle la intrincada obra de Saner. La edición PA, que el artista suele conservar para uso personal o distribución selectiva, aumenta la exclusividad y el valor de la obra entre coleccionistas y aficionados al arte pop urbano. La influencia de Saner en el arte pop callejero y el grafiti Las contribuciones de Saner al arte pop urbano y al grafiti son significativas, ya que sus obras suelen transmitir potentes mensajes sociales a través de un estilo visualmente cautivador. «Amantes Death Perception» no es una excepción, y ofrece una visión de la perspectiva del artista sobre temas universales. El arte de Saner es reconocido por su capacidad de trascender los límites de las galerías, conectando con un público amplio y enriqueciendo el panorama cultural. Relevancia cultural y atractivo estético En el arte pop, el arte urbano y el grafiti, obras como «Amantes Death Perception» sirven de puente entre la expresión visual contemporánea y las narrativas culturales ancestrales. La hábil fusión de estética moderna con elementos tradicionales que logra Saner desafía la comprensión del arte por parte del espectador y rinde homenaje a su herencia cultural. Esta dualidad hace que la obra sea particularmente cautivadora, ya que invita a un diálogo entre el pasado y el presente, entre la visión del artista y la interpretación del público.

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HIVE B-006H.Battle Edición Limitada Escultura de Vinilo Obra de Arte del Artista Moderno Fine Pop Vectormobb. Escultura de vinilo a escala 1/2 de 40,5 cm (16") con panal y ojos iluminados. Edición limitada de 300 unidades. Diseñada por Johnny de Vectormobb. ZCWO x VECTORMOBB HIVE B-006H. Las abejas son esenciales para el florecimiento del mundo gracias a la polinización. Son insectos asombrosos que solo atacan cuando se sienten amenazadas, por lo que merecen una colmena adecuada que ahuyente a los intrusos que solo buscan su miel. Escultura de batalla de Star Wars HIVE B-006H, juguete artístico de Vectormobb. Lo más destacado del arte: HIVE B-006H Battle de Vectormobb En un mundo donde la cultura pop y la conciencia ambiental convergen, HIVE B-006H Battle de Vectormobb es una obra monumental de arte pop moderno que va más allá del mero atractivo estético. Diseñada por Johnny de Vectormobb, esta escultura de vinilo a escala 1/2 (16") plasma la fusión de la conciencia ecológica con las impactantes imágenes de la ciencia ficción, en concreto, las icónicas imágenes de "Star Wars". Temas que se entrelazan: El ecologismo se encuentra con la iconografía pop La figura HIVE B-006H Battle no es solo un objeto de colección, sino una declaración de principios. Limitada a 300 piezas, esta obra de arte presenta un panal y ojos iluminados, dando vida a la pieza de una manera visualmente cautivadora y temáticamente significativa. Las abejas, conocidas por su papel crucial como polinizadoras en nuestros ecosistemas, están representadas aquí como santuario y guerrera, reflejando su vital importancia en nuestro mundo y la necesidad de proteger a estos insectos trabajadores. El uso de un casco de Stormtrooper reinterpretado como una colmena se inspira en la popularidad de la franquicia "Star Wars" y presenta a estos personajes bajo una nueva luz. Sugiere una narrativa donde lo natural y lo artificial se fusionan, donde los soldados, generalmente sin rostro, de un imperio galáctico se convierten en guardianes de la naturaleza, simbolizando una armonía potencial entre la tecnología y el medio ambiente. La visión creativa de VECTORMOBB: Una síntesis de arte y defensa La visión creativa de Vectormobb, especialmente en esta obra, simboliza el poder transformador del arte pop urbano. HIVE B-006H Battle difumina la frontera entre el arte y la defensa del medio ambiente, aprovechando el poder evocador de iconos populares para abordar problemáticas del mundo real. Es una manifestación física del diálogo entre el progreso humano y el mundo natural, un diálogo cada vez más apremiante en nuestra sociedad contemporánea. Esta escultura de vinilo es un referente del espíritu del arte pop urbano, que a menudo toma lo familiar y lo transforma en algo nuevo y provocador. Con esta obra, Vectormobb impulsa la conversación en espacios frecuentados tanto por aficionados al arte como por coleccionistas, generando debates sobre conservación, coexistencia y nuestro papel en el cuidado del planeta. La maestría artística de HIVE B-006H Battle es un testimonio del papel de los artistas modernos en la configuración del discurso público a través de la expresión creativa. Al integrar la estética tan querida de "Star Wars" con el tema crucial de la conservación de las abejas, Vectormobb presenta una obra tan impactante por su mensaje como por su diseño. Esta pieza nos recuerda con fuerza que el arte puede reflejar nuestras pasiones y catalizar el cambio, animándonos a reflexionar sobre el delicado equilibrio entre preservar nuestros referentes culturales y salvaguardar nuestro futuro ambiental.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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The Mash - Edición limitada embellecida a mano. Impresiones de pigmentos de archivo y acrílico sobre papel de bellas artes de 310 g/m² por Cope2, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. "Esta pieza la hice a finales de 2014. Estaba en mi estudio, escuchando música, y sonó The Monster Mash. Fue gracioso porque empecé a pintar al ritmo de la canción y así fue como surgió. Esta pieza se parece más a lo que hago hoy en día. Es una mezcla de todo tipo de pintura y diferentes diseños. Tiene muchos elementos característicos de mi trabajo. Todo encaja. Es simple y directa. Sencillez." - Cope2 El inicio del nuevo milenio encontró a Cope2 en una etapa diferente de su carrera, centrándose cada vez más en consolidarse en el panorama artístico de galerías y museos. Si bien el artista había comenzado a trabajar sobre lienzo mucho antes de la década del 2000, fue entonces cuando dio un giro radical y aceptó exponer sistemáticamente en espacios cerrados. Ya sea que se considere el grafiti una forma de arte expresiva y vibrante o una forma de vandalismo irresponsable, una cosa es segura: en los últimos años ha captado la atención del público en general, llegando incluso a las galerías más importantes del mundo.

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Serigrafía separada de Kaws - Brian Donnelly. Impresa a mano sobre papel de bellas artes gris acero de 250 g/m². Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 250 ejemplares, firmada y numerada, de 2021. Tamaño de la obra: 16x20. Serigrafía de Kaws Companion sosteniendo la cabeza entre las manos, sentado con las piernas cruzadas, triste o pensativo, en tonos grises y marrones. La influencia y el estilo de KAWS en el arte contemporáneo Brian Donnelly, conocido artísticamente como KAWS, ha dejado una huella imborrable en la escena del arte contemporáneo, fusionando el arte pop, el arte urbano y el grafiti con una estética única e inconfundible. Sus obras suelen reinterpretar personajes conocidos de la cultura popular, reutilizándolos para explorar y criticar la sociedad moderna y sus valores. Un ejemplo de ello es su serigrafía «Separated», que representa a su icónico personaje, el Compañero, en un momento de profunda reflexión. Esta pieza, realizada en papel artístico gris acero de 250 g/m², encapsula la esencia del arte pop urbano y el grafiti, transmitiendo un mensaje elocuente a través de su postura silenciosa y contemplativa. Analizando la profundidad emocional de la serigrafía "Separated" de KAWS «Separated» de KAWS no es solo una obra visual; es un canal de emoción. La pieza muestra al Compañero en un estado que evoca tristeza o profunda reflexión, sentado con las piernas cruzadas y la cabeza entre las manos. Esta pose introspectiva se aleja significativamente de la presentación habitual del personaje y sugiere un momento de vulnerabilidad. La obra, de edición limitada a solo 250 ejemplares firmados y numerados, mide 40,6 x 50,8 cm, un tamaño íntimo pero impactante. La elección de tonos grises y marrones contribuye a la atmósfera sombría, enfatizando la gravedad de la introspección del personaje. Al ser una serigrafía, la pieza también rinde homenaje a la tradición de las impresiones manuales, demostrando el compromiso de KAWS con la artesanía en la era digital. "Separados" de KAWS: Un comentario sobre el aislamiento en la vida urbana El título «Separados» constituye un poderoso comentario sobre la experiencia contemporánea del aislamiento, especialmente en la vida urbana. En una era donde las pantallas suelen mediar la conexión, la pose del Compañero puede interpretarse como una metáfora de la soledad colectiva de la sociedad. KAWS utiliza el lenguaje visual del arte pop urbano para comunicar estados emocionales complejos, reflejando la alienación que se puede sentir en medio del bullicio de las calles de la ciudad. A través de sus conmovedoras imágenes, esta obra invita a los espectadores a reflexionar sobre sus propias experiencias de separación y soledad. La coleccionabilidad y el impacto de la obra de arte de KAWS en la cultura moderna La exclusividad de la edición "Separated" aumenta su atractivo entre los coleccionistas. Las obras de KAWS son codiciadas no solo por su impactante belleza visual, sino también por su potencial de inversión. Su capacidad para trascender los límites tradicionales del arte e incursionar en la moda, el diseño y los medios de comunicación lo ha consagrado como un ícono cultural. La serigrafía "Separated" es testimonio de su influencia, conectando con un público más allá del mundo del arte. Es una pieza que captura el espíritu de la vida urbana contemporánea, afianzando la posición de KAWS como figura clave en la evolución del arte urbano pop y el grafiti. Explorando el legado de KAWS a través de "Separated" En conclusión, la serigrafía «Separated» de Brian Donnelly es una obra significativa que encarna la resonancia emocional, la crítica cultural y la innovación estética características de KAWS. Como obra de edición limitada, representa la intersección entre accesibilidad y exclusividad, un sello distintivo de la filosofía de KAWS. El tono melancólico y la temática introspectiva de la obra ofrecen una reflexión conmovedora sobre la existencia moderna, estableciendo un legado perdurable para KAWS dentro del arte pop urbano y el grafiti. A través de «Separated», KAWS continúa desafiando a los espectadores, invitándolos a reflexionar sobre las complejidades de la emoción y el aislamiento en el panorama social contemporáneo.

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Compre KONG Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista Scott Listfield, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte Tamaño 18x24 Artista: Scott Listfield Título: "KONG" Medio: Archival Pigment Edición impresa: 50 Marcas: Firmada y numerada por el artista Dimensiones: 18" x 24"

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Estilos AP Artist Proof Artwork Impresión Giclée de edición limitada en papel de bellas artes de 290 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Low Bros. Prueba de artista AP 2015 Firmada y marcada AP Edición limitada Obra de arte Tamaño 6x20 Impresa en giclée por SerioPress. Pruebas de artista en el ámbito del arte pop callejero y el grafiti Las Pruebas de Artista (PA) ocupan un lugar destacado en el mundo del arte, consideradas a menudo como el referente para coleccionistas y conocedores del arte gráfico. La impresión giclée PA "Styles" de Low Bros es un testimonio de esta tradición, especialmente dentro de los vibrantes ámbitos del Arte Pop Urbano y el grafiti. Como PA, esta edición limitada posee un aura de exclusividad, al formar parte de un selecto grupo de impresiones apartadas de la edición principal, a menudo utilizadas con fines promocionales o como recuerdo personal para los artistas. La creación de "estilos" por Low Bros «Styles» surgió del ambiente creativo de 2015, cuando Low Bros se consolidó como una de las figuras más destacadas del arte urbano y el grafiti. La obra, impresa con la técnica giclée en papel de bellas artes de 290 g/m², refleja su estética característica, que fusiona la crudeza del arte callejero con la sofisticación de las obras de galería. El papel de 290 g/m² es un soporte grueso, de calidad museística, elegido por su superficie lisa que garantiza la viveza de los colores en las impresiones giclée. Estas impresiones emplean tecnología de inyección de tinta para lograr una precisión cromática y un nivel de detalle imposibles con los métodos giclée tradicionales. La exclusividad y el valor coleccionable de las impresiones de AP Esta copia de prueba de artista (AP) de "Styles" está firmada por Low Bros y marcada como tal, lo que denota su importancia y rareza. Los coleccionistas y aficionados al arte pop urbano y al grafiti suelen buscar las AP debido a su tirada limitada y su conexión directa con la intención del artista. Además, las dimensiones de la impresión, 16x20 pulgadas, ofrecen un amplio lienzo que captura los intrincados detalles y los colores vibrantes característicos de los diseños de Low Bros. El papel de SerioPress en la impresión de "estilos" La responsabilidad de llevar a cabo «Styles» recayó en SerioPress, un nombre sinónimo de calidad en la impresión artística. Reconocida por su precisión y dedicación a preservar la integridad de la obra original, la experiencia de SerioPress en la impresión Giclée contribuyó a la alta calidad de esta edición limitada. Su colaboración con Low Bros para crear «Styles» garantizó que cada lámina cumpliera con los rigurosos estándares esperados por los artistas y sus seguidores. El impacto artístico de los "estilos" de Low Bros. «Styles» de Low Bros es más que una simple impresión; se erige como símbolo del espíritu cultural de la época, encapsulando el dinamismo y la innovación del arte pop urbano y el grafiti. Las imágenes, que a menudo presentan motivos animales estilizados y angulares sobre un fondo de iconografía urbana, interpelan al espectador en múltiples niveles, desafiando percepciones e invitando al diálogo. La obra, con su profundidad conceptual y de ejecución, ejemplifica la contribución de Low Bros al arte contemporáneo. La prueba de artista «Styles» de Low Bros ocupa un lugar de prestigio dentro del arte pop urbano y el grafiti, combinando maestría técnica con un agudo comentario cultural. Como prueba de artista, es una pieza preciada que encarna la fusión de la sensibilidad urbana con la sofisticación de la impresión artística. Para los coleccionistas, poseer una impresión así no es solo una adquisición, sino una inversión en la rica narrativa de la evolución del arte urbano y su diálogo constante con el mundo del arte contemporáneo.

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Atlas - Edición limitada estándar, serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel de archivo rasgado a mano por Mr Brainwash - Thierry Guetta x Rubik's Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, de 2021. Tamaño de la obra de arte 16x16 Cada lámina está firmada y numerada por el artista, con su huella dactilar en el reverso e impresa en papel de archivo rasgado a mano. La historia del arte se reinventa con un toque de Rubik en la última edición de láminas de Mr.Brainwash.

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9 Lives Artwork Giclée Edición Limitada Impresión en Papel Lenticular Holográfico del Artista de Graffiti de la Cultura Pop Marwan Shahin. Nueva colaboración con Fraktality: «9 Lives» (2020). Impresión artística lenticular holográfica de alta calidad. Edición limitada de 39 ejemplares. Solo se fabricarán 39 copias. 40,6 x 50,8 cm (16" x 20"). Incluye marco y certificado de autenticidad.

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Compre Two Coming In Artwork Giclee Impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de cultura pop Scott Listfield .

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Rainbow Bite - Prueba de artista AP, obra de arte pop de edición limitada, impresión giclée en papel italiano de acuarela prensado en frío del artista moderno Casey Weldon. Prueba de artista AP 2019 Firmada y marcada Edición limitada Tamaño de la obra 16x24 «Desde niño me han enseñado a temer a los tiburones. A través del sensacionalismo de los medios y el cine de explotación de Hollywood, siempre me han presentado a los tiburones como criaturas antropomórficas, crueles y sin alma, cuyo único deseo es devorarme y engullir mis restos si me atrevo a meterme en el océano.» - Casey Weldon

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Prueba de impresión de archivo Forsake PP de Eddie Colla. Edición limitada impresa en papel de bellas artes de 290 g/m². Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de imprenta PP 2020. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 16 x 20,5 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Análisis de "Forsake" de Eddie Colla «Forsake» es una impactante prueba de imprenta (PP) de archivo de Eddie Colla, figura destacada del arte pop, urbano y del grafiti. Creada en 2020, esta pieza forma parte de una edición limitada; cada ejemplar está firmado y marcado por Colla para garantizar su autenticidad y exclusividad. La obra está impresa en papel Fine Art de 290 g/m², una elección que asegura la durabilidad y la alta calidad de la impresión, un factor crucial para coleccionistas y aficionados al arte pop urbano. Con unas dimensiones de 40,6 x 52 cm (16 x 20,5 pulgadas), la impresión tiene un tamaño considerable que permite apreciar los intrincados detalles y los profundos mensajes. La convergencia del arte callejero y las bellas artes de Eddie Colla Eddie Colla es reconocido por fusionar la energía cruda y expresiva del arte urbano con las técnicas refinadas de las bellas artes. «Forsake» es una prueba fehaciente de su habilidad para transitar entre estos dos mundos, creando obras accesibles y a la vez profundamente reflexivas. El pigmento de archivo de la impresión garantiza la preservación de las ricas texturas y los matices, capturando la naturaleza efímera del arte urbano en una forma que puede apreciarse con el paso del tiempo. La imagen de una figura enmascarada en «Forsake» alude a la experiencia global contemporánea, resonando con temas de identidad, resistencia y la condición humana. Simbolismo y narrativa en la obra de Colla En esta obra, la mirada del sujeto es directa e inquebrantable, un poderoso punto focal entre tinta difuminada y formas abstractas. La máscara, símbolo ahora indisolublemente ligado a la era de la pandemia de COVID-19, conlleva implicaciones de silencio, anonimato y la lucha por comunicarse en un mundo donde gran parte de nuestra expresión permanece oculta. La elección del texto por parte de Colla —«Tras olvidarte, ahora te llamarán con sus artimañas»— introduce una narrativa de redescubrimiento y la naturaleza cíclica de la memoria y la atención social. El enfoque de técnica mixta empleado por Colla, que combina fotografía con elementos gráficos, es un sello distintivo de su estilo. Este método permite una superposición de significados, al igual que las capas de carteles y grafitis se acumulan en las paredes de la ciudad, cada una contando una historia diferente. «Forsake» invita al espectador a desentrañar estas capas y explorar la profundidad de la narrativa de Colla. Esta profundidad distingue la obra de Eddie Colla, imbuyéndola de un sentido de urgencia y relevancia, que es el poder del arte pop urbano. El mensaje y el medio de la obra reflejan el compromiso de Colla con el arte pop urbano como comentario social. Al integrar las formas artísticas efímeras de las calles en la permanencia de las impresiones artísticas, Colla tiende un puente entre el arte culto y el arte público. Su obra nos recuerda que los mensajes transmitidos a través del arte urbano tienen cabida en el discurso cultural actual, y merecen ser preservados y reflexionados. «Forsake» es una pieza cautivadora dentro de la obra de Eddie Colla, que encapsula su visión del arte pop urbano y el grafiti como una forma de impacto visual y un medio de comunicación y conexión. Es un ejemplo vibrante de cómo el arte urbano puede elevarse a una plataforma donde puede ser abordado a un nivel que trasciende los límites de las formas artísticas tradicionales. A través de obras como «Forsake», Eddie Colla continúa desafiando percepciones, provocando diálogo y fomentando una comprensión más profunda de nuestras experiencias colectivas.

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Marilyn Monroe - Bogart & Becall Edición Limitada Pintura al Óleo HPM Intervenida a Mano sobre Lienzo por Steve Kaufman SAK Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Lienzo sin bastidor, la imagen está en perfectas condiciones. Rara fotografía de Marilyn Monroe con la estrella de cine retro Humphrey Bogart y la actriz Lauren Bacall .

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Marilyn Monroe - Joe DiMaggio Edición Limitada Impresión Serigráfica HPM sobre Lienzo con Pintura al Óleo y Detalles Pintados a Mano por Steve Kaufman SAK Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. 1996. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 16x16. Lienzo sin bastidor, la imagen está en perfecto estado. Edición limitada de Marilyn Monroe con el jugador de béisbol Joe DiMaggio.

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Sueño de oveja eléctrica AP Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo sobre papel de prensado en caliente del artista Scott Listfield. Prueba de artista AP 2021. Firmada. Tamaño 16x16. Edición de 28 ejemplares. Impresa en papel de archivo de alta calidad, prensada en caliente. Firmada y numerada.

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Serigrafía Peace Gold de Cleon Peterson sobre papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² con bordes irregulares. Edición limitada de obra de arte pop callejero. 2023 Edición limitada firmada y numerada de 75 ejemplares. Tamaño de la obra: 16x19. Serigrafía de una calavera y su sonrisa. El ámbito del arte contemporáneo ha presenciado una evocadora fusión de formas artísticas tradicionales con influencias del arte urbano y callejero, dando como resultado obras maestras que conectan profundamente con el público moderno. Entre los notables exponentes de esta amalgama se encuentra Cleon Peterson, cuyas obras se distinguen a menudo por sus temas oscuros, su estética provocadora y su imaginería impactante. «Peace Gold», una serigrafía, da fe del dominio técnico de Peterson y de su habilidad para fusionar matices del arte pop con elementos emblemáticos del arte callejero. Esta magnífica pieza ha sido meticulosamente elaborada sobre papel Coventry Rag Fine Art Paper de 290 g/m² con bordes irregulares, un material reconocido por su calidad superior y la sutileza que aporta a las obras de arte. No sorprende que Peterson eligiera este medio, ya que acentúa los intrincados detalles, aportando profundidad y dinamismo a la obra. Limitada a tan solo 75 ejemplares, cada serigrafía está firmada y numerada, lo que indica su exclusividad y el toque personal del artista. Con unas dimensiones de 16x19 pulgadas, la obra de arte exhibe principalmente una calavera y su evocadora sonrisa, un motivo recurrente en el arte urbano que representa diversos temas, desde la rebeldía y la impermanencia hasta la crítica social. Estas obras de edición limitada no solo enriquecen la colección del artista, sino que también constituyen un emblema de la historia del arte pop y urbano moderno. A medida que las influencias urbanas continúan permeando las galerías y espacios de arte tradicionales, piezas como «Peace Gold» de Cleon Peterson reafirman la poderosa narrativa que el arte urbano y el pop aportan al discurso artístico global.

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Serigrafía Peace Bone de Cleon Peterson sobre papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² con bordes irregulares. Edición limitada de obra de arte pop callejero. 2023 Edición limitada firmada y numerada de 75 ejemplares. Tamaño de la obra: 16x19. Serigrafía de una calavera y su sonrisa. El ámbito del arte contemporáneo ha presenciado una evocadora fusión de formas artísticas tradicionales con influencias del arte urbano y callejero, dando como resultado obras maestras que conectan profundamente con el público moderno. Entre los notables exponentes de esta amalgama se encuentra Cleon Peterson, cuyas obras se distinguen a menudo por sus temas oscuros, su estética provocadora y su imaginería impactante. «Peace Bone», una serigrafía, da fe del dominio técnico de Peterson y de su habilidad para fusionar matices del arte pop con elementos emblemáticos del arte callejero. Esta magnífica pieza ha sido meticulosamente elaborada sobre papel Coventry Rag Fine Art Paper de 290 g/m² con bordes irregulares, un material reconocido por su calidad superior y la sutileza que aporta a las obras de arte. No sorprende que Peterson eligiera este medio, ya que acentúa los intrincados detalles, aportando profundidad y dinamismo a la obra. Limitada a tan solo 75 ejemplares, cada serigrafía está firmada y numerada, lo que indica su exclusividad y el toque personal del artista. Con unas dimensiones de 16x19 pulgadas, la obra de arte exhibe principalmente una calavera y su evocadora sonrisa, un motivo recurrente en el arte urbano que representa diversos temas, desde la rebeldía y la impermanencia hasta la crítica social. Estas obras de edición limitada no solo enriquecen la colección del artista, sino que también constituyen un emblema de la historia del arte pop y urbano moderno. A medida que las influencias urbanas continúan permeando las galerías y espacios de arte tradicionales, piezas como «Peace Gold» de Cleon Peterson reafirman la poderosa narrativa que el arte urbano y el pop aportan al discurso artístico global.

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Desde el altar PP: Prueba de impresión de archivo de Nosego. Edición limitada impresa en papel Museum Fine Art de 310 g/m². Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de imprenta PP 2020. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 16x20. Impresión artística con pigmentos de archivo. Explorando 'From The Altar PP' de Nosego «From The Altar PP» emerge como una obra profunda dentro del léxico moderno del arte pop, el arte urbano y el grafiti, concebida por la mente creativa de Nosego. Esta edición de Prueba de Impresor (PP), parte de una serie limitada firmada y marcada por el artista en 2020, exhibe la relación simbiótica entre el arte visual contemporáneo y las técnicas de impresión que dan vida a estas imágenes. Impresa en papel de bellas artes de 310 g/m² de calidad museo, esta impresión artística de 16x20 pulgadas con pigmentos de archivo constituye un testimonio de la perdurabilidad de la imaginería del arte pop y su evolución hacia los movimientos del arte urbano y el grafiti. La obra de Nosego, aclamado artista pop, es reconocida por su vibrante y ecléctica fusión de formas abstractas y elementos naturalistas. «From The Altar PP» no es la excepción, ya que presenta un paisaje de otro mundo que cautiva al espectador con su rica y onírica cualidad. Con su intrincada superposición de colores y texturas, esta obra de arte habla el lenguaje visual del arte pop callejero, donde lo ordinario se reinventa en lo extraordinario. La narrativa visual de No Sego en el arte pop La singularidad de Nosego en el arte pop se manifiesta en su fusión de lo fantástico y lo realista. «From The Altar PP» es una narrativa visual que invita al espectador a adentrarse en un hábitat surrealista donde la naturaleza salvaje se encuentra con un aura de misterio. Destaca la habilidad del artista para integrar una amplia gama de motivos en un todo coherente que resuena con la vibrante fuerza propia del arte pop urbano y el grafiti. La obra no rehúye la complejidad; al contrario, la abraza, creando una escena a la vez familiar y extraña. La presencia de una criatura majestuosa en un ecosistema vibrante bajo la luz de la luna es un sello distintivo de la visión de Nosego, que encapsula temas de naturaleza, cosmos y espiritualidad. Refleja el profundo interés del artista en la intersección entre nuestra realidad tangible y los reinos ilimitados de la imaginación. La importancia de las pruebas de imprenta en el arte La noción de Pruebas de Imprenta, como "From The Altar PP", tiene una importancia particular en el mundo del arte. Tradicionalmente, las Pruebas de Imprenta se consideran una estrecha colaboración entre el artista y el impresor, y sirven como testimonio del meticuloso proceso de perfeccionamiento que precede a la edición final. A menudo incluyen marcas o anotaciones únicas del artista, lo que las convierte en piezas muy codiciadas por los coleccionistas debido a su rareza y a la visión íntima que ofrecen del proceso creativo. La decisión de Nosego de lanzar "From The Altar PP" como una Prueba de Imprenta de edición limitada subraya la exclusividad y el toque personal de esta obra. La designación PP indica que esta impresión fue una de las primeras en salir de la imprenta, inspeccionada y aprobada por el artista en cuanto a color, detalle y calidad general antes de que se produjera la tirada completa. Es una práctica profundamente arraigada en el proceso tradicional de grabado, pero que, al aplicarse al medio moderno del arte pop, fusiona técnicas históricas con la estética contemporánea. 'Desde el altar PP' en el contexto del arte moderno En el contexto del arte moderno, «From The Altar PP» de Nosego es una notable encarnación del espíritu innovador del género. La obra se sitúa en la encrucijada entre el avance tecnológico en la reproducción artística y el anhelo atemporal de capturar la esencia de la experiencia humana a través de medios visuales. Para aficionados y coleccionistas, esta obra no es solo una adquisición, sino una experiencia inmersiva que ofrece una ventana a la creatividad sin límites que define el arte pop urbano y el grafiti. La contribución de Nosego con esta obra es un faro que refleja el potencial del arte pop para reinventar y reimaginar continuamente el mundo que nos rodea. Como obra de arte moderno, «From The Altar PP» porta la antorcha de la exploración artística, iluminando el camino para que los futuros artistas fusionen el arte tradicional con las posibilidades innovadoras del presente.

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Espiral psicodélica - 01 Original pintada a mano con múltiples técnicas de pintura en aerosol, tinta y técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar por Tavar Zawacki (Arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. La serie Psicodélica se creó en conjunto con mi reciente exposición individual, Remix. Todas las obras de la serie se diseñaron con énfasis en un marcado contraste visual. Es similar al arte óptico (Op-art), que produce un efecto alucinante. Altera la percepción como si se estuviera bajo los efectos de drogas psicodélicas. Algunos de los diseños psicodélicos que realicé se exhibieron en Remix, y otros los creé específicamente para esta serie. Este diseño en particular, «Sunset Strip», lo desarrollé con mayor complejidad para mi exposición individual Remix. La exposición Remix consistía en intercambiar y combinar diferentes patrones de corte del mismo diseño, en distintos colores, para lograr la pieza final. La serie Psicodélica logra un efecto similar, pero con un estilo más básico: se bloquean los colores y se deja que el espacio negativo se revele.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Flores en un jarrón de cristal. Impresión de archivo de Adam Lister. Edición limitada en papel mate de bellas artes prensado en caliente de 300 g/m². Arte moderno de artista callejero pop graffiti. 2023 Impresión firmada y numerada. Edición limitada de 50 ejemplares. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Flores vintage en un jarrón con estilo glitch. Flores en un jarrón de cristal: Una obra de arte moderna que fusiona el grafiti pop con la estética vintage «Flores en un jarrón de cristal», de Adam Lister, presenta una interpretación novedosa de un tema clásico a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. Esta edición limitada de 2023, de 40,6 x 50,8 cm, forma parte de una tirada exclusiva de tan solo 50 ejemplares firmados y numerados. La obra está impresa en papel mate de bellas artes de 300 g/m² prensado en caliente, con pigmentos de archivo para garantizar la durabilidad y la profundidad del color. La pieza de Lister destaca por su distintivo estilo glitch, que deconstruye y reconfigura la tradicional naturaleza muerta floral en una composición pixelada contemporánea. Técnica y textura en la impresión de archivo de Lister La técnica de Adam Lister en «Flores en un jarrón de cristal» fusiona la precisión del arte digital con las cualidades táctiles de la impresión tradicional. El uso de pigmentos de archivo sobre papel de bellas artes dota a la obra de una riqueza y durabilidad propias de las obras clásicas, mientras que el estilo glitch le infunde un aire de modernidad e innovación. Este método refleja una tendencia más amplia dentro del arte pop urbano y el grafiti, donde los artistas aprovechan las nuevas tecnologías para reinterpretar y redefinir temas familiares. Relevancia cultural del estilo glitch en el arte pop El estilo glitch, como se aprecia en la obra de Lister, refleja el impacto de la era digital en el arte contemporáneo. Esta técnica visual, que simula el efecto de los errores digitales, conecta con la familiaridad del espectador con la tecnología y sus fallos. Al aplicar este estilo a un tema vintage, Lister establece un vínculo entre el pasado y el presente, creando un diálogo entre la historia del arte y la estética digital actual dentro del movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Coleccionabilidad y arte de edición limitada La exclusividad de una edición limitada como "Flores en un jarrón de cristal" aumenta su atractivo entre los coleccionistas de arte urbano pop y grafiti. La tirada limitada, junto con la firma y numeración del artista, crea una sensación de urgencia y valor, garantizando que cada pieza forma parte de una oferta reducida y selecta. Los coleccionistas no solo adquieren una obra de arte única, sino también un fragmento del proceso creativo del artista en un momento específico. La influencia de Adam Lister en el arte moderno La influencia de Adam Lister en el arte moderno, especialmente en los géneros del grafiti pop y el arte urbano, es significativa. Su enfoque de deconstrucción de motivos clásicos y su reinterpretación en un contexto digital desafía las percepciones sobre lo que constituye el arte. «Flores en un jarrón de cristal» es un testimonio del espíritu innovador de Lister y su capacidad para comunicar ideas complejas a través de medios visualmente atractivos. Su obra invita al público a reconsiderar sus ideas preconcebidas tanto del mundo digital como de la belleza atemporal del mundo natural. El legado de "Flores en un jarrón de cristal" en el arte pop callejero El legado de «Flores en un jarrón de cristal» en el mundo del arte urbano pop y el grafiti reside en su capacidad para conectar diversas disciplinas artísticas. Al incorporar elementos del arte urbano a un tema tan clásico como un arreglo floral, Lister amplía el debate sobre el alcance del arte urbano. Su impresión de archivo no solo representa flores, sino que simboliza la naturaleza evolutiva del arte, que abraza el cambio y la tecnología sin dejar de honrar el pasado.

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«Soñando contigo», impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo AP sobre papel de prensado en caliente del artista Chris Austin. Prueba de artista AP 2021. Firmada. Tamaño 16x16. Edición de 10. Impresa en papel de archivo de alta calidad, prensada en caliente. Firmada y numerada.

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Serigrafía Marilyn Pure Joy Oxblood de 3 colores, realizada por Pure Evil. Impresa a mano sobre papel Somerset Fine Art Paper de 300 g/m² con bordes irregulares. Edición limitada. Edición limitada firmada y numerada de 2025 (TBD). Tamaño de la obra: 16x20. Serigrafía de la actriz de Hollywood, Marilyn Monroe, estilizada en tonos aguamarina, rosa y burdeos. Marilyn Pure Joy Oxblood de Pure Evil en Arte Pop Callejero y Arte de Grafiti Marilyn Pure Joy Oxblood es una audaz serigrafía de edición limitada de 2025, obra de Charles Uzzell-Edwards, reconocido en el arte contemporáneo como Pure Evil. Impresa a tres colores y realizada a mano sobre papel Somerset de 300 g/m² con bordes irregulares, esta obra mide 40,6 x 50,8 cm y forma parte de la serie de retratos del artista, que rinde homenaje a iconos históricos a través de una mirada subversiva y moderna. Marilyn Monroe, sin duda uno de los rostros más reconocibles de la cultura pop, se representa aquí en un rosa burdeos y blanco de alto contraste, con reflejos gélidos y el característico motivo de lágrima de Pure Evil que se difumina en un marcado contraste visual. La paleta de colores empleada transforma a Monroe, de reliquia nostálgica a impactante sujeto de introspección, revelando la coexistencia de la fama y la fragilidad. Recontextualizando iconos en la tradición del arte pop callejero La obra se nutre del lenguaje del arte pop tradicional y de los mensajes cifrados del arte urbano, combinando la estética de la alta costura con una crítica mordaz. Pure Evil utiliza la serigrafía con el mismo espíritu que Andy Warhol, pero se adentra en un terreno emocional más oscuro al introducir la lágrima negra, un motivo que ha explorado a lo largo de su trayectoria. La lágrima no es solo un recurso estilístico, sino también una herramienta narrativa que sugiere un duelo por la inocencia perdida o una crítica a cómo la fama consume la individualidad. Al situar a Monroe en un tono rojo oscuro intenso, la impresión enfatiza el dramatismo, la sensualidad y la intensidad emocional, añadiendo una nueva profundidad a una figura a menudo idealizada y banalizada por la cultura comercial. El papel del color y la técnica de impresión en el impacto emocional La paleta color burdeos juega un papel fundamental en la forma en que esta versión de la serie Pure Joy comunica urgencia y tristeza. Se aparta de las cálidas paletas hollywoodenses tradicionales que suelen usarse para representar a Monroe. El rojo intenso sugiere pasión, obsesión e incluso violencia en su trasfondo. Sobre fondos blancos nítidos y detalles sombreados, la silueta de Monroe se vuelve aún más inquietante. La serigrafía, con sus bordes definidos y capas limpias, refuerza la dualidad entre el control estético y el caos emocional. El borde irregular del papel Somerset añade una cualidad táctil y física que da solidez a la obra, conectando su presencia digna de galería con sus raíces en las prácticas urbanas basadas en el estarcido. El comentario del mal puro a través del retrato de celebridades La reinterpretación de Marilyn Monroe por Pure Evil es más que una simple remezcla de la cultura pop. Es una sutil crítica a cómo la belleza, la iconografía y la explotación emocional se presentan en los medios de comunicación. La imagen de Monroe, antes enmarcada en un glamour delicado, ahora emerge de esta obra con una compleja tensión entre seducción y trauma. El tono rojo oscuro da voz a su vulnerabilidad humana sin restarle poder simbólico. Charles Uzzell-Edwards, conocido como Pure Evil, ha desarrollado un estilo propio que fusiona la gestualidad del grafiti con la precisión de la serigrafía. Con la edición Marilyn Pure Joy Oxblood, contribuye a un debate más amplio dentro del arte pop urbano y el grafiti, que invita a los espectadores a reconsiderar lo que se esconde tras la imagen de la celebridad y a asumir sus consecuencias.

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Prueba de impresión PP de Wavelengths Sunrise HPM con detalles a mano Serigrafía de Erik Otto. Impresión serigráfica manual a 4 colores sobre papel Coventry Rag Fine Art de 335 g/m² con bordes irregulares. Edición limitada. Arte pop callejero y grafiti. Prueba de impresión PP Printers 2019. Firmada y marcada. Impresión PP HPM con detalles pintados a mano. Edición limitada. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. "Amanecer en las ondas" de Erik Otto: Una armoniosa fusión de disciplinas artísticas «Amanecer entre ondas» de Erik Otto es un ejemplo impactante de la convergencia del arte urbano pop, el grafiti y una delicada sensibilidad artística. Lanzada como prueba de imprenta (PP) en 2019, esta serigrafía intervenida a mano forma parte de una serie de edición limitada que captura la esencia de las diversas expresiones del arte contemporáneo. La impresión, realizada a mano, emplea un proceso de serigrafía a cuatro colores sobre papel Coventry Rag de 335 g/m² con textura irregular. La obra mide 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas), una dimensión que permite que los intrincados patrones y los vibrantes colores resalten, invitando al espectador a un diálogo visual. Esta impresión PP HPM (Múltiple Pintada a Mano) es un testimonio de la maestría y la atención al detalle de Otto. Cada impresión de la serie está firmada y marcada por el artista, lo que indica su condición de obra única dentro de la edición. El retoque a mano significa que, si bien las láminas forman parte de una serie, cada pieza contiene pinceladas individuales del artista, lo que añade una capa de exclusividad y un toque personal que los coleccionistas y entusiastas valoran enormemente. Integrando técnicas de bellas artes con la estética del arte callejero La estampa «Amanecer en las Ondas» ilustra la habilidad de Otto para fusionar la precisión de la impresión artística con la espontaneidad y audacia características del arte pop urbano y el grafiti. Los bordes irregulares del papel Coventry Rag contribuyen a la cualidad táctil de la estampa, dotándola de una sensación orgánica que contrasta con el meticuloso proceso de serigrafía. La elección del papel es crucial, ya que el Coventry Rag es conocido por su durabilidad y textura lujosa, lo que lo convierte en un excelente soporte para la serigrafía. La elección de Otto de un proceso de serigrafía a cuatro colores permite la superposición de colores, creando una profundidad y complejidad que imita el dinamismo de un amanecer. El proceso también hace un guiño a los orígenes del arte pop y su adopción de técnicas de producción en masa, pero los retoques manuales de Otto garantizan que cada estampa siga siendo una pieza de arte única. El resultado es un equilibrio armonioso entre uniformidad e individualidad, producción en masa y creación artesanal. El lenguaje visual de "Amanecer de longitudes de onda" en el mundo del arte «Amanecer en las Ondas» se expresa visualmente a través del movimiento y el ritmo mediante sus patrones y ondas concéntricas, un motivo que resuena con la fluidez y la naturaleza cambiante del arte urbano. El título mismo de la obra sugiere un fenómeno natural constante y variable a la vez, al igual que la escena del arte urbano, que evoluciona y se adapta continuamente al espíritu cultural de la época. La impresión de Otto captura esta esencia, invitando a la contemplación de los patrones cíclicos en la naturaleza, el arte y la vida urbana. En resumen, «Amanecer en las Ondas» de Erik Otto se erige como una pieza cautivadora dentro del arte urbano pop y el grafiti. Como impresión PP HPM de edición limitada, tiende un puente entre la inmediatez del arte urbano y la sofisticación calculada de la impresión artística. La obra de Otto refleja el estado actual del arte urbano pop, donde se redefinen los límites tradicionales y emergen nuevas formas de expresión artística. Su contribución al mundo del arte con «Amanecer en las Ondas» es un testimonio vibrante del potencial del arte moderno para innovar e inspirar en diversas plataformas y para distintos públicos.

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Serigrafía Marilyn Pure Joy Aqua de 3 colores, realizada a mano por Pure Evil sobre papel Somerset Fine Art Paper de 300 g/m² con bordes irregulares. Edición limitada. Edición limitada firmada y numerada de 2025 (TBD). Tamaño de la obra: 16x20. Serigrafía de la actriz de Hollywood, Marilyn Monroe, estilizada en azul aguamarina. Marilyn Pure Joy Aqua de Pure Evil como arte pop callejero y grafiti Marilyn Pure Joy Aqua es una serigrafía de edición limitada de 2025 creada por Pure Evil, artista británico de arte urbano pop y grafiti, cuyo nombre real es Charles Uzzell-Edwards. Esta obra, realizada en una vibrante paleta de azul aguamarina mediante tres capas de serigrafía y aplicada a mano sobre papel Somerset de 300 g/m² con bordes irregulares, mide 40,6 x 50,8 cm y forma parte de una serie dedicada a la icónica actriz de Hollywood Marilyn Monroe. El audaz uso del color plano, el alto contraste y el característico motivo de la lágrima de Pure Evil reflejan una deliberada síntesis de la iconografía de la celebridad con temas de pérdida y carga emocional. La lágrima, gruesa y negra, cae de uno de los ojos de Monroe y gotea hacia abajo, dividiendo el glamuroso retrato. Este motivo, presente en gran parte de la serie de retratos del artista, juega un papel crucial en la transformación de imágenes populares en un comentario cargado de emoción. La importancia cultural de Marilyn Monroe reimaginada Esta obra presenta a Marilyn Monroe no como una figura estática de la belleza de los años cincuenta, sino como un símbolo cultural perpetuamente relevante. En la reinterpretación de Pure Evil, Monroe se convierte en un vehículo para reflexionar sobre los efectos aislantes y a menudo devastadores de la fama. Su imagen, una de las más reconocibles de la historia moderna, se despoja de su pulido cinematográfico y se reinterpreta dentro de una estética influenciada por el grafiti. El uso del azul aguamarina suaviza el retrato, pero a la vez crea una inquietante vitalidad. La imagen ya no pertenece únicamente al Hollywood nostálgico; ahora habita el paisaje visual del arte de protesta, los carteles y las paredes de galerías arraigadas en la cultura callejera contemporánea. Esta transformación es fundamental para comprender cómo el legado de Monroe sigue siendo moldeado por las nuevas generaciones de artistas visuales. La mecánica de la estética del pop callejero El arte pop callejero y el grafiti se nutren de la reinterpretación de la iconografía pública. Mediante el uso de técnicas de serigrafía tradicionalmente asociadas a las bellas artes, pero manteniendo un lenguaje visual arraigado en la subversión urbana, Pure Evil difumina los límites entre el simbolismo comercial y la expresión cruda. La elección del papel Somerset, conocido por su calidad de archivo superior, refleja el doble compromiso del artista con los coleccionistas de arte y el sentimiento antisistema. Los campos planos de azul aguamarina aportan una sensación de uniformidad, pero la técnica artesanal garantiza que cada impresión posea cualidades únicas. Esta intersección entre proceso y mensaje permite al espectador conectar con la imagen familiar de Monroe de una manera más profunda y personal. El lenguaje emocional del mal puro a través del color y la forma En Marilyn Pure Joy Aqua, la emoción se transmite mediante el contraste y la sustracción. La sencillez de la paleta cromática —un fondo azul y blanco austero, con sombras articuladas en negros intensos— centra la atención en la carga emocional de la obra. La lágrima que cae del ojo de Monroe no actúa como un mero adorno, sino como un elemento central de la narrativa. Sugiere una tristeza no resuelta, la explotación de la belleza y la difusa línea entre la admiración y la cosificación. A través de esta serigrafía, Pure Evil utiliza el rostro de Monroe como icono y lienzo, logrando una obra a la vez reflexiva y provocativa. La pieza se erige como testimonio del diálogo constante entre la cultura pop y la expresión urbana, y de cómo las técnicas derivadas del grafiti pueden transformar incluso los temas más familiares en poderosos vehículos de introspección.

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Retrato de Marilyn Monroe Edición Limitada Pintura al Óleo HPM Intervenida a Mano Impresión Serigráfica sobre Lienzo por Steve Kaufman SAK Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Lienzo sin bastidor, la imagen está en perfectas condiciones. Rara versión de Marilyn con cabello rubio.

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War Child, serigrafía de edición limitada de 5 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Hijack, artista de arte callejero raro y famoso del arte pop. Edición firmada de 2022 de 75 ejemplares. Impresión de 16x16 de la protesta contra la guerra de Ucrania. "Cuando los adultos hacen la guerra, los niños sufren". War Child de Hijack: Una poderosa declaración en el arte pop callejero y el grafiti La serigrafía «War Child» de Hijack es una impactante obra de arte urbano pop y grafiti, que utiliza una técnica manual de cinco colores para crear una imagen audaz y cargada de emoción. Lanzada en 2022, esta edición limitada y firmada de 75 ejemplares captura el devastador impacto de la guerra a través de la mirada de la inocencia. Con unas dimensiones de 40,6 x 40,6 cm, esta lámina artística constituye una protesta directa contra la guerra en Ucrania, visibilizando el sufrimiento que padecen los niños en las zonas de conflicto. Simbolismo y mensaje tras War Child La obra de Hijack se caracteriza por su capacidad para comunicar fuertes mensajes sociales y políticos, a menudo mediante imágenes con esténcil que recuerdan a los primeros movimientos de grafiti. En «Niña de la Guerra», una niña pequeña se encuentra frente a una pared acribillada a balazos, dibujando un símbolo de la paz con lo que parecen ser los agujeros de los disparos. El fondo amarillo brillante contrasta con la oscuridad de las imágenes, creando una escena visualmente impactante y conmovedora. La niña abraza un osito de peluche, símbolo universal de la infancia, que enfatiza la inocencia y la vulnerabilidad en medio de la destrucción. Esta obra refleja una realidad fundamental de la guerra: los más jóvenes e inocentes son quienes más sufren. La imagen es una llamada a la concienciación, que invita a reflexionar sobre el costo humano de los conflictos armados. Habla de la resiliencia infantil, mostrando que incluso ante la violencia, los niños se aferran a símbolos de esperanza y paz. La influencia del secuestro en el arte pop callejero y el grafiti Hijack se ha consolidado como una figura destacada en el mundo del arte urbano pop y el grafiti, empleando una combinación de esténcil, técnicas mixtas y serigrafía tradicional. Sus obras suelen inspirarse en el arte callejero activista, el grafiti satírico y la crítica social urbana, lo que las convierte en piezas provocadoras y visualmente impactantes. War Child sigue la estela de artistas que han utilizado el arte público como medio de protesta social, visibilizando problemáticas a menudo ignoradas o subrepresentadas en el discurso dominante. El estilo visual de Hijack recuerda al arte callejero político basado en esténcil, frecuentemente vinculado a movimientos de protesta y mensajes antibélicos. Su capacidad para plasmar conflictos globales en obras de arte urbano de gran carga emocional le ha valido el reconocimiento como una voz contemporánea del arte urbano pop activista. El papel de los niños de la guerra en el arte de protesta moderno War Child se inscribe dentro de la tradición del arte pop urbano y el grafiti, que desafía la autoridad, denuncia la injusticia y reflexiona sobre problemáticas contemporáneas. La guerra de Ucrania ha generado una respuesta global por parte de artistas, muchos de los cuales han utilizado sus plataformas para denunciar la violencia y las crisis humanitarias. Mediante la creación de ediciones limitadas como War Child, Hijack garantiza que el mensaje llegue a coleccionistas, activistas y amantes del arte que comparten la pasión por el arte urbano con conciencia social. Esta obra es más que una simple impresión: es una declaración, una protesta y un llamado a la acción. A través del lenguaje visual del arte pop urbano y el grafiti, Hijack transforma los muros en megáfonos, amplificando voces que de otro modo quedarían silenciadas. War Child es un testimonio del poder del arte para desafiar, provocar e inspirar el cambio, convirtiéndose en una pieza fundamental de la narrativa en constante evolución del arte como activismo.

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Funny Farm PP Printers Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 310gsm Fine Art Paper by Artist Above- Tavar Zawacki, Street Pop Art Graffiti Legend. Prueba de impresión PP 2016 Firmada y marcada Edición limitada PP Impresión de pigmento de archivo en papel de bellas artes de 310 g/m² Tamaño de la obra: 16 x 16 pulgadas Lanzamiento: 23 de enero de 2016. «Pinté esta flecha con rodillos, pintura de látex y aerosol sobre un viejo granero. El granero medía 9 metros de ancho por 9 metros de alto en la parte más alta. La obra de Funny Farm surgió gracias a mi amigo Denial, quien me invitó a participar en el proyecto Free 4 All Walls en Canadá el mes pasado. Denial me había conseguido un granero enorme para pintar para el proyecto. Esta fue la flecha más grande que he pintado y el café que más tomé en cuatro días. ¡El café de Tim Hortons debería ser ilegal!» - Arriba La flecha visionaria de Tavar Zawacki - ARRIBA: Edición de prueba de imprenta de 'Funny Farm' Tavar Zawacki, aclamado como una leyenda del arte pop urbano y el grafiti, sigue cautivando al mundo del arte con su impresión artística de pigmento de archivo "Funny Farm" (prueba de imprenta). Lanzada el 23 de enero de 2016, esta obra de edición limitada, firmada y marcada como prueba de imprenta, manifiesta la identidad artística de Zawacki, fusionando su destreza en el arte urbano con la sensibilidad de las bellas artes. Impresa en papel artístico de 310 g/m², cada pieza de 40,6 x 40,6 cm (16 x 16 pulgadas) de la edición representa un momento de evolución en la carrera de ABOVE, donde el artista trasciende el contexto urbano y se adentra en paisajes rurales, expandiendo los límites del arte urbano. La obra "Funny Farm" se originó como un mural colosal pintado en un granero, testimonio de la disposición de Zawacki a desafiar sus fronteras creativas. Con unas dimensiones de 9,1 x 9,1 metros (30 x 30 pies), esta fue la flecha más enorme que jamás pintó, una forma sinónimo de su nombre artístico. El proceso empleó rodillos, pintura de látex y pintura en aerosol, lo que demuestra la habilidad de ABOVE para adaptarse a diversos medios y escalas. La obra surgió de su colaboración con el proyecto Free 4 All Walls en Canadá, una iniciativa que anima a los artistas a crear obras de arte públicas que dinamicen y transformen los espacios comunitarios. Creación de 'Funny Farm': Técnica y narrativa La creación de «Funny Farm» fue una demostración de la habilidad artística de ABOVE y una historia de camaradería y resistencia. Impulsado por grandes cantidades de café de Tim Hortons, que Zawacki sugiere con humor que debería ser ilegal por su poder adictivo, el artista se embarcó en una maratón de pintura de cuatro días. Este detalle añade una capa de narrativa personal a la obra, permitiendo al público vislumbrar la fortaleza física y mental necesaria para producir una obra de arte urbano tan monumental. La edición de Prueba de Imprenta de «Funny Farm» ocupa un lugar especial en el mundo del arte coleccionable. Estas pruebas, generalmente reservadas para el artista y el impresor, indican la calidad de la obra y sirven como referencia para toda la tirada. La decisión de Zawacki de lanzar una edición PP subraya su respeto por el arte del grabado y su deseo de compartir una parte de este importante proyecto con un público más amplio. La marca PP simboliza rareza y prestigio, elevando el estatus de la obra entre coleccionistas y aficionados al arte urbano. 'Funny Farm': Abrazando la diversidad artística y el diálogo cultural La edición de prueba de imprenta de «Funny Farm» es emblemática del enfoque de ABOVE hacia el arte pop urbano, caracterizado por imágenes impactantes, experiencias inmersivas y un diálogo entre el artista y su entorno. Esta impresión representa un diálogo cultural donde un granero rural se convierte en lienzo para el arte urbano, uniendo mundos dispares a través del lenguaje universal del arte. Refleja la versatilidad de la leyenda del grafiti y su compromiso con la exploración de cómo el arte urbano puede existir y prosperar más allá del entorno urbano. La importancia cultural de «Funny Farm» reside en su capacidad de trascender la inmediatez de los escenarios tradicionales del arte urbano. Al transformar una estructura rural en un lienzo vibrante, ABOVE amplía el alcance del arte urbano, invitando a un nuevo público a participar en el movimiento. Esta edición limitada captura la esencia de este extenso mural, permitiéndole resonar dentro del arte pop y la cultura urbana, asegurando así la perdurabilidad de su legado. En resumen, «Funny Farm» es un vibrante testimonio de la trayectoria artística de Tavar Zawacki-ABOVE, que marca un punto en el que su icónica visión se expande más allá de los paisajes urbanos, adentrándose en lo bucólico. La edición PP Printer's Proof celebra este hito, ofreciendo a los amantes del arte una muestra de la visión de ABOVE, plasmada en papel de bellas artes, e invitándolos a participar en la narrativa en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti.

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