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Serigrafía Bananappétit de Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impresa a mano sobre papel de bellas artes con bordes irregulares. Edición limitada. Edición limitada de 96 ejemplares, firmada y numerada en 2024. Tamaño de la obra: 22x22. Serigrafía de un mono con plátano inspirado en Warhol. Un guiño descarado a la cultura pop La serigrafía Bananappétit de Mr Brainwash, también conocido como Thierry Guetta, rinde un divertido homenaje a uno de los motivos más icónicos del arte pop. La obra, creada en 2024 en una edición limitada de 96 ejemplares firmados y numerados, mide 56 x 56 cm y muestra a un mono travieso sosteniendo un plátano de colores vibrantes. Esta referencia al famoso plátano de Andy Warhol sitúa la pieza firmemente dentro de la tradición de las creaciones inspiradas en el pop. A su vez, la imagen rebosa del humor característico del artista, invitando a los espectadores a conectar con la historia del arte de una manera desenfadada y poco convencional. El mono está sentado sobre una caja con eslóganes ingeniosos, lo que refuerza la idea de que toda la escena está pensada para despertar curiosidad y deleite. Quienes admiran desde hace tiempo a Mr. Brainwash reconocen su habilidad para hacer que símbolos fácilmente reconocibles parezcan frescos e inmediatos. La energía lúdica que emana de esta obra sugiere que el mono invita a los espectadores a cuestionar las ideas preconcebidas sobre el papel del arte en la cultura contemporánea. El fondo, pintado en un sutil tono azul pálido, ofrece un entorno relajante para el amarillo brillante del plátano, haciendo eco de la predilección de Warhol por los contrastes cromáticos llamativos. Esta interacción de colores hace que el plátano resalte sobre la superficie, captando la atención como un grafiti bien colocado en la pared de una ciudad bulliciosa. Influencias del arte pop callejero y del grafiti Mr Brainwash encarna una fusión de influencias pop y urbanas, y Bananappétit ejemplifica esa sinergia. El pelaje blanco y negro del mono, plasmado con un estilo que recuerda a las plantillas de pintura en aerosol, conecta la composición con la energía cruda del arte pop urbano y el grafiti. Los espectadores quizá recuerden cómo los artistas urbanos suelen reutilizar símbolos existentes, subvirtiéndolos o añadiéndoles nuevas capas de significado. Aquí, el plátano funciona tanto como recurso cómico como elemento de nostalgia cultural, reforzado por la ambientación museística que también evoca las tradiciones del arte clásico. Los letreros de colores brillantes en la caja hacen referencia a mensajes inspiradores, frecuentes en la obra de Guetta, que alude a la positividad y el empoderamiento personal. La pieza fusiona ese espíritu con el carácter rebelde del arte urbano, reflejando un mundo donde la imaginería pop clásica coexiste con el lenguaje en constante evolución de los murales y las plantillas. Esta combinación genera una vibrante declaración sobre cómo el arte puede tender puentes entre diversas corrientes, adaptando elementos icónicos para conectar mejor con el público actual. Artesanía y elementos visuales Aunque la impresión transmite espontaneidad, cada capa está ejecutada con meticulosidad. La técnica de serigrafía aporta una nitidez impactante al tema, mientras que el papel artístico de grano fino añade una sensación táctil de autenticidad. Este proceso exige precisión, ya que cada capa de tinta se alinea a la perfección, dando como resultado detalles nítidos y tonalidades intensas. La paleta equilibra los tonos primarios fuertes, ofreciendo una vitalidad que recuerda a los carteles callejeros. La mirada realista del mono capta la atención del espectador, mientras que las sombras sutiles y las líneas definidas crean profundidad en la escena. El humor visual alcanza su punto álgido en la obra de arte enmarcada de un plátano, expuesta tras el mono, haciendo referencia a cómo los objetos de la cultura pop pueden entrar en las galerías como obras de arte de gran prestigio. Un cúter rojo en el suelo alude al carácter artesanal de las iniciativas creativas, sugiriendo que la transformación artística puede ocurrir en cualquier momento. Bananappétit se convierte así en algo más que un simple homenaje: se erige como una composición de múltiples capas que recompensa la contemplación reiterada con pequeños pero impactantes detalles. Una obra maestra de colección Coleccionistas y aficionados al arte pop urbano y al grafiti se sienten atraídos por Bananappétit por su fusión de motivos icónicos, comentarios humorísticos y una técnica impecable. La decisión de limitar la edición a 96 ejemplares garantiza que cada impresión tenga un carácter exclusivo, acentuado aún más por la firma y numeración del artista. Al situar un símbolo atemporal del arte pop en una nueva narrativa, Mr Brainwash plasma la naturaleza lúdica e impredecible de la creatividad contemporánea. Quienes poseen esta obra descubren que su mensaje va más allá de lo superficial, incitando a reflexionar sobre cómo las imágenes populares pueden reinventarse para adaptarse a los cambios culturales. Bananappétit es un testimonio del poder del arte urbano, que fusiona imágenes reconocibles con giros inesperados que desafían las nociones convencionales de lo que corresponde a una galería. El resultado es una impresión vibrante que aúna pasión por la historia del arte, un toque de humor y una sensibilidad callejera en una pieza única e inolvidable.

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Lienzo sin título III. Obra original única de técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre lienzo envuelto en galería, del popular artista de graffiti callejero Crash-John Matos. 2022. Pintura original firmada en aerosol y acrílico. Tamaño: 12x12. "Lienzo sin título III" de John Matos: Una sinfonía de color y forma «Lienzo sin título III», una obra original de técnica mixta del reconocido artista de graffiti urbano Crash, cuyo nombre real es John Matos, ejemplifica su papel como figura clave en la evolución del arte pop urbano y el graffiti. Conocido por su vibrante uso de acrílico y pintura en aerosol, Crash continúa capturando la energía dinámica de la vida urbana en lienzos con bastidor. Esta pieza, terminada en 2022, es un lienzo cuadrado de 30x30 cm que vibra con la intensidad y el caos controlado que caracterizan a Crash. La maestría de Crash en el arte pop callejero y el grafiti En «Lienzo sin título III», la maestría de Crash en la manipulación de acrílicos y pintura en aerosol para crear obras texturizadas y con múltiples capas es evidente. La pieza presenta una variedad de formas geométricas y colores vibrantes que se entrelazan y superponen, generando una sensación de profundidad y movimiento. Sus características líneas audaces y ángulos agudos reflejan la influencia del arte del grafiti, a la vez que incorporan diversas formas y colores, evocando el movimiento del arte pop. Cada elemento de esta obra está cuidadosamente elaborado para mantener un equilibrio visual, haciendo eco del ritmo y la energía de la vida callejera. Una mirada más de cerca a "Lienzo sin título III" La obra «Lienzo sin título III» de Crash exhibe su talento artístico y su capacidad para comunicarse a través del lenguaje visual. Al contemplarla en su totalidad, las formas aparentemente abstractas sugieren una narrativa que queda a la interpretación del espectador. Esta cualidad enigmática es un sello distintivo del trabajo de Crash, que invita al público a adentrarse en la pintura y descubrir conexiones personales con las imágenes. El tamaño de la pieza añade una dimensión íntima, permitiendo una interacción única entre la obra y quien la observa. La influencia de la obra de Crash en el arte contemporáneo La influencia de John Matos en el mundo del arte, a través de su personaje Crash, ha sido profunda, especialmente en las escenas del arte pop urbano y el grafiti. «Lienzo sin título III» es testimonio de su perdurable relevancia e innovación como artista. Su obra ha sido fundamental para desafiar los límites y percepciones tradicionales de las bellas artes, llevando la auténtica voz de la calle al refinado ambiente de las galerías. Como original firmado, esta pieza posee un atractivo especial, ofreciendo a los coleccionistas una conexión tangible con la energía y el espíritu del arte urbano contemporáneo. En resumen, «Lienzo sin título III» de Crash representa con viveza el arte pop urbano y el grafiti. Encapsula la esencia de la trayectoria artística de Matos, mostrando su estilo distintivo que ha definido y trascendido los géneros en los que trabaja. La obra se erige como una colorida narrativa de la vida urbana y una importante contribución al discurso del arte moderno.

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1921 50C Alabama- MS 63 | Moneda conmemorativa graduada NGC de 50 centavos, auténtica, rara y coleccionable. Este medio dólar conmemorativo de Alabama de 1921 representa una pieza significativa de la historia numismática estadounidense. Con calificación MS 63 por NGC, esta moneda exhibe la calidad y conservación esperadas de un ejemplar de calidad media de esta clásica serie conmemorativa. La emisión de Alabama, acuñada para conmemorar el centenario de la adhesión de Alabama a la Unión, presenta imágenes distintivas en el reverso y sigue siendo una codiciada pieza para las colecciones conmemorativas. Con su calificación certificada y su importancia histórica, esta pieza ofrece tanto atractivo para coleccionistas como potencial de inversión para quienes se interesan por la moneda estadounidense de principios del siglo XX.

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Compre Endless Power Petrol Palace: serigrafía de edición limitada tirada a mano en 4 colores azul sobre papel de tono crema moteado por Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Azul) 18 x 24 pulgadas Edición de 350 13 de junio de 2019 "El póster "Endless Power Petrol Palace" es tanto una celebración como una crítica de la seductora propaganda gráfica utilizada para la industria del petróleo. Diseñé esta impresión para que pareciera un anuncio antiguo que celebra la abundancia de Estados Unidos y el brillante futuro del Sueño Americano. Aunque el petróleo es finito, nuestra confianza en él es tan extrema que el poder ejercido por quienes controlan el petróleo es prácticamente ilimitado". -Shepard Fairey

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Proteja su parrilla. Travieso por naturaleza. Serigrafía AP de Mark Drew. Prueba de artista. Serigrafía impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. Arte pop callejero y grafiti. Prueba de artista AP 2018. Firmada y marcada como AP. Edición limitada. Tamaño de la obra: 11,73 x 16,5 pulgadas. Explorando las narrativas urbanas en la serigrafía de Mark Drew «Guard Your Grill Naughty by Nature» es una impactante serigrafía del artista Mark Drew que encapsula la energía y el espíritu de la cultura urbana. Como prueba de artista de 2018, esta serigrafía impresa a mano sobre papel de bellas artes pertenece a una edición limitada que captura la esencia de la fusión entre el arte urbano, el grafiti y la cultura pop. La obra, de 29,8 x 41,9 cm, lleva la firma del artista y las distintivas siglas AP, lo que certifica su rareza y valor dentro de la edición. Esta pieza demuestra la maestría de Drew al combinar narrativas textuales y visuales para crear una obra tan evocadora como estéticamente impactante. El título de la serigrafía, «Guard Your Grill», hace referencia a una canción del grupo de hip-hop Naughty by Nature, sugiriendo un tema de vigilancia y resiliencia. La obra de Drew suele explorar el léxico del hip-hop, trasladando su lenguaje a un formato visual que conecta con un público amplio. La combinación de estas letras con imágenes que recuerdan a los cómics clásicos indica el enfoque característico del artista hacia el arte pop callejero y el grafiti, donde tiende puentes entre generaciones y culturas para ofrecer comentarios sobre la sociedad contemporánea. El proceso artístico y el impacto cultural de Mark Drew El proceso artístico de Mark Drew implica un cuidadoso equilibrio entre técnicas artesanales y la exploración temática de la cultura urbana y pop. La serigrafía, una técnica predilecta entre los artistas urbanos y pop por su capacidad para producir líneas vibrantes y nítidas, le permite a Drew crear obras modernas y atemporales. La designación de "Guard Your Grill", prueba de artista, subraya la meticulosidad de su práctica; estas pruebas se imprimen generalmente antes que la edición principal para garantizar la calidad de la impresión y, a menudo, los propios artistas las conservan o las venden como objetos de colección. La integración de la lírica del hip-hop en su obra no solo rinde homenaje al género, sino que también funciona como medio de comentario cultural. Al seleccionar frases de la cultura hip-hop e integrarlas en motivos visuales de cómics de mediados del siglo XX, Drew fomenta un diálogo entre pasado y presente, alta y baja cultura, y lo convencional y lo marginal. Este diálogo es una característica definitoria del Street Pop Art, donde la interacción de diferentes elementos culturales puede conducir a una comprensión más profunda de los temas en cuestión. El impacto cultural de la obra de Drew es significativo. Al inmortalizar el lenguaje del hip-hop en el marco del arte visual, Drew preserva y honra la importancia cultural del género musical, a la vez que amplía el diálogo en torno a él. Sus obras, incluyendo "Guard Your Grill", funcionan como artefactos culturales que capturan el espíritu de su época y, al mismo tiempo, ofrecen una perspectiva a través de la cual las futuras generaciones pueden comprender el contexto histórico del movimiento hip-hop de los 90. Drew continúa contribuyendo al rico mosaico del arte pop urbano y el grafiti a través de su arte, asegurando su relevancia y accesibilidad para un público diverso y global.

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Cultura de las armas - Serigrafía de gran formato, edición limitada, impresa a mano a 4 colores sobre papel de algodón 100% barnizado de calidad de archivo con bordes irregulares hechos a mano por Shepard Fairey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía a cuatro colores sobre papel de algodón 100% barnizado, de calidad de archivo. 76 x 102 cm. Firmada por Shepard Fairey. Edición numerada de 100 ejemplares. Jim Marshall capturó lo que a primera vista se considera la imagen de un niño inocente jugando con una pistola de juguete en Greenwich Village, Nueva York, en 1963.

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Serigrafía a color impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista deseable Hijack. Obra de arte pop de edición limitada. Edición limitada de 35 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 30 x 22,5 pulgadas.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada BE@RBRICK rosa 400% del 28.º aniversario de A Bathing Ape - A Bathing Ape x Medicom #3 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Nuevo en caja

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Serigrafía "Renegade Jay-Z" de Mark Drew. Impresión manual sobre papel de bellas artes. Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 2025, firmada y numerada, de 200 ejemplares. Tamaño de la obra: 12x16. Serigrafía de Lucy van Pelt escuchando discos, pensando: "¿Ustedes, tontos, escuchan música o solo la ojean por encima?". Serigrafía de Jay-Z, artista renegado, por Mark Drew La serigrafía de Mark Drew de 2025, titulada «Renegade Jay-Z», fusiona la nostalgia del cómic con la lírica del hip-hop en una poderosa expresión de arte urbano pop y grafiti. Con unas dimensiones de 30,5 x 40,5 cm y realizada a mano sobre papel de bellas artes, esta edición limitada de 200 ejemplares plasma el estilo característico de Drew: yuxtaponer personajes clásicos de la tira cómica Peanuts con letras de canciones de rap de gran relevancia cultural. Esta obra hace referencia específicamente a un verso de «Renegade», canción de Jay-Z y Eminem, al insertarlo dentro de un bocadillo sobre el personaje de Lucy, de la tira cómica Peanuts de Charles Schulz. Mediante líneas audaces, composición serigrafiada y una paleta de colores selectiva, Drew transforma una forma visual familiar en un agudo comentario sobre los hábitos de escucha generacionales y la profundidad cultural. Composición y referencia cultural La obra muestra a Lucy, sentada con expresión seria frente a un tocadiscos, rodeada de portadas de discos y fundas de vinilo. Un fondo amarillo y blanco pulsa tras ella con un estilo de tira cómica distorsionada, subrayando el ritmo visual de la pieza. El texto manuscrito en negrita sobre su cabeza plantea la pregunta: «¿Escucháis música, tontos, o solo la hojeáis?». Esta frase, originalmente interpretada por Jay-Z en la canción «Renegade», funciona como crítica y reflexión sobre cómo el público consume arte. El tono del personaje contrasta con la seriedad del texto, creando una tensión entre la inocencia de Peanuts y la compleja crítica social de las letras del hip-hop. Al sustituir el diálogo original de la tira cómica por una cita de rap, Drew destaca la complejidad de la música rap como poética y provocadora, incitando a una mayor reflexión. Técnica e influencia del arte pop callejero Mark Drew, originario de Australia y residente en Tokio, es conocido internacionalmente por su obra serigráfica que fusiona iconos de la cultura pop con la historia del rap. Sus impresiones de edición limitada se realizan a mano con sumo cuidado para lograr nitidez en las líneas, superposición de tramas y contraste. La técnica de serigrafía sobre papel de bellas artes confiere a la obra una presencia táctil que la eleva por encima de la reproducción digital. Cada pieza de esta serie lleva la firma y el número de edición estampados a mano por Drew, lo que certifica su autenticidad y valor como objeto de colección. Su técnica se inspira en la tradición del grafiti de reapropiarse del espacio público y cultural, reinterpretando imágenes encontradas y aplicando superposiciones textuales para alterar su significado. Es esta síntesis de cultura pop y crítica cultural directa lo que consolida a Drew como una figura clave en el arte urbano pop y el grafiti contemporáneos. Impacto y continuación de la serie Renegade Jay-Z forma parte de una serie más amplia de Mark Drew que celebra la maestría lírica de íconos del hip-hop a través de una perspectiva visual familiar pero subversiva. Cada lanzamiento suele agotarse rápidamente gracias a la fiel base de seguidores de Drew en todo el mundo y la resonancia de su obra entre el público que aprecia tanto el lirismo del rap como la nostalgia visual clásica. Esta edición de 2025 refuerza la vigencia del ingenio verbal de Jay-Z, a la vez que rinde homenaje a un medio que históricamente se ha tachado de infantil o vulgar. Al aplicar una técnica de calidad museística a viñetas de cómics y citas de rap, Drew afirma la importancia de ambos en el discurso cultural de alto nivel, recordando a los espectadores que incluso en la estética urbana, la precisión y el significado son fundamentales.

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Compre SCULPTURELIMITED Obra de arte de escultura MEDIA de edición limitada del artista callejero ARTIST Fine Art. 2022 Escultura firmada Edición limitada de XXX Tamaño de la obra XXXX INFORMACIÓN

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¿Dónde está la calle? Impresión giclée HPM K30 intervenida a mano por OG Slick Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares. Impresión intervenida a mano. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 25 ejemplares de HPM (2025), firmada y numerada, intervenida a mano por OG Slick mediante impresión giclée y pintura en aerosol. Tamaño de la obra: 30x30 cm. Impresión giclée HPM intervenida a mano. El patrón de salpicaduras, las pinceladas y el color de la pintura varían. Cada HPM es única. Es posible que no reciba la misma que aparece en la foto; se elige al azar.

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1BN MonoPrint 1 de su clase, serigrafía original de 4 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Mr Penfold, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Obra de arte original única, firmada, 2021. Tamaño: 18,11 x 22,44 pulgadas. Actualmente, el polifacético artista, también conocido como «Mr. Penfold», reside en Bristol, donde tiene su estudio y experimenta con diversos medios. Su nombre real es Tim Gresham.

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Dibujo original a lápiz de grafito de Vincent Price sobre papel de bellas artes, realizado por el artista de arte callejero moderno de tendencia, Joe King. Obra de arte original a grafito firmada, 2010. Tamaño 8x11, enmarcada en un marco ornamentado con paspartú.

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Billete de 100 dólares - Reverso - Edición limitada - Impresión serigráfica HPM sobre lienzo con pintura al óleo intervenida a mano por Steve Kaufman, artista callejero de graffiti SAK, arte pop moderno. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 1995. Medidas: 34 x 15 pulgadas. Lienzo sin bastidor. La imagen se encuentra en perfecto estado. Reverso de un billete de 100 dólares estadounidenses de la década de 1990. Billete de 100 dólares - Reverso. Edición limitada. Impresión serigráfica HPM sobre lienzo con detalles pintados a mano al óleo por Steve Kaufman. La serigrafía sobre lienzo «El reverso del billete de 100 dólares», de Steve Kaufman, es un impactante ejemplo de arte pop urbano y grafiti que captura la esencia de la cultura consumista estadounidense y el simbolismo de la riqueza. Creada en 1995, esta obra HPM (Hand-Painted Multiple), pintada al óleo y firmada y numerada, con detalles pintados a mano, forma parte de una edición limitada de 100 ejemplares. Con unas dimensiones de 86 x 38 cm sobre lienzo sin bastidor, esta pieza presenta una reinterpretación visualmente cautivadora del reverso de un billete de 100 dólares estadounidenses de la década de 1990. El enfoque distintivo de Kaufman en la técnica de grabado, combinado con su experiencia en el grafiti y el arte pop moderno, convierte esta obra en una declaración significativa dentro del género. La influencia de Steve Kaufman en el arte pop callejero Steve Kaufman, conocido a menudo por sus iniciales SAK, fue una figura clave del arte pop urbano contemporáneo. Como antiguo asistente de Andy Warhol, Kaufman desarrolló un estilo propio que fusionaba la iconografía comercial con elementos pintados a mano. Su obra se centraba frecuentemente en temas como el capitalismo, la producción en masa y la identidad estadounidense, utilizando imágenes reconocibles como billetes, celebridades y productos de consumo. Esta pieza, que representa el reverso de un billete de 100 dólares, es un ejemplo paradigmático de su capacidad para elevar símbolos cotidianos a la categoría de arte. Al incorporar la estética inspirada en el grafiti con técnicas de serigrafía, Kaufman transformó las formas artísticas tradicionales en algo dinámico y relevante para la era moderna. Su habilidad para fusionar la cultura urbana con las galerías de arte lo convirtió en un puente entre dos mundos artísticos. Esta edición limitada, con sus colores intensos y detalles texturizados, continúa su legado de desafiar las nociones convencionales de valor, arte y comercio. El simbolismo del dinero en el arte pop moderno El uso del dinero como tema en el arte pop moderno tiene profundas raíces históricas, y a menudo sirve como crítica a la riqueza, el poder y los valores sociales. La representación que hace Kaufman del reverso del billete de 100 dólares toma un objeto familiar y lo recontextualiza mediante el color, la escala y la intervención artística. La presencia del Independence Hall en la composición es particularmente significativa, pues simboliza la intersección entre la historia estadounidense y la cultura de consumo contemporánea. Esta obra es más que una simple reproducción de dinero: se convierte en una meditación sobre la influencia de la riqueza y los sistemas financieros en el arte y la vida cotidiana. La decisión de Kaufman de intervenir a mano cada impresión añade un toque de singularidad, reforzando la idea de que, incluso en un mundo impulsado por la producción en masa, la individualidad y la expresión artística siguen siendo esenciales. El audaz uso del color y el contraste amplifica el impacto visual, convirtiendo la impresión en una pieza destacada tanto como expresión artística como objeto de colección. Una pieza de coleccionista con un impacto duradero Esta impresión del reverso de un billete de 100 dólares ocupa un lugar especial en el mundo del arte urbano pop y el grafiti de edición limitada. Al ser un lienzo sin bastidor, ofrece flexibilidad para enmarcar y exhibir, permitiendo a los coleccionistas mostrarlo de la manera que mejor se ajuste a su estética. El legado de Kaufman como artista innovador sigue vigente, y sus obras son muy codiciadas por su relevancia cultural y atractivo visual. Para los entusiastas del arte y los coleccionistas que aprecian la fusión del grafiti, la cultura pop y las bellas artes, esta pieza constituye una poderosa representación de la visión de Kaufman. Encapsula la naturaleza audaz y sin complejos del arte urbano pop, a la vez que permanece profundamente ligada a la narrativa más amplia de la historia económica y artística estadounidense.

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The Crawler - Edición limitada en blanco, serigrafía manual de 2 colores sobre papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía artesanal de 40,6 x 30,5 cm en negro y hueso. Impresa en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 125 ejemplares. El arte de Peterson posee un marcado carácter antisistema, y ​​la ira, como fuerza creativa, está presente en la mayoría de sus obras. El artista es el sujeto de la ira, y con su trabajo se rebela contra el profundo hastío y malestar de la sociedad. Este artista afincado en Los Ángeles es el artífice de una serie de obras distópicas —pinturas, grabados, esculturas y murales— expuestas en Estados Unidos, Europa y Asia.

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Solar Synthany VI Original Única Técnica Mixta sobre Papel de Bellas Artes Coventry Rag de 290 g/m² Obra de Arte del Popular Artista Pop Moderno Grabster. Obra de arte original firmada, 2022. Tamaño: 14,875 x 19,9375 pulgadas. «“Solar Synthany” es un viaje imaginativo y nostálgico a través de un universo diverso e infinito. Inspirado por su fascinación infantil por el espacio exterior, Grabster aplica capas de pintura en aerosol y acrílica con pincel, marcadores y esponjas para imitar la apariencia de terrenos vírgenes y atmósferas alternativas. Equilibrando el orgullo por sus raíces tropicales con el deseo de explorar, conquistar y expandirse, Grabster se pregunta qué hay en el horizonte y qué espera ser descubierto a través de esta serie de otro mundo.» –Grabster

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Río de Sangre, Serigrafía Dorada de Cleon Peterson. Impresión manual a 2 colores sobre papel de bellas artes Coventry Rag con bordes irregulares. Obra de arte de edición limitada. 2023 Edición limitada firmada y numerada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 18x24. Serigrafía de 3 mujeres desnudas estilizadas, deprimidas, tristes o confundidas en un río. Adentrándose en las dimensiones modernas del arte, "Río de Oro Sangriento" de Cleon Peterson captura la emoción en estado puro con elocuencia y profundidad. Esta serigrafía bicolor, meticulosamente realizada a mano sobre la rica textura del papel artístico Coventry Rag, refleja la confluencia de experiencias humanas viscerales y la expresión artística abstracta. A través de la inquietante representación de tres mujeres desnudas y estilizadas, aparentemente sumidas en sentimientos de desesperación, tristeza o confusión, Peterson logra transmitir una narrativa que resuena con el caos y la introspección inherentes a la experiencia humana. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, la impactante paleta monocromática de la obra se ve realzada por intrincados detalles, que le confieren una profundidad evocadora. La postura y la expresión de cada figura invitan al espectador a la introspección, la contemplación y el establecimiento de una conexión personal, trascendiendo así los límites de la mera observación. Mientras yacen en medio del misterioso río, su presencia se convierte en un poderoso símbolo de vulnerabilidad, turbulencia interior y la omnipresencia de las emociones en nuestras vidas. La obra de Peterson, una edición limitada de tan solo 100 ejemplares, firmada y numerada, encarna la esencia del arte pop, urbano y del grafiti. Ejemplifica la habilidad del artista para dominar las formas artísticas convencionales e infundirles múltiples capas de significado, invitando a la apreciación y a la profunda contemplación. «Río de Oro Sangriento» es un testimonio de la destreza de Peterson, su comprensión de los matices humanos y su inquebrantable compromiso con la exploración de los límites de la narrativa visual.

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Catalyst, obra original dibujada a mano sobre papel artístico envejecido con bordes irregulares enmarcado, del artista surrealista Naoto Hattori. Dibujo original único a lápiz/grafito, firmado en 2012. Obra enmarcada. Medidas del marco: 8,5 x 8,5 pulgadas. Tamaño de la imagen: 3 x 5 pulgadas. Enmarcado y con paspartú personalizados por el artista. «Catalizador» de Naoto Hattori: Una intersección surrealista de imágenes y emoción «Catalyst», una obra original dibujada a mano por el artista surrealista Naoto Hattori, representa una singular convergencia entre la delicadeza del dibujo a lápiz y el surrealismo emotivo, plasmada en papel artístico envejecido con bordes irregulares. Este dibujo único de 2012, realizado con lápiz y grafito, es testimonio de la habilidad de Hattori para representar visiones oníricas y complejas en un espacio reducido. La obra enmarcada, con una imagen de 7,6 x 12,7 cm y un marco de 21,6 x 21,6 cm, ha sido enmarcada y montada a medida por el artista, añadiendo un toque personal que complementa la escala íntima de la obra. Este dibujo se distingue de la ejecución y presentación convencionales del arte urbano. Mientras que el arte pop callejero y el grafiti suelen asociarse con grandes instalaciones públicas, «Catalyst» de Hattori invita a una interacción más personal. La pieza está impregnada de las complejidades de las bellas artes, a la vez que resuena con la accesibilidad y el impacto visceral propios del arte callejero. La obra de Hattori no grita desde las paredes; en cambio, susurra, atrayendo al espectador a un diálogo uno a uno con el arte. Explorando el detalle artístico en "Catalyst" El meticuloso detalle de "Catalyst" demuestra el dominio magistral de Hattori sobre el lápiz y el grafito, revelando una criatura de otro mundo que parece emerger de las fibras mismas del papel envejecido. El papel trabajado a mano resalta la apreciación del artista por las cualidades táctiles de sus materiales y su intención de fusionar lo tradicional con lo surrealista. Cada trazo y sombra en el dibujo contribuye a una sensación general de profundidad y dimensión, insuflándole vida al fantástico tema. La criatura representada combina elementos familiares con lo enigmático, desafiando la percepción de la realidad del espectador. El tamaño íntimo de la imagen, en contraste con el marco más sustancial, enfatiza la naturaleza preciosa de la obra, similar a una reliquia o un talismán. Esta sensación de preciosidad es a menudo buscada en el arte pop urbano y el grafiti, donde la naturaleza transitoria del medio contrasta marcadamente con el deseo de crear algo duradero e impactante. "Catalyst" de Hattori, si bien no es una obra de arte urbano típica, captura la esencia de lo que muchos artistas callejeros buscan: una conexión perdurable con el público. «Catalyst» de Naoto Hattori es una obra de arte profunda que trasciende las fronteras entre las diversas disciplinas del arte pop, el arte urbano y el surrealismo. Encapsula lo etéreo, lo tangible, lo imaginado y lo preciso, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las profundidades desconocidas de su psique. La meticulosa factura, junto con la presentación única, convierte a «Catalyst» en una valiosa aportación al discurso del arte contemporáneo, destacando la amplitud y la diversidad dentro del ámbito de la expresión artística.

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Love is the Answer - Escultura de lata de pintura en aerosol de edición limitada Cyan, obra de arte del artista callejero, leyenda del graffiti y de la cultura pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2020 Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 3x8. Firmado con huella dactilar y numerado. Incluye caja de presentación personalizada. Exclusivo y muy raro: Mr. Brainwash, la obra de arte en aerosol de edición limitada de Thierry Guetta.

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Jimi Hendrix - Edición limitada con degradado oscuro, serigrafía de 5 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2015 Edición limitada de 70 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 22,5 x 30 Edición única n.° 7 «Jimi», serigrafía de cinco colores sobre papel artístico de archivo rasgado a mano. La impresión está firmada y numerada n.° 7 con una huella dactilar en el reverso. Tamaño de la impresión: 57,25 cm x 76,2 cm.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada BE@RBRICK, edición limitada, diseño Medicom Toy, color gris carbón. 2020: Una colaboración entre el artista británico D*Face y XLARGE. ¡Grandes noticias para los fans de Bearbricks, especialmente para los coleccionistas más acérrimos! El diseño exclusivo combina el gorila OG de XLARGE con el clásico icono de D*Face.

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Miles Davis - Edición limitada rosa/verde, serigrafía de 5 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Mr Brainwash - Thierry Guetta, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2015). Tamaño de la obra: 30 x 22,5 pulgadas. Miles Davis (Rosa/Verde), 2015. Serigrafía en color sobre papel. 57,2 x 76,2 cm (hoja). Edición de 50 ejemplares. Firmada y numerada a lápiz en los bordes, con la huella dactilar del artista y la fecha al dorso. Publicada por el artista.

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Selfie Gun Blue Serigrafía de Joan Cornellà Impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. Edición limitada de 250 ejemplares, firmada y numerada (2024). Tamaño de la obra: 16,14 x 22,44 pulgadas. Serigrafía. Serigrafía Selfie Gun Blue de Joan Cornellà Selfie Gun Blue es una serigrafía de 2024 del artista español Joan Cornellà, conocido por su crítica satírica e implacable de la vida moderna. Esta pieza de edición limitada, impresa a mano sobre papel de bellas artes, está firmada y numerada (de una edición de 250 ejemplares). Con unas dimensiones de 41 x 57 cm, la obra presenta un impacto visual contundente gracias a sus líneas nítidas, bloques planos de color y una composición que captura el humor absurdo característico de Cornellà. La imagen muestra a una figura sonriente sosteniendo un palo de selfie rematado no con un teléfono, sino con una pistola apuntándole directamente a la cabeza. El fondo azul cian brillante contrasta de forma impactante con el tono sombrío de la imagen, evocando la estética del diseño comercial a la vez que ofrece una crítica mordaz. Joan Cornellà y el extremismo satírico en el arte pop callejero y el grafiti Joan Cornellà, nacido en 1981 en Barcelona, ​​España, se ha consolidado como una figura clave en la evolución del arte pop urbano y el grafiti. Su lenguaje visual es inconfundible: personajes sonrientes, líneas caricaturescas y colores saturados sirven de vehículo para reflexiones mordaces, a menudo con un humor negro, sobre la sociedad. «Selfie Gun Blue» es un ejemplo paradigmático del enfoque de Cornellà: presenta una escena alegre que, al observarla con detenimiento, revela algo profundamente inquietante. Esta tensión entre estilo y contenido es un sello distintivo de su obra. En esta serigrafía, la fusión de un objeto cotidiano con un instrumento de violencia crea una perturbadora metáfora sobre la tecnología, la egolatría y la superficial cultura de la validación digital. Técnica y economía visual como herramientas subversivas La fuerza de la obra reside en su economía visual. No hay desorden, ni narrativa de fondo, ni explicación textual. Cada elemento del encuadre está calculado y es preciso. Cornellà utiliza la simplicidad como forma de sátira, despojando a sus personajes de individualidad al tiempo que intensifica su impacto simbólico. El traje, la sonrisa y la mirada vacía del hombre están representados en vibrantes colores primarios, reduciéndolo a un arquetipo. La pistola, representada en tonos grises y rosas apagados, contrasta fuertemente, pero se integra a la perfección en la composición. Esta serigrafía artesanal demuestra el dominio de Cornellà sobre la superposición de capas de color plano, un método clásico en la impresión artística ahora reinterpretado para la crítica contemporánea. Ironía moderna encapsulada a través del absurdo visual Selfie Gun Blue no es solo una broma visual; es una cruda reflexión sobre el distanciamiento social. Cornellà utiliza una estética alegre para criticar problemas del mundo real: el narcisismo, la insensibilización y la mercantilización de la identidad en los espacios digitales. A través del arte pop urbano y el grafiti, confronta al espectador con verdades incómodas ocultas tras las apariencias. Su obra ha tenido repercusión mundial, en galerías, libros e instalaciones públicas, porque obliga a confrontar los absurdos del comportamiento moderno utilizando las mismas señales visuales que se han vuelto familiares y confiables. Esta pieza, como gran parte del portafolio de Cornellà, exige no solo observación, sino también introspección, desafiando al espectador a cuestionar las implicaciones ocultas tras cada sonrisa filtrada.

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El jarrón Fish Face 85 es una pintura al óleo original de Peter Keil, una obra de arte sobre panel de masonita del Hombre Salvaje de Berlín, un famoso artista contemporáneo. 1985 Firmado y fechado por Peter Keil. Óleo sobre panel de masonita. Obra original de 24x24 pulgadas. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que puede presentar descascarillado debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo: pintura de un jarrón de flores altamente abstracto. Descifrando el "Jarrón Cara de Pez '85" de Peter Keil «Jarrón Cara de Pez '85» emerge como una impactante pintura al óleo original sobre panel de masonita de Peter Keil, artista conocido popularmente como «El Salvaje de Berlín» por su estilo exuberante y poco convencional. Autenticada con la firma de Keil y la fecha de creación, esta obra de 1985 se despliega sobre un lienzo de 61 x 61 cm, testimonio de la exploración de la forma y el audaz uso del color por parte de Keil. La pintura presenta una interpretación altamente abstracta de un jarrón, un objeto cotidiano transformado a través de la mirada imaginativa de Keil. Como es típico en sus obras, la gruesa capa de pintura puede presentar desconchones, un fenómeno natural que añade una capa de autenticidad y da testimonio de la historia de la pieza. En «Jarrón Cara de Pez '85», Keil aprovecha la espontaneidad visual a menudo asociada con el arte pop urbano y el grafiti. Los contornos audaces y los colores vibrantes crean una composición que roza lo surrealista, invitando a los espectadores a un mundo donde el jarrón convencional se percibe de una forma nueva. La interpretación de Keil desafía la naturaleza muerta tradicional, reconstruyéndola con una cualidad lúdica y abstracta que resuena con la libertad de expresión propia del arte callejero. El significado artístico del "Jarrón Cara de Pez '85" de Keil La importancia artística de "Fish Face Vase '85" reside en su hábil fusión del expresionismo abstracto con la claridad gráfica del arte pop y el grafiti. El enfoque de Keil en esta pintura se caracteriza por un manejo intuitivo de la pintura, donde el medio se convierte en un vehículo para la narración emocional y visual. El panel de masonita proporciona un fondo robusto para las densas capas de pintura al óleo, un medio que Keil manipula con confianza y estilo. Esta pintura es un ejemplo paradigmático de su capacidad para equilibrar la impulsividad del arte callejero con la composición reflexiva de las bellas artes. La textura de la obra de Keil, con su pintura espesa y la posibilidad de que se descascare, transmite una sensación de atemporalidad y durabilidad similar a la naturaleza perdurable de los murales que adornan el entorno urbano. Esta pieza se erige como una interacción dinámica entre lo efímero y lo eterno, un concepto fundamental en el arte del grafiti. "Fish Face Vase '85" captura la esencia de esta dicotomía, presentando una obra anclada en el presente pero que evoluciona con el tiempo. El legado de Keil en la intersección de las formas artísticas El legado de "Fish Face Vase '85" en el contexto del arte pop, urbano y del grafiti es sustancial. Simboliza el espíritu innovador de Peter Keil y su influyente papel en la conexión de diversas prácticas artísticas. La pintura ilustra vívidamente el compromiso de Keil con la ruptura de los límites de las formas artísticas convencionales, infundiéndoles la energía y la vivacidad de la estética del arte urbano. Su obra es un testimonio del poder del arte para trascender las clasificaciones tradicionales, creando un diálogo que enriquece el panorama cultural del arte moderno. Además, "Fish Face Vase '85" refleja la visión artística más amplia de Keil, que valora la accesibilidad y la participación. Su arte democratiza la experiencia de las bellas artes, haciéndola cercana y resonante con un público más amplio. Con su forma abstracta y su atractivo visual inmediato, esta pintura ejemplifica la capacidad de Keil para cautivar al espectador y provocar una respuesta personal y reflexiva. «Jarrón Cara de Pez '85» es una representación impactante del arte de Peter Keil, caracterizada por un uso audaz del color, una exploración de las posibilidades texturales de la pintura al óleo y una celebración de lo imperfecto y lo dinámico. La pintura es un conmovedor recordatorio del impacto perdurable de Keil en el mundo del arte y de su estatus como artista que combina con naturalidad la crudeza del arte urbano con la sofisticación de la pintura clásica. A medida que esta obra sigue cautivando al público, consolida el lugar de Keil en la narrativa del arte contemporáneo como un visionario que invita al espectador a descubrir la belleza en lo abstracto y lo cotidiano.

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Acuario - Plantilla rosa, serigrafía de 10 colores, edición limitada impresa en papel de bellas artes por la artista Aiko, obra de arte pop contemporánea. Edición limitada de 35 ejemplares, firmada y numerada, estampada a mano (2019). Tamaño de la obra: 20 x 24 pulgadas. Como este proyecto busca ayudar a las personas que sufren la falta de agua en Flint, quise usar la imagen de una niña con el espíritu del agua. Como un ángel del agua, se relaja en un vaso. El agua debería ser gratuita y limpia para todos; todos somos parte de la naturaleza. Trabajé en esta lámina durante todo febrero, coloreándola a mano, una por una, y coincidió con el período de Acuario, el signo zodiacal que simboliza al proveedor de agua. Descubrí que la palabra Acuario se refería al sistema público de agua en la antigua Roma. Cuando me enteré de la crisis del agua en Flint, no podía creer que estuviera ocurriendo ahora, y me indigna que el gobierno no haga nada al respecto. Es una vergüenza que en la antigüedad se pudiera proporcionar agua potable a todos, pero no en Michigan en 2018. - Aiko Acuario – Rosa de Aiko: El espíritu del agua en el arte pop callejero y el grafiti Aquarius – Pink es una serigrafía de 2019, realizada a mano con esténcil y en múltiples capas por la artista contemporánea japonesa Aiko, reconocida por sus composiciones audaces que fusionan feminidad, rebeldía e iconografía cultural. Esta edición limitada de tan solo 35 obras mide 50,8 x 61 cm y está impresa en papel de bellas artes mediante una combinación de técnicas de serigrafía y coloración con esténcil aplicada a mano. Cada impresión fue intervenida de manera única por la artista, lo que confiere a cada pieza una profunda sensación de autoría y una singularidad visual. La obra fue creada para generar conciencia y apoyo ante la crisis del agua en Flint, vinculando la vibrante estética de Aiko con una causa arraigada en la urgencia humana y la justicia ambiental. Simbolismo visual y composición En el centro de la composición se encuentra una figura femenina desnuda y estilizada, representada con líneas nítidas y colores vivos, reclinada con gracia dentro de un vaso de agua. La mujer lleva una máscara de mariposa, sello distintivo de Aiko, que simboliza la transformación y una delicada fuerza. Su cuerpo se muestra relajado, acunado por agua cristalina e inmerso en motivos de corazones y flora estarcida que flotan suavemente a su alrededor. Esta guardiana simbólica del agua evoca una presencia divina o mitológica, un guiño visual tanto a los elementos naturales como a los protectores espirituales. Detrás de ella, un gran marco en forma de corazón y motivos dispersos recuerdan tanto el muralismo urbano como la compleja técnica de la xilografía japonesa tradicional, reafirmando la fluidez intercultural de Aiko. Detalles artesanales y resonancia política Cada lámina de la edición fue cuidadosamente coloreada a mano por Aiko durante febrero de 2019. Esta elección fue intencional, alineando el proceso creativo con la temporada astrológica de Acuario, el aguador. La conexión que Aiko establece entre los acueductos de la antigua Roma y las crisis hídricas modernas refuerza aún más la ironía histórica y la injusticia inherentes a la situación de Flint. Canaliza su rabia e incredulidad a través de la estética de la alegría, la sensualidad y la belleza: una protesta visual envuelta en dulzura. La superposición de capas de color aplicadas con plantillas, desde corazones fluorescentes hasta mariposas en tonos pastel, enfatiza la dualidad entre la belleza artística y el fracaso social. La influencia de Aiko en el grafiti contemporáneo y la expresión feminista Lady Aiko, también conocida como Aiko Nakagawa, es una figura de renombre internacional en el mundo del arte urbano pop y el grafiti. Su lenguaje visual fusiona influencias del manga japonés, el arte pop occidental, la iconografía feminista y la tradición del esténcil urbano. Con Aquarius – Pink, no solo reafirma su dominio de la serigrafía, sino que también utiliza su plataforma para abordar problemáticas sistémicas. Esta obra no es meramente decorativa; es una pieza activista que equilibra la delicadeza con la confrontación. El enfoque de la edición en el acceso al agua potable, el empoderamiento femenino y la reflexión histórica refleja la capacidad de Aiko para transformar la crítica cultural en una narrativa visual compleja. Aquarius – Pink sigue siendo un testimonio del poder del arte para inspirar conciencia y conexión emocional frente al fracaso ambiental y político.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Krink 1000% BE@RBRICK Edición Limitada Figuras de Arte Coleccionables Urbanas de Vinilo Krink 1000% Be@rbrick Art Toy de Craig Costello x Medicom, nuevo en caja (2021). BE@RBRICK se encuentra con Krink: Una intersección entre el arte callejero y la cultura coleccionable. La colaboración entre Craig Costello, el genio detrás de Krink, y BE@RBRICK de Medicom Toy es una historia contemporánea donde el arte urbano se fusiona con la cultura de los juguetes de diseño. Esta alianza dio origen a una edición limitada del 1000% BE@RBRICK, un juguete de vinilo de 70 cm que plasma el icónico lenguaje visual de Krink en una pieza de colección. Lanzado en 2021, este crossover es una muestra de la creciente influencia del arte pop urbano y el grafiti en la cultura popular. Krink de Craig Costello: Un estilo propio en vinilo Craig Costello, conocido en el mundo del arte como 'KR', se ha convertido en una figura influyente del arte urbano, especialmente por sus contribuciones al grafiti a través del desarrollo de Krink, una marca de tintas y marcadores de alta calidad. Su estilo característico se distingue por líneas audaces y fluidas que evocan movimiento y energía pura, elementos magistralmente plasmados en el lienzo BE@RBRICK. El Krink 1000% BE@RBRICK presenta este distintivo motivo de goteo en una llamativa combinación de colores plata y negro, con el logotipo de Krink estampado en el pecho de la figura. Si bien se aleja de los medios tradicionales del arte urbano, este juguete de vinilo se convierte en una representación tridimensional de la filosofía artística de Costello. La pieza es una extensión innovadora de la identidad de marca de Krink, que trasciende las calles y se adentra en el mundo del coleccionismo urbano. El juguete artístico como lienzo moderno Con coleccionables como BE@RBRICK a la vanguardia, el movimiento de los juguetes de arte ha brindado un nuevo lienzo a artistas tradicionalmente asociados con el arte pop urbano y el grafiti. Estas figuras ofrecen una oportunidad única para fusionar lo táctil con lo visual, permitiendo a los artistas explorar la forma, la textura y el diseño en un formato compacto y tangible. El Krink 1000% BE@RBRICK de Craig Costello refleja esta creciente tendencia donde la coleccionabilidad se encuentra con el arte contemporáneo. Tiende un puente entre la naturaleza subversiva del arte urbano y el refinado mundo del diseño coleccionable, creando una pieza que conecta tanto con los amantes del arte como con los coleccionistas de juguetes. La elección de un BE@RBRICK como medio ejemplifica un cambio consciente hacia la diversificación del arte urbano y la adopción de nuevas plataformas de expresión poco convencionales. La influencia duradera de Krink en el arte y el diseño La colaboración de Craig Costello con Medicom Toy personifica la evolución del arte urbano, desde las efímeras pinturas murales hasta las codiciadas piezas de colección. El Krink 1000% BE@RBRICK no solo rinde homenaje a las contribuciones de Costello al mundo del grafiti, sino que también simboliza la versatilidad y adaptabilidad del arte pop urbano. El éxito de estas fusiones refleja una mayor aceptación y celebración del arte urbano dentro de la cultura popular, y la obra de Craig Costello se encuentra a la vanguardia de este movimiento. Su capacidad para transitar de la fluidez de la tinta en los muros urbanos a las figuras de vinilo en las estanterías demuestra el potencial ilimitado del arte pop urbano para infiltrarse y enriquecer cada aspecto de la experiencia estética moderna. En definitiva, el Krink 1000% BE@RBRICK se erige como un testimonio físico del diálogo dinámico entre el arte y el comercio, el espíritu rebelde del grafiti y la meticulosa artesanía del diseño coleccionable. Es un faro de innovación que garantiza que el espíritu de las calles siga encontrando nuevas vías de apreciación e impacto.

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Estoy bailando entre ángeles/ Historias de amor Cara B HPM Serigrafía de edición limitada de 24 colores impresa a mano con acrílico, tinta de serigrafía y pintura en aerosol sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² con bordes irregulares de Faile Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Edición limitada firmada y numerada de 2020: Dancing Between Angels / Love Stories (Cara B)⁠ 28 x 40 pulgadas⁠ Edición variada pintada a mano de 22⁠ Acrílico, tinta serigráfica y pintura en aerosol⁠ Papel Coventry Rag de 320 g/m²⁠ Firmada, sellada y con relieve El título de esta imagen proviene de un verso del poema «Paisajes pintados me engañan: bailando entre ángeles y ángeles». Esto alude a la llegada de María Antonieta a Estrasburgo al convertirse en reina y a los paisajes pintados que colocaron frente a su ventana para darle la bienvenida. También hace referencia al movimiento De Stijl y al salón de baile Aubette, con sus líneas angulares y rectilíneas características. Además, se inspira en la proximidad de la catedral y los ángeles que adornan sus muros. Burbujas parecen volar libremente y danzar en el espacio, en cierto modo la antítesis de lo que transmitía De Stijl, pero una sutil alusión al movimiento. Nos gustó la idea de la joven despojándose de las percepciones construidas a su alrededor mientras intenta no perderse a sí misma. -Faile Narrativas artísticas en movimiento: La historia de "Bailando entre ángeles/Cara B de historias de amor" de Faile «Dancing Between Angels/Love Stories B-Side», una cautivadora obra del colectivo artístico Faile, es un testimonio de la intrincada superposición de capas y la narrativa inherentes al arte pop urbano y al grafiti. Esta pieza de edición limitada, una edición variada de 22 ejemplares pintados a mano, es una serigrafía de 24 colores realizada a mano, con detalles en acrílico, tinta serigráfica y pintura en aerosol sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² con textura irregular. Con unas dimensiones de 71 x 102 cm, cada lámina está firmada, sellada y grabada en relieve, y presenta una narrativa única que entrelaza referencias históricas con un léxico artístico moderno. El título de esta imagen proviene de un verso del poema «Paisajes pintados me engañan: bailando entre ángeles y ángeles». Esto alude a la llegada de María Antonieta a Estrasburgo al convertirse en reina y a los falsos paisajes pintados que colocaron frente a su ventana para darle la bienvenida. También hace referencia al movimiento De Stijl y al salón de baile Aubette, con sus líneas angulares y rectilíneas características. Su proximidad a la catedral y los ángeles que adornan sus muros también son un punto de alusión. Burbujas que vuelan libremente y danzan en el espacio, en cierto modo la antítesis de lo que transmitía De Stijl, pero una bella referencia al movimiento. Nos gustó la idea de la joven despojándose de las percepciones construidas a su alrededor mientras intenta no perderse a sí misma. -Faile. Deconstruyendo las ilusiones históricas: El lienzo interpretativo de Faile La narrativa de "Dancing Between Angels/Love Stories B-Side" se nutre de un rico tapiz de referencias históricas y artísticas. Inspirado en un poema, el título alude a los engañosos paisajes bucólicos que se le presentaron a María Antonieta a su llegada a Estrasburgo, diseñados para crear una ilusión de bienvenida y grandeza. Faile extiende esta metáfora para explorar los conceptos de percepción y yo dentro del marco del arte pop y urbano. La obra explora visualmente el despojamiento de capas de pretensión, una danza vibrante entre realidad y artificio. La pieza también rinde homenaje a De Stijl, un movimiento artístico neerlandés que enfatiza la abstracción y las formas geométricas. Los ángulos agudos y las líneas rectilíneas características de De Stijl están presentes en la obra, yuxtapuestos con las formas orgánicas de las burbujas y la fluidez de la figura central. Este contraste es un guiño deliberado al movimiento y al dinamismo, desafiando la rigidez de De Stijl con la danza fugaz de las burbujas en el espacio. Movimiento y metáfora: la fusión de danza y arte de Faile En el corazón de la creación de Faile se encuentra la representación de una figura femenina que irrumpe a través de las fachadas que la rodean. Este acto es literal y simbólico, una danza de liberación que revela las capas ocultas bajo la superficie. El gesto de la figura, con los brazos extendidos hacia arriba y las piernas en equilibrio, evoca una gracia casi de ballet, sugiriendo que desenmascarar el engaño es tan elegante como contundente. Los ángeles y los elementos arquitectónicos presentes en la obra sirven para anclarla dentro de una narrativa histórica más amplia, conectando la naturaleza transitoria del arte urbano con la permanencia del patrimonio cultural. La inclusión de estos elementos crea un diálogo entre el pasado y el presente, infundiendo a la obra un sentido de atemporalidad. Poesía visual: El atractivo rítmico de la obra de Faile «Dancing Between Angels/Love Stories B-Side» es, en esencia, un poema visual que llega al corazón del arte pop urbano y el grafiti. Es una danza de colores y formas, una composición rítmica que trasciende los límites del medio. La obra de Faile captura el espíritu del diálogo entre el arte pop y la cultura popular, fusionándolo con el carácter subversivo del arte urbano para crear algo totalmente nuevo y profundamente conmovedor. Cada impresión de esta edición limitada es un fragmento narrativo que invita al espectador a interactuar con la obra en múltiples niveles. La danza representada en la impresión no es solo física; es un viaje emocional y psicológico, una danza del alma que refleja la complejidad y la vitalidad de la experiencia humana. En el diverso mundo del arte pop urbano y el grafiti, «Dancing Between Angels/Love Stories B-Side» de Faile es una poderosa expresión de la capacidad narrativa y la profundidad emocional del género. Sirve como recordatorio de que el arte puede ser un vehículo para examinar nuestras percepciones, desvelando las capas que oscurecen la verdad y celebrando el poder liberador de la danza y el movimiento.

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Juguete artístico Night Shift de Esow, escultura de vinilo de edición limitada, obra de arte coleccionable del artista pop callejero. Edición limitada de 2023 (200 unidades). Tamaño de la obra: 11,3 cm. Nueva en caja. Figura impresa y numerada de un hombre japonés con un bote de pintura en aerosol y una caja de cerveza, listo para pintar grafitis. Juguete de vinilo de alta calidad. Nueva en caja. El juguete artístico Night Shift de Esow The Night Shift de Esow es una cautivadora figura de vinilo de edición limitada que captura a la perfección la esencia del arte pop urbano y la cultura del grafiti. Lanzada en 2023, esta escultura coleccionable rinde homenaje a la creatividad nocturna y la rebeldía urbana que representa el grafiti. Limitada a tan solo 200 piezas, esta figura meticulosamente elaborada demuestra la habilidad de Esow para fusionar las bellas artes con la crudeza y la personalidad del arte callejero. Una historia visual de la cultura del grafiti Con una altura de 28,7 cm, la figura de arte «The Night Shift» representa a un japonés con un estilo único, listo para dejar su huella en el paisaje urbano. Equipado con un aerosol de pintura en cada mano y acompañado de una caja de cerveza, la figura irradia la esencia de un grafitero preparándose para una larga noche de grafitis. La atención al detalle de Esow se evidencia en la ropa estampada en blanco y negro del personaje, sus rasgos definidos y su pose desenfadada, capturando la rebeldía y el humor que suelen asociarse con los artistas callejeros. La inclusión de la caja de cerveza es particularmente simbólica, añadiendo un toque de cercanía y conectando al personaje con la experiencia humana del arte nocturno. La actitud lúdica pero seria de la figura refleja el estilo característico de Esow, que fusiona la estética tradicional japonesa con las influencias del arte pop urbano moderno. La visión artística de Esow Esow, reconocido artista urbano pop, es célebre por su habilidad para fusionar la identidad cultural con temas urbanos contemporáneos. «The Night Shift» exhibe su maestría narrativa a través del diseño escultórico, presentando una instantánea del mundo de un grafitero. Los rasgos afilados y angulares del personaje, junto con sus audaces patrones geométricos, se inspiran en las tradiciones artísticas japonesas, mientras que los motivos urbanos aluden al movimiento global del grafiti. La obra de Esow suele celebrar las dualidades de la vida urbana: caos y creatividad, rebeldía y arte. «The Night Shift» no es la excepción, reflejando la profunda comprensión del artista sobre el significado cultural del grafiti como acto de autoexpresión y declaración de desafío contra las normas sociales. Un objeto de colección imprescindible El juguete artístico Night Shift es más que un objeto de colección; es una celebración del arte pop urbano y del movimiento global del grafiti. Cada pieza está impresa, numerada y presentada en su caja original, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección. Su producción limitada a 200 unidades garantiza su exclusividad y resalta su valor como parte de la historia del arte urbano moderno. El juguete artístico Night Shift de Esow es una representación excepcional de la intersección entre el arte tradicional y la cultura urbana contemporánea. Se erige como un tributo al impacto perdurable del grafiti en el arte y la sociedad, convirtiéndolo en una pieza preciada tanto para coleccionistas como para entusiastas.

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Comprar Calla | Tierra - Impresión de serigrafía de 10 colores de gran tamaño tirada a mano en papel de bellas artes Somerset Satin Tub de 410 gsm por el artista de graffiti pop Jet Martinez Rare Street Art Obra de arte de edición limitada. 2022 Edición Limitada Firmada y Numerada de 80 Obras Tamaño 31x23 "Este estampado, que presenta la cala, es parte de un cuerpo de trabajo más amplio que he estado explorando durante la pandemia. Los tonos apagados de estas piezas reflejan un estado mental más sombrío, en el que simplemente no me ha parecido apropiado. hacer un trabajo brillante y colorido. Estos tiempos se han sentido inciertos e indefinidos. Ha sido difícil hacer planes para el futuro, cuando el presente se ha sentido tan incierto. Del mismo modo, hacer un trabajo muy colorido y "feliz" se ha sentido un poco sordo a la situación mundial más amplia. Todavía siento la necesidad de crear y hacer cosas hermosas, pero estoy explorando un aspecto más tranquilo de esa creatividad". –Jet Martínez

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Muse #668 Obra de arte original única en acuarela sobre papel de acuarela de bellas artes del popular artista de graffiti callejero Conrad Roset. Acuarela original y única firmada, 2014. Tamaño: 12 x 15,7 pulgadas.

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Separados - Edición limitada gris. Figura coleccionable de vinilo del artista de graffiti callejero Kaws. Vinilo gris separado (2021) 7 87/100 × 6 3/10 × 7 9/100 pulg. (20 × 16 × 18 cm) Se exhibe con caja KAWS y el auge del arte pop callejero La figura de vinilo "Separated" de KAWS es una pieza excepcional que demuestra la fusión entre la sensibilidad del arte urbano y el mercado de figuras coleccionables. KAWS, conocido inicialmente por su enfoque provocador del arte callejero, que consistía en reinterpretar anuncios en paradas de autobús y cabinas telefónicas con sus icónicos personajes, se ha convertido en una figura clave del arte contemporáneo. Su obra suele incluir personajes fácilmente reconocibles y muy codiciados tanto por coleccionistas como por el público en general. El artista conocido como KAWS, cuyo nombre real es Brian Donnelly, se graduó en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Comenzó su carrera como grafitero en las calles de Jersey City y rápidamente se hizo famoso por sus adaptaciones provocativas y humorísticas de anuncios populares. Con el tiempo, la obra de KAWS evolucionó desde murales pintados con aerosol hasta esculturas de gran formato y figuras coleccionables, tendiendo un puente entre el mundo del grafiti underground y el ámbito de élite de las galerías de arte. Las contribuciones de KAWS al mundo del arte han sido significativas al fusionar el comercialismo con la cultura callejera, reflejando una mezcla única denominada "Arte Pop Callejero". El significado de 'Separados' La figura coleccionable "Separated", lanzada en 2021, continúa la exploración de KAWS sobre la emoción y el aislamiento. Presenta a uno de sus personajes principales en una pose que sugiere contemplación o tristeza, encarnando la soledad y la separación tan presentes en la sociedad moderna. El personaje se presenta en escala de grises monocromática, una elección que realza el tema melancólico de la obra. Con esta pieza, KAWS vende un producto y expresa sentimientos contemporáneos, algo que siempre ha sido fundamental en el arte del graffiti. Las dimensiones de "Separated" son 7 87 × 6 3/10 × 7 9/100 pulgadas (aproximadamente 20 × 16 × 18 cm), y la figura suele exhibirse junto a su caja, que también lleva la obra de KAWS, convirtiendo el empaque en parte integral de la pieza. El artículo se comercializó como una edición abierta, lo que significa que en lugar de lanzarse en una cantidad limitada, se produjo para satisfacer la demanda, haciendo que el arte de KAWS fuera más accesible a un público más amplio. Coleccionabilidad e impacto en la cultura pop El atractivo coleccionable de la obra de KAWS reside no solo en la estética de sus diseños, sino también en su resonancia con los temas contemporáneos de conexión y desconexión. Así, figuras de KAWS como "Separated" funcionan como piezas de arte y artefactos culturales que encapsulan el espíritu de una época. Esta pieza en particular forma parte de una tendencia más amplia en la que el arte urbano ha pasado de la periferia al centro de la cultura popular, a menudo con un conmovedor mensaje social. Los juguetes de vinilo de KAWS se han convertido en objetos de colección muy codiciados, agotándose algunas ediciones en minutos tras su lanzamiento. El valor de estas piezas se aprecia con el tiempo, convirtiéndolas no solo en objetos de arte para exhibir, sino también en una inversión. Esta tendencia ha contribuido a elevar el estatus de los juguetes y el arte urbano, aumentando su reconocimiento como formas legítimas de arte. KAWS en el panteón artístico En lo que respecta a su lugar en el mundo del arte, KAWS ocupa una posición única, donde su obra se sitúa en la intersección del arte comercial y las bellas artes. Su atractivo transversal se evidencia en sus colaboraciones con importantes marcas, músicos y líneas de moda, que han contribuido a difundir su trabajo mucho más allá de los espacios artísticos tradicionales. Sin embargo, mantiene una fuerte presencia en el arte, con exposiciones en importantes museos y galerías de todo el mundo. La figura "Separated", en particular, encapsula la capacidad de KAWS para comunicar estados emocionales complejos a través de formas y gestos simplificados. La pieza refleja el espíritu de la época, abordando temas de aislamiento y vulnerabilidad universales en la experiencia humana. Esta universalidad, combinada con una estética distintiva, ha permitido a KAWS trascender el mundo del grafiti y el arte pop urbano para convertirse en un artista reconocido mundialmente. "Separated" de KAWS es un juguete de vinilo que representa mucho más que su forma física; se erige como un símbolo cultural de la época, un comentario sobre la condición humana y un objeto de deseo para coleccionistas y entusiastas del arte. Su lanzamiento ha consolidado aún más la posición de KAWS como un artista que navega con destreza entre diversas esferas artísticas, impactando profundamente en cada una de ellas.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Vote Keep Hope & Freedom Alive Serigrafía en negro y dorado de Cleon Peterson sobre papel artístico Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Obra de arte de edición limitada. 2024 Firmado y numerado Cleon Peterson Edición limitada de 80 Tamaño de la obra 18x24 Impresión serigráfica política demócrata de una mujer a caballo sosteniendo la bandera de Estados Unidos. Vota. Mantén viva la esperanza y la libertad. Serigrafía en negro y dorado. La serigrafía en negro y dorado «El Voto Mantén Viva la Esperanza y la Libertad» de Cleon Peterson es un ejemplo impactante del arte pop urbano y el grafiti, que fusiona el activismo político con un diseño visual impactante. Creada en 2024, esta pieza es una edición limitada de tan solo 80 ejemplares firmados y numerados, lo que la convierte en una codiciada joya para coleccionistas. La impresión mide 45,7 x 61 cm y está impresa en papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² con bordes deshilachados a mano, lo que demuestra una artesanía excepcional. La combinación de colores dorado y negro realza su diseño audaz, añadiendo un toque de elegancia y prominencia al poderoso mensaje de esperanza y libertad de la obra. El estilo característico de Cleon Peterson Cleon Peterson, nacido en 1973 en Estados Unidos, es un artista conocido por su lenguaje visual impactante y contundente. Su obra explora temas como el conflicto, la resistencia y el poder social, a menudo representados mediante composiciones audaces y paletas de colores limitadas. La lámina «Vote Keep Hope & Freedom Alive Black & Gold» presenta la figura central de una mujer a caballo, ondeando la bandera estadounidense, símbolo de resiliencia y determinación. El uso del dorado en el diseño representa el triunfo y la gloria, mientras que el negro aporta un contraste dramático y sólido. Esta composición dinámica ejemplifica la habilidad de Peterson para fusionar la crítica política con imágenes de gran impacto estético. El papel del arte pop callejero y el grafiti en el activismo político El arte pop callejero y el grafiti han servido históricamente como vehículos de expresión política, lo que los hace sumamente relevantes en el panorama cultural y social actual. Esta obra captura el espíritu de la participación democrática, invitando a los espectadores a reflexionar sobre su papel como participantes activos en la construcción del futuro. La mujer a caballo, símbolo recurrente de poder y liderazgo, se representa con líneas limpias y detalles mínimos, asegurando que la atención se centre en el simbolismo de la acción y el movimiento. Los detalles dorados aportan un aire festivo, reforzando la idea de que votar es tanto un privilegio como una responsabilidad. Artesanía y ediciones limitadas El papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m², con bordes irregulares hechos a mano, aporta una palpable sensación de calidad a la impresión, subrayando su estatus de pieza de coleccionista. Limitada a tan solo 80 ejemplares firmados y numerados, esta obra de arte transmite una sensación de exclusividad a la vez que amplifica su mensaje político. Al fusionar la estética de las bellas artes con la accesibilidad de las influencias de la cultura urbana y pop, Peterson tiende puentes entre mundos artísticos. Su uso de la serigrafía evoca las tradiciones del Pop Art, a la vez que abraza la energía cruda y urbana propia del grafiti y el arte callejero, asegurando que esta obra conecte con el público contemporáneo. Esta edición limitada funciona como una declaración visual y un llamado a la acción, encarnando la esperanza y la libertad a través de la lente del arte moderno.

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Sin título - Criaturas tiburón corriendo. Obra original única realizada con pintura en aerosol y serigrafía sobre papel de bellas artes por el artista de arte callejero y cultura pop El Pez. 2015. Pintura original en aerosol y serigrafía firmada. Número de serie 1/1. Medidas: 19,75 x 27,63 pulgadas. El PEZ (n. 1976) Sin título, principios del siglo XXI. Serigrafía con retoques manuales en aerosol sobre papel. 70,1 x 50,2 cm (hoja). Ed. 1/1. Firmada y numerada a lápiz en el borde inferior.

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El residuo de la arrogancia. Prueba de impresión de archivo de PP Printers por Eddie Colla. Impresión de edición limitada en papel de bellas artes. Artista pop. Obra de arte moderna. Prueba de impresión PP 2019. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 14 x 24 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. «El residuo de la arrogancia» de Eddie Colla: Un comentario impreso La impresión de archivo «The Residue Of Arrogance» de Eddie Colla, una prueba de imprenta (PP), es una pieza de edición limitada que comunica una poderosa narrativa a través del arte pop urbano. Firmada y marcada por el artista en 2019, esta impresión en papel de bellas artes, de 35,5 x 61 cm (14 x 24 pulgadas), utiliza pigmento de archivo para garantizar su durabilidad. La obra explora temas como la identidad, la resistencia y las estructuras sociales, centrales en el trabajo de Colla. Su arte suele reflexionar sobre el impacto del comercialismo y la intrusión en los espacios públicos, generando diálogos en torno a las dinámicas de poder de la cultura visual. Esta pieza es un ejemplo más de la habilidad de Colla para fusionar las bellas artes con la energía y la conciencia social del arte urbano.

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Compra Yoshinoya Archival Pigment Fine Art Edición limitada Archival Pigment Print en papel Moab Fine Art de 290 g/m² del artista pop Scott Listfield. 2018 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte tamaño 14x18 Impresión con pigmentos de archivo en papel Moab Fine Art de 290 g/m² Tamaño: 14 x 18 pulgadas Lanzamiento: 9 de noviembre de 2018 Tirada: 50

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Compre The Empresses- H10-4 Suiko Pop Street Artwork Impresión de serigrafía Giclee & Giltter de edición limitada en lámina de aluminio del artista moderno de graffiti urbano Damien Hirst. Firmado 2022 Materiales: Impresión Giclée laminada sobre composite de aluminio, serigrafiada con purpurina. Dimensiones de la obra: 100 x 100 cm Detalles adicionales: Firmado y numerado en la etiqueta 39,37x39,37 Suiko, una composición que evoca la vida de muchas maneras, lleva el título de la primera emperatriz registrada de Japón. Aunque la leyenda dice que varias mujeres habían gobernado antes de Suiko (554-628 d. C.), su ascenso al poder después de que su hermano Sushun fuera asesinado en 592 d. C. marcó una ruptura con la tradición de instalar gobernantes masculinos. Suiko es recordada por las influencias chinas y coreanas que trajo al país, incluida la implementación del calendario chino, la llegada de artesanos chinos y coreanos y, quizás lo más notable, el establecimiento del budismo. En Suiko, alas emparejadas de varios tamaños emanan del centro de la obra, produciendo un círculo concéntrico simétrico, un arreglo compositivo que recuerda el simbolismo budista y el ciclo de vida. Este patrón circular está sorprendentemente definido por líneas brillantes de color rojo que cruzan diagonalmente la composición desde el centro para encontrarse con cada esquina. Con las alas colocadas sobre un fondo rojo, las líneas se disparan a través de los pares de alas incorpóreas donde alguna vez existieron los cuerpos. Como ocurre con todas las obras de la serie, Suiko aparece en un constante estado de transformación, las mariposas se mueven y evolucionan a medida que uno permanece frente a la obra. Si bien las complejidades se pueden apreciar realmente de cerca en la impresión, desde lejos la composición adquiere una nueva vida. Desde este punto de vista, Suiko se revela con una disposición de alas en forma de globo, que se organizan en torno al patrón central de círculos concéntricos y se complementan con disposiciones externas de otras alas. Este arreglo es similar a una estructura biológica o molecular, evocadora de los organismos que representa.

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Prueba de artista Relief AP, serigrafía de Pose- Jordan Nickel, impresa a mano en 12 colores sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb con bordes irregulares. Edición limitada. Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2023 Firmada y marcada "AP" Edición limitada Tamaño de la obra: 23 x 30 cm Impresión serigráfica Navegando por los complejos y fascinantes ámbitos del arte pop y urbano, la serigrafía «Relief AP Artist Proof» se erige como un ejemplo paradigmático del arte contemporáneo. Concebida por el ilustre artista Jordan Nickel, conocido en el mundo del arte como «Pose», esta obra encarna su estilo característico: una armoniosa fusión de paletas de colores audaces y patrones intrincados. Realizada meticulosamente con la técnica de serigrafía manual de 12 colores, la obra irradia una riqueza que se complementa con la impecable textura del papel Cover Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. El desbarbado manual del papel subraya el atractivo crudo y táctil de la pieza, añadiendo un toque orgánico a su esencia moderna. Designada como «Prueba de Artista» y marcada con «AP», esta impresión posee un significado especial dentro de la obra del artista. Las Pruebas de Artista se reservan tradicionalmente para la colección personal del artista o para ocasiones especiales, lo que convierte a esta obra en una pieza particularmente codiciada por coleccionistas y aficionados. Esta creación de 2023, de 23x30 cm, no solo está firmada por Pose, sino que también ostenta la prestigiosa marca "AP", que certifica su exclusividad. En "Relief AP Artist Proof", la vívida imaginación de Pose se manifiesta en una sinfonía de colores y formas. Los elementos entrelazados, desde los tonos radiantes hasta los patrones rítmicos, reflejan la convergencia entre la energía cruda del arte urbano y la icónica simplicidad del arte pop. Como testimonio de la contribución de Pose a la escena del arte contemporáneo, esta pieza se erige como un faro que ilumina el camino para futuras exploraciones artísticas.

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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El Colaborador - Edición Limitada Roja, Serigrafía de 2 colores impresa a mano en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Firmada en 2021. 66 x 81 cm. Serigrafía artesanal. Impresa en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 125 ejemplares. El arte de Peterson posee un marcado carácter antisistema, y ​​la ira, como fuerza creativa, está presente en la mayoría de sus obras. El artista es el sujeto de la ira, y con su trabajo se rebela contra el profundo hastío y malestar de la sociedad. Este artista afincado en Los Ángeles es el artífice de una serie de obras distópicas —pinturas, grabados, esculturas y murales— expuestas en Estados Unidos, Europa y Asia.

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Compre KONG Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista Scott Listfield, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte Tamaño 18x24 Artista: Scott Listfield Título: "KONG" Medio: Archival Pigment Edición impresa: 50 Marcas: Firmada y numerada por el artista Dimensiones: 18" x 24"

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Autodescubrimiento - Impresión serigráfica de edición limitada de 6 colores, realizada a mano sobre papel de bellas artes con bordes irregulares, por Mr Brainwash - Thierry Guetta. Arte callejero poco común, famoso artista de arte pop. Edición limitada de 110 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 30 x 22 cm. Autodescubrimiento. Impresión serigráfica de 6 colores en papel de archivo con bordes irregulares. Edición limitada de 110 ejemplares. Certificado de autenticidad. Firmado y con huella dactilar del artista. 30 x 22 cm. Firmado en 2022.

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El Fin Pt2- Mini, Parte de la serie Mini Múltiple de Hechos Verdaderos, Múltiple Original Pintado a Mano (HPM) sobre Panel Enmarcado en Madera, listo para colgar por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Edición limitada HPM firmada y numerada de 20 ejemplares. Tamaño de la obra: 11x11. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación Denial es un artista canadiense que experimenta con aerosol y plantillas, y sus principales intereses son el consumismo, la política y la condición humana en la sociedad actual. Dado que la cultura del grafiti ganaba cada vez más popularidad en Estados Unidos y Europa, los grafiteros debían ser cada vez más originales para destacar. Las firmas se volvieron más grandes, estilizadas y coloridas.

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Woodstock Daze Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Ron English- POPaganda cultura pop LSD artwork. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Chica pintora. Dibujo original a bolígrafo y collage sobre papel de bellas artes del artista James Wilson. Dibujo original firmado, 2022. Bolígrafo, papel recortado, periódico y collage. Tamaño: 5,875 x 8,25 pulgadas. Fecha de lanzamiento: 10 de febrero de 2022. El término "fuera de la red" evoca una visión romántica de la autosuficiencia, el regreso a la naturaleza y a una época más sencilla, lo que a menudo ignora las desventajas de salir de la zona de confort. Esta obra puede considerarse una continuación estética y temática de la colección anterior, "Rupturas y Crisis", donde la idea de una relación rota era el tema central; ahora, el enfoque se centra en explorar territorios desconocidos. Partiendo del método tradicional de dibujo a mano alzada, al recortar físicamente ventanas en las piezas, se trasciende lo conocido y familiar, adentrándose en terrenos experimentales e inexplorados. Estas obras siguen analizando el escapismo desde diferentes perspectivas: el ámbito digital de la realidad virtual, las esperanzas depositadas en las criptomonedas, el valor que proporciona el alcohol o la emoción de los entornos de alto riesgo. Todos ofrecen una recompensa, pero también conllevan sus propios riesgos. Es al explorar más allá de la comodidad de lo seguro y conocido, sin las redes de seguridad habituales, donde se encuentran el peligro y el riesgo, pero también en lo desconocido donde reside el mayor potencial y crecimiento. –James Wilson

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AR-15 Lily - Serigrafía de gran formato, edición limitada, impresa a mano en 4 colores sobre papel de algodón Coventry Rag personalizado por el artista callejero de graffiti Shepard Fairey. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 30 x 41 cm. En el rico tapiz del arte moderno, la serigrafía AR-15 Lily de Shepard Fairey ocupa un lugar destacado. Obra maestra contemporánea, esta impresión de gran formato (30x41 pulgadas) es testimonio de la impecable maestría de Fairey y su profunda comprensión de los problemas sociales. Creada en 2022, la AR-15 Lily, junto con su contraparte, la AK-47 Lotus, refleja la inspiración de Fairey en los icónicos manifestantes contra la guerra de Vietnam. Estas personas valientes, en un gesto simbólico de paz, insertaban flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional, presente para reprimir sus apasionadas reivindicaciones de paz. Shepard Fairey, reconocido artista callejero de graffiti, es conocido por entrelazar la cultura pop, el arte urbano y los acuciantes problemas sociales en sus obras, y esta pieza no es la excepción. Su elección de la técnica de serigrafía a cuatro colores para esta edición limitada de 100 ejemplares irradia exclusividad y distinción. La impresión, meticulosamente elaborada en papel Custom Cotton Coventry Rag, evoca nostalgia y el antiguo conflicto entre la violencia y la paz. La perspectiva de Fairey, como él mismo expresa, es profundamente pacifista. Su obra no es solo una expresión artística, sino un llamado a la diplomacia y la armonía, tanto en el ámbito internacional como en el nacional. Si bien no cuestiona la Segunda Enmienda, su énfasis radica en reducir las muertes innecesarias por violencia armada. En un mundo donde a menudo se difuminan las fronteras entre el arte y el activismo, el compromiso de Fairey con el apoyo a causas sociales resplandece. Una parte de las ganancias de esta obra, por ejemplo, se destina a Brady United, una organización dedicada a la prevención de la violencia armada. «AR-15 Lily» no es solo una obra de arte; es una declaración audaz, una invitación a la reflexión y un testimonio del firme compromiso de Fairey con la promoción de la paz. Las serigrafías de gran formato AK-47 Lotus y AR-15 Lily están inspiradas en los manifestantes contra la guerra de Vietnam que colocaban flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional, enviada para reprimir sus protestas por la paz. Soy pacifista, ya sea buscando soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la guerra a nivel internacional o para prevenir y evitar la violencia armada en mi país. No estoy en contra de la Segunda Enmienda, así que los trolls pueden calmarse… No me interesan las bravuconadas, solo quiero que muera menos gente innecesariamente. Brady United está haciendo un gran trabajo previniendo la violencia armada, por lo que recibirá una parte de las ganancias de estas dos obras. Gracias por su apoyo. -Shepard Fairey

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Abstracción Goteo Ancho Sangre Marrón Obra de Arte Original Única sobre Papel Vitela del Artista Postmoderno Samuel Kamen. Original firmado del siglo XX, 20,5 x 9 cm

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