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Compra SCULPTURE Obra de arte callejero de grafiti pop moderno de edición limitada. 2022 ¿FIRMADO? & Edición Limitada Numerada de XXX Obra Escultura Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Edición limitada de arte fino en tabla de skate naranja, impresión de pigmento de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío por el artista de graffiti callejero Denial. Edición limitada numerada de 25 unidades (2022). Diseño de monopatín. Tamaño: 8,25 x 31,87 pulgadas. Naturalmente, el artista se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su vigencia y su interés por generar comentarios que inviten a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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Ceci N'est Pas Une Spongebob PP Impresión de archivo de Shark Toof Edición limitada Impresión en papel Museum Fine Art de 310 g/m² Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de impresión PP 2019. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 24 x 18 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. "Ceci N'est Pas Une Spongebob, This Is Not A Spongebob" Decodificando "Ceci N'est Pas Une Bob Esponja" de Shark Toof «Ceci N'est Pas Une SpongeBob» es una obra provocativa del reconocido artista urbano Shark Toof, que desafía los límites de la iconografía de la cultura pop dentro del contexto del arte urbano moderno. La obra es una prueba de imprenta (PP) de archivo de 2019, meticulosamente firmada y marcada por el artista, lo que la convierte en una pieza de colección excepcional. Impresa en papel Museum Fine Art de 310 g/m², esta pieza ejemplifica la alta calidad del soporte que Shark Toof utiliza para garantizar la durabilidad y la profundidad del color, aspectos cruciales para la técnica de pigmentos de archivo que caracteriza a esta obra. Una fusión de arte callejero y cultura pop Esta obra es un testimonio de la fusión entre el arte pop callejero y el grafiti con símbolos de la cultura pop dominante. Shark Toof toma la figura universalmente reconocida de Bob Esponja y la distorsiona, presentando una imagen que a la vez reconoce y subvierte al personaje original. El título mismo, un guiño a "La traición de las imágenes" de René Magritte, invita a los espectadores a cuestionar la naturaleza de la representación y la realidad en el arte. La obra de Shark Toof sugiere que la imagen de Bob Esponja que vemos no es el personaje en sí, sino una representación sesgada por la perspectiva del artista y el contexto cultural en el que se observa. Comentario artístico de Shark Toof En «Ceci N'est Pas Une SpongeBob», Shark Toof no se limita a replicar un personaje querido; inicia un diálogo sobre la saturación de iconos mediáticos en la sociedad y el consumo de estas imágenes. La distorsión y descomposición de los rasgos de Bob Esponja invitan al público a reflexionar sobre cómo los medios de comunicación moldean y, a veces, distorsionan nuestras percepciones. Esta obra captura el espíritu del arte pop urbano al utilizar la esencia espontánea y rebelde del grafiti para comentar y criticar ciertos fenómenos. Las texturas superpuestas y los colores vibrantes revelan la compleja relación entre la imaginería comercial y la expresión artística. La pieza explora la tensión entre la naturaleza efímera del arte urbano y la perdurabilidad de las láminas artísticas. Shark Toof tiende un puente entre dos mundos aparentemente dispares al elegir a Bob Esponja, un icono de una serie infantil animada, y situarlo en el sofisticado ámbito de las ediciones limitadas. Esta yuxtaposición desafía la comprensión del espectador sobre qué constituye arte «legítimo», cuestionando las jerarquías dentro del mundo del arte. Con «Ceci N'est Pas Une SpongeBob», Shark Toof contribuye al debate sobre el valor y la importancia del arte pop urbano y el grafiti en la cultura contemporánea. Al recontextualizar una figura del léxico de los medios populares, le otorga un nuevo significado y la eleva al canon artístico. Esta obra es un espectáculo visual con una fuerte carga intelectual, que invita a reflexionar sobre la naturaleza del arte, la influencia de los medios y el poder del arte urbano para transformar y trascender objetos y personajes cotidianos en extraordinarias piezas de comentario cultural.

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Ascensión - Impresión artística de archivo con muestra de tela usada por Muhammad Ali, con una auténtica muestra de tela usada a mano por el artista de la cultura pop callejera Robert Mars. Impresión de pigmentos de archivo de la Ascensión de Muhammad Ali con muestra de tela auténtica de las vendas de entrenamiento originales de Muhammad Ali. Impresa en papel Hahnemühle William Turner mate de bellas artes de 310 g/m², con bordes irregulares hechos a mano. Medidas: 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas). Firmada y numerada a mano por el artista Robert Mars. Se acompaña de una copia de la carta de procedencia original firmada el 4 de abril de 2012 por Daria Muhammad, hija de Wali Muhammad, asistente de entrenamiento y entrenador de esquina de Ali durante muchos años, por JG Autographs.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Chum 22 Orange Art Toy de Kaws - Escultura de vinilo de edición limitada de Brian Donnelly, obra de arte coleccionable del artista pop callejero. Obra de arte de edición limitada 2022 (agotada) Tamaño: 7,7 x 11,6 x 3,5 pulgadas. Nueva en caja. Pie estampado/impreso que representa a Orange KAWS Chum Close Friend de pie con las manos en las caderas. Obra del artista Kaws - Brian Donnelly. Nuevo en caja. La extraordinaria obra "Chum 22 Art Toy", concebida por el ilustre Kaws, también conocido como Brian Donnelly, tiende un puente entre el arte contemporáneo y la calle. Esta singular escultura de vinilo, lanzada en 2022, exhibe los intrincados detalles y los motivos icónicos característicos de la obra del artista. Impregnada de colores vibrantes y un diseño que evoca la estética urbana, esta pieza, con unas impresionantes dimensiones de 19,5 x 29,5 x 9 cm, demuestra que el arte puede ser compacto e impactante. Kaws, con una trayectoria arraigada en el arte callejero y el grafiti, siempre ha sabido trascender los límites tradicionales del arte. Su "Chum 22 Art Toy" no es una excepción. Manifiesta la esencia de su arte, caracterizada por una figura conocida como "Chum", un amigo cercano del artista, posando con confianza con las manos en las caderas. Esta postura encarna un espíritu desafiante, un guiño al espíritu contracultural que defiende el arte callejero. Además, la atención al detalle es evidente, especialmente en el pie estampado o impreso de la figura, lo que demuestra el compromiso de Kaws con la autenticidad y la originalidad. Recién salida del estudio y aún en su embalaje original, esta obra de arte de edición limitada, ya agotada, es una pieza preciada tanto para coleccionistas como para aficionados. Ejemplifica cómo el arte urbano, a menudo visto como temporal y efímero, puede inmortalizarse y celebrarse en formas tangibles. Mediante estas creaciones, Kaws sigue desafiando las percepciones, instando a la sociedad a reconocer y apreciar el valor artístico inherente a la cultura urbana.

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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Impresión de archivo de fin de temporada de Dulk- Antonio Segura Donat. Edición limitada en papel de bellas artes. Artista callejero de graffiti pop. Obra de arte moderna. Impresión firmada y numerada de 2018. Edición limitada de 50 ejemplares. Tamaño de la obra: 20x20. Impresión artística con pigmentos de archivo de un pájaro estilizado compuesto de flores coloridas en un entorno de fantasía surrealista. La esencia artística de “End Of Season” de Dulk - Antonio Segura Donat «Fin de Temporada» es una impactante impresión de archivo del artista Dulk, seudónimo de Antonio Segura Donat, reconocido por sus incursiones en el arte pop, el arte urbano y el grafiti. Esta obra de edición limitada de 2018 es única, con solo 50 copias firmadas y numeradas, cada una de 50x50 cm. Realizada en papel de bellas artes, la pieza muestra la habilidad de Dulk para fusionar elementos naturales con toques surrealistas, presentando un ave estilizada que es una amalgama de flores coloridas sobre un fondo fantástico. La obra es un testimonio de la visión de Dulk, donde la flora y la fauna se unen para crear un ave que no existe en la realidad, pero que cobra vida en la imaginación. Esta ave está compuesta por una diversa paleta de flores, cada pétalo y color cuidadosamente seleccionados para contribuir a la armonía general de la pieza. El paisaje surrealista en el que reside el ave acentúa aún más el tema fantástico, invitando a los espectadores a un mundo donde el fin de una estación trae consigo una transformación literal y metafórica. Brillantez técnica y simbolismo en la obra de Dulk Para crear «Fin de temporada», Dulk emplea la impresión artística con pigmentos de archivo, un método reconocido por su durabilidad y su capacidad para reproducir fielmente los colores y detalles originales de las obras. Esta técnica garantiza que cada impresión conserve la viveza y profundidad de la pintura original del artista, permitiendo que la obra perdure en el tiempo. El papel de bellas artes añade una dimensión táctil a las impresiones, otorgándoles una presencia que evoca la solidez de una pieza de galería. El simbolismo de «Fin de temporada» es complejo y refleja la reflexión del artista sobre el ciclo de la vida y la belleza efímera de la naturaleza. El ave, criatura a menudo asociada con la libertad y el cambio de estaciones, se representa en un estado de espléndida decadencia, con su cuerpo floreciendo y marchitándose a la vez, simbolizando el inevitable paso de la vida a la muerte, de la vitalidad al letargo. Arte pop callejero y graffiti: La contribución de Dulk al arte contemporáneo Dulk es un artista que transita entre el arte urbano, el arte pop y las bellas artes, y "End Of Season" es un ejemplo paradigmático de su capacidad para crear obras que se integran con igual maestría en los muros de una ciudad que en la galería privada de un coleccionista. Su carácter de edición limitada aumenta su atractivo, convirtiéndola en una joya única dentro del panorama del arte moderno. La influencia del artista en el arte pop urbano y el grafiti es considerable. Sus colores vibrantes y temas fantásticos capturan la esencia de la audacia del grafiti y el atractivo masivo del arte pop. La obra de Dulk conecta con un público amplio, atrayendo tanto a quienes se dejan cautivar por la belleza y la complejidad de la naturaleza como a quienes se sienten atraídos por los elementos fantásticos y surrealistas del arte urbano. "End Of Season" contribuye significativamente al debate sobre qué constituye el arte moderno dentro del género del arte urbano. Trasciende los límites tradicionales, invitando al espectador a descubrir la belleza efímera y a apreciar el arte que transforma el fin de una estación en una celebración visual de la naturaleza cíclica de la vida. La narrativa artística de Dulk pone de manifiesto el poder transformador del arte, ya sea en el lienzo del mundo natural o en las superficies de hormigón de los entornos urbanos.

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Maniquí 3 Escultura original de técnica mixta Obra de arte del artista callejero de graffiti y artista pop moderno Denial. Escultura original firmada de 2013 cubierta con cientos de pegatinas de marcas personalizadas. Tamaño de la obra: 51 x 26. El artista canadiense Denial y el australiano Ben Frost han unido fuerzas en una audaz exposición de nuevas obras que exploran los límites de la apropiación al confrontar las reinterpretaciones de nuestra sociedad distópica actual. En la dinámica intersección del arte pop urbano y el grafiti, la escultura original de técnica mixta «Mannequin 3», del artista conocido como Denial, se erige como un contundente comentario sobre la cultura de consumo y la omnipresencia de las marcas en la vida moderna. Esta escultura original, firmada en 2013, es una profunda exploración de la identidad y el materialismo, meticulosamente cubierta con cientos de pegatinas de marcas personalizadas, cada una un testimonio del alcance omnipresente de la influencia comercial. Denial, artista canadiense, se ha labrado una reputación por sus obras provocadoras que a menudo incorporan elementos del arte pop con un toque subversivo, desafiando a los espectadores a reconsiderar su entorno y los mensajes con los que son bombardeados diariamente. Esta pieza en particular, con su maniquí de tamaño natural, se convierte en un lienzo que refleja la obsesión de nuestra sociedad por las marcas y la mercantilización de la identidad humana. El maniquí se transforma en un mosaico de logotipos comerciales, cada pegatina colocada con precisión para crear un tapiz que resulta a la vez familiar e inquietante. Esta escultura simboliza el estilo del artista, que a menudo fusiona el humor con la crítica y difumina las fronteras entre la alta y la baja cultura. Al apropiarse de los símbolos mismos de la sociedad consumista, Denial invita a reflexionar sobre el valor que otorgamos a las identidades de marca y su presencia invasiva en nuestras vidas. Las dimensiones de la obra, 51 x 26 cm, le confieren una presencia ineludible, dominando el espacio y exigiendo contemplación. A través de «Mannequin 3», Denial, en colaboración con Ben Frost, artista australiano conocido por su obra provocadora, invita a los espectadores a explorar las complejidades de la apropiación y el papel de las marcas en nuestra comprensión del mundo. La escultura no es solo un objeto de arte; es una declaración sobre el estado de nuestra sociedad, una sociedad en la que la línea entre persona y producto se desdibuja cada vez más.

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Dibujo de la Mona Lisa para la pausa del café. Serigrafía monocromática impresa a mano sobre papel tejido de bellas artes por el artista de grafiti pop Madsaki. Obra de arte callejero rara, edición limitada. Edición limitada firmada de 100 ejemplares de esta obra de arte de 2020. Tamaño: 20,25 x 28,75 pulgadas. La escena del arte contemporáneo es un panorama en constante evolución, repleto de propuestas experimentales y obras vanguardistas que desafían las normas artísticas tradicionales. Un ejemplo brillante de esta tendencia es «El dibujo de la Mona Lisa en la pausa del café», una obra creada por el reconocido artista de grafiti pop Madsaki. Su interpretación de la obra maestra de Leonardo da Vinci reinventa la imagen icónica, ofreciendo una perspectiva fresca a la vez que rinde homenaje al original. Mediante una fusión de inspiración clásica y ejecución moderna, la obra de Madsaki representa la unión del pasado y el presente, llevando el arte urbano y el arte pop al ámbito del arte culto. Empleando la técnica de serigrafía monocromática sobre papel de bellas artes tejido, la interpretación de Madsaki enfatiza la esencia cruda y los intrincados detalles del arte urbano. La serigrafía destaca por su versatilidad, permitiendo la aplicación de colores vibrantes y diseños complejos. La elección del papel de bellas artes tejido añade una profundidad texturizada a la obra, enriqueciendo la experiencia táctil de contemplarla. La decisión de Madsaki de emplear estos materiales y técnicas demuestra su dedicación a preservar la autenticidad del arte urbano y el grafiti, elevándolo a un nivel de sofisticación que conecta tanto con aficionados como con coleccionistas. El año 2020 marcó un hito para Madsaki y sus seguidores, con el lanzamiento de «Dibujo de la Mona Lisa en la pausa del café», una obra de edición limitada de tan solo 100 copias. Cada pieza fue firmada por el propio artista, añadiendo un elemento de exclusividad y conexión personal para los coleccionistas. Con unas dimensiones de 51,4 x 73 cm, el tamaño de la obra realza su importancia, convirtiéndola en una pieza impactante apta para diversos espacios. Estas ediciones limitadas suelen convertirse en tesoros codiciados en el mundo del arte, pues encarnan tanto la visión del artista como un instante de un momento concreto en la historia del arte. Dentro del debate sobre el arte pop, el arte urbano o el grafiti, «Dibujo de la Mona Lisa en la pausa del café» de Madsaki destaca por varias razones. En primer lugar, desafía las fronteras tradicionales entre el arte «culto» y el «popular». Al tomar una obra clásica venerada y presentarla a través del prisma del arte urbano, Madsaki invita a los espectadores a reconsiderar sus ideas preconcebidas sobre lo que constituye el «arte clásico». Además, la obra sirve como testimonio de la creciente aceptación y reconocimiento del arte urbano y el grafiti dentro de los círculos artísticos convencionales. Artistas como Madsaki no solo se rebelan contra las normas tradicionales; las transforman y redefinen. En el ámbito del arte moderno, el «Dibujo de la Mona Lisa en la pausa del café» de Madsaki se erige como un faro, ilustrando las posibilidades ilimitadas que surgen cuando las inspiraciones clásicas se encuentran con las interpretaciones contemporáneas. A medida que el arte continúa evolucionando, son obras como esta las que serán recordadas por su audacia, creatividad y profundo impacto en el panorama artístico mundial.

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Impresión serigráfica de 11 colores realizada a mano con la imagen de un perezoso, con pan de oro de 24 quilates sobre papel Somerset Satin Fine Art de 310 g/m² tamaño bañera, con bordes irregulares, del artista Insane51. Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada en 2022. Tamaño de la obra: 23,62 x 23,62. Su apariencia varía al pasar por filtros de luz anaglíficos rojos y azules. El mundo del arte contemporáneo, en particular dentro del arte pop, el arte urbano y el grafiti, está en constante evolución, superando continuamente los límites y desafiando las convenciones. En este dinámico panorama, la serigrafía "Sloth Silkscreen Print" de Insane51 emerge como una obra singular que encapsula la esencia de la expresión artística moderna. Elaborada meticulosamente, la obra es un testimonio de la destreza e ingenio de Insane51, artista reconocido por su enfoque único y sus técnicas innovadoras. En el corazón de esta creación se encuentra la serigrafía, una técnica que ha sido sinónimo de arte pop desde sus inicios. Insane51 aprovecha este método, superponiendo colores y patrones para dar vida a una pieza que resuena con profundidad y complejidad. La intrincada yuxtaposición de tonalidades, desde los llamativos rojos y azules hasta los matices más profundos y sombríos, conforma una imagen tan cautivadora como sugerente. La figura central, un rostro etéreo y misterioso rodeado de elementos surrealistas, sumerge al espectador en una narrativa que tiende un puente entre lo tangible y lo abstracto. En su totalidad, la serigrafía "Sloth Silkscreen Print" es más que una simple obra de arte; es un reflejo del espíritu de la época del arte urbano contemporáneo. Evoca las voces de las calles, los callejones y los paisajes urbanos, capturando la esencia y la energía que impulsan el mundo del arte callejero y el grafiti. Con esta obra maestra, Insane51 ofrece tanto a los aficionados como a los críticos del arte una visión del futuro del arte, donde la tradición se fusiona a la perfección con la innovación, y donde el lienzo se convierte en un portal a dimensiones alternativas de pensamiento e interpretación.

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El Ramo de Flores 87, una pintura al óleo original de Peter Keil, es una obra de arte única sobre un panel de masonita del Hombre Salvaje de Berlín, un famoso artista contemporáneo. 1987. Firmado y fechado por Peter Keil. Óleo sobre panel de masonita. Obra original de 24x24 pulgadas. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que pueden presentar desconchones debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo. Representa un ramo de flores en un jarrón. "Ramo de flores '87" de Peter Keil: Una celebración del color y la forma "Ramo de flores '87", una extraordinaria pintura al óleo original de Peter Keil, exhibe el estilo característico del artista conocido cariñosamente como "El Salvaje de Berlín". Creada en 1987 y firmada con audacia, esta pintura de 61x61 cm sobre panel de masonita captura la vitalidad y la energía dinámica de la obra de Keil. Reconocido por su densa aplicación de pintura, la maestría de Keil en esta pieza demuestra el potencial de textura y dimensión que ofrece la pintura al óleo. Con el paso del tiempo, parte de esta pintura texturizada se ha desconchado, algo común en la obra de Keil, lo que le confiere a la pintura un carácter histórico que narra su evolución a través del tiempo. La obra presenta un jarrón de flores, un tema clásico del bodegón, que Keil reinterpreta con su singular mezcla de expresionismo y estilo urbano. En "Ramo de flores '87", el tema tradicional del bodegón se revitaliza a través de la mirada de Keil, que introduce la exuberante estética del arte pop urbano y el grafiti. La pintura prescinde de la sutileza en favor de una presentación audaz y directa, con flores representadas en un estilo que roza la abstracción. Las formas caprichosas y los colores exagerados evidencian la influencia del arte pop, mientras que el trazo libre y los tonos vibrantes evocan el atractivo crudo del grafiti. La obra sirve de puente, fusionando los mundos históricamente distintos de las bellas artes y el arte urbano, e invita a los espectadores a conectar con ella a un nivel visceral. El mérito artístico del enfoque de Keil El mérito artístico de "Ramo de flores '87" de Keil reside en su celebración sin complejos del color y la forma. Su obra desafía las limitaciones de la pintura de bodegones tradicional, insuflándole nueva vida al género con su enfoque innovador. El uso de masonita como soporte refuerza la preferencia de Keil por materiales robustos y fiables que permitan su enérgica aplicación de pintura al óleo. La superficie lisa de la masonita es el lienzo perfecto para las gruesas capas escultóricas de pintura, que aportan profundidad y complejidad a la composición. Además, la pintura de Keil es un testimonio de la naturaleza perdurable del arte. La presencia de pintura descascarada revela los efectos del tiempo, pero también resalta la belleza intrínseca que se encuentra en el envejecimiento natural de la obra de arte. Este aspecto de la obra de Keil resuena especialmente con el espíritu del arte urbano y el arte pop, que a menudo abrazan el concepto de impermanencia y la belleza inherente a la decadencia. "Ramo de flores '87" no solo representa una escena; narra la historia de su existencia a través de su estado de evolución. El legado de Keil en la fusión de géneros artísticos "Ramo de flores '87" es emblemático del legado de Peter Keil en la fusión de géneros artísticos. Su enfoque de la naturaleza muerta refleja una tendencia significativa en el arte contemporáneo: la ruptura de las barreras entre la alta y la baja cultura, entre la galería y la calle. La obra de Keil desafía las nociones preconcebidas de las bellas artes, ampliando los límites de la expresión y el medio. Con sus pinceladas enérgicas y su paleta llamativa, esta pintura es un poderoso ejemplo de la influencia de Keil en el arte moderno, particularmente en el arte pop urbano y el grafiti. La contribución de Keil al arte contemporáneo es significativa en sus elecciones estilísticas y su filosofía sobre la creación y el consumo de arte. Democratiza el arte al llevar la sensibilidad del arte urbano al espacio de la galería, haciéndolo accesible y cercano a un público amplio. "Ramo de flores '87", como representación de la obra de Keil, subraya la capacidad del artista para cautivar la imaginación del espectador y transmitir emociones a través del vibrante lenguaje de la pintura. «Ramo de flores» '87 constituye una declaración de la profunda y positiva contribución de Peter Keil al arte. Su superficie texturizada, sus colores vibrantes y su presencia dinámica ofrecen una perspectiva novedosa del género de la naturaleza muerta, a la vez que rinden homenaje a las tradiciones del arte pop urbano y el grafiti. La pintura de Keil sigue cautivando al público y reafirmando su lugar como una figura clave del arte contemporáneo, cuya obra trasciende el tiempo y continúa inspirando el diálogo y la pasión por las artes.

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Consistencia- 5 Pintura original en aerosol, acrílico y técnica mixta sobre panel de madera enmarcado por Cope2 Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. En los últimos años, Cope2 ha recibido encargos de Time Magazine, Converse y Adidas, entre otras marcas. Su trabajo incluso ha trascendido al mundo virtual, con apariciones en videojuegos como Mark Eckos: Getting Up y Rockstar Games: Grand Theft Auto IV. A mediados de la década de 1990, Cope2 comenzó a transitar lentamente de las calles al circuito artístico de las galerías. En aquel entonces, el arte callejero no era tan popular como lo es hoy en día, y la percepción general que tenía del mismo aún estaba intrínsecamente ligada a los barrios marginales, el narcotráfico, etc. El artista nunca ha ocultado su problemático pasado y evita idealizarlo para impulsar su carrera y su imagen artística. Al contrario, menciona lo siguiente: «Hombre, no hay nada de qué enorgullecerse en la vida callejera, pero tuve a mi primer hijo a los 16 años. Así que tuve que ganar dinero para mantenerlo a él y a su madre».

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AK-47 Lotus - Serigrafía de gran formato, edición limitada, impresa a mano a 4 colores sobre papel de algodón Coventry Rag personalizado por el artista callejero de graffiti Shepard Fairey. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 30 x 41 cm. En el rico tapiz del arte moderno, la serigrafía AR-15 Lily de Shepard Fairey ocupa un lugar destacado. Obra maestra contemporánea, esta impresión de gran formato (30x41 pulgadas) es testimonio de la impecable maestría de Fairey y su profunda comprensión de los problemas sociales. Creada en 2022, la AR-15 Lily, junto con su contraparte, la AK-47 Lotus, refleja la inspiración de Fairey en los icónicos manifestantes contra la guerra de Vietnam. Estas personas valientes, en un gesto simbólico de paz, insertaban flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional, presente para reprimir sus apasionadas reivindicaciones de paz. Shepard Fairey, reconocido artista callejero de graffiti, es conocido por entrelazar la cultura pop, el arte urbano y los acuciantes problemas sociales en sus obras, y esta pieza no es la excepción. Su elección de la técnica de serigrafía a cuatro colores para esta edición limitada de 100 ejemplares irradia exclusividad y distinción. La impresión, meticulosamente elaborada en papel Custom Cotton Coventry Rag, evoca nostalgia y el antiguo conflicto entre la violencia y la paz. La perspectiva de Fairey, como él mismo expresa, es profundamente pacifista. Su obra no es solo una expresión artística, sino un llamado a la diplomacia y la armonía, tanto en el ámbito internacional como en el nacional. Si bien no cuestiona la Segunda Enmienda, su énfasis radica en reducir las muertes innecesarias por violencia armada. En un mundo donde a menudo se difuminan las fronteras entre el arte y el activismo, el compromiso de Fairey con el apoyo a causas sociales resplandece. Una parte de las ganancias de esta obra, por ejemplo, se destina a Brady United, una organización dedicada a la prevención de la violencia armada. «AR-15 Lily» no es solo una obra de arte; es una declaración audaz, una invitación a la reflexión y un testimonio del firme compromiso de Fairey con la promoción de la paz. Las serigrafías de gran formato AK-47 Lotus y AR-15 Lily están inspiradas en los manifestantes contra la guerra de Vietnam que colocaban flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional, enviada para reprimir sus protestas por la paz. Soy pacifista, ya sea buscando soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la guerra a nivel internacional o para prevenir y evitar la violencia armada en mi país. No estoy en contra de la Segunda Enmienda, así que los trolls pueden calmarse… No me interesan las bravuconadas, solo quiero que muera menos gente innecesariamente. Brady United está haciendo un gran trabajo previniendo la violencia armada, por lo que recibirá una parte de las ganancias de estas dos obras. Gracias por su apoyo. -Shepard Fairey

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Escultura de técnica mixta Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix. Edición limitada. Obra de arte urbano pop moderno tipo graffiti. Edición limitada de 500 piezas, sellada y numerada de 2023. Escultura de obra de arte. Tamaño de la figura: 2 x 7,3. Cuenco: 8,27 x 8,27. Nuevo en caja. La síntesis artística de la cultura pop y el arte callejero: Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix En el ámbito del grafiti pop moderno y el arte urbano, "Popcorn Bowie", una escultura de técnica mixta de Yusuke Hanai en colaboración con Netflix, se erige como una pieza significativa. Esta creación de 2023 es un testimonio del talento del artista y un comentario cultural que conecta el mundo del entretenimiento con las bellas artes. Con un diseño único, la figura está sellada y numerada como una edición limitada de 500 ejemplares, lo que garantiza su estatus como pieza de colección. La escultura en sí es compacta, con unas dimensiones de 5 x 18,5 cm, y se presenta con un cuenco de 21 x 21 cm, nuevo en su caja. Yusuke Hanai, artista japonés conocido por su estilo distintivo que bebe de la estética tradicional japonesa y la cultura global del surf, ha dotado a "Popcorn Bowie" de un carácter lúdico a la vez que reflexivo. Esta obra es una oda a la era del arte pop urbano, donde convergen la espontaneidad del grafiti y la fascinación del arte pop por la cultura de masas. La escultura rinde homenaje a la icónica figura de David Bowie, un tema idóneo para una obra que busca plasmar el espíritu del arte pop, con su constante diálogo con la cultura popular y la fama. La postura relajada de la figura, junto con la inclusión de un cuenco de palomitas, sugiere un momento de ocio y entretenimiento, temas recurrentes en la obra de Hanai. El título de la obra, «Popcorn Bowie», evoca una sensación de disfrute informal a la vez que hace referencia al legendario icono musical conocido por su personalidad transformadora e innovadora. Esta dualidad es la esencia del arte pop urbano: el encuentro cotidiano entre lo extraordinario y lo mundano, salpicado de destellos de genialidad. Materialidad y significado en Popcorn Bowie: un artefacto contemporáneo Materialmente, "Popcorn Bowie" es una sinfonía de diversos medios, representativa de la tradición del arte pop urbano que utiliza materiales variados para crear obras multifacéticas. La naturaleza mixta de la escultura —que probablemente incluye elementos como resina, pintura y posiblemente sustancias más inusuales— resuena con el principio del arte del grafiti, que utiliza cualquier material disponible para comunicarse con el público. Cada escultura, parte de una serie limitada, lleva la marca de la exclusividad y es una pieza tangible de la visión de Hanai, sellada y numerada para certificar su autenticidad y valor como pieza de colección. La narrativa que encapsula "Popcorn Bowie" refleja la época: una obra moderna que bebe de diversas facetas de la vida contemporánea. La colaboración con Netflix, gigante del entretenimiento moderno, destaca la intersección entre las raíces underground del arte urbano y los fenómenos culturales dominantes. Esta alianza es un testimonio de la naturaleza evolutiva del arte pop urbano y el grafiti, donde los movimientos contraculturales ahora interactúan abiertamente con entidades corporativas, marcando un nuevo capítulo en la historia de esta forma de arte. Implicaciones culturales de la colaboración de Yusuke Hanai con Netflix Las implicaciones culturales de esta colaboración son enormes. «Popcorn Bowie» de Yusuke Hanai se convierte en un deleite visual y un símbolo de la época. Representa la ruptura de barreras entre las distintas disciplinas artísticas y el creciente reconocimiento del arte pop urbano dentro del contexto más amplio de la producción cultural. La conexión de la escultura con Netflix —plataforma que ha revolucionado la forma en que se cuentan y consumen las historias— le añade una dimensión contemporánea, convirtiéndola en un artefacto moderno que es a la vez obra de arte y comentario cultural. En esencia, «Popcorn Bowie» es más que una escultura; es una pieza que invita a la reflexión sobre la naturaleza del arte, el entretenimiento y los espacios que los conectan. Como obra de edición limitada, representa la visión única del artista y captura el espíritu de la época en que fue creada. Los coleccionistas y admiradores del arte pop callejero y del graffiti encontrarán en "Popcorn Bowie" una convergencia de jovialidad y profundidad, un sello distintivo del viaje artístico de Yusuke Hanai y un ejemplo vibrante de la continua evolución del arte inspirado en la calle.

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Fiestas y chismes 18 Pintura original de técnica mixta HPM, tinta serigráfica, acrílico y pintura en aerosol sobre papel de bellas artes de 250 g/m² de Greg Gossel, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada HPM de 2015, firmada y numerada (24 ejemplares). Obra de arte con detalles ornamentales. Tamaño: 18 x 18 pulgadas. «Esta es una serie de 24 obras de edición variada sobre papel y 6 paneles originales de madera, basados ​​en un gran lienzo de 2,4 x 2,4 metros que creé el pasado diciembre en el evento de pintura en vivo de la Heineken House en SCOPE Miami Beach. Cada pieza de la serie es diferente de la anterior. El proceso comenzó con diversas capas espontáneas impresas mediante serigrafía, seguidas de elementos más planificados, lo que creó una yuxtaposición realmente interesante de estructura y caos a lo largo de la serie.» - Greg Gossel

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Aki Sharks #2 Dibujo original a mano con rotulador sobre lienzo del artista de arte callejero moderno de tendencia Akinori Oishi. Dibujo original firmado a rotulador sobre lienzo sin bastidor, 2014. Medidas de la obra: 11 x 13,25 pulgadas. Printed Oceans es el programa de láminas artísticas de la Fundación PangeaSeed que busca crear conciencia y educar sobre los problemas ambientales marinos más urgentes a través de la mirada de algunas de las mentes creativas más respetadas de la actualidad. Desde 2012, hemos publicado más de 100 ediciones originales de láminas artísticas que destacan especies marinas en peligro de extinción y hábitats oceánicos. Estas magníficas ediciones ayudan a llevar historias importantes sobre conservación a hogares y espacios de trabajo de todo el mundo, generando un diálogo crucial e inspirando acciones positivas. Al adquirir estas obras de arte de edición limitada, elaboradas artesanalmente con esmero, no solo impulsas el trabajo pionero de la Fundación PangeaSeed en comunidades de todo el mundo, sino que también contribuyes al sustento de nuestros artistas activistas. Juntos, a través del arte y el activismo, podemos ayudar a salvar nuestros océanos.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Saboteur, edición limitada, serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel de algodón 100% de calidad de archivo, por Dave Kinsey, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Prueba de artista AP 2010 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 24x18 La esencia de la rebelión en El saboteador de Kinsey Dave Kinsey, artista urbano que ha causado gran impacto en el arte pop moderno, presenta una obra cautivadora: la serigrafía de edición limitada "Saboteur". Esta impresión serigráfica a tres colores, realizada a mano sobre papel de algodón 100% libre de ácido, refleja la esencia del arte pop urbano y el grafiti: una fusión de atractivo estético y un mensaje contundente. Creada en 2010, "Saboteur" no solo es una obra visualmente impactante, sino también cargada de simbolismo y significado. La obra demuestra la habilidad de Kinsey para utilizar paletas de colores limitadas y crear profundidad y narrativa. El marcado contraste del fondo naranja con la imagen en blanco y negro de la Estatua de la Libertad capta de inmediato la atención del espectador. La elección de la Estatua de la Libertad como figura central es sumamente evocadora, simbolizando la libertad y el espíritu estadounidense. Sin embargo, la representación de Kinsey no es una exaltación del triunfo patriótico, sino una crítica sutil, quizás un comentario sobre el estado de la libertad en la sociedad contemporánea. Una pieza de edición limitada con un mensaje atemporal Esta obra, marcada como Prueba de Artista (PA), certifica su condición de parte de una colección exclusiva de grabados que el artista suele conservar para uso personal o vender como piezas valiosas a coleccionistas. El grabado, de 61 x 46 cm (24 x 18 pulgadas), es significativo no solo por su tamaño, sino también por su exclusividad y la firma del artista. Los coleccionistas y admiradores de la obra de Kinsey reconocen el valor de esta pieza por su calidad estética y su potencial como inversión y objeto histórico. «El Saboteador» es una muestra del dominio de Kinsey en la serigrafía, técnica que exige precisión y destreza. El método manual empleado por Kinsey garantiza que cada grabado sea único, con ligeras variaciones que hacen de cada pieza una obra irrepetible. El uso de papel de algodón 100% libre de ácido, de calidad de archivo, avala la calidad y durabilidad del grabado, diseñado para resistir el paso del tiempo sin perder su color ni su integridad. El impacto de 'Saboteur' en el arte pop callejero y el grafiti En el contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti, «El Saboteador» destaca como un referente del estilo de Kinsey y del matiz político que suele caracterizar este género. El arte urbano, conocido por su carácter efímero, se plasma en muros y superficies del espacio público. Al transformar esta obra en una serigrafía, Kinsey tiende un puente entre la fugacidad del arte urbano y la perdurabilidad de las bellas artes. Esta pieza permite que el espíritu rebelde del arte urbano llegue a hogares y galerías, preservando su mensaje y estética para las generaciones futuras. «El Saboteador» no es solo una obra de arte; es un tema de conversación, una declaración y un hito histórico. Captura las emociones turbulentas y el discurso crítico de la época en que fue creada, pero su mensaje permanece atemporal. Como obra de arte pop moderno, encarna la atmósfera cultural y política de principios del siglo XXI, reflejando la percepción del artista sobre la libertad y las estructuras sociales que la rigen. El legado perdurable de Dave Kinsey y el lugar de «Saboteur» en él El legado de Dave Kinsey como figura influyente del arte pop urbano y el grafiti se consolida aún más con obras como «Saboteur». Ha demostrado consistentemente su capacidad para transmitir mensajes poderosos a través de su arte; esta obra no es la excepción. Al igual que muchas grandes obras del arte pop urbano, «Saboteur» invita a la reflexión crítica sobre los símbolos e instituciones que a menudo se dan por sentados. Para coleccionistas, aficionados y estudiantes del arte pop urbano y el grafiti, «Saboteur» representa la cúspide de la trayectoria artística de Kinsey, encapsulando su mensaje, su técnica y su método. Piezas como esta aseguran que el lugar de Kinsey en la historia del arte moderno sea firme y venerado. Con el paso del tiempo, «Saboteur» seguirá resonando e inspirando, al igual que el espíritu perdurable del movimiento del arte urbano del que surgió.

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Arte callejero Shatter Art, técnica mixta de madera y epoxi sobre fondo callejero. Escultura/pintura firmada y enmarcada del artista de la cultura pop callejera Sechor. Obra de arte firmada de 2021. Tamaño 20x20. Lista para colgar. Enmarcada. Escultura original de arte mural en técnica mixta hecha de epoxi mezclado con virutas de madera sobre una señal de calle real de "No entrar" en un marco hecho a mano, lista para colgar.

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El Colaborador - Edición Limitada Roja, Serigrafía de 2 colores impresa a mano en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Se observa a un personaje de pie con las manos esposadas y levantadas sobre la cabeza; el otro se encuentra en primer plano, mostrando la silueta de un agente de policía sentado que blande un rifle. El arte de Peterson posee un marcado carácter antisistema, y ​​la ira, como fuerza creativa, está presente en la mayoría de sus obras. El artista es el sujeto de la ira, y con su trabajo se rebela contra el profundo hastío y malestar de la sociedad. Este artista afincado en Los Ángeles es el artífice de una serie de obras distópicas —pinturas, grabados, esculturas y murales— expuestas en Estados Unidos, Europa y Asia.

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Lizard Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Stanley Mouse Arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Edición limitada de lámina artística de pigmento de archivo Foundation sobre papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista de graffiti callejero pop moderno Koe Rodriguez. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Tamaño: 66 x 24 pulgadas. Lanzamiento: 11 de agosto de 2021. Tirada: 15 ejemplares.

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Obra de arte de Rabbit House, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de propaganda Ron English- POPaganda. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2013). Tamaño: 32 x 27 cm. «Rabbit House» es una cautivadora obra de Ron English-POPAganda, artista reconocido por su contribución al movimiento del arte propagandístico, que critica la cultura contemporánea mediante la fusión del arte culto y el popular. Esta edición limitada de impresión giclée en papel de bellas artes muestra la maestría de English al yuxtaponer el surrealismo con una paleta hipersaturada, creando una pieza que es a la vez un deleite visual y un profundo comentario sobre el consumismo y la infiltración corporativa en la vida estadounidense. La obra de 2013, con unas dimensiones de 81 x 69 cm, pertenece a una serie exclusiva, limitada a tan solo 25 copias firmadas y numeradas, lo que la convierte en una pieza codiciada por los coleccionistas. «Rabbit House» de English sumerge al espectador en una escena vibrante, casi psicodélica, que combina elementos de paisajes fantásticos con personajes y motivos familiares pero distorsionados. Este vívido cuadro está poblado de criaturas y juguetes mutados, expresando la fusión característica del artista entre la realidad y el absurdo. Las criaturas de la escena son exageradas y coloridas, y encarnan la perspectiva crítica de English sobre el poder mutagénico del capitalismo en la naturaleza y la inocencia infantil. El meticuloso detalle y la profundidad de la obra atraen al espectador a un espacio tridimensional que resulta a la vez de otro mundo e incómodamente familiar, haciendo eco de la intrusión de lo fantástico en lo mundano, omnipresente en el entorno actual saturado de publicidad. Ron English, en su obra POPaganda, utiliza la técnica de impresión giclée, reconocida por su alta calidad de reproducción de colores y detalles, asegurando que cada elemento, desde las superficies reflectantes hasta las intrincadas texturas de la flora y la fauna, se capture con excepcional claridad. Mediante la creación de una serie limitada de impresiones, English vincula la obra con la ética del arte urbano, donde la exclusividad y el acceso desempeñan un papel fundamental. Al igual que los murales efímeros de un artista callejero, "Rabbit House" ocupa un lugar transitorio en el mundo del arte. Su disponibilidad limitada dota a la obra de una sensación de fugacidad que contrasta con la perdurabilidad del papel en el que está impresa. La obra de English es una sofisticada mezcla de crítica y celebración de la cultura popular, que ofrece una inmersión profunda a la vez que invita a la reflexión introspectiva sobre el mundo que habitamos. Esta obra no es solo una declaración, sino un punto de partida para el diálogo, que cautiva al público con múltiples significados y una rica narrativa visual.

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Obra de arte original de Skewville, artista callejero de graffiti y artista pop moderno, en técnica mixta, escultura de madera y construcción de vallas. Palabra, principios del siglo XXI. Madera y plástico. 80 x 27 x 3-3/4 pulgadas (203,2 x 68,6 x 9,5 cm). Firmada con tinta al dorso. 2007. Suciedad superficial leve; algo de detritos orgánicos en algunas esquinas.

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Estatua Apvshkin, edición limitada, escultura de resina, obra de arte del artista callejero SSUR- Ruslan Karablin x Medicom Fine Art. Escultura firmada de edición limitada de 2021. Tamaño de la obra: 14 pulgadas de alto. A. PVSHKIN SSVRILLA Se muestra con caja

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Estatua de la Libertad Estrellas - Azul Rojo Original Óleo único sobre lienzo de Steve Kaufman SAK, artista pop moderno. 2001. Lienzo sin bastidor firmado. Original. Buen estado. Medidas: 38 x 42 cm.

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Flechas Adornadas Desconocidas 2015 Edición Limitada Impresión Serigráfica HPM Adornada a Mano, Pintura, Pintura en Aerosol, Esténcil sobre Papel de Bellas Artes por Tavar Zawacki- Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. No recuerdo el nombre de esta obra de arte, si lo sabes por favor contáctame.

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Impresión de vandalismo sobre panel de madera enmarcada y lista para colgar por Nick Walker, artista pop moderno de arte callejero. Impresión en madera con plantilla de vandalismo HPM de 2018 por Nick Walker, enmarcada Vandalismo, de Nick Walker, 43,18 cm x 50,80 cm (17 x 20 pulgadas). Edición limitada exclusiva de DCon de 50 láminas artísticas en madera, cada una firmada y numerada a mano. Cada lámina incluye un certificado de autenticidad firmado y numerado. Impresión artística en madera de abedul sostenible de 1,27 cm (1/2 pulgada), acabado blanco brillante.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Ramona Red Artist Proof SuperKranky Set, arte callejero, de Sket-One Prueba de artista AP 2022. Edición limitada de solo 10 unidades firmadas y numeradas. Piezas personalizadas Super Kranky de Jankey Superplastic, hechas a mano por Sket One. Incluye detalles pintados a mano con base de pintura y 7 mini latas de aerosol. Estas piezas incluyen: Salpicaduras de pintura personalizadas (cada una será única), charco de resina 3D, resina mate, lata de aerosol Kranky, firmada y numerada en la tapa.

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Prueba de impresión de archivo Forsake PP de Eddie Colla. Edición limitada impresa en papel de bellas artes de 290 g/m². Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de imprenta PP 2020. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 16 x 20,5 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Análisis de "Forsake" de Eddie Colla «Forsake» es una impactante prueba de imprenta (PP) de archivo de Eddie Colla, figura destacada del arte pop, urbano y del grafiti. Creada en 2020, esta pieza forma parte de una edición limitada; cada ejemplar está firmado y marcado por Colla para garantizar su autenticidad y exclusividad. La obra está impresa en papel Fine Art de 290 g/m², una elección que asegura la durabilidad y la alta calidad de la impresión, un factor crucial para coleccionistas y aficionados al arte pop urbano. Con unas dimensiones de 40,6 x 52 cm (16 x 20,5 pulgadas), la impresión tiene un tamaño considerable que permite apreciar los intrincados detalles y los profundos mensajes. La convergencia del arte callejero y las bellas artes de Eddie Colla Eddie Colla es reconocido por fusionar la energía cruda y expresiva del arte urbano con las técnicas refinadas de las bellas artes. «Forsake» es una prueba fehaciente de su habilidad para transitar entre estos dos mundos, creando obras accesibles y a la vez profundamente reflexivas. El pigmento de archivo de la impresión garantiza la preservación de las ricas texturas y los matices, capturando la naturaleza efímera del arte urbano en una forma que puede apreciarse con el paso del tiempo. La imagen de una figura enmascarada en «Forsake» alude a la experiencia global contemporánea, resonando con temas de identidad, resistencia y la condición humana. Simbolismo y narrativa en la obra de Colla En esta obra, la mirada del sujeto es directa e inquebrantable, un poderoso punto focal entre tinta difuminada y formas abstractas. La máscara, símbolo ahora indisolublemente ligado a la era de la pandemia de COVID-19, conlleva implicaciones de silencio, anonimato y la lucha por comunicarse en un mundo donde gran parte de nuestra expresión permanece oculta. La elección del texto por parte de Colla —«Tras olvidarte, ahora te llamarán con sus artimañas»— introduce una narrativa de redescubrimiento y la naturaleza cíclica de la memoria y la atención social. El enfoque de técnica mixta empleado por Colla, que combina fotografía con elementos gráficos, es un sello distintivo de su estilo. Este método permite una superposición de significados, al igual que las capas de carteles y grafitis se acumulan en las paredes de la ciudad, cada una contando una historia diferente. «Forsake» invita al espectador a desentrañar estas capas y explorar la profundidad de la narrativa de Colla. Esta profundidad distingue la obra de Eddie Colla, imbuyéndola de un sentido de urgencia y relevancia, que es el poder del arte pop urbano. El mensaje y el medio de la obra reflejan el compromiso de Colla con el arte pop urbano como comentario social. Al integrar las formas artísticas efímeras de las calles en la permanencia de las impresiones artísticas, Colla tiende un puente entre el arte culto y el arte público. Su obra nos recuerda que los mensajes transmitidos a través del arte urbano tienen cabida en el discurso cultural actual, y merecen ser preservados y reflexionados. «Forsake» es una pieza cautivadora dentro de la obra de Eddie Colla, que encapsula su visión del arte pop urbano y el grafiti como una forma de impacto visual y un medio de comunicación y conexión. Es un ejemplo vibrante de cómo el arte urbano puede elevarse a una plataforma donde puede ser abordado a un nivel que trasciende los límites de las formas artísticas tradicionales. A través de obras como «Forsake», Eddie Colla continúa desafiando percepciones, provocando diálogo y fomentando una comprensión más profunda de nuestras experiencias colectivas.

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Flower Diamond, serigrafía de edición limitada de dos colores, impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone, por Shepard Fairey x Kai + Sunny. Arte callejero raro OBEY Pop Artwork Artist. 2021 Firmado y numerado por Shepard Fairey y Kai + Sunny Edición limitada de 450 Serigrafía 'Flower Diamond' Tamaño de la obra 18x24. Shepard Fairey x Kai + Sunny: Síntesis del arte pop callejero en 'Flower Diamond' La colaboración entre Shepard Fairey y Kai + Sunny ha dado como resultado una obra maestra: «Flower Diamond», una serigrafía artesanal de edición limitada a dos colores que fusiona el arte pop urbano y el grafiti. Lanzada en 2021, esta pieza representa de forma singular cómo el arte urbano puede trascender los límites de los espacios urbanos y encontrar su lugar en el sofisticado ámbito de las galerías de arte. Limitada a una serie de 450 ejemplares, la serigrafía es un testimonio de la meticulosa artesanía y la sinergia creativa de estos artistas. Mérito artístico y diseño de 'Flower Diamond' La obra «Flower Diamond» destaca por su tamaño de 18x24 pulgadas, una dimensión que permite apreciar plenamente los intrincados detalles y los audaces contrastes. El papel artístico de fino moteado sirve de lienzo, añadiendo una sutil textura a la impresión y realzando la profundidad visual de la obra. El uso de dos colores en la serigrafía es una elección deliberada que demuestra la habilidad de Fairey y Kai + Sunny para crear imágenes complejas mediante recursos minimalistas. La precisión geométrica y el motivo central de la pieza reflejan una armonía entre las formas naturales y el diseño estructurado, una dualidad frecuentemente explorada tanto en el arte pop como en el arte urbano. La importancia de «Flower Diamond» en el panorama cultural del arte pop urbano es innegable. Firmada y numerada por Shepard Fairey y Kai + Sunny, la obra se convierte en una pieza de esplendor visual y un objeto de colección que lleva consigo el peso del legado de los artistas. Fairey, conocido por su campaña OBEY y su trabajo de arte público y activismo, aporta una cierta solemnidad y un comentario sociopolítico a la colaboración. Mientras tanto, Kai + Sunny añaden su estilo característico de líneas y motivos naturales, creando una pieza estéticamente agradable y que invita a la reflexión. Una unión de estilos y filosofías En «Flower Diamond» se aprecia una perfecta fusión de estilos y filosofías que caracteriza lo mejor del arte pop urbano y el grafiti. Su carácter de edición limitada garantiza que cada pieza sea un fragmento de la historia del arte, plasmando la significativa colaboración entre estos renombrados artistas. Es una obra que captura la narrativa en constante evolución del arte urbano, su potencial de cooperación y su lugar en el diálogo más amplio del arte contemporáneo. Mientras coleccionistas y aficionados buscan poseer una parte de esta narrativa, «Flower Diamond» se erige como un faro de lo que es posible cuando el espíritu rebelde del arte urbano se encuentra con la serenidad reflexiva de las bellas artes.

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Modern Living - Impresión serigráfica de edición limitada HPM de 6 colores en color marrón, realizada a mano y con detalles pintados a mano sobre papel de algodón Coventry de 290 g/m² por Faile. Arte callejero poco común. Famoso artista de arte pop. Edición limitada de 250 ejemplares pintados a mano con tinta acrílica y serigrafía. Papel de archivo de alta calidad. Firmado, sellado y con relieve. Tamaño aproximado: 50 x 63,5 cm (19,5 x 25 pulgadas). Firmado en el anverso por Faile. Numerado en el reverso, que también incluye una lámina de gran tamaño de Faile. Debido a la naturaleza artesanal y personalizada de esta obra de arte, pueden encontrarse pequeñas arrugas y transparencias.

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Owl Egg Earth, obra de arte original y única, pintada en acrílico sobre lienzo, del popular artista de arte pop y cultura Nate Duval. Pintura original firmada, 2014. Tamaño: 11x14.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Serigrafía "Verano sin fin" de Faile. Impresión manual de 10 colores sobre papel Lenox 100 Fine Art. Edición limitada. Edición limitada de 250 ejemplares, firmada y numerada (2024). Tamaño de la obra: 19 x 25 cm. Serigrafía. Una vibrante celebración de la energía del verano La serigrafía «Verano Eterno» de Faile es un ejemplo cautivador de cómo los temas lúdicos y las paletas de colores vibrantes pueden capturar la euforia del ocio y la evasión. Esta impresión de 48 x 63,5 cm, creada en 2024 y producida en una edición limitada de 250 ejemplares, irradia espontaneidad. Realizada a mano con técnicas de serigrafía de 10 colores, la pieza rebosa de capas superpuestas y una composición original y caprichosa. Una mujer en traje de baño a rayas se posa sobre un flotador de flamenco, evocando motivos veraniegos clásicos. Suaves nubes pastel se deslizan por un cielo luminoso, mientras que una tipografía de inspiración pop deletrea el título con un estilo llamativo. La composición resultante fusiona elementos de fantasía, humor y nostalgia, permitiendo a los espectadores rememorar días cálidos disfrutando del sol y la diversión sin fin. Capas de simbolismo e imágenes oníricas Faile presenta un intrincado tapiz visual de referencias a la cultura pop, sutiles comentarios sociales y escenarios fantásticos. En esta obra, el flamenco funciona como un icono lúdico, simbolizando la relajación, la novedad y la estética, a menudo kitsch, asociada a la cultura turística. El edificio de Capitol Records al fondo alude a lugares emblemáticos de la música y al mundo del entretenimiento en general, añadiendo profundidad y humor. Un oso polar aparece en escena, creando un contraste surrealista que despierta la curiosidad sobre el clima, el desplazamiento o el simple absurdo. La estética en capas, lograda mediante múltiples pasadas de serigrafía sobre papel Lenox 100 Fine Art, enriquece cada centímetro de la superficie. Se invita al espectador a descubrir detalles sorprendentes que hacen referencia a momentos culturales tanto del pasado como del presente. Este enfoque destaca la capacidad de Faile para fusionar ecos nostálgicos de cómics clásicos con comentarios modernos, asegurando que la obra conecte con un público diverso. Influencias del arte pop callejero y del grafiti Faile, el colectivo artístico formado por Patrick McNeil y Patrick Miller, se inspira en décadas de imágenes y técnicas urbanas. La serigrafía «Endless Summer» encapsula el espíritu impredecible propio del arte pop urbano y el grafiti, donde la publicidad, las vallas publicitarias y las referencias a la cultura pop se reinterpretan para crear nuevas narrativas. Esta superposición de elementos visuales, a modo de collage, recuerda a los carteles pegados con engrudo y a las efímeras pintadas que antaño adornaban los paisajes urbanos. Los contornos definidos, las explosiones cromáticas brillantes y las referencias a lugares emblemáticos reflejan la fusión entre la impresión artística y la energía cruda que emana de la calle. La estética resultante conserva una gran accesibilidad sin perder sofisticación técnica. Las técnicas de serigrafía manual, combinadas con la reinterpretación de estilos característica de Faile, refuerzan su posición dentro de la tradición del arte pop. Una pieza de colección irresistible para los entusiastas del arte contemporáneo. La serigrafía «Endless Summer» se ha convertido en una pieza codiciada entre coleccionistas que aprecian obras que fusionan con maestría imágenes vibrantes y de estilo pop con una artesanía refinada. Los seguidores valoran a Faile por su talento para combinar motivos lúdicos con llamativas combinaciones de colores, creando obras de arte que dan pie a conversaciones en cualquier contexto. La edición limitada de 250 ejemplares, cada uno firmado y numerado, garantiza la exclusividad para quienes la incorporan a sus colecciones. Además, el uso de la serigrafía de 10 colores sobre papel Lenox 100 Fine Art subraya el cuidado y la precisión empleados en la elaboración de cada lámina. Esta atención al detalle se alinea con la reputación de Faile por sus diseños dinámicos que reflejan tanto influencias nostálgicas como un marcado estilo urbano. La serigrafía trasciende la mera representación de la diversión veraniega, convirtiéndose en una fusión atemporal de cultura pop, imágenes imaginativas y maestría técnica.

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Serigrafía Eye Love Superflat Pink de Louis Vuitton x Takashi Murakami TM/KK. Impresión manual sobre papel de bellas artes tejido. Enmarcada. Edición limitada. 2003 Firmada y numerada Louis Vuitton x Takashi Murakami Edición limitada de 50 Tamaño de la obra 6,9 x 11,75 Impresión serigráfica en marco personalizado estilo cobre. Estampado Eye Love Superflat rosa serigrafiado de Louis Vuitton x Takashi Murakami La serigrafía «Eye Love Superflat Pink», creada en 2003 por Takashi Murakami en colaboración con Louis Vuitton, representa un momento crucial en la convergencia de la alta costura y la estética pop urbana contemporánea. Esta serigrafía, realizada a mano y producida en una edición limitada de 50 ejemplares, está impresa en papel verjurado de alta calidad y presenta la fusión característica de Murakami entre iconografía de lujo y un lenguaje visual lúdico. Con unas dimensiones de 17,5 x 29,8 cm, esta obra ejemplifica la influencia del artista japonés en el movimiento del arte pop urbano y el grafiti a principios de la década de 2000. La filosofía superplana de Murakami en la moda y el arte Esta obra fusiona la audaz imagen de marca de Louis Vuitton con el estilo Superflat característico de Murakami, término que él mismo acuñó para describir la homogeneización estética y cultural del arte tradicional y digital, el consumismo y las bellas artes. La pieza presenta una composición vertical centrada con emblemas de Louis Vuitton —dos Flores Monogram y las icónicas iniciales LV— que enmarcan el motivo del ojo de medusa de Murakami. El ojo, detallado con tonos joya contrastantes y pestañas dinámicas de estilo caricaturesco, es uno de los personajes recurrentes de Murakami, reflejando tanto un toque lúdico como una crítica cultural. El marcado contraste entre la franja vertical blanca y el borde blanquecino circundante realza la elegancia minimalista de la obra. Enmarcada en un lujoso marco personalizado en tono cobre, la presentación destaca aún más la intersección entre el arte subversivo de Murakami y el mundo del lujo. La yuxtaposición de la estética de la cultura callejera con la marca mundialmente famosa Louis Vuitton subraya un comentario más amplio sobre el consumismo y la identidad en el siglo XXI. Significado cultural colaborativo La colaboración entre Louis Vuitton y Murakami marcó un hito en la evolución tanto del estilo urbano como del diseño de marcas de lujo. La reinterpretación del monograma LV por parte de Murakami propició un rebranding icónico de la casa de moda, inyectándole un tono juvenil e irreverente. La serie Eye Love Superflat se convirtió en una pieza de colección esencial de este momento, célebre por sus ediciones limitadas y su posición a la vanguardia de las colaboraciones entre moda y arte. Cada serigrafía está firmada por Takashi Murakami y numerada, lo que refuerza su estatus como obra de arte múltiple de calidad museística. El uso de la técnica de serigrafía manual otorga a la obra una profundidad táctil y compleja, que contrasta con la planitud de la teoría Superflat a la vez que abraza la sencillez visual de la narrativa visual de Murakami, inspirada en el cómic. Legado y atractivo coleccionable Esta serigrafía, creada durante el apogeo de la relación de Murakami con el lujo global, sigue cautivando tanto a coleccionistas como a instituciones culturales. Su valor radica no solo en su escasez —limitada a tan solo 50 ejemplares firmados— sino también en su importancia histórica como parte de una alianza entre artista y marca que transformó el diálogo en torno a la moda, el arte y el consumismo. Su presentación enmarcada la eleva más allá de la simple impresión, convirtiéndola en una pieza de exhibición artística formal, lo que refuerza la profundidad del comentario visual de Murakami, a la vez lúdico e incisivo. Como emblema del arte pop urbano y el grafiti, la serigrafía Eye Love Superflat Pink se mantiene como una expresión fundamental de la cultura artística posmoderna.

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Stop The Virus Edición Limitada Serigrafía Manual de 2 Colores sobre Papel Arches Rag de 290 g/m² con Bordes Rallados por Cleon Peterson Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Serigrafía artesanal de 28 x 19 pulgadas en negro y rojo. Impresa en papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes biselados. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 100 ejemplares. El mundo de Cleon Peterson está plagado de crueldad despiadada, libertinaje caótico y una lucha constante por subvertir el poder y la opresión. Sus composiciones, de aparente sencillez, encierran connotaciones complejas y una inquietante crítica a la creciente marginación, el aislamiento y la desesperación de la sociedad. Al observar su obra, resulta evidente que el artista no aboga por la violencia, sino que la utiliza como arma en la batalla contra la apatía.

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David con ametralladora AP Prueba de artista Serigrafía de Shepard Fairey- OBEY x Blek le Rat Impresa a mano en papel de bellas artes Edición limitada Obra de arte pop callejero. Prueba de artista AP 2008 firmada por Shepard Fairey y Blek le Rat y marcada AP, edición limitada. Tamaño de la obra: 18x24. Impresión serigráfica. Shepard Fairey x Blek le Rat David con ametralladora AP Serigrafía 2008 La serigrafía «David con ametralladora AP Artist Proof» de 2008 es una rara obra colaborativa creada por Shepard Fairey, conocido como OBEY, y el pionero del arte con esténcil, Blek le Rat. Impresa a mano sobre papel de bellas artes y con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas), esta edición Artist Proof está firmada por ambos artistas y marcada como «AP», lo que la distingue de la edición estándar numerada de 100 ejemplares. Las Artist Proofs tienen un valor añadido en el mundo del arte debido a su disponibilidad limitada y su vínculo directo con el proceso de aprobación de los artistas, lo que convierte a esta pieza en una joya especialmente codiciada por los coleccionistas de arte urbano pop y grafiti. Imágenes y tensión simbólica Esta obra presenta al David clásico de Miguel Ángel, símbolo de los ideales renacentistas de belleza, juventud y heroísmo, reinterpretado con un toque moderno: porta una ametralladora. La marcada yuxtaposición entre ideales humanistas atemporales e instrumentos de guerra contemporáneos genera una poderosa crítica a la violencia y a cómo los iconos culturales se reinterpretan para reflejar las ansiedades actuales. Sobre un fondo urbano cubierto de grafitis, la figura encarna el choque entre las altas tradiciones artísticas y la crítica social a pie de calle. La obra invita al espectador a reflexionar sobre cómo los ideales de fuerza y ​​belleza se corrompen al ser reinterpretados en el contexto de la militarización. Colaboración intergeneracional Blek le Rat, nacido como Xavier Prou ​​en Francia en 1951, es considerado el padre del grafiti con esténcil, influyendo en innumerables artistas con sus intervenciones en París desde la década de 1980. Shepard Fairey, nacido en 1970 en Charleston, Carolina del Sur, saltó a la fama con su campaña OBEY y sus grabados de fuerte contenido político, alcanzando posteriormente reconocimiento internacional con su póster Hope de Barack Obama. Su creación conjunta, David con ametralladora, demuestra cómo dos generaciones de artistas de diferentes orígenes culturales pueden fusionar sus prácticas para crear un mensaje unificado. La obra funciona como homenaje al arte clásico y, a la vez, como crítica al mundo moderno. Rareza e importancia como objeto de colección Las ediciones de Prueba de Artista, como esta, son más raras que las tiradas regulares y suelen reservarse para los propios artistas o para colaboradores clave. Marcada como «AP» y con las firmas de Fairey y Blek le Rat, esta impresión posee un gran valor histórico y artístico. Más allá de su escasez, la obra es una representación impactante de cómo los artistas urbanos reinterpretan símbolos culturales para abordar problemas acuciantes como la guerra y la decadencia social. La serigrafía «David con ametralladora AP» constituye un ejemplo paradigmático de la fusión entre la historia del arte y la protesta moderna a través del lenguaje visual del arte pop urbano y el grafiti.

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¿Qué fiesta? 7 - Serigrafía amarilla de 3 colores impresa a mano sobre papel Saunders Waterford Hi-White del artista de grafiti pop Kaws. Obra de arte callejero rara de edición limitada. 2020. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 22 x 22 pulgadas. Enmarcada con marco y paspartú personalizados. KAWS (n. 1974) What Party (Amarillo), 2020. Serigrafía a color sobre papel Saunders Waterford HP Hi-White. 22 x 22 pulgadas (55,9 x 55,9 cm) (hoja). Ed. 41/100. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por el artista. KAWS' What Party 7- Amarillo: Una obra maestra del arte pop callejero y el grafiti KAWS, cuyo nombre real es Brian Donnelly (nacido en 1974), se ha convertido en una figura emblemática en la intersección entre el arte de vanguardia y la cultura popular, fusionando elementos del arte urbano, el grafiti y el arte pop en su dinámica obra. Una de sus creaciones más destacadas es «What Party 7 - Yellow», una serigrafía artesanal de tres colores que muestra su singular enfoque artístico. Realizada en 2020, esta pieza está impresa en papel Saunders Waterford Hi-White, un papel de alta calidad conocido por su durabilidad y su excepcional superficie, que permite la vibrante aplicación de tintas y los intrincados detalles que caracterizan a KAWS. Artesanía y exclusividad de What Party 7- Amarillo La obra «What Party 7- Yellow» es un testimonio de la meticulosa artesanía de la serigrafía, que requiere precisión y paciencia. La superposición de tres colores para crear la imagen final es una tarea compleja que refleja la dedicación del artista a su oficio. Esta impresión, una edición limitada de solo 100 ejemplares, es una rareza y ejemplifica la exclusividad que caracteriza a las obras de KAWS. Cada impresión está firmada, numerada y fechada en el borde inferior, lo que confirma su autenticidad y la participación directa del artista en su creación. El lenguaje visual de KAWS en What Party 7 - Amarillo El lenguaje visual de KAWS es inmediatamente reconocible en "What Party 7 - Yellow", con sus líneas gráficas y audaces y el uso de sus icónicos personajes que transmiten una amplia gama de emociones a pesar de sus expresiones faciales sencillas. El amarillo en esta obra es impactante, creando una sensación de energía y vitalidad, características que suelen asociarse con este color. El tamaño de la obra, 22 x 22 pulgadas, ofrece un amplio lienzo para que KAWS plasme su visión, logrando un equilibrio entre accesibilidad y grandeza. El encuadre de qué Partido 7- Amarillo La presentación de «What Party 7 - Yellow» se ve realzada por el gran marco y paspartú personalizados que acompañan a la lámina. La elección del marco es fundamental para la percepción y la experiencia de la obra. No solo la protege, sino que también destaca sus características y refuerza sus elementos temáticos. El marco y el paspartú son esenciales para la estética general y, a menudo, los coleccionistas los consideran parte de la obra misma. El impacto de What Party 7- Yellow en el arte pop callejero "What Party 7- Yellow" es un ejemplo fascinante de arte pop urbano y grafiti. KAWS logra trascender los límites tradicionales del arte urbano y el grafiti, situando su obra en un contexto histórico-artístico más amplio, a la vez que mantiene la energía y la autenticidad que caracterizan la cultura callejera. Como gran parte de su trabajo, esta pieza tiende un puente entre lo subversivo y lo convencional, introduciendo elementos del arte urbano en el refinado espacio de las galerías de arte y desafiando las ideas preconcebidas sobre el valor y el potencial del grafiti. En resumen, "What Party 7- Yellow" de KAWS es un ejemplo luminoso de arte pop urbano y grafiti. Su técnica de serigrafía manual, su carácter de edición limitada, la firma del artista y su singular enmarcado contribuyen a su importancia como obra de arte. Como pieza de colección, representa un momento crucial en la evolución del arte urbano, sirviendo de puente entre los movimientos artísticos underground y el refinado mundo de las galerías de arte. Para entusiastas y coleccionistas, "What Party 7- Yellow" no es simplemente una pieza para poseer; Es un artefacto de gran importancia cultural que encarna el espíritu y la transformación del arte contemporáneo.

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Air Yeezy 2 - Red October. Obra de arte original única, pintada con pintura acrílica sobre lienzo estirado, del popular artista de graffiti callejero Eric Pagsanjan. 2019. Acrílico firmado sobre lienzo tensado. Medidas: 61 x 46 x 2 cm. Nike Air Jordan x Adidas Yeezy. «Siento respeto y admiración por los artistas que crean su propia ropa. Soy un gran aficionado a las zapatillas y mi colección personal no deja de crecer. Combinando mi pasión por las zapatillas, los diseñadores que las crean y los superhéroes de los cómics, he creado una serie de retratos dedicados a los diseñadores que considero increíbles. Para mí, son superhéroes. Son "SneakerHeroes"». - Eric Pagsanjan

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Black Sabbath Printers Select PP Prueba de impresión serigráfica de Jim Houser Impresión serigráfica de 8 colores realizada a mano sobre papel artístico Stonehenge de 290 g/m² Edición limitada Arte pop callejero y grafiti. Prueba de imprenta PP 2019. Firmada y con sello PP. Edición limitada. Tamaño de la obra: 12x12. La fusión de música y arte de Jim Houser en "Black Sabbath Printers Select PP" La "Prueba de Impresión PP Selecta de Black Sabbath" es una vibrante serigrafía de Jim Houser que personifica la fusión de la cultura pop y el arte visual dentro de los géneros del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Esta obra de 2019, impresa a mano con 8 colores sobre el prestigioso papel artístico Stonehenge de 290 g/m², captura la esencia de la legendaria banda de rock Black Sabbath a través de la singular visión artística de Houser. La edición limitada, de 30x30 cm (12x12 pulgadas), refleja un proceso meticuloso que garantiza la aplicación precisa de cada color, dando como resultado una pieza que vibra con la energía tanto de la música que representa como de las calles urbanas donde se originó esta forma de arte. La interpretación visual de Jim Houser sobre el legado del rock La estampa, firmada y marcada como «PP» para indicar su condición de Prueba de Imprenta, destaca como pieza de coleccionista. Tradicionalmente, las Pruebas de Imprenta son ejemplares reservados para los archivos de la imprenta. Sin embargo, en el mundo del arte, estas pruebas suelen considerarse más valiosas debido a su rareza y a la participación directa del artista. La denominación «Printers Select» sugiere una pieza selecta, una obra excepcional, a menudo con características únicas que las estampas de la edición estándar no poseen. La interpretación de Houser de «Paranoid» de Black Sabbath es un homenaje a la banda y una obra contundente que fusiona la música, el arte pop y el grafiti. El arte pop callejero y el grafiti rinden homenaje a los iconos Al integrar a "Black Sabbath" en el contexto del arte pop urbano y el grafiti, Houser contribuye a una larga tradición donde estas formas de arte visual suelen rendir homenaje a íconos culturales. Esta obra trasciende la mera representación, entablando un diálogo con el espectador sobre el impacto de la música en la conciencia pública y su interacción con las narrativas visuales presentes en los entornos urbanos. Por lo tanto, la obra de Houser no es solo una creación artística; es un nodo histórico que conecta la vitalidad del arte urbano con los ritmos pulsantes de la música de Black Sabbath, capturando el espíritu de una época en una sola y audaz declaración de color y forma. En la escena del arte contemporáneo, "Black Sabbath Printers Select PP" de Jim Houser es un ejemplo vívido de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden encapsular y celebrar la herencia musical. Gracias a su estética audaz y su disponibilidad limitada, esta impresión sigue resonando entre coleccionistas y entusiastas que aprecian la convergencia de sonido e imagen en el contexto del arte pop urbano y el grafiti modernos.

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