Pintura Obra de arte original

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En cada tren artístico, una pintura original de estilo urbano sobre pared, una escultura, obra de arte del artista callejero de graffiti Rek Santiago. Escultura de tren estilo urbano original de 2010, realizada con rotulador de pintura en aerosol. Obra de arte única. Tamaño: 20,25 x 5 x 1,75 pulgadas. "La vida en cada aliento". Grafiti original pintado a mano sobre soporte de pared, estilo urbano, para andén de metro. Se exhibe con su caja. La caja presenta marcas de pintura artística. Manchas y desperfectos propios de la antigüedad, en excelente estado.

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Libro negro de dibujo de graffiti Tg Throw Up Práctica Diario personal por TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Delk x Comet x Kaws Pop callejero moderno Etiqueta, garabatos, dibujos, pinturas y obras de arte de pensamiento. Cuaderno de bocetos de grafiti de varios artistas, c. 1994. Firmado y con firmas originales de artistas, incluyendo a Kaws, ZiNk, Psycho Seen TC5 y Totem del colectivo TC5. Incluye dibujos a color, numerosos tags y dibujos con rotulador, anotaciones personales, números de teléfono antiguos, lugares de reunión, ideas e información privada sobre el colectivo. 50 páginas y la portada repletas de dibujos (también incluye muchas páginas en blanco). Además, incluye a IBM, Squad One, Pilot y MPV. Black Book Graffiti Journal de TC5 x Totem x Psycho x ZiNk x Kaws Este cuaderno de bocetos de 1994 captura un momento extraordinario en la historia del grafiti, representando una convergencia de estilo, rebeldía y experimentación creativa por parte de algunos de los miembros más influyentes del colectivo TC5. El libro de tapa dura de 21,5 x 28 cm no es simplemente un cuaderno de bocetos, sino un archivo profundamente personal de la energía cruda de la calle. El cuaderno incluye vibrantes dibujos a rotulador, superposición de pegatinas, ilustraciones detalladas de personajes, rellenos, ejercicios de throw-up, notas personales y firmas de miembros clave como Totem, Psycho, ZiNk, Delk, Comet, Seen y Kaws. El libro también incluye alias y colectivos paralelos como IBM, MPV y Squad One, ofreciendo una visión compleja de los subgrupos de grafiti interconectados que operaban en la ciudad de Nueva York durante la época dorada de la cultura del cuaderno negro. Evolución de las etiquetas y arte pop callejero y grafiti Las entradas de este diario reflejan la fusión de la estética tradicional del graffiti estilo libre con la sensibilidad gráfica que influiría en el Street Pop Art. Cada página revela una combinación de práctica y performance: contornos de firmas perfeccionados, rellenos psicodélicos, recortes de flyers en collage y bocetos de personajes llenos de humor y actitud. Artistas como ZiNk y Psycho demostraron su destreza técnica en letras tridimensionales, superponiéndolas simultáneamente con personajes lúdicos y fondos surrealistas. La firma inicial de Kaws, que se encuentra aquí bajo las siglas FC y TC5, muestra la incipiente influencia de su iconografía fusión de dibujos animados, que más tarde se convertiría en su sello distintivo tanto en las bellas artes como en las plataformas comerciales. Legado del formato del Libro Negro Los cuadernos negros fueron el corazón de la cultura del grafiti mucho antes de los archivos digitales. Eran galerías itinerantes, espacios de práctica y plataformas de comunicación íntima entre grafiteros. La inclusión en este cuaderno de firmas personales, ubicaciones secretas, números de teléfono y reflexiones emocionales revela que el grafiti era más que una expresión exterior: era una vida interior. El estilo agresivo de Totem, la iconografía urbana estilizada de Delk y los fragmentos clásicos de wildstyle de Comet reflejan años de experimentación en las vías del tren plasmados en papel. MPV e IBM aparecen con frecuencia garabateados en las superficies y bordes de las pegatinas, y aunque el significado específico de IBM en este contexto aún es ambiguo, aparece constantemente junto a firmas reconocidas y conlleva el peso del respeto del colectivo. Peso cultural y significado para los coleccionistas Este cuaderno no solo documenta la época dorada del grafiti en TC5, sino que también refleja un cambio cultural hacia el arte pop callejero y el grafiti estilizados. La profusión de elementos —letras dibujadas a mano, collages de flyers de música, referencias a marcas pop como Richie Rich y Nervous Records, y pegatinas personalizadas— convierte a este cuaderno negro en un objeto cultural multidisciplinario. En el mercado del arte actual, estos cuadernos son venerados por su honestidad, crudeza y la visión que ofrecen de la vida privada de los artistas de grafiti más conocidos. Las firmas manuscritas de Kaws, Psycho, ZiNk y Totem, en particular, hacen de este cuaderno un testimonio digno de museo de la transformación del grafiti, desde los trenes hasta las galerías de arte.

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Videovigilancia 12x18- II Pintura original de técnica mixta, artista de graffiti, arte pop moderno sobre letrero de metal real de Cope2. Letrero de calle de metal real, pintado con aerosol y con letras burbuja, firmado en 2020. Tamaño de la obra: 12x18. Esta zona está bajo vigilancia las 24 horas.

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Thriller. Pintura original realizada con acrílico, pintura doméstica y aerosol sobre madera entelada por Shark Toof, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Obra de arte original firmada de 2015, técnica mixta con aerosol, tamaño 24x36 La fusión artística de 'Thriller' de Shark Toof «Thriller», una pintura original de Shark Toof, es una incursión dinámica en el arte urbano del grafiti y el arte pop moderno. Creada en 2015, esta obra de técnica mixta —acrílico, pintura doméstica y aerosol sobre madera entelada— exhibe la singular fusión de Shark Toof entre la influencia urbana y la disciplina artística convencional. La pieza, de 61 x 91 cm, está firmada por el artista, lo que garantiza la autenticidad de esta vibrante representación de su estilo multifacético. Shark Toof, reconocido por sus impactantes mensajes visuales en la comunidad del arte urbano, lleva sus raíces del grafiti al primer plano en esta obra. Su trabajo no se limita a las expectativas tradicionales del arte pop; en cambio, se adentra en un terreno donde la iconoclasia se encuentra con la iconografía. En «Thriller», la influencia del arte urbano es palpable, con la energía cruda del grafiti traduciéndose en una composición estructurada pero vibrante sobre madera. El enfoque de Shark Toof refleja una decisión consciente de fusionar su voz consolidada con una irreverencia lúdica, invitando al espectador a reflexionar sobre los iconos de nuestro tiempo y su significado cambiante. La obra encapsula la filosofía de Shark Toof de que el arte no siempre debe tomarse demasiado en serio, sugiriendo que subvertir las propias creaciones conlleva poder. Esta noción de «vandalizar» los iconos propios es un comentario sobre la fugacidad de la fama y la fluidez de los símbolos culturales en nuestra sociedad. Esta mezcla de introspección y comentario externo sitúa a «Thriller» en un espacio único dentro del arte contemporáneo. Diente de tiburón y la filosofía del "hágalo usted mismo" del arte callejero La preferencia de Shark Toof por Detroit como escenario para su proceso creativo revela su afinidad por la filosofía del «hágalo usted mismo» (DIY), a menudo asociada al arte urbano. Su conexión con la ciudad, conocida por su próspera industria e historia de innovación, refleja su trayectoria artística. En Detroit, una ciudad que ha experimentado grandeza y tenacidad, Shark Toof encuentra un alma gemela: un paisaje que es a la vez lienzo y catalizador de la creatividad. «Thriller» encarna este espíritu DIY no solo en su creación, sino también en su presentación. El uso de madera enmarcada como soporte es un guiño a las superficies improvisadas que suelen emplearse en el arte urbano, donde cualquier espacio o material puede convertirse en la base de la expresión. La elección de materiales de Shark Toof —pintura doméstica y aerosol— evoca aún más el lenguaje del arte urbano, donde la inmediatez del medio se corresponde con la urgencia del mensaje. «Thriller» de Shark Toof celebra la narrativa en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti. Su obra es un testimonio del poder del arte urbano para trascender sus orígenes en la ciudad y encontrar resonancia en una galería. Mediante su audaz uso del color, la forma y el medio, Shark Toof continúa desafiando y redefiniendo lo que significa ser un artista urbano en el mundo del arte contemporáneo. Su obra es un diálogo con el espectador, una invitación a explorar los significados más profundos que se esconden tras las imágenes que vemos y los iconos que creamos.

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Rick Grimes Chillin Dibujo original a lápiz y grafito sobre papel fino de bellas artes del artista de arte callejero moderno de tendencia Mark Hammermeister. Dibujo original a grafito firmado de 2014 de Rick Grimes de la serie de televisión The Walking Dead con uniforme de policía. Los muertos vivientes como tema en el arte pop callejero y el grafiti The Walking Dead se ha convertido en una influencia significativa para el arte urbano pop y el grafiti, inspirando a artistas a reinterpretar sus personajes, temas e imágenes distópicas a través de una estética urbana audaz. Como una de las series de televisión y franquicias de cómics con mayor impacto cultural de la era moderna, su oscuro mundo postapocalíptico se presta naturalmente al lenguaje visual del arte urbano. Los temas de supervivencia, moralidad y caos de la serie resuenan con el espíritu rebelde del grafiti y los estampados urbanos de inspiración pop, convirtiéndola en un tema popular para murales, serigrafías y obras de arte con plantillas. Ya sea retratando a sus icónicos personajes o haciendo referencia a sus temas inquietantes de destrucción y resistencia, los artistas han adoptado la serie como un símbolo de desafío y perseverancia dentro del panorama del arte contemporáneo. Personajes icónicos y simbolismo visual The Walking Dead es conocida por sus personajes complejos y bien desarrollados, muchos de los cuales se han convertido en iconos del arte urbano pop y el grafiti. Figuras como Rick Grimes, Daryl Dixon y Michonne suelen representarse en murales de gran formato y serigrafías de edición limitada, con sus rostros reinterpretados mediante técnicas de estarcido, texturas de medios tonos y llamativos bloques de color. La crudeza de sus travesías por la supervivencia se alinea con la estética del arte urbano, donde las imágenes crudas y de alto contraste transmiten una gran profundidad emocional. Muchos artistas incorporan iconografía religiosa en sus representaciones, presentando a los personajes como santos o figuras mitológicas, reforzando así los temas de sacrificio y redención de la serie. Las imágenes recurrentes de calaveras, paisajes desolados y una tipografía inquietante realzan aún más la estética apocalíptica, haciendo que cada obra se sienta como una reliquia de un mundo sumido en el caos. Técnicas de arte pop callejero y graffiti Muchos artistas del arte urbano pop y el grafiti utilizan plantillas, carteles pegados con engrudo y serigrafía para dar vida a The Walking Dead en espacios urbanos. El marcado contraste entre la vida y la muerte en la serie se refleja en composiciones agresivas en blanco y negro, detalles en rojo sangre y texturas desgastadas que recuerdan a carteles deteriorados en las paredes de la ciudad. El uso de tintas metálicas y acabados brillantes añade un toque contemporáneo, elevando estas obras más allá del grafiti tradicional, convirtiéndolas en ediciones artísticas de alta calidad. Algunos murales fusionan retratos realistas con elementos exagerados de cómic, reflejando las raíces de la franquicia en las novelas gráficas y manteniendo la libertad expresiva del arte urbano. La inclusión de textos de la serie, a menudo en tipografías gruesas y desgastadas, sirve como recordatorio de las luchas existenciales que enfrentan los personajes y las ansiedades del mundo real reflejadas en los temas distópicos de la serie. Impacto cultural y relevancia artística The Walking Dead ha dejado una huella imborrable en el arte urbano pop y el grafiti, convirtiéndose en una poderosa metáfora de la supervivencia, el colapso social y la resiliencia humana. Su presencia en murales callejeros, serigrafías y obras de técnica mixta demuestra su capacidad para conectar con el público más allá de la televisión, influyendo en una cultura visual que se nutre de la rebeldía y la reinvención. Los artistas continúan reinterpretando su imaginería, utilizando sus temas para reflexionar sobre problemáticas contemporáneas como el aislamiento, el miedo y la lucha por la esperanza en un mundo fracturado. El perdurable impacto visual de The Walking Dead en el arte urbano garantiza que siga siendo una fuente de inspiración para quienes buscan capturar la emoción cruda y visceral que define tanto la serie como el movimiento artístico urbano.

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Las puertas de Jim Morrison, una pintura acrílica original de técnica mixta de Bobby Hill, una especie de obra de arte sobre papel de bellas artes de un artista pop de arte callejero. 2010. Obra original firmada, técnica mixta, acrílico y aerosol. Medidas: 14 x 22 pulgadas. Enmarcada sobre cartón de 20,5 x 29 pulgadas. Medidas de la obra: 14 x 22 pulgadas. Capturando la esencia del legendario líder de The Doors, Jim Morrison, el artista Bobby Hill presenta una impactante pintura acrílica de técnica mixta que fusiona la crudeza del arte urbano con la vibrante paleta pop. Creada en 2010, esta obra original combina técnicas de acrílico y pintura en aerosol sobre papel de bellas artes, resultando en una experiencia visual tan enigmática como la personalidad de Morrison. La obra mide 35,5 x 56 cm y, enmarcada sobre cartón a 52 x 74 cm, constituye un tributo sustancial que armoniza a la perfección tanto en la colección de un coleccionista como en la pared de una galería. La representación que Hill hace de Morrison no es solo un vínculo, sino un eco de la influencia del cantante, donde cada pincelada y cada toque de pintura contribuyen a una narrativa tan compleja como la música que Morrison dejó como legado. Los colores vívidos y la forma en que se superponen e interactúan entre sí reflejan la complejidad del carácter de Morrison y su legado, conectando con fans y amantes del arte por igual. Firmada por el artista, esta obra de arte única posee la autenticidad que se espera de una pieza inspirada en una de las figuras más icónicas del rock. En esta creación, Bobby Hill ha fusionado con éxito la espontaneidad y la rebeldía del arte urbano con la imaginería icónica y audaz característica del arte pop. Esta obra no se limita a mostrar la imagen de Jim Morrison, sino que comunica una historia más amplia sobre el impacto de un ícono cultural. Es una manifestación de cómo el arte urbano y el arte pop pueden converger para producir algo que no solo es visualmente impactante, sino también conmovedor. El legado de Morrison se perpetúa así a través de esta perspectiva artística contemporánea, invitando a los espectadores a explorar las profundidades que se esconden tras la figura del artista. Esta pintura de Bobby Hill sirve como testimonio de la perdurable influencia de Jim Morrison, capturando la esencia de su espíritu de una manera que sigue resonando con los rebeldes, los soñadores y aquellos que encuentran belleza en lo poco convencional. Es una obra que, al igual que la propia vida de Morrison, desafía la norma e invita a una contemplación más profunda, reflejando las complejidades de la experiencia humana a través del arte callejero y el arte pop.

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En un latido, pintura original de técnica mixta del artista de graffiti Chris RWK, arte pop moderno sobre letrero de metal real. 2022. Original firmado. Técnica mixta (acrílico y aerosol) sobre señal de stop real de 30x30. Inmerso en diversos medios, Chris comenzó a almacenar las imágenes que le surgían a través de sus experiencias cotidianas en lo que él llama un «diario mental». Este diario era un refugio para sus pensamientos al que podía recurrir siempre que lo necesitara.

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Líneas en la corriente de aire #14 Obra de arte original única en tinta de rotulador sobre papel de acuarela de bellas artes del popular artista de arte callejero y cultura pop JM Rizzi. 2022. Pintura original firmada con tinta de rotulador. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Vivimos tiempos de tensión. Con los ojos cerrados, me entrego a la corriente, patino sobre la estela de un flujo energético incesante. Esta serie de obras sobre papel representa un experimento más sofisticado con motivos abstractos. El aluminio de un avión y el oro regio ondulan y se entrelazan como remolinos salpicados de carmesí. El acto final: una amalgama de tonalidades metálicas con finas líneas negras que cuestionan la delimitación entre el espacio positivo y negativo. Una interpretación visual de la sensación tácita del impulso eterno de la historia humana. –JM Rizzi

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Lienzo sin título I Original de una obra de arte de técnica mixta, acrílico y pintura en aerosol sobre lienzo envuelto en galería por el popular artista de graffiti callejero Crash- John Matos. 2022. Pintura original firmada en aerosol y acrílico. Tamaño: 12x12. El lenguaje visual de Crash en "Lienzo sin título I" «Lienzo sin título I», obra original del reconocido artista de grafiti John Matos, alias Crash, es un ejemplo impactante del arte pop urbano y de la capacidad del grafiti para capturar el lenguaje visual de la vida urbana. Esta pintura de 30x30 cm, realizada en técnica mixta con acrílico y aerosol sobre lienzo con bastidor, creada en 2022, es testimonio de la influencia perdurable de Crash en la escena del grafiti. Como original firmado, ejemplifica la singular combinación de meticulosa técnica y expresión espontánea que define su obra. La exploración de la forma y el color por parte de Crash La obra presenta una sinfonía de colores vibrantes y formas abstractas, cada elemento meticulosamente superpuesto para crear una composición armoniosa. El uso de pintura en aerosol por parte de Crash es evidente en los fondos suaves y atmosféricos, y en las líneas nítidas y angulares, que le confieren a la pieza su textura y profundidad características del grafiti. Los acrílicos aportan riqueza y solidez a las formas, resaltando la versatilidad y el amplio registro del artista. «Lienzo sin título I» es una vibrante danza de color y forma que refleja la energía dinámica de las calles de donde proviene Crash. La intersección del arte callejero y el arte pop en la obra de Crash «Lienzo sin título I» simboliza la habilidad de Crash para fusionar la crudeza del arte callejero con la audacia visual del arte pop. Esta obra, con su convincente uso de motivos de la cultura pop y técnicas del arte callejero, refleja una profunda comprensión de ambos géneros. La fusión de estos estilos en la obra de Matos ha sido fundamental para elevar el arte del grafiti de las calles a las galerías, tendiendo un puente entre ámbitos artísticos dispares. La contribución de John Matos al arte contemporáneo Con obras como «Lienzo sin título I», John Matos se ha consolidado como pionero del arte pop urbano y el grafiti. Sus contribuciones han ayudado a derribar las barreras entre el arte culto y la cultura callejera, propiciando un diálogo que ha enriquecido el discurso artístico contemporáneo. Como muchas de sus creaciones, esta pieza no es un mero objeto, sino una parte viva de la narrativa vibrante y en constante evolución del arte urbano. En esencia, «Lienzo sin título I» de Crash es más que una obra de arte; es una narrativa, una declaración y una celebración de la cultura que ha moldeado a John Matos como artista. Es un testimonio vibrante del poder del arte pop urbano y el grafiti para comunicar, desafiar y cautivar.

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Jelly Monster Pink, serigrafía original única de Buff Monster, impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. 2006. Serigrafía original única sobre panel de madera, firmada y fechada. Medidas: 10,13 x 10,13 pulgadas. Jelly Monster Pink de Buff Monster: Caos lúdico en el arte pop callejero y el grafiti La serigrafía única Jelly Monster Pink de 2006, obra de Buff Monster, representa una de las primeras y más representativas obras del enfoque irreverente y edulcorado del artista estadounidense hacia el arte pop urbano y el grafiti. Estampada a mano sobre un panel de madera de 25,7 x 25,7 cm, esta pieza original, firmada y fechada, es más que una simple impresión: es un híbrido de pintura, objeto pop y declaración grafiti. La figura rosa, con apariencia de gelatina, que ocupa el centro, está delineada con trazos negros marcados, exudando la estética característica de Buff Monster: una alegre grotesca extravagancia. Ojos hipnóticos en espiral, una boca cosida y un cuerpo que recuerda a un caramelo blando o a una confitería alienígena juegan con temas de inocencia y surrealismo. La textura de la madera añade un elemento táctil que realza la presencia física de la obra, aportando solidez y permanencia a sus colores brillantes y su forma lúdica. Buff Monster y el lenguaje visual de Urban Candyland Buff Monster, nacido en Hawái y residente en Nueva York, es una figura prominente en la evolución del arte pop urbano y el grafiti. Conocido por su uso obsesivo del rosa y su fusión de la cultura kawaii japonesa con la estética punk rock y heavy metal, ha desarrollado un estilo distintivo basado en contradicciones. Jelly Monster Pink es emblemático de esta dualidad: es adorable e inquietante a la vez, tierno y caótico. El personaje presentado en esta obra encarna el interés de Buff Monster por crear un mundo donde las mascotas mutantes y los colores empalagosos desarman al espectador, solo para provocar una segunda mirada donde la inquietud y la ironía comienzan a aflorar. Esta obra de 2006 se enmarca en un período en el que el artista expandía su presencia en la comunidad del arte urbano, plasmando sus monstruos pintados a mano en láminas, juguetes, murales y exposiciones. Permanencia de la cultura mediática, material y callejera A diferencia de las serigrafías tradicionales sobre papel, Jelly Monster Pink está impresa directamente sobre un panel de madera, lo que enfatiza su durabilidad y difumina la línea entre la impresión y el objeto. La veta de la madera, sutilmente visible a través de la tinta rosa, proporciona un contraste que amplifica la vibrante artificialidad del personaje. El proceso de impresión manual de Buff Monster garantiza que no haya dos impresiones idénticas, reforzando la ética artesanal, influenciada por el grafiti, que impregna toda su obra. Esta pieza transmite la misma energía que sus primeras intervenciones callejeras y pegatinas de personajes, pero en un formato idóneo para su exhibición en galerías o colecciones privadas. Representa cómo los artistas arraigados en la cultura del grafiti han adoptado materiales artísticos tradicionales sin abandonar su urgencia visual. Absurdo caricaturesco y disidencia edulcorada Jelly Monster Pink se expresa a través de la lógica caricaturesca y una estética azucarada, pero su trasfondo es profundamente subversivo. La boca tachada, los ojos espirales vacíos y los dientes prominentes de la figura sugieren algo perdido en la traducción: una emoción enmascarada tras la dulzura o una criatura atrapada en una confusión perpetua. Esta mezcla de inocencia y distorsión captura la esencia de Buff Monster, quien utiliza formas tiernas para expresar caos, incertidumbre y sátira. En el amplio mundo del arte pop urbano y el grafiti, su obra rompe con las expectativas al canalizar la nostalgia a través de un espejo distorsionado. Transforma símbolos de la infancia en sofisticados comentarios sobre la identidad, la cultura y el arte mismo. Jelly Monster Pink se erige como un ejemplo lúdico pero potente de esta práctica constante, combinando un diseño limpio con una imaginación desbordante y un toque de irreverencia que nunca desaparece del todo.

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Arte en aerosol estilo metro, original, pintado sobre pared, escultura, obra de arte del artista callejero de graffiti Rek Santiago. Escultura de tren estilo urbano, firmada en 2010, original, con rotulador de pintura en aerosol y diseño único. Medidas: 20,25 x 5 x 1,75 pulgadas. Firmado, titulado y fechado en el reverso, con la etiqueta Rek y NSA en el anverso. Grafiti original pintado a mano sobre plataforma de metro estilo urbano, apto para colgar en la pared. Se exhibe con su caja. La caja presenta marcas de pintura artística. Manchas y desperfectos propios de la antigüedad, en excelente estado.

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Círculos de Daños Colaterales. Pintura original en técnica mixta: aerosol, arena, purpurina y acrílico sobre papel grueso. Artista callejero de graffiti Risk. Arte pop moderno. Círculos de Daños Colaterales, 2018 - ¡Adquiera un riesgo original! Original (pintura en aerosol, acrílico sobre papel grueso, brillantina, textura arenosa gruesa que capta la luz) Tamaño: 22x30 pulgadas Fecha de creación: 2018 Obra original – Cada una es única, irrepetible y firmada a mano.

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Rabbit Worries, pintura original en aerosol sobre panel de madera de Blake Jones. Obra de arte única. Arte callejero. Artista pop. 2020. Pintura original firmada, realizada con aerosol sobre panel de madera. Medidas: 20,5 x 48 pulgadas. Rabbit Worries de Blake Jones – Expresión cruda sobre madera en el arte pop callejero y el grafiti Rabbit Worries es una pintura en aerosol original y única de 2020 del artista estadounidense Blake Jones, realizada en rojo intenso sobre un panel de madera reciclada de 52 x 122 cm. La obra presenta al icónico conejo de Jones, un personaje recurrente en su narrativa visual. Pintada con un enfoque directo y sin filtros, esta pieza combina la urgencia del grafiti callejero con la claridad estética de la iconografía pop. La expresión del personaje —ojos cerrados, boca con una sonrisa inquieta, cejas sutilmente arqueadas— encarna una tensión contenida. Su cuerpo, simplificado en líneas fluidas y una forma minimalista, irradia humor e inquietud. La palabra BLAKE aparece garabateada en la parte inferior en el mismo rojo, afirmando la autoría del artista con la inmediatez de una firma callejera. Sencillez emotiva y poder simbólico El conejo de Jones no es solo un dibujo animado; es un vehículo de resonancia emocional. En «Preocupaciones del Conejo», el diseño de la figura se reduce a lo esencial, logrando un máximo impacto psicológico con una mínima información visual. La expresiva pintura roja en aerosol sobre la veta natural de la madera crea un marcado contraste, amplificando la emoción cruda capturada en la postura y las expresiones faciales de la figura. El formato vertical del panel intensifica la acción, guiando la mirada hacia arriba, recorriendo el cuerpo hasta las orejas, que evocan símbolos de alerta o ansiedad. Este enfoque ejemplifica una estrategia fundamental del arte urbano pop y el grafiti: comunicar rápido, contundente y con cada línea. Pintura en aerosol y superficies según el Código Urbano El uso de pintura en aerosol sobre panel de madera conecta directamente con la tradición del grafiti, donde la herramienta y la textura definen la voz de la obra. La veta de la madera permanece completamente visible bajo las líneas rojas, permitiendo que la imperfección natural y la crudeza urbana coexistan con la energía gráfica de las imágenes de Jones. A diferencia del lienzo o el papel, la madera ofrece resistencia y carácter, creando un diálogo entre material y mensaje. Jones aprovecha esto, permitiendo que la superficie influya en el ambiente de la pieza. El rojo intenso evoca urgencia y vulnerabilidad, haciendo eco de temas como la lucha personal, la ansiedad escénica o el conflicto interno. La pincelada es rápida, casi instintiva, reflejando los ritmos del grafiti callejero, pero contenida dentro de una composición formal. Blake Jones y la intersección del humor, la ansiedad y la voz pública Blake Jones continúa explorando los temas de la identidad emocional y el lenguaje público a través de figuras recurrentes y expresiones familiares. En «Rabbit Worries», captura un momento de introspección mediante un símbolo generalmente asociado con la inocencia y la picardía. Este conejo, sin embargo, no es despreocupado: carga con peso en sus ojos cerrados y labios curvados, ofreciendo al espectador un reflejo de un espacio mental compartido. La obra alude a las presiones de la vida contemporánea a través del lenguaje de la abstracción caricaturesca, anclando los recursos visuales pop en un terreno emocional real. Como parte del canon del Arte Pop Urbano y el Grafiti, «Rabbit Worries» es un ejemplo impactante de cómo el personaje y el gesto pueden reemplazar la narrativa, cómo la urgencia puede ser bella y cómo la ansiedad puede expresarse a través del color y la línea. Esta obra se erige como un objeto de claridad estética y un retrato de la complejidad psicológica.

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Cuaderno negro Dibujo sin título Pintura original de técnica mixta sobre papel artístico por el artista callejero de graffiti Artista pop moderno Sen2. 2005 Firmado Sen2 "Sin título" Dibujo en cuaderno de bocetos Enmarcado Tinta Marcador Lápiz Grafiti Obra de arte enmarcada Tamaño 25.5x19 Dibujo sin título en cuaderno negro de Sen2 Este dibujo sin título de 2005, realizado en un cuaderno de bocetos por el reconocido artista callejero de graffiti Sen2, captura un momento crudo y preciso de la práctica artística de uno de los escritores más icónicos surgidos del Bronx. Realizado con tinta, rotulador y lápiz sobre papel artístico, la obra ejemplifica la energía geométrica, el dominio del color y el dinamismo característicos del artista. La obra enmarcada mide 65 x 48 cm y transmite la intensidad del estilo de dibujo a mano y el juego de letras tridimensionales que definieron la transición del graffiti del metro al estudio. Del estilo salvaje al dibujo de precisión Sen2, cuyo nombre real es Sandro Figueroa García, nació en Puerto Rico y se convirtió en una figura clave del movimiento del grafiti en Nueva York durante la década de 1980. Este dibujo, realizado en su cuaderno de bocetos, plasma su transición desde pintar muros y trenes hasta perfeccionar su técnica dentro de la estructura del trabajo de estudio. Cada trazo de rotulador y cada aguada de color en la obra es intencional, fruto de años de experiencia con aerosol y superficies urbanas. La capacidad de Sen2 para mantener el espíritu rebelde del wildstyle, a la vez que integra la estructura arquitectónica y la claridad visual, lo distingue en el mundo del arte pop urbano y el grafiti. Color en capas y tensión visual La composición rebosa de contrastes. Suaves tonos pastel en azul, amarillo, verde y naranja interactúan con densas sombras negras y líneas nítidas que sugieren movimiento y profundidad espacial. Estas formas superpuestas evocan la energía del arte urbano del metro, a la vez que se asientan en la sofisticación de un dibujo digno de galería. Las flechas, las texturas y los ángulos entrelazados guían al espectador a través de múltiples capas de intención: cada borde refinado, cada patrón de relleno calculado y, a la vez, expresivo. El dibujo captura no solo la forma, sino también la actitud, con un estilo que sugiere movimiento, control y una evolución constante. Estudio Evolución del lenguaje del grafiti La obra sin título de Sen2 se inscribe en un movimiento más amplio donde los cuadernos de bocetos dejaron de ser meras herramientas preparatorias para convertirse en obras de arte con entidad propia. El arte pop urbano y el grafiti suelen comenzar con bocetos, y esta pieza constituye un testimonio definitivo de ese proceso. Documenta un instante de imaginación previo a la ejecución, donde las letras se transforman en armas de estilo y el lenguaje visual de la calle se transcribe a un soporte apto para la galería. Para los coleccionistas, la obra ofrece una ventana al talento en bruto y al proceso creativo de uno de los pioneros modernos del grafiti, preservado con esmero y ahora enmarcado como un ejemplo de la historia del arte en movimiento.

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Orange Umber #1 Pintura original MTN Acrílico en aerosol sobre papel de acuarela por Dvate, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. La impresión se basa en una obra original que realicé hace unos años para una exposición colectiva en nuestra antigua galería, PerSquareMetre. Estaba explorando la degradación y la superposición de capas, además de pintar sobre objetos encontrados. La pieza original pertenece a mi esposa, ¡y no quiere desprenderse de ella! La obra original se creó con una combinación de pintura acrílica y esmalte en aerosol. La obra está pintada sobre una antigua lámina que perteneció a mi madre. Me gustó mucho la textura y el desgaste de la madera en el reverso, así que ese fue el lado que elegí pintar. La lámina, un tanto cursi, de los años 50, sigue en el otro lado. En aquel entonces trabajaba con muchos objetos encontrados y personalizaba mi estilo de letra para adaptarlo a ellos. Siempre he utilizado la superposición de capas en mi trabajo para crear profundidad y hacer referencia a las paredes urbanas y crudas que fueron mi lienzo original. - Dvate

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Mace Ave Deck Fine Art Original, pintura en aerosol única sobre tabla de skate natural del artista de graffiti callejero Cope2. Tabla de skate pintada sobre madera natural. Tamaño: 7,25 x 29,375 pulgadas. Lanzamiento: 29 de noviembre de 2021. Cantidad: 1. Fernando Carlo, alias COPE2, es un artista estadounidense, figura destacada en la escena del grafiti neoyorquino. Su participación en el arte urbano de las décadas de los 80 y 90 impulsó su reputación, convirtiéndolo en uno de los grafiteros más reconocidos de Estados Unidos. Polémico a la vez que icónico, la historia del artista y su trayectoria en el grafiti desde las últimas décadas del siglo XX arrojan luz sobre la historia del grafiti y su evolución a lo largo de los años.

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Mujer rubia desnuda 93. Óleo original sobre tela de Peter Keil. Obra de arte única sobre panel de lienzo personalizado cosido a mano en relieve 3D por The Wild Man of Berlin, un famoso artista contemporáneo. 1993. Firmada y fechada por Peter Keil. Óleo sobre lienzo entelado, cosido a mano y listo para colgar. Obra original de 24 x 30 pulgadas. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que pueden presentar descamación debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo. Representa a una mujer rubia desnuda, muy estilizada, con los brazos sujetando su cabello detrás de la cabeza. Explorando la vivacidad expresiva en "Mujer rubia desnuda 93" de Peter Keil «Mujer rubia desnuda 93» es una impactante pintura original al óleo sobre tela de Peter Keil, conocido como el «Hombre Salvaje» de Berlín por su arte expresivo y dinámico. Esta obra de 1993, firmada y fechada por el artista, presenta un lienzo poco convencional: un panel tridimensional en relieve, cosido a mano y hecho a medida, que añade una dimensión táctil única a la obra. El tamaño de la pieza original, de 61 x 76 cm, ofrece una visión amplia de la representación cruda y sin inhibiciones de la figura humana que caracteriza a Keil. Aquí, Keil captura la esencia de una mujer rubia desnuda, altamente estilizada y en una pose que irradia fuerza y ​​fluidez, con los brazos levantando elegantemente su cabello detrás de la cabeza. El enfoque pictórico de Peter Keil se caracteriza por la vigorosa aplicación de pintura espesa, una técnica que contribuye a la riqueza textural y la profundidad de su obra. Con el tiempo, algunas obras de Keil pueden presentar desconchones de pintura, un fenómeno natural que refleja el paso del tiempo y las cualidades orgánicas de los materiales que utiliza. Estas imperfecciones aparentes son, de hecho, parte integral del carácter de la obra, pues encarnan la esencia misma del proceso creativo espontáneo y emotivo de Keil. Reinterpretando el arte figurativo a través del prisma del pop urbano y el grafiti En «Mujer rubia desnuda 93», Keil reinventa el arte figurativo con una estética que se entrelaza con la espontaneidad y la audacia propias del arte pop urbano y el grafiti. Su uso audaz del color y la forma se alinea con el lenguaje visual de estos movimientos, que trascienden los límites tradicionales de las bellas artes. Sus representaciones van más allá de la mera representación, evocando estados emocionales y narrativas que recuerdan las impactantes imágenes características del arte urbano y el grafiti. La obra ofrece una experiencia tanto visual como física, ya que el lienzo en relieve invita al espectador a interactuar con la pintura más allá del plano pictórico. Este método de presentación es emblemático del deseo de Keil de desafiar los límites de la exhibición artística convencional y crear una experiencia más inmersiva para el observador. Adquirir una pieza como «Mujer rubia desnuda 93» es como poseer un momento en la vibrante historia del arte contemporáneo. Las pinturas de Keil son muy apreciadas por su expresividad y su lugar en la narrativa de la evolución del arte, especialmente en el contexto del arte pop urbano y el grafiti. Sus obras dan testimonio de la capacidad del artista para capturar la complejidad de la expresión humana mediante pinceladas audaces y un uso intrépido del color. La pintura al óleo original de Peter Keil, «Mujer rubia desnuda 93», celebra la forma y la expresión humanas, encapsulando el espíritu libre del arte pop urbano y el grafiti dentro del marco de las bellas artes. La obra de Keil continúa inspirando y desafiando, consolidando su reputación como un importante artista contemporáneo que captura el espíritu de su época en cada pincelada vibrante.

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Joven hasta la muerte 1 Obra de arte original y única en técnica mixta con pintura en aerosol, acrílico y plantilla sobre papel Royal Sundance de 270 g/m² del popular artista de graffiti callejero Pez. 2021. Firmada. Técnica mixta sobre papel Royal Sundance de 270 g/m². 50 × 70 cm (19,69" × 27,56"). Enmarcada profesionalmente en negro con paspartú flotante.

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Ciencia. Pintura original Pasca sobre papel de acuarela por Jon Burgerman, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Dibujo original sobre papel de 2014 del artista Jon Burgerman. Tamaño de la obra: 9 x 12 pulgadas. Jon Burgerman crea vibrantes garabatos neoprimitivos de formas y colores. Ha llevado a sus personajes monstruosos a composiciones donde formas caricaturescas se superponen hasta crear una explosión de energía. Sumamente prolífico, ha impulsado la obsesión por los personajes de finales de los 90 hacia una dirección mucho más interesante y potente. Imaginen a Walt Disney en un monumento inca bajo los efectos de la mescalina. - Francesca Gavin, editora de artes visuales de Dazed & Confused y autora de Street Renegades y 100 New Artists, publicados por Laurence King.

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El Dude 14. Pintura acrílica original de Rich Pellegrino. Obra de arte única sobre panel de gesso del artista pop de arte callejero. Pintura acrílica original firmada de 2014, tamaño 6x6, de El Nota ( Jeff Bridges) de la película El Gran Lebowski. El Nota 14. Pintura acrílica original de Rich Pellegrino. «El Nota 14» es una impactante pintura acrílica de 2014 del reconocido artista de arte urbano pop, famoso por sus vibrantes representaciones de iconos de la cultura pop. Esta obra única captura la esencia de Jeff Bridges como El Nota, el icónico personaje de la película de culto «El Gran Lebowski». Pintada sobre un panel de yeso de 15x15 cm, esta pieza fusiona el estilo distintivo de Pellegrino con la esencia de uno de los personajes más queridos del cine, creando un homenaje visualmente cautivador al atractivo perdurable del personaje. La visión artística detrás de El Nota 14 La obra de Rich Pellegrino se nutre de la vibrante energía y la audaz estética del Street Pop Art, y «The Dude 14» ejemplifica su dominio del género. La pintura encapsula el carisma relajado y los matices filosóficos de «El Nota» a través de las expresivas pinceladas de Pellegrino y su sutil uso del color. El enfoque del artista dota a la pieza de vida y movimiento, reflejando la naturaleza dinámica tanto del personaje como de la película que la inspiró. La elección de «El Nota» como tema es significativa, ya que el personaje representa un ícono contracultural cuya actitud relajada y visión única del mundo han resonado con el público durante décadas. La representación de Pellegrino captura la esencia del personaje, añadiendo profundidad y complejidad mediante su característico uso de la luz y la sombra. La composición de la pintura, con su encuadre íntimo y su enfoque en la expresión facial, invita a los espectadores a conectar con «El Nota» a nivel personal, convirtiendo la obra en un homenaje y un punto de partida para la conversación. La técnica y el estilo de Rich Pellegrino El uso que hace Pellegrino de pintura acrílica sobre un panel de yeso permite crear texturas ricas y colores vibrantes, características distintivas de su estilo. Su pincelada expresiva captura los sutiles detalles de los rasgos de Jeff Bridges, manteniendo a la vez la soltura pictórica que define su enfoque artístico. Los tonos cálidos y terrosos del fondo contrastan con la mirada penetrante del personaje, creando una sensación de profundidad e inmediatez que atrae al espectador hacia la obra. Como parte del movimiento Street Pop Art, el trabajo de Pellegrino suele combinar el retrato tradicional con referencias culturales contemporáneas. Esta síntesis se evidencia en «The Dude 14», donde el artista utiliza un medio clásico para reinterpretar una figura moderna de la cultura pop. El resultado es una obra que tiende un puente entre las bellas artes y la cultura popular, haciéndola accesible y atractiva para un público amplio. La importancia cultural de El Nota 14 «El Nota 14» es más que un simple retrato; es una celebración de un personaje convertido en símbolo de individualidad y resistencia a las normas sociales. La interpretación de Rich Pellegrino captura la esencia del personaje y demuestra la habilidad del artista para fusionar la crítica cultural con la innovación artística. La pintura es un testimonio del poder del Arte Pop Urbano para transformar iconos cotidianos en obras de arte significativas. Para coleccionistas y aficionados, «El Nota 14» es una valiosa adición a cualquier colección, pues representa tanto el talento artístico de Pellegrino como el legado perdurable de El Gran Lebowski. Su pequeño tamaño y sus detalles minuciosos la convierten en una pieza única que captura la esencia tanto del artista como del personaje, consolidándose como una obra destacada del Arte Pop Urbano contemporáneo.

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Obras originales únicas de Supreme Drip: pastas de trigo, tinta y pintura en aerosol sobre madera en capas, del popular artista de graffiti callejero Peter Van Flores. 2022. Obra original firmada de SUPREME Drip Wood Cut. Un homenaje a SUPREME. Tinta, pintura en aerosol y engrudo sobre varias capas de madera tallada a mano. Pieza única. Tamaño mediano. Dimensiones únicas con curvas. Collage original de pintura en aerosol Supreme Drip de Peter Van Flores.

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War By Numbers VSE- OG Colorway Edición Variable Stencil Obra de arte acrílica sobre papel de bellas artes con bordes irregulares hechos a mano por los artistas callejeros Shepard Fairey x Ernesto Yerena Montejano x Hecho Con Ganas x Obey. 2022 War By Numbers VSE - Colorway OG, 20x26.5 pulgadas. Edición ultrarrara, firmada y numerada, de solo 14 ejemplares. Edición con plantilla variable (VSE) sobre papel. Firmada por Shepard Fairey, con el sello editorial de Hecho Con Ganas en la esquina inferior izquierda. «Creada durante la guerra de Irak, la búsqueda de la paz exige una vigilancia constante, y la actual invasión de Ucrania nos recuerda la brutalidad de la guerra. La imagen “Guerra por números” es una declaración sobre la necesidad de no insensibilizarnos ante la guerra hasta el punto de que se vuelva tan banal como un dibujo para colorear. El “Elefante de la Paz” apela a nuestro sentido del karma y a la armonía con el mundo que nos rodea». - Shepard Fairey En "War By Numbers VSE- OG Colorway", una obra emblemática fruto de la brillante colaboración entre Shepard Fairey, Ernesto Yerena Montejano, Hecho Con Ganas y Obey, emerge una profunda intersección entre arte y activismo. Impresa en papel de bellas artes meticulosamente desbarbado a mano, esta obra de 50,8 x 67,3 cm no solo ejemplifica la destreza de sus creadores, sino que también profundiza en el tejido social y político de los escenarios globales contemporáneos. Fechada en 2022, esta pieza se distingue por ser una edición ultrarrara de la técnica Variable Stencil Edition (VSE) sobre papel, de la cual solo existen 14 ejemplares, cada uno cuidadosamente firmado y numerado. Cabe destacar que la presencia del sello editorial de Hecho Con Ganas en la esquina inferior izquierda realza su autenticidad y valor intrínseco. Si bien la obra en sí misma es una maravilla de juego de colores y diseño, su mensaje subyacente es a la vez atemporal y urgente. Las propias palabras de Shepard Fairey aclaran la motivación tras su creación, destacando su origen durante la guerra de Irak. Sin embargo, su resonancia trasciende ese conflicto en particular. La obra emerge como un recordatorio perdurable del costo de la guerra, especialmente con el conmovedor trasfondo de la reciente invasión de Ucrania. Fairey señala con perspicacia los peligros de insensibilizarse ante los horrores del conflicto, sugiriendo que la sociedad jamás debe permitir que la devastación de la guerra se vuelva tan común y cotidiana como un dibujo de un cuadro para pintar por números. Este sentimiento se ve reforzado por la inclusión del "Elefante de la Paz", que simboliza la aspiración universal a la armonía y apela a la conciencia colectiva de la humanidad. En el vasto ámbito del arte pop, el arte urbano y el grafiti, "Guerra por Números" se erige como un testimonio de la capacidad del arte para trascender el atractivo estético, desafiando a los espectadores a confrontar y reflexionar sobre los problemas más acuciantes del mundo.

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Mick Jagger Nueva York. Óleo original de Peter Keil. Obra de arte única sobre panel enmarcado de cartón pluma, realizada por el "Hombre Salvaje de Berlín", un famoso artista contemporáneo. 1985. Firmado y fechado por Peter Keil. Óleo sobre panel de masonita. Obra original de 28,5 x 37,5 cm. Todas las obras de Peter Keil utilizan pintura espesa, por lo que puede presentar desconchones debido a la antigüedad y la naturaleza de su trabajo. Representa la cabeza y el rostro de Mick Jagger, de los Rolling Stones, fumando un cigarrillo. El panel de espuma está ligeramente combado hacia adentro en la parte posterior del marco y cuelga un poco separado de la pared. Capturando lo icónico: La interpretación de Mick Jagger por Peter Keil «Mick Jagger New York» de Peter Keil es una pintura al óleo original que captura la esencia de una de las figuras más icónicas del rock and roll. Creada en 1985 y enmarcada sobre un panel de espuma, esta obra representa el estilo vibrante y expresionista de Keil. La obra, firmada y fechada por el artista conocido como El Salvaje de Berlín, mide 72,4 x 95,2 cm, reflejando la predilección de Keil por crear arte audaz. Dentro de la tradición del arte pop, la representación que Keil hace del vocalista de los Rolling Stones es una perfecta fusión entre la cultura de la celebridad y la innovación artística. El uso de pintura espesa y texturizada es característico de la técnica de Keil, añadiendo profundidad e intensidad a la imagen de Mick Jagger, retratado con un cigarrillo que cuelga elegantemente de sus labios. La posible presencia de pintura desconchada añade una dimensión de autenticidad e historia a la pieza, aludiendo al proceso natural de envejecimiento de los materiales elegidos por Keil y a la naturaleza perdurable de sus obras. La pintura es más que un simple retrato del célebre músico; es una obra narrativa que transmite el carisma genuino y el legado perdurable de Jagger. El uso que hace Keil del color y la forma rompe con el retrato convencional, ofreciendo una ventana al alma del sujeto y capturando la esencia de sus facetas pública y privada. En el contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti, la pintura de Keil destaca por su apropiación de iconos de la cultura pop y su capacidad para trasladarlos al ámbito de las bellas artes. La obra se alinea con el espíritu del arte urbano, que a menudo se apropia de imágenes populares para expresar reflexiones sobre la sociedad, la fama y el paso del tiempo. La pintura de Keil lo hace con respeto y creatividad, asegurando que "Mick Jagger New York" no sea solo un retrato, sino una pieza de la historia cultural. En esencia, la obra de Keil es un testimonio de la fusión entre la sensibilidad del arte urbano y la sofisticación de las bellas artes. Su retrato de Mick Jagger está impregnado de una sensación de inmediatez e intimidad, características propias del mejor arte urbano. Con esta pintura, Keil sigue desafiando y expandiendo los límites del arte contemporáneo, consolidándose como una figura clave en la evolución del arte pop y su intersección con la estética callejera.

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"Caminos que pavimentamos" Pintura original en aerosol y acrílico sobre madera entelada por Malt, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2011 Senderos que pavimentamos (Pintura acrílica original en aerosol) por Malt Malt es un artista autodidacta que vive y trabaja en el área metropolitana de Detroit. Combinando técnicas de grafiti y aerosol con su característico estilo acrílico, su obra más reciente ofrece una visión abstracta de los paisajes tradicionales y los personajes que habitan sus fondos psicodélicos. La yuxtaposición de aves del bosque, árboles, vida y muerte, crecimiento y decadencia, fuerza y ​​debilidad es lo que mantiene la frescura y el interés constante en el trabajo de Malt.

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Hormiga del Crimen Pensante, Edición Limitada, Pintada a Mano con Adornos, Pintura, Plantilla, Acrílico sobre Madera por Bask, Artista Callejero de Graffiti, Arte Pop Moderno. Estas piezas son una continuación de mi serie Thoughtcrime. La imagen de la hormiga está pintada sobre una serie de paneles desgastados. Este conjunto se completó el mes pasado. Es difícil precisar cuánto tiempo llevó crearlas, ya que rescatar los paneles de diversos lugares a lo largo del tiempo es tan esencial para el proceso artístico como aplicar la pintura sobre ellos. Cada pieza tiene su propia historia. Cada una está hecha a mano y cada panel ha sido pintado y procesado por mí. Me gusta la idea de las obras de pequeña producción que permiten a la gente obtener una obra de arte original por el precio de algunas láminas hoy en día. He estado guardando estos paneles durante un tiempo y finalmente llegó el momento de cortarlos y crear arte con ellos. Son pinturas de la misma imagen estarcida, pero cada una con un aspecto totalmente original. Cada pieza tiene su propio carácter y personalidad distintivos, manteniendo la repetición de Thoughtcrime. - BASK

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Óleo sobre lienzo de arte encontrado, procesado y enriquecido, de Dave Pollot, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «Procesado y Enriquecido» - Óleo original sobre lienzo encontrado de Dave Pollot - El fondo es una pintura enmarcada sobre lienzo - Firmado al óleo por el artista - Incluye firma. Medidas: 17,5 x 24 pulgadas (44,5 x 61 cm) incluyendo el marco.

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Disección de la letra S. Pintura original en técnica mixta enmarcada sobre papel por Nychos, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2013. Obra de arte original firmada, técnica mixta, acrílico y aerosol. Medidas: 40 x 48,5 cm . “Mi padre y mi abuelo eran cazadores tradicionales austriacos, así que creo que de ahí viene parte de mi interés por la anatomía. Ver un ciervo diseccionado por primera vez fue muy inspirador para mí. Ver cómo salían las vísceras e intestinos fue un poco impactante al principio”, le contó Nychos a Hypebeast mientras pintaba en el Pow Wow Hawaii, el festival de arte urbano más importante del mundo, a principios de este año. “Usando todo este conocimiento de la anatomía, creo que he encontrado algo con lo que puedo dedicarme y en lo que puedo dar rienda suelta a mi creatividad. Se mantiene interesante para mí porque siempre estoy encontrando nuevas maneras de hacerlo”. -Nychos

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Enamored Die-Cut Wood- Pink Limited Multiple on Laser Cut Wood Panel ready to hang by Buff Monster Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición limitada de 45 ejemplares, firmada y numerada, de 2021. Color rosa. Tamaño de la obra: 14,5 x 13,5 pulgadas (37 x 34 cm). ¡Llevo años queriendo hacer una impresión serigrafiada sobre madera troquelada! ¡Por fin lo he conseguido! Además, las he pintado todas yo; el fondo rosa claro y el negro de los laterales también son obra mía. Los colores en una serigrafía siempre son mucho más vivos. -Buff Monster Buff Monster, artista callejero neoyorquino reconocido por su vibrante y original obra de arte pop moderno y grafiti, presenta "Enamored Die-Cut Wood - Pink". Esta obra de edición limitada, parte de una serie de 45, es un testimonio del compromiso de Buff Monster con la innovación y la maestría en el arte pop urbano. Cada pieza, de 37 x 34 cm, está meticulosamente elaborada sobre paneles de madera cortados con láser y lista para exhibirse sin marco. La obra presenta el motivo característico de Buff Monster: el personaje Mister Melty derritiéndose, a menudo asociado con la alegría, el amor y el paso del tiempo. El singular ojo del personaje y el motivo del corazón están realizados en un llamativo color rosa, un tono recurrente en la obra de Buff Monster que simboliza el optimismo y la vitalidad. Esta edición en particular se ve realzada por la intervención personal de Buff Monster, quien pintó personalmente el fondo rosa claro y los laterales negros, añadiendo una capa de intimidad y autenticidad a cada impresión. Al igual que en las serigrafías tradicionales, los colores de "Enamored Die-Cut Wood - Pink" son vívidos y saturados, reflejando la predilección de Buff Monster por paletas brillantes y llamativas que dan vida a sus personajes. El troquelado de madera añade una dimensión escultórica a la pieza, ofreciendo una experiencia táctil distinta a la de las impresiones bidimensionales. Esta cualidad multidimensional refleja el dinamismo del arte pop urbano, que a menudo interactúa con su entorno de forma inesperada. La creación de Buff Monster es más que una simple pieza decorativa; es una muestra de la cultura urbana, una manifestación de las influencias del artista provenientes de la cultura japonesa, el grafiti clásico y la estética de los dibujos animados estadounidenses. La edición "Enamored Die-Cut Wood - Pink" representa la fusión de estas inspiraciones, encapsulando el espíritu lúdico e irreverente que define la práctica artística de Buff Monster y el movimiento del arte pop urbano en general. Esta obra es una colorida oda a las maravillas de la vida, el amor y el poder perdurable del arte para evocar emociones y provocar la reflexión.

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Paisaje sangriento. Pintura original de técnica mixta con sangre de Richard Hambleton. Obra de arte única en papel de bellas artes del artista pop de arte callejero. Pintura original de Sangre Humana firmada, 1995. Tamaño 16x12 (enmarcada 23,5x19,5). En buen estado, como se muestra, con un ligero pliegue por manipulación en la parte superior izquierda. La esencia provocativa del arte de Richard Hambleton Richard Hambleton, artista canadiense fallecido en 2017, se erige como una figura enigmática del arte pop urbano. Su pintura «Paisaje de sangre», una obra original de técnica mixta con sangre, ejemplifica el impacto visceral y la cruda intimidad que caracterizan su arte. Terminada en 1995, la obra muestra el uso poco convencional que Hambleton hacía de la sangre humana, añadiendo una capa de fuerza vital, tanto personal como literal, al lienzo. Esta pieza, de 40,6 x 30,5 cm (16 x 12 pulgadas) y enmarcada a 59,7 x 49,5 cm (23,5 x 19,5 pulgadas), representa una audaz declaración en el espacio donde las bellas artes se encuentran con el arte urbano, tal como sucedió para Hambleton a lo largo de su innovadora trayectoria. Richard Hambleton: Un pionero del arte pop callejero Las contribuciones de Hambleton al arte pop callejero se centraron tanto en el medio como en el mensaje. Su decisión de usar la sangre como medio no buscaba simplemente impactar; conectó la condición humana con el paisaje urbano de una manera profundamente íntima. «Paisaje de sangre» encierra no solo la esencia física del artista, sino también la resonancia emocional y psicológica de sus experiencias vitales. Con esta obra, Hambleton continuó su exploración de la mortalidad y la vulnerabilidad, temas recurrentes en su arte callejero, especialmente en su renombrada serie «El hombre sombra», que inquietó las calles de Nueva York en la década de 1980. El estado de «Paisaje de sangre», que se describe como bueno salvo por una leve marca de manipulación en la esquina superior izquierda, refleja las imperfecciones inherentes al arte callejero. En este mundo, lo prístino se valora menos que lo expresivo. Es un testimonio silencioso del paso del tiempo y de la naturaleza perdurable de la visión de Hambleton. La procedencia de la pieza se remonta a la colección de Robert Murphy, lo que garantiza su linaje dentro del ámbito del arte contemporáneo de prestigio. Autenticidad y legado en la obra de Hambleton La autenticidad de la obra está validada por un Certificado de Autenticidad (COA) manuscrito de Robert Murphy y otro de Dirtypilot. Este gesto subraya la importancia de la procedencia en el arte, especialmente en obras tan poco convencionales como «Bloodscape». El reconocimiento por parte del mundo del arte de métodos y medios tan heterodoxos refleja una comprensión más profunda de lo que constituyen los materiales artísticos y de la evolución del arte pop y el arte urbano. Como gran parte de la obra de Hambleton, «Bloodscape» no se limita a la apreciación estética; es una herramienta dialógica, una invitación a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la vida y la permanencia del arte. El uso de la sangre, un fluido sinónimo de vida, como medio en esta pintura de técnica mixta invita al espectador a considerar la vitalidad del artista presente en la obra. Cada pincelada y cada salpicadura es una firma genética, una parte del propio Hambleton, congelada en el tiempo. Esta pintura, una obra singular dentro del arte pop urbano y el grafiti, sigue suscitando diálogo, desafiando percepciones y provocando fuertes reacciones emocionales, demostrando el potencial del arte para conmover el espíritu humano. El legado de Richard Hambleton y obras como «Paisaje de sangre» reside en su audaz exploración de territorios inexplorados de la expresión artística y en su capacidad inquebrantable para provocar la reflexión mucho después de la muerte del artista.

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Joker Brand - Verde Rosa Original Única. Obra de arte de técnica mixta con acrílico y pintura en aerosol sobre madera enmarcada, del popular artista de graffiti callejero Ben Frost. 2022 'Joker Brand' - Acrílico y pintura en aerosol sobre tabla - Variante verde/rosa 60 cm x 60 cm (23,5 x 23,5 pulgadas) Firmado, titulado y fechado al dorso

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Estudio de alambre de púas cerca del centro de Los Ángeles. Pintura acrílica original en técnica mixta con aerosol de Saber. Obra de arte única sobre cartulina de archivo en relieve del artista pop de arte callejero. 2023. Firmada. Pintura original en técnica mixta con acrílico y aerosol. Tamaño: 7,5 x 5. "ESTUDIO DE ALAMBRE DE ESPINAS CERCA DEL CENTRO DE LOS ÁNGELES. He estado pintando pequeños estudios de escenas nocturnas de Los Ángeles. Esta es una serie de originales pintados a mano. Técnica mixta sobre cartulina de archivo con relieve. Tamaño: 19 x 12,5 cm. Firmado y numerado. Edición muy limitada; solo se crea una pequeña cantidad de cada serie." -Saber. Inmersión en lo urbano: el "Estudio de alambre de púas cerca del centro de Los Ángeles" de Saber "Estudio de alambre de púas cerca del centro de Los Ángeles" de Saber es una impactante pintura original de técnica mixta que ofrece una cruda pero hermosa instantánea del paisaje urbano de Los Ángeles. Esta obra de 2023, firmada por el artista, es una pieza única meticulosamente creada sobre una cartulina de archivo en relieve de 19 x 13 cm. Saber, una figura venerada en la escena pop del arte urbano, captura la esencia del centro de Los Ángeles con una técnica cruda y expresiva que combina pintura en aerosol y acrílicos, revelando el carácter de la ciudad bajo su velo nocturno. Esta serie de originales pintados a mano por Saber es más que una simple representación de los atributos físicos de la ciudad; es una profunda inmersión en el alma del entorno urbano. La técnica mixta sobre la cartulina de archivo en relieve acentúa el contraste textural entre la dureza del alambre de púas y la cualidad etérea del horizonte nocturno de la ciudad. El uso de pintura en aerosol, un medio sinónimo del arte urbano, le confiere autenticidad a la obra, resonando con la energía espontánea del grafiti. La decisión de Saber de centrarse en escenas nocturnas de Los Ángeles revela su intención de explorar temas como el aislamiento, los límites y la libertad. El alambre de púas, símbolo frecuentemente asociado con la división y el confinamiento, se yuxtapone con el telón de fondo de una ciudad conocida por su creatividad y sueños sin límites. Esta yuxtaposición invita a reflexionar sobre las barreras —tanto físicas como metafóricas— que definen los espacios urbanos y las vidas que los habitan. «Estudio del alambre de púas cerca del centro de Los Ángeles» forma parte de una serie minimalista que enfatiza la exclusividad y el valor coleccionable de la obra de Saber. Cada pieza de la serie está numerada, lo que destaca su posición dentro de una narrativa más amplia que Saber construye a través de estas exploraciones visuales. Los coleccionistas de arte urbano pop y grafiti encontrarán en estas piezas una convergencia entre la crudeza de la calle y la delicada sofisticación artística. La obra de Saber constituye un ejemplo convincente del potencial del arte urbano pop para trascender sus orígenes y convertirse en una poderosa forma de arte contemporáneo. La capacidad del artista para transmitir la complejidad de la experiencia urbana mediante la interacción de medios, texturas y colores es testimonio de su dominio de la técnica. Sus pinturas no son meras obras de arte, sino ventanas a la psique urbana que reflejan el espíritu vibrante y a veces caótico de la vida en la ciudad. En esencia, la serie «Estudio de alambre de púas cerca del centro de Los Ángeles» encarna la evolución del grafiti hacia una forma de arte pop urbano que desafía, involucra y cautiva. Subraya el debate actual sobre el valor del arte urbano dentro del canon artístico y su capacidad para capturar y comentar la esencia de la existencia urbana contemporánea. A través de sus representaciones íntimas y viscerales de Los Ángeles, Saber se consolida como una voz destacada del arte pop urbano, moldeando nuestra percepción e interacción con los paisajes urbanos que nos rodean.

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Gojira, pintura original en aerosol, acuarela y técnica mixta sobre papel artístico, por Aelhra, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. 2014 Obra de arte original firmada, técnica mixta , pintura en aerosol y acuarela. Tamaño: 15 x 22 pulgadas.

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Máscara generativa verde. Pintura acrílica original de Mysterious Al. Obra de arte única sobre lienzo tensado, lista para colgar, del artista pop de arte callejero. 2023. Pintura acrílica en aerosol, técnica mixta, firmada. Obra original. Tamaño: 36x36. Mysterious Al utilizó IA para seleccionar los colores; él pintó la obra a mano. "Estas dos pinturas fueron realizadas en conjunto conmigo utilizando un algoritmo para elegir los colores. Es la primera vez que hago esto, y realmente funcionó." -Al Misterioso. Máscara generativa verde: una síntesis tecnocultural en el arte La unión de tecnología y arte alcanza un clímax fascinante en "Generative Mask Green" de Mysterious Al, una pintura acrílica original que está revolucionando el panorama del arte pop urbano. La obra es un ejemplo paradigmático de cómo los artistas contemporáneos están aprovechando las capacidades de la era digital para redefinir la creación y la percepción del arte. En este caso, la innovación reside tanto en la vibrante estética visual que caracteriza a Mysterious Al como en el proceso creativo que subyace a la pintura. Mediante el uso de inteligencia artificial para seleccionar la paleta de colores, el artista ha fusionado la precisión de los algoritmos con la esencia de la creatividad humana, dando como resultado una obra de arte única que captura el espíritu de la época. El proceso: La IA se encuentra con el acrílico en el arte callejero Con un enfoque innovador, "Generative Mask Green" surgió de la colaboración entre Mysterious Al y la tecnología de IA. La IA se encargó de seleccionar los colores, una tarea tradicionalmente reservada a la intuición del artista. Este método pionero permitió explorar una paleta de colores que, sin la intervención del algoritmo, podría haber permanecido inexplorada, dando como resultado una estética fresca e inesperada. Una vez seleccionados los colores, Mysterious Al se puso manos a la obra, utilizando pintura en aerosol y técnicas mixtas para dar vida a la pieza. Esta obra de 91x91 cm (36x36 pulgadas) personifica la evolución del arte pop urbano y el grafiti, representando un cambio con respecto a los métodos tradicionales del género. El uso de herramientas de IA introduce una nueva narrativa en el arte urbano, un género que siempre refleja las tendencias y tecnologías actuales. La obra lleva la firma del artista, no solo físicamente a través de sus pinceladas, sino también conceptualmente, mediante su disposición a permitir que una máquina participara en el proceso creativo. El resultado de esta colaboración es una pintura que refleja tanto la continuidad de la visión del artista como el advenimiento de una nueva era donde la tecnología se convierte en parte integral del proceso artístico. Captura la esencia del Arte Pop Urbano, que se nutre de la innovación y la ruptura con lo establecido. La pintura es un testimonio de la adaptabilidad de Mysterious Al y su apertura a lo desconocido, cualidades que siempre han estado en el corazón del movimiento del arte urbano. Máscara generativa verde: reflejando el pulso de la sociedad moderna «Generative Mask Green» va más allá de representar la síntesis de la IA y la expresión artística; refleja el pulso de la sociedad moderna y su compleja relación con la tecnología. La pintura es un comentario visual sobre la convergencia de nuestras realidades digitales y físicas. Encarna el espíritu del Street Pop Art, que a menudo funciona como un barómetro cultural, midiendo y expresando los cambios sociales a través de medios visuales. En esta obra, Mysterious Al no es solo un artista, sino un narrador cultural que documenta la era de la IA a través del prisma del arte urbano. La estética de la pintura es inconfundiblemente de Mysterious Al, pero el proceso de selección de color introduce un elemento inesperado. Este aspecto invita a los espectadores a interactuar con la obra a un nuevo nivel, a cuestionar los orígenes de las decisiones tomadas en el lienzo y a contemplar el futuro del arte en una era donde las máquinas pueden desempeñar un papel en la expresión creativa. Para el arte pop urbano y el grafiti, siempre profundamente arraigados en la emoción humana y el discurso social, la introducción de la IA representa una fascinante expansión del arsenal artístico, permitiendo nuevas formas de diálogo y expresión. «Generative Mask Green» no es solo una pintura, sino un símbolo del panorama en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti. Representa un audaz paso hacia un futuro donde se difuminan las fronteras entre artista y máquina, donde la creatividad es una danza entre el impulso humano y la sugerencia algorítmica. Esta obra constituye una poderosa declaración sobre el potencial de la tecnología para influir y potenciar el proceso creativo, ofreciendo una visión de un nuevo horizonte tanto para artistas como para amantes del arte. Mientras Mysterious Al continúa explorando este fértil terreno entre el arte y la inteligencia artificial, el mundo del arte anticipa las innovadoras creaciones que surgirán de esta dinámica colaboración.

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Naturaleza. Pintura original sobre papel de acuarela de Jon Burgerman, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Dibujo original sobre papel de 2014 del artista Jon Burgerman. Tamaño de la obra: 9 x 12 pulgadas. Jon Burgerman crea vibrantes garabatos neoprimitivos de formas y colores. Ha llevado a sus personajes monstruosos a composiciones donde formas caricaturescas se superponen hasta crear una explosión de energía. Sumamente prolífico, ha impulsado la obsesión por los personajes de finales de los 90 hacia una dirección mucho más interesante y potente. Imaginen a Walt Disney en un monumento inca bajo los efectos de la mescalina. - Francesca Gavin, editora de artes visuales de Dazed & Confused y autora de Street Renegades y 100 New Artists, publicados por Laurence King.

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Daños colaterales. Pintura original. Técnica mixta: aerosol y acrílico sobre papel grueso. Artista callejero de graffiti Risk. Arte pop moderno. Daños colaterales, 2018 - ¡Obra original! Original (pintura en aerosol, acrílico sobre papel grueso) Tamaño: 22x30 pulgadas Fecha de creación: 2018 Obra original – Cada una es única, irrepetible y firmada a mano.

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En Flor I Pintura Original Aerosol, Acrílico, Serigrafía y Carteles Reciclados sobre Madera por el ARTISTA graffiti callejero Meggs arte pop moderno. 2012. Obra original firmada, técnica mixta, pintura en aerosol, acrílico, objetos reciclados. Enmarcada. Medidas: 17,5 x 17,5 cm. El artista australiano David “Meggs” Hooke presenta su exposición individual Spoiled Rotten. La muestra, que incluye más de 40 pinturas y series nuevas, explora la maravillosa decadencia de la moral social derivada de la obsesión de la sociedad moderna con la cultura pop y el materialismo desenfrenado, y continúa la fascinación constante de Meggs por el dualismo y la belleza en la tragedia. “Detroit es una ciudad de dualidades, más que muchas otras que he visitado. Busqué incorporar esta dualidad utilizando objetos y superficies que sugieren decadencia, de una manera que considero bella. Los materiales de madera antiguos y los letreros con capas de pintura cuentan su propia historia. Si bien los colores y las texturas son estéticamente hermosos, creo que se trata de darles a estos materiales una nueva vida, un segundo propósito”, afirma Meggs.

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Mapa del metro de Toronto, pintura original en aerosol amarilla de RIFF 170. Obra de arte única sobre un mapa reciclado del metro canadiense, realizada por un artista pop de arte callejero. Mapa del sistema de metro de Toronto, Canadá, 2021. Pintura en aerosol firmada. Obra de arte original. Tamaño: 16 x 8 pulgadas. Mapa del metro de Toronto amarillo por RIFF 170 – Obra original de pintura en aerosol en el género de arte pop urbano y grafiti «Mapa del metro de Toronto Amarillo» es una obra original de 2021, realizada con aerosol por el pionero del grafiti RIFF 170, sobre un auténtico mapa reciclado del sistema de metro canadiense. Con unas dimensiones de 40,6 x 20,3 cm, esta pieza única fusiona la navegación urbana con la autoridad del estilo a mano, marcando un hito transnacional en la historia del grafiti, donde el neoyorquino deja su huella en el trazado metropolitano de Toronto. Mediante audaces y fluidas técnicas de aerosol, RIFF 170 plasma su icónico nombre —RIFF— en el mapa con grandes y llamativas letras mayúsculas. Cada letra está rellena de degradados texturizados y moteados en tonos marrones terrosos y azules sombríos, mientras que un vibrante resplandor amarillo rodea la forma, actuando como un halo de movimiento y dinamismo. El estilo evoca la época dorada del grafiti en trenes, transformando un objeto estático e informativo en una superficie viva y expresiva. La transformación de este mapa utilitario del metro en una reliquia manchada de grafitis convierte la pieza en obra de arte y documento a la vez: un artefacto del lugar, del viaje y del dominio del aerosol. El legado del grafiti a través de las fronteras RIFF 170 se erige como una de las figuras fundacionales del grafiti estadounidense. Tras ascender en las filas de los pioneros del graffiti en trenes neoyorquinos en la década de 1970, su obra contribuyó a establecer el modelo de letras estilizadas, relleno de color e influencia caricaturesca que posteriormente dominaría el graffiti a nivel mundial. En «Mapa del metro de Toronto amarillo», traslada esa herencia cruda y original al contexto canadiense, superponiendo un fragmento del tejido urbano de Canadá con el legado icónico del graffiti neoyorquino. Esta transposición crea un diálogo visual entre dos grandes sistemas metropolitanos, vinculando la experiencia del transporte en metro con la presencia del graffiti como comentario, huella y movimiento. El mapa canadiense se convierte en un lienzo de resistencia, redefinido por un artista cuyo nombre ha trascendido décadas y fronteras sin perder vigencia. Color, textura y el uso de materiales encontrados La elección de colores de la obra es intencionada y potente. El relleno central de cada letra emplea un tono marrón oscuro que recuerda al acero oxidado, la decadencia y las superficies de los vagones de tren tras años de acumulación de capas. Las motas de aerosol sobre el relleno simulan suciedad y movimiento, creando una sensación de profundidad y textura que evoca estaciones de tren y túneles de metro. El contorno amarillo brilla como luces intermitentes, otorgando a las letras una sensación de urgencia y resaltando su viveza sobre el denso entramado del sistema de transporte de Toronto. La decisión de RIFF 170 de pintar sobre un mapa del metro refuerza la tradición del grafiti de utilizar materiales encontrados y efímeros, transformando un objeto cotidiano de navegación en un símbolo de movimiento con una marcada actitud visual. Arte pop callejero y graffiti en tiempo real El mapa amarillo del metro de Toronto se erige como un ejemplo contemporáneo del arte pop callejero y el grafiti en su forma más cruda y honesta. Toma una reliquia de la infraestructura pública y la transforma en un tablero de mensajes, fusionando la geografía de Toronto con el nombre icónico de una leyenda del Bronx. De esta manera, RIFF 170 reafirma la relevancia del grafiti no solo en el pasado, sino también en la continua redefinición del arte urbano. Esta obra trata tanto sobre la ubicación como sobre la identidad: sobre los lugares que dan forma al movimiento y los nombres que marcan esos espacios. El clásico contorno con efecto goteo de RIFF y su declaración en mayúsculas transmiten el peso de la historia con la energía del presente. Es un emblema del estilo transfronterizo, ejecutado con aerosol, firmado con legado y ubicado en el mapa de la cultura del grafiti moderno.

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Compra Post No Bills- Original sin título, pintura en aerosol única en su tipo y pintura de plantilla, obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de cultura pop Street Art Seen UA. 2018 Cuadro Original Firmado Tamaño 18x24 Craquelado por todas partes. Lienzo sin forro.

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Serigrafía "Prey Red HPM Doodled" de D*Face - Dean Stockton. Serigrafía sobre cartón enmarcada. Edición limitada. Obra de arte pop callejero. Obra única de 2007, pintada a lápiz y con pintura HPM, decorada con un garabato en el frente. Enmarcada, de 23,25 x 33 pulgadas. Originalmente, este diseño se usó en yesos de trigo en varias ciudades. Se rumorea que esta es una de las dos versiones producidas y firmadas por D*Face en papel de alta calidad. Enmarcada a medida con marco metálico rojo. El estilo característico de D*Face en rojo presa La fusión del arte pop y el arte urbano encuentra una manifestación impactante en la obra del artista británico Dean Stockton, más conocido como D*Face. Entre su vasta colección de obras de gran impacto, la serigrafía "Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print" es un ejemplo paradigmático de su habilidad para combinar técnicas subversivas del arte urbano con la esencia del arte pop. Esta pieza de edición limitada, una serigrafía sobre cartón y obra original enriquecida con singulares garabatos a lápiz y pintura del propio artista, captura la esencia de su crítica al consumismo y al culto a la celebridad. "Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print" de Stockton no es simplemente otra obra de arte urbano; refleja la trayectoria del artista y su comentario sobre la sociedad. La obra se caracteriza por líneas audaces y contrastes marcados, sello distintivo de la estética de D*Face, que debe mucho a sus primeras influencias del skateboarding, el grafiti y la música punk. La lámina, que mide 23,25 por 33 pulgadas, está enmarcada en un marco metálico rojo hecho a medida que refleja la viveza de la obra de arte que contiene. D*Face y el movimiento del arte callejero pop Concebida originalmente como un diseño para carteles pegados en las ciudades, "Prey Red" evolucionó hacia una expresión más refinada del arte de DFace al ser reinterpretada como una impresión en papel de alta calidad. Esta transición del arte callejero a una pieza digna de galería subraya la fluidez de los límites entre las diferentes formas de arte y la versatilidad de DFace como artista. El hecho de que esta pieza sea una de las dos únicas versiones producidas y firmadas por el artista aumenta su exclusividad y atractivo. La obra de DFace se considera a menudo un puente entre la energía cruda y rebelde del arte callejero y el mundo pulido y visual del arte pop. DFace desafía las ideas preconcebidas sobre el arte y su lugar en la sociedad al llevar su obra a las galerías sin perder su esencia callejera. La serigrafía "Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print" es un testimonio de ello, y encarna la habilidad del artista para dotar a su obra de profundidad y múltiples capas de significado. El impacto cultural de la obra de D*Face Más allá de su atractivo visual, "Prey Red" es una crítica cultural, al igual que el resto de la obra de DFace. A través de su arte, DFace invita a los espectadores a cuestionar los iconos y símbolos que pueblan nuestro paisaje visual. Esta serigrafía, con su nítida imaginería y la palabra "PREY" estampada en ella, sugiere una reflexión más profunda sobre quién es la presa en un mundo saturado de medios de comunicación y cultura de la celebridad. "Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print" de DFace no es simplemente una obra de arte para admirar por su estilo; es, a la vez, un punto de partida para el diálogo, un comentario cultural y una pieza de colección. Representa el compromiso constante del artista por desafiar a los espectadores y al mundo del arte, instando a una reevaluación de lo que se exhibe en las paredes de las ciudades y en las salas de las galerías. A medida que DFace continúa creando y evolucionando, obras como "Prey Red" le aseguran un lugar en los anales de la historia del arte contemporáneo, tendiendo un puente entre lo alternativo y lo convencional.

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Compre Joven hasta que me muera 1 Pintura en aerosol de medios mixtos, acrílico y estarcido original único en su tipo en papel Royal Sundance de 270 g/m² por el popular artista de graffiti callejero Pez. 2021 Técnica mixta firmada en papel Royal Sundance de 270 g/m² 19,69" × 27,56" / 50 × 70 cm Tamaño de la obra de arte, negro Enmarcado profesionalmente con tapete flotante

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Turk Street AP 01 Pintura original en aerosol sobre papel Coventry Rag Fine Art por Apexer Graffiti Street Artist Arte Pop Moderno. Cuando pinto en la calle, me gusta divertirme. Siempre estoy probando nuevas ideas que luego se transforman en más. En esta pintura, quise usar dos estilos de relleno radicalmente diferentes. Así que la mitad superior tiene mi estilo clásico y en la inferior, juego con la idea de diferentes efectos cromados. Fue muy divertido pintar esta obra en el corazón de San Francisco. Forma parte de mi vocabulario artístico. Esta pieza en particular se llama "Apex" y la pinté con un estilo muy "superburner", pero sobre todo quería explorar nuevas posibilidades de color y estilo. - Apexer

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Estudio Remio- 04 Original Único en su Tipo, Técnica Mixta, Pintura en Aerosol, Pintura Acrílica sobre Papel de Bellas Artes del Popular Artista de Graffiti Callejero Remio. Técnica mixta sobre papel de bellas artes. Tamaño: 54 x 50 pulgadas. Lanzamiento: 31 de enero de 2020. Tirada: 1 unidad. Masivo

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