Mr. Dob, una escultura de vinilo de edición limitada, obra de arte coleccionable del artista japonés de la cultura pop Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Edición limitada 2017 de 400 Complexcon x BAITx Takashi Murakami 10 3/5 × 13 2/5 × 10 1/5 pulgadas Nuevo en caja. Sr. Dob, una escultura de vinilo de Takashi Murakami: Expresión maximalista en el arte pop callejero y el grafiti Mr. Dob A es una escultura de vinilo de edición limitada de 2017, creada por Takashi Murakami en colaboración con BAIT y lanzada durante ComplexCon. Esta pieza de colección, limitada a 400 unidades, mide aproximadamente 27 x 34 x 26 cm y viene en su caja original con ilustraciones originales de Murakami. La escultura captura al recurrente personaje del artista, Mr. Dob, plasmado en vinilo brillante con un nivel de detalle, patrones y colores impactantes. Con tentáculos salvajes, ojos giratorios, dientes dentados de colores arcoíris y un diseño de superficie hipnótico, Mr. Dob A funciona como la encarnación física de la estética Superflat de Murakami y su exploración del exceso en la cultura pop moderna. Representa una convergencia clave entre las bellas artes japonesas, el espectáculo consumista y la audaz energía visual del arte pop urbano y el grafiti. Diseño, simbolismo y técnica escultórica Esta escultura del Sr. Dob A es a la vez fantástica y amenazante. Su boca abierta es un cavernoso vórtice arcoíris rodeado de coloridos dientes triangulares, mientras que sus extremidades, similares a las de un pulpo, se enroscan hacia afuera, cada una cubierta de motivos oculares y patrones concéntricos. Con orejas en espiral y ojos saltones, el personaje oscila entre lo kawaii y lo kaiju, la inocencia y la amenaza. El acabado brillante refleja la obsesión de Murakami por la perfección pulida, un guiño a la fabricación de juguetes y a la superficie limpia de la producción de anime. Cada curva es intencional, exagerada e impregnada de caos. La precisión del molde de vinilo y la pintura transforman la pieza en algo más que un juguete: es un objeto surrealista de bellas artes, producido con la exactitud de un producto de diseño, pero palpitando con una anarquía visual. El Sr. Dob no es simplemente una mascota, sino una figura en constante evolución que simboliza la colisión entre los medios de comunicación, la mitología y la locura personal. El papel cultural de Takashi Murakami y su influencia a nivel de calle Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, es reconocido internacionalmente por su capacidad de fusionar el arte elevado y la cultura comercial en un único marco visual. Su concepto distintivo, el Superflat, comprime la pintura tradicional japonesa con el consumismo de posguerra, el anime y la cultura otaku. El Sr. Dob es uno de los personajes más antiguos y significativos de Murakami, que funciona como álter ego y crítica de la saturación cultural. La edición «Mr. Dob A» refleja la conexión de Murakami con las ferias de arte contemporáneo y el coleccionismo urbano, y debutó en ComplexCon, un mercado impulsado por la moda, el arte y la cultura del hype. En el mundo del arte pop urbano y el grafiti, la obra de Murakami existe como un portal donde la tradición y la disrupción coexisten, y donde figuras como el Sr. Dob se convierten tanto en símbolos como en productos de la identidad visual global. Edición limitada en vinilo como objeto de colección de bellas artes Cada escultura de Mr. Dob A se presenta en una caja diseñada a medida que refleja la expresión del personaje, plasmada en un audaz estilo vectorial en toda su superficie. El empaque y la figura son inseparables en su narrativa: funcionan como una sola unidad coleccionable. Al ser una edición limitada de 400 ejemplares, la obra ocupa una posición singular entre objeto comercial y artefacto cultural. A diferencia de las figuras de vinilo producidas en masa, esta edición se fundamenta en la tradición artística conceptual y la estrategia de coleccionismo de Murakami. Su presencia en galerías, colecciones privadas y museos la sitúa en diálogo directo con el debate más amplio sobre la función de los juguetes en las bellas artes. Dentro del creciente mundo del Arte Pop Urbano y el Grafiti, Mr. Dob A se erige como una escultura híbrida: descaradamente llamativa, autorreferencial y reflejo de un público global ávido de arte que fusiona espectáculo, subversión y superficie.

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Sudadera Astro Boy - Edición Limitada Black Light, Juguete de Arte Coleccionable en Vinilo, Obra de Arte del artista de graffiti callejero Faile x Deluxx Fluxx x ToyQube. En colaboración con la sudadera con capucha FAILE x Deluxx Fluxx x ToyQube Astro Boy, el icónico Astro Boy cobra vida en el club de sonido e imagen Deluxx Fluxx con un brillo ultravioleta y luce una sudadera con capucha y una chaqueta deportiva personalizadas. Celebrando la estética del famoso club Deluxx Fluxx de Detroit, esta figura de edición limitada (una de 500) mide 25 cm de altura.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada de He-Man y Battle Cat, obra de arte del artista de graffiti callejero Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki y Mattel Creations se unieron para crear estas figuras exclusivas de Madsaki x Masters of the Universe: HE-MAN y BATTLE CAT. La escultura mide 42,5 cm de alto. MADSAKI y MATTEL CREATIONS se unen para crear esta exclusiva e icónica figura: una recreación a escala de la gigantesca escultura de HE-MAN® y BATTLE CAT® que cautivó a fans y críticos de arte por igual como pieza central de la exposición individual "1984" de MADSAKI en la galería Kaikai Kiki de Tokio en 2020. Con una altura de 43 cm y esculpida al estilo de los dibujos animados de los 80 con un impresionante toque de grafiti urbano moderno, presentamos con orgullo al héroe más famoso de toda Eternia, HE-MAN, y al feroz BATTLE CAT®, de una manera que realmente difumina la línea entre juguete y obra de arte. Cada escultura incluye un certificado de autenticidad firmado a mano por MADSAKI, así como guantes blancos para su mejor cuidado. Se presenta en caja. MADSAKI x MOTU – He-Man y Battle Cat en arte pop callejero y graffiti La escultura de vinilo de edición limitada de He-Man y Battle Cat de MADSAKI, producida en colaboración con Mattel Creations en 2020, es una vibrante fusión de nostalgia, cultura pop y rebeldía urbana: una contribución inconfundible al mundo del arte urbano pop y el grafiti. Presentada originalmente como pieza central de la exposición individual de MADSAKI en 1984 en la galería Kaikai Kiki de Tokio, esta versión reducida de 43 cm captura la energía desbordante de su contraparte monumental, a la vez que ofrece una dosis desbordante de la extravagancia de los dibujos animados de los 80, plasmada en colores vibrantes y con el estilo característico del grafiti. Con el verde fluorescente, el rosa eléctrico y el naranja intenso como paleta dominante, la pieza transforma a dos de los personajes más icónicos de la franquicia Masters of the Universe —He-Man y Battle Cat— en figuras contemporáneas del arte urbano. Lejos de ser un simple homenaje, la versión de MADSAKI reinterpreta a las figuras como avatares de la mitología pop, filtrados a través de la mirada de un artista del grafiti. El armamento, la armadura y la pose se mantienen fieles a la estética de la animación original, pero los colores exagerados y el estilo de pintura caótico llevan esta obra de arte a un nuevo dominio donde coexisten las bellas artes, los coleccionables de vinilo y la sensibilidad del grafiti. Nostalgia convertida en arma en neón urbano La propuesta de MADSAKI se basa en la cultura del remix, pilar del Street Pop Art. Al apropiarse del lenguaje visual de la infancia —He-Man, uno de los héroes animados más reconocidos de los 80— y someterlo a la distorsión visual de la saturación neón y los contornos agresivos, eleva el kitsch a la categoría de crítica. No se trata solo de recordar los dibujos animados de los sábados por la mañana, sino de instrumentalizar esos recuerdos y examinar cómo el entretenimiento comercial moldeó la identidad, la masculinidad y la fantasía en la cultura del capitalismo tardío. Battle Cat, generalmente símbolo de fuerza y ​​energía primigenia, se convierte en una bestia de absurdo posmoderno bañada en neón, ataviada con un rosa chillón y un verde radiactivo. MADSAKI lo transforma de bestia de guerra en un monumento al exceso cultural, codificado con grafitis. He-Man, aún con su espada en alto, parece menos un defensor heroico y más un gladiador psicodélico surgido del subconsciente de un artista callejero criado con VHS e ironía. Del lienzo al vinilo: la mutación del pop callejero de MADSAKI MADSAKI es un experto en reinterpretar iconos. Conocido por sus versiones de ojos vidriosos de obras maestras occidentales y personajes de manga, fusiona la sensibilidad callejera japonesa con la tradición del grafiti neoyorquino. Su transición a la escultura en vinilo con Mattel representa la evolución natural del Street Pop Art: donde la galería se encuentra con el coleccionista, y donde la nostalgia deja de ser pasiva para convertirse en radical. Esta figura difumina las fronteras entre la escultura y la instalación callejera. La paleta de colores imita la estética del aerosol, y las superficies brillantes evocan el pulido de los murales de vinilo y el diseño de juguetes. Al igual que KAWS, Sket-One o Ron English, MADSAKI demuestra que el vinilo escultórico puede ser un medio de confrontación, no solo de consumo. La figura incluye un certificado firmado a mano y guantes para su exhibición, reforzando su identidad como obra de arte y como artefacto cultural. El lugar de MADSAKI en el canon del graffiti pop La obra de MADSAKI, He-Man y Battle Cat, es una pieza fundamental del arte urbano pop y el grafiti contemporáneos. Combina sátira, precisión técnica, atractivo coleccionable y crítica cultural. En lugar de separar arte de juguete o cultura popular de alta cultura, MADSAKI fusiona todas las categorías en una impactante obra que desafía la nostalgia del espectador y sus ideas preconcebidas sobre lo que constituye el arte. Esta escultura no es un simple homenaje a los fans, sino una subversión. Transforma a los héroes de la infancia en avatares fluorescentes de la identidad posmoderna, plasmados en el caos cromático del lenguaje del grafiti. Al inyectar la esencia de las calles en la piel plástica de iconos pop globales, MADSAKI se consolida entre los artistas que están transformando la cultura visual con cada pincelada, escultura y grito.

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Cojín ABC Camo Be@r - Almohada de tela rosa de edición limitada, objeto de arte coleccionable Be@rbrick, obra de arte del artista de graffiti callejero Bape - A Bathing Ape. Rosa 2021 Nuevo con etiquetas

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Obra de arte del Sombrerero Loco, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Leslie Ditto.

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Train 24 es una escultura original de un vagón de tren a escala HO, realizada en acrílico por el artista callejero de graffiti y artista pop moderno LushSux. Grafiti/pintura throw-up original firmada en 2014 sobre maqueta de tren HO. Tamaño de la obra: 14x3. Lush es un modelo masculino y, a veces, un grafitero de renombre internacional. Presentamos "Train 24" de LushSux: Un lienzo sobre raíles «Tren 24» se erige como una pieza singular dentro de la obra del audaz artista urbano LushSux. Reconocido por sus exquisitos murales y su atrevido arte pop callejero, LushSux traslada su arte a un medio poco convencional: un vagón de tren a escala HO, fusionando la meticulosa artesanía de los aficionados al modelismo ferroviario con el espíritu rebelde del grafiti. Firmada y creada en 2014, esta obra original representa la naturaleza desafiante de la escala propia del grafiti, demostrando que el espíritu de esta forma de arte urbano puede encapsularse en las 14x3 pulgadas de un tren a escala. El estilo característico de LushSux en miniatura La obra "Tren 24" presenta un grafiti, comúnmente llamado throw-up, caracterizado por sus letras redondeadas y su ejecución rápida; un estilo que es un elemento básico en el repertorio de arte urbano de LushSux. El vibrante tono rosa del grafiti resalta la paleta, por lo demás tenue, del vagón de tren, atrayendo la mirada y desafiando la percepción del espacio y del arte por parte del espectador. Al llevar su arte a una escala tan pequeña, LushSux difumina las fronteras entre la naturaleza subversiva del grafiti y la precisión controlada de la pintura de trenes a escala. El grafiti, extendido a lo largo del tren, se convierte en una narrativa en movimiento, un vehículo literal para la expresión del artista. El valor artístico y coleccionable de "Tren 24" «Train 24» no solo se erige como una obra de arte pop moderno, sino también como un codiciado objeto de colección dentro de la subcultura del modelismo ferroviario. La fusión de esta afición especializada con el dinámico mundo del arte urbano crea una pieza intercultural que atrae a un público diverso de coleccionistas y aficionados. Al ser una obra original firmada por LushSux, la pieza ostenta el peso de la autenticidad y el prestigio de la propiedad, cualidades muy valoradas tanto en el mundo del arte como en la comunidad del modelismo ferroviario. Esta obra es un testimonio de la versatilidad de LushSux como artista y de las amplias posibilidades del arte urbano como género que continúa reinventándose y superándose. «Train 24» es una escultura de locomotora que simboliza la trayectoria del arte pop urbano desde los márgenes hasta el reconocimiento artístico y la popularidad del coleccionismo.

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CRASH 100% y 400% BE@RBRICK Edición Limitada Medicom Figura de Arte Coleccionable de Vinilo. Cruce de Crash y Bearbrick 2020 en caja

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Juego de cartas ComplexCon x Dobtopus Octopus Impresión de pigmento de archivo de edición limitada de bellas artes transferida sobre tabla de monopatín natural por el artista de graffiti de arte callejero Takashi Murakami TM/KK. Set de 3 tablas de 2017. Lanzado en ComplexCon en 2017, el set de tablas de skate Octopus de Takashi Murakami presenta el conocido motivo del pulpo de Murakami en un conjunto de 3 tablas que, al colocarlas juntas, forman una imagen armoniosa. Este set se lanzó el 4 de noviembre de 2017. Juego de cartas ComplexCon x Dobtopus Octopus de Takashi Murakami: El poder de los personajes en el arte pop callejero y el grafiti El set de tablas ComplexCon x Dobtopus Octopus de Takashi Murakami es una edición limitada de arte creada en colaboración con ComplexCon en 2017. Este conjunto de tres tablas de skate de madera natural de 8 x 31 pulgadas presenta una única impresión pigmentada de archivo que abarca los tres paneles para crear una composición unificada. Lanzado el 4 de noviembre de 2017, el set captura el lenguaje visual colorido y centrado en los personajes de Murakami en un formato que conecta los mundos del arte comercial, el diseño coleccionable y la cultura subversiva. Con colores vibrantes, líneas definidas y detalles surrealistas, el motivo Dobtopus ilustra la habilidad de Murakami para fusionar mitología, manga y merchandising en una declaración coherente dentro del arte pop urbano y el graffiti. Esta pieza presenta una representación fragmentaria y lúdica de la variación pulpo del Sr. Dob, un personaje recurrente en la obra de Murakami, similar a una mascota. La forma de pulpo añade un toque de fantasía y atractivo monstruoso, con ojos arremolinados, dientes afilados y tentáculos representados en suaves degradados y líneas saturadas. Motivos circulares y expresiones faciales exageradas se dispersan por la imagen, contribuyendo a la estética desorientadora y de múltiples ojos que caracteriza la obra de Murakami. Cada panel de la baraja se convierte en una muestra de caos y fascinación, enfatizando las múltiples personalidades y la energía incontenible de la criatura. El fondo de madera natural permite que el diseño hipercolorido flote sobre la superficie, creando una tensión única entre la tradición material y el exceso visual. ComplexCon como plataforma para el arte, la cultura y la identidad urbana Presentado durante ComplexCon, un evento cultural anual que fusiona moda, música, arte y diseño, este set de tablas de skate ejemplifica el papel de Murakami como nexo entre las bellas artes y los movimientos urbanos populares. En lugar de confinar su obra a los límites de la galería, Murakami expande su presencia a través de formatos accesibles y colaboraciones intersectoriales. En ComplexCon, donde convergen la cultura del hype y el arte contemporáneo, esta tabla se erigió como una pieza clave: arraigada en la tradición de las ediciones limitadas de ropa urbana, pero elevada por la profundidad conceptual y la herencia visual del artista. Al producir esta obra como un tríptico sobre tablas de skate, Murakami garantiza que funcione tanto como arte mural como objeto cultural. Las tablas de skate siguen siendo un medio venerado en el arte pop urbano y el grafiti debido a su dualidad: herramientas utilitarias reinventadas como superficies artísticas. Aquí, se convierten en el lienzo perfecto para la explosiva gramática visual de Murakami, consolidando aún más el lugar de las tablas en el léxico estético de la contracultura moderna. Cultura de los personajes y espectáculo emocional en el lenguaje visual de Murakami El uso que hace Murakami del personaje Dobtopus revela su obsesión por la exageración emocional, la mutación facial y las identidades híbridas. La figura con forma de pulpo, representada con ojos concéntricos y amplias sonrisas casi mecánicas, rompe con las expectativas tradicionales de los personajes. Funciona no solo como mascota, sino también como un reflejo de la saturación mediática, la sobrecarga de información y la fluidez de la identidad. Al extender el diseño a lo largo de tres paneles, Murakami juega con la fragmentación y la unidad: el espectador debe alejarse para comprender la imagen completa, lo que refleja cómo la sociedad contemporánea a menudo solo experimenta claridad a través del enfoque colectivo. Estos atributos son fundamentales para la sensibilidad del arte pop callejero y el grafiti. La sobrecarga visual, la extravagancia agresiva y el mensaje en capas son paralelos a las técnicas de los artistas urbanos que cubren los paisajes urbanos con personajes y firmas diseñados para provocar y perdurar. La obra de Murakami, aunque más pulida y refinada, mantiene esa urgencia y mordacidad. Sus personajes, especialmente Dob, se han convertido en tótems contemporáneos: a la vez lúdicos e inquietantes, tiernos y caóticos. El impacto global de Murakami y el arte del skate como archivo cultural Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, continúa moldeando el panorama internacional del arte pop urbano y el grafiti, combinando la técnica tradicional con la producción en masa. El set de cartas ComplexCon x Dobtopus Octopus cristaliza su compromiso de toda la vida con la narrativa visual que opera en múltiples niveles. Es, a la vez, una pieza de colección, un espectáculo pop y un espejo filosófico. Desde su lanzamiento en 2017, se ha integrado a un extenso archivo de objetos que documentan cómo los artistas desafían y transforman el significado de los materiales, los personajes y los valores culturales. Este set no se limita a mostrar una imagen; encapsula la fusión de animación, inquietud y espiritualidad de Murakami en una superficie que alguna vez estuvo destinada a la rebeldía y la diversión. El Dobtopus nada entre llamas de atención y ruido, reafirmando el poder de la imagen en su forma inmóvil. Murakami recuerda a los espectadores que incluso los objetos más comerciales pueden volverse sagrados, saturados de color, humor y un caos cuidadosamente calculado que nunca deja de observar.

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Adorno de esqueleto recortado - Impresión giclée de edición limitada de arte urbano pop rosa sobre objeto de papel articulado del artista moderno de graffiti urbano KAWS. Calavera KAWS móvil impresa de 2021, 20x40, nueva en su embalaje original. Arte pop callejero y graffiti: una expresión articulada El arte pop callejero y el grafiti encarnan el pulso de la cultura urbana contemporánea, capturando la naturaleza vibrante y a menudo transitoria de la vida en la ciudad. La obra descrita como "Adorno de esqueleto recortado - Arte pop callejero rosa" es una pieza esencial que representa la esencia de este movimiento. Como una impresión giclée de edición limitada sobre objetos de papel articulados del artista de grafiti urbano moderno KAWS, esta pieza destaca por su singular fusión de delicada sensibilidad artística con el espíritu crudo y enérgico del arte callejero. El rosa en esta obra es una elección deliberada que desafía las asociaciones cromáticas tradicionales. El rosa, a menudo vinculado con la suavidad y la feminidad, se reinterpreta aquí para crear una declaración audaz. Al aplicarse a la forma esquelética, este tono vívido inyecta a la pieza una vitalidad inesperada que contradice el simbolismo a menudo sombrío de las calaveras. Es este tipo de yuxtaposición, la contradicción visual que nutre al arte pop callejero, la que invita al espectador a cuestionar y reinterpretar los símbolos y sus significados. KAWS y el Objeto de Papel Articulado KAWS, cuyo trabajo a menudo desdibuja los límites entre el arte comercial y el convencional, utiliza extensamente objetos de papel articulados. Este medio permite una interacción y una conexión física poco comunes en las formas de arte tradicionales. La obra "2021 Printed Moveable KAWS Skull 20x40" indica las dimensiones físicas de la pieza, sugiriendo una escala natural, y el año de su creación, situándola en el contexto de la trayectoria artística de KAWS. La noción de movimiento inherente al objeto de papel articulado desafía la naturaleza estática de la muerte que el esqueleto suele representar. En cambio, la calavera de KAWS es dinámica, lúdica e incluso caprichosa, moviéndose de una manera que celebra la vida y la creatividad. Este aspecto móvil de la obra refleja las calles donde se originó esta forma de arte: vivas, en constante cambio y que interactúan con quienes las contemplan. Impresión giclée en edición limitada La mención de que la obra es una "Impresión Giclée de Edición Limitada" resalta su exclusividad y el proceso de alta calidad empleado en su creación. La impresión giclée es conocida por su capacidad para producir colores con profundidad y riqueza, lo que la convierte en una técnica predilecta para reproducir obras de arte que exigen una alta fidelidad cromática. El uso de este método en el arte pop urbano representa una fascinante convergencia entre la reproducción de alta tecnología y el espíritu a menudo "hágalo usted mismo" del arte callejero, permitiendo que la obra sea compartida y experimentada por un público más amplio, manteniendo a la vez una sensación de escasez y valor. En esta pieza, el color rosa cumple una doble función: atrae la mirada y sirve como comentario sobre la accesibilidad y la democratización del arte. Al elegir un color que conecta con una amplia gama de espectadores, KAWS invita a un público diverso a interactuar con su obra. El esqueleto se convierte en un símbolo universal de la humanidad y en un lienzo para explorar temas sociales como la identidad, el consumismo y la mercantilización del arte. El adorno «Skeleton Board Cutout Ornament» en rosa encarna la irreverencia lúdica y el compromiso crítico que caracterizan el enfoque artístico de KAWS. Se erige como testimonio del poder transformador del arte pop urbano. Este movimiento ha tomado la energía cruda del grafiti y la ha canalizado hacia una forma de expresión artística sofisticada y a la vez accesible. Con sus extremidades articuladas y su vibrante color rosa, la pieza invita a la conversación, generando interpretaciones e interacciones que conectan la intención del artista con la imaginación del público.

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Compre VINYLTOY Edición limitada de vinilo Art Toy Sculpture Obra de arte coleccionable del artista pop moderno ARTIST. 2022 Edición limitada de XXX Obra de arte Tamaño XXX Nuevo En caja Con sello/Impreso/COA INFORMACIÓN

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Edición limitada de la obra de arte pop callejera "Sweets Typhoon" impresa en papel de bellas artes por el artista moderno de graffiti urbano Naoshi. 2014. Firmada al dorso con rostro dibujado a mano. Edición limitada de 100 ejemplares. 21 x 30 cm. Niña con sombrilla de fresa. Basada en el arte de Sunae Sand.

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Figura coleccionable de resina de edición limitada Police Grin HipHop Trooper, obra de arte del artista de graffiti callejero Ron English - POPaganda x Suckadelic. Figura de resina de 3,75 pulgadas, moldeada y pintada a mano, firmada y numerada en 2022. Edición limitada de 100 unidades.

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Valerian Fever Dream Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Camille Rose Garcia Arte de la cultura pop y el LSD. 2021 Firmado y numerado con certificado de autenticidad. Impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño de la obra: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. Fiebre de valeriana, de Camille Rose Garcia – Arte pop callejero y grafiti sobre papel secante Valerian Fever Dream es una exploración alucinatoria de la fantasía y el surrealismo de Camille Rose Garcia, creada como una impresión de pigmento de archivo, firmada y numerada, sobre papel secante perforado a mano. Lanzada el 19 de abril de 2021 en una edición limitada de 19 x 19 cm, esta obra fusiona la nostalgia psicodélica con una aguda crítica de la cultura pop y cuenta con un Certificado de Autenticidad. El formato de papel secante, históricamente vinculado a la cultura del LSD, no solo alude a la estética contracultural, sino que se convierte en una metáfora física de la naturaleza fragmentada y onírica del universo visual de Garcia. La perforación manual realizada por Zane Kesey añade peso histórico y simbólico, transformando cada impresión en un artefacto tangible de la historia del arte underground. Surrealismo visual y densidad simbólica en la obra de García La obra «Valerian Fever Dream» de Camille Rose Garcia sumerge al espectador en un cuento de hadas febril y cromático, poblado por flora mutada, equinos fantasmales y una figura femenina casi de muñeca. Con una paleta de colores fluorescentes intensos —rosas fuertes, púrpuras ácidos, azules cian y verdes esmeralda—, la composición evoca tanto desorientación visual como una fascinación visceral. Las formas orgánicas se funden entre sí como si surgieran de un subconsciente caleidoscópico, con referencias a la vegetación exuberante, la narración animada y las fábulas apocalípticas. El estilo pictórico de Garcia emplea goteos controlados, líneas fluidas y técnicas de superposición que se alinean tanto con la urgencia del grafiti como con la precisión formal del surrealismo pop de estudio. Camille Rose Garcia y la evolución de la psicodelia pop Nacida en California en 1970, Camille Rose Garcia se consolidó como una figura central del movimiento lowbrow y pop surrealista, alineándose con artistas de la Costa Oeste como Mark Ryden y Robert Williams. Inspirándose en la música punk, la animación de Disney y la ilustración histórica, su obra critica la degradación ambiental y la explotación capitalista, manteniendo una atmósfera visualmente seductora, casi de cuento de hadas. «Valerian Fever Dream» ilustra su estilo característico: un caos altamente representado que permanece ligado a la figuración narrativa. En el ámbito del arte pop urbano y el grafiti, Garcia ha forjado un camino único donde el cuento de hadas se encuentra con la ferocidad, fusionando a menudo la técnica artística con la rebeldía callejera. El arte del papel secante como lienzo contracultural La elección del papel secante para esta obra es profundamente significativa. Históricamente utilizado para la distribución de LSD, el papel secante se ha convertido en un lienzo venerado dentro de los círculos del arte psicodélico y underground. «Valerian Fever Dream» trasciende el mero objeto decorativo: es una pieza de colección arraigada en la narrativa contracultural. Perforada a mano por Zane Kesey, hijo del autor de «Alguien voló sobre el nido del cuco», Ken Kesey, la obra se sitúa en la intersección de la iconografía de la ola ácida y la expresión surrealista moderna. El mundo onírico de García, codificado en esta escala íntima, permite a los coleccionistas sostener en sus manos un fragmento de mito moderno: una instantánea saturada de rebeldía, simbolismo e ilusión transformada en arte.

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Compra SKATEBOARD Fine Art Edición limitada Archival Pigment Print Transfer en Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck por Street Artwork Graffiti Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Skateboard Artwork Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Verano del Amor LSD Papel Secante Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Bob Masse arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Hiatus Kaiyote Tigercorn Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Lauren YS Arte de la cultura pop y LSD. 2021 Firmado y numerado con certificado de autenticidad. Impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño de la obra: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. Hiatus Kaiyote Tigercorn de Lauren YS: Iconografía psicodélica en el arte pop callejero y el grafiti Hiatus Kaiyote Tigercorn es una vibrante impresión de pigmento de archivo de edición limitada, creada por Lauren YS, artista visual estadounidense conocida por su surrealismo con toques de neón y su obra arraigada en el arte callejero y la cultura pop de baja cultura. Lanzada el 19 de abril de 2021, esta impresión de 19 x 19 cm se produjo en papel secante perforado y está firmada, numerada y acompañada de un certificado de autenticidad. Cada ejemplar fue perforado a mano por Zane Kesey, reforzando su conexión con la rica historia visual del arte en papel secante y el movimiento psicodélico. La inconfundible fuerza visual de la obra y su imaginería lúdica y agresiva la convierten en una pieza destacada dentro del arte pop callejero y el grafiti contemporáneos, combinando homenaje musical, mitología personal y estética psicotrópica en un diseño explosivo. La figura central, un híbrido de tigre y unicornio que estalla con saturados tonos verdes y azules sobre un radiante fondo de vórtice rosa, es a la vez fantástica y provocadora. El cuerpo rayado de la criatura incorpora ingeniosamente el nombre Hiatus Kaiyote, rindiendo homenaje al innovador grupo musical australiano conocido por su fusión de soul, jazz y música electrónica. La obra irradia energía a través de su fondo arremolinado y el diseño exagerado de los personajes, con contornos marcados y patrones psicodélicos que crean el equivalente visual de una corriente eléctrica. El estilo de dibujo a mano y el uso de colores saturados y fluorescentes reflejan el enfoque característico de Lauren YS, que fusiona la ilustración de estudio y el muralismo, abordando temas de transformación, empoderamiento y percepción alterada. Lauren YS y el lenguaje de la neopsicodelia Lauren YS se ha labrado un nombre gracias a una obra que abraza la fantasía, la mutación y la remezcla cultural. Su arte a menudo fusiona formas humanas y animales con elementos oníricos, inspirándose en la ciencia ficción, la mitología y la simbología subcultural. En Hiatus Kaiyote Tigercorn, la elección del papel secante como soporte es un guiño deliberado a las tradiciones visuales psicodélicas, y su escala y formato imitan las dimensiones exactas de las tradicionales dosis de LSD. Esta conexión no es solo estética, sino también histórica. Las hojas de papel secante psicodélico eran a menudo lienzos para la experimentación visual, con ilustraciones que reflejaban o intensificaban la experiencia psicodélica. Al usar este formato para inmortalizar un híbrido felino psicodélico, Lauren YS honra y moderniza el legado de esta forma de arte. Como en toda obra con influencias urbanas, la inmediatez y el impacto son clave. Hiatus Kaiyote Tigercorn lo consigue con su energía caótica y su paleta saturada, que encajaría igual de bien en la pared de una galería que en la fachada de un edificio. La forma surrealista y los rasgos hiperexpresivos del animal sugieren humor e intensidad, haciéndolo imposible de ignorar. Esto se alinea con el énfasis del arte pop callejero y el grafiti en crear un impacto emocional a través de la imagen y el color, particularmente en formatos públicos o alternativos. Simbolismo, identidad y surrealismo en el formato psicodélico La criatura híbrida que protagoniza Hiatus Kaiyote Tigercorn es mucho más que un concepto decorativo. Sus rasgos —cuerpo rayado, cuerno de unicornio, dientes al descubierto— transmiten tensión y dualidad. Es a la vez feroz y caprichosa, grácil y peligrosa. Estas contradicciones reflejan la naturaleza dual de muchas experiencias psicodélicas, que oscilan entre la belleza y el caos. La tipografía integrada en las rayas del tigre resalta la influencia del sonido y el ritmo, representando visualmente el impacto de la música de Hiatus Kaiyote. Esta combinación de estimulación auditiva y visual refleja las experiencias sinestésicas que suelen reportarse bajo los efectos de los psicodélicos, reforzando la relevancia de este formato en la cultura pop psicodélica contemporánea. El uso que hace Lauren YS de influencias del arte callejero, el surrealismo cómico y las metáforas visuales superpuestas añade profundidad a lo que inicialmente podría parecer un diseño lúdico. El estilo exagerado y el formato de criatura mítica evocan estados oníricos y mundos imaginarios. Su lenguaje artístico encuentra puntos en común con el grafiti y el surrealismo pop, ambos defensores de las figuras distorsionadas, las paletas de colores brillantes y la resistencia social a través de la fantasía. El uso de papel secante perforado traslada este espíritu rebelde a una superficie táctil históricamente asociada con la libertad radical y la expansión de la mente. El papel secante como lienzo en el arte pop callejero contemporáneo Hiatus Kaiyote Tigercorn ejemplifica cómo los artistas contemporáneos están reivindicando el papel secante no solo como referencia nostálgica, sino como una plataforma legítima para el arte. Cuando Zane Kesey perfora a mano cada impresión, impregna estas obras de una autenticidad cultural y material que las conecta con una tradición underground de exploración inducida químicamente y una estética revolucionaria. La contribución de Lauren YS destaca por su inmediatez, audacia simbólica y vibrante paleta de colores, transformando cada hoja en un portal de intensidad visual y conceptual. Como parte del resurgimiento del arte en papel secante dentro del Street Pop Art y el Graffiti, esta impresión se sitúa en la intersección de la música, la psicodelia y la narrativa visual. Lauren YS continúa redefiniendo cómo el arte de influencia callejera puede dialogar con formatos clásicos, expandiendo sus límites hacia nuevas mitologías y terrenos imaginativos. A través de sus personajes audaces y visuales caleidoscópicos, ofrecen no solo una imagen, sino una invitación a percibir, cuestionar y celebrar nuevas formas de ver.

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Gif-iti Lenticular #1 Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo sobre Lenticular Animado por Insa Graffiti Street Artist Arte Pop Moderno. Esta edición es una impresión lenticular con animación en movimiento; cualquier movimiento modifica el movimiento de la pieza. «Al principio pensé que estas piezas solo se podrían ver en línea, pero gracias a esta tecnología retro de impresión lenticular hemos logrado cerrar el círculo y traer esta pieza de vuelta al mundo real». - Insa

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Impresión tipográfica AP de prueba de artista de Chateau André Pink por el Sr. André Saraiva, edición limitada, a un color en cubierta de 100 lb, papel de bellas artes Neenah Classic Crest blanco natural, obra de arte pop callejero de grafiti. Prueba de artista AP 2023, edición limitada firmada y numerada de 100 obras de arte, tamaño 16 x 20, impresión tipográfica. Sr. André Saraiva Chateau André Pink Letterpress AP Artist Proof 2023 La prueba de artista Chateau André Pink AP 2023 del Sr. André Saraiva es una exploración refinada y a la vez pícara de su característico estilo, centrado en los personajes, dentro del amplio panorama del arte pop callejero y el grafiti. Producida como impresión tipográfica a una tinta sobre papel artístico Neenah Classic Crest Natural White de 100 lb, esta obra de 40 x 50 cm está firmada y marcada como AP, lo que la identifica como parte de las exclusivas impresiones de prueba de artista que acompañan a la edición limitada de 100 ejemplares. Estas pruebas son muy valoradas en el mundo del grabado, ya que representan las primeras impresiones utilizadas por el artista para evaluar la calidad, lo que hace que cada ejemplar sea especialmente atractivo para coleccionistas. Estilo visual y expresión narrativa Representada con un suave trazo rosa, la impresión se centra en la icónica figura del grafiti de André, el Sr. A, quien baila con despreocupada alegría entre botellas, líneas abstractas en movimiento y objetos lúdicos como una pelota rayada, un bloque de juguete y un gusano serpenteante. La sonrisa exagerada del Sr. A, su ojo tachado y su sombrero de copa transmiten la irreverencia y la alegría de vivir que definieron las primeras intervenciones de Saraiva en grafitis por todo París. El caos caprichoso de la composición evoca trasnochadas, excesos creativos y una sensación de celebración desenfrenada, todo ello ejecutado con el encanto suelto y gestual que caracteriza la obra de André. Incluso el encabezado tachado del Château Marmont (arriba) forma parte del juego visual, permitiendo a los espectadores vislumbrar el humor y el espíritu subversivo del artista. El Château Marmont y la resonancia cultural La inclusión del membrete del Chateau Marmont ancla la pieza en la mitología de uno de los lugares más emblemáticos de Los Ángeles. Desde su apertura en 1929, el Chateau Marmont ha sido refugio de actores, músicos, artistas y escritores, convirtiéndose en un símbolo cultural de la creatividad y, a menudo, el caos subyacente de Hollywood. Al estampar su nombre en el encabezado del hotel, André fusiona la cultura callejera parisina con la tradición hollywoodense, transformando el lugar en parte de su propio universo visual. Esta fusión de escenarios subraya la influencia global del arte callejero y refuerza el papel de André como conector cultural entre la vida nocturna, las bellas artes y la expresión urbana. El lugar de André Saraiva en el arte pop callejero Nacido en 1971 y criado en París, André Saraiva saltó a la fama en la escena del grafiti de finales de los 80 y 90, presentando al personaje Mr. A como símbolo de encanto, rebeldía y espontaneidad romántica. Su obra se ha expandido a galerías, colaboraciones de moda, murales y espacios nocturnos, conservando la inmediatez lúdica propia del grafiti. El Chateau André Pink AP encarna su capacidad para transformar simples dibujos lineales en declaraciones culturales, combinando elegancia e irreverencia. Como prueba de artista, esta impresión se erige como un ejemplo excepcional y refinado de la continua contribución de Saraiva al arte pop callejero y al grafiti, encapsulando tanto la exuberante personalidad de Mr. A como el encanto atemporal de espacios creativos como el Chateau Marmont.

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Punk Skunk - Tie-Dyed Rainbow - Edición limitada mediana - Juguete de vinilo coleccionable - Obra de arte del grafitero callejero Ron English - POPaganda x SFBI Originals. Punk Skunk - Tie-Dyed Rainbow - Figura mediana de SFBI Originals x Ron English - POPaganda. La figura mide aproximadamente entre 20 y 23 cm de alto.

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Impresión giclée de prueba de artista de 1942 de Brian Viveros. Obra de arte. Edición limitada impresa en papel de bellas artes. Artista callejero pop y grafiti. Prueba de artista AP 2017 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 14x20 La importancia de las ediciones limitadas en el arte pop callejero y el grafiti Dentro del vasto ámbito del arte moderno, el arte pop urbano y el grafiti han surgido como corrientes poderosas, fusionando la fuerza visceral de la expresión callejera con el atractivo de la cultura pop. La práctica de lanzar ediciones limitadas de grabados se ha convertido en un aspecto vital de este movimiento artístico, tendiendo un puente entre la exclusividad de las obras de arte originales y el público más amplio que anhela poseerlas. Una pieza destacada en esta categoría es la "Prueba de Artista Giclée de 1942" del aclamado artista Brian Viveros, conocido por su singular fusión de temas y estilos. Brian Viveros y el atractivo de la 'Prueba de artista de AP de 1942' Brian Viveros se ha labrado un nicho propio dentro del arte pop y el arte urbano. Su obra se caracteriza por una fuerza arrolladora y una delicada belleza, con figuras femeninas que irradian fuerza y ​​sensualidad. La impresión giclée "Prueba de Artista AP 1942" ejemplifica el arte de Viveros, entrelazando elementos de surrealismo y simbolismo con una marcada sensibilidad pop. La rareza de las pruebas de artista añade un plus de exclusividad y atractivo, ya que se trata de tiradas limitadas reservadas para la colección o el uso del artista, y a menudo muy valoradas por los coleccionistas. El contexto artístico y cultural de la obra de Viveros Las ediciones limitadas como "1942" de Viveros ofrecen una narrativa cautivadora a través de su composición visual. La inclusión del año "1942" en la obra invita a la interpretación, otorgándole un peso histórico y un potencial significado simbólico. La elección de papel de bellas artes como soporte para esta impresión de 14x20 subraya el compromiso con la calidad, asegurando que los vibrantes colores y los elaborados detalles de la obra perduren. Desdibujando fronteras: La evolución del arte callejero hacia el panteón de las bellas artes El surgimiento del arte urbano como una forma reconocida de bellas artes es una de las tendencias definitorias de la expresión artística contemporánea. Artistas como Viveros han sido fundamentales en este cambio, ya que sus obras encarnan la fusión de la espontaneidad y el carácter subversivo del arte urbano con la precisión y el refinamiento tradicionalmente asociados al arte elevado. La "Prueba de Artista Giclée de 1942" es un testimonio de esta evolución cultural, erigiéndose como una pieza de la historia del arte y un vibrante ejemplo del dinamismo presente en la escena artística actual. En manos de artistas como Viveros, las ediciones limitadas se convierten en algo más que simples reproducciones; son declaraciones únicas y artefactos históricos. Capturan la esencia del Pop Art Urbano y el Grafiti, representando su continua capacidad para conectar, provocar e inspirar a un público diverso. La "Prueba de Artista Giclée de 1942" de Viveros no solo es una representación de la fusión artística, sino también una obra que sigue resonando y desafiando al público contemporáneo.

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Obra de arte Brine, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12 x 16 pulgadas.

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Impresión de archivo Hush-Hush de Giorgiko, edición limitada en papel de algodón de bellas artes. Arte callejero pop graffiti, artista, obra de arte moderna. Edición limitada de 2023, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 8x10 pulgadas. Impresión artística de pigmentos de archivo que representa a un niño o niña sosteniendo una galleta. El tamaño de la imagen es de 6x8 pulgadas con bordes blancos de 1 pulgada. Impresa con medios estáticos. Miniatura Hush-Hush de Giorgiko – Impresión de pigmentos de archivo en arte pop callejero y graffiti Hush-Hush Mini es una impresión de pigmento de archivo de 2023 de Giorgiko, creada como una versión reducida de sus obras de mayor tamaño, impresa en papel de algodón para bellas artes por Static Medium. Con unas dimensiones de 8 x 10 pulgadas, una imagen de 6 x 8 pulgadas y bordes blancos de 1 pulgada, esta edición limitada, firmada y numerada, captura la intensidad emocional y la dualidad estilística que definen la voz visual de Giorgiko. La pieza presenta a su característico personaje de género neutro, con rasgos redondeados y ojos inexpresivos, sosteniendo una galleta con chispas de chocolate mientras viste una gorguera de estilo renacentista y una chaqueta y gorra de estilo urbano moderno. Esta mezcla de expresión sutil, referencias históricas y guiños a la cultura pop es emblemática de la capacidad de Giorgiko para fusionar las bellas artes con una sutil disonancia moderna. Simbolismo emotivo en formato minimalista El pequeño tamaño de Hush-Hush Mini no disminuye su resonancia emocional. El personaje recurrente de Giorgiko, visualmente sencillo pero rico en sugerencias, se yergue solo bajo un cielo tenue de nubes rosadas. Su mirada de reojo, casi dubitativa o curiosa, refuerza el tema de la obra: la observación silenciosa y la pausa introspectiva. El contraste entre el cuello ornamentado y la gorra informal alude al choque de identidades a través del tiempo, la tradición y la cultura urbana. La galleta que sostiene el personaje se convierte en símbolo de inocencia, sencillez e incluso indulgencia; un objeto que aporta estabilidad en un entorno surrealista y de gran carga emocional. Esta contención visual y ambigüedad invitan al espectador a crear su propia narrativa, una técnica que Giorgiko emplea con gran maestría en toda su obra. Artesanía y narración en el arte pop callejero El arte de Giorgiko se basa en la precisión, la atmósfera y una narrativa minimalista pero evocadora. Su fusión de surrealismo pop con técnicas pictóricas clásicas lo distingue en el ámbito del arte urbano pop y el grafiti. En Hush-Hush Mini, el artista combina una simplificación caricaturesca con una profundidad pictórica, creando un personaje que habita entre la fantasía y la vida cotidiana. La decisión de combinar una representación delicada con elementos de la cultura urbana, como la gorra y la chaqueta bomber, refuerza su estética de sutil contradicción. El cuello de lechuguilla, pintado con una cualidad casi translúcida, eleva la obra a la categoría de retrato casi ceremonial. El uso cuidadoso de una iluminación suave y tonos pastel añade un brillo onírico, realzando la sensación de quietud emocional y melancolía contemporánea de la figura. El papel de Giorgiko en el arte urbano figurativo moderno Como proyecto colaborativo entre Darren y Trisha Inouye, la obra de Giorgiko refleja una sensibilidad compartida centrada en la quietud visual, la identidad y la soledad. Hush-Hush Mini es una destilación de sus temas más amplios en un formato compacto y altamente coleccionable. Su mensaje no es estridente ni explícito, sino que se expresa a través del ambiente, la postura y sutiles claves visuales. En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, esta pieza refleja una faceta más delicada del género, enfocándose en la introspección en lugar de la rebeldía. Giorgiko captura el paisaje emocional de la vida moderna a través de personajes que dicen poco pero sienten mucho. Hush-Hush Mini es a la vez accesible y enigmático: un susurro visual que perdura con el peso de los pensamientos no expresados.

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OG Icons AP Serigrafía de prueba de artista de Buff Monster. Serigrafía impresa a mano sobre papel de algodón de 250 g/m² para bellas artes. Edición limitada. Arte pop callejero y graffiti. Prueba de artista AP 2023 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 18x24 del clásico monstruo de helado derretido, de un solo ojo y derretido, inadaptado y derretido. Una audaz continuación del icónico universo de Buff Monster La serigrafía OG Icon AP de Buff Monster celebra el inconfundible estilo del artista, rebosante de colores vibrantes y criaturas caricaturescas que cautivan a los amantes del arte urbano. Esta prueba de artista de 2023 destaca como un testimonio único de la continua fascinación de Buff Monster por los motivos de helado derretido y los diseños de monstruos divertidos. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm e impresa en papel de algodón de 250 g/m², la obra representa al clásico personaje Melty Misfit: un rostro tuerto que fusiona un encanto dulce con un aire urbano y rebelde. El uso del color es especialmente dinámico, con contrastes audaces que enfatizan la sonrisa dentada de la criatura y sus superficies lisas y derretidas. Esta sinergia entre imágenes inocentes y humor pícaro es característica del arte de Buff Monster, que ha cosechado un público fiel tanto en galerías como en las calles. En esta obra, el monstruo tuerto ocupa gran parte del encuadre, con una expresión ligeramente traviesa que conserva una inocencia infantil. La serigrafía artesanal en capas añade textura y profundidad, otorgándole al monstruo una cualidad casi tridimensional. Su ojo, desorbitado, mira con curiosidad al espectador, y pequeñas gotas de contornos difuminados intensifican la sensación de caos lúdico. Salpicaduras de rosa, aguamarina y negro se funden a la perfección, reflejando la maestría de Buff Monster al equilibrar paletas de colores brillantes con líneas precisas. Este enfoque centra la atención de inmediato en el sujeto, capturando el espíritu del arte pop urbano y el grafiti, donde los espacios cotidianos se transforman en murales vívidos e interactivos. Raíces del arte pop callejero y del grafiti Buff Monster sigue inspirándose en la cultura urbana, fusionando imágenes pop con el estilo audaz del grafiti. Las líneas ondulantes y los fondos minimalistas, frecuentes en los muros de grafiti, aparecen aquí en forma de bordes nítidos y formas gráficas. Si bien la obra tiene la suficiente sofisticación como para exhibirse en una galería, conserva la espontaneidad y la rebeldía propias de la expresión urbana. La silueta clásica de un marco rectangular se convierte en un escenario lúdico donde la personalidad irreverente del monstruo se manifiesta plenamente, reflejando cómo los artistas urbanos suelen transformar las estructuras públicas en superficies para la intervención creativa. Esta obra aúna la energía vibrante de la cultura urbana con un guiño a la estética pop, celebrando la capacidad del arte para subvertir las normas cotidianas y generar debate. Prueba de artista y artesanía técnica Marcada como AP (Prueba de Artista) y firmada por el artista, esta impresión tiene un atractivo especial para los coleccionistas. Las Pruebas de Artista suelen tener un aura de exclusividad, revelando una conexión más cercana con el proceso creativo del autor. Las técnicas de serigrafía en capas exigen una alineación precisa y una aplicación controlada de los pigmentos, lo que da como resultado bordes nítidos y una saturación vibrante. Cada capa de color intensifica la expresión animada del monstruo, resaltando detalles sutiles como las mejillas rosadas y la sonrisa. Esta sinergia entre la artesanía tradicional y un diseño de inspiración urbana subraya por qué el arte de Buff Monster mantiene una presencia tan fuerte en la cultura contemporánea. Imprescindible para coleccionistas y fans. La serigrafía OG Icon AP conecta con quienes disfrutan de las imágenes urbanas audaces y con toques pop. Los contornos nítidos y los detalles neón personifican el estilo que cautivó a los aficionados al arte urbano con Buff Monster. A pesar de estar impresa en un soporte de bellas artes, la composición vibrante conserva su espíritu desenfadado, casi travieso. El simpático monstruo nos recuerda que la creatividad puede surgir de inspiraciones cotidianas —como helados, dulces o dibujos animados— y transformarse en algo original y evocador al fusionarse con la influencia del grafiti. Al adquirir una Prueba de Artista, los coleccionistas preservan una pieza del legado en constante evolución de Buff Monster, que se nutre de la intersección entre la cultura juvenil, la sensibilidad pop y la vibrante vanguardia del arte pop urbano y el grafiti.

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El Portafolio y Catálogo Beautiful Losers, Edición Especial 2004-2010, es un tesoro para los amantes del arte pop urbano y el grafiti. Ofrece una colección completa que captura la esencia de la icónica exposición "Beautiful Losers". Esta edición limitada es un testimonio impecable de un momento clave en el arte contemporáneo y de la creatividad en estado puro del arte urbano entre 2004 y 2010. Cada elemento del conjunto, con su correspondiente número de edición, se encuentra en perfecto estado, lo que garantiza su valor como pieza de colección y parte de la historia del arte. Edición original en caja del portafolio y catálogo de The Beautiful Losers 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Las cajas recopilatorias de Jonathan Levine Projects, tituladas «The Beautiful Losers» (2004-2010), se lanzaron en edición limitada: la «Portfolio Box» con menos de 30 ejemplares y la «Catálogo Box» con 100. Cada caja se presenta en una caja de madera personalizada, impresa y numerada, lo que añade un toque de sofisticación y cuidado a la presentación de estas obras de arte. Las dimensiones de las cajas (66 x 48 x 23 cm) se eligieron cuidadosamente para dar cabida a la variedad de obras y sus diferentes tamaños, garantizando así la integridad de cada pieza. Iconoclast publicó estas cajas con motivo de la exposición itinerante «Beautiful Losers», que tuvo lugar entre 2004 y 2010. Esta exposición, junto con «Transfer», que recorrió diversas ciudades entre 2008 y 2010, puso de manifiesto el talento emergente y las diversas expresiones del arte pop urbano y el grafiti. La exposición Beautiful Losers y sus publicaciones complementarias, incluyendo el libro "Beautiful Losers: Contemporary Art And Street Culture" publicado por Edition Iconoclast en 2005, han sido fundamentales para acercar la vitalidad y relevancia del arte urbano y el grafiti a un público más amplio. La Portfolio Box, un componente esencial de estas colecciones, es un tesoro que reúne obras de 28 de los artistas urbanos y grafiteros más influyentes. Esta colección incluye impresiones de artistas de renombre como KAWS y Shepard Fairey, cada uno aportando su visión y estilo únicos. Cada pieza dentro de esta caja refleja los temas y expresiones artísticas de la exposición Beautiful Losers, subrayando aún más la importancia de esta colección en el arte contemporáneo. La película Beautiful Losers (2008) Acerca de la exposición de arte Beautiful Losers es un documental de 2008 que profundiza en la vida y el arte de un colectivo de artistas que han desempeñado un papel fundamental en el movimiento del arte pop callejero y el grafiti desde la década de 1990. Dirigida por Aaron Rose y codirigida por Joshua Leonard, esta película fue producida por Sidetrack Films y BlackLake Productions, y cuenta con la participación de artistas como Harmony Korine y Steve "ESPO" Powers. El documental explora la filosofía del "hazlo tú mismo" de estos artistas, cuyo trabajo está impregnado de la estética del skateboarding, el grafiti y géneros musicales underground como el punk rock y el hip-hop. Ilumina la trayectoria de estos artistas desde la cultura callejera más recóndita hasta convertirse en figuras consagradas dentro del mundo del arte convencional, detallando sus sentimientos y convicciones personales durante su transición de crear para sí mismos a trabajar en proyectos comerciales de gran repercusión. Beautiful Losers es más que una película; Forma parte de un fenómeno cultural más amplio que incluye un libro de arte homónimo, editado por Christian Strike y Aaron Rose, y una exposición itinerante que presenta a los artistas y sus obras. Esta exposición sirve tanto de telón de fondo como de eje central del documental, subrayando la amplia influencia de estos artistas y su continua relevancia en el discurso del arte contemporáneo. Serigrafías, fotografías, dibujos y objetos de arte de edición limitada firmados por el artista 2004-2010 Libro de arte contemporáneo y cultura callejera Beautiful Losers 2004 Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Callejera, una antología fundamental publicada en 2004 por DAP/Iconoclast, es una exploración esencial de una vibrante subcultura que transformó la estética de finales del siglo XX y principios del XXI. Esta primera edición es una joya para coleccionistas, encuadernada en tapa dura en buen estado con sobrecubierta. Las tapas de tela roja están grabadas con letras doradas en la portada y el lomo, anunciando el tesoro que encierra una profusión de ilustraciones y obras originales. No se trata de una simple recopilación; es una profunda narrativa que detalla el surgimiento orgánico y espontáneo de un movimiento cultural. Traza la trayectoria de artistas estadounidenses, muchos de ellos recién entrados en la edad adulta, impulsados ​​no por las exigencias del mercado, sino por pura pasión y creatividad. Sin formación académica ni conocimientos especializados, se inspiraron en las calles, influenciados por la vitalidad cruda del skateboarding, el grafiti, la moda urbana y la música independiente. Nombres como Shepard Fairey, Mark Gonzales y Spike Jonze figuran entre los muchos que canalizaron sus experiencias vitales en su arte, aprendiendo a través de la práctica y revolucionando sus medios. «Beautiful Losers» funciona como homenaje y crónica histórica, trazando los hilos culturales desde Jean-Michel Basquiat y Keith Haring hasta exponentes más recientes como Ryan McGinniss y KAWS. Presenta diversas expresiones artísticas en distintos medios, junto con reproducciones de objetos efímeros que encapsulan el espíritu de la época. El libro se enriquece aún más con ensayos de escritores que han apoyado fervientemente a estos artistas desde sus inicios. No es solo un libro de arte; es un archivo de un movimiento que dejó una huella imborrable en el mundo del arte, la moda, la música, la literatura, el cine e incluso el deporte. El espíritu independiente que encarnaron estos creadores puede haber evolucionado, pero su esencia fundamental —un espíritu de rebeldía, innovación y autenticidad— permanece intacta. Beautiful Losers es una celebración de ese espíritu perdurable, una invitación a presenciar la belleza en lo crudo, lo no refinado y lo real. Kaws - Brian Donnelly: Un cordial saludo. Impresión tipográfica, 2005. Firmada y numerada. Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Saludos cordiales», creada en 2005 por KAWS, es una cautivadora obra de arte realizada con tipografía sobre papel, de 20 x 16 pulgadas. Esta obra forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno meticulosamente firmado y numerado por el artista. Fue publicada por Iconoclast Editions para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, marcando un hito en la intersección del arte contemporáneo y la cultura urbana. Esta obra presenta un personaje característico de la obra de KAWS, con sus distintivos ojos tachados y sus manos y pies exagerados de estilo caricaturesco. Esta impresión pertenece a una serie de edición limitada, con solo 200 ejemplares disponibles, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista. Fue publicado por Iconoclast Editions, probablemente para celebrar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture». La exposición, que tuvo lugar entre 2004 y 2009, fue un evento clave que puso de manifiesto la convergencia entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. La obra de KAWS suele tender puentes entre estos dos mundos, combinando una sólida formación en diseño gráfico comercial con una estética sofisticada, digna de galería. Sus personajes, generalmente inspirados en la cultura pop, se representan con un estilo lúdico y crítico, reflejando a menudo el consumismo y las emociones humanas. Shepard Fairey - OBEY: Soup Can I Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada (2005). Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Soup Can 1» de Shepard Fairey es una pieza icónica de 2005, magistralmente reproducida como serigrafía sobre papel de archivo libre de ácido. La obra mide 20 x 16 pulgadas y pertenece a una serie de edición limitada de tan solo 200 ejemplares, cada uno con la firma del artista y su número de edición. Iconoclast Editions lanzó esta impresión para conmemorar la trascendental exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» (2004-2009) y celebrar la relación sinérgica entre las escenas artísticas underground y la cultura mainstream. La impresión «Soup Can 1» ha formado parte de diversas exposiciones prestigiosas, incluyendo la emblemática exposición itinerante «Beautiful Losers», «Transfer» en el Santander Cultural de Porto Alegre, Brasil, y la completa muestra «Supply & Demand». También se exhibió en la muestra "Transfer", ubicada en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo, Brasil, en 2010. La obra de Fairey durante este período está documentada en diversas publicaciones, entre las que destacan la colección "Beautiful Losers" (2005-2009), el libro "Supply & Demand" (Rizzoli, 2009) y la edición de 2010 de "Transfer". Cada una de estas obras ofrece una visión profunda del proceso creativo del artista y del impacto cultural de su trabajo. La procedencia de "Soup Can 1" está firmemente arraigada en el Archivo Beautiful Losers, lo que garantiza su lugar en la historia de la cultura urbana contemporánea y reafirma su estatus como pieza de colección de la historia del arte. Shepard Fairey - OBEY: Sin título. Serigrafía de Angela Davis, 2005. Firmada y numerada. Esta impactante serigrafía del influyente artista Shepard Fairey constituye una valiosa adición a su ilustre obra. Con un tamaño de 8x10 pulgadas, esta pieza sin título forma parte de una edición exclusiva de tan solo 100 copias, cada una impresa, numerada y firmada por el propio Fairey, lo que garantiza su rareza y valor para coleccionistas. Fairey, reconocido por su habilidad para infundir al arte una crítica social, presenta un retrato cautivador sobre un audaz fondo rojo que capta la atención. La silueta de alto contraste plasma la fuerza e intensidad del sujeto, inmortalizando un momento de expresión apasionada. La imagen es un eco visual del pasado, pero a la vez aborda temas contemporáneos de empoderamiento y resistencia. En la esquina inferior izquierda, el emblema característico de Fairey —la estrella rodeada por la palabra «OBEY»— ancla la obra, integrándola en su extensa producción artística, conocida por desafiar al espectador a cuestionar la autoridad y el panorama de la cultura visual. Esta obra es testimonio de la continua relevancia de Fairey en el mundo del arte y de su firme compromiso con la expresión artística. Coleccionistas y admiradores de su obra reconocerán el estilo icónico del artista, convertido en sinónimo del movimiento del arte urbano moderno. Henry Chalfant: Lee, Futura, Dondi. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. Esta cautivadora obra de arte, creada por el prestigioso Henry Chalfant, celebra el movimiento del arte urbano, inmortalizando el trabajo de tres leyendas del grafiti: Lee, Futura y Dondi. Titulada "Lee Futura Dondi", esta pieza de 2004 es una serigrafía impresa en papel de archivo libre de ácido, lo que garantiza su conservación y calidad durante años. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, la obra tiene el tamaño suficiente para crear un impacto visual contundente, a la vez que se adapta a diversos entornos de exhibición. El formato tríptico presenta tres vibrantes vagones de metro estilizados, cada uno adornado con el distintivo estilo de los artistas de grafiti mencionados. El panel superior rebosa de enérgicos rosas y azules, mostrando el icónico estilo de letras de Lee, mientras que el panel central presenta el enfoque futurista de Futura, con formas abstractas y una paleta de tonos fríos. El panel final es un tributo al estilo wildstyle clásico de Dondi, con letras llamativas en tonos rosas que destacan sobre el fondo. La obra de Chalfant no es una mera representación estática; Esta obra transmite el dinamismo y el ritmo del arte urbano del metro, tal como antaño recorría las arterias de Nueva York. Cada pieza de esta edición limitada está firmada y numerada por Chalfant, lo que certifica su autenticidad y su vínculo con el artista. Esta serie se publicó coincidiendo con la innovadora exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que puso de manifiesto las intersecciones e influencias del arte urbano en el arte contemporáneo. Esta lámina es una pieza de coleccionista, no solo por su valor estético e histórico, sino también por su representación de la evolución del arte urbano desde el metro y los muros de la ciudad hasta las altas esferas del arte. Geoff McFetridge: Dibujo original de Kemistry con animación en DVD 2004 Esta pieza, creada por Geoff McFetridge, es uno de los 100 dibujos originales que componen una intrincada secuencia de animación. Realizados con precisión a lápiz sobre papel Canson, cada dibujo mide 22,86 x 30,45 centímetros y captura la estética minimalista y las líneas fluidas características del trabajo de McFetridge. Esta obra muestra una escena lúdica de una figura practicando skateboarding, representada con una línea continua y fluida que transmite movimiento y una sutil sensación de fantasía. Un segundo personaje asoma con curiosidad desde el borde, añadiendo un elemento narrativo a la composición. Junto con la obra original, los coleccionistas reciben un DVD con la secuencia de animación completa, que ofrece una visión única del proceso creativo de McFetridge y la evolución de la animación desde imágenes fijas hasta una experiencia visual dinámica. El artista firma cada dibujo, aportando un toque personal que garantiza su autenticidad. Esta oferta no es simplemente la adquisición de una única pieza de arte; Se trata de una invitación a adentrarse en el mundo visionario de McFetridge, donde el diseño gráfico se fusiona con la narrativa cinematográfica. Esta singular combinación de dibujo tradicional y animación digital ofrece una visión multifacética del enfoque innovador del artista hacia el arte contemporáneo. Ed Templeton: Fotografía de Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers, 2004, firmada. Capturada por la perspicaz lente de Ed Templeton, esta fotografía constituye una pieza significativa de la historia del arte contemporáneo, documentando la vibrante esencia del movimiento artístico "Beautiful Losers". La imagen presenta a Chris Johanson, artista sinónimo del espíritu "hazlo tú mismo" del arte urbano, en la primera exposición de "Beautiful Losers" en Cincinnati, Ohio, en 2004. Se trata de una evocadora impresión en gelatina de plata de Ed Templeton, que retrata a Chris Johanson en la exposición inaugural de "Beautiful Losers". La fotografía, de 20 x 25 cm, forma parte de una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno firmado individualmente por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y autenticidad. Capturada en 2004, esta imagen es una pieza atemporal de la historia del arte, que documenta un momento crucial en la convergencia de la cultura urbana y el arte contemporáneo. Esta fotografía es un registro visual y la encarnación del espíritu de la exposición, que celebra la convergencia underground del skateboarding, el grafiti y el arte urbano con el arte contemporáneo. La composición de la fotografía es espontánea y sin filtros, mostrando a Johanson con el rostro oculto por una tela blanca, una presencia enigmática que despierta curiosidad. Esta elección de presentación alude a los temas de anonimato y misterio que suelen impregnar la cultura del arte urbano. El rostro oculto de Johanson, adornado con gafas de sol sobre la tela y su barba indómita asomando por debajo, crea un contraste impactante, visualmente cautivador y que invita a la reflexión. Firmada por Ed Templeton, esta fotografía constituye una conexión tangible con el momento que captura, introduciendo al espectador en un evento crucial en la historia del arte urbano y pop. La firma de Templeton añade un toque de autenticidad y consagra esta obra como una genuina intersección entre su trayectoria fotográfica y la narrativa artística de Johanson. «Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers» es una fotografía que trasciende su medio, ofreciendo una visión de la comunidad y la camaradería de los artistas que definieron a una generación. Esta pieza ocupará un lugar de veneración para los coleccionistas y entusiastas del movimiento, encapsulando la energía cruda y espontánea que representó "Beautiful Losers". Cynthia Connolly: Página sin título de una máquina de hielo, Arizona. Fotografía de 1999. Firmada y fechada. Esta fotografía de Cynthia Connolly, sin título pero que captura con gran emotividad la esencia de Page, Arizona, es una magistral impresión en gelatina de plata que encarna el espíritu de la exposición "Beautiful Losers". La impresión, de 10 x 15 cm, pertenece a una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno impreso meticulosamente y firmado por la artista, lo que subraya su carácter de pieza de colección. La imagen se centra en una máquina de hielo, un símbolo cotidiano pero icónico de la cultura estadounidense. Fechada el 17/5/95, la fotografía no es solo una representación de un lugar, sino una instantánea de una época. La anotación manuscrita "Page, Arizona" añade un toque personal, evocando un sentido de pertenencia al lugar y situando la obra en su contexto geográfico. La mirada fotográfica de Connolly transforma lo ordinario en extraordinario, invitando a los espectadores a encontrar belleza y narrativa en lo común. El marcado contraste de la imagen en blanco y negro resalta el juego de luces y sombras, otorgando a la máquina de hielo una cualidad escultórica. Esta obra es una sutil exploración de la forma y la textura, donde incluso lo utilitario se convierte en un tema digno de contemplación artística. Esta lámina es esencial para coleccionistas que valoran la intersección entre la fotografía documental y las bellas artes. Es un testimonio del compromiso de Connolly por capturar los rincones olvidados de los paisajes estadounidenses, convirtiéndola en una adición excepcional a cualquier colección que celebre la belleza matizada de lo cotidiano dentro del vasto tapiz de la cultura estadounidense. Barry McGee: Ryze sin título, 2007. Impresión C y fotografía con etiquetas manuales. La obra "Untitled Ryze" de Barry McGee es un pilar del arte contemporáneo, que simboliza la vibrante intersección entre la cultura urbana y las bellas artes. Esta impactante impresión C de 2007, de 40,6 x 50,8 cm, es una pieza de colección muy codiciada, limitada a una edición de 200 ejemplares. Cada pieza de la serie tiene la distinción única de estar firmada y numerada a mano por McGee, un artista que rara vez firma sus obras. La obra se presentó en conjunto con la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se exhibió entre 2004 y 2009 en numerosos museos y galerías de todo el mundo. La imagen captura la esencia de Ryze, figura legendaria del arte callejero bostoniano, y demuestra la habilidad de McGee para plasmar la energía cruda del grafiti en un contexto de galería refinado. La obra de McGee trasciende la fotografía, ya que "Sin título, Ryze" es fundamental en sus instalaciones de mayor tamaño y en sus ensamblajes. La imagen es un testimonio visual del legado del artista y un referente del espíritu cultural que encapsuló The Beautiful Losers. Adquirida directamente de Iconoclast Editions y el Archivo Beautiful Losers, esta pieza representa una oportunidad única para aficionados y coleccionistas de poseer un fragmento de la historia del arte callejero visto a través de la mirada de uno de sus artistas más enigmáticos y célebres: Barry McGee. Barry McGee: Sin título. Hola, mi nombre es. Pegatina original Slap-Up 2005. Etiqueta firmada. Barry McGee, figura influyente del arte pop urbano y el grafiti, ha dejado una huella significativa con su estilo y enfoque únicos. Su obra "Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag" es un ejemplo paradigmático de su trabajo, que fusiona la energía y la crudeza del arte urbano con la estética refinada del arte pop. Esta pieza, creada en 2005, es testimonio de la habilidad de McGee para transformar objetos y temas cotidianos en cautivadoras expresiones artísticas. La trayectoria artística de McGee comenzó en las calles, donde perfeccionó su técnica creando grafiti bajo el seudónimo de "Twist". Este periodo formativo fue crucial para moldear su estilo distintivo, caracterizado por una mezcla de la espontaneidad del grafiti y la audacia y el atractivo del arte pop. Su transición de los muros callejeros a las galerías no mermó la autenticidad de su obra. Al contrario, le brindó un nuevo lienzo para sus expresiones, permitiéndole llegar a un público más amplio sin perder de vista sus raíces en la cultura urbana. Terry Richardson: Autorretrato del diablo sin título, serigrafía, 2004, firmada y numerada. Esta impactante obra visual, un autorretrato sin título de 2004, es una serigrafía sobre papel de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas) perteneciente a una edición limitada de 200 ejemplares. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por el artista, lo que le confiere un toque personal a esta exclusiva obra. La serigrafía muestra al artista sobre un vibrante fondo amarillo, posando con una actitud lúdica y a la vez rebelde. Luciendo cuernos de diablo y empuñando un tridente, el sujeto hace el símbolo de la paz con un gesto juguetón, yuxtaponiendo símbolos tradicionalmente negativos con una actitud desenfadada. El vívido tono amarillo monocromático de la serigrafía realza el impacto de la obra. Esta pieza se presentó en la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" (2004-2009), que explora la intersección entre la cultura pop y el arte urbano, ofreciendo una visión subversiva de la iconografía contemporánea. La procedencia de la obra es notable, ya que proviene de Iconoclast Editions y del archivo Beautiful Losers, lo que garantiza su autenticidad y su conexión con un movimiento significativo del arte moderno. Este autorretrato es más que una simple imagen; es una pieza que captura la esencia del espíritu cultural de una época, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte. Evan Hecox: Grabado en madera de Kyoto Street, 2004. Firmado y numerado. «Calle de Kioto», una cautivadora serigrafía de Evan Hecox, presenta un instante congelado en el encanto atemporal de la antigua capital de Japón. Creada en 2004, esta obra de arte está impresa meticulosamente en papel de archivo libre de ácido y mide 50,8 x 40,6 cm. Pertenece a una edición exclusiva limitada a 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado a mano por el propio Hecox, lo que garantiza su valor como pieza de colección. Esta obra se presentó como parte de la influyente exposición «Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, y se exhibió en diversas ubicaciones. La estampa «Calle de Kioto» se ha exhibido en destacadas exposiciones, como «Transfer» en el Santander Cultural de Porto Alegre, Brasil, en 2008, y en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo, en 2010. En esta obra, Hecox destila la esencia del paisaje urbano de Kioto en marcados contrastes y líneas nítidas, capturando la dinámica interacción de luces y sombras. Faroles adornados con caracteres kanji salpican la escena, proyectando un cálido resplandor sobre el callejón. A su vez, la intrincada red de cables eléctricos añade una capa de complejidad, sugiriendo la vibrante energía de la ciudad. La paleta de colores sobria y el audaz estilo gráfico de la obra evocan una sensación de nostalgia, invitando a los espectadores a contemplar la atmósfera serena y bulliciosa de las calles de Kioto. Conservada en el Archivo Beautiful Losers, «Calle de Kioto» no es solo una estampa, sino una pieza narrativa que se documenta junto a otras obras maestras contemporáneas en los catálogos «Beautiful Losers» y «Transfer». Es una prueba de la habilidad de Hecox para capturar el alma del entorno urbano, convirtiéndolo en una posesión preciada para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con predilección por la estética urbana y la profundidad cultural. Ryan McGinness: Patéticos amuletos de la suerte del hipster tonto. Serigrafía 2004. Firmada y numerada. Ryan McGinness, «Amuletos de la suerte patéticos del hipster tonto». Esta exquisita obra de 2004 es una magistral representación de la iconografía contemporánea, meticulosamente elaborada mediante serigrafía sobre papel. Cada lámina mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 ejemplares, lo que garantiza su singularidad y valor como pieza de colección. Cada lámina está firmada y numerada a mano por el artista, testimonio de su autenticidad y del toque personal de McGinness. La obra se presentó en conjunto con la reconocida exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que destacó la energía vibrante del arte urbano en el contexto del arte contemporáneo. La pieza es una sinfonía de símbolos, un léxico visual que refleja el espíritu irónico y a menudo autocrítico de la subcultura hipster. El uso que hace McGinness de imágenes icónicas, entrelazadas con ingenio y crítica, encapsula un momento en el que arte, cultura y comentario social se encuentran con una gracia natural. Esta obra no es solo una pieza de arte, sino un fragmento de historia cultural, un reflejo del espíritu de la época del paisaje urbano de principios de la década de 2000.” Harmony Korine: Sin título Osama y ET Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta obra es una fascinante serigrafía de Harmony Korine titulada "Sin título (Osama y ET)" de 2005. Se trata de una edición limitada de tan solo 200 copias, cada una firmada y numerada a mano por Korine, lo que la convierte en una pieza de coleccionista. Esta impresión, de 50,8 x 40,6 cm, muestra la visión única de Korine al yuxtaponer dos referencias culturales muy diferentes en una misma imagen. La imagen representa a Osama bin Laden abrazando al icónico extraterrestre ET, de la aclamada película de Steven Spielberg. La fusión de estas imágenes constituye una declaración audaz e invita a múltiples interpretaciones de la convergencia de símbolos culturales dispares. La figura y ET están dibujados con una delicada linealidad que contrasta con la gravedad del tema, creando una impactante paradoja visual. Esta serigrafía se presentó con motivo de la exposición "Beautiful Losers", que celebró la intersección del skateboarding, el grafiti y la moda urbana con el arte contemporáneo. La procedencia de la estampa es impecable, proveniente de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, lo que realza su importancia histórica y artística. La yuxtaposición de figuras tan dispares en esta estampa invita al espectador a reconciliar las emociones y narrativas contrastantes que representa cada personaje. Esta obra es más que una simple declaración visual; es un diálogo sobre la cultura pop, figuras políticas, personajes de ficción y su lugar en la esfera artística. Coleccionistas y aficionados al arte pop urbano apreciarán la profundidad y el carácter provocador de esta estampa, convirtiéndola en una valiosa adición a cualquier colección de arte contemporáneo. Larry Clark: Obra fotográfica sin título de Shorty, 1996/2007. Firmada y numerada. Esta impactante fotografía, titulada "Sin título (Shorty)", es una obra profunda del aclamado artista Larry Clark. Fue realizada en 1996 y publicada posteriormente en 2007. Está impresa en papel acuarela Anjelica con unas dimensiones de 20 x 13,75 pulgadas. Cada ejemplar de esta edición de 200 está firmado y numerado individualmente por el propio Clark, con una firma y fecha adicionales al dorso, lo que garantiza su autenticidad y rareza. Presentada con motivo de la renombrada exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana" (2004-2009), esta fotografía proviene de Iconoclast Editions y forma parte integral del Archivo Beautiful Losers. Larry Clark, figura influyente en la fotografía y el cine durante más de cinco décadas, ha dejado una huella imborrable en el mundo creativo a través de obras como "Teenage Lust" y "Tulsa", y películas como "KIDS" y "Marfa Girl". La fotografía captura la esencia de Lyle Dean "Shorty" Easky, cuya historia se entrelaza con la del artista y la narrativa más amplia de la cultura juvenil estadounidense. Shorty, de ascendencia nativa americana, falleció trágicamente en 2013. Su vida y su muerte prematura siguen siendo una historia conmovedora, con raíces que se remontan al mismo barrio de Tulsa que inspiró gran parte de la obra temprana de Clark, el mismo lugar que Francis Ford Coppola eligió para "The Outsiders". Raymond Pettibon: Sin título Sol Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta impactante obra, sin título, es una pieza de 2005 del aclamado artista Raymond Pettibon, conocido por sus influyentes contribuciones al arte y la cultura. Se trata de una serigrafía sobre papel, un medio que permite una presentación vibrante y nítida del dinámico diseño de Pettibon. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas), es adaptable a diversos espacios y posee la suficiente presencia como para generar un gran impacto visual. La creación de Pettibon forma parte de una edición exclusiva de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista, lo que proporciona una conexión directa con su proceso creativo. La obra presenta una explosión de líneas que emanan de un punto central, sugiriendo una energía explosiva o un fenómeno cósmico. El uso del negro, junto con toques de azul y amarillo, dota a la pieza de una sensación de profundidad e intensidad, mientras que el texto manuscrito en la parte superior —«¡APLICARLO AL ESTUDIO DE ESPEJOS, ARCOÍRIS O EL SOL!»— invita a la contemplación y aporta una dimensión poética a la experiencia visual. Esta edición se publicó para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró la intersección entre el arte underground y la creatividad urbana. La obra de Pettibon es un testimonio del espíritu de este movimiento, encapsulando la crudeza y la estética audaz que definen el género. Es una pieza de coleccionista no solo por su atractivo estético, sino también por su relevancia cultural dentro del arte contemporáneo. Evan Hecox: Grabado en madera de Chinatown, Nueva York, 2004. Firmado y numerado. «Chinatown NYC» de Evan Hecox, una xilografía de 2004 sobre delicado papel de arroz japonés, plasma con meticulosidad la vibrante energía urbana. Cada lámina de esta serie limitada mide 25,4 x 20,3 cm y forma parte de una edición numerada de 100 ejemplares, lo que subraya su exclusividad. Cada pieza está impresa y firmada personalmente por Hecox, lo que transmite la implicación directa del artista en la experiencia del coleccionista. Esta obra captura la esencia del bullicioso barrio chino de Nueva York con una aguda atención al detalle y un estilo distintivo. El uso de líneas en la xilografía por parte de Hecox traduce la naturaleza dinámica de la ciudad en una imagen estática que palpita con vida. El artista transmite con maestría la complejidad arquitectónica del paisaje urbano, complementada por el elemento humano que insufla vida a la ciudad. La sutil superposición de capas de la lámina, con su intrincado trabajo de líneas y delicadas variaciones tonales, refleja las diversas experiencias de la vida urbana. Reconocido por su habilidad para plasmar la esencia de un lugar en su obra, Hecox presenta «Chinatown NYC» como algo más que una simple representación visual; es una narrativa tejida con tinta y papel, una historia contada al ritmo del paisaje urbano. Esta pieza refleja la destreza artística de Hecox y rinde homenaje al rico mosaico cultural que define Chinatown y a la historia en constante evolución de la propia ciudad de Nueva York. Rostarr- Romon K Yang: Sin título Japón HPM Serigrafía con aerosol 2005 Firmado/Numerado Experimenta la fusión de tradición y rebeldía con «Untitled Japan HPM» de Rostarr, una provocativa obra de Romon K Yang de 2005. Esta impactante pieza, realizada sobre papel con dimensiones de 27,94 x 33,02 cm, es una armoniosa combinación de pintura en aerosol y serigrafía, culminando en una edición limitada de tan solo 100 copias, cada una firmada y numerada individualmente por el artista. La obra es un testimonio del distintivo lenguaje visual de Rostarr, donde los trazos caligráficos se encuentran con la espontaneidad del arte urbano. Audaces formas rojas anclan la composición; sus contornos fluidos y círculos sólidos contrastan marcadamente con las salpicaduras crudas e improvisadas de pintura en aerosol negra. Esta interacción de color y forma crea una tensión dinámica, una sinfonía visual que captura el espíritu del arte contemporáneo. Cada pieza de «Untitled Japan HPM» es una celebración de la expresión única, pintada e impresa a mano, que se erige como una audaz firma del estilo icónico de Rostarr. La escasez de esta obra la convierte en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados deseosos de poseer un fragmento de la historia del arte que tiende un puente entre lo antiguo y lo nuevo, lo planificado y lo espontáneo. «Sin título Japón HPM» no es solo una obra de arte; es un diálogo cultural que resuena con el ritmo de la vida urbana moderna. Rostarr - Romon K Yang: Mariposa en el huracán, 2004. Serigrafía firmada y numerada. Embárcate en un viaje visual con «Mariposa en el huracán», una cautivadora serigrafía sobre papel del aclamado artista Rostarr, creada en el transformador año 2004. Esta pieza ejemplifica la interacción dinámica entre forma y fluidez, con unas dimensiones íntimas de 20 x 16 pulgadas, y forma parte de una edición exclusiva de 200 ejemplares, cada uno con la firma y el número únicos asignados por el propio artista. Creada durante la exploración artística y la ruptura de límites, «Mariposa en el huracán» se presentó junto con la innovadora exposición «Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura urbana», que celebró la confluencia de los movimientos artísticos underground y la corriente principal. La obra presenta una tormenta de formas y curvas abstractas, predominantemente en tonos azules y amarillos, que evocan la gracia caótica de una mariposa atrapada en una tormenta. Los colores vibrantes giran y danzan sobre el papel, invitando a los espectadores a contemplar la relación entre armonía y caos. Esta pieza no es simplemente una obra de arte; Es una declaración, un fragmento de historia cultural y un testimonio de la maestría del artista al fusionar la energía cruda de la cultura callejera con la sofisticación del arte contemporáneo. «Mariposa en el huracán» es una pieza imprescindible tanto para entendidos como para coleccionistas, y promete ser un tema de conversación y una joya de cualquier colección. Craig R Stecyk III: Sin título, 2004. Fotografía serigrafiada HPM única, firmada y numerada. Una pieza singular de Craig R. Stecyk III, esta obra sin título de 2004 es un brillante ejemplo de la fusión entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. Elaborada con meticulosa atención al detalle, la obra presenta un fondo personalizado pintado a mano con aerógrafo, una serigrafía a doble cara aplicada con maestría y detalles a lápiz sobre un robusto papel blanco extra grueso, libre de ácido y de calidad de archivo, de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas). Limitada a una edición de 200 ejemplares, cada pieza está numerada individualmente y lleva la firma del artista, lo que subraya su exclusividad. Esta obra se presentó con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se extendió de 2004 a 2009 y goza de gran prestigio dentro del Archivo Beautiful Losers. La procedencia de esta pieza se remonta a Iconoclast Editions, testimonio de su autenticidad e importancia cultural. Stecyk, figura clave del proyecto Beautiful Losers, creó una instalación que cautivó al público y obtuvo un reconocimiento sin precedentes. Su obra rinde homenaje a las vibrantes subculturas californianas, inspirándose en la cultura de los autos personalizados, el surf y el skateboarding, todo ello plasmado en su extensa documentación fotográfica. Como miembro fundador de Dogtown y Z-Boys, las obras de Stecyk son más que arte; son representaciones llenas de historia de un movimiento cultural decadente, plasmadas en papel con una paleta que resuena con la energía y el espíritu de las calles. Esta pieza es una expresión artística y un artefacto cultural que captura la esencia de las subculturas californianas, inmortalizada a través de la mirada visionaria de Stecyk. Craig R Stecyk III: Prueba sin título. Impresión serigráfica en gelatina de plata. Firmada y numerada. La obra sin título de Craig R. Stecyk III es una declaración de originalidad y desafío artístico. Forma parte de una exclusiva colección de 100 obras, cada una una impresión en gelatina de plata y serigrafía sobre papel, de 10,16 x 15,24 centímetros. La obra presenta con audacia la palabra «PROOF» en prominentes letras rojas, afirmando su autenticidad como impresión fotográfica original. El texto inferior funciona como declaración y restricción, enfatizando el propósito de la impresión como documento contractual y prohibiendo expresamente su reproducción, reventa y exhibición pública. La firma del artista subraya este límite de exclusividad, garabateada con energía sobre la impresión, lo que autentica cada pieza y la identifica como una entidad única dentro de la edición limitada. La firma se convierte en parte integral de la obra, fusionándose con el mensaje textual y el fondo austero, asegurando que cada impresión sea un testimonio de la singular filosofía artística de Stecyk y su legado en la comunidad artística. Tobin Yelland: Sin título. Serigrafía de Andy Roy, 2004. Firmada y numerada. La obra "Sin título (Andy Roy)" de Tobin Yelland es una impactante serigrafía que captura la esencia de la individualidad y la rebeldía, señas de identidad de la cultura urbana. Creada en 2004, esta pieza presenta la imagen de Andy Roy, figura emblemática del mundo del skateboarding, conocido por su estilo crudo y su personalidad sin complejos. Impresa en papel de alta calidad, cada ejemplar de esta edición limitada mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una serie de 200 copias. Cada una está meticulosamente firmada y numerada por Yelland, lo que garantiza su autenticidad y la sitúa dentro de una colección de objetos muy codiciados. La obra fue creada para la influyente exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición fue fundamental para celebrar y reconocer la cultura urbana dentro del panorama artístico contemporáneo, llevando la estética del skateboarding, el grafiti y otras expresiones artísticas al espacio de la galería. Originaria de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, «Sin título (Andy Roy)» es más que un retrato; es una narrativa de la subcultura, un emblema del espíritu rebelde del arte urbano y una instantánea de un movimiento que ha dejado una huella imborrable en el lienzo del arte contemporáneo. Coleccionistas y admiradores del género encontrarán en esta serigrafía una pieza que sigue resonando con la autenticidad y la vitalidad de la cultura callejera. Tobin Yelland: Fotografía firmada y numerada de Skate Smash Window PhotMills La fotografía en blanco y negro "Skate Smash Window Photo" de Tobin Yelland es una imagen cruda y dinámica que captura un momento espontáneo de rebeldía juvenil. Tomada en 2004, esta imagen personifica el espíritu de la cultura callejera y del skate de la época. La foto muestra la espontaneidad e impulsividad inherentes a la subcultura del skateboarding, personificadas en el acto de una patineta que atraviesa la ventana de un auto. La fotografía formó parte de la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición celebró la fusión de la sensibilidad callejera con el mundo del arte, llevando la autenticidad de las experiencias subculturales al contexto de las bellas artes. Procedente del archivo Beautiful Losers, con la garantía de Iconoclast Editions, esta pieza no es solo una fotografía, sino una narrativa, un fragmento de vida de una cultura que a menudo queda sin documentar. La habilidad de Yelland para capturar un momento tan crudo y sin filtros crea una conexión visceral con el espectador, ofreciendo una ventana a los aspectos más desenfrenados de la cultura juvenil. La fotografía "Skate Smash Window Photo" es un testimonio de la época que representa, sirviendo como documento histórico de la rebeldía y la energía disruptiva que caracterizan al skateboarding. Es una pieza valiosa para coleccionistas y entusiastas de la fotografía y la cultura urbana, que ofrece una mirada sin complejos a los momentos que definieron un movimiento. Mike Mills: La policía está dentro de nosotros. Serigrafía 2004. Firmada y numerada. La evocadora obra de Mike Mills, "The Cops Are Inside Us", constituye una profunda declaración en el arte contemporáneo, empleando la técnica cruda de la serigrafía impresa a mano combinada con lápiz sobre papel blanco suave, libre de ácido y de calidad de archivo. Esta obra de 2004 mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 copias firmadas y numeradas. Cada impresión de esta serie es testimonio de la aguda percepción de Mills sobre la interacción entre texto e imagen, creando una narrativa que alude a la lucha interna y la introspección social. El intenso tono rojo que domina la impresión, difuminándose en una representación cruda y realista en la parte inferior, crea un llamativo contraste visual, sugiriendo una dualidad inherente a la condición humana. Esta obra se presentó junto con la trascendental exposición "Beautiful Losers", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. La exposición destacó la importancia cultural del arte urbano y su impacto en las prácticas artísticas contemporáneas. «La policía está dentro de nosotros» refleja el sentir de su época y sigue resonando con los comentarios sociales actuales, convirtiéndose en una pieza atemporal para coleccionistas y amantes del arte con significado. Procedente de la prestigiosa colección Beautiful Losers, esta obra de Mike Mills no es solo una obra de arte; es un comentario cultural, preservado mediante serigrafía, que ofrece una perspectiva del complejo diálogo entre la sociedad y el individuo. Cheryl Dunn: Serigrafía firmada y numerada, y fotografía firmada (2004). «Drafted.» de Cheryl Dunn es una provocativa serigrafía que captura con crudeza un momento de interacción humana sobre un vibrante fondo amarillo. Esta creación de 2004 mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por la artista, lo que subraya su exclusividad. La obra presenta una escena de alto contraste con figuras silueteadas: una sentada en el suelo y las demás aparentemente en movimiento. Las siluetas de Dunn crean una narrativa universal, permitiendo a los espectadores proyectar sus propias historias y significados en la pieza. El título «drafted.» sugiere temas de compulsión y resistencia, resonando con los espectadores a un nivel profundamente personal. Presentada durante la influyente exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que se extendió de 2004 a 2009, esta obra contribuye al diálogo entre la cultura urbana y las bellas artes. La exposición fue un escaparate fundamental para artistas influenciados por expresiones subculturales como el skateboarding, el grafiti y el punk. Procedente del prestigioso archivo Beautiful Losers y producida por Iconoclast Editions, «drafted.» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de un movimiento. Es una poderosa expresión de la perspectiva de Dunn y un comentario visual sobre las fuerzas que dan forma a nuestra sociedad. Los coleccionistas de arte contemporáneo y los amantes de la cultura urbana encontrarán en esta obra una fascinante combinación de audacia estética y relevancia social. Cheryl Dunn: Impresión giclée del pasillo del Tenderloin de San Francisco, C-4, 2004, firmada y numerada. Presentamos una cautivadora impresión giclée de Cheryl Dunn que transporta al espectador al vibrante corazón del barrio Tenderloin de San Francisco. La obra, titulada "C-4 Pasillo del Tenderloin de San Francisco", es un testimonio de la aguda percepción de Dunn por lo crudo y lo real, capturando un momento evocador en un pasillo que susurra historias del tejido urbano de la ciudad. La impresión, de tamaño ideal para exhibición (38 x 25 cm), está meticulosamente numerada y firmada personalmente por Cheryl Dunn, lo que certifica su autenticidad y conexión con la visión original de la artista. Esta edición limitada consta de tan solo 100 copias, convirtiéndola en una pieza única y coleccionable para amantes del arte y admiradores de la exploración urbana. El sujeto se yergue en el estrecho pasillo, personificando una sensación de quietud en medio del potencial caos de la ciudad. Viste una llamativa chaqueta roja y verde, adornada con unas simpáticas orejas de oso que le confieren un aire de inocencia a la escena, por lo demás, cruda. Esta persona sostiene una lata de pintura en aerosol, sugiriendo una historia de arte callejero y expresión. Al mismo tiempo, los bolsillos de su chaqueta están intrigantemente repletos de latas adicionales, insinuando quizás el comentario de la artista sobre la juventud, la rebeldía o la creatividad en los espacios urbanos. La impresión de Cheryl Dunn no solo ofrece una narrativa visual, sino que también evoca una reflexión sobre el pulso cultural de la vida urbana, las múltiples historias que se esconden entre sus muros y los vibrantes personajes que transitan por sus calles. Esta obra es más que una fotografía; es un fragmento del alma de San Francisco, bellamente preservado en una impresión giclée de alta calidad. Cynthia Connolly: Sin título, serigrafía de máquina de hielo, 2004, firmada y numerada. La obra "Sin título" de Cynthia Connolly, perteneciente a su serie "Máquinas de hielo", es una cautivadora serigrafía sobre papel de impresionantes dimensiones (40,6 x 50,8 cm). Esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno con la firma de la artista y un número único que certifica su autenticidad y exclusividad. Creada con una sensibilidad especial hacia la estética estadounidense, esta obra constituye una poética documentación de las otrora omnipresentes máquinas de hielo que salpicaban el paisaje americano, ahora un emblema en extinción de una era pasada. La obra de Connolly es reconocida por su capacidad para capturar estos fugaces instantes de la vida estadounidense, preservando la nostalgia y el significado cultural que encierran estos objetos cotidianos. La serigrafía «Sin título» se publicó para conmemorar la exposición «Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Callejera», que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Esta exposición marcó un hito al llevar la crudeza de la cultura callejera a los espacios refinados de las galerías de arte, destacando la obra de artistas que se inspiran en la estética urbana, el skateboarding y las corrientes subterráneas de la subcultura. Las fotografías de Connolly, reconocidas por su conmovedora sencillez y profundidad, forman parte de las colecciones permanentes de prestigiosos museos. Esta serigrafía, perteneciente a la serie «Máquinas de Hielo», refleja su dedicación a documentar elementos de la vida estadounidense que poco a poco se desvanecen. Para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con un toque de nostalgia, «Sin título» de Connolly es una pieza imprescindible. No se trata solo de una serigrafía; es un patrimonio cultural, una profunda reflexión sobre la fugacidad de lo cotidiano y una hermosa obra de arte de una distinguida fotógrafa y artista. Geoff McFetridge: El resplandor oculto. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. «El resplandor oculto» de Geoff McFetridge es un testimonio del dominio del artista sobre el ritmo visual y la narrativa dentro de los límites de la serigrafía. Creada en 2004, esta serigrafía sobre papel mide 50,8 x 40,6 cm, un tamaño que permite que los intrincados patrones y la llamativa paleta de azules envuelvan el campo visual del espectador; cada elemento del diseño teselado palpita con una energía emblemática del arte gráfico de McFetridge. Al observarla con detenimiento, se puede discernir la meticulosa composición de formas abstractas y figurativas. Esta obra de arte con patrones es un sofisticado rompecabezas visual donde las formas geométricas y orgánicas convergen para crear una sensación de profundidad y movimiento. La repetición de los elementos cumple una función estética y teje una narrativa más profunda, aludiendo a la interconexión de los individuos dentro de una comunidad o a la naturaleza repetitiva pero única de los paisajes urbanos. Firmada por el artista, esta pieza lleva el sello personal de McFetridge, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con el proceso creativo. «El resplandor oculto» se incluyó en la renombrada exposición «The Beautiful Losers Portfolio» de la galería Agnes B en Los Ángeles, como parte de una colección que celebra la sinergia entre el arte contemporáneo y la cultura urbana. También se destaca en el libro fundamental «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», publicado por Edition Iconoclast, que documenta el fenómeno cultural de esta obra. Esta serigrafía es una pieza decorativa esencial para el diálogo entre el arte pop urbano y las escenas artísticas convencionales. Es una pieza de colección que captura la esencia de la influencia de McFetridge en el lenguaje visual del arte contemporáneo. Este lenguaje resuena tanto en el entusiasta del arte exigente como en el apasionado de la vibrante cultura urbana. Ed Templeton: Sin título, Mujer sorprendida, serigrafía, 2004, firmada y numerada. Presentamos una impactante obra de Ed Templeton, "Mujer Sorprendida Sin Título", que encapsula el potencial expresivo y crudo de la serigrafía. Creada en 2004, esta pieza mide 40,6 x 50,8 cm y forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y valor como pieza de colección. Esta serigrafía muestra la singular habilidad de Templeton para capturar la condición humana en sus momentos más vulnerables y sinceros. La obra presenta la imagen de una mujer, su expresión de sorpresa o conmoción, un instante narrativo congelado en el tiempo por la mano experta de Templeton. El uso de colores contrastantes y la superposición de elementos abstractos le confieren a esta pieza una cualidad dinámica que resulta a la vez inquietante y fascinante. La imaginería está impregnada de inmediatez e intimidad, características del enfoque artístico de Templeton. Desafía a los espectadores a confrontar las emociones inesperadas y a menudo perturbadoras que sus sujetos exhiben. Las pinceladas crudas y la deliberada omisión de detalles invitan a explorar los temas de la privacidad, la emoción y la naturaleza voyeurista del arte. «Mujer en shock sin título» se publicó durante la influyente exposición «Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura callejera», que celebró la convergencia entre las escenas artísticas underground y el reconocimiento general. La obra de Templeton es un testimonio del poder del arte pop callejero para transmitir experiencias humanas profundas, lo que la convierte en una valiosa adquisición para coleccionistas y entusiastas del arte contemporáneo. James Jarvis x Amos Toys: Figura firmada de Wiggins de la serie "The Thin Blue Line" (2004) Presentamos "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins", una edición limitada de 100 figuras firmadas de 3.5x6 pulgadas, pieza de colección que fusiona el mundo imaginativo de James Jarvis con el atractivo tangible de los juguetes de arte. Creada en colaboración con Amos Toys, esta figura representa una síntesis única de arte, coleccionismo y narrativa, culminando en una figura de vinilo de 6 pulgadas (aproximadamente 10 cm) llamada Wiggins, parte de una serie exclusiva limitada a tan solo 1660 piezas en todo el mundo. Wiggins, el pequeño oficial de policía, luce orgulloso su uniforme, confeccionado con meticulosa atención al detalle. Desde la visera de su clásica gorra policial hasta las suelas de sus resistentes botas, cada elemento de su atuendo ha sido cuidadosamente diseñado para reflejar la esencia de su personaje. Porta una porra, un accesorio que sugiere su disposición para entrar en acción y restablecer el orden. Sin embargo, su rostro, con un bigote que corona una expresión severa, sugiere una personalidad más profunda que sus deberes oficiales. Cada figura viene en una caja de exquisito diseño, que luce con orgullo la firma de James Jarvis, sello de autenticidad y vínculo directo con el artista. El empaque es una obra de arte tanto como la figura misma, con una ventana que muestra la silueta de Wiggins en una presentación que difumina la línea entre juguete y escultura. Wiggins no es solo un personaje, sino un narrador nato, que encarna las complejidades de su profesión con el toque de humor y perspicacia característicos de Jarvis. Según su historia, cuando no patrulla las calles, escribe poesía confesional, ofreciendo una visión de su alma sensible, en contraste con su figura autoritaria. Esta pieza es imprescindible para los aficionados al arte pop urbano y para quienes aprecian la fusión entre arte y juego. Es un tributo al encanto peculiar y la visión creativa por la que James Jarvis es conocido, lo que convierte a "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins" en una adición destacada a cualquier colección de juguetes de arte o piezas de arte contemporáneo. ESPO - Steve Powers: Sin título, El vecino, serigrafía HPM, 2006, firmada y numerada «Sin título (Vecino...)» de Steve Powers es una obra ejemplar de arte contemporáneo que fusiona la crudeza del arte callejero con la sofisticación de una pieza de galería. Esta serigrafía sobre papel, de 40,6 x 50,8 cm, forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista, lo que garantiza su estatus de pieza de coleccionista. Una característica destacada de esta obra es que cada impresión incluye elementos únicos dibujados a mano por Powers, convirtiendo cada pieza en un tesoro irrepetible. La obra está impregnada del ingenio y el lenguaje visual característicos de Powers, con gráficos audaces y una interacción textual que transmite una narrativa compleja. Publicada en conjunto con la aclamada exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» , que se extendió desde 2004 hasta 2009, esta impresión captura la esencia de un movimiento que difuminó las fronteras entre el arte underground y el mainstream. Los diversos elementos, desde la pieza del rompecabezas "Inadaptado" hasta la figura melancólica con sombrero de copa, aluden a temas como la identidad, las presiones sociales y la búsqueda existencial de sentido. Originaria de Iconoclast Editions y el archivo Beautiful Losers, "Sin título (El vecino de al lado...)" de Powers no es simplemente una obra de arte impresa; es un diálogo con el espectador, un comentario satírico sobre la condición humana y un reflejo de la voz distintiva de Steve Powers (también conocido como ESPO) en el mundo del arte. Esta pieza complementará cualquier colección de arte y dará pie a interesantes conversaciones gracias a sus imágenes vibrantes y a la singular capacidad narrativa del artista. ESPO - Steve Powers: Letreros útiles para conocidos en Nueva York. Impresión personalizada HPM 2006 Steve Powers, también conocido como ESPO, da vida a la esencia dinámica de la comunicación urbana con su obra "Señales prácticas para la gente que conoces en Nueva York" de 2006. Esta colección de pegatinas troqueladas es más que una simple decoración; es una forma de expresión que encarna el pulso de las calles de Nueva York. Cada pegatina, de 30,8 x 26 cm, es una explosión de color y simbolismo, diseñada para captar la atención y provocar la reflexión. Esta pieza categoriza ingeniosamente los diversos arquetipos que uno puede encontrar en la bulliciosa metrópolis: "CONFUSORES" con una mano señalando en azul, "ABUSADORES" con un pulgar hacia abajo en rojo, "USADORES" con un dedo índice señalando en verde y "PRODUCTORES" con un apretón de manos en negro. El vibrante amarillo del fondo actúa como un megáfono visual, amplificando el mensaje de cada señal. La obra de Powers es un comentario sobre la dinámica social de la vida urbana; cada letrero representa las complejas interacciones que definen la experiencia de la ciudad. Presentadas en una lámina de pegatinas troqueladas de alta presión mate (HPM), estas pegatinas están diseñadas para adherirse a cualquier superficie, convirtiendo objetos cotidianos en medios para el diálogo social. «Letreros útiles para gente que conoces en Nueva York» es una pieza de arte interactiva y un artefacto cultural que refleja la aguda observación del artista sobre los personajes que conforman el tejido de la vida urbana. Para coleccionistas y admiradores de la obra de Steve Powers, esta lámina de pegatinas es una mezcla única de diseño gráfico, arte urbano y comentarios irónicos: todas ellas características del estilo distintivo de Powers. Jo Jackson: Serigrafía sin título, 2004. Firmada y numerada. Incluye el libro de artista "States". La obra "Sin título" de Jo Jackson, de 2004, es una serena serigrafía que captura la esencia minimalista de las formas naturales a través del color y la forma. Con unas dimensiones de 40,6 x 50,8 cm, esta obra forma parte de una serie de edición limitada, y cada pieza está firmada y numerada por la artista, lo que subraya su exclusividad y valor de colección. "States" es un fanzine desplegable de edición limitada a 100 ejemplares. La serigrafía presenta un pico helado y austero sobre un excelente fondo azul, evocando una sensación de calma y contemplación. La cima de la montaña se corona con un copo de nieve singular y detallado, que sugiere la pureza y la singularidad de las creaciones de la naturaleza. Debajo, un campo de puntos blancos danza sobre la base, reminiscente de una suave nevada o un cielo estrellado. Publicada en el marco de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" (2004-2009), la obra de Jackson refleja las cualidades introspectivas y a menudo meditativas que el arte contemporáneo puede suscitar. La exposición fue un evento histórico que presentó a artistas inspirados en la cultura callejera, el grafiti, el skateboarding y otras expresiones artísticas subculturales. Esta obra, proveniente del archivo Beautiful Losers, representa un momento en el arte contemporáneo donde convergen la sencillez y el simbolismo. Para coleccionistas y aficionados, "Sin título" de Jackson no es solo una impresión, sino una pieza de serena belleza que invita a la reflexión en medio del caos cotidiano. Es un testimonio de la habilidad del artista para destilar emociones complejas en una sola imagen conmovedora. Thomas Campbell: Gente de Pangea. Serigrafía, 2005. Firmada y numerada. «Gente de Pangea, ¡uníos!», de Thomas Campbell, es una cautivadora serigrafía sobre papel que plasma una perspectiva ingeniosa y reflexiva sobre la unidad y el mundo natural. Esta obra de 2005 forma parte de una serie limitada, firmada y numerada individualmente por el artista, lo que convierte cada impresión en una pieza de colección. La obra representa un paisaje surrealista donde las figuras humanas se fusionan con el tronco de un árbol, creando una metáfora visual de la interconexión. En la parte superior, se despliega un bocadillo con el texto: «¿QUÉ CONSERVAN EXACTAMENTE LOS CONSERVADORES?», una provocativa pregunta que invita a la reflexión sobre la responsabilidad política y ambiental. La pieza está salpicada de vibrantes toques de color sobre una paleta de tonos tierra, atrayendo la mirada a través de la lúdica composición. Publicada para la exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que tuvo lugar entre 2004 y 2009, la serigrafía de Campbell encarna la celebración de las formas artísticas subculturales y su influencia en el arte contemporáneo que caracterizaba la exposición. La exposición fue un importante evento cultural que trasladó la esencia del skateboarding, el grafiti y el arte urbano al espacio de la galería. «Gente de Pangea, ¡uníos!» es un testimonio de la singular habilidad de Campbell para fusionar lo fantástico con lo crítico, ofreciendo una declaración estéticamente atractiva e intelectualmente estimulante. Para los coleccionistas, esta obra no es solo una pieza de arte; es un tema de conversación que captura un momento distintivo en la historia del arte contemporáneo, caracterizado por su audacia y su capacidad para desafiar el statu quo. Thomas Campbell: Cartera personalizada hecha a mano de edición limitada de T Moe Still Smoking Paul Frank 2005 La cartera "Still Smoking" de Thomas Campbell es una pieza única, hecha a mano, una obra de arte funcional que fusiona utilidad con la vibrante cultura urbana. Creada en 2005, esta edición limitada celebra el estilo personal y el talento artístico. Adornada con una miríada de ilustraciones originales, sello distintivo de la estética de Campbell, la cartera luce un fondo azul claro con imágenes vívidas y contrastantes. Desde la representación lúdica de nubes hasta las estructuras estilizadas y las figuras caprichosas, cada elemento está plasmado con alegría y una audaz sensibilidad gráfica. La cartera se lanzó como parte de la conmemoración de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar entre 2004 y 2009. Este evento mundial marcó un hito al mostrar la intersección del skateboarding, el graffiti y el arte urbano dentro de la escena del arte contemporáneo. La cartera "Still Smoking" de Campbell no es solo un accesorio, sino una pieza de colección que captura la esencia de una época en la que el arte no se limitaba a las galerías, sino que se llevaba en el bolsillo, formando parte de la vida cotidiana. Es un homenaje al espíritu de "Beautiful Losers" y una pieza imprescindible para los coleccionistas que aprecian la fusión entre el arte y la vida diaria. Andy Jenkins: Sin título Hang Unique Impresión HPM 2005 Firmada/Fechada Una obra cautivadora de Andy Jenkins, esta pieza forma parte de una colección única de 100 impresiones de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 28 x 23 cm. Esta obra sin título es una sinfonía de elementos visuales que combina tipografía, diseño gráfico e ilustraciones dibujadas a mano para crear una narrativa compleja. La pieza presenta con audacia la palabra "HANG" en letras sobredimensionadas y escalonadas que dominan el campo visual, sobre un fondo que fusiona de forma intrigante elementos de un calendario y escritura manuscrita, sugiriendo el paso del tiempo y la fugacidad de los momentos. Un cohete esbozado junto a la tipografía añade una sensación dinámica de movimiento y exploración, enriqueciendo aún más la historia que cuenta la impresión. Cada impresión de esta edición limitada está firmada y fechada individualmente por Jenkins, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con la trayectoria creativa del artista. Esta obra no es solo una declaración visual, sino un testimonio del enfoque multidisciplinario de Jenkins, donde texto e imagen se entrelazan para cautivar y desafiar al espectador. Andy Jenkins: Círculo sin título HPM Impresión única 2005 Firmada/Fechada La obra "Circle Untitled HPM Print" de Andy Jenkins, de 2005, es un ejemplo excepcional de grabado contemporáneo que fusiona la simplicidad de las formas geométricas con la complejidad de la expresión individual. Esta pieza, una de cien impresiones únicas de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 28 x 23 cm, demuestra el dominio de Jenkins en la forma, el color y la composición. La obra presenta dos círculos negros y audaces que dominan el campo visual; conforman un estudio de perfecta simetría y equilibrio. Alrededor de estas figuras centrales se aprecian notas manuscritas y garabatos, algunos claros, otros borrosos, que sugieren el proceso creativo del artista o quizás pensamientos intencionalmente crípticos. La impresión se presenta sobre un fondo blanco impoluto, que no solo acentúa la viveza de los círculos negros y los detalles rojos dentro de uno de ellos, sino que también resalta el sutil texto y el trabajo de línea que invitan al espectador a observar con detenimiento. Cada impresión de esta serie está firmada y fechada por Jenkins, lo que denota un toque personal y una autenticidad que los coleccionistas y admiradores del arte suelen buscar. La naturaleza de edición limitada de estas impresiones hace que cada una sea única, tanto por su lugar en la serie como por las ligeras variaciones propias de la impresión de inyección de tinta. «Circle Untitled HPM Print» de Jenkins no es solo una experiencia visual, sino también táctil, ya que la elección del papel y la técnica de impresión por parte del artista contribuyen a la presencia general de la obra. Es una muestra de la habilidad de Jenkins para transmitir profundidad y narrativa dentro de un marco minimalista, invitando al observador a un diálogo silencioso, reflexivo y universal. Con sus líneas puras y detalles intrigantes, esta pieza es una valiosa adición a cualquier colección que aprecie la intersección entre el diseño moderno y la expresión personal en el arte del grabado. Andy "Mel Bend" Jenkins: Serigrafía "Scrabble Scrabble" 2005 Firmada/Numerada «Scribble Scrabble» de Andy Jenkins es una fascinante obra de serigrafía y grafito sobre papel que cautiva al espectador con su audaz estilo gráfico y su ingeniosa interpretación tipográfica. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm, esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno numerado y firmado personalmente por Jenkins, lo que certifica su singularidad y valor como pieza de colección. La composición presenta un puño alzado entrelazado con líneas fluidas que recuerdan a cintas, sobre un fondo de suaves tonos grises, rematado por el lema homónimo «Scribble Scrabble» en llamativos colores negro y rojo. La sensibilidad gráfica de Jenkins, perfeccionada a lo largo de los años como figura clave en la cultura del skateboarding, se muestra en todo su esplendor, fusionando elementos del arte urbano con una delicada sensibilidad artística. Presentada junto con la influyente exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture» (2004-2009), «Scribble Scrabble» representa la evolución creativa de la estética del skateboarding en las galerías de arte. Jenkins, un artista polifacético conocido por su trabajo como dibujante de cómics, ilustrador y director creativo, cofundó la revista Dirt con Spike Jonze y Mark Lewman a principios de los 90, consolidando aún más su influencia en la subcultura. «Scribble Scrabble» de Andy Jenkins es más que una lámina; refleja una fuerza creativa que moldeó el lenguaje visual de la cultura del skateboarding. Ocupa un lugar de honor en el Archivo Beautiful Losers, representando una época en la que las fronteras entre la subcultura y la alta cultura se difuminaban y se entrelazaban de forma armoniosa. Terry Richardson: Objeto de arte con gafas Smilen Broadway, 2004 Esta fascinante obra de arte de Terry Richardson, titulada "Gafas Smilen Broadway", es un testimonio de la fusión entre diseño funcional y expresión artística. Presentadas como objeto de arte desde 2004, estas gafas negras representan el distintivo estilo visual de Richardson, conocido por su audacia y franqueza. Las gafas miden aproximadamente 7,6 x 20,3 x 7,6 cm, plasmando un estilo elegante en su formato compacto. Sobre un fondo con la inscripción "Colección Broadway SMILEN EYEWEAR", sugieren una temática que entrelaza el comercialismo con la identidad personal. Las lentes acrílicas transparentes están engastadas en una clásica montura negra, un color con un atractivo atemporal. Estas gafas no son simples accesorios; son piezas que reflejan la personalidad de quien las lleva y la perspectiva única del artista sobre los objetos cotidianos. Elaboradas con meticulosa atención al detalle, las gafas llevan las especificaciones "ESTILO STEVEN COLOR NEGRO TALLA 56-16 PATILLAS 145", lo que denota su carácter personalizado. La obra de arte difumina las fronteras entre los objetos prácticos y los de colección, desafiando los límites de lo que se suele percibir como arte. El trabajo de Richardson invita a reflexionar sobre la intersección entre la cultura visual, la moda y la expresión personal, convirtiéndose en una pieza imprescindible para cualquier colección que valore la integración innovadora del arte en la vida cotidiana. Ari Marcopoulos: Justin, serigrafía, 2004, firmada y numerada «Justin», de Ari Marcopoulos, captura un momento del retrato contemporáneo. Esta serigrafía de 2004, realizada sobre papel de archivo libre de ácido, mide 20 x 16 pulgadas. Forma parte de una codiciada edición limitada de tan solo 200 piezas, cada una meticulosamente firmada y numerada por Marcopoulos, lo que garantiza su exclusividad y valor como pieza de colección. Sobre un fondo rosa intenso, el retrato de «Justin» es un fascinante estudio de carácter y forma. El marcado contraste entre el vibrante fondo y el sujeto monocromático permite que la figura emerja con profundidad e introspección. La expresión neutra del sujeto se plasma con una estética minimalista, capturando una mirada serena pero penetrante que parece trascender el papel. Esta obra se publicó con motivo de la exposición «Beautiful Losers», una celebración del arte que difumina las fronteras entre la cultura urbana y el arte culto. Refleja el espíritu del movimiento, encapsulando una instantánea cruda y auténtica de la juventud y la subcultura. «Justin» no es solo un retrato; es una declaración, una pieza que interpela al coleccionista que aprecia la convergencia del arte con el espíritu de su época. Es una adición atemporal a cualquier colección, que ofrece belleza estética y significado cultural. Ari Marcopoulos: "Puede que me equivoque" Libro de arte del artista 2005 Esta imagen es una impactante pieza visual del libro de arte de Ari Marcopoulos, "I Might Be Wrong", publicado como fanzine de edición limitada y numerada de 100 ejemplares en 2005. Esta cautivadora obra muestra la habilidad de Marcopoulos para capturar la esencia cruda y auténtica de la cultura callejera. La fotografía, impresa en offset para lograr un detalle preciso y nítido, mide 20,32 x 12,7 cm, un tamaño que invita a una observación minuciosa y a una conexión personal con el espectador. En esta representación monocromática, una figura se yergue ante una pared de ladrillo desgastada, con su identidad oculta tras lo que parece ser un radiocasete con ojos, evocando una sensación de anonimato urbano y subterfugio artístico. El radiocasete es un símbolo conmovedor de la música y la escena callejera de las últimas décadas, sugiriendo una narrativa que entrelaza la expresión personal con artefactos culturales. El fondo está cubierto de folletos, incluyendo uno que anuncia la Galería Alleged, proporcionando contexto y situando la imagen en un entorno cultural específico. Esta edición numerada y limitada a 100 ejemplares es una pieza de coleccionista que ofrece una mirada íntima a la perspectiva del artista sobre la vida urbana y el arte. Marcopoulos es conocido por su estilo documental que a menudo explora los márgenes de la cultura dominante, y esta imagen es testimonio de su capacidad para encontrar belleza y significado en lo cotidiano. Coleccionistas y admiradores de la fotografía contemporánea y el arte urbano reconocerán el valor de este libro de arte como referente de la narrativa dinámica y en constante evolución de la cultura callejera. Todd James: Vivo de placer. Serigrafía 2005. Firmada y numerada. Presentamos "Alive With Pleasure" de Todd James, una extraordinaria serigrafía sobre papel de 2005 que vibra con la energía característica y el estilo inconfundible del artista. Esta pieza, de 17,8 x 12,7 cm, forma parte de una exclusiva edición numerada de 100 ejemplares, lo que la convierte en una rara pieza de colección para los amantes del arte contemporáneo. En esta obra, James continúa explorando los temas de alegría y exuberancia que impregnan gran parte de su producción artística. La composición presenta dos figuras representadas en un llamativo y lúdico tono rosa monocromático. En primer plano, destaca un personaje que sostiene un cigarrillo; su expresión de felicidad pura, con los ojos cerrados y una amplia sonrisa que transmite una sensación de satisfacción y deleite, refleja una profunda felicidad. Detrás de ella, una segunda figura, parcialmente oculta, se hace eco de este sentimiento con una mano sobre la boca mientras fuma, sugiriendo risas o un secreto compartido. El trazo de James en "Alive With Pleasure" es fluido y seguro, con una exageración caricaturesca inmediatamente reconocible como su sello distintivo. Los personajes están adornados con detalles como el motivo del arcoíris en la camisa de la figura central, que añade un atractivo visual y podría interpretarse como un guiño a la diversidad y la inclusión. Esta serigrafía no es solo una obra de arte; es una instantánea de felicidad, una representación de los pequeños placeres de la vida y una celebración de los momentos que nos hacen sentir realmente vivos. Es un testimonio de la habilidad de Todd James para capturar la esencia del arte pop urbano y plasmarla en un formato que conecta con el espectador a un nivel visceral. Para los coleccionistas y admiradores de la obra de Todd James, «Alive With Pleasure» es más que una obra de arte: es una inyección de alegría y una fiel representación del atractivo perdurable del artista. Todd James: Serigrafía de BullieJames, 2005, firmada y numerada Presentamos "Bullies" del aclamado artista Todd James, también conocido en el mundo del arte como REAS. Esta serigrafía sobre papel de 2005 es un vibrante testimonio de su renombrado estilo, profundamente arraigado en la cultura urbana y la estética animada. Con unas dimensiones de 50,8 x 40,6 cm, esta pieza forma parte de una edición limitada de 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado individualmente por el artista, lo que garantiza su singularidad y valor para coleccionistas. La obra presenta cuatro personajes caricaturescos, cada uno con expresiones y gestos exagerados que transmiten una sensación de movimiento e interacción. Con su tez verdosa y el puño alzado, la figura dominante simboliza el arquetipo del "matón", un tema recurrente en la obra de REAS, que a menudo explora las dinámicas de poder y los roles sociales desde una perspectiva lúdica pero crítica. Presentada en conjunto con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", "Bullies" encapsula la energía y el espíritu del movimiento de la cultura urbana. El uso de colores primarios vibrantes y líneas fluidas caracteriza el estilo de Todd James, donde fusiona elementos del grafiti con una refinada sensibilidad artística. Esta obra es un deleite visual y una pieza clave en el diálogo entre el arte urbano y el arte contemporáneo convencional. Resuena con el espíritu rebelde de las escenas underground de las que surgió Todd James, a la vez que refleja las narrativas sociales más amplias de confrontación y resiliencia. «Bullies» es un ejemplo contundente del impacto de Todd James en la evolución del grafiti y el arte pop urbano, convirtiéndola en una pieza codiciada por coleccionistas y aficionados. Encarna la fusión de la astucia callejera y la elegancia estética, un sello distintivo de la trayectoria artística de James y una valiosa adición a cualquier colección. Wes Humpston: Serigrafía de Bulldog Skates, 2004, firmada y numerada. Con una impactante combinación de imágenes audaces y colores vibrantes, la obra «Bulldog Skates» de Wes Humpston es una pieza profunda que captura la esencia de la cultura del skateboarding. Creada en 2004, esta obra está realizada con serigrafía y grafito sobre papel y mide 50,8 x 40,6 cm. Pertenece a una edición especial limitada a 200 piezas, cada una meticulosamente numerada y firmada personalmente por el artista, estableciendo una conexión directa entre Humpston y el coleccionista. Esta obra se presentó durante la aclamada exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró el rico lenguaje visual de la cultura urbana y su influencia en el arte contemporáneo. «Bulldog Skates» es emblemática del estilo distintivo de Humpston, que incorpora elementos del arte pop urbano y el grafiti. La imagen central —un bulldog de ojos llameantes envuelto en vibrantes llamas verdes— no es solo un logotipo, sino un ícono que representa el espíritu rebelde y la pasión ardiente de los skaters. El texto vertical que bordea la figura central, con reminiscencias de grafitis, lleva el nombre «Bulldog Skates», reforzando la identidad de la marca y sus raíces en la energía cruda y auténtica del arte urbano. La obra de Humpston es un testimonio de la autenticidad y la libertad creativa que definen la escena del skate callejero, conectando tanto con aficionados como con coleccionistas de arte. «Bulldog Skates» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de una época y una comunidad que prospera al margen de las normas sociales. Glen E Friedman: Mis reglas. Serigrafía, 2004. Firmada y numerada. Esta dinámica serigrafía, «My Rules», del aclamado artista Glen E. Friedman, fue creada en 2004. Esta obra, una audaz representación del impacto de la cultura urbana en las artes visuales, mide 50,8 x 40,6 cm y forma parte de una edición limitada de tan solo 200 ejemplares disponibles en todo el mundo. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por Friedman, lo que le confiere una autenticidad personal. Elaborada con la precisión y la viveza características de la serigrafía, «My Rules» funciona como un manifiesto visual del espíritu punk y del skateboarding. La obra se presentó como parte de la icónica exposición «Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture», que celebró la fusión del arte urbano con el arte de galería. «My Rules» es un emblema de la trayectoria del artista, dedicada a documentar el espíritu rebelde de las subculturas juveniles. La serigrafía es un montaje de retratos enérgicos y fotografías de acción real, centrado en una figura imponente que expresa el sentimiento que da título a la obra. La tipografía verde lima eléctrica irrumpe sobre el fondo monocromático, afirmando el tono desafiante de la obra. Esta pieza no es solo una obra de arte; es un archivo histórico que captura la esencia de un movimiento. Encarna la voz de una generación que desafió las normas y vivió según sus propias reglas. Poseer una pieza de esta edición no es solo una inversión en arte; es un reconocimiento de un período transformador en el arte contemporáneo, donde las calles dialogaban con el estudio, y Glen E. Friedman estuvo allí para capturarlo todo. Chris Johanson: Sin título ¿Por qué están tan frenéticos? Serigrafía 2004 Firmada/Numerada Sin título, ¿Por qué están tan frenéticos?, de Chris Johanson, es una impactante serigrafía que transmite un mensaje elocuente a través de su combinación de texto e imágenes. Creada en 2004, esta pieza está impresa meticulosamente en papel de archivo libre de ácido y mide 50,8 x 40,6 cm. Forma parte de una edición limitada de tan solo 200 ejemplares, cada uno firmado y numerado a mano por el propio Johanson. Esta obra fue concebida para la innovadora exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que celebró los influyentes movimientos del skate, el grafiti y el arte urbano entre 2004 y 2009. La pieza presenta una figura alienígena estilizada con un contorno minimalista, que sirve como vehículo para un mensaje que invita al espectador a reflexionar sobre la histeria y la vulnerabilidad en la sociedad. El fondo verde brillante y llamativo acentúa la urgencia y el carácter reflexivo del texto. La obra de Johanson se exhibió en diversas ciudades como parte de la exposición "Beautiful Losers". Posteriormente, se exhibió en las muestras "Transfer" en Brasil, en el Santander Cultural de Porto Alegre y en el Pabellón Cultural Brasileño del Parque Ibirapuera, São Paulo. La influencia y el alcance de la obra se documentan con mayor detalle en las bibliografías de "Beautiful Losers" y "Transfer". Procedente del Archivo Beautiful Losers, esta obra es una pieza de cultura visual y una instantánea histórica que encapsula el espíritu de un movimiento que difumina las fronteras entre la galería y la calle. Ofrece una oportunidad única para que coleccionistas y aficionados se acerquen a un momento crucial del arte contemporáneo a través de la mirada introspectiva de Johanson. Chris Johanson: Juego de chapas numeradas de Love Not War, edición 2004 «Love Not War» de Chris Johanson es una colección de chapas que invita a la reflexión, con unas dimensiones de 10 x 17,78 centímetros. Esta colección, presentada en una edición limitada de 100 ejemplares, refleja el compromiso de Johanson con temas sociopolíticos contemporáneos, plasmados en los breves y contundentes mensajes de cada chapa. Las chapas, sobre un vibrante fondo amarillo con una destacada en verde, funcionan como arte portátil que invita a la reflexión y al diálogo. Reflejan el compromiso del artista con la paz, su apoyo al emprendimiento local y su crítica a la cultura del consumo y la guerra. Cada chapa es un punto de partida para la conversación, desde la defensa de la vigilancia de los derechos humanos en el comercio global hasta la promoción de la tranquilidad interior y el amor. Esta colección numerada es una obra de arte y un comentario histórico, que captura la esencia del activismo y la expresión personal en pequeños manifiestos. El arte de Johanson convierte el acto de llevar una chapa en una declaración de principios únicos y una llamada a la conciencia social. Mark Gonzales y Harmony Korine: "Adulthood" Artist Art Zine 1995 «Adulthood» es un conmovedor fanzine de arte colaborativo de 1995, obra de Mark Gonzales y Harmony Korine, artistas conocidos por su influyente trabajo en las comunidades del skateboarding y el cine, respectivamente. Este fanzine es un manifiesto físico de la subcultura de la época, plasmado mediante la técnica de la fotocopia, lo que le confiere una estética cruda y auténtica. Con unas dimensiones aproximadas de 20,32 x 12,7 cm, el fanzine es un testimonio tangible del espíritu «hazlo tú mismo» que impregnaba las escenas artísticas underground de entonces. La portada presenta una imagen granulada y de alto contraste de cuatro jóvenes, que evoca el estilo de los retratos de principios del siglo XX, pero rebosante de la actitud desafiante de los años 90. Debajo de la imagen, los nombres «Mark Gonzales» y «Harmony Korine» proclaman con audacia esta colaboración, uniendo dos fuerzas creativas distintas en una visión compartida. El título «ADULTHOOD» destaca en letras mecanografiadas, junto a la fecha «Primero de marzo de 1995, aproximadamente», situando la obra en un momento específico de la producción cultural. Limitada a 100 ejemplares, esta edición es tanto una pieza de colección como un fragmento de historia cultural, que captura el espíritu de una generación en la transición a la adultez, pero profundamente arraigada en la cultura juvenil subversiva de la época. Cada fanzine es una instantánea del período, un artefacto tangible que encarna el espíritu de colaboración y creatividad por el que Gonzales y Korine son reconocidos. Esta obra es imprescindible para coleccionistas y entusiastas de la cultura del skate de los 90, el cine independiente y la energía cruda del arte urbano. Mark Gonzales: Ambientador Krooked de edición limitada, objeto de arte, 2004 Encarnando la estética de la cultura del skate, Mark Gonzales presenta el ambientador Krooked de edición limitada, un vibrante objeto de arte que fusiona funcionalidad con el estilo del arte urbano. Lanzado en 2004 como parte del portafolio Beautiful Losers, estos ambientadores trascienden su uso práctico, convirtiéndose en piezas de colección que reflejan la visión artística de Gonzales. Cada ambientador presenta el carácter lúdico e irreverente de la distintiva marca de skateboarding Krooked, plasmado en contornos gráficos audaces. Disponible en dos diseños, el primero luce un intenso tono púrpura, que representa el motivo de los ojos de Krooked. En contraste, el segundo diseño muestra el personaje característico de la marca en un blanco puro sobre un llamativo fondo azul. Estos objetos de arte fueron seleccionados para la influyente exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana", que celebró el espíritu DIY en el arte entre 2004 y 2009. La colección captura la esencia de la cultura urbana, impregnando objetos cotidianos con un sentido artístico y de rebeldía contra lo convencional. Originarios de Iconoclast Editions y el prestigioso Beautiful Losers Archive, los ambientadores Krooked ocupan un lugar especial en la historia del arte contemporáneo. Son testimonio del impacto de GGonzales en las comunidades del skateboarding y el arte, y símbolo de la integración del arte underground en la vida cotidiana de la época. Estas piezas de edición limitada son codiciadas por coleccionistas y aficionados, y representan un momento en que la cultura urbana se abrió paso con audacia en el mundo del arte. Phil Frost: Rotulador recargable para pósteres extra anchos personalizados 2004 Phil Frost presenta una fusión única de utilidad y arte con sus marcadores Superwide Marker y Poster Marker, creados en 2004. Estos marcadores de plástico recargables, diseñados a medida, son más que simples herramientas; son obras de arte individuales, de aproximadamente 5 x 12,5 cm, y forman parte de una edición limitada de 00 unidades cada uno. Los marcadores están adornados con los distintivos motivos tribales de Frost en negro sobre un vibrante fondo naranja. Este diseño es fácilmente reconocible para quienes conocen la obra de Frost, famoso por sus intrincados patrones y su agudo sentido del lenguaje visual primitivo y a la vez contemporáneo. Procedentes de Iconoclast Editions y parte del archivo "Beautiful Losers", estos marcadores encarnan el espíritu de la exposición "Beautiful Losers: Arte Contemporáneo y Cultura Urbana". Este proyecto celebró la cultura del "hazlo tú mismo" y el arte urbano que influyeron en una generación de artistas. Para MMills'srs, estos marcadores son una muestra tangible de la exposición, que encapsula la esencia del impacto de la cultura urbana en el arte contemporáneo. Son un testimonio de la visión donde el objeto cotidiano se convierte en lienzo, fusionando forma y función con la fluidez del arte callejero. Estos marcadores son objetos funcionales y piezas de colección que transmiten el estilo característico del artista a creativos y amantes del arte por igual. Mike Mills: La arquitectura de la tranquilidad (Minilibro de 1999) «La arquitectura de la tranquilidad» de Mike M. Mills es un cautivador libro de artista en rústica que sirve como extensión visual de su cortometraje. Publicado en 1999, esta primera edición mide 17,8 x 10,8 cm y es una pieza de colección poco común, procedente directamente del archivo de Beautiful Losers. En sus páginas, el libro ofrece una rica colección de fotografías y fotogramas que capturan la esencia del viaje de una joven a través de los paisajes suburbanos de Los Ángeles. Estas imágenes se entrelazan para crear una narrativa que explora temas como el aislamiento urbano, la búsqueda de identidad y la reconfortante, aunque a veces estéril, uniformidad del diseño residencial. La obra de Mills es reconocida por su capacidad para destilar profundas observaciones socioculturales en imágenes minimalistas. «La arquitectura de la tranquilidad» no es la excepción, reflexionando con profundidad sobre nuestros entornos y cómo estos moldean nuestras experiencias y percepciones. Esta publicación íntima es un libro y una galería portátil del talento cinematográfico y fotográfico de M. Mills. Para los admiradores de la obra de MMills y aquellos interesados ​​en la interacción entre el cine, la fotografía y la teoría urbana, este artista es una valiosa adición a su colección, ya que ofrece una pieza tangible del espíritu de la época de finales del siglo XX. Clare Rojas: Peggy Honeywell Faint Humms CD Edición Limitada 2004 Esta obra de arte es un CD de edición limitada titulado "Faint Humms" de Peggy Honeywell, de Clare E. Rojas, artista cuyo trabajo abarca diversos medios y que a menudo explora temas de identidad y folclore. Lanzado en conjunto con la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", este CD no solo es un vehículo del arte sonoro de Rojas, sino también un objeto de colección que representa la intersección entre la música y las artes visuales dentro del ámbito de la cultura urbana. El CD se presenta en una llamativa caja naranja, que subraya el audaz uso del color por parte de Rojas en sus obras visuales. La caja está envuelta en una espuma protectora, lo que garantiza la conservación del disco y refleja el cuidado que se suele dar a las obras de arte. El disco, con su superficie reflectante que crea un espectro de colores, evoca el estilo característico de Rojas, que a menudo emplea tonalidades vibrantes y contrastantes. Esta pieza constituye una conexión tangible con el espíritu de la exposición "Beautiful Losers", que celebró las diversas formas de arte surgidas de la cultura urbana y su influencia en el arte contemporáneo. Este CD, de edición limitada, captura un momento singular en la historia del arte y plasma el espíritu creativo de una época en la que se difuminaron las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas para dar lugar a nuevas formas de expresión. Coleccionistas y admiradores de la obra de Clare E. Rojas, así como quienes aprecian el legado de la cultura urbana en el arte, encontrarán en este CD una valiosa adición a su colección. Ryan McGinness: Paquete de pegatinas personalizadas 2005, firmadas y numeradas Esta obra de arte es un paquete de pegatinas personalizado del Multiverso de Ryan McGinness, un artista reconocido por sus representaciones gráficas y formas orgánicas. El paquete, lanzado en 2005, forma parte de una edición especial limitada a 100 copias, cada una meticulosamente firmada y numerada por McGinness, indicando su posición como la número 100. Las dimensiones del estuche son 12,7 x 12,7 cm, un tamaño compacto que encapsula la esencia de la filosofía de diseño de McGinness. Presentado en un elegante estuche plateado con un brillo metálico, el paquete transmite una sensación de exclusividad y modernidad. La firma del artista en el lado izquierdo del sobre certifica la originalidad de la obra. A su vez, el icónico emblema de la corona del logotipo de Ryan McGinness Studios en el lado derecho es un sello de calidad y autenticidad. En el interior, el estuche contiene una variedad de pegatinas, cada una un fragmento del vibrante multiverso de McGinness. Estas no son meros adornos; Son obras de arte adhesivas que permiten llevar consigo un fragmento de la estética de McGinness. Las pegatinas funcionan como una galería portátil, una democratización del arte que constituye la esencia del espíritu de McGinness. Este paquete de pegatinas Multiverse es un objeto de colección que difumina las fronteras entre el arte elevado y el arte accesible de las pegatinas. Para los admiradores de la obra de Ryan McGinness, este paquete representa una oportunidad única para poseer una pieza de la historia del arte interactiva, lúdica y profundamente arraigada en el lenguaje visual de la cultura contemporánea.

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Tennis Alien - Prueba de artista AP. Impresión serigráfica de 3 colores realizada a mano sobre papel de bellas artes por el artista Nate Duval. Obra de arte pop de edición limitada. Prueba de artista AP 2014 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 8.5x11

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Obra de arte original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Black Sabbath Printers Select PP Prueba de impresión serigráfica de Jim Houser Impresión serigráfica de 8 colores realizada a mano sobre papel artístico Stonehenge de 290 g/m² Edición limitada Arte pop callejero y grafiti. Prueba de imprenta PP 2019. Firmada y con sello PP. Edición limitada. Tamaño de la obra: 12x12. La fusión de música y arte de Jim Houser en "Black Sabbath Printers Select PP" La "Prueba de Impresión PP Selecta de Black Sabbath" es una vibrante serigrafía de Jim Houser que personifica la fusión de la cultura pop y el arte visual dentro de los géneros del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Esta obra de 2019, impresa a mano con 8 colores sobre el prestigioso papel artístico Stonehenge de 290 g/m², captura la esencia de la legendaria banda de rock Black Sabbath a través de la singular visión artística de Houser. La edición limitada, de 30x30 cm (12x12 pulgadas), refleja un proceso meticuloso que garantiza la aplicación precisa de cada color, dando como resultado una pieza que vibra con la energía tanto de la música que representa como de las calles urbanas donde se originó esta forma de arte. La interpretación visual de Jim Houser sobre el legado del rock La estampa, firmada y marcada como «PP» para indicar su condición de Prueba de Imprenta, destaca como pieza de coleccionista. Tradicionalmente, las Pruebas de Imprenta son ejemplares reservados para los archivos de la imprenta. Sin embargo, en el mundo del arte, estas pruebas suelen considerarse más valiosas debido a su rareza y a la participación directa del artista. La denominación «Printers Select» sugiere una pieza selecta, una obra excepcional, a menudo con características únicas que las estampas de la edición estándar no poseen. La interpretación de Houser de «Paranoid» de Black Sabbath es un homenaje a la banda y una obra contundente que fusiona la música, el arte pop y el grafiti. El arte pop callejero y el grafiti rinden homenaje a los iconos Al integrar a "Black Sabbath" en el contexto del arte pop urbano y el grafiti, Houser contribuye a una larga tradición donde estas formas de arte visual suelen rendir homenaje a íconos culturales. Esta obra trasciende la mera representación, entablando un diálogo con el espectador sobre el impacto de la música en la conciencia pública y su interacción con las narrativas visuales presentes en los entornos urbanos. Por lo tanto, la obra de Houser no es solo una creación artística; es un nodo histórico que conecta la vitalidad del arte urbano con los ritmos pulsantes de la música de Black Sabbath, capturando el espíritu de una época en una sola y audaz declaración de color y forma. En la escena del arte contemporáneo, "Black Sabbath Printers Select PP" de Jim Houser es un ejemplo vívido de cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden encapsular y celebrar la herencia musical. Gracias a su estética audaz y su disponibilidad limitada, esta impresión sigue resonando entre coleccionistas y entusiastas que aprecian la convergencia de sonido e imagen en el contexto del arte pop urbano y el grafiti modernos.

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Edición limitada Melted Shark. Serigrafía artesanal a dos colores con tinta rosa fluorescente sobre cartulina de algodón blanca de calidad de archivo. Fabricado por Matt Goldman. Artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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Tormenta en el horizonte. Prueba de artista AP. Impresión giclée de Curiot Tlalpazotl Artwork. Edición limitada impresa en papel Moab Entrada Fine Art. Artista callejero pop y grafiti. Prueba de artista AP 2014 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 20x16 Tema mexicano indígena latino Folclore tribal estilizado. Tormenta en el horizonte: Una interpretación visionaria de Curiot Tlalpazotl «Tormenta en el horizonte», una prueba de artista (prueba de artista) del aclamado Curiot Tlalpazotl, es una profunda narrativa plasmada en el papel de bellas artes de Moab Entrada. Esta obra de 2014, firmada y marcada como prueba de artista por el propio artista, forma parte de una serie de edición limitada que explora temas indígenas mexicanos y latinoamericanos, representados a través de una interpretación estilizada del folclore tribal. Cada impresión de 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 pulgadas) vibra con la vitalidad y el color característicos del arte pop urbano y el grafiti de Curiot, invitando al espectador a una conversación que trasciende el tiempo y el espacio. Narrativa artística de Curiot Tlalpazotl En «Tormenta en el horizonte», Curiot Tlalpazotl invita al espectador a un mundo donde el mito se convierte en realidad y la esencia espiritual de la cultura indígena se celebra a través del arte moderno. Como gran parte de su obra, esta pieza está impregnada de símbolos que narran historias del mundo natural y su conexión con el espíritu humano. La viveza de sus elecciones cromáticas y el dinamismo capturado en la composición reflejan la herencia mexicana del artista y su diálogo con la sociedad contemporánea. Simbolismo y técnica en la impresión giclée de Curiot El uso que hace Curiot de la impresión giclée para «Tormenta en el horizonte» refleja su compromiso con la tradición y la innovación. Esta técnica permite la reproducción de alta fidelidad de sus pinturas originales, garantizando la preservación de los intrincados detalles y las ricas texturas de su obra. El uso de tintas de archivo sobre papel Moab Entrada garantiza que cada impresión perdure como una obra de arte, conservando su viveza para que las futuras generaciones la admiren. Impacto e influencia cultural El impacto cultural de «Tormenta en el horizonte» trasciende su atractivo visual, reflejando la interacción entre el ser humano y las fuerzas de la naturaleza. El arte de Curiot tiende un puente entre lo antiguo y lo nuevo, fusionando la sabiduría de civilizaciones pasadas con las preocupaciones apremiantes de la actualidad. Su obra no solo constituye una contribución al arte urbano pop y al grafiti, sino también un capítulo vibrante en la historia del arte latinoamericano. Coleccionabilidad de "Tormenta en el horizonte" Como edición limitada, «Storm On The Horizon» tiene un gran valor para coleccionistas y aficionados al arte urbano pop y al grafiti. La designación de Prueba de Artista la convierte en una pieza especialmente codiciada, buscada a menudo por su gran fidelidad a la obra original. Los coleccionistas que adquieren una copia de Prueba de Artista poseen una parte de la visión del artista, una obra que tiene el potencial de aumentar su valor y significado a medida que la reputación de Curiot crece en el mundo del arte. El legado de la obra de arte de Curiot Tlalpazotl El legado de Curiot Tlalpazotl en el mundo del arte moderno se caracteriza por una vívida reinterpretación de narrativas culturales y una celebración del patrimonio a través del arte urbano. «Tormenta en el horizonte», como encarnación del espíritu de Curiot, es un testimonio del poder del arte para provocar la reflexión y evocar emociones, consolidando su papel como figura clave en la evolución del arte pop urbano y el grafiti.

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Obra de arte anatómica Meluxine, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12 x 12 pulgadas.

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Magnolia Artwork, impresión giclée de edición limitada en papel de 330 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Conrad Roset.

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Impresión tipográfica AP de prueba de artista Chateau Paris Pink por el Sr. André Saraiva, edición limitada, a un color en cubierta de 100 lb, papel de bellas artes Neenah Classic Crest blanco natural, obra de arte pop callejero de grafiti. Prueba de artista AP 2023, obra de arte de edición limitada firmada y marcada PP, tamaño 16 x 20, impresión tipográfica Sr. André Saraiva Chateau Paris Pink Letterpress AP Artist Proof 2023 La prueba de artista Chateau Paris Pink AP 2023 del Sr. André Saraiva captura la energía caprichosa y la travesura romántica que definen su lugar en el arte pop callejero y el grafiti. Producida como impresión tipográfica a una tinta sobre papel artístico Neenah Classic Crest Natural White de 100 lb, esta edición de 40 x 50 cm fue firmada y marcada como AP, lo que indica que no se encuentra dentro de la tirada numerada estándar. Las pruebas de artista son especialmente importantes en el grabado, ya que reflejan las primeras impresiones tomadas para la revisión del artista, lo que las hace especialmente atractivas para los coleccionistas que buscan obras con una conexión directa con el proceso creativo. Estilo visual y personajes icónicos Esta lámina presenta a los personajes de Saraiva, fácilmente reconocibles, bailando sobre la página con un suave trazo rosa. Sus amplias sonrisas, ojos tachados y movimientos sueltos y jubilosos expresan el espíritu despreocupado y coqueto que ha definido a su personaje emblemático, el Sr. A, desde sus primeras apariciones en grafitis en París durante la década de 1990. La figura, con sombrero de copa, acompañada de una pareja de cabello suelto, refuerza la narrativa lúdica de vida nocturna, celebración y espontaneidad romántica. Estrellas, corazones y líneas en movimiento dispersos dinamizan la composición, dotando a la lámina de un ritmo vibrante que recuerda a los orígenes callejeros de Saraiva, donde las líneas rápidas y expresivas transmitían alegría en los espacios públicos. Château Marmont y la conexión cultural Con el icónico membrete del Château Marmont en la parte superior, la impresión entrelaza la mitología hollywoodense con la cultura parisina del grafiti. Ubicado en Sunset Boulevard, Los Ángeles, el Château Marmont ha sido durante mucho tiempo un santuario para actores, escritores, músicos y artistas desde su apertura en 1929. Su rica historia de creatividad y desenfreno lo convierte en el escenario perfecto para los exuberantes personajes de Saraiva. La inscripción "París" manuscrita en la parte inferior sirve de puente entre dos capitales creativas —una impregnada del glamour cinematográfico estadounidense y la otra de la cultura callejera europea—, lo que enfatiza la identidad artística global de Saraiva. La influencia de André Saraiva en el arte pop callejero contemporáneo Nacido en Suecia en 1971 y criado en París, André Saraiva emergió de la escena del grafiti de la ciudad como una de sus voces más destacadas. Su personaje, Mr. A, se convirtió en un símbolo de la alegría de vivir que impregna su obra, expandiéndose posteriormente a galerías, proyectos editoriales, murales y colaboraciones de lujo. El Chateau Paris Pink AP ejemplifica su capacidad para fusionar la elegancia con la espontaneidad, llevando la energía desenfadada del grafiti a contextos refinados de bellas artes mediante una meticulosa técnica de impresión tipográfica. Esta Prueba de Artista es un vibrante testimonio del enfoque lúdico de Saraiva y su duradera influencia en el arte pop callejero y el grafiti, celebrando tanto la intimidad de las líneas dibujadas a mano como la interacción cultural entre París y Hollywood.

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La Signora Capo HPM Edición Limitada Serigrafía HPM con detalles pintados a mano sobre papel de bellas artes con bordes irregulares, por Dain, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 28 ejemplares firmados (2022) - 24 x 36 pulgadas - Cada pieza es una serigrafía a un color sobre papel artístico de 24 x 36 pulgadas con bordes irregulares. Las impresiones están profusamente intervenidas a mano por el artista, lo que hace que cada una sea única. Estas impresiones son extremadamente limitadas, pertenecientes a una edición de 28 ejemplares. DAIN, uno de los artistas callejeros más influyentes surgidos en Nueva York, combina el lenguaje visual del grafiti con collages de antiguos retratos de estrellas de Hollywood. Cruzando géneros y trabajando a menudo en una misma obra, alternando entre la calle y el estudio, DAIN combina técnicas como el engrudo, la serigrafía, la pintura en aerosol, el collage y el acrílico.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada BE@RBRICK rosa 400% del 28.º aniversario de A Bathing Ape - A Bathing Ape x Medicom #3 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Nuevo en caja

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Impresión de archivo Hush-Hush de Giorgiko, edición limitada en papel de algodón de bellas artes. Arte callejero pop graffiti, artista, obra de arte moderna. Edición limitada de 2023, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 30 x 36 pulgadas. Impresión artística de pigmentos de archivo. Representa a un niño o niña sosteniendo una galleta. El tamaño de la imagen es de 27 x 33 pulgadas con bordes blancos de 1 1/2 pulgadas. Impresa con medios estáticos. Hush-Hush de Giorgiko – Impresión de archivo de edición limitada en arte pop callejero y graffiti Hush-Hush es una impresión de pigmento de archivo de 2023 del dúo de artistas Giorgiko, impresa por Static Medium en papel de algodón para bellas artes. Con unas dimensiones de 76 x 91 cm (30 x 36 pulgadas), un área de imagen de 69 x 84 cm (27 x 33 pulgadas) rodeada por bordes blancos de 4 cm (1,5 pulgadas), esta obra encarna la característica mezcla de inocencia, introspección y contradicción simbólica de Giorgiko. En esta edición limitada, un personaje de género neutro —caracterizado por los clásicos ojos ovalados y sin expresión y los rasgos faciales suaves y redondeados propios de las figuras recurrentes de Giorgiko— aparece sosteniendo una galleta, luciendo un cuello renacentista con volantes y un gorro oscuro, de pie contra un cielo onírico y nublado. La luz suave y brillante, junto con texturas de alta fidelidad, otorga al personaje una presencia casi mítica, mientras que el humor absurdo de la galleta ancla la imagen en una fantasía moderna. Yuxtaposición visual y quietud emocional Hush-Hush fusiona la contradicción visual con la sutileza narrativa. El cuello renacentista y la chaqueta acolchada evocan formalidad histórica y grandeza ceremonial, mientras que la gorra de béisbol y la galleta con chispas de chocolate contrarrestan esta formalidad con una discreta absurdidad. El contraste crea una tensión entre tradición y jovialidad, alta cultura y cultura juvenil. La expresión del personaje, a pesar de carecer de rasgos definidos, sugiere vacilación o contemplación. El enfoque de Giorgiko para narrar emociones no se basa en gestos explícitos, sino en la postura, la silueta y el contexto. La figura parece en pausa, a medio pensamiento, suspendida entre la indulgencia y la contención. Esta ambigüedad crea un espacio emocional en el que el espectador puede insertar su propia reflexión, convirtiendo la obra tanto en una pieza narrativa interna como en una obra de ejecución estética. Técnica y simbolismo en el arte pop callejero contemporáneo La obra Hush-Hush de Giorgiko está impresa con pigmentos de archivo sobre papel de algodón de alta calidad, lo que proporciona transiciones tonales vívidas y texturas pictóricas que resaltan la técnica híbrida del estudio. Si bien Giorgiko suele inspirarse en la pintura al óleo clásica, sus composiciones se nutren de la estética urbana y el grafiti, empleando el minimalismo y la estilización caricaturesca para generar una resonancia emocional universal. El cuello extragrande alude a las tradiciones del retrato de la historia del arte occidental, mientras que la gorra y las texturas modernas de la moda urbana vinculan la figura con la identidad cultural contemporánea. La galleta, humorística e inofensiva, se convierte en un símbolo de sencillez y autoconsuelo, una silenciosa rebelión contra el peso del mundo. Mediante esta intersección entre la reverencia clásica y el absurdo cotidiano, Hush-Hush amplía el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti para abarcar la quietud, la contradicción y la contención narrativa. La voz única de Giorgiko en la obra figurativa moderna Como proyecto colaborativo entre Darren y Trisha Inouye, Giorgiko continúa creando un espacio narrativo singular donde convergen arquetipos, silencio emocional y poesía visual. Hush-Hush ejemplifica su capacidad para capturar un instante y elevarlo a la categoría de arquetipo de la experiencia emocional moderna. En lugar de recurrir a la protesta explícita o al caos visual, el dúo utiliza la suavidad, la ambigüedad y una calma surrealista para explorar la identidad, el distanciamiento y el humor sutil inherente a las contradicciones de la vida. Dentro del ámbito más amplio del arte pop urbano y el grafiti, la obra de Giorgiko destaca por su construcción de mundos sutil pero inmersiva, que invita a los espectadores a detenerse, reflexionar y encontrar conexión en la quietud de una galleta sostenida en silencio contra una tormenta de colores pastel.

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Jardines Colgantes HPM Plantilla Pintura en Aerosol Acuarela por Miss Bugs Pintura Única Pintada a Mano Técnica Mixta sobre Papel Tejida de Bellas Artes Artista Callejero Graffiti Arte Pop Moderno. 2017 Firmada, fechada y numerada. Edición mixta única de 5 HPM. Obra de arte de técnica mixta intervenida a mano con tinta, lápiz, pintura en aerosol y acuarela. Tamaño 20,38 x 35,38. Ligeros pliegues alrededor de los bordes de la capa superior recortada. La complejidad en capas de "Jardines Colgantes" de Miss Bugs Miss "Bugs", una artista callejera de graffiti reconocida por su singular fusión de la sensibilidad del arte pop moderno, causó un gran impacto en el mundo del arte con la serie "Jardines Colgantes" en 2017. Esta colección, limitada a una edición mixta de tan solo cinco piezas, exhibe la intrincada y meticulosa artesanía que Miss Bugs plasma en el lienzo, o en este caso, en el fino papel artístico verjurado. Cada pieza de la serie "Jardines Colgantes" es un testimonio del compromiso de la artista por expandir los límites del arte pop callejero y el graffiti. Las obras de "Jardines Colgantes" exploran la textura y la forma, utilizando una variedad de técnicas como plantillas, pintura en aerosol, tinta intervenida a mano, lápiz y pintura Bugs'rcolor. Las dimensiones de cada obra, 20.38 x 35.38 pulgadas, proporcionan un amplio lienzo para que Miss Bugs se adentre en una compleja narrativa contada a través del lenguaje del arte visual. Estas pinturas únicas, realizadas a mano, son una sinfonía de técnicas mixtas, donde cada capa contribuye al impacto general de la obra. La serie se caracteriza por la estética distintiva de Miss Bugs, donde los elementos abstractos se fusionan con la figuración para crear algo a la vez familiar y de otro mundo. Técnicas distintivas en las obras de arte de "MissBugs" Cada pintura de la colección "Jardines Colgantes" es una expresión única de la visión de Miss Bugs, que utiliza una combinación de técnicas de estarcido para lograr precisión y libertad, así como fluidez y gracia. El trabajo con estarcido proporciona piezas estructurales nítidas y definidas, mientras que la pintura en aerosol añade vitalidad y un toque urbano. Los elementos de acuarela introducen suavidad y profundidad, difuminando las fronteras entre el crudo mundo del grafiti y el ámbito más delicado de la pintura a la acuarela. Esta interacción de medios es un sello distintivo del estilo de Miss Bugs y permite un rico diálogo entre los diferentes elementos del arte urbano y las bellas artes. En la serie "Jardines Colgantes", se observa un tema recurrente de yuxtaposición, un rasgo distintivo del enfoque artístico de Miss Bugs. La serie presenta un lenguaje visual que habla de la dualidad de la naturaleza humana y del mundo multifacético que habitamos. Al combinar elementos dispares en cada pieza, Miss Bugs invita al espectador a encontrar coherencia y significado dentro del caos. El uso de colores brillantes y propios del arte pop sobre tonos más apagados, y los intrincados patrones de esténcil sobre las fluidas acuarelas, crean un Bugs'on dinámico que invita a la reflexión y resulta estéticamente agradable. Una edición limitada de la obra de la señorita Bugs La exclusividad de la serie "Jardines Colgantes", con su edición limitada de cinco ejemplares, aumenta el atractivo de las obras. Cada pieza está firmada, fechada y numerada por la artista, estableciendo un vínculo directo entre la artista y el coleccionista. Los detalles pintados a mano en cada obra garantizan que, si bien la serie puede interpretarse como un tema colectivo, cada pieza se erige como una obra de arte única. Los coleccionistas de la obra de Miss Bugs adquieren una pieza de arte pop urbano y un fragmento de la narrativa personal de la artista, ya que cada pincelada, elección de color y elemento compositivo es un acto deliberado de creación. La serie "Jardines Colgantes" de Miss Bugs es una brillante muestra de la habilidad de la artista para desenvolverse en los ámbitos del arte pop urbano y el grafiti, creando piezas visualmente impactantes y ricas en significado. La serie constituye una audaz declaración sobre la versatilidad y profundidad que puede alcanzar el arte urbano, trascendiendo sus raíces para convertirse en una forma sofisticada y codiciada de arte pop moderno. A través de "Jardines Colgantes", Miss Bugs invita a los espectadores a experimentar un mundo donde la belleza del mundo natural se encuentra con la crudeza de la vida urbana, al tiempo que desafía las nociones convencionales de lo que puede ser el arte del grafiti.

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Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte Falkor y Atreyu en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Veronica Fish.

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Tren 6. Obra original en acrílico sobre maqueta de tren a escala HO: escultura de vagón de carga, realizada por el artista callejero de graffiti y artista pop moderno LushSux. Grafiti/pintura throw-up original firmada en 2014 sobre maqueta de tren HO. Tamaño de la obra: 14x3. Lush es un modelo masculino y, a veces, un grafitero de renombre internacional. Analizando "Train 6" de LushSux: Un mundo en miniatura del arte del grafiti «Tren 6» es una pieza fascinante dentro de la colección del artista callejero LushSux, conocido por su enfoque directo y a menudo provocador del arte pop moderno. Esta obra en particular es una pieza original de 2014, que presenta un vibrante grafiti aplicado a un vagón de tren a escala HO. La pieza mide 35,5 x 7,5 cm, lo que exige una meticulosa atención al detalle y una mano firme para mantener la integridad del estilo del grafiti en una escala tan pequeña. Esta obra es un ejemplo característico del arte pop callejero, un género que fusiona la estética cruda y enérgica del arte urbano con el atractivo de la cultura de masas del arte pop. El enfoque innovador de LushSux hacia el arte callejero en trenes a escala LushSux, artista australiano cuya obra ha sido tanto elogiada como criticada, se desenvuelve en la escena global del arte urbano, dando visibilidad a su trabajo y generando a menudo debate. Su elección de utilizar un tren a escala como lienzo para "Train 6" es emblemática de su enfoque innovador del arte urbano, ya que encapsula la esencia del grafiti en una forma tradicionalmente asociada con la precisión y la nostalgia, en lugar de la naturaleza subversiva del arte urbano. La obra exhibe el estilo dinámico de LushSux, caracterizado por líneas audaces y colores llamativos, que captan la atención a pesar del reducido tamaño del lienzo. Mediante este medio, LushSux desafía la percepción del espectador sobre dónde puede existir el arte urbano, sugiriendo que cualquier objeto puede convertirse en un vehículo para la expresión artística. La importancia cultural y artística de "Tren 6" «Train 6» es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que tiende un puente entre el mundo underground del arte urbano y el hobby más convencional del coleccionismo de trenes a escala. La firma de LushSux en el tren a escala traslada un elemento de la calle a un contexto diferente, invitando a los espectadores a reconsiderar los límites entre el arte pop urbano y el grafiti. Al firmar la obra, LushSux afirma su autenticidad y valor, posicionándola como un objeto de colección tanto en el mundo del arte como en la subcultura de los aficionados a los trenes a escala. La pintura representa una confluencia de subculturas, y sirve como testimonio de la versatilidad y el amplio alcance del arte urbano. A través de obras como «Train 6», LushSux continúa provocando, entreteniendo y elevando el estatus del arte urbano en la escena artística contemporánea.

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Compañero - Blush Edición Limitada Juguete de Vinilo Coleccionable Obra de Arte del Artista Pop Moderno Kaws. Edición limitada sin abrir de 2016. Medidas: 10,5 x 4,5 x 2,5 pulgadas / 16,7 x 11,4 x 6,4 cm. El rubor Companion de KAWS: Un símbolo del arte pop callejero moderno y del grafiti En el vibrante panorama del arte pop moderno, KAWS destaca como un artista que fusiona a la perfección el diseño comercial con las bellas artes. Su serie Companion, especialmente la figura coleccionable de vinilo "Companion-Blush Limited Edition", se ha convertido en un referente cultural dentro del arte pop urbano y el grafiti. La Companion-Blush, con su color distintivo y el clásico motivo de KAWS, se lanzó en 2016 como una edición limitada abierta, plasmando el icónico diseño del artista en una forma tangible. Al igual que sus predecesoras, esta pieza mide 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, logrando un equilibrio perfecto entre ser llamativa y lo suficientemente compacta para exhibirla personalmente. Cada figura de esta serie mide 27,9 cm de alto, permitiendo apreciar los detalles sin sobrecargar el espacio. El empaque sin abrir de la edición Companion-Blush garantiza su perfecto estado, preservando la integridad de la obra y la emoción de su primer descubrimiento por parte de un coleccionista. Relevancia y recepción de Companion-Blush de KAWS en círculos artísticos El Companion-Blush es más que un objeto de colección; es una pieza narrativa que ha evolucionado desde las raíces del grafiti de KAWS hasta convertirse en un ícono del movimiento del arte pop urbano. Con sus ojos tachados y rasgos abstractos, el personaje transmite la profundidad emocional y el mensaje característicos del grafiti. Su lanzamiento a través de canales de renombre como KAWSONE, el MoMA y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth subraya la difuminación de las fronteras entre la cultura popular y la subcultura, una prueba del atractivo universal del Companion. La coincidencia de este lanzamiento con la exposición de KAWS "Where The End Starts" fue crucial, marcando un período de gran demanda e intenso interés por su obra. La decisión de lanzar una serie de seis Companions diferentes, incluyendo versiones de cuerpo entero y desolladas, atrajo a un público amplio, desde conocedores del arte hasta entusiastas de la cultura pop, consolidando aún más el estatus del Companion en el mundo del arte. El impacto del colorete Companion de KAWS en la evolución del arte callejero La Companion-Blush ejemplifica la evolución del arte urbano hacia una forma refinada, celebrada por su valor artístico y su significado cultural. A través de su serie Companion, KAWS ha desafiado las nociones tradicionales del grafiti, transformándolo en una pieza de colección muy codiciada. Con su vibrante tonalidad y su meticuloso diseño, la Companion-Blush es un símbolo del poder transformador del arte pop urbano, que demuestra cómo la energía cruda del arte urbano puede encapsularse en una forma que conecta con un público más amplio. Esta pieza de colección es parte de la trayectoria artística de KAWS y un fragmento de la narrativa más amplia de la integración del arte urbano en el mercado global del arte. Simboliza el momento en que el arte inspirado en la calle comenzó a captar la atención y el respeto que antes se reservaban a las formas de arte más convencionales. Por lo tanto, la Companion-Blush no es solo un objeto de arte; es un artefacto cultural que representa el panorama dinámico y en constante evolución del arte pop urbano y el grafiti modernos.

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Chomp- Fase 1 AP Prueba de Artista Edición Limitada Escultura de Juguete de Arte en Vinilo Obra de Arte Coleccionable del Artista Moderno Sket- Uno x Abominable Toys. Prueba de Artista AP 2022. Caja/Figura firmada y numerada. Edición limitada de 100 AP. Tamaño de la obra: 6x5. Nueva en caja. Incluye base AP personalizada hecha a mano. «Tras utilizar más de 30 plantillas de pintura para su producción y años de desarrollo, esta es la figura más compleja que hemos creado hasta la fecha.» -Abominable Toys

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Compre On the Shoulders of Tiny Giants I Impresiones de bellas artes con pigmentos de archivo de edición limitada en lienzo del artista de graffiti Street Art y cultura pop Dave Pollot. Impresión de lienzo de 40": -Edición de 25, firmada y numerada -40" en el lado largo -Impreso en lienzo de pH neutro de 17 mil. 2" de margen blanco alrededor de la imagen

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Figura de colección What Party - Edición limitada en vinilo negro, escultura coleccionable de arte del legendario artista moderno Kaws. Edición abierta COVID de 2020 (agotada). Tamaño: 5,1 x 11,3 x 3,7 pulgadas. Nueva en caja. Impresa a pie. Black Chum se pregunta qué pasó con las fiestas en 2020. La figura «What Party» en negro emerge como un símbolo conmovedor en la obra de Kaws, el influyente artista moderno cuyas obras han difuminado continuamente los límites entre el arte comercial y el arte contemporáneo. Esta escultura de vinilo de edición limitada mide 13 x 28,7 x 9,4 cm, un tamaño íntimo pero a la vez sustancial, que le permite destacar en cualquier colección. Lanzada en 2020, año marcado mundialmente por la pandemia de COVID-19, esta pieza coleccionable adquiere mayor resonancia, ya que su título, «What Party», evoca el aislamiento de ese año y la repentina ausencia de reuniones y celebraciones comunitarias. Elaborada en un negro brillante, la figura es inmediatamente reconocible como una creación de Kaws, con sus característicos ojos tachados y manos exageradas, elementos que se han convertido en sinónimo del singular lenguaje visual del artista. El juguete no es simplemente un objeto lúdico; es una obra de arte legítima e impactante que reflexiona sobre la condición humana. Su vibrante color puede interpretarse como un faro de esperanza o una llamada de atención, invitando a la reflexión sobre los cambios que afrontó nuestra sociedad, especialmente durante la abrupta pausa mundial. Cada escultura se entrega nueva en su caja original, lo que garantiza que nunca ha sido exhibida ni manipulada. La base impresa de la figura asegura su autenticidad, un aspecto esencial para coleccionistas y admiradores de la obra de Kaws. Aunque esta pieza se catalogó como edición abierta, su disponibilidad se redujo drásticamente debido a la alta demanda, y rápidamente se agotó, convirtiéndose en una pieza de colección muy codiciada. La figura «What Party» no solo es un testimonio de la perdurable influencia de Kaws en la intersección del arte pop, el arte urbano y el grafiti, sino también un comentario cultural plasmado en vinilo. Captura la esencia de un momento histórico único, simbolizando el anhelo colectivo de conexión en tiempos de convulsión global y el poder perdurable del arte para reflejar y resonar con el espíritu de la época.

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Ojos de Medusa Negro 1 Litografía de Takashi Murakami TM/KK Impresión hecha a mano en papel de bellas artes tejido Edición limitada Arte callejero pop estilo graffiti. Edición limitada de 300 ejemplares, firmada y numerada, del año 2004. Tamaño de la obra: 19,75 x 19,75 pulgadas. Ojos de Medusa Negros 1 de Takashi Murakami – Un ícono psicodélico del arte pop callejero y el grafiti Jellyfish Eyes Black 1 es una litografía de edición limitada, firmada y numerada, del año 2004, del renombrado artista contemporáneo japonés Takashi Murakami. Sus dimensiones son 50,2 x 50,2 cm (19,75 x 19,75 pulgadas). Con una tirada de 300 ejemplares, la obra presenta un conjunto de ojos estilizados flotantes con apéndices similares a medusas, que revolotean sobre un fondo negro de colores vibrantes y pulsantes. Las esferas concéntricas y las pestañas caprichosas conforman una composición enigmática, a la vez lúdica y surrealista, que sumerge al espectador en el universo visual de Murakami. Esta obra ejemplifica la habilidad de Murakami para fusionar la estética tradicional japonesa con la cultura pop global, inyectando una iconografía de alta energía en el ámbito del arte urbano pop y el grafiti. El formalismo neopop se encuentra con el lenguaje visual subcultural El diseño hipnótico de Jellyfish Eyes Black 1 muestra la profunda conexión de Murakami con la repetición visual y el surrealismo pop. Cada ojo irradia bandas concéntricas de rosa neón, azul eléctrico, verde ácido y dorado: colores más propios de la animación comercial, el diseño de juguetes y los murales de grafiti que de la litografía tradicional. El fondo negro intensifica la sensación de flotación de estas formas biomórficas, transformando el espacio en un campo onírico de conciencia suspendida. Las raíces de Murakami en la pintura Nihonga y las composiciones del período Edo se evidencian en la fluidez y el equilibrio de la disposición, mientras que la paleta sintética y la suavidad digital abrazan la intensidad comercial de la iconografía pop. En Street Pop Art & Graffiti Artwork, esta fusión de orden clásico con forma radical reafirma la posición de Murakami como historiador y provocador. Ojos, vigilancia y la psique otaku Los ojos que pueblan Jellyfish Eyes Black 1 no son pasivos. Devuelven la mirada con una presencia inquietante, creando una tensión dinámica entre observador y observado. El motivo refleja la frecuente exploración de Murakami sobre la cultura otaku, el capitalismo de vigilancia y la mirada consumista. Estos ojos son juguetones, incluso tiernos, pero también obsesivos, invasivos y vigilantes. Algunos parecen inocentes; otros se contraen con pupilas concéntricas superpuestas y satélites similares a pupilas. Esta multiplicidad refleja la fragmentación de la identidad en la vida digital y urbana. Como se observa en el ámbito más amplio del arte pop urbano y el grafiti, estos ojos funcionan como símbolos pop: iconos que entretienen, perturban e invitan a una observación más profunda. Takashi Murakami y el legado del Superflat en el arte callejero La influencia de Takashi Murakami tanto en las bellas artes como en la cultura urbana es innegable. A través de su teoría Superflat, desarrolló un marco para difuminar las fronteras entre lo culto y lo popular, lo antiguo y lo hipermoderno, la pintura tradicional y la inmediatez visual inspirada en el grafiti. Jellyfish Eyes Black 1 se inscribe en esta tradición como una obra coleccionable, cultural y subversivamente simple. Su formato litográfico evoca la historia de la impresión de edición limitada, mientras que su estética se mantiene arraigada en el lenguaje saturado de los medios de comunicación y la cultura juvenil. A medida que el arte pop urbano y el grafiti continúan evolucionando globalmente, la obra de Murakami ofrece una perspectiva sobre cómo los códigos visuales japoneses, los motivos del anime y los tratamientos psicodélicos de las superficies pueden coexistir con la expresividad cruda de las formas de arte nacidas en la calle. Jellyfish Eyes Black 1 no requiere interpretación; simplemente te devuelve la mirada, brillando en la oscuridad, invitándote a sentir.

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Hard: Holy Ship 4 - Póster de edición limitada del evento musical Holy Ship 2015. Impresión serigráfica de 3 colores realizada a mano sobre papel de bellas artes por Max Goldman para el festival de música Holy Ship 2015. Desde su creación, MFG- Matt Goldman Creative diseñó la identidad visual y el arte de HARD Fest y todos sus eventos derivados, incluyendo Holy Ship. Por fin hemos encontrado la colección completa de pósteres que hicimos juntos antes de que Gary Richards dejara Live Nation y me llevara con él. Un viaje al pasado: es divertido ver cómo los nombres de los DJs competían por el primer puesto a lo largo de los años y también recordar lo pionero que fue HARD en la promoción de las carreras de algunos de los DJs más importantes de hoy. 45,7 x 61 cm • Impresión offset a color directo • Verde fluorescente, rosa fluorescente, amarillo fluorescente, negro • Papel blanco brillante de archivo • Edición limitada de 500 ejemplares • Lanzado en 2015 Grupos de música electrónica: Knife Party, Pretty Lights, Flume, Boys Noize, A-Trak, RL Grime, Laidback Luke, Maya Jane Coles, Duke Dumont, Annie Mac, Armand Van Helden, Rudimental, What So Not, Clockwork, Busy P, Griz, Justin Martin, Destructo, Alex Metric, Dusky, Odesza, Oliver, Rustie, Henry Fong, Gorgon City, Cyril Hahn, Salva, Jimmy Edgar, Congorock, Craze, Branchez, Spank Rock, DJ Sliink, Shiba San, Sharam Jey, Snakehips, DJ Falcon, Kidnap Kid, Hannah Wants, Motez, Teki Latex, Gina Turner, Wax Motif, Ape Drums, Tommy Kruise, Doorly, Djedjotronic, Vanilla Ace , Cory Enemy , Yogi , T. Williams

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Gnomo Quemado por el Sol GID Edición Limitada Juguete de Arte Coleccionable de Vinilo Obra de Arte del Artista de la Cultura Pop Ron English- POPaganda. 2015 Nuevo en caja Brilla en la oscuridad Ron English - Gnomo Artista POPaganda Edición Quemado por el Sol. Hacía tanto calor en San Diego cuando lanzamos esta pequeña figura que no es de extrañar que este gnomo artista tenga la piel quemada. Pero espera... ¿qué más le habrá hecho el sol? Parece que sus ojos, pelo y pintura ahora brillan en la oscuridad. ¡Un poco de sol hace maravillas! Mide aproximadamente 10 cm de alto. Vinilo. Brilla en la oscuridad.

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Psychedelic Andre - Endless Summer Obey Giant Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secador Perforado por Shepard Fairey X John Van Hamersveld arte de arte de la cultura pop y el LSD. «Creé esta imagen por primera vez en 1967, y el póster salió en 1968. Un día me senté y empecé este dibujo, a mi estilo. Había sido director de arte en Capitol Records y no había dibujado mucho. Era una etapa completamente nueva para mí. Pero era una oportunidad para poner a prueba mi dibujo, plasmarlo en un póster y publicarlo. El resultado fue fantástico. Fue un éxito rotundo. Había anuncios por todas partes y a la gente le encantó el póster. Se convirtió en un icono de inmediato, como el póster de "The Endless Summer"». - John Van Hamersveld Me convertí en fan de Hendrix después de dejar atrás mi etapa de ortodoxia punk rock. Terminé sintiendo una fuerte atracción por la imagen de John porque tenía ese guiño a la psicodelia, sin caer en la exageración de los detalles barrocos, lo que la convirtió en un ícono. Esta imagen de Hendrix en sí misma —junto con otras influencias, como Barbara Kruger y el constructivismo ruso— fue fundamental en mi forma de crear obras que destacaran entre la multitud y mantuvieran un estilo reconocible. Cuando solo hacía variaciones de la imagen de Andre sobre diferentes fondos, me inspiraba mucho en el arte psicodélico, pero la pieza de John me motivó a crear algo que se alejara de la imagen original de Andre. Así que el Pinnacle Hendrix de John fue una especie de puerta de entrada a la evolución de todo mi proyecto de Andre The Giant. No puedo exagerar la importancia que esta imagen tuvo para mí. - Shepard Fairey

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Beautiful Dreamer 3 Edición Limitada Serigrafía de 2 Colores Tirada a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Aelhra Artista Callejera de Graffiti Arte Pop Moderno. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2010. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas.

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Impresión fotográfica giclée de edición limitada de la obra de arte "Mutant Mural" en papel fotográfico del artista de graffiti de la cultura pop Buff Monster. Edición firmada de 2021 de 90 ejemplares. Impresa en papel fotográfico de excelente calidad, 16 x 16 pulgadas (con un borde de 1 pulgada; tamaño final 18 x 18 pulgadas), firmada y numerada. "La semana pasada, en un día inusualmente cálido, pinté un mural del NFT del Mono Mutante que compré recientemente. La respuesta en redes sociales ha sido una locura; mucho más de lo que esperaba. ¡Sigamos con este experimento de llevar un archivo digital al mundo físico con la primera impresión que he publicado de un mural! Tomé una foto súper detallada con mi cámara digital de formato medio, la retoqué y preparé una imagen muy buena del mural." -Buff Monster

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