🔥 Venta de arte callejero y graffiti pop art: descuentos por tiempo limitado en obras maestras urbanas

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  • Venta -10% Happy Helmet Blotter Paper Archival Print by Ben Frost

    Ben Frost Impresión de archivo de papel secante Happy Helmet por Ben Frost

    Papel secante Happy Helmet, edición limitada, impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado, obra de Ben Frost, arte pop y LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado. Actualmente expone tanto a nivel local como internacional, y su obra se ha presentado en numerosas exposiciones en Estados Unidos, Europa y Asia. Una de las primeras características que se aprecian en el arte de Frost son los medios y técnicas poco convencionales, desde el lienzo cuadrado tradicional hasta cajas de cartón, y desde la pintura acrílica hasta el aerosol. No es casualidad que gran parte de su obra consista en imágenes apropiadas de animaciones, como Los Simpson, Looney Tunes, Los Pitufos, Winnie the Pooh, etc., que se insertan en un nuevo contexto artístico sin perder sus connotaciones originales.

    $572.00 $515.00

  • Venta -10% Flower Power Blue AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY Serigrafía Flower Power Blue AP de Shepard Fairey - OBEY

    Flower Power Blue AP Serigrafía de Shepard Fairey - OBEY Prueba de Artista Serigrafía hecha a mano sobre papel Speckletone Fine Art Edición Limitada Obra de Arte Pop Street. Prueba de artista AP 2021 Firmada y marcada AP Edición limitada original Tamaño de la obra 18x24 Impresión serigráfica de flor de loto azul y líneas de energía eléctrica. Estas láminas de Flower Power simbolizan un llamado a la acción conjunta para abandonar los combustibles fósiles y adoptar fuentes de energía sostenibles. La vida, tal como la conocemos en la Tierra, dependerá de que esta transición se concrete con el apoyo de la ciudadanía, los gobiernos y las empresas. Si desean un análisis profundo de la gravedad de la crisis climática y la urgencia de abandonar los combustibles fósiles, les recomiendo leer «Esto lo cambia todo» de Naomi Klein. Las ganancias de estas láminas se destinarán a 350.org para apoyar su labor en la lucha contra la emergencia climática. Gracias por su apoyo. -Shepard Fairey Shepard Fairey, creador de la icónica estética OBEY, vuelve a plasmar su inconfundible fusión de arte urbano y pop en la serigrafía "Flower Power Blue AP". Emblema del movimiento contracultural, la obra de Fairey presenta una impactante yuxtaposición de la serena flor de loto azul sobre el fondo industrial de las líneas eléctricas. Impresa en papel Speckletone Fine Art, esta serigrafía artesanal no solo demuestra la meticulosa maestría del artista, sino que también transmite un mensaje conmovedor y oportuno. La serie "Flower Power", a la que pertenece esta obra, se erige como un llamado urgente a la humanidad para que abandone los combustibles fósiles, perjudiciales para el medio ambiente, y adopte fuentes de energía más sostenibles. Esta transición, como sugiere Fairey, no es solo una cuestión de viabilidad tecnológica o económica; es un imperativo para la continuidad de la vida tal como la conocemos. La referencia a «Esto lo cambia todo» de Naomi Klein subraya la gravedad de la inminente crisis climática, ofreciendo a los lectores un análisis exhaustivo de nuestra actual situación ecológica y la urgencia con la que debemos actuar. Más allá de su atractivo estético y su comentario sociopolítico, la obra demuestra el compromiso de Fairey con la defensa del medio ambiente. Los beneficios de la venta de estas láminas se destinan a 350.org, una organización a la vanguardia del movimiento global contra el cambio climático. Estas iniciativas son emblemáticas del enfoque artístico de Fairey: un enfoque que no solo es visualmente estimulante, sino que también está profundamente arraigado en el activismo y en el llamado a la acción colectiva. A través de esta obra maestra, Shepard Fairey reitera una vez más el poder del arte para generar debates, impulsar el cambio y fomentar una comunidad global más consciente.

    $840.00 $756.00

  • Venta -10% But Wonder... HPM Mixed Media Wood Print by Marly Mcfly

    Marly Mcfly Pero me pregunto... HPM Mixed Media Wood Print de Marly Mcfly

    Pero Wonder... Edición limitada HPM acrílica, pintura en aerosol y tinta sobre panel de madera, intervenida a mano por la artista urbana Marly Mcfly Pop Art. Edición limitada de 9 obras de arte HPM firmadas y numeradas de 2021, con detalles pintados a mano. Tamaño de la obra: 11 x 14 pulgadas, en bastidor de madera listo para colgar. Soy una artista autodidacta de Newport News, Virginia. Desde niña me dediqué al arte, dibujando de todo: caricaturas, cómics, figuras de acción y atletas. Mis pensamientos y experiencias se plasman en capas de colores vivos y llamativos, junto con patrones que evocan recuerdos de mi infancia, y que utilizo para expresarme. Considero mi arte una mezcla de arte pop y arte urbano. - Marly McFly La expresión artística de Marly McFly en "Pero me pregunto..." La obra de edición limitada "But Wonder..." de Marly Mcfly es un vibrante testimonio de la perfecta fusión entre el arte pop urbano y el grafiti. Artista autodidacta de Newport News, Virginia, Marly Mcfly ha cultivado un estilo distintivo que resuena en esta obra HPM (Hand-Paint Multiple) pintada a mano, realizada con acrílico, aerosol y tinta sobre un panel de madera. Esta edición limitada de nueve ejemplares, firmada y numerada, creada en 2021, refleja claramente la dedicación del artista a fusionar la cultura pop con la fuerza expresiva y cruda del arte urbano. Cada obra de 28 x 35,5 cm (11 x 14 pulgadas) de esta serie es una pieza de madera lista para colgar, que plasma la trayectoria de Mcfly y la evolución de su voz artística. La historia del artista comienza con su pasión infantil por el dibujo, un idilio con las líneas audaces y los colores brillantes de los dibujos animados, los cómics, las figuras de acción y los atletas. Estas primeras influencias son evidentes en "But Wonder...", donde McFly plasma sus pensamientos y experiencias internas a través de capas de colores y patrones brillantes y llamativos, un sello distintivo de su enfoque artístico. Integración de la infancia y la cultura pop La obra de Marly McFly se caracteriza por una profunda integración de imágenes de la infancia y referencias a la cultura pop, creando un diálogo que trasciende el panel de madera. Al incorporar elementos que evocan una memoria colectiva, su arte va más allá de la expresión personal para conectar con una nostalgia compartida. Las imágenes de la infancia de McFly no son meras ilustraciones, sino que se utilizan para transmitir emociones y comentarios complejos, posicionando sus piezas como narrativas orales y universales. «But Wonder...» juega explícitamente con la percepción del espectador, con los puntos de semitono y el texto en negrita que invitan a una mirada más atenta para desentrañar la historia. El trabajo artesanal en cada pieza de edición limitada añade una capa de individualidad, asegurando que, si bien cada pieza forma parte de una serie, se erige como una obra de arte única. La combinación de acrílico, pintura en aerosol y tinta permite una rica textura y profundidad, una experiencia sensorial que recuerda la naturaleza táctil del grafiti. A través de su arte, Marly McFly contribuye al debate actual sobre qué constituye el arte pop urbano. Sus creaciones celebran la capacidad del género para comunicar ideas complejas mediante imágenes accesibles, difuminando las fronteras entre el arte elevado y la cultura popular. La serie «Pero ¿te preguntas...?» es testimonio del compromiso del artista con su oficio y de su habilidad para crear obras que invitan a la reflexión y resultan visualmente atractivas.

    $565.00 $509.00

  • Venta -10% Otto Dino Art Toy by Max Elbo

    Max Elbo Juguete artístico Otto Dino de Max Elbo

    Otto Dino Edición Limitada Juguete de Vinilo Coleccionable Obra de Arte del Artista de la Cultura Pop Moderna Max Elbo x GZ1. Edición limitada de 250 unidades, numeradas a mano (2022). Esta figura de vinilo de 25 cm es una colaboración entre los artistas GZ1 y ELBO. Limitada a 250 piezas, "Otto Dino" es el tercer personaje de la colección colaborativa GZ1 x ELBO. Cada caja está numerada a mano por el artista. La fusión creativa de Max Elbo y GZ1 en el juguete de vinilo Otto Dino "Otto Dino", una figura de vinilo de edición limitada, representa una colaboración única entre el artista pop contemporáneo Max Elbo y GZ1, que fusiona el arte urbano pop y el grafiti con el diseño coleccionable. Lanzada en 2022, esta pieza de arte de 25 cm encapsula la esencia de la accesibilidad del arte urbano y el atractivo masivo del arte pop en el mundo del coleccionismo contemporáneo. Limitada a 250 unidades, "Otto Dino" es la tercera figura destacada de la colección colaborativa GZ1 x ELBO, y cada unidad está numerada a mano por los propios artistas. Los colores vibrantes y el diseño original de esta figura coleccionable resaltan el espíritu lúdico y a la vez provocador inherente a muchos movimientos de arte urbano y pop. "Otto Dino" fusiona la energía rebelde del grafiti con la estética refinada de las figuras de vinilo, creando un personaje tridimensional que funciona como una obra de arte interactiva. Estos objetos de colección se han convertido en un medio por derecho propio, a través del cual los artistas pueden llegar a un público más amplio, trascendiendo los espacios tradicionales de las galerías e integrándose en el tejido de la vida cotidiana. La visión artística de Max Elbo en el mundo del coleccionismo La visión artística de Max Elbo se traslada con fluidez de murales a gran escala a la escala íntima de "Otto Dino", demostrando su versatilidad y su compromiso por llevar el arte al espacio personal de los coleccionistas. Al igual que su arte callejero, este juguete de vinilo está repleto de detalles y matices que invitan a una observación minuciosa y reflejan el estilo icónico de Elbo. Gracias a su colaboración con GZ1, Elbo se aventura en una nueva forma de expresión creativa que conecta con la naturaleza táctil y lúdica del arte pop callejero y el grafiti. Cada "Otto Dino" es una expresión tangible del arte de Elbo, que aporta a la pieza de colección el mismo nivel de artesanía e integridad artística que se esperaría de sus murales. La numeración a mano de cada caja añade un toque personal que recuerda a las firmas del arte callejero y eleva aún más el estatus de la pieza como una obra de arte de edición limitada. Esta práctica no solo realza el valor de cada pieza, sino que también forja una conexión directa entre el artista y el coleccionista, un aspecto muy valorado en el mundo del coleccionismo de arte. La creciente tendencia de los juguetes de arte en la cultura pop callejera El auge de juguetes artísticos como "Otto Dino" como una tendencia significativa en la cultura pop urbana refleja la evolución del panorama del consumo y la apreciación del arte. Estas piezas de colección permiten a los artistas ampliar su alcance y explorar nuevas direcciones artísticas, a la vez que se conectan con una comunidad de coleccionistas que valoran la intersección entre arte y juego. La naturaleza de edición limitada de estos juguetes crea una sensación de urgencia y exclusividad, cualidades que desde hace tiempo se asocian a la adquisición de arte. En el contexto más amplio del arte pop urbano y el grafiti, los juguetes artísticos representan la democratización de la propiedad del arte. Piezas como "Otto Dino" permiten una experiencia artística más personal e interactiva, derribando las barreras entre el artista y el público. Celebran la fusión del placer estético y el atractivo coleccionable, encarnando la esencia de los movimientos de arte urbano y pop que siempre han buscado integrar el arte en la vida cotidiana. Impacto y legado de Otto Dino en el coleccionismo de arte moderno "Otto Dino" es un testimonio del potencial de las colaboraciones entre artistas como Max Elbo y GZ1 para expandir los límites de lo que se considera arte coleccionable. El impacto de estas obras es de gran alcance, influyendo no solo en el mercado de los juguetes de arte, sino también en la percepción del arte urbano y el arte pop. El legado de "Otto Dino" se medirá por su valor estético y su capacidad de inspirar futuras colaboraciones e innovaciones dentro de la comunidad del arte urbano pop y el grafiti. El éxito de "Otto Dino" y su contribución al panorama del arte coleccionable moderno reafirman la importancia de la accesibilidad y la interactividad en el arte contemporáneo. A medida que los coleccionistas continúan buscando piezas únicas y significativas, el papel de los juguetes de arte en el panorama artístico crecerá sin duda, con artistas como Max Elbo y GZ1 a la vanguardia de esta dinámica intersección entre arte, coleccionismo y comentario cultural. "Otto Dino" no es solo un objeto de deseo para los coleccionistas; Es una pieza de capital cultural, un símbolo del impacto lúdico pero profundo del arte callejero y pop moderno.

    $748.00 $673.00

  • Venta -10% Malt & Mark 02 Original Spray Paint Acrylic Painting by Malt

    Malt Malt & Mark 02 Pintura en aerosol original Pintura acrílica de Malt

    Malt & Mark 02 Pintura original Técnica mixta, acrílico, pintura en aerosol sobre papel de bellas artes por Malt x Mark Penxa Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. Marco rojo personalizado “Empezamos esta serie en julio del año pasado. Creo que fue entonces cuando nos conocimos y hablamos de colaborar. No fue hasta el mes pasado que terminamos las esculturas. Incluso después de la presentación al público, la idea siguió creciendo.” - Mark Penxa. “En el primer intento, ambos pusimos toda nuestra energía en la creación de la obra y, al llegar a la fecha límite, sentimos que teníamos muchas más ideas que explorar. Así nació la serie “Especies en Peligro de Extinción”.” - Malt

    $793.00 $714.00

  • Venta -10% Bape Head Yellow & Black UltraGiclée Print by Adam Lister

    Adam Lister GICLEE AP Lámina giclée de ARTIST

    Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

    $694.00 $625.00

  • Venta -10% Stubbed Toe- White Silkscreen Print by Cleon Peterson

    Cleon Peterson Punta aplastada: serigrafía en blanco de Cleon Peterson

    Dedo del pie golpeado - Serigrafía de edición limitada en blanco y negro, de dos colores, impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, del artista de la cultura pop Cleon Peterson. 2022. 43 x 43 cm. Serigrafía artesanal. Impresa en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 100 ejemplares.

    $759.00 $683.00

  • Venta -10% I See Static Blue AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY Veo estática azul AP Serigrafía de Shepard Fairey- OBEY

    I See Static Blue AP Serigrafía de Shepard Fairey - OBEY Color aplicado a mano sobre papel de bellas artes color crema con motas. Edición limitada. Obra de arte Obey Pop Culture Artist Proof. Prueba de artista AP 2016 firmada por Shepard Fairey - OBEY y marcada como AP. Edición limitada. Impresión serigráfica de 18x24 pulgadas. Solo veo estática. Que reine la paz. Veo Static Blue AP de Shepard Fairey La serigrafía de prueba de artista «I See Static Blue» (2016), de Shepard Fairey, ejemplifica la tensión entre distorsión y percepción en el arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. Ejecutada con maestría sobre papel Speckletone color crema para bellas artes, y firmada y marcada como AP por el artista, esta serigrafía de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas) realizada a mano constituye un enigmático diálogo visual entre la influencia de los medios y la búsqueda de la paz. El uso que hace Fairey de una geometría nítida, patrones de interferencia vertical y superposición simbólica invita al espectador a una confrontación hipnótica con el ruido sensorial y la propaganda. Lenguaje visual arraigado en el poder y la crítica de los medios El lenguaje visual de Fairey en «I See Static Blue» fusiona la disrupción óptica con la claridad ideológica. El texto «Static Is All That I See» aparece incrustado en un campo de líneas azules radiantes, imitando visualmente la interferencia de la estática de la televisión analógica y abordando metafóricamente la confusión mental creada por la constante comunicación y la vigilancia. Rostros flanquean el eje central, fragmentados por líneas de distorsión, evocando la fractura de la identidad en la era de la información. Debajo de ellos, un ojo que todo lo ve se cierne —con una calavera en el centro— subrayando los temas del control, la mortalidad y la omnipresente mirada de la autoridad mediática. La obra desentraña la saturación de imágenes que, a la vez que adormecen, captan la atención, sirviendo como comentario sobre la sobrecarga cognitiva y el adoctrinamiento ideológico. Arte pop callejero y grafiti como mensaje y medio La obra de Fairey se sitúa en la intersección entre la rebeldía y el refinamiento, donde la estética urbana se eleva mediante la disciplina del diseño. «I See Static Blue» recoge influencias de las frecuencias visuales de la era psicodélica y las fusiona con la rigidez estructural del arte propagandístico. Shepard Fairey, nacido en Estados Unidos en 1970, se ha mantenido como una de las figuras más comprometidas políticamente en el arte pop urbano y el grafiti, utilizando la repetición, paletas de colores limitadas y símbolos iconográficos para desmantelar las narrativas corporativas y gubernamentales. La presencia de «Obey» bajo el ojo evoca su campaña original de subversión, transformando la publicidad en arte y la instrucción en sátira. El mensaje visual nunca es pasivo: exige conciencia. Color, simbolismo y el formato de prueba de artista Con una paleta de tonos fríos como el azul cobalto, el carmesí apagado y el crema, esta estampa posee una carga psicológica más sosegada que muchas de las obras políticamente agresivas de Fairey. La simetría y el equilibrio sugieren dualidad, pero el efecto visual que produce desorienta y provoca. Esta edición AP tiene un valor añadido, no solo por ser una obra de Shepard Fairey, sino también por ser una variante limitada meticulosamente firmada y marcada a mano. La combinación de líneas nítidas y complejidad simbólica eleva la pieza a la categoría de ejercicio estético e intelectual, reflejando la continua relevancia de Fairey en el uso de la estructura visual del arte pop urbano y el grafiti para la reflexión y la resistencia.

    $750.00 $675.00

  • Venta -10% Echoes Silkscreen Print by Nafir

    Nafir Serigrafía Ecos de Nafir

    Echoes, serigrafía de 14 colores impresa a mano sobre papel satinado Somerset de 300 g/m² por el artista urbano moderno Nafir. Obra de arte rara, edición limitada. Edición limitada de 90 ejemplares, firmada y numerada, de 2022. Tamaño: 19,29 x 29,52 pulgadas.

    $576.00 $518.00

  • Venta -10% Passengers XIV AP Archival Print by Dave Pollot

    Dave Pollot ARCHIVOPP

    Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

    $636.00 $572.00

  • Venta -10% Assassination Silver Silkscreen Print by Dave Kinsey

    Dave Kinsey SILKSCREEN Serigrafía de ARTIST

    Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

    $650.00 $585.00

  • Venta -10% Polikarpov-Gill Original Mixed Media Drawing

    Derek Hess Dibujo original de técnicas mixtas de Polikarpov-Gill

    Dibujo de técnica mixta Polikarpov-Gill sobre papel de bellas artes de Derek Hess, artista callejero de graffiti, arte moderno original. Obra de arte original de técnica mixta, firmada y enmarcada, de 2014. Medidas: 14 x 11,5 pulgadas. Esta pieza incluye un marco de metal negro de 1/2 pulgada montado flotantemente con un paspartú de 2 pulgadas, vidrio con protección UV, respaldo de núcleo de espuma y herrajes listos para colgar. "Mi primera serie la terminé entre 2010 y 2011 y la expuse durante el Festival de la Mojarra más Grande del Mundo en Water Valley, Misisipi. Fue increíble. Todas las obras están hechas con pluma, tinta y acrílico. Mi padre fue piloto de B-26 y él me inculcó el interés por este tema. Dos de las piezas representan un bajo de rock fusionado con un B-26. Son completamente diferentes a lo que suelo hacer, sea lo que sea que signifique 'normal'. En fin, me divertí muchísimo haciéndolas. Mientras que algunas de las obras más intensas que realizo las siento como una necesidad, como una forma de desahogarme, lo cual solo funciona la mitad de las veces (tiendo a cargar con esas cosas). Quería hacer estas por diversión y son una excelente distracción." - Derek Hess

    $962.00 $866.00

  • Venta -10% Talk Talk Talk- White Serigraph Print by Cleon Peterson

    Cleon Peterson Talk Talk Talk- Impresión en serigrafía blanca de Cleon Peterson

    Talk Talk Talk - Edición limitada en blanco, impresión serigráfica a mano de 2 colores sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serigrafía artesanal de 24x18" en negro y rojo, impresa en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 150 ejemplares. El arte de Peterson posee un marcado carácter antisistema, y ​​la ira, como fuerza creativa, está presente en la mayoría de sus obras. El artista es el sujeto de la ira, y con su trabajo se rebela contra el profundo hastío y malestar de la sociedad. Este artista afincado en Los Ángeles es el artífice de una serie de obras distópicas —pinturas, grabados, esculturas y murales— expuestas en Estados Unidos, Europa y Asia.

    $759.00 $683.00

  • Venta -10% The Future Is Equal AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY El futuro es igual. Serigrafía AP de Shepard Fairey - OBEY

    El futuro es igual. Serigrafía AP de Shepard Fairey - OBEY. Color aplicado a mano sobre papel de bellas artes color crema moteado. Obra de arte de edición limitada. Prueba de artista Obey Pop Culture. Prueba de artista AP 2022 firmada por Shepard Fairey - OBEY y marcada como AP. Edición limitada. Impresión serigráfica de 18x24 pulgadas. Crecí en una época de auge de los derechos de las mujeres y se daba por hecho que la Enmienda de Igualdad de Derechos (ERA, por sus siglas en inglés) se aprobaría. Ahora que 38 estados la han ratificado, es hora de que nuestros líderes den un paso al frente y hagan realidad la voluntad popular, asegurando su adopción. Ya es hora de que la igualdad de género se convierta en ley. Este proyecto me conmovió profundamente porque la lucha por la igualdad de género siempre ha estado arraigada en el activismo por la justicia social y aún queda mucho por hacer. -Shepard Fairey El futuro es igual AP Serigrafía de Shepard Fairey La serigrafía «The Future Is Equal AP» de Shepard Fairey es una poderosa declaración visual en el mundo del arte pop urbano y el grafiti. Creada en 2022 como una serigrafía artesanal sobre papel Speckletone color crema, esta edición de prueba de artista de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas) está firmada y marcada como AP por Fairey. La obra transmite un mensaje directo sobre equidad de género y derechos civiles a través de una composición impactante que combina referencias históricas, elementos visuales contemporáneos y una estética políticamente comprometida. La figura femenina en el centro lleva una gorra roja y negra adornada con el símbolo del feminismo; su mirada segura se recorta sobre un fondo de iconografía legal y activista. Su chaqueta lleva la inscripción «ERA NOW», un claro llamado a la ratificación de la Enmienda de Igualdad de Derechos. Debajo, se imprime un aviso público que hace referencia a las elecciones generales de 1972, reforzando la dimensión legal e histórica de la obra. Simbolismo visual y elementos estilísticos El lenguaje visual de Fairey se inspira en el diseño de carteles propagandísticos, y esta obra emplea tonos rojos, negros y azules intensos para evocar urgencia y claridad. La composición se organiza como una página de un periódico revolucionario, haciendo eco de publicaciones históricas sobre derechos civiles. A la izquierda, aparece una figura que representa a la Dama de la Justicia, reforzando el equilibrio entre la ley y la equidad. Una pancarta en la parte superior anuncia «El futuro es igual», con el estilo de un titular de periódico, haciendo referencia a The Daily Times y proclamando la aprobación de la Enmienda de Igualdad de Derechos. En la esquina inferior derecha, manifestantes alzan puños y pancartas con lemas como «Mujeres Poderosas Libres», vinculando la obra directamente con la cultura de la protesta y los movimientos feministas actuales. Estos motivos combinados reflejan el compromiso constante de Shepard Fairey con el arte pop urbano y el grafiti, que es a la vez accesible y subversivo. Activismo por la justicia social en el arte contemporáneo Shepard Fairey, nacido en Estados Unidos en 1970, ha utilizado su obra durante mucho tiempo para resaltar temas de justicia, poder e igualdad. Como artista de la cultura pop con raíces en el movimiento del arte callejero, introduce comentarios sociales en espacios tanto legales como ilegales, empleando a menudo la serigrafía por su reproducibilidad y su peso histórico. Esta impresión se vincula directamente con los esfuerzos constantes de Fairey por utilizar el arte visual para la defensa política, incluyendo obras anteriores en apoyo a la concientización sobre el cambio climático, el pacifismo y la justicia racial. «The Future Is Equal AP» se inscribe en esta tradición, utilizando las herramientas visuales de la propaganda callejera para exigir cambios legislativos y conciencia pública sobre los derechos de género. Grabado político en la tradición del pop callejero Esta obra refleja una tradición más amplia dentro de los movimientos de grafiti y arte pop urbano: el uso del grabado y la iconografía pública para amplificar las voces que claman por un cambio sistémico. La edición AP de Fairey le confiere rareza y valor para coleccionistas, sin dejar de encarnar el espíritu esencial de accesibilidad y activismo. La imagen invita a la reflexión sobre la labor pendiente en torno a la equidad de género, evocando tanto el legado de activistas del pasado como la responsabilidad de las generaciones contemporáneas. La combinación de escala, textura y urgencia visual captura la esencia de lo que el arte pop urbano y el grafiti pueden lograr cuando se fusionan con un propósito y una conciencia histórica.

    $750.00 $675.00

  • Venta -10% Gold Domino Set Object Art by Ben Baller

    Ben Baller Juego de dominó dorado. Arte de objetos de Ben Baller.

    Juego de dominó dorado, obra de arte de Ben Baller, edición limitada, pieza de colección de diseño pop. Edición limitada de 2022 de 2000 unidades. Juego de dominó dorado raro con caja de arte de objeto. Nuevo en caja. Reimaginando el juego: El juego de dominó dorado de Ben Baller como arte objetual El juego de dominó dorado, una obra de arte de Ben Baller, personifica la fusión entre lujo y juego. Esta edición limitada redefine los juegos tradicionales a través del prisma del arte pop. Tan solo 2000 piezas de esta exclusiva colección fueron creadas en 2022, cada una un testimonio del espíritu innovador de los movimientos artísticos contemporáneos. El juego viene en una caja que forma parte integral de la obra, al igual que las fichas de dominó, con la contundente inscripción "ESTA NO ES TU VIDA DE PRÁCTICA", que evoca la filosofía del arte pop urbano y el grafiti. La transformación de un juego clásico en un objeto de colección de diseño refleja la tendencia del arte pop urbano a elevar lo mundano a lo sublime. Al incorporar el oro —un material que históricamente ha simbolizado riqueza y poder— en un contexto lúdico, Ben Baller invita a reflexionar sobre la yuxtaposición entre valor y entretenimiento. Las fichas de dominó no son meras piezas de juego, sino obras de arte individuales, cada una con el potencial de formar innumerables combinaciones y resultados, al igual que el arte del grafiti. Este juego de dominó trasciende su función como juego, adentrándose en el ámbito del arte interactivo. Está diseñado para entretener, servir como punto de encuentro para la interacción social y ser una experiencia táctil que deleita tanto por su estética como por su uso. El juego dorado, presentado nuevo en su caja, irradia exclusividad y la anticipación de una pieza aún por descubrir. Juego de oro: El dominó como símbolo en la cultura del arte callejero En la cultura del arte pop urbano y el grafiti, los símbolos e iconos se reinterpretan con frecuencia para desafiar percepciones y criticar las normas sociales. El juego de dominó dorado de Ben Baller simboliza la intersección entre el arte elevado y la cultura popular, donde el acto de jugar se presenta en una forma lujosa. El juego se convierte en un lienzo que refleja la visión del artista y la expresividad lúdica del arte urbano. Asimismo, refleja el carácter comunitario del arte urbano: al igual que los murales y las firmas se integran al tejido del barrio, este juego invita a la comunidad y al compañerismo. Jugar al dominó es un lenguaje universal que une culturas y generaciones, al igual que el arte urbano comunica a públicos diversos. El logotipo «BB», sinónimo de la marca de Ben Baller, sirve como firma de esta experiencia colectiva, integrando cada partida en una narrativa más amplia. Además, el conjunto se alinea con la exploración del consumismo y la mercantilización del ocio propia del movimiento pop art. Cuestiona los límites entre arte y objeto, entre una pieza de galería y un artículo doméstico. De este modo, el Juego de Dominó Dorado no es solo un objeto de juego, sino una declaración sobre la importancia cultural de los juegos y su papel en nuestras vidas. Inversión artística: Coleccionar el juego de dominó dorado Para los coleccionistas, el atractivo del Juego de Dominó Dorado de Ben Baller reside en su doble identidad: un juego funcional y una pieza de arte de edición limitada. Como inversión, representa la convergencia entre la expresión artística y el prestigio cultural del diseño coleccionable. Este juego es emblemático de una tendencia artística donde los límites entre los objetos prácticos y las obras de arte no solo se difuminan, sino que se entrelazan deliberadamente. Su carácter de edición limitada —solo existen 2000 unidades— eleva su estatus dentro del mercado del arte y el coleccionismo. Se convierte en una pieza codiciada por su belleza, su exquisita artesanía, su rareza y su potencial de revalorización. Como objeto de colección, encierra una historia, una muestra de la visión del artista y un momento donde el arte y el juego se celebran en perfecta armonía. El Juego de Dominó Dorado de Ben Baller es un artefacto cultural en la encrucijada del arte pop urbano, el grafiti y el diseño de lujo. Es una celebración del espíritu lúdico que inspira gran parte del arte pop, una interpretación lujosa de un juego atemporal y un guiño a la alegría colectiva de las experiencias compartidas. Este conjunto no es simplemente una colección de fichas de dominó doradas; es un compendio de arte, juego y el mensaje imperecedero de que la vida, con todos sus juegos y apuestas, no es un ensayo, sino un escenario para el esplendor y el espectáculo.

    $563.00 $507.00

  • Venta -10% Money and Power- White Silkscreen Print by Cleon Peterson

    Cleon Peterson Dinero y poder: serigrafía en blanco de Cleon Peterson

    Dinero y Poder - Serigrafía monocromática blanca impresa a mano sobre papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, del artista Cleon Peterson. Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 75 ejemplares, firmada y numerada, 2022. Tamaño de la obra: 18x18 pulgadas. El dinero y el poder se han convertido en los principales motores del mundo moderno, empujándonos hacia una sociedad corrupta. Los días en que nuestros líderes velaban por los intereses del pueblo son cosa del pasado, reemplazados por el hombre fuerte que reprime las voces disidentes para imponer su voluntad. El dinero elige a los líderes; a cambio, estos tienen una deuda con el pueblo que los llevó al poder, implementando así nuestra nueva política pública de avaricia y capitalismo despiadado. Poco a poco aceptamos la corrupción, la ley se desvanece lentamente y la gente empieza a sentir que la democracia y una sociedad justa y equitativa siempre fueron solo una ilusión, un sueño del pasado que en realidad nunca existió. -Cleon Peterson Dinero y poder, de Cleon Peterson – Edición blanca de una cruda alegoría política en arte pop callejero y grafiti «Dinero y Poder» de Cleon Peterson es una serigrafía artesanal de 2022, firmada y numerada, producida en una edición limitada de 75 ejemplares. Con unas dimensiones de 45,7 x 45,7 cm (18 x 18 pulgadas) e impresa en tinta negra sobre papel Arches de 290 g/m² de algodón blanco impoluto con bordes deshilachados a mano, esta obra transmite un poderoso mensaje que, a través del minimalismo, revela los mecanismos del control autoritario y la dominación capitalista. El diseño presenta tres figuras militarizadas marchando al unísono bajo una pancarta con el símbolo del dólar. Cada figura saluda con una mano mientras empuña un arma con la otra, marchando al unísono hacia un futuro definido no por la democracia ni la justicia, sino por la obediencia al poder moldeado por la riqueza. La precisión de la imagen en blanco y negro refuerza la rigidez y la deshumanización retratadas, poniendo de relieve el paso de la gobernanza colectiva al autoritarismo impulsado por el capitalismo. La visión estadounidense de Cleon Peterson sobre las estructuras de poder modernas Cleon Peterson, artista estadounidense nacido en 1973, es reconocido por su estilo gráfico distintivo que fusiona la crudeza del arte callejero con la sensibilidad del arte pop. Sus obras no son decorativas, sino provocadoras, moralmente urgentes y reflejo de la violencia sistémica. «Dinero y Poder» ejemplifica la capacidad de Peterson para destilar complejas realidades sociopolíticas en imágenes únicas e inolvidables. Esta edición en blanco elimina cualquier distracción y permite al espectador centrarse por completo en el contenido y el mensaje. La ausencia de color evoca la aparente pérdida de matices en la gobernanza moderna, donde las decisiones ya no se rigen por consideraciones éticas, sino por intereses económicos. Peterson utiliza su formación en diseño y grafiti para reducir el mensaje a su esencia: quienes controlan el dinero controlan el mensaje, la ley y al pueblo. Simbolismo de las figuras marchando y el estandarte de la capital En Dinero y Poder, las figuras se reducen a símbolos de conformidad y control. Con movimientos robóticos y expresiones idénticas, actúan no como protectores del público, sino como agentes de un sistema que prioriza la preservación de la riqueza sobre el deber cívico. El arma en cada mano no es solo un arma: es una metáfora de la amenaza que sustenta la jerarquía. El saludo militar, generalmente un signo de honor o lealtad, se presenta aquí como una escalofriante sumisión a una ideología corrupta. Sobre ellos, la bandera con el símbolo del dólar reemplaza los símbolos nacionales o morales, declarando al dinero como la nueva bandera bajo la cual marchan las sociedades modernas. Esta imagen captura lo que Peterson describe como capitalismo mafioso: una economía y un gobierno fusionados en una sola fuerza corrupta que erosiona la capacidad de acción pública y los cimientos mismos de la democracia. El dinero y el poder como hito del arte pop callejero y el grafiti Esta edición de «Dinero y Poder» se presenta como una obra de arte y un cartel político, que denuncia la decadencia social nacida de la avaricia y la concentración de poder. Se inscribe firmemente en la tradición del arte pop urbano y el grafiti, empleando imágenes accesibles para transmitir verdades que a menudo se ignoran o minimizan en los ámbitos institucionales. La decisión de Peterson de limitar la edición a 75 copias impresas a mano añade peso a su mensaje, convirtiendo cada pieza en una llamada personal a la concienciación y la resistencia. A medida que el arte urbano evolucionó de la rebeldía al coleccionismo, artistas como Peterson se han mantenido fieles a las raíces del medio, utilizando imágenes de gran impacto público para expresar la disidencia. Esta obra no busca consolar ni embellecer, sino advertir. Captura un mundo donde el dinero ya no financia la democracia, sino que la reemplaza, revelando un ciclo en el que el poder engendra poder y el pueblo simplemente es arrastrado.

    $759.00 $683.00

  • Venta -10% Some Velvet Morning Wood Variant Silkscreen Print by Eric Pause

    Eric Pause Serigrafía variante de Velvet Morning Wood de Eric Pause

    Some Velvet Morning - Variante de madera. Impresión serigráfica de 16 colores realizada a mano sobre papel de chapa de madera de 110 lb del artista pop Eric Pause. Obra de arte rara de edición limitada. Edición limitada de 10 ejemplares, firmada y numerada, de 2019. Tamaño: 30 x 24 pulgadas.

    $712.00 $641.00

  • Venta -10% And Then Things Got Better Purple Mini Stencil HPM by Denial- Daniel Bombardier

    Denial- Daniel Bombardier And Then Things Got Better Purple Mini Stencil HPM de Denial- Daniel Bombardier

    Y entonces las cosas mejoraron: Purple Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple, obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti, arte pop moderno. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación En esencia, Denial satiriza la realidad que tanto él como nosotros vivimos, a través de algunos de los símbolos más emblemáticos de la cultura occidental. Utiliza productos culturales con la intención de denunciar el sistema que los originó. De este modo, los recontextualiza y los transforma de productos comerciales en su legado cultural.

    $954.00 $859.00

  • Venta -10% 1st Camo Chogokin 400%- Green Be@rbrick

    BE@RBRICK 1er Camuflaje Chogokin 400% - Green Be@rbrick

    1st Camo Chogokin 400%- Green Bape BE@RBRICK Edición Limitada Medicom Vinyl Artwork Toy Figura de Arte Coleccionable. Figura coleccionable Bape x Bearbrick Medicom 2022, tamaño 400%. Nuevo en caja

    $670.00 $603.00

  • Venta -10% Fish Original Graphite Pencil Drawing by Naoto Hattori

    Naoto Hattori Dibujo a lápiz de grafito original de pez de Naoto Hattori

    Dibujo original a mano de un pez sobre papel artístico envejecido con bordes irregulares, enmarcado, por el artista surrealista Naoto Hattori. Dibujo original único a lápiz/grafito firmado en 2012. Obra enmarcada. Tamaño del marco: 8,5 x 8,5 pulgadas. Tamaño de la imagen: 3 x 5 pulgadas. Enmarcado y con paspartú personalizados por el artista. El marco presenta ligeros roces propios de la antigüedad. El viaje artístico del dibujo original de peces de Naoto Hattori La singular contribución de Naoto Hattori al mundo del arte encuentra su lugar en la intersección del surrealismo y el arte urbano. La obra "Fish Original", dibujada a mano sobre papel artístico envejecido con bordes irregulares y enmarcada, es una clara representación de esta fusión artística. Creada en 2012, esta obra original a lápiz y grafito es testimonio del estilo intrincado de Hattori y su habilidad para crear profundidad y narrativa dentro de los límites de una temática minimalista. La obra, enmarcada en un marco personalizado de 21,6 x 21,6 cm, presenta una imagen de 7,6 x 12,7 cm, ofreciendo una visión de la perspectiva surrealista del artista a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza única de Hattori es un dibujo original, firmado y exclusivo que muestra el sutil pero poderoso impacto del arte monocromático. La decisión de crear esta obra sobre papel artístico envejecido con bordes irregulares refleja la admiración de Hattori por las cualidades texturales que el papel aporta a la obra. Los bordes irregulares añaden un toque antiguo y una sensación orgánica a la obra, realzando la experiencia visual y complementando la sencillez del tema: un solo pez. El dibujo, si bien es directo en su representación, está imbuido de una sensación de movimiento y vida, capturando la esencia del sujeto con un delicado realismo característico de la obra de Hattori. Explorando los matices del surrealismo de Hattori en un contexto de arte callejero La obra «Fish Original» de Naoto Hattori es un sutil homenaje a la fluidez del arte pop urbano y al carácter evocador del grafiti. Si bien la obra de Hattori se basa principalmente en el surrealismo, la influencia del arte urbano es evidente en su enfoque de los temas. Este dibujo posee una crudeza y una franqueza características frecuentemente celebradas en el arte urbano. El trabajo a lápiz es preciso, pero subyace una corriente de libertad y espontaneidad que conecta con el espíritu del grafiti. Enmarcado y montado a medida por el artista, «Fish Original» refleja la dedicación de Hattori a su arte, desde su concepción hasta su presentación. El ligero desgaste del marco, propio de su antigüedad, añade carácter a la pieza, sugiriendo una historia más allá de su contenido visual. Este tipo de pátina suele atraer a los admiradores del arte urbano, ya que ofrece una narrativa rica y personal. Las marcas no son defectos, sino huellas de un viaje, al igual que las paredes desgastadas que sirven de lienzo en el arte urbano. Arte pop callejero, arte de graffiti y la intimidad de las obras de pequeño formato El mundo del arte pop urbano y el grafiti se caracteriza por su audacia y gran visibilidad. Sin embargo, obras como «Fish Original» de Hattori desafían esta convención al resaltar la intimidad del arte de pequeño formato. A través de este dibujo, Hattori comunica que la esencia del arte pop urbano no se limita al tamaño, sino que reside en la autenticidad y la expresividad de la obra. La elección del marco y el paspartú por parte de Hattori personaliza aún más la obra, convirtiéndola en una pieza completa que ofrece una narrativa, al igual que el arte urbano, que a menudo cuenta historias en el espacio público. «Fish Original» de Naoto Hattori tiende un puente entre los mundos, a menudo dispares, de las bellas artes y el arte urbano, fusionando la complejidad del dibujo a lápiz con la accesibilidad y la emotividad del arte pop urbano. Ejemplifica cómo el arte puede trascender fronteras y conectar con un público diverso. Este dibujo, con su meticulosa factura y el fondo texturizado de papel envejecido, es una pieza preciada del arte contemporáneo, que ofrece un momento de contemplación y conexión en el vibrante diálogo del arte pop urbano y el grafiti. Se erige como un faro del potencial que reside en la fusión de diferentes disciplinas artísticas, tal como lo vislumbra Naoto Hattori.

    $793.00 $714.00

  • Venta -10% 30 Perceptions of a Tiger 23 Gold Sculpture by Violeta Hernandez

    Violeta Hernandez 30 Percepciones de un Tigre 23 Escultura en Oro de Violeta Hernandez

    30 Percepciones de un Tigre - 23 Figuras de cerámica de alta temperatura originales, hechas y pintadas a mano en oro blanco con lustre de oro blanco. Obra de arte escultórica de la artista callejera de graffiti y artista pop moderna Violeta Hernández. Escultura original de cerámica, 2022. Medidas: 5,7 x 5,7 pulgadas. Firmada. Tipo: Figura de cerámica de alta temperatura, hecha y pintada a mano, con lustre de oro blanco. Tamaño: 5,7 x 5,7 x 3,7 pulgadas (14,5 x 14,5 x 9,5 cm). Lanzamiento: 17 de enero de 2022. 30 Percepciones de un Tigre – 23 Esculturas de Cerámica Dorada de Violeta Hernández en Arte Pop Urbano y Grafiti 30 Percepciones de un Tigre – 23 Oro es una escultura original de cerámica creada por la artista mexicana contemporánea Violeta Hernández. Lanzada el 17 de enero de 2022, esta obra constituye una singular exploración de la forma y la emoción a través de la cerámica, elaborada y pintada a mano. La pieza mide 14,5 x 14,5 x 9,5 cm (5,7 x 5,7 x 3,7 pulgadas) y está cocida a alta temperatura para garantizar su durabilidad. Su acabado incluye un lustre de oro blanco, un detalle lujoso que realza su superficie con destellos brillantes. La figura de Hernández encarna un felino feroz y expresivo; su lomo arqueado y sus dientes al descubierto capturan un estado emocional crudo, entre la defensa y el desafío. Esta figura es a la vez animal e ícono, canalizando una fusión entre lo sagrado y la actitud urbana, marcando su lugar en el lenguaje visual del Arte Pop Urbano y el Grafiti. La práctica cerámica y el simbolismo emocional de Violeta Hernández Conocida por su trabajo en ilustración, serigrafía y escultura, Violeta Hernández imprime a sus formas cerámicas la misma intensidad deliberada que a sus grabados. «30 Percepciones de un Tigre – 23 Oro» demuestra su habilidad para transmitir tensión y vulnerabilidad en un objeto compacto y táctil. Cada figura de tigre de la serie está esculpida y pintada a mano, lo que garantiza que no haya dos iguales. El rostro de la escultura es particularmente impactante, con una expresión estilizada de gruñido que refleja la ferocidad interna que los humanos albergan pero rara vez expresan. La superficie de la figura está cubierta de texturas pintadas a mano que evocan marcas animales, a la vez que sugieren pinceladas, arañazos y desgaste urbano, simbolizando la supervivencia y la tenacidad inherentes a la identidad moderna. El lustre del oro blanco añade profundidad y contraste visual a los tonos apagados de gris y negro, infundiendo a la pieza un destello de fuerza divina. La cerámica como forma de rebelión en el arte pop callejero y el grafiti Esta escultura no es meramente decorativa; es una reinterpretación radical de la forma cerámica dentro del contexto del arte pop urbano y el grafiti. Tradicionalmente considerada una técnica artesanal, la cerámica, en manos de Hernández, se convierte en una plataforma para la protesta y la transformación. La pequeña pero potente escultura desafía las expectativas tanto de la cerámica como del arte urbano, ocupando un espacio liminal entre la galería y la calle. Su tamaño invita a la contemplación, pero su postura y expresión irradian una presencia imponente. Al incorporar lustre de oro blanco —un material asociado con la opulencia y las reliquias espirituales— Hernández eleva la obra más allá de su modesto tamaño, permitiéndole erigirse como artefacto y mensaje a la vez. La textura de la arcilla, la intensidad de la forma y el acabado del lustre contribuyen a su presencia como una reliquia urbana contemporánea. 30 Percepciones sobre un tigre – 23 El oro como declaración cultural Con esta obra, Violeta Hernández expande los límites del arte pop urbano y el grafiti. Si bien el grafiti ha ocupado históricamente los muros y la serigrafía ha florecido en los carteles, esta escultura traslada el debate a lo escultórico y ritualístico. Sugiere que los estados emocionales, los instintos animales y la política de identidad pueden preservarse en la forma, no solo en la imagen. El tigre gruñendo se convierte en un avatar de resiliencia y confrontación, compacto pero resuelto. Firmada por la artista y lanzada en una edición original limitada, «30 Percepciones de un Tigre – 23 Oro» refleja el compromiso de Hernández con la integración de la emoción, la mitología y el proceso artístico en poderosos símbolos de la vida contemporánea. La pieza se erige no solo como un objeto de colección, sino como una declaración escultórica de ferocidad, supervivencia y rebeldía creativa.

    $631.00 $568.00

  • Venta -10% Lotus Ornament- Black Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY Adorno de loto - Serigrafía negra de Shepard Fairey - OBEY

    Adorno de loto - Serigrafía de edición limitada, negra, monocromática, impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone, por Shepard Fairey x Gordon Cheung. Arte callejero raro. Artista de arte pop OBEY. Serigrafía firmada y numerada ADORNO DE LOTO (NEGRO) Serigrafía 18 x 24 pulgadas Edición de 300 22 de abril de 2008 Algunas leves arrugas por manipulación.

    $685.00 $617.00

  • Venta -10% Fashion Addict Refill Burberry AP Archival Print by Denial- Daniel Bombardier

    Denial- Daniel Bombardier Recambio Fashion Addict - Burberry

    Recambio para adictos a la moda: Impresión artística de edición limitada de Burberry con pigmentos de archivo en papel Canon Fine Art de 330 g/m² del legendario artista de arte callejero y cultura pop moderna Denial. Prueba de artista AP 2019. Edición limitada firmada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Píldora de moda de diseño Burberry. Prueba de artista AP numerada, firmada y sellada al dorso. Edición normal de 100 ejemplares. 18 x 24 pulgadas. Impresión de pigmento de archivo sobre papel Canon Fine Art de 330 g/m². En el mundo de Denial, la memoria es fundamental, pues constituye la base de su obra, ya que invita al público a conectar con ella de forma nostálgica. Por ello, su arte resulta tan familiar como perturbador, al revelar los aspectos más inquietantes de la sociedad, aquellos que negamos. A pesar de su controvertida historia, el grafiti se percibe cada vez menos como una forma de vandalismo.

    $572.00 $515.00

  • Venta -10% Frontier I Archival Print by Josh Keyes

    Josh Keyes Impresión de archivo Frontier I de Josh Keyes

    Frontier I Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Josh Keyes, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel Moab Fine Art de 290 g/m². Tamaño: 61 x 48 cm. Lanzamiento: 26 de julio de 2019. Tirada: 250 ejemplares. Creo que logré expresar lo que me propuse. Me gustaría retomar este tema en el futuro. Me parece que las imágenes son interesantes y originales, y al ver la impresión, me transporta a un lugar muy, muy lejano. Me gusta el arte que me deja un poco perplejo y con preguntas sin respuesta. Si necesitas otra razón, la calidad del papel y de la impresión es excelente. - Josh Keyes El contexto teórico de su obra se vincula con temas mitológicos y folclóricos —en especial las leyendas y relatos de los nativos americanos— y con el imaginario que subyace entre sueños y pesadillas, con el fin de expresar una profunda ansiedad e incertidumbre existenciales. En la distopía de Keyes, la naturaleza interactúa con la vida urbana de una manera abstracta e inquietante, que evoca estéticamente las ilustraciones de libros de texto científicos y diagramas anatómicos.

    $631.00 $568.00

  • Venta -10% Ceci N'est Pas Une Spongebob PP Archival Print by Shark Toof

    Shark Toof Ceci N'est Pas Une Bob Esponja PP Impresión de archivo de Shark Toof

    Ceci N'est Pas Une Spongebob PP Impresión de archivo de Shark Toof Edición limitada Impresión en papel Museum Fine Art de 310 g/m² Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de impresión PP 2019. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 24 x 18 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. "Ceci N'est Pas Une Spongebob, This Is Not A Spongebob" Decodificando "Ceci N'est Pas Une Bob Esponja" de Shark Toof «Ceci N'est Pas Une SpongeBob» es una obra provocativa del reconocido artista urbano Shark Toof, que desafía los límites de la iconografía de la cultura pop dentro del contexto del arte urbano moderno. La obra es una prueba de imprenta (PP) de archivo de 2019, meticulosamente firmada y marcada por el artista, lo que la convierte en una pieza de colección excepcional. Impresa en papel Museum Fine Art de 310 g/m², esta pieza ejemplifica la alta calidad del soporte que Shark Toof utiliza para garantizar la durabilidad y la profundidad del color, aspectos cruciales para la técnica de pigmentos de archivo que caracteriza a esta obra. Una fusión de arte callejero y cultura pop Esta obra es un testimonio de la fusión entre el arte pop callejero y el grafiti con símbolos de la cultura pop dominante. Shark Toof toma la figura universalmente reconocida de Bob Esponja y la distorsiona, presentando una imagen que a la vez reconoce y subvierte al personaje original. El título mismo, un guiño a "La traición de las imágenes" de René Magritte, invita a los espectadores a cuestionar la naturaleza de la representación y la realidad en el arte. La obra de Shark Toof sugiere que la imagen de Bob Esponja que vemos no es el personaje en sí, sino una representación sesgada por la perspectiva del artista y el contexto cultural en el que se observa. Comentario artístico de Shark Toof En «Ceci N'est Pas Une SpongeBob», Shark Toof no se limita a replicar un personaje querido; inicia un diálogo sobre la saturación de iconos mediáticos en la sociedad y el consumo de estas imágenes. La distorsión y descomposición de los rasgos de Bob Esponja invitan al público a reflexionar sobre cómo los medios de comunicación moldean y, a veces, distorsionan nuestras percepciones. Esta obra captura el espíritu del arte pop urbano al utilizar la esencia espontánea y rebelde del grafiti para comentar y criticar ciertos fenómenos. Las texturas superpuestas y los colores vibrantes revelan la compleja relación entre la imaginería comercial y la expresión artística. La pieza explora la tensión entre la naturaleza efímera del arte urbano y la perdurabilidad de las láminas artísticas. Shark Toof tiende un puente entre dos mundos aparentemente dispares al elegir a Bob Esponja, un icono de una serie infantil animada, y situarlo en el sofisticado ámbito de las ediciones limitadas. Esta yuxtaposición desafía la comprensión del espectador sobre qué constituye arte «legítimo», cuestionando las jerarquías dentro del mundo del arte. Con «Ceci N'est Pas Une SpongeBob», Shark Toof contribuye al debate sobre el valor y la importancia del arte pop urbano y el grafiti en la cultura contemporánea. Al recontextualizar una figura del léxico de los medios populares, le otorga un nuevo significado y la eleva al canon artístico. Esta obra es un espectáculo visual con una fuerte carga intelectual, que invita a reflexionar sobre la naturaleza del arte, la influencia de los medios y el poder del arte urbano para transformar y trascender objetos y personajes cotidianos en extraordinarias piezas de comentario cultural.

    $733.00 $660.00

  • Venta -10% Minnie Period 12 Original Stencil Painting by Jeff Gillette

    Jeff Gillette Minnie Período 12 Plantilla Original Pintura por Jeff Gillette

    Minnie Period 12 Edición Limitada, Esténcil de Aerosol HPM de 9 Colores y Acrílico sobre Lienzo Enmarcado con Envoltura de Galería, con detalles pintados a mano, por Jeff Gillette, Artista de Graffiti Callejero, Arte Pop Moderno. Obra de arte original firmada de 2020, realizada con plantilla, pintura acrílica en aerosol, tamaño 20x24 La obra "Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas" de Jeff Gillette es una pieza significativa dentro del arte pop, urbano y del grafiti. Caracterizada por el uso de imágenes icónicas entrelazadas con paisajes urbanos crudos, se erige como un vívido comentario sobre la cultura de consumo y la decadencia social. Jeff Gillette, aclamado artista estadounidense, ha sido apodado "el hombre que destruye Disneylandia", ya que frecuentemente utiliza figuras familiares y nostálgicas de Disney yuxtapuestas a fondos distópicos en su arte. En esta pieza en particular, la reconocible figura de Minnie Mouse es manipulada con un estilo de plantilla de grafiti poco convencional, enfatizando la esencia del arte urbano en su forma más cruda. El "Period 12" hace referencia a la menstruación inoportuna de Minnie y al número de la pintura. Gillette impregna esta obra con una mezcla paradójica de inocencia y desolación. Este contraste no solo critica nuestra sociedad saturada de medios de comunicación, sino que también invita a los espectadores a cuestionar el impacto de las corporaciones en nuestra conciencia cultural colectiva. Con su representación sin filtros de la tensión entre la cultura popular y la realidad, la obra "Minnie Period 12 Hand Stencil Original Canvas" de Jeff Gillette se erige como un poderoso ejemplo del arte pop y urbano moderno.

    $740.00 $666.00

  • Venta -10% Goonie 041 Original Watercolor Painting by Naoto Hattori

    Naoto Hattori Goonie 041 Acuarela original de Naoto Hattori

    Goonie 041 Acuarela original sobre papel de bellas artes enmarcado del artista surrealista Naoto Hattori. Miniatura de acuarela original y única, firmada en 2013. Enmarcada. Medidas del marco: 8,5 x 8,5 cm. Medidas de la imagen: 3 x 3 cm. Enmarcada y con paspartú a medida por el artista. "Goonie 041" de Naoto Hattori y la esencia del surrealismo en el arte «Goonie 041», una acuarela original del artista surrealista Naoto Hattori, encarna el delicado equilibrio entre realismo y fantasía que define el surrealismo. Esta pieza única, terminada en 2013, es una muestra magistral de la capacidad de Hattori para sumergir al espectador en un mundo que desafía los límites convencionales. La obra, de 7,6 x 7,6 cm (3 x 3 pulgadas) enmarcada a medida en 21,6 x 21,6 cm (8,5 x 8,5 pulgadas), está meticulosamente firmada por el artista. El hecho de que Hattori la enmarcara personalmente le añade un toque íntimo, personalizando aún más la experiencia del espectador. Si bien no suele clasificarse dentro de las definiciones tradicionales de arte pop urbano y grafiti, «Goonie 041» resuena con el mismo espíritu de libertad y expresión que caracteriza a estas formas de arte. La obra de Hattori a menudo explora el subconsciente, fusionando elementos del mundo onírico con la realidad. La acuarela enmarcada presenta una imagen que, si bien pequeña en tamaño, es expansiva en imaginación, invitando al observador a un reino donde las reglas del mundo físico se doblan y se transforman por la visión del artista. Significado artístico de "Goonie 041" dentro del arte contemporáneo La importancia de "Goonie 041" en el panorama del arte contemporáneo reside en la yuxtaposición de la meticulosa técnica de la acuarela con la naturaleza impredecible de la temática surrealista. La hábil pincelada de Hattori da vida a las texturas y matices de la figura, ofreciendo un marcado contraste con los elementos surrealistas que caracterizan su obra. La composición, centrada en el marco cuadrado, dirige la atención hacia la figura surrealista, invitando al espectador a reflexionar sobre la historia que subyace a la imagen. La obra de Hattori, incluyendo "Goonie 041", contribuye a un debate más amplio sobre la intersección de diversas formas artísticas y las maneras en que los artistas pueden comunicar ideas complejas a través de distintos medios. El hecho de que la pintura se encuentre dentro de un marco tradicional no disminuye su conexión con las expresiones más efímeras y públicas del arte urbano. Al contrario, resalta la versatilidad del arte surrealista para encontrar su lugar en un amplio espectro de contextos y formatos. En conclusión, «Goonie 041» de Naoto Hattori es un excelente ejemplo de surrealismo contemporáneo con una sutil influencia del arte pop urbano y el grafiti. La obra encapsula la profunda conexión del artista con una narrativa artística más compleja, que se adentra en los reinos de lo surrealista y el subconsciente. A través de «Goonie 041», Hattori nos invita a explorar las infinitas posibilidades de la imaginación, desafiando nuestras percepciones y animándonos a ver más allá del mundo visible.

    $669.00 $602.00

  • Venta -10% Flower 8.0 Pink Skateboard Art Deck by Takashi Murakami TM/KK

    Takashi Murakami TM/KK SKATEBOARD Cubierta Archival Pigment Print

    Compra SKATEBOARD Fine Art Edición limitada Archival Pigment Print Transfer en Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck por Street Artwork Graffiti Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Skateboard Artwork Tamaño XXXX INFORMACIÓN

    $659.00 $593.00

  • Venta -10% A Night On The Town Original Acrylic Painting by Aaron Craig- Pop Mash

    Aaron Craig- Pop Mash Una noche en la ciudad Pintura acrílica original de Aaron Craig- Pop Mash

    Una noche en la ciudad. Obra de arte original y única en acrílico sobre lienzo acrílico de 270 g/m² del popular artista de graffiti callejero Aaron Craig- Pop Mash. Firmado en 2021 Obra de arte original en acrílico. Tamaño: 21 x 29 pulgadas. Especificaciones de la obra Dimensiones: 54 cm x 74 cm (21” x 29”) Técnica: Acrílico sobre lienzo acrílico de 270 g/m² Firmada y con sello en seco de Aaron Craig

    $803.00 $723.00

  • Venta -10% Goonie 037 Original Watercolor Painting by Naoto Hattori

    Naoto Hattori Goonie 037 Acuarela original de Naoto Hattori

    Goonie 037 Acuarela original sobre papel de bellas artes enmarcado del artista surrealista Naoto Hattori. Acuarela original única firmada, 2013. Obra enmarcada. Tamaño del marco: 8,5 x 8,5 pulgadas. Tamaño de la imagen: 3 x 3 pulgadas. Enmarcada y con paspartú a medida por el artista. La singular fusión del surrealismo y el arte pop callejero en Goonie 037 de Naoto Hattori La acuarela original de Naoto Hattori, "Goonie 037", presenta una narrativa cautivadora dentro del espectro del Arte Pop Urbano y el Grafiti, a pesar de su técnica más tradicional y su enfoque surrealista. Alejándose de los típicos paisajes urbanos y los mensajes politizados del arte callejero, Hattori plasma una presencia enigmática que resuena con las características peculiares y profundas propias de lo caprichoso y lo bizarro. La pequeña imagen de 7,6 x 7,6 cm, enmarcada en un marco de 21,6 x 21,6 cm, capta la atención por su intimidad y complejidad, testimonio de la meticulosa maestría de Hattori. Creada en 2013, esta acuarela única evoca los mundos imaginativos por los que Hattori es reconocido, a la vez que sugiere la esencia del Arte Pop Urbano mediante su presentación singular y la decisión del artista de enmarcarla y montarla él mismo. Esta implicación personal en la presentación refleja el enfoque práctico de los artistas urbanos, quienes a menudo controlan cada aspecto de su obra, desde la concepción hasta la instalación. La complejidad de la obra y su encuadre personalizado sugieren un diálogo con el espectador, un intercambio íntimo frecuentemente buscado en el arte urbano. «Goonie 037» de Hattori no toma prestado explícitamente del lenguaje visual del grafiti, sino que infunde el espíritu personalizado, a menudo subversivo, de este arte en un ámbito más surrealista y fantástico. Esta pieza, firmada y certificada por el artista, demuestra su habilidad para plasmar temas de otro mundo con una precisión y profundidad palpables. Si bien la obra se basa en las tradiciones de las bellas artes, su espíritu de inconformismo y el elemento sorpresa inherente a su tema surrealista resuenan con la ética disruptiva del arte pop urbano y el grafiti. El legado artístico de Naoto Hattori y su intersección con la estética urbana Aunque a primera vista «Goonie 037» pueda parecer alejada de la vibrante crudeza del arte callejero, su singularidad se alinea con las piezas únicas que adornan los muros de la ciudad, a menudo irrepetibles e imposibles de encontrar en otro lugar. La decisión de Hattori de trabajar con acuarela —un medio considerado delicado y que requiere un enfoque sistemático— guarda paralelismos con la precisión que los artistas callejeros emplean con sus aerosoles y plantillas. El carácter surrealista de la obra desafía la percepción del espectador e invita a interpretaciones tan variadas como el público que la contempla, al igual que la diversidad de espectadores del arte pop callejero y el grafiti. La convergencia de la obra de Naoto Hattori con la sensibilidad del arte pop callejero y el grafiti reside en el espíritu compartido de ambos ámbitos: evocar emociones, desafiar las normas y cautivar mediante la narrativa visual. «Goonie 037», con sus ricas texturas y profunda complejidad, encarna un monólogo visual que interpela al espectador en múltiples niveles. La obra invita a la pausa, a una observación más detenida y a un momento de reflexión, al igual que el arte urbano que incita a los transeúntes a detenerse y contemplar. Al examinar el legado de Naoto Hattori y su creación "Goonie 037", se pueden apreciar los hilos que conectan su trabajo con el amplio panorama del arte pop urbano y el grafiti. Su obra nos recuerda que el arte no se limita a una sola categoría o estilo, sino que es una entidad fluida y en constante evolución que se nutre de innumerables influencias y se manifiesta de diversas formas. "Goonie 037" se erige, por lo tanto, como un puente entre el surrealismo y el arte urbano, encarnando el poder transformador del arte para trascender fronteras y conectar con espectadores de todo tipo.

    $669.00 $602.00

  • Venta -10% WTF Party Edition Mini HPM Wood Stencil Print by Denial- Daniel Bombardier

    Denial- Daniel Bombardier WTF Party Edition Mini HPM Wood Stencil Print por Denial- Daniel Bombardier

    WTF Party Edition- Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple, obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero de graffiti Denial, arte pop moderno. 2020 Edición limitada HPM firmada y numerada de 20 obras de arte Tamaño 11x15 «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación "WTF Party Edition - Mini" de Denial: Una vibrante declaración en el arte pop callejero En el arte pop urbano, "WTF Party Edition- Mini" de Denial destaca como una vívida expresión del sentir contemporáneo. Esta obra original, pintada a mano (HPM) sobre un panel enmarcado en madera, forma parte de la serie True Facts Mini Multiple del artista callejero Denial, Daniel Bombardier. Creada en 2020, esta pieza pertenece a una edición limitada, numerada y firmada por el artista, y consta de tan solo 20 ejemplares únicos, cada uno con dimensiones de 28 x 38 cm. La obra captura el espíritu vibrante, a menudo paradójico, de la vida moderna mediante la yuxtaposición de letras llamativas y un fondo dinámico, encapsulando la esencia del arte pop contemporáneo. "WTF Party Edition- Mini" emplea un lenguaje visual inconfundible, caracterizado por colores brillantes y contrastantes, y una tipografía lúdica e impactante que capta la atención. El acrónimo «WTF» es una expresión común de confusión o incredulidad, y al situarlo en el contexto de una «edición fiesta», Denial inyecta un toque de ironía y humor al diálogo. El fondo, que recuerda a las chispas de colores de los caramelos, añade una capa festiva y jocosa, reforzando aún más la temática paradójica de la obra. Esta pieza refleja el conocido enfoque artístico de Denial: abordar temas serios y a menudo siniestros con un humor crudo que invita a los espectadores a reflexionar sobre lo absurdo de las situaciones presentadas. Explorando las profundidades satíricas de la visión artística de la negación La visión artística de Denial va más allá de la mera estética; profundiza en la sátira, abordando a menudo los problemas más acuciantes de nuestra época con un tono irreverente y provocador. La "WTF Party Edition - Mini" es emblemática de este enfoque, ofreciendo una crítica de la condición humana contemporánea a través del arte pop urbano. La obra de Denial es conocida por su exploración de temas como el consumismo, la política y los medios de comunicación, y esta pieza no es una excepción. Al apropiarse y recontextualizar el lenguaje y los símbolos comunes, Denial invita a los espectadores a reflexionar sobre los mensajes subyacentes que impregnan su vida cotidiana. La textura en capas y los colores intensos de la "WTF Party Edition - Mini" son característicos del trabajo de Denial, fusionando la crudeza del grafiti con el brillo pulido del arte pop. Con su atención al detalle pintada a mano y su acabado de barniz transparente, esta pieza en particular ofrece una cualidad táctil que enfatiza la inmediatez del mensaje. La elección de la madera como soporte añade una sensación de durabilidad y solidez, consolidando las expresiones efímeras del arte callejero en una forma perdurable y coleccionable. Comentario cultural y coleccionabilidad en el arte callejero de Denial La obra "WTF Party Edition- Mini" de Denial es mucho más que una pieza visualmente impactante; es un comentario cultural que resuena con las experiencias compartidas de desenvolverse en un mundo a menudo lleno de contradicciones e imprevistos. Como pieza de colección de edición limitada, esta obra de arte resulta especialmente atractiva para quienes aprecian la fusión del arte urbano con los aspectos más refinados del arte pop. Los coleccionistas de la obra de Denial se sienten atraídos por la singular combinación de humor, crítica social y el vibrante estilo visual que caracterizan sus piezas. El valor coleccionable de "WTF Party Edition- Mini" se ve reforzado por su pertenencia a la serie "True Facts Mini Multiple Series", una colección de obras que exploran temas similares en diversos contextos. Poseer una pieza de esta serie no es solo una inversión en un objeto físico; es una conexión con la narrativa más amplia del artista y un reconocimiento del poder del arte pop urbano para influir en la cultura y reflejarla. En el panorama artístico actual, "WTF Party Edition- Mini" de Denial contribuye al diálogo en torno al papel del arte pop urbano y el grafiti. Esto ejemplifica cómo estas formas de arte pueden trascender sus orígenes, creando espacios para el diálogo, la reflexión y, sobre todo, un toque de diversión. A través de sus creaciones, Denial sigue desafiando percepciones, provocando conversaciones y ofreciendo nuevas perspectivas sobre las complejidades de la vida contemporánea.

    $954.00 $859.00

  • Venta -10% Sta Spangled Illusion Original Spray Paint Wood Painting by Shark Toof

    Shark Toof Sta Spangled Illusion Pintura en aerosol original Pintura en madera por Shark Toof

    Ilusión Estrellada, Pintura Original en Aerosol, Pintura en Aerosol y Acrílico sobre Madera Reciclada por Shark Toof, Artista Callejero de Graffiti, Arte Pop Moderno. Obra de arte original firmada de 2014, realizada con técnica mixta de pintura en aerosol. Medidas: 18 x 20,75 pulgadas. “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el grafiti, donde realmente desarrollé mi propia voz. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarse demasiado en serio, en una especie de vandalismo contra tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. “Me gusta Detroit porque es una ciudad muy independiente y yo soy un artista muy independiente, así que me siento como pez en el agua”.

    $861.00 $775.00

  • Venta -10% Dirty South Dance Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY Serigrafía Dirty South Dance de Shepard Fairey- OBEY

    Dirty South Dance, serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel artístico color crema moteado, del artista pop de graffiti Shepard Fairey - Obra de arte de edición limitada Obey Rare Street Art. Edición limitada de 300 ejemplares, firmada y numerada, de 2007. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Algunos rasguños leves en las zonas negras. Shepard Fairey (n. 1970) Dirty South Dance, 2007. Serigrafía a color sobre papel crema moteado. 61 x 45,7 cm (hoja). Edición de 300 ejemplares. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Obey Giant, Los Ángeles. La serigrafía Dirty South Dance es una obra de arte creada por Shepard Fairey, el artista callejero, diseñador gráfico y activista estadounidense contemporáneo, conocido por sus campañas "OBEY Giant" y "HOPE" de Barack Obama. La obra de Fairey se caracteriza por sus imágenes impactantes y provocadoras, que combinan elementos del grafiti, el arte pop y el activismo político. La serigrafía Dirty South Dance forma parte de la serie OBEY de Fairey, derivada de la campaña de pegatinas "OBEY Giant" que inició en 1989. Esta serie busca promover el pensamiento crítico y cuestionar las normas sociales, el control gubernamental y la influencia de los medios de comunicación y la publicidad en nuestras vidas. La serigrafía Dirty South Dance puede presentar el estilo característico de Fairey, con colores vibrantes, elementos de diseño llamativos y una mezcla de tipografía e imágenes. La obra puede centrarse en la escena musical "Dirty South", un subgénero del hip-hop originario del sur de Estados Unidos, particularmente de ciudades como Atlanta, Houston y Nueva Orleans. La obra de arte busca capturar la esencia de la música, sus artistas y la cultura que la rodea, incorporando a la vez los mensajes sociopolíticos de Fairey. Al ser una serigrafía, la obra de Dirty South Dance se habría creado mediante una técnica de impresión con plantilla, en la que la tinta se presiona a través de una malla para transferir el diseño al papel o lienzo. Este proceso permite la producción de múltiples copias, cada una considerada una impresión original, y es un método popular para crear arte urbano y carteles. Los coleccionistas y admiradores de la obra de Shepard Fairey podrían estar interesados ​​en adquirir la serigrafía de Dirty South Dance por su diseño único y su potente comentario cultural.

    $861.00 $775.00

  • Venta -10% Lines In The Slipstream #4 Drawing - Sprayed Paint Art Collection

    JM Rizzi Lines In The Slipstream #4 Dibujo original de JM Rizzi

    Líneas en la corriente de aire #4. Obra de arte original y única realizada con tinta de rotulador sobre papel de acuarela de bellas artes por el popular artista de arte callejero y cultura pop JM Rizzi. 2022. Pintura original firmada con tinta de rotulador. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Vivimos tiempos de tensión. Con los ojos cerrados, me entrego a la corriente, patino sobre la estela de un flujo energético incesante. Esta serie de obras sobre papel representa un experimento más sofisticado con motivos abstractos. El aluminio de un avión y el oro regio ondulan y se entrelazan como remolinos salpicados de carmesí. El acto final: una amalgama de tonalidades metálicas con finas líneas negras que cuestionan la delimitación entre el espacio positivo y negativo. Una interpretación visual de la sensación tácita del impulso eterno de la historia humana. –JM Rizzi

    $596.00 $536.00

  • Venta -10% Spacemonkey Test Print Unique Silkscreen Artwork by Dalek- James Marshall

    Dalek- James Marshall SILKSCREEN Serigrafía de ARTIST

    Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

    $925.00 $833.00

  • Venta -10% Kermit Muppet Archival Print by Adam Lister

    Adam Lister Impresión de archivo de Kermit Muppet por Adam Lister

    Impresión de archivo de Kermit Muppet por Adam Lister. Edición limitada en papel mate de bellas artes prensado en caliente de 300 g/m². Arte pop, graffiti, arte callejero, artista, obra de arte moderna. Impresión firmada y numerada de 2023. Edición limitada de 50 ejemplares. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. Kermit la Rana Muppet pensando en estilo glitch. La estampa de Kermit de Adam Lister: una fusión de arte pop callejero e iconografía moderna La lámina de archivo de Kermit Muppet, obra de Adam Lister, es una audaz reinterpretación de uno de los personajes más reconocibles de la cultura pop: la Rana Gustavo. Conocido por sus expresiones contemplativas e icónicas, Gustavo se presenta en esta obra de edición limitada de 2023 a través de la estética glitch característica de Lister. Esta lámina artística de pigmentos de archivo está impresa en papel mate de 300 g/m² prensado en caliente, una elección que realza los colores vivos y la precisión geométrica de la obra. La edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, garantiza su exclusividad, convirtiéndola en una pieza preciada tanto para coleccionistas como para fans. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, la lámina captura a Gustavo en un momento de reflexión, una pose que se ha convertido en sinónimo de humor e introspección en la cultura popular. La interpretación pixelada de Lister deconstruye la figura familiar en un mosaico de formas geométricas, combinando la nostalgia con un toque artístico moderno. Este enfoque no solo reinventa al querido Muppet, sino que también destaca la interacción entre los iconos tradicionales de la cultura pop y las técnicas artísticas contemporáneas. La obra de Lister invita a los espectadores a reconsiderar lo familiar a través del prisma del arte pop callejero y el grafiti, creando un diálogo entre pasado y presente. El arte pop callejero se encuentra con la nostalgia lúdica La obra de Adam Lister, Kermit Muppet, encarna la esencia del arte pop urbano y el grafiti al ofrecer una perspectiva novedosa de un personaje universalmente reconocido. La técnica de estilo glitch deconstruye la forma de Kermit en una composición reticular, donde cada forma y color contribuye a la imagen general, conservando un aire de abstracción. Este método refleja la naturaleza fragmentada del arte urbano, donde las imágenes impactantes y las texturas superpuestas capturan la esencia del sujeto. La expresión de Kermit, a menudo asociada con memes ingeniosos y comentarios culturales, conecta con públicos de todas las edades. El enfoque de Lister amplifica esta relevancia cultural, transformando a Kermit de un simple personaje en una declaración sobre la cultura pop moderna. Los verdes vibrantes y los tonos apagados del fondo enfatizan la silueta icónica de la rana, permitiendo al espectador centrarse en la complejidad de los patrones geométricos. Esta combinación de simplicidad y complejidad es un sello distintivo del trabajo de Lister, que refleja las narrativas complejas presentes en el grafiti y el arte urbano. El papel de las técnicas de archivo en el arte contemporáneo El proceso de impresión con pigmentos de archivo utilizado para la lámina de Kermit Muppet garantiza un nivel de calidad y durabilidad que cumple con los estándares museísticos. El papel mate de bellas artes de 300 g/m², prensado en caliente, realza la profundidad y la riqueza de los colores, creando una experiencia táctil y visualmente atractiva para el espectador. Cada lámina está firmada y numerada por Adam Lister, lo que aumenta aún más su autenticidad y valor como pieza de colección. Este compromiso con la calidad subraya la importancia de la artesanía en el arte pop urbano y el grafiti. Si bien estos géneros suelen abrazar la espontaneidad y la fugacidad, el uso que hace Lister de técnicas de archivo tiende un puente entre la inmediatez de la cultura urbana y el atractivo perdurable de las bellas artes. La elección de los materiales no solo preserva la viveza de la obra, sino que también la eleva dentro del contexto del arte contemporáneo. La singular contribución de Adam Lister al arte moderno Adam Lister continúa desafiando los límites del arte pop urbano y el grafiti al reinterpretar figuras icónicas a través de su estética glitch. Radicado en Estados Unidos, su obra se nutre de una profunda apreciación por la iconografía clásica y popular, fusionando estas influencias en piezas que conectan con públicos diversos. La lámina de Kermit Muppet es un testimonio de su habilidad para reinterpretar símbolos culturales de forma innovadora. Al transformar a la Rana Gustavo en una obra maestra geométrica, Lister celebra la perdurable popularidad del personaje e invita a los espectadores a explorar nuevas dimensiones de imágenes familiares. Su trabajo desafía las nociones tradicionales de representación, alentando al público a interactuar con el arte de maneras reflexivas y vanguardistas. La lámina de Kermit Muppet no es solo un tributo a un personaje entrañable, sino también una exploración de cómo el arte puede evolucionar para mantenerse relevante en un panorama cultural en constante cambio.

    $748.00 $673.00

  • Venta -10% Make America Again PP Archival Print by Scott Listfield

    Scott Listfield Impresión de archivo KONG de Scott Listfield

    Compre KONG Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel de bellas artes del artista Scott Listfield, Street Pop Art Graffiti Legend. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte Tamaño 18x24 Artista: Scott Listfield Título: "KONG" Medio: Archival Pigment Edición impresa: 50 Marcas: Firmada y numerada por el artista Dimensiones: 18" x 24"

    $590.00 $531.00

  • Venta -10% The Guns of Brixton- Paul Simonon Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY Las armas de Brixton- Paul Simonon serigrafía de Shepard Fairey- OBEY

    The Guns of Brixton - Paul Simonon. Serigrafía de dos colores impresa a mano sobre papel artístico color crema moteado, del artista pop de graffiti Shepard Fairey - Obey x Kate Simon. Obra de arte callejero rara, edición limitada. 2011 Firmado por Shepard Fairey/Kate Simon y Edición Limitada Numerada de 450 Tamaño de la obra 18x24 Pequeño pliegue en el borde superior. Shepard Fairey X Kate Simon The Guns of Brixton (Paul Simonon), 2011 Serigrafía en color sobre papel crema moteado 24 x 18 pulgadas (61 x 45,7 cm) (hoja) Ed. 450 Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior Publicada por Obey Giant, Los Ángeles. «The Guns of Brixton» es una canción de la banda británica de punk rock The Clash, escrita por su bajista Paul Simonon. Apareció en su álbum de 1979, «London Calling». La obra de Paul Simonon se ha convertido en un ícono por derecho propio, ya que ha desarrollado una exitosa carrera artística desde la disolución de The Clash. Shepard Fairey es un reconocido artista callejero, diseñador gráfico y activista estadounidense, famoso por su campaña «OBEY Giant» y el icónico póster «Hope» creado para la campaña presidencial de Barack Obama en 2008. Combinando su propio estilo artístico con el legado del punk rock, Fairey ha creado numerosas obras inspiradas en músicos y bandas. Shepard Fairey creó una serigrafía inspirada en «The Guns of Brixton» y con la imagen de Paul Simonon. En esta hipotética obra, Fairey probablemente incorporaría elementos de su estilo característico, como colores vibrantes, líneas definidas e imágenes que invitan a la reflexión, a la vez que rinde homenaje a la influencia de The Clash y su música. La obra de arte podría incluir referencias a la letra de la canción o imágenes de la portada del álbum London Calling, que presenta una fotografía de Simonon destrozando su bajo en el escenario basada en una foto de Kate Simon.

    $704.00 $634.00

  • Venta -10% What The Hell Am I Doing With My Life Mini HPM Wood Stencil Print by Denial- Daniel Bombardier

    Denial- Daniel Bombardier ¿Qué diablos estoy haciendo con mi vida Mini HPM Wood Stencil Print por Denial- Daniel Bombardier

    ¿Qué demonios estoy haciendo con mi vida? - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti. Arte pop moderno. 2020 Obra de arte HPM, edición limitada de 20 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño: 11x11. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación En el mundo de Denial, la memoria es fundamental, pues constituye la base de su obra, ya que invita al público a conectar con ella de forma nostálgica. Por ello, su arte resulta tan familiar como perturbador, al revelar los aspectos más inquietantes de la sociedad, aquellos que negamos. A pesar de su controvertida historia, el grafiti se percibe cada vez menos como una forma de vandalismo.

    $954.00 $859.00

  • Venta -10% The Final Solution Atomic Bomb Print by SSUR- Ruslan Karablin

    SSUR- Ruslan Karablin La impresión de la bomba atómica de la solución final de SSUR- Ruslan Karablin

    La Solución Final - Obra de arte de la bomba atómica, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop SSUR- Ruslan Karablin. Obra de arte de edición limitada firmada de 2014

    $795.00 $716.00

  • Venta -10% Cageman Vinyl Sculpture by Joan Cornellà

    Joan Cornellà Escultura en vinilo Cageman de Joan Cornellà

    Escultura de vinilo Cageman de Joan Cornellà, obra de arte callejero de grafiti pop moderno de edición limitada. Edición limitada de 50 obras de arte de 2025. Tamaño de la escultura: 3 x 5,7. Escultura en vinilo Joan Cornellà Cageman 2025 La escultura de vinilo Cageman de Joan Cornellà es un ejemplo nítido e inquietante de arte pop callejero y grafiti contemporáneo, plasmado en formato tridimensional. Lanzada en 2025 como una edición limitada de tan solo 50 esculturas, esta pieza mide aproximadamente 7,6 x 14,5 cm y condensa el lenguaje visual característico de Cornellà en un objeto compacto y altamente simbólico. Conocido por su humor negro y sus personajes engañosamente alegres, Cornellà utiliza la escultura para extender los temas que han definido su práctica ilustrativa, transformando la sátira en una obra de arte física y coleccionable. Concepto visual y tono satírico oscuro La escultura representa a un hombre sonriente, vestido con un traje neutro y una corbata azul brillante, posando junto a una pequeña jaula con barrotes, sosteniendo un palo de selfie. En una configuración, la figura se sienta cómodamente fuera de la jaula, sonriendo al espectador, mientras que en otra, está encerrado en ella. El contraste entre la expresión alegre del personaje y el encierro implícito es fundamental para el significado de la obra. Esta contradicción visual refleja el enfoque característico de Cornellà, donde una positividad exagerada enmascara verdades profundamente incómodas. Las líneas limpias, la superficie de vinilo brillante y las proporciones caricaturescas refuerzan la estética engañosamente lúdica, atrayendo al espectador antes de confrontarlo con las implicaciones más oscuras que se esconden bajo la superficie. Detalles de ejecución y edición del material Producida en vinilo de alta calidad, Cageman presenta acabados suaves, detalles nítidos y un moldeado preciso que enfatiza la apariencia pulida, similar a la de un juguete, que Cornellà suele emplear para intensificar su sátira. El elemento de la jaula con barrotes añade una fuerte presencia arquitectónica, reforzando los temas de confinamiento, vigilancia y autolimitación. Con una edición limitada de tan solo 50 ejemplares, esta escultura ocupa un lugar excepcional en la producción escultórica de Cornellà, atrayendo tanto a coleccionistas de arte contemporáneo con influencia pop como a quienes se sienten atraídos por el arte pop callejero conceptual y el grafiti. Su pequeño tamaño la hace accesible, mientras que su peso conceptual garantiza un impacto visual e intelectual duradero. Joan Cornellà y el pop art callejero contemporáneo Joan Cornellà nació en 1981 en Barcelona, ​​España, y se ha hecho internacionalmente conocido por sus ilustraciones sin palabras que critican la sociedad moderna, la cultura de las redes sociales, el consumismo y el desapego emocional. Su obra se identifica al instante por sus colores brillantes, personajes sonrientes y giros narrativos abruptos, a menudo perturbadores. Si bien no es un artista de grafiti en el sentido tradicional, la obra de Cornellà se alinea estrechamente con el arte pop callejero y el grafiti gracias a su accesibilidad, claridad gráfica y crítica cultural. Cageman ejemplifica su capacidad para condensar la crítica social compleja en imágenes sencillas y memorables, utilizando el humor como caballo de Troya para explorar temas de libertad, identidad y autovigilancia en el mundo contemporáneo.

    $683.00 $615.00

  • Venta -10% Signal Lost, It's all Good Big Poppa Art Toy by Ron English- POPaganda x Dead St

    Ron English- POPaganda Señal perdida, todo bien. Gran juguete artístico Poppa de Ron English - POPaganda x Dead St

    Señal perdida, todo bien - Obra de arte original y única de Big Poppa pintada a mano en Ron English - POPaganda ¿No lo ves? Juguete de arte en vinilo. Figura pintada a mano por Dead St. 1 de 1. Técnica mixta, acrílico, pintura en aerosol.

    $877.00 $789.00

  • Venta -10% Baccarat Clear 200% Be@rbrick Crystal Glass Art Toy by Medicom

    Baccarat Juguete artístico de cristal Baccarat Clear 200% Be@rbrick de Medicom

    Figura de arte coleccionable de cristal Baccarat Clear 200% Be@rbrick de Medicom Designer, obra de arte de edición limitada de lujo. Juguete artístico de cristal transparente de Medicom, Baccarat x Bearbrick 2021. Tamaño coleccionable. 100 % nuevo en caja. ¡El kawaii invade el planeta Baccarat! Fusión de artesanía y cultura pop El Be@rbrick transparente 200% de Baccarat 2021 representa una fusión única entre la artesanía tradicional francesa del cristal y la estética de la cultura pop moderna. Esta pieza es una celebración tangible de la fusión entre el lujo tradicional de Baccarat, el icónico fabricante francés de cristal, y la expresión creativa contemporánea de Medicom Toy, una figura japonesa líder en el mercado de los juguetes de diseño. La incursión de Baccarat en los juguetes artísticos coleccionables con el Be@rbrick de cristal transparente demuestra la versatilidad de la marca para adoptar las tendencias de diseño modernas, manteniéndose fiel a su legado de exquisita artesanía. Hecha a mano en Francia, esta figura de cristal de plomo transparente encapsula la esencia del Be@rbrick, conservando la apreciada forma del oso y reflejando una nueva luz dentro de su forma transparente e impecable. El Be@rbrick en el mundo del pop art callejero Al adoptar la forma de un oso, símbolo a menudo asociado con la calidez y la comodidad, el Be@rbrick transparente de Baccarat trasciende sus orígenes lúdicos para convertirse en una sofisticada obra de arte. Se erige como un objeto a la vanguardia del arte pop callejero y el grafiti, un ámbito donde lo caprichoso y lo refinado coexisten en armonía. Como edición limitada, el Be@rbrick de cristal transparente de Baccarat no es solo un juguete, sino una joya de colección. Su creación en 2021 marca un momento en el arte y el diseño donde las fronteras entre las diferentes formas de expresión se difuminan cada vez más, y objetos de colección como este se han convertido en valiosos activos en el mercado del arte. Atractivo cultural y estético El cristal transparente Be@rbrick de Baccarat es más que una fusión de lujo y arte callejero: es una declaración sobre la evolución del arte y los objetos de colección en la era moderna. Es un testimonio de los cambios en el consumo y la apreciación del arte, donde piezas que antes se consideraban informales o poco tradicionales ahora son celebradas y codiciadas en círculos de alta gama. Este Be@rbrick transparente simboliza la adaptabilidad y la creatividad, una pieza que se erige como un faro de innovación en el arte pop callejero y el grafiti, capturando la esencia de una generación que venera tanto la artesanía del pasado como la libertad artística del presente.

    $788.00 $709.00

  • Venta -10% Primer V Archival Print by Dave Pollot

    Dave Pollot Impresión de archivo Primer V de Dave Pollot

    Primer V Edición Limitada Impresiones Artísticas de Pigmentos de Archivo en Papel de Trapa Aterciopelado Mate de 315 g/m² del Artista de Arte Callejero y Cultura Pop y Graffiti Dave Pollot. Edición de 100 ejemplares. Medidas: 24 x 34,3 pulgadas (incluido un margen de 2 pulgadas). Impreso en papel mate aterciopelado de 315 g/m². Firmado y numerado por el artista.

    $589.00 $530.00

  • Venta -10% Speaking Quantum PP Archival Print by Peeta

    Peeta Impresión de archivo Quantum PP de Peeta

    Impresión de prueba de archivo de Speaking Quantum PP Printer por Peeta. Edición limitada impresa en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de imprenta PP 2012. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 26 x 16 pulgadas. Impresión artística con pigmentos de archivo. La fusión artística en "Speaking Quantum" de Peeta «Speaking Quantum» es un ejemplo fascinante de cómo los conceptos abstractos de la física cuántica pueden plasmarse a través del lenguaje vibrante del arte pop urbano y el grafiti. Esta prueba de imprenta (PP) de archivo del artista Peeta exhibe una exquisita interacción entre forma, color y la ilusión de dimensionalidad, resonando profundamente con el espíritu del arte moderno. Al ser una edición limitada impresa en papel Moab Entrada de 290 g/m², no es solo una obra de arte, sino un fragmento de la cultura pop contemporánea congelado en el tiempo. Creada en 2012, Peeta firmó y marcó esta obra como prueba de imprenta, lo que indica su condición de edición rara y, a menudo, más valiosa que las series numeradas. La marca PP indica que la pieza formó parte de una pequeña tirada utilizada para verificar la calidad antes de la producción principal, generalmente reservada por el artista o el editor para sus archivos o distribuciones especiales. El tamaño de la obra, 26 x 16 pulgadas, es lo suficientemente sustancial como para impactar al espectador, sumergiéndolo en sus complejas capas y curvas fluidas. La obra de Peeta es reconocida por sus efectos tridimensionales, que crean una sensación de profundidad y movimiento que desafía la percepción del espectador. «Speaking Quantum» es extraordinariamente evocadora, con sus formas que se entrelazan y pliegan entre sí, creando una experiencia casi táctil. El uso de pigmentos de archivo garantiza que los matices de color y la precisión de las líneas se conserven, protegiendo la viveza de la obra durante muchos años. La visión de Peeta en el contexto del arte pop callejero y el grafiti En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, "Speaking Quantum" destaca por su enfoque innovador del grafiti. Peeta, un artista de grafiti con un estilo único que a menudo incorpora elementos escultóricos, ha plasmado la energía dinámica del arte urbano en papel de bellas artes. Esta obra, con su representación abstracta y su intrincado diseño, refleja una versión madura del grafiti que trasciende las letras y se adentra en el ámbito del arte elevado. La pieza no solo representa la visión del artista, sino que encarna la naturaleza fluida del arte pop urbano: en constante evolución, desafiando límites y explorando nuevos territorios. La decisión de Peeta de capturar la esencia de la física cuántica —a menudo asociada con lo subatómico y lo incierto— a través del grafiti es un testimonio de la versatilidad y profundidad de esta forma de arte urbano. La obra funciona como un diálogo entre lo conocido y lo desconocido, lo visible y lo invisible, al igual que la física cuántica. "Speaking Quantum" invita a los espectadores a interpretar los elementos convergentes y divergentes para encontrar significado en las formas abstractas. La fluidez y el movimiento de la obra sugieren un momento de transformación, una representación visual de la energía en constante cambio. Es un artefacto moderno que enriquece el paisaje visual y despierta curiosidad e introspección, invitando a una conexión más profunda con el mundo de la mecánica cuántica y el arte que inspira. Al preservar "Speaking Quantum" como una edición limitada impresa, Peeta permite a los entusiastas y coleccionistas del arte conectar con el arte pop urbano en una nueva dimensión. Es una invitación a explorar las intersecciones entre el arte, la ciencia y la filosofía a través del prisma del grafiti, marcando un hito en la trayectoria del arte urbano desde los callejones y el metro hasta las galerías y colecciones privadas. La existencia de esta obra como impresión PP eleva su estatus, asegurando que siga siendo una pieza exclusiva y codiciada dentro de la cultura del arte pop y el grafiti.

    $563.00 $507.00

  • Venta -10% Another New York Classic PP Print by Tats Cru x BIO- Wilfredo Feliciano

    Tats Cru Otro estampado clásico neoyorquino de Tats Cru x BIO- Wilfredo Feliciano

    Otra prueba de impresión de archivo de New York Classic PP Printer Proof de Tats Cru x BIO - Wilfredo Feliciano. Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m². Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de imprenta PP 2021. Firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 17x17. Impresión artística con pigmentos de archivo. "Otro clásico neoyorquino" de Tats Cru x BIO: Un tapiz de arte urbano «Otro Clásico de Nueva York», de Tats Cru y BIO (también conocido como Wilfredo Feliciano), es una prueba de imprenta (PP) de archivo que captura la esencia del legado del grafiti neoyorquino, reinterpretada a través del prisma del arte pop moderno. Lanzada en 2021, esta obra de edición limitada es una pieza emblemática que exhibe el estilo intrincado y audaz que se ha convertido en sinónimo de Tats Cru, un colectivo pionero del grafiti nacido en las calles del Bronx. La impresión de 43 x 43 cm está realizada en papel Moab Entrada de 290 g/m², elegido por su capacidad para retener el pigmento de archivo de alta densidad, lo que garantiza que cada línea, curva y tono conserve su viveza y detalle originales. Firmada y marcada como PP por BIO, esta impresión forma parte de una serie de edición limitada creada pensando en el coleccionista exigente. Cada pieza es una celebración de la rica cultura del grafiti que Tats Cru ha contribuido a forjar. Como artistas callejeros que han pasado de las superficies transitorias de los muros de la ciudad a la permanencia del papel de bellas artes, Tats Cru y BIO han redefinido los límites entre el arte callejero y el arte de galería, infundiendo a su obra un nivel de sofisticación sin perder la energía cruda que define el género. Tats Cru y BIO: Guardianes del legado del grafiti En "Otro Clásico de Nueva York", la complejidad del arte del grafiti se condensa en una sola imagen. La obra es emblemática del papel de Tats Cru como guardianes del legado del grafiti e innovadores dentro de esta forma de arte. La contribución de BIO como miembro fundador de Tats Cru se evidencia en su dominio de la línea y la forma, aportando a la pieza un dinamismo que es a la vez nostálgico y vanguardista. La impresión no es solo una representación del arte pop callejero; es un diálogo con la historia del grafiti, una obra que refleja la evolución de la expresión urbana. El uso de pigmentos de archivo en la creación de esta impresión garantiza que la obra de arte perdure en el tiempo, una cualidad particularmente significativa en el contexto del grafiti, que suele ser efímero. La decisión de crear una edición PP refleja una dedicación a la excelencia y la exclusividad, donde cada impresión sirve como testimonio del compromiso de Tats Cru y BIO con su oficio. Significado cultural y valor de colección de "Otro clásico neoyorquino" «Otro Clásico de Nueva York» es más que una lámina artística; es un artefacto cultural que encarna el espíritu del movimiento de arte urbano de la ciudad de Nueva York. Es una pieza que conecta con quienes han presenciado la transformación del grafiti, de fenómeno underground a una práctica artística respetada. Para los coleccionistas, poseer una edición PP de esta obra significa conectar con un pedazo de historia, una narración del recorrido del arte urbano contada por algunas de sus figuras más influyentes. La lámina de archivo PP «Otro Clásico de Nueva York», de Tats Cru y BIO, se erige como un monumento al impacto del arte urbano en la cultura pop moderna. Es un testimonio del poder del grafiti como forma de expresión artística y de su influencia perdurable en el panorama del arte contemporáneo. A través de su trabajo, Tats Cru y BIO siguen inspirando a una nueva generación de artistas y amantes del arte, tendiendo un puente entre las calles y el mundo de las bellas artes, y asegurando que el legado del arte pop urbano y el grafiti siga prosperando.

    $563.00 $507.00

  • Venta -10% These Parties Disgust Me Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY

    Shepard Fairey- OBEY Estas fiestas me disgustan serigrafía de Shepard Fairey- OBEY

    Estas fiestas me repugnan. Serigrafía de edición limitada a dos colores, impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone, del artista Shepard Fairey Street Art OBEY Artwork. Serigrafía firmada y numerada de 2010. Estas fiestas me dan asco. Serigrafía a color sobre papel crema moteado. 61 x 45,7 cm (hoja). Edición de 450 ejemplares. Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Obey Giant, Los Ángeles. Esta imagen es una especie de continuación de la Guardia de la Paz de 2008 y sirve como recordatorio de que, irónicamente, impulsar la paz requiere una vigilancia militante. Me encanta la yuxtaposición de símbolos aparentemente contradictorios. La paz es la victoria sin guerra. ¡Es un buen día cuando no tienes que usar tu AK! – Shepard

    $861.00 $775.00

  • Venta -10% Flower of Evil: There is an End To Everything- White Silkscreen Print by Cleon Peterson

    Cleon Peterson La flor del mal: todo tiene un final: serigrafía en blanco de Cleon Peterson

    Flor del Mal: ​​Todo tiene un fin - Serigrafía de edición limitada, blanca, bicolor, impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, de Cleon Peterson. Arte callejero poco común, famoso artista de arte pop. 2021 FLORES DEL MAL: TODO TIENE UN FIN (Blanco) 81 x 81 cm. Serigrafía artesanal en negro y hueso. Impresa en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 125 ejemplares.

    $759.00 $683.00

🔥 Street Art & Graffiti Pop Art Sale – Limited-Time Discounts on Urban Masterpieces

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