Serigrafía de edición limitada Gameface, impresa a mano en 5 colores sobre papel de bellas artes por Derek Hess, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «En esta ilustración, mi modelo "Kim-Fu" luce las marcas del bronceado típicas de las camisetas de fútbol americano. El estadio que se ve al fondo es el antiguo Estadio Municipal de Cleveland (Q.E.P.D.).» - Derek Hess

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Catalyst, obra original dibujada a mano sobre papel artístico envejecido con bordes irregulares enmarcado, del artista surrealista Naoto Hattori. Dibujo original único a lápiz/grafito, firmado en 2012. Obra enmarcada. Medidas del marco: 8,5 x 8,5 pulgadas. Tamaño de la imagen: 3 x 5 pulgadas. Enmarcado y con paspartú personalizados por el artista. «Catalizador» de Naoto Hattori: Una intersección surrealista de imágenes y emoción «Catalyst», una obra original dibujada a mano por el artista surrealista Naoto Hattori, representa una singular convergencia entre la delicadeza del dibujo a lápiz y el surrealismo emotivo, plasmada en papel artístico envejecido con bordes irregulares. Este dibujo único de 2012, realizado con lápiz y grafito, es testimonio de la habilidad de Hattori para representar visiones oníricas y complejas en un espacio reducido. La obra enmarcada, con una imagen de 7,6 x 12,7 cm y un marco de 21,6 x 21,6 cm, ha sido enmarcada y montada a medida por el artista, añadiendo un toque personal que complementa la escala íntima de la obra. Este dibujo se distingue de la ejecución y presentación convencionales del arte urbano. Mientras que el arte pop callejero y el grafiti suelen asociarse con grandes instalaciones públicas, «Catalyst» de Hattori invita a una interacción más personal. La pieza está impregnada de las complejidades de las bellas artes, a la vez que resuena con la accesibilidad y el impacto visceral propios del arte callejero. La obra de Hattori no grita desde las paredes; en cambio, susurra, atrayendo al espectador a un diálogo uno a uno con el arte. Explorando el detalle artístico en "Catalyst" El meticuloso detalle de "Catalyst" demuestra el dominio magistral de Hattori sobre el lápiz y el grafito, revelando una criatura de otro mundo que parece emerger de las fibras mismas del papel envejecido. El papel trabajado a mano resalta la apreciación del artista por las cualidades táctiles de sus materiales y su intención de fusionar lo tradicional con lo surrealista. Cada trazo y sombra en el dibujo contribuye a una sensación general de profundidad y dimensión, insuflándole vida al fantástico tema. La criatura representada combina elementos familiares con lo enigmático, desafiando la percepción de la realidad del espectador. El tamaño íntimo de la imagen, en contraste con el marco más sustancial, enfatiza la naturaleza preciosa de la obra, similar a una reliquia o un talismán. Esta sensación de preciosidad es a menudo buscada en el arte pop urbano y el grafiti, donde la naturaleza transitoria del medio contrasta marcadamente con el deseo de crear algo duradero e impactante. "Catalyst" de Hattori, si bien no es una obra de arte urbano típica, captura la esencia de lo que muchos artistas callejeros buscan: una conexión perdurable con el público. «Catalyst» de Naoto Hattori es una obra de arte profunda que trasciende las fronteras entre las diversas disciplinas del arte pop, el arte urbano y el surrealismo. Encapsula lo etéreo, lo tangible, lo imaginado y lo preciso, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las profundidades desconocidas de su psique. La meticulosa factura, junto con la presentación única, convierte a «Catalyst» en una valiosa aportación al discurso del arte contemporáneo, destacando la amplitud y la diversidad dentro del ámbito de la expresión artística.

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Estudio Nocturno II. Dibujo original a tinta sobre papel de bellas artes del artista de arte callejero moderno de tendencia Sheefy McFly. Obra de arte original firmada, realizada con rotulador en 2020. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Estudio nocturno II enmarcado, 2020. Tinta sobre papel. 24 x 18 pulgadas (61 x 45,7 cm) (hoja). Firmado y fechado en el borde derecho. Dimensiones enmarcado: 27,5 x 21,5 pulgadas.

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Passion Dans Le Rouge Litografía de Enrique Peycere Impresión manual sobre papel de bellas artes con bordes irregulares Edición limitada Modernismo contemporáneo Obra de arte pop vintage. 1986. Edición limitada de 120 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 28 x 31 cm. Papel con bordes irregulares. Obra contemporánea moderna abstracta en rojo titulada «Passion Dans Le Rouge» (Pasión en rojo). Ligera arruga por manipulación en el borde inferior izquierdo. Enrique Peycere y "Passion Dans Le Rouge": un estudio en abstracción La litografía de 1986 «Passion Dans Le Rouge», creada por Enrique Peycere, captura la intensa emoción y la energía dinámica que sugiere su título. Esta obra, una edición limitada impresa a mano en papel de bellas artes, destaca por su expresión abstracta moderna y contemporánea, y sus generosas dimensiones de 71 x 79 cm. Con tan solo 120 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista, se ha convertido en una pieza muy codiciada por coleccionistas y amantes del arte. La vitalidad del rojo en la visión abstracta de Peycere La elección del rojo por parte de Peycere es deliberada y está cargada de simbolismo. En el arte, el rojo suele asociarse con la pasión, la fuerza y ​​la vitalidad, y en «Passion Dans Le Rouge», este color cobra protagonismo, palpitando con vida y dinamismo. Las formas abstractas que dominan la composición recuerdan a formas orgánicas, aludiendo al mundo natural o a la figura humana, lo que permite al espectador interactuar con la obra en múltiples niveles interpretativos. Esta abstracción se alinea con los principios del arte pop y el grafiti, donde el color y la forma suscitan una respuesta visceral en el espectador. El eco del expresionismo abstracto en el arte callejero y pop Aunque la obra de Enrique Peycere es anterior al auge del arte pop callejero y el grafiti, «Pasión en rojo» resuena con la energía y la espontaneidad que caracterizan estos movimientos posteriores. La abstracción presente en la litografía de Peycere puede considerarse precursora de las tendencias abstractas del arte callejero y el pop, donde el impacto emocional y la experiencia estética suelen primar sobre la precisión representativa. La audacia y la sencillez de la obra, aunadas a su naturaleza abstracta, la convierten en una pieza que trasciende el tiempo y el estilo, conectando con el lenguaje universal del color y la forma. De este modo, «Pasión en rojo» de Peycere no solo contribuye a la narrativa del arte abstracto, sino que también enriquece el debate más amplio sobre la influencia del expresionismo abstracto en el arte callejero y el pop contemporáneos. La litografía «Pasión en rojo» de Enrique Peycere sigue siendo una poderosa expresión de emoción y maestría artística. Sus formas abstractas y vibrantes tonalidades rojas siguen cautivando e inspirando, al igual que el vívido arte callejero que colorea los paisajes urbanos de ciudades de todo el mundo. A través de sus obras de edición limitada, Peycere ha dejado una huella imborrable en el mundo del arte, cuya influencia perdura en el arte moderno y contemporáneo.

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Compra SCULPTURELIMITED Obra de arte pop de edición limitada Artista callejero Bellas artes. 2023 Escultura firmada Edición limitada de XXX Tamaño de la obra XXXX INFORMACIÓN

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Paso Seguro. Dibujo original a mano con grafito y lápices de colores sobre papel Arches Fine Art con bordes irregulares, del artista pop moderno Craww. Dibujo original firmado de 2014 sobre papel con bordes irregulares, 13 x 22,5 pulgadas.

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Figura coleccionable de vinilo Medicom de edición limitada de Shaquille O'Neal - Orlando Magic 100% y 400%. Shaquille O'Neal se convierte en Bearbrick con este set de figuras Bearbrick de Medicom Toy, que incluye figuras de 100% y 400%. Revive la época dorada con el uniforme del Orlando Magic. Las figuras miden 7 cm y 28 cm de alto.

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El día en que el tiempo se detuvo. Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en papel Moab Rag Fine Art de 290 g/m² de Jana Brike, artista de graffiti callejero, arte pop moderno. El título del cuadro es una completa paradoja, por supuesto. Está relacionado con mi percepción de la realidad en estados meditativos. El tema central se basa tanto en la relación entre la niña y la tribu como, libremente, en la historia de las Tres Gracias. Explora qué es la belleza para mí. La belleza es un sentimiento. No se trata simplemente de ser bonita. Incluye valentía, sabiduría, fuerza e imperfecciones que nos hacen únicos. La belleza es un sentimiento, y se necesita sentir para percibirla. La belleza es un corazón radiante, y se necesita tener los ojos del corazón abiertos para verlo. Esta obra fue sin duda más ambiciosa que cualquiera de mis trabajos anteriores. Más detallada. Además, antes de esta, rara vez pintaba más de una figura. Mis personajes siempre estaban solos, atrapados en su propio universo autosuficiente. A partir de esta obra, las relaciones entre los personajes se han vuelto cada vez más importantes para mí. - Jana Brike

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El origen del planeta de los simios. Edición limitada. Serigrafía monocromática impresa a mano sobre papel de bellas artes por JC Richard, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cada una de estas impresiones, de 18" x 24", necesitó 8 pantallas y 9 colores para capturar su viveza en el papel French Pop-Tone Berrylicious de 100# utilizado, y la vista posterior del personaje está impresa en el reverso de la impresión.

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Impresiones de edición limitada Drive con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m² de Marly Mcfly, artista de graffiti callejero y arte pop moderno. Edición limitada de 82 ejemplares, firmada y numerada, 2021. Tamaño de la obra: 18x18 pulgadas. Considero que mi arte es una mezcla de arte pop y arte urbano. Me inspiro en mi entorno e intento incorporar el siempre cambiante mundo de la cultura pop a mi obra.

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Obra de arte desnuda salvaje, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12 x 18 pulgadas.

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Obra de arte Astronaut 333, impresión giclée de edición limitada en papel Photographique Rag del artista de graffiti de la cultura pop Marwan Shahin. El "Astronauta 333" trasciende de otra dimensión. Esta tercera entrega de la serie Asstronauta es una edición limitada de tan solo 33 ejemplares. Cada Asstronauta incluye un casco holográfico, pintado y decorado a mano por el artista, y cada impresión es única. "Astronauta 333" 2021 50,8 cm x 63,5 cm Acrílico, esmalte, impresión giclée sobre papel de grabado. Decorado a mano, firmado, numerado y con la marca del artista. Pequeñas arrugas en el centro de la imagen, que no afectan a la imagen una vez enmarcada.

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Krylon Deck Fine Art Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Transferencia sobre Tabla de Skate Steep Natural Prensada en Frío por el Artista de Graffiti Urbano Denial. Edición limitada de 50 ejemplares firmados con certificado de autenticidad (COA) de 2020. Tamaño de la obra: 8 x 31,875 pulgadas. Transferencia de impresión de pigmento de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío. Tamaño: 8 x 31,875 pulgadas. Lanzamiento: 18 de julio de 2019. En esencia, Denial satiriza la realidad que tanto él como nosotros vivimos, a través de algunos de los símbolos más emblemáticos de la cultura occidental. Utiliza productos culturales con la intención de denunciar el sistema que los originó. De este modo, los recontextualiza y los transforma de productos comerciales en su legado cultural.

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Clerks - Edición limitada plateada metálica, serigrafía monocolor impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Doyle, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Película, Empleados, Kevin Smith, Hombre, Edificio, Ambulancia, Ciudad, Jay y Bob el Silencioso

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Oso MBDTF - Collar del Rey Horus, Peluche, Edición Limitada, Objeto de Arte de Diseño, Coleccionable, Obra de Arte del Artista Greedee Arts Oso de peluche grande MBDTF King Horus de 18 pulgadas (2022) que reproduce la versión de GarageBand de "Runaway" de Greedee, popularizada por Kanye West. Nuevo; el artista no utilizó embalaje comercial. Desentrañando el simbolismo y el impacto cultural del Oso MBDTF El Oso MBDTF, un peluche de diseño de edición limitada, posee una importante carga cultural, especialmente en el arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza, creación del artista Greedee Arts, mide 45 cm de alto y no es solo un objeto de arte estático, sino una experiencia multimedia que reproduce una versión de Greedee para GarageBand del piano del famoso tema "Runaway" de Kanye West. Greedee Arts, optando por no utilizar empaque comercial, presenta esta obra de arte en su forma original, lo que realza su autenticidad y valor como pieza de colección. Fusión artística en el arte pop callejero Por su propia naturaleza, el arte pop callejero es una amalgama de elementos culturales de alta y baja cultura, que a menudo incorpora medios de comunicación, iconografía y mensajes contundentes en obras accesibles al público general. El Oso MBDTF es un testimonio de esta fusión, inspirado en el léxico visual del hip-hop, un género que ha trascendido la música para influir en la moda, el lenguaje y el estilo de vida. Greedee Arts ha explorado esta veta cultural, creando un objeto que es a la vez un homenaje y una pieza tangible de una narrativa más amplia con la que los entusiastas de la música y el arte se identifican. El collar del Rey Horus que adorna el peluche no es un simple accesorio, sino un símbolo cargado de iconografía. Horus, la antigua deidad egipcia, era representado frecuentemente como un halcón asociado con el poder, la victoria y el cielo. Aquí, el collar es un ancla visual que vincula al oso con temas de realeza, perseverancia y una alusión a lo divino: elementos que se exploran con frecuencia en la obra de Kanye West y en la cultura hip-hop en general. Narrativa y presencia del arte del graffiti El arte del grafiti ha sido durante mucho tiempo un espejo de la sociedad, reflejando problemáticas, sentimientos y la esencia de la calle. Es dinámico, a menudo no autorizado y siempre se expresa en un lenguaje visual que se centra tanto en el mensaje como en la estética. El Oso MBDTF, si bien no es una obra de grafiti tradicional, canaliza este espíritu a través de su existencia como objeto artístico. Está concebido para ser visto, para provocar la reflexión y para contribuir al diálogo constante entre la cultura urbana y la aceptación general. La decisión de Greedee Arts de prescindir de los canales de venta tradicionales demuestra su intención de mantener la pieza lo más libre posible de la comercialización, un valor fundamental en gran parte de la cultura del grafiti. Esta estrategia garantiza que el Oso MBDTF siga siendo una pieza de colección exclusiva, un tesoro para quienes están profundamente arraigados en la cultura urbana y la apreciación del arte. El Oso MBDTF, en esencia, no es solo un objeto de colección, sino una pieza de comentario cultural que encapsula la esencia del arte pop urbano y el arte del grafiti. Es un punto de encuentro donde convergen la pasión, el arte y el comentario cultural. Greedee Arts ha capturado un momento, un espíritu de la época que conecta la influyente música de Kanye West con el mundo táctil de los coleccionistas y entusiastas del arte. Con su música integrada y su emblemático collar, esta figura de peluche sirve como un punto de contacto tangible con el evocador y a menudo efímero mundo del arte urbano. En la tradición del arte coleccionable, objetos como el Oso MBDTF desempeñan un papel crucial. Trasladan la tradición del arte urbano a nuevos medios y mercados, asegurando que el diálogo entre artista y público continúe en formas en constante evolución. Al adoptar el espíritu del arte urbano y la cultura pop, Greedee Arts ha creado más que un objeto; es un artefacto cultural que resuena con los ritmos del arte y la música contemporáneos. Estas piezas sirven como instantáneas cruciales del panorama cultural, preservando la vitalidad y las voces del arte urbano para que las futuras generaciones lo estudien, lo aprecien y se inspiren en él.

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Lo siento, estoy en llamas. Prueba de artista AP. Impresión tipográfica de edición limitada a dos colores, tirada a mano, sobre papel de bellas artes, por Dan Christofferson- Beeteeth. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. Impresión de artista AP 2011 Firmada y marcada Obra de arte AP Tamaño 6x10 Impresión tipográfica Bellas Artes. Lo siento, estoy en llamas, de Dan Christofferson: Simbolismo emocional en el arte pop callejero y el grafiti «Lo siento, estoy en llamas» es una prueba de artista impresa en tipografía de 2011 por Dan Christofferson, conocido artísticamente como Beeteeth. Esta rara obra de 15 x 25 cm, impresa a mano, ejemplifica el enfoque de Christofferson hacia el simbolismo narrativo a través del minimalismo gráfico y una iconografía cargada de emoción. Impresa en dos colores, un rojo coral apagado y un granate intenso, la pieza captura un momento abrasador de autoconciencia y colapso, representado mediante la inquietante figura de una mujer en plena transformación. Con humo que se eleva de sus labios y llamaradas que brotan de su cabeza, la imagen oscila entre el dolor introspectivo y la catarsis mitológica. La marca de prueba de artista y la firma certifican su condición de prueba única de la edición, lo que aumenta su rareza entre los coleccionistas de arte urbano pop y grafiti. Simbolismo a través de la forma humana y el fuego mítico La narrativa visual se despliega con una figura femenina desnuda cuyo cuello alargado y manos estilizadas evocan iconografía religiosa, mientras que las turbulentas columnas de humo y llamas que emergen de su cráneo sugieren caos, dolor y una sobrecarga psíquica. El uso que hace Christofferson de contornos gruesos y definidos, junto con un sombreado selectivo, se inspira en la estética tradicional del cómic a la vez que amplifica el carácter surrealista de la escena. Su mirada es firme, desafiante y exhausta, sugiriendo una combustión emocional más interna que externa. La estampa comprime la vulnerabilidad humana y el espectáculo divino en una composición concisa que mantiene la tensión y la quietud simultáneamente. No se trata de un fuego literal, sino de una llamarada existencial, lo que hace que el título se sienta como un grito silencioso. Dominio de la técnica de impresión tipográfica y color limitado La obra de Dan Christofferson fusiona con frecuencia métodos de impresión históricos con principios de diseño contemporáneos. Esta impresión tipográfica enfatiza la textura y la profundidad de una manera que el trabajo digital no puede replicar. El ligero relieve de la tinta sobre el grueso papel de bellas artes confiere a la obra una presencia táctil que realza los temas de fisicalidad y daño. El uso de solo dos colores de tinta impone una economía visual que agudiza el contraste y dirige la mirada hacia el gesto central de la llama, el humo y la carne. Esta paleta minimalista crea una resonancia emocional máxima, reflejando la tensión interna representada en el tema. Como prueba de artista, muestra el control manual de Christofferson durante el proceso de impresión, reforzando la impronta personal que imprime en cada pieza. El léxico emocional de Dan Christofferson en el arte pop callejero Como Beeteeth, Dan Christofferson ha desarrollado un lenguaje visual arraigado en la iconografía sagrada, el misticismo regional y una clara carga emocional. Radicado en Salt Lake City, sus obras exploran a menudo el mito, el ritual y las pruebas personales mediante el simbolismo contemporáneo y una precisión de diseño impecable. «I'm Sorry, I'm on Fire» destaca como una de sus ilustraciones más íntimas, trascendiendo la narración literal para presentar una metáfora visceral del agotamiento, la identidad y el conflicto interno irresuelto. Su tamaño es modesto, pero su amplitud emocional y audacia gráfica la convierten en una pieza significativa dentro de la continua evolución del arte pop urbano y el grafiti. Esta obra se presenta como una pequeña pero poderosa meditación sobre la transformación, la desesperación y la resiliencia.

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The Provocateurs- Chicago 2014- Póster del evento de edición limitada en azul. Impresión serigráfica de 3 colores realizada a mano sobre papel de bellas artes por Shepard Fairey para la exposición de arte The Provocateurs Chicago. The Provocateurs (Chicago) Shepard Fairey Versión Oro Serigrafía 18 x 24 pulgadas Edición firmada y numerada de 450

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Young MC, obra de arte del artista de graffiti callejero Ron English- POPaganda. Antes de MC Supersized, existía Young MC. El icónico personaje de Ron English (POPAganda) cobra vida en la plenitud de su juventud en una figura de vinilo de 18 cm con caja diseñada por el propio Ron English (POPAganda). Lo último del proyecto POPaganda de Ron.

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Compra Universal Dignity Impresión de serigrafía de edición limitada tirada a mano en 4 colores sobre papel tono crema moteado por Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Impresión de edición limitada firmada de 2022. 18 pulgadas x 24 pulgadas Edición de 600 3 de junio de 2022 "La impresión "Dignidad universal" tiene como objetivo promover la paz, la igualdad y la humanidad. Me gustaría ver una suposición fundamental de que TODAS las personas merecen respeto y dignidad humana. Esto se aplica al significado universal de dignidad, ser valorado y respetado. por lo que eres, en lo que crees y cómo vives tu vida. Me considero un ciudadano global, y aunque creo que las naciones cumplen una función estructural, todas las personas deberían ser iguales, y la vida de todos cuenta por igual sin importar dónde ellos viven." -Shepard Fairey

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Sierra Supreme Stanley 15 de edición limitada, objeto de arte metálico, herramienta coleccionable, obra de arte de Supreme x Stanley. Esta sierra Stanley Supreme roja se lanzó durante la temporada Otoño/Invierno 2021. La sierra Stanley Supreme roja mide 15 pulgadas y cuenta con dientes endurecidos por inducción. Luce las marcas Supreme y Stanley. La sierra Stanley Supreme roja estuvo disponible a partir del 21 de octubre de 2021.

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Confrontación - Bob Marley - Impresión tipográfica de edición limitada a un color, realizada a mano, sobre papel crema moteado, por Shepard Fairey. Arte callejero raro. Artista de arte pop OBEY. 16 x 19,5 pulgadas. Edición de 450 ejemplares. 19 de mayo de 2021. Esta serie de impresión tipográfica, realizada en colaboración con el fotógrafo Dennis Morris, conmemora el 40 aniversario del fallecimiento de Bob Marley. La serie representa la asombrosa amplitud de la personalidad de Marley: el filósofo, el luchador incansable por la justicia y el evangelista del amor y la conexión.

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Edición limitada de Star-Lord, serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Ron Guyatt, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Inspirado en la película Guardianes de la Galaxia. El póster incluye elementos como la nave de Peter Quill, alias Star-Lord, la "Milano", y sus cañones elementales. Sobre Star-Lord se encuentra la Gema del Infinito. También, sobre Peter, aparecen elementos como una cinta de casete y otros detalles.

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Melty Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Jason Freeny, arte pop de la cultura LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Estas ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. La alineación de las perforaciones sobre la ilustración puede variar ligeramente con respecto al ejemplo mostrado.

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Impresión tipográfica AP de prueba de artista Chateau Paris Pink por el Sr. André Saraiva, edición limitada, a un color en cubierta de 100 lb, papel de bellas artes Neenah Classic Crest blanco natural, obra de arte pop callejero de grafiti. Prueba de artista AP 2023, obra de arte de edición limitada firmada y marcada PP, tamaño 16 x 20, impresión tipográfica Sr. André Saraiva Chateau Paris Pink Letterpress AP Artist Proof 2023 La prueba de artista Chateau Paris Pink AP 2023 del Sr. André Saraiva captura la energía caprichosa y la travesura romántica que definen su lugar en el arte pop callejero y el grafiti. Producida como impresión tipográfica a una tinta sobre papel artístico Neenah Classic Crest Natural White de 100 lb, esta edición de 40 x 50 cm fue firmada y marcada como AP, lo que indica que no se encuentra dentro de la tirada numerada estándar. Las pruebas de artista son especialmente importantes en el grabado, ya que reflejan las primeras impresiones tomadas para la revisión del artista, lo que las hace especialmente atractivas para los coleccionistas que buscan obras con una conexión directa con el proceso creativo. Estilo visual y personajes icónicos Esta lámina presenta a los personajes de Saraiva, fácilmente reconocibles, bailando sobre la página con un suave trazo rosa. Sus amplias sonrisas, ojos tachados y movimientos sueltos y jubilosos expresan el espíritu despreocupado y coqueto que ha definido a su personaje emblemático, el Sr. A, desde sus primeras apariciones en grafitis en París durante la década de 1990. La figura, con sombrero de copa, acompañada de una pareja de cabello suelto, refuerza la narrativa lúdica de vida nocturna, celebración y espontaneidad romántica. Estrellas, corazones y líneas en movimiento dispersos dinamizan la composición, dotando a la lámina de un ritmo vibrante que recuerda a los orígenes callejeros de Saraiva, donde las líneas rápidas y expresivas transmitían alegría en los espacios públicos. Château Marmont y la conexión cultural Con el icónico membrete del Château Marmont en la parte superior, la impresión entrelaza la mitología hollywoodense con la cultura parisina del grafiti. Ubicado en Sunset Boulevard, Los Ángeles, el Château Marmont ha sido durante mucho tiempo un santuario para actores, escritores, músicos y artistas desde su apertura en 1929. Su rica historia de creatividad y desenfreno lo convierte en el escenario perfecto para los exuberantes personajes de Saraiva. La inscripción "París" manuscrita en la parte inferior sirve de puente entre dos capitales creativas —una impregnada del glamour cinematográfico estadounidense y la otra de la cultura callejera europea—, lo que enfatiza la identidad artística global de Saraiva. La influencia de André Saraiva en el arte pop callejero contemporáneo Nacido en Suecia en 1971 y criado en París, André Saraiva emergió de la escena del grafiti de la ciudad como una de sus voces más destacadas. Su personaje, Mr. A, se convirtió en un símbolo de la alegría de vivir que impregna su obra, expandiéndose posteriormente a galerías, proyectos editoriales, murales y colaboraciones de lujo. El Chateau Paris Pink AP ejemplifica su capacidad para fusionar la elegancia con la espontaneidad, llevando la energía desenfadada del grafiti a contextos refinados de bellas artes mediante una meticulosa técnica de impresión tipográfica. Esta Prueba de Artista es un vibrante testimonio del enfoque lúdico de Saraiva y su duradera influencia en el arte pop callejero y el grafiti, celebrando tanto la intimidad de las líneas dibujadas a mano como la interacción cultural entre París y Hollywood.

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"Mother" Impresión serigráfica de 10 colores realizada a mano sobre papel Tauro Sappi de 300 g/m² por el artista de grafiti pop Flying Fortress. Obra de arte callejero rara, edición limitada. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2015). Tamaño: 27,5 x 19,5 cm. Pequeña protuberancia en el margen extremo izquierdo

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Los Doce: Ponte tus Jays - Jordan 7 Impresión serigráfica de edición limitada a 4 colores, realizada a mano sobre papel de bellas artes por el artista callejero Eric Pagsanjan. Firmada y numerada. Serigrafía, edición de 23 ejemplares. Producida para ComplexCon Chicago, 2019. Tamaño: 28 x 22 cm.

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Stop The Virus Edición Limitada Serigrafía Manual de 2 Colores sobre Papel Arches Rag de 290 g/m² con Bordes Rallados por Cleon Peterson Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Serigrafía artesanal de 28 x 19 pulgadas en negro y rojo. Impresa en papel Arches Rag de 290 g/m² con bordes biselados. Cada lámina está firmada y numerada. Edición limitada de 100 ejemplares. El mundo de Cleon Peterson está plagado de crueldad despiadada, libertinaje caótico y una lucha constante por subvertir el poder y la opresión. Sus composiciones, de aparente sencillez, encierran connotaciones complejas y una inquietante crítica a la creciente marginación, el aislamiento y la desesperación de la sociedad. Al observar su obra, resulta evidente que el artista no aboga por la violencia, sino que la utiliza como arma en la batalla contra la apatía.

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Vacuna por inhalación Trivaac HPM. Edición limitada hecha a mano. Técnica mixta, artículos reciclados, escultura en lata de aerosol. Obra de arte del artista callejero de graffiti y artista pop moderno Eddie Colla. Esculturas artísticas en lata de pintura en aerosol, edición limitada de 30 ejemplares, firmadas y numeradas, fabricadas e impresas por HPM en 2020. Estas son obras de arte, no dispositivos médicos. «Originalmente, creé estas vacunas inhalatorias falsas como utilería para dos instalaciones que realicé con D Young V: Epílogo y Memento Mori. Las instalaciones giraban en torno a posibilidades apocalípticas. Estas latas de pintura en aerosol recicladas representaban vacunas inhalatorias desechadas que la Organización Mundial de la Salud había distribuido durante una pandemia global. Las etiquetas contienen información sobre la dosis de aplicación y los ingredientes activos. Investigué mucho sobre pandemias anteriores, como la gripe aviar H1N1. La idea era crear un artefacto lo más realista posible que simulara un intento fallido de contener una pandemia global». Eddie Colla Representación artística de las pandemias globales Las obras de técnica mixta de Eddie Colla, "Vacuna por inhalación Trivaac", reflejan una visión inquietantemente profética de las crisis sanitarias globales a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Esta serie de edición limitada, compuesta por tan solo 30 piezas firmadas y numeradas, incorpora objetos reciclados y latas de pintura en aerosol para formar esculturas que se erigen como conmovedores vestigios de posibilidades apocalípticas. Creadas como parte de dos instalaciones con el artista D Young V, "Epílogo" y "Memento Mori", las esculturas de Colla fueron diseñadas para representar vacunas por inhalación desechadas, distribuidas por la Organización Mundial de la Salud durante una pandemia global ficticia. Estas instalaciones exploraron temas como la vulnerabilidad humana, el colapso social y las intervenciones que entran en juego durante tales catástrofes. Las esculturas, elaboradas para imitar la apariencia y los detalles informativos de dispositivos médicos reales, transmiten el realismo y la urgencia de un mundo que lucha contra la amenaza de las pandemias. La meticulosa investigación de Colla sobre crisis sanitarias anteriores, como la gripe H1N1, inspiró la creación de esta escultura en aerosol. Las etiquetas de cada lata detallan la dosis de aplicación y los ingredientes activos, lo que contribuye a la autenticidad de las piezas. Esta atención al detalle no solo realza el impacto visual de las esculturas, sino que también les confiere una narrativa que las vincula con el contexto real de las emergencias de salud pública. Comentario cultural a través de medios mixtos Las esculturas de la serie «Vacuna por inhalación Trivaac» comentan de forma contundente la intersección entre el arte, la ciencia y la respuesta social a los desafíos de la salud global. Al utilizar latas de pintura en aerosol recicladas, Colla reutiliza lo cotidiano y alinea su obra con la ética del reciclaje y la sostenibilidad. Estos temas son cada vez más relevantes en el discurso contemporáneo. Estas esculturas transforman la lata de aerosol, una herramienta omnipresente en el arte urbano, en un recipiente de significado más profundo, reflexionando sobre la cultura del usar y tirar y las implicaciones de los desechos médicos. Este conjunto de obras también cuestiona la eficacia y la accesibilidad de las intervenciones sanitarias, poniendo de relieve la disparidad entre el propósito previsto de los dispositivos médicos y su implementación real en situaciones de crisis. Las esculturas de Colla sugieren una historia de uso y urgencia en la que estos objetos eran vitales para la supervivencia. El carácter de edición limitada de estas piezas enfatiza su singularidad como obras de arte, a la vez que alude a la escasez de recursos que puede producirse en tiempos de crisis. El poder evocador del arte pop callejero y el grafiti La contribución de Eddie Colla al arte pop urbano y al grafiti se caracteriza por su capacidad para evocar respuestas contundentes a través de objetos que conectan el arte con la realidad. Sus esculturas no son objetos pasivos; son puntos de partida para la reflexión que invitan al espectador a pensar críticamente sobre el estado del mundo y nuestras reacciones ante los peligros inminentes. Siguiendo la tradición del arte urbano, estas obras son accesibles a la vez que complejas, visualmente impactantes pero cargadas de significado. La serie «Vacuna por inhalación Trivaac» subraya el poder evocador del arte pop urbano y el grafiti para comentar y abordar la actualidad. Mediante esta serie, Colla extiende las capacidades narrativas del arte urbano más allá de los muros, adentrándose en el ámbito tridimensional y ofreciendo una conexión tangible con los problemas que impregnan nuestra conciencia colectiva. En esencia, las esculturas de Eddie Colla de la serie «Vacuna por inhalación Trivaac» encarnan las cualidades innovadoras y reflexivas del arte pop urbano y el grafiti. Al fusionar el arte con elementos de crítica social, Colla cautiva la imaginación y genera debate, consolidando su papel como artista que observa y participa en las conversaciones más amplias de nuestra época. Su obra nos recuerda el impacto del arte en la interpretación, la comprensión y el cuestionamiento del mundo que nos rodea.

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Mordida de tiburón - Edición limitada de la marca Rook. Serigrafía de 4 colores con tinta metálica aplicada a mano sobre papel Kraft French Speckletone, por Joe King, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Prueba de artista de AP

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Vote For Light Serigrafía de Jamie Reid Impresa a mano sobre papel de bellas artes tejido Edición limitada Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, de 2015. Tamaño de la obra: 19,6 x 24,41 cm. Serigrafía de personas con mascarillas y la frase «Vote For Light». Ligera abolladura en el margen izquierdo central. «Vote For Light» de Jamie Reid es una extraordinaria representación del espíritu de la época, plasmada en la serigrafía. Impresa a mano sobre lujoso papel Wove Fine Art Paper, la obra, creada en 2015, fusiona la perspectiva de Reid con las corrientes culturales del momento. Con una tirada limitada de tan solo 50 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el propio Reid, garantiza su autenticidad y exclusividad. La obra, de 49,8 x 62 cm, presenta una impactante imagen de personas con mascarillas, una estampa que resuena con las experiencias contemporáneas de la población mundial. La frase indeleble «Vote For Light», grabada en el retrato de las figuras enmascaradas, transmite un poderoso mensaje, posiblemente una llamada a la acción o una súplica de esperanza en tiempos de incertidumbre. La serigrafía, tradicionalmente asociada al arte pop, se ha utilizado magistralmente aquí para difuminar las fronteras entre el arte urbano, el grafiti y las obras de arte de galería más convencionales. La decisión de Reid de utilizar este método es una prueba de su compromiso por mantener la esencia cruda y auténtica que caracteriza al arte urbano y al grafiti. «Vote For Light» de Jamie Reid es más que una simple impresión; se erige como un símbolo, un comentario social y una invitación al diálogo. Como ocurre con la mayoría de las obras que fusionan el arte pop, el arte urbano y el grafiti, esta pieza no solo plasma la visión del artista, sino que también invita al espectador a la introspección y a conectar con el mundo que le rodea. Inspirada en los acontecimientos y sentimientos de su época, la obra ofrece una instantánea de la historia, inmortalizada para siempre en papel de bellas artes.

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Edición limitada de serigrafía de la obra de arte del Corvette de Fett en papel Metallic Star Dream Cover Stock de 100 libras, por el artista de graffiti de la cultura pop Lil Tuffy. Lil Tuffy - "El Corvette de Fett" Serigrafía a 1 color. Edición limitada de 100 ejemplares. Papel metálico Star Dream de 100 libras. 17,5" x 23"

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Alcides Escobar/ Soldado de la Primera Guerra Mundial - Royals. Collage único de técnica mixta, adornado a mano, sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Estampado original de 2014. Técnica mixta superpuesta sobre una auténtica tarjeta vintage de MLB Topps con arte pop al estilo de Alcides Escobar/Soldado de la Primera Guerra Mundial - Royals.

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Escultura de poliresina "Trampa explosiva", obra de edición limitada del artista pop moderno Henn Kim. Escultura de juguete artístico "Trampa Explosiva" de Henn Kim x Mighty Jaxx, nueva en caja (2021). Explorando la fusión del arte pop callejero y el arte del grafiti en la escultura "Trampa para bots" de Henn Kim En el vibrante panorama del arte pop moderno, la escultura de poliresina "Trampa Explosiva" emerge como una pieza cautivadora que conmueve al espectador con su presentación cruda y evocadora. Esta escultura de edición limitada es una encarnación física de los temas que suele explorar la ilustradora y artista pop moderna coreana Henn Kim. Nacida en Corea del Sur, Henn Kim es una figura activa en la escena artística. Es conocida por su obra ilustrativa, que a menudo presenta una paleta monocromática austera y temas de introspección emocional. La escultura "Trampa Explosiva", lanzada en 2021 en colaboración con Mighty Jaxx, es una impactante representación del peso de las emociones y la incertidumbre de los desenlaces impredecibles. Con una altura de 20 cm, esta escultura de poliresina captura la esencia de lo que muchos artistas pop urbanos y creadores de grafiti buscan comunicar: un mensaje personal y universal a la vez, encapsulado en una forma accesible y profunda. Henn Kim y la resonancia emocional en el arte pop callejero La obra de Henn Kim se distingue por la sencillez de su diseño y la complejidad de su interpretación. La escultura «Trampa Explosiva», al igual que sus obras bidimensionales, es engañosamente simple: una figura que sostiene granadas en lugar de pechos, lo cual no solo juega con las palabras, sino que también constituye una metáfora visual de las cargas que uno puede llevar consigo. La tensión entre la esperada suavidad de la forma humana y la crudeza de las granadas invita a un diálogo sobre la vulnerabilidad y la fortaleza, un tema recurrente en el arte pop urbano. El diseño no rehúye evocar una sensación de peligro y fragilidad. La mujer representada lleva los ojos vendados, lo que añade una capa de suspense y misterio. Es como si ignorara cuándo su peso emocional podría volverse insoportable, un sentimiento que resuena profundamente con la experiencia humana. El uso de la poliresina como material enriquece la narrativa, aportando una sensación de permanencia y gravedad a las emociones, que de otro modo serían efímeras. El impacto de las trampas explosivas en el contexto del arte del grafiti Si bien Booby Trap de Henn Kim no es grafiti en el sentido tradicional, comparte el espíritu de inmediatez y participación pública de este arte. El grafiti suele transmitir mensajes sobre las presiones sociales y las luchas personales en el espacio público de los muros de la ciudad. De manera similar, Booby Trap toma las luchas personales y las exhibe de forma tangible. Al igual que el grafiti, la escultura es una instantánea de la emoción, congelada en el tiempo pero elocuente. Es un testimonio del poder del arte pop urbano para trascender los límites convencionales de las galerías de arte, llegando a un público más amplio gracias a su profunda simplicidad e impacto visual. La edición limitada de Booby Trap se alinea con la naturaleza a menudo efímera del grafiti, resaltando la importancia de capturar el momento y la emoción antes de que se desvanezcan. La colaboración con Mighty Jaxx también apunta a una tendencia donde el arte pop urbano y la cultura del coleccionismo se encuentran, creando nuevas plataformas para que los artistas compartan su trabajo y para que los coleccionistas se conecten con el arte en un espacio más personal. La escultura «Trampa Explosiva» es una pieza significativa dentro del continuo del arte pop urbano y el grafiti. Representa una declaración audaz en la obra de Henn Kim, un artista pop contemporáneo cuyo trabajo sigue cautivando y desafiando al espectador con sus metáforas visuales y su profundidad emocional. La escultura no es simplemente un objeto de valor estético, sino un canal para la reflexión. Esta pieza invita al observador a meditar sobre nuestras cargas y la imprevisibilidad del viaje emocional de la vida. A través de «Trampa Explosiva», Henn Kim ha añadido una nueva dimensión al discurso del arte pop urbano, demostrando que el poder de este género reside en su capacidad de conectar con el espectador a un nivel profundamente personal, independientemente del medio.

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Pez loro. Serigrafía de dos colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista Nate Duval. Obra de arte pop de edición limitada. Obra de arte de edición limitada firmada, 2014. Tamaño: 10x6.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada Avocado Artist Proof SuperKranky Set, arte urbano, de Sket-One Prueba de artista AP 2022. Edición limitada de solo 10 unidades firmadas y numeradas. Piezas personalizadas Super Kranky de Jankey Superplastic, hechas a mano por Sket One. Incluye detalles pintados a mano con base de pintura y 7 mini latas de aerosol. Estas piezas incluyen: Salpicaduras de pintura personalizadas (cada una será única), charco de resina 3D, resina mate, lata de aerosol Kranky, firmada y numerada en la tapa.

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Magnolia Artwork, impresión giclée de edición limitada en papel de 330 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Conrad Roset.

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Cowgirls #2 Edición Limitada Impresión Serigráfica de 3 Colores Tirada a Mano sobre Papel de Bellas Artes por Zane Thomas Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2013). Tamaño de la obra: 8,5 x 11 pulgadas. La expresión artística de las vaqueras por Zane Thomas Cowgirls, una serigrafía artesanal de edición limitada a tres colores de Zane Thomas, encarna la energía audaz y dinámica del arte pop callejero y el grafiti. Creada en 2013 como parte de una edición firmada y numerada de 50 ejemplares, esta pieza fusiona referencias de la cultura pop con la crudeza del arte urbano. Con unas dimensiones de 21,6 x 27,9 cm, la composición captura el espíritu de rebeldía, independencia y fuerza que la iconografía vaquera ha simbolizado durante mucho tiempo en la cultura estadounidense. Mediante el uso de líneas marcadas, figuras estilizadas y una paleta de colores cuidadosamente seleccionada, Thomas revitaliza este motivo tradicional, manteniendo su distintiva estética inspirada en el grafiti. El simbolismo de la vaquera en el arte pop callejero y el grafiti La vaquera ha sido un poderoso símbolo de resiliencia, libertad e individualidad, convirtiéndose así en un tema idóneo para el arte pop urbano y el grafiti. En esta obra, Zane Thomas adopta la iconografía del Oeste americano, reinterpretándola desde una perspectiva contemporánea. Mediante el uso de bloques de color llamativos, líneas exageradas y una composición expresiva, la pieza fusiona la estética clásica del Oeste con la cultura visual urbana moderna. La figura de la vaquera evoca temas de rebeldía e independencia, en sintonía con el espíritu inconformista del arte urbano. Esta reinterpretación visual desafía las narrativas tradicionales a la vez que celebra la fuerza y ​​la confianza que encarna la vaquera. La artesanía detrás de la serigrafía manual La serigrafía es un proceso que permite crear composiciones vibrantes y con múltiples capas, lo que la convierte en un medio ideal para una obra como «Cowgirls». El diseño tricolor demuestra la habilidad de Thomas para crear profundidad y movimiento con una paleta limitada. Los métodos de impresión manuales aportan un toque artesanal a cada pieza, garantizando que no haya dos impresiones iguales en la edición. La precisión requerida para superponer las diferentes tintas realza el impacto visual de la obra, enfatizando los contrastes nítidos y los contornos definidos. Esta atención a la técnica destaca la maestría de Thomas al fusionar los métodos tradicionales de grabado con la energía cruda del arte urbano. El impacto cultural de las vaqueras, por Zane Thomas Cowgirls se erige como una poderosa declaración dentro del arte pop urbano y el grafiti, reflejando tanto imágenes históricas como movimientos artísticos contemporáneos. Al incorporar temas del Oeste en un formato de arte urbano, Zane Thomas crea un diálogo visual entre pasado y presente, tradición y rebeldía. Esta obra desafía las percepciones convencionales de la vaquera al situarla dentro de una estética moderna inspirada en el grafiti, reforzando su papel como ícono cultural. Como parte de una serie de edición limitada, tiene un gran valor para los coleccionistas que aprecian la fusión de temas clásicos con el lenguaje dinámico y en constante evolución del arte urbano.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Edición limitada de arte fino en tabla negra, impresión de pigmento de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío por el artista de graffiti callejero Denial. Edición limitada numerada de 100 monopatines (2022). Tamaño de la obra de arte: 8,25 x 31,87 pulgadas. Naturalmente, el artista se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su vigencia y su interés por generar comentarios que inviten a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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American Daydream - Edición limitada en papel holográfico Lava Foil de 9 colores, serigrafía hecha a mano sobre papel artístico de 10 puntos, por el artista Denial. Edición limitada de 30 ejemplares, firmada y numerada, impresa en serigrafía de 9 colores sobre papel artístico holográfico Lava Foil de 10 puntos. Tamaño: 18 x 24 pulgadas. Lanzamiento: 9 de marzo de 2021. El "sueño americano" de Denial y su reflejo en el arte pop callejero moderno y el grafiti «American Daydream - Foil», del artista Denial, es una potente representación del arte pop urbano contemporáneo y el grafiti, que fusiona la estética comercial con un toque subversivo. Lanzada el 9 de marzo de 2021, esta edición limitada es una pieza significativa que reflexiona sobre la naturaleza de la cultura estadounidense y la mercantilización del sueño americano. Limitada a tan solo 30 ejemplares, esta serigrafía de 9 colores, impresa a mano sobre papel holográfico de 10 puntos con efecto lava, es un testimonio de la exclusividad y precisión del trabajo de Denial. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, «American Daydream - Foil» es un espectáculo visual que deslumbra con su fondo reflectante, creando un juego dinámico de luces y colores que desafía la percepción del espectador. El uso del papel holográfico con efecto lava resulta especialmente impactante como metáfora de las múltiples y, a menudo, contradictorias capas de la psique estadounidense. La obra de Denial captura la esencia del arte pop mediante el uso de un estilo de cómic familiar yuxtapuesto con una paleta psicodélica que parece cambiar y brillar con el movimiento del espectador. La obra presenta una figura femenina llorando, un motivo recurrente en el arte pop, que evoca la desconexión emocional entre la realidad y la búsqueda de la felicidad dentro del marco del sueño americano. El estilo característico de Denial incorpora elementos gráficos audaces y un agudo sentido de la ironía. Al utilizar la serigrafía, una técnica popularizada en el arte pop por artistas como Andy Warhol, Denial conecta con las raíces del movimiento a la vez que expande sus límites mediante materiales y temas modernos. Comentario contemporáneo a través del arte de edición limitada «American Daydream - Foil» de Denial es más que una obra visualmente impactante; es un comentario sobre la superficialidad de la vida estadounidense y las complejidades subyacentes que oculta. Cada una de las 30 impresiones está firmada y numerada por el artista, lo que añade un nivel de autenticidad y valor coleccionable muy apreciado en las comunidades del arte pop urbano y el grafiti. Los coleccionistas y admiradores de la obra de Denial aprecian las cualidades estéticas de sus impresiones y los mensajes que invitan a la reflexión. La edición limitada de «American Daydream - Foil» simboliza la transición del arte pop urbano, desde los murales callejeros efímeros hasta las codiciadas obras de arte. La decisión de Denial de lanzar una edición tan reducida subraya el deseo de mantener la exclusividad e integridad de la obra. Este principio suele ser fundamental en el arte pop urbano y el grafiti. En manos de los coleccionistas, estas impresiones no son meros objetos decorativos, sino que se convierten en artefactos culturales que encapsulan un momento en el tiempo y un sentimiento o crítica particular. En esencia, la obra de Denial ejemplifica la evolución del arte pop callejero y el grafiti hacia una forma que refleja y critica la cultura de la que surge. «American Daydream - Foil» funciona como un espejo de la sociedad, reflejando las complejidades de la experiencia estadounidense a través del prisma del arte pop. Es una audaz declaración sobre la naturaleza de los sueños y la realidad, el consumismo y el lugar del individuo en el entramado social. Su carácter de edición limitada garantiza que siga siendo una pieza singular y codiciada dentro del dinámico mundo del arte contemporáneo.

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Figura coleccionable de vinilo de edición limitada BE@RBRICK rosa 400% del 28.º aniversario de A Bathing Ape - A Bathing Ape x Medicom #3 2021 Medicom x A Bathing Ape Bape Nuevo en caja

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Jardines Colgantes HPM Plantilla Pintura en Aerosol Acuarela por Miss Bugs Pintura Única Pintada a Mano Técnica Mixta sobre Papel Tejida de Bellas Artes Artista Callejero Graffiti Arte Pop Moderno. 2017 Firmada, fechada y numerada. Edición mixta única de 5 HPM. Obra de arte de técnica mixta intervenida a mano con tinta, lápiz, pintura en aerosol y acuarela. Tamaño 20,38 x 35,38. Ligeros pliegues alrededor de los bordes de la capa superior recortada. La complejidad en capas de "Jardines Colgantes" de Miss Bugs Miss "Bugs", una artista callejera de graffiti reconocida por su singular fusión de la sensibilidad del arte pop moderno, causó un gran impacto en el mundo del arte con la serie "Jardines Colgantes" en 2017. Esta colección, limitada a una edición mixta de tan solo cinco piezas, exhibe la intrincada y meticulosa artesanía que Miss Bugs plasma en el lienzo, o en este caso, en el fino papel artístico verjurado. Cada pieza de la serie "Jardines Colgantes" es un testimonio del compromiso de la artista por expandir los límites del arte pop callejero y el graffiti. Las obras de "Jardines Colgantes" exploran la textura y la forma, utilizando una variedad de técnicas como plantillas, pintura en aerosol, tinta intervenida a mano, lápiz y pintura Bugs'rcolor. Las dimensiones de cada obra, 20.38 x 35.38 pulgadas, proporcionan un amplio lienzo para que Miss Bugs se adentre en una compleja narrativa contada a través del lenguaje del arte visual. Estas pinturas únicas, realizadas a mano, son una sinfonía de técnicas mixtas, donde cada capa contribuye al impacto general de la obra. La serie se caracteriza por la estética distintiva de Miss Bugs, donde los elementos abstractos se fusionan con la figuración para crear algo a la vez familiar y de otro mundo. Técnicas distintivas en las obras de arte de "MissBugs" Cada pintura de la colección "Jardines Colgantes" es una expresión única de la visión de Miss Bugs, que utiliza una combinación de técnicas de estarcido para lograr precisión y libertad, así como fluidez y gracia. El trabajo con estarcido proporciona piezas estructurales nítidas y definidas, mientras que la pintura en aerosol añade vitalidad y un toque urbano. Los elementos de acuarela introducen suavidad y profundidad, difuminando las fronteras entre el crudo mundo del grafiti y el ámbito más delicado de la pintura a la acuarela. Esta interacción de medios es un sello distintivo del estilo de Miss Bugs y permite un rico diálogo entre los diferentes elementos del arte urbano y las bellas artes. En la serie "Jardines Colgantes", se observa un tema recurrente de yuxtaposición, un rasgo distintivo del enfoque artístico de Miss Bugs. La serie presenta un lenguaje visual que habla de la dualidad de la naturaleza humana y del mundo multifacético que habitamos. Al combinar elementos dispares en cada pieza, Miss Bugs invita al espectador a encontrar coherencia y significado dentro del caos. El uso de colores brillantes y propios del arte pop sobre tonos más apagados, y los intrincados patrones de esténcil sobre las fluidas acuarelas, crean un Bugs'on dinámico que invita a la reflexión y resulta estéticamente agradable. Una edición limitada de la obra de la señorita Bugs La exclusividad de la serie "Jardines Colgantes", con su edición limitada de cinco ejemplares, aumenta el atractivo de las obras. Cada pieza está firmada, fechada y numerada por la artista, estableciendo un vínculo directo entre la artista y el coleccionista. Los detalles pintados a mano en cada obra garantizan que, si bien la serie puede interpretarse como un tema colectivo, cada pieza se erige como una obra de arte única. Los coleccionistas de la obra de Miss Bugs adquieren una pieza de arte pop urbano y un fragmento de la narrativa personal de la artista, ya que cada pincelada, elección de color y elemento compositivo es un acto deliberado de creación. La serie "Jardines Colgantes" de Miss Bugs es una brillante muestra de la habilidad de la artista para desenvolverse en los ámbitos del arte pop urbano y el grafiti, creando piezas visualmente impactantes y ricas en significado. La serie constituye una audaz declaración sobre la versatilidad y profundidad que puede alcanzar el arte urbano, trascendiendo sus raíces para convertirse en una forma sofisticada y codiciada de arte pop moderno. A través de "Jardines Colgantes", Miss Bugs invita a los espectadores a experimentar un mundo donde la belleza del mundo natural se encuentra con la crudeza de la vida urbana, al tiempo que desafía las nociones convencionales de lo que puede ser el arte del grafiti.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte Falkor y Atreyu en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Veronica Fish.

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¡Póster de recompensa para ciclistas! Edición limitada, serigrafía de 5 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Jacob Borshard, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 50 ejemplares (2011). Tamaño de la obra: 18x24 pulgadas. Personaje: Pee-wee Herman, Pee-wee's Playhouse, TV, Película, Bicicleta, Robada. Sin firma ni numeración. Se ofrece una recompensa de $10,000 por información que conduzca a la recuperación de la bicicleta robada. Llame a Pee-wee Herman al 354-8567. ¡Póster de recompensa para ciclistas! Serigrafía de Jacob Borshard ¡El póster de recompensa de la bicicleta! Esta serigrafía de Jacob Borshard es un ejemplo impactante de arte pop urbano y grafiti que fusiona nostalgia, humor e iconografía cultural. Esta serigrafía de cinco colores, realizada a mano en 2011, rinde homenaje a una de las bicicletas ficticias desaparecidas más famosas de todos los tiempos: la bicicleta robada de Pee-wee Herman en la película de culto de 1985, La gran aventura de Pee-wee. La obra combina la estética de los antiguos carteles de recompensa con elementos de diseño gráfico audaces que la convierten en una pieza destacada del movimiento moderno del arte pop. La influencia de Pee-wee Herman en la cultura pop Pee-wee Herman, el excéntrico y entrañable personaje creado por el fallecido Paul Reubens, se ha mantenido como una figura icónica de la cultura popular. Su emblemática bicicleta roja, protagonista de La gran aventura de Pee-wee, se convirtió en un símbolo inolvidable de la fascinación, la aventura y la pasión infantil. Esta lámina de Jacob Borshard plasma ese legado con una versión reimaginada y a gran escala del cartel ficticio de la bicicleta perdida que aparece en la película. El texto, en rojo y negro intensos, imita la urgencia dramática de los carteles de objetos perdidos reales, a la vez que hace referencia, con humor, a lo absurdo de ofrecer una recompensa tan elevada por una simple bicicleta. Elementos del arte pop callejero y del graffiti Esta impresión ejemplifica la fusión del arte pop urbano y el grafiti, utilizando una tipografía llamativa, paletas de colores minimalistas y un tema fácilmente reconocible. La técnica de serigrafía manual de cinco colores le otorga a la pieza un efecto táctil y con capas, realzando su aire retro. El sombreado de medios tonos en la bicicleta y el fondo replica el aspecto de las antiguas impresiones de periódicos, reforzando la estética vintage. Este enfoque de diseño es una característica común en el arte pop urbano moderno, donde los métodos tradicionales de grabado se entrelazan con la crítica cultural contemporánea. La obra de Jacob Borshard a menudo juega con la nostalgia y el humor, lo que la convierte en una pieza ideal para coleccionistas que aprecian el arte que fusiona la cultura estadounidense clásica con un toque urbano y rebelde. La inclusión del número de teléfono ficticio de Pee-wee Herman difumina aún más la línea entre la realidad y la ficción de la cultura pop, atrayendo a un público que valora los clásicos de culto y la narrativa visual del arte serigrafiado. Edición limitada y coleccionable Esta lámina se produjo en una edición limitada de 50 ejemplares, lo que la convierte en una pieza muy codiciada entre los coleccionistas de arte pop urbano y grafiti. Aunque no está firmada ni numerada, su rareza y su singular significado cultural la convierten en una adquisición muy valiosa. Con unas medidas de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas), tiene el tamaño perfecto para exhibirla, permitiendo a los fans de Pee-wee Herman y del grabado contemporáneo mostrar una pieza visualmente cautivadora y culturalmente rica. La serigrafía «Bike Reward Poster!» de Jacob Borshard celebra la fusión de la cultura pop, el arte urbano y las técnicas clásicas de impresión. Al transformar un momento de una película entrañable en una obra de arte coleccionable, Borshard continúa la tradición de combinar humor, nostalgia y diseño gráfico en una impactante declaración visual.

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French Connection Edición Limitada Serigrafía Manual de 2 Colores sobre Papel de Bellas Artes por Jeremy Wheeler Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Proyección de la película The French Connection en el Michigan Theater los días 27 y 29 de junio de 2010.

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MQ- Chrome Silver Edición Limitada. Diseño exclusivo en aerosol de la marca Montana MTN, famosa por sus pinturas para graffiti. Sin caja. 2009 MQ Planet - MQ x Montana MTN Spray Paint. Durante más de una década, este artista neoyorquino se ha labrado un nombre en el mundo del grafiti gracias a su valentía y fidelidad a la cultura urbana. El estilo inconfundible de las letras MQ ha influido en toda una generación de grafiteros. Su obra se puede encontrar desde los costados de barcos en San Francisco hasta las paredes de ladrillo de Nueva York. MQ Edición Limitada Plata Cromada: Un monumento al arte pop callejero En el dinámico ámbito del arte pop urbano y el grafiti, la lata de pintura en aerosol MQ Chrome Silver de edición limitada es un testimonio de la fusión entre ingenio artístico e influencia cultural. Esta pieza única, un proyecto conjunto del aclamado fabricante de pintura para grafiti Montana MTN, marca un hito en la carrera del artista neoyorquino MQ Planet, conocido simplemente como Mque. Desde su creación en 2009, esta lata de pintura en aerosol de edición limitada se ha convertido en un símbolo del enfoque audaz de Mque hacia la cultura urbana y su impacto perdurable en una generación de grafiteros, o «bombers», como se les suele llamar. La influencia de Mque en el arte callejero y el graffiti La trayectoria de Mque en el mundo del grafiti comenzó en las vibrantes calles de Nueva York, donde perfeccionó su estilo distintivo de letras MQ, un estilo que influiría en innumerables artistas. Su enfoque audaz y sin complejos del arte se caracterizó por abrazar la cultura callejera en su forma más pura. La obra de Mque, que abarca desde los lienzos marítimos de los barcos de San Francisco hasta los históricos muros de ladrillo de Nueva York, demuestra su adaptabilidad y su compromiso con la esencia del arte urbano. El bote de pintura en aerosol Chrome Silver Limited Edition no es solo una herramienta, sino una pieza de historia que encarna el espíritu y la tenacidad del artista. La importancia de la lata de edición limitada MQ Chrome Silver La lata de pintura en aerosol MQ Chrome Silver Edición Limitada de Montana MTN es más que la firma de un artista en un producto; es un emblema colaborativo de la comunidad del arte urbano. Esta pieza única encapsula la sinergia entre artista y fabricante, destacando el reconocimiento de Montana MTN a la contribución de Mque a esta forma de arte. Coleccionistas y admiradores del arte pop urbano y el grafiti ven la lata como un objeto de colección. Además, representa un faro de inspiración, impulsando a los artistas a romper esquemas y dejar su huella con el mismo espíritu audaz que demostró Mque. En el mundo del arte pop urbano, donde el paisaje urbano se convierte en lienzo y la lata de aerosol en pincel, la MQ Chrome Silver Edición Limitada es un tributo a la narrativa en constante evolución del grafiti. Honra el legado de un artista que se mantuvo fiel a la esencia de la cultura urbana y, a la vez, logró dejar una marca imborrable en su historia. El trabajo de Mque, su colaboración con Montana MTN y la pintura en aerosol Chrome Silver resultante seguirán siendo fundamentales en el discurso del arte pop urbano y el grafiti durante muchos años.

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Obra de arte "Encontrando su camino", impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de la artista de graffiti de la cultura pop Leslie Ditto.

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Escultura de cuarzo selenita Porsche 911 Turbo 930 erosionada de Daniel Arsham. Edición limitada. Obra de arte pop. Artista callejero. Bellas artes. Escultura de cuarzo selenita firmada, edición limitada de 500 ejemplares, 2020. Dimensiones: 3,58 x 5,35 x 12,21 cm. Representa un Porsche 911 Turbo 930 blanco con incrustaciones estilizadas de cuarzo erosionado. En perfecto estado. Se entrega con caja. Escultura de cuarzo selenita de un Porsche 911 Turbo 930 erosionado, obra de Daniel Arsham La escultura «Porsche 911 Turbo 930 Erosionado en Cuarzo Selenita», de Daniel Arsham, lanzada en 2020, es una pieza de colección de precisión que fusiona el diseño industrial, las bellas artes y la estética del deterioro con el paso del tiempo. Esta obra escultórica de edición limitada es una exploración tridimensional de la fascinación de Arsham por la arqueología ficticia y las reliquias del futuro. Producida en una edición de 500 ejemplares, cada pieza mide 9,1 x 13,6 x 31 cm y está fundida en cuarzo selenita. La escultura reinterpreta el icónico Porsche 911 Turbo 930 como si hubiera sido descubierto tras décadas de erosión natural, combinando la ingeniería mecánica con formaciones minerales orgánicas en una forma híbrida impresionante y contemplativa. Una fusión de diseño y arte conceptual La serie de vehículos erosionados de Daniel Arsham se ha convertido en un sello distintivo de su obra, simbolizando la intersección entre el logro humano y el paso del tiempo. El Porsche 911 Turbo, símbolo atemporal de precisión y rendimiento, se transforma en un vehículo para el lenguaje visual especulativo de Arsham. Esta escultura captura un momento de transformación: la carrocería prístina del vehículo se fractura y queda parcialmente cubierta por estilizados depósitos cristalinos. Realizada en cuarzo selenita, la forma del vehículo se conserva y se erosiona simultáneamente, sugiriendo temas como la memoria, la pérdida y la permanencia. El acabado blanco mate del cuarzo contrasta bellamente con los crecimientos cristalinos incrustados, que parecen romper la superficie del vehículo desde dentro. Estas erosiones imitan procesos geológicos naturales, pero están estilizadas para ajustarse al enfoque característico de Arsham sobre la decadencia y la ruina. El efecto es a la vez futurista y antiguo, posicionando la escultura como una reliquia de un mundo donde la cultura humana y la naturaleza se entrelazan en un diálogo constante. Integridad de la edición y valor para coleccionistas Cada escultura de la edición limitada de 500 ejemplares está firmada individualmente por Daniel Arsham y se presenta en un estuche con el logotipo del estudio del artista. El estuche, diseñado con tipografía reflectante y un audaz tratamiento gráfico, se convierte en una extensión de la obra, reforzando así el marco conceptual. Acompañada de un certificado de autenticidad, esta pieza forma parte de la exploración de Arsham de objetos de diseño coleccionables que difuminan la línea entre arte y artefacto. Su tamaño, pequeño pero sustancial, le permite funcionar tanto como pieza individual como dentro de una colección de arte. Se integra a la perfección en interiores contemporáneos, colecciones de museos y galerías, a la vez que resulta atractiva para los aficionados al automovilismo y al diseño. La textura del cuarzo, combinada con la meticulosa elaboración, garantiza que cada obra sea ligeramente única en su acabado y detalles. Arte pop callejero y graffiti a través de una lente escultórica Daniel Arsham, residente en Estados Unidos, trabaja en la intersección de la escultura, la arquitectura y la iconografía pop. Si bien no es un grafitero en el sentido tradicional, su obra está profundamente influenciada por la estética y la energía del arte urbano, incluyendo sus colaboraciones con artistas callejeros y el uso de formas icónicas de la cultura popular. La escultura de cuarzo selenita «Porsche 911 Turbo 930 erosionado» representa esta filosofía: reimaginar un artefacto cultural como algo atemporal, transformado por la entropía y la imaginación. Como parte del continuo del arte pop callejero y el grafiti, invita al espectador a reconsiderar qué se conserva y qué se olvida con el paso del tiempo.

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