Panel de madera cortado con láser y enmarcado

Peoples Power, pintura original en técnica mixta con plantilla y pintura en aerosol sobre panel de madera recortado, por Icy & Sot, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Obra de arte original firmada de 2015, realizada con pintura en aerosol y plantilla sobre madera recortada, de 21 x 46 pulgadas (tamaño natural). «American Dream se inspira en el hombre sin hogar que sostiene un vaso de Starbucks y pide dinero. Hay muchas personas sin hogar en Nueva York, pero son invisibles entre los rascacielos. Lo pintamos más grande que el Empire State Building para que sea más visible». - Icy & Sot Descifrando el lenguaje visual del "Poder Popular" La obra titulada «El poder del pueblo», del dúo de artistas urbanos Icy & Sot, es un impactante ejemplo de arte pop moderno que fusiona la intensidad cruda del grafiti con el atractivo cautivador del estarcido. Creada en 2015, esta pieza original fue meticulosamente elaborada con técnicas mixtas, principalmente estarcido y pintura en aerosol, sobre un panel de madera recortado. La elección de materiales y la técnica empleada por los artistas revelan sus profundas raíces en las tradiciones del arte pop urbano y el grafiti, donde el uso de la pintura en aerosol es icónico y el estarcido permite crear imágenes nítidas y repetibles que pueden ejecutarse rápidamente en los entornos, a menudo complejos, de los espacios públicos. Expresión artística sobre realidades sociales «El Poder del Pueblo» conecta con la esencia del arte urbano al abordar con audacia temas sociopolíticos. La obra de Icy & Sot suele reflejar una aguda conciencia de los problemas contemporáneos; esta pieza no es la excepción. La narrativa tras el «Sueño Americano» —la inspiración de «El Poder del Pueblo»— surge de la observación del artista de una persona sin hogar en la ciudad de Nueva York, sosteniendo un vaso de Starbucks mientras pedía dinero. Esta conmovedora escena, con los imponentes rascacielos de fondo, dio origen a una obra que busca visibilizar la presencia de las figuras a menudo ignoradas y marginadas en los paisajes urbanos. El simbolismo del "poder del pueblo" En «El poder del pueblo», la figura central se representa de tamaño descomunal, eclipsando el emblemático Empire State Building. Esta elección artística eleva al sujeto, literal y figurativamente, otorgándole una visibilidad que suele negársele en la vida real. La multitud heterogénea que rodea a la figura central parece solidaria, sugiriendo un levantamiento colectivo o una postura unificada contra los problemas sociales. Los vibrantes colores que salpican el rostro de la figura central añaden una sensación de vitalidad y quizá un atisbo de esperanza en medio del austero blanco y negro de la multitud. Técnica y forma en el proceso creativo de Icy & Sot La destreza técnica de Icy & Sot se evidencia en la precisión del trabajo con esténcil y el caos controlado de la pintura en aerosol. Al optar por un panel de madera como soporte, los artistas se alejan de la naturaleza efímera de los muros callejeros, permitiendo que «People's Power» exista como un manifiesto portátil de su postura artística e ideológica. La forma recortada de la obra rompe con el lienzo rectangular convencional, otorgándole una presencia casi escultórica que evoca la experiencia tridimensional de encontrarse con el arte urbano. Contextualizando el "Poder del Pueblo" dentro del Arte Pop Callejero «El Poder del Pueblo» es más que una obra visualmente cautivadora; es un artefacto cultural que encapsula el espíritu del arte pop urbano. Icy & Sot han aprovechado con éxito el potencial expresivo del grafiti para comunicarse con un público amplio, trascendiendo las barreras lingüísticas y culturales. La accesibilidad de la obra es crucial para su impacto, siguiendo la tradición del arte urbano que se dirige directamente al público, sin los filtros de las normas excluyentes de las galerías y museos tradicionales. Impacto y legado del "Poder del Pueblo" El legado de «El poder del pueblo» reside en su capacidad para confrontar y dialogar con su público sobre verdades incómodas. Como ocurre con muchas obras seminales del arte pop urbano, el valor de esta pieza se ve amplificado por su relevancia para los discursos sociales contemporáneos. El compromiso de Icy & Sot con abordar las facetas incómodas de la modernidad es lo que posiciona a «El poder del pueblo» no solo como un objeto de admiración estética, sino también como un faro de conciencia social en el ámbito del arte moderno.

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Cacofonía, impresión de pigmentos de archivo múltiples pintada a mano sobre 3 niveles de panel acrílico cortado con láser, lista para colgar, por Eddie Colla, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 25 piezas, firmadas y numeradas, de 2020. Obra de arte en acrílico cortada con láser. Tamaño: 18 x 18 pulgadas. La Niña de los Peces Dorados fue creada hace casi una década. La retomo con frecuencia, y ha sido el personaje recurrente que he creado. Suelo escribir historias de fondo para estos personajes para ayudarme a crear las piezas, pero generalmente nunca las comparto con el espectador. La Niña de los Peces Dorados nació en China continental y fue criada principalmente por su padre soltero. Su madre falleció de cáncer cuando ella tenía 18 meses. De niña, enfermaba con frecuencia y finalmente le diagnosticaron un trastorno del sistema inmunitario, aunque nunca recibió un diagnóstico preciso. Esta es la razón por la que siempre usa mascarilla y guantes. Su padre se dedicaba a la cría de peces dorados y le enseñó el oficio desde pequeña. Trabajaban juntos y rara vez recibían visitas debido a su condición. Sus frecuentes enfermedades y la pérdida de su madre hicieron que su infancia fuera difícil. Como la mayoría de los niños, intentó encontrar una razón para su desgracia, una razón por la que todo esto les había sucedido a ella y a su padre. Finalmente, llegó a creer que su enfermedad y el cáncer de su madre eran un castigo de la naturaleza. Una maldición por jugar con la naturaleza criando peces dorados. Su padre también falleció. Necesitada de ganarse la vida y, a la vez, desafiando al destino, emigró ilegalmente a Hong Kong. En Mong Kok, en la calle Tung Choi, hay un famoso mercado de peces de colores, conocido popularmente como la calle de los peces de colores. Con un sistema inmunitario debilitado, lo más peligroso para ella eran las demás personas. Como un desafío al destino, se mudó a una de las ciudades más densamente pobladas del mundo. Consiguió un puesto en la calle Tung Choi. Este es su desafío: desafiar al destino y vencerlo, convertirse en dueña de su propio destino. Estas imágenes son viñetas de su vida en Hong Kong. Nunca le he dado un nombre al personaje. A veces aparece con un radiocasete, porque la música se convierte en una compañera esencial en su vida, mayormente solitaria. En la obra «Cacofonía», quería que estuviera literalmente rodeada por la ciudad. De alguna manera, creo que intenté crear un personaje que encarnara muchas de las cualidades a las que aspiro. Para que me lo recordara. - Eddie Colla

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Y entonces las cosas mejoraron - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti, arte pop moderno. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Arrow Pulse Fresas con crema Técnica mixta pintada a mano sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar, por Tavar Zawacki (Arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. «La flecha Pulse fue uno de los muchos diseños populares que creé para mi reciente exposición individual, Remix, en Detroit. Decidí hacer una edición más pequeña (5) de las flechas Arrow Pulse, ya que este diseño es un estilo popular e icónico. Diseñé los archivos de corte en mi computadora con Adobe Illustrator y luego los mandé a cortar con láser para asegurar su perfección y uniformidad en la forma. Después de realizar los cortes, extraje individualmente cada flecha Pulse y le asigné un color específico. Lo que se ve en la pieza terminada es una flecha Pulse de madera colorida y compuesta.» - Arriba

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Face Invader - Modo Acecho. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, por Bask, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Quería hacer algo especial para la exposición que coincidiría con la muestra. Así que se me ocurrió no solo ofrecer una lámina con detalles pintados a mano, sino crear una serie de piezas en sets, todas pintadas a mano. Nada de plantillas ni serigrafías; quería ofrecer piezas pintadas a mano, asequibles para quien las quisiera. Pero, aunque me entusiasmaba la idea, tenía que encontrar la manera de llevarla a cabo en un plazo razonable. Por no hablar de tener que idear diez imágenes que pudiera reproducir casi idénticamente veinte veces. Luego surgió la idea de recuperar algunos rostros de trabajos anteriores: personajes que Detroit me inspiró a crear. Debo añadir que este ha sido uno de los proyectos más laboriosos que he emprendido. Entre mi ayudante y yo, le hemos dedicado más de 500 horas. Cada panel fue trabajado con esmero. - BASK

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Llega a casa sano y salvo. Edición limitada. Acrílico, pintura en aerosol y tinta sobre panel de madera, intervenidos a mano por Marly Mcfly, artista de graffiti callejero, arte pop moderno. Edición limitada de 8 ejemplares, firmada y numerada, 2020. Tamaño de la obra: 18x18 pulgadas. Soy una artista autodidacta de Newport News, Virginia. Desde niña me dediqué al arte, dibujando de todo: caricaturas, cómics, figuras de acción y atletas. Mis pensamientos y experiencias se plasman en capas de colores vivos y patrones llamativos, junto con imágenes de mi infancia que utilizo para expresarme.

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Detroit Minute #10 Acrílico original pintado a mano sobre madera de abedul cortada con láser, listo para colgar, por HoxxoH, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «“El tiempo no espera a nadie” ha sido durante mucho tiempo el catalizador que ha impulsado al ser humano a aprovechar su existencia consciente. El tiempo es una magnitud observable creada por el hombre para seguir el curso de nuestro misterioso Universo. Sin embargo, ahora, quizás más que nunca, el ser humano busca utilizar el tiempo para aliviar las presiones de una existencia inexplicable mediante aplicaciones que miden y calculan su valor. Publicaciones y “me gusta” en redes sociales, las fluctuaciones del mercado bursátil, pequeños monitores en nuestras manos que nos vigilan, contando constantemente, subiendo y bajando, ahogándonos en una sobrecarga sensorial. Nos hacen creer que el tiempo puede ser rastreado y controlado mediante un práctico algoritmo. Disfrazan el tiempo en programas destinados a objetivar y simbolizar nuestra presencia como un estatus glorificado en el cosmos». Por Andrew Leshin

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Impresión de la Nueva Revolución Mundial sobre panel de madera enmarcado y listo para colgar por Mear One, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Impresión artística exclusiva en madera de abedul sostenible de 1/2" (34,29 x 45,72 cm), acabado blanco brillante, firmada y numerada a mano por Mear One. Edición limitada de 20 ejemplares "Con motivo del Día de la Madre". Su halo dorado nos envuelve en una cálida sabiduría espiritual, positividad y libertad de elección; su puño alzado al cielo, no con ira, sino con solidaridad y fuerza universales, quizá como un recordatorio de que vivimos tiempos revolucionarios, que ponen de relieve el valiente papel que desempeñan las mujeres y los niños en esta era de gran agitación política. - Mear One

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Como se ve en TV - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti, arte pop moderno. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación El arte de Denial tiene una fuerte carga política y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un artista pop activista. Me resulta mucho más fácil relacionarme con las caricaturas y los gráficos que con el fotorrealismo». Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Lámina con estampado de calavera rosa y flores sobre panel de madera cortado con láser, enmarcada y lista para colgar, de Tara McPherson, artista pop moderna. Prueba de artista (PA). 24,384 cm x 35,56 cm (9,6 x 14 pulgadas). Impresión artística en madera de abedul sostenible de 1,27 cm (1/2 pulgada), acabado blanco brillante. Edición limitada de 20 ejemplares firmados y numerados a mano. Exclusiva de DesignerCon 2019.

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Possession Original Die Cut Vinyl, Oil Paint on Wood Bridled Panel ready to hang by Dan Christofferson- Beeteeth Graffiti Street Artist Modern Pop Art. «Posesión» - Vinilo troquelado de 24" x 32" en el panel de mi exposición «West Was Won». -Dan Christofferson

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Escultura Totem 3D impresa sobre panel de madera, lista para exhibir, por Glenn Barr, artista pop moderno. 62,23 x 39,37 cm (24,5" x 15,5" plano) 62,23 x 39,37 x 39,37 cm (24,5" x 15,5" x 15,5" de pie) Impresión artística multidimensional sobre madera sostenible de 6,35 mm (1/4"). Con más de 60 cm (2 pies) de altura, esta fascinante obra de arte juega con las múltiples dimensiones, ya que las superficies bidimensionales interactúan dentro de un espacio tridimensional, convirtiéndola en una creación casi bidimensional y media. Incluye dos impresiones artísticas a doble cara que, al unirse, forman cuatro intersecciones únicas de arte.

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HYPE Box Edición Limitada Caja de Madera Serigrafiada Hecha a Mano Escultura de Técnica Mixta Obra de Arte del artista callejero de graffiti y artista pop moderno Skewville. Edición muy limitada, hecha a mano y firmada en 2021.

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Compre el panel múltiple pintado a mano WOODCRADLED listo para colgar de ARTIST Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2022 Edición firmada y numerada de XXX HPM MEDIA Impresión de ilustraciones Tamaño XXX INFORMACIÓN

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Face Invader - Resting Bitch Face Original Hand-Painted Multiple (HPM) sobre panel de madera enmarcado, listo para colgar por Bask, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Quería hacer algo especial para la exposición que coincidiría con la muestra. Así que se me ocurrió no solo ofrecer una lámina con detalles pintados a mano, sino crear una serie de piezas en sets, todas pintadas a mano. Nada de plantillas ni serigrafías; quería ofrecer piezas pintadas a mano, asequibles para quien las quisiera. Pero, aunque me entusiasmaba la idea, tenía que encontrar la manera de llevarla a cabo en un plazo razonable. Por no hablar de tener que idear diez imágenes que pudiera reproducir casi idénticamente veinte veces. Luego surgió la idea de recuperar algunos rostros de trabajos anteriores: personajes que Detroit me inspiró a crear. Debo añadir que este ha sido uno de los proyectos más laboriosos que he emprendido. Entre mi ayudante y yo, le hemos dedicado más de 500 horas. Cada panel fue trabajado con esmero. - BASK

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Un ojo para un nido de águilas - Rojo y azul. Original pintado a mano con múltiples técnicas de aerosol, acrílico y serigrafía sobre panel de madera cortado con CNC, listo para colgar, por Prefab77, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Siempre nos ha apasionado el retrato. Nuestro estilo actual fusiona el retrato alegórico con un estilo directo y contundente, a menudo incorporando mensajes ocultos, referencias religiosas e iconografía pop. En este lanzamiento, hemos explorado el estilo totémico para transmitir estos mensajes y crear una forma visualmente bella de expresar una idea abstracta o de transmitir un significado no explícito en la narrativa. Como un buen tema pop/rock de tres minutos, ¡puede ser una fábula, una historia o una advertencia! - Prefab77

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Disfrute de la técnica mixta sobre panel de madera enmarcado. Pintura original del artista callejero de graffiti Denial. Arte pop moderno. Listo para colgar. Recientemente, esta obra no fue admitida en una exposición en la que quería que participara. En Dubái, tienen normas estrictas sobre obscenidad y vulgaridad. Llevaba mucho tiempo queriendo pintar esta pieza y buscaba la imagen perfecta para usar como base. Finalmente la encontré en los recovecos de internet. Esta pintura es una visualización de un chiste genial de Bill Hicks, de su monólogo. En él, Bill profundiza en los males de la publicidad cuando no se la cuestiona ni se la controla. Imagina y describe un anuncio de un futuro no muy lejano que algún día podría existir. Esta pintura representa ese anuncio. Bill Hicks era un genio, y solo espero haberle hecho justicia a su obra. Fue una gran inspiración para mi mentalidad actual; un verdadero artista y rebelde. Me inspiro en diferentes artistas de diferentes maneras. Me gusta visualizar cosas como canciones, discursos o comedia y jugar con los diferentes elementos que se me ocurren. Tengo una mente muy juguetona. - Negación Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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Arrow Pulse Summer Original, técnica mixta pintada a mano sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar, por Tavar Zawacki (Arriba), artista callejero de graffiti, arte pop moderno. «La flecha Pulse fue uno de los muchos diseños populares que creé para mi reciente exposición individual, Remix, en Detroit. Decidí hacer una edición más pequeña (5) de las flechas Arrow Pulse, ya que este diseño es un estilo popular e icónico. Diseñé los archivos de corte en mi computadora con Adobe Illustrator y luego los mandé a cortar con láser para asegurar su perfección y uniformidad en la forma. Después de realizar los cortes, extraje individualmente cada flecha Pulse y le asigné un color específico. Lo que se ve en la pieza terminada es una flecha Pulse de madera colorida y compuesta.» - Arriba

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Impresión en metal de archivo UV Grin Bulb Green PP de Ron English - POPaganda - Impresión de edición limitada sobre panel de aluminio enmarcado - Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de impresión PP 2022 Firmada y marcada PP Edición limitada Obra de arte Tamaño 8x11 Pigmento de archivo UV Bellas artes de Ron English- POPaganda's Crypto Light Bulb Skeleton Grin Smiley Listo para colgar. Impresión en metal de archivo UV PP verde bulbo Grin de Ron English- POPaganda La obra «Grin Bulb Green PP UV Archival Metal Print» es una impactante pieza de arte pop urbano contemporáneo y grafiti del icónico artista Ron English (POPAganda). Esta edición limitada, creada en 2022, refleja la maestría de English al fusionar imágenes subversivas con la cultura popular. La pieza presenta un diseño único y surrealista: una bombilla amarilla con una boca esquelética sonriente, yuxtapuesta a un fondo verde intenso. El uso de colores llamativos y un humor macabro encapsula el reconocido estilo de English: un arte provocador y visualmente cautivador. La obra se presenta sobre un panel de aluminio, enmarcada y lista para colgar, lo que garantiza su durabilidad y una estética elegante. Con unas dimensiones de 8x11 pulgadas, fue creada con pigmentos UV de archivo, lo que asegura que sus colores vibrantes y detalles nítidos perduren en el tiempo. Esta pieza está marcada como Prueba de Impresor (PP), una designación que la hace aún más exclusiva entre los coleccionistas de ediciones limitadas. Cada impresión está firmada a mano por Ron English (POPAganda), añadiendo un toque personal a esta edición única. English, pionero del Arte Pop Urbano, incorpora con frecuencia motivos de consumismo, marcas y crítica social en sus creaciones, y la serie Grin Bulb no es una excepción. El arte de Ron English - POPaganda Ron English, conocido como POPaganda, nació en Estados Unidos en 1959 y es una figura clave del arte pop urbano y el grafiti. English ha obtenido reconocimiento internacional por su habilidad para transformar símbolos culturales familiares en obras maestras provocativas y satíricas. Apodado el Padrino del Arte Urbano, ha creado obras icónicas que invitan a reflexionar sobre los mensajes subyacentes de la publicidad, los medios de comunicación y la cultura de consumo. Su arte, a la vez lúdico y conmovedor, se ha expuesto en todo el mundo y conecta profundamente con los seguidores tanto de la cultura pop como de la contracultura. La obra «Grin Bulb Green» es un excelente ejemplo de la habilidad de English para tomar objetos cotidianos e infundirles múltiples significados. La bombilla, a menudo asociada con las ideas y la innovación, se transforma en un comentario sobre la obsesión de la sociedad moderna con el consumismo y la felicidad artificial. La sonrisa esquelética bajo el rostro sonriente refleja una dualidad a la vez humorística e inquietante, un elemento característico de la obra de English. Importancia del arte pop callejero y del grafiti El arte pop callejero y el grafiti han servido durante mucho tiempo como plataformas para la crítica cultural, fusionando la accesibilidad del arte callejero con el atractivo comercial del arte pop. Las contribuciones de Ron English (POPAganda) a este género destacan por su complejidad e ingenio. Su capacidad para subvertir y recontextualizar imágenes familiares invita al espectador a interactuar con su obra en múltiples niveles, desde la estética superficial hasta críticas sociales más profundas. Esta fusión de imágenes impactantes y profundidad intelectual hace que la obra de English sea particularmente relevante en el panorama artístico actual. La obra «Grin Bulb Green» ejemplifica esta dinámica al combinar una artesanía de alta calidad con una perspectiva lúdica y a la vez crítica de la cultura moderna. La elección del soporte, una impresión de pigmento UV de archivo sobre aluminio, se alinea con la estética contemporánea del arte pop urbano, mientras que su carácter de edición limitada aumenta su atractivo como pieza de colección. El enmarcado y su formato listo para colgar la convierten, además, en una adición versátil para cualquier colección de arte moderno. Coleccionando obras de arte de edición limitada de Ron English-POPAganda Para coleccionistas y entusiastas, adquirir una prueba de imprenta de la obra de Ron English (POPAganda) es una oportunidad única y valiosa. Estas ediciones suelen representar las etapas finales del proceso creativo de un artista y son muy codiciadas por su exclusividad. La impresión «Grin Bulb Green», con sus colores vibrantes, diseño innovador y significado cultural, es testimonio del impacto perdurable de English en el mundo del arte. Exhibir esta pieza no solo demuestra una profunda apreciación por el arte pop urbano contemporáneo, sino que también resalta el interés del coleccionista por una obra de arte provocadora y transformadora.

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Plantilla Cold Tenderness en cartulina original cortada con láser con hoja de oro de Snik. Obra de arte única enmarcada de un artista pop de arte callejero. Obra original de 2019, firmada con hoja de oro sobre cartulina cortada con láser. Tamaño: 13,75 x 20 pulgadas (enmarcada: 16 x 23 pulgadas). Fría Ternura de Snik – Fragilidad en la Precisión con Pan de Oro en Arte Pop Urbano y Grafiti Cold Tenderness es una obra original de 2019 del dúo británico de esténcil Snik, creada meticulosamente con pan de oro sobre cartulina negra cortada con láser. Con unas dimensiones de 34,9 x 50,8 cm (13,75 x 20 pulgadas) y enmarcada a 40,6 x 58,4 cm (16 x 23 pulgadas), esta pieza única ejemplifica el equilibrio característico de los artistas entre control y emoción, técnica y atmósfera. El retrato de una mujer, plasmado mediante innumerables incisiones diagonales finas, resplandece con sutileza y una elegante serenidad. A medida que la luz incide sobre la superficie metálica, su mirada emerge y se desvanece, revelando la tensión entre lo permanente y lo efímero. Dentro del ámbito más amplio del arte pop urbano y el grafiti, Cold Tenderness se erige como un experimento poético sobre la fragilidad de la superficie, utilizando materiales de lujo y procesos industriales para indagar en la vulnerabilidad, la memoria y la identidad. Artesanía cortada con láser y emoción en hoja de oro Lo que distingue a esta obra es la precisión de su construcción. Snik ha empleado tecnología de corte láser para producir una compleja red de líneas de plantilla, cada trazo cuidadosamente diseñado para lograr variación tonal y profundidad en las sombras. Sobre esta cuadrícula, se han aplicado láminas de pan de oro, creando una superficie que cambia con la luz y la posición del espectador. La técnica transforma el cartón en una pantalla reflectante donde el retrato oscila entre la imagen y la abstracción. Mientras que el arte callejero suele ser rápido, crudo y efímero, esta obra es metódica, deliberada y perdurable. El pan de oro añade tanto opulencia como decadencia: frágil al tacto, siempre al borde del deterioro. Esta paradoja realza el trasfondo emocional de «Cold Tenderness», convirtiéndola en una contribución fundamental al arte pop callejero y al grafiti. El rostro y el vacío En el centro de la composición se encuentra la figura femenina, cuyo rostro se funde suavemente con la sombra. No hay fondo. El campo de negro sólido funciona como silencio y espacio, creando un vacío que enmarca la mirada introspectiva de la figura. Cada línea y cada trazo dorado tienen peso; el rostro no está pintado ni esbozado, sino grabado a través de la ausencia. La protagonista no aparece como intérprete, sino como testigo: observa sin explicación, presente sin certeza. Este enfoque minimalista del retrato pone el énfasis no en la narrativa, sino en la presencia. En el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti, esta reducción magnifica el significado, permitiendo que pequeños gestos y sutiles cambios se conviertan en el núcleo emocional. Snik y la alquimia de la quietud Cold Tenderness es emblemática de la evolución de Snik como artistas que han redefinido la plantilla como herramienta de silenciosa rebeldía y afirmación poética. Al fusionar la artesanía con la precisión digital, los métodos industriales con los temas orgánicos, exploran continuamente el espacio liminal entre el diseño y la emoción. La elección de la hoja de oro en esta pieza no es decorativa, sino simbólica. Habla del valor, la erosión, el tiempo y la forma en que la luz puede tanto revelar como ocultar. Esta obra no es estridente, pero sí profunda. Exige una observación atenta, una reflexión pausada y una contemplación paciente. En el arte pop urbano y el grafiti, pocas piezas comunican fragilidad y disciplina con este nivel de cuidado. Cold Tenderness no ofrece respuestas fáciles, solo el resplandor de la presencia y la cruda verdad de que la belleza, como la memoria, puede ser a la vez sólida y efímera.

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«El bigote de Dalí» - Impresión artística sobre panel de madera HPM, enmarcada y lista para colgar. Obra de Jeff Soto, artista urbano de graffiti y arte pop moderno. 25,4 x 38,1 cm (10 x 15 pulgadas). Impresión artística sobre madera de abedul sostenible de 19 mm (3/4"), acabado blanco brillante. Firmada y numerada a mano, cada pieza está intervenida a mano por Jeff Soto. Edición exclusiva de DesignerCon 2017.

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Rabbit Worries, pintura original en aerosol sobre panel de madera de Blake Jones. Obra de arte única. Arte callejero. Artista pop. 2020. Pintura original firmada, realizada con aerosol sobre panel de madera. Medidas: 20,5 x 48 pulgadas. Rabbit Worries de Blake Jones – Expresión cruda sobre madera en el arte pop callejero y el grafiti Rabbit Worries es una pintura en aerosol original y única de 2020 del artista estadounidense Blake Jones, realizada en rojo intenso sobre un panel de madera reciclada de 52 x 122 cm. La obra presenta al icónico conejo de Jones, un personaje recurrente en su narrativa visual. Pintada con un enfoque directo y sin filtros, esta pieza combina la urgencia del grafiti callejero con la claridad estética de la iconografía pop. La expresión del personaje —ojos cerrados, boca con una sonrisa inquieta, cejas sutilmente arqueadas— encarna una tensión contenida. Su cuerpo, simplificado en líneas fluidas y una forma minimalista, irradia humor e inquietud. La palabra BLAKE aparece garabateada en la parte inferior en el mismo rojo, afirmando la autoría del artista con la inmediatez de una firma callejera. Sencillez emotiva y poder simbólico El conejo de Jones no es solo un dibujo animado; es un vehículo de resonancia emocional. En «Preocupaciones del Conejo», el diseño de la figura se reduce a lo esencial, logrando un máximo impacto psicológico con una mínima información visual. La expresiva pintura roja en aerosol sobre la veta natural de la madera crea un marcado contraste, amplificando la emoción cruda capturada en la postura y las expresiones faciales de la figura. El formato vertical del panel intensifica la acción, guiando la mirada hacia arriba, recorriendo el cuerpo hasta las orejas, que evocan símbolos de alerta o ansiedad. Este enfoque ejemplifica una estrategia fundamental del arte urbano pop y el grafiti: comunicar rápido, contundente y con cada línea. Pintura en aerosol y superficies según el Código Urbano El uso de pintura en aerosol sobre panel de madera conecta directamente con la tradición del grafiti, donde la herramienta y la textura definen la voz de la obra. La veta de la madera permanece completamente visible bajo las líneas rojas, permitiendo que la imperfección natural y la crudeza urbana coexistan con la energía gráfica de las imágenes de Jones. A diferencia del lienzo o el papel, la madera ofrece resistencia y carácter, creando un diálogo entre material y mensaje. Jones aprovecha esto, permitiendo que la superficie influya en el ambiente de la pieza. El rojo intenso evoca urgencia y vulnerabilidad, haciendo eco de temas como la lucha personal, la ansiedad escénica o el conflicto interno. La pincelada es rápida, casi instintiva, reflejando los ritmos del grafiti callejero, pero contenida dentro de una composición formal. Blake Jones y la intersección del humor, la ansiedad y la voz pública Blake Jones continúa explorando los temas de la identidad emocional y el lenguaje público a través de figuras recurrentes y expresiones familiares. En «Rabbit Worries», captura un momento de introspección mediante un símbolo generalmente asociado con la inocencia y la picardía. Este conejo, sin embargo, no es despreocupado: carga con peso en sus ojos cerrados y labios curvados, ofreciendo al espectador un reflejo de un espacio mental compartido. La obra alude a las presiones de la vida contemporánea a través del lenguaje de la abstracción caricaturesca, anclando los recursos visuales pop en un terreno emocional real. Como parte del canon del Arte Pop Urbano y el Grafiti, «Rabbit Worries» es un ejemplo impactante de cómo el personaje y el gesto pueden reemplazar la narrativa, cómo la urgencia puede ser bella y cómo la ansiedad puede expresarse a través del color y la línea. Esta obra se erige como un objeto de claridad estética y un retrato de la complejidad psicológica.

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Espiral psicodélica - 01 Original pintada a mano con múltiples técnicas de pintura en aerosol, tinta y técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar por Tavar Zawacki (Arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. La serie Psicodélica se creó en conjunto con mi reciente exposición individual, Remix. Todas las obras de la serie se diseñaron con énfasis en un marcado contraste visual. Es similar al arte óptico (Op-art), que produce un efecto alucinante. Altera la percepción como si se estuviera bajo los efectos de drogas psicodélicas. Algunos de los diseños psicodélicos que realicé se exhibieron en Remix, y otros los creé específicamente para esta serie. Este diseño en particular, «Sunset Strip», lo desarrollé con mayor complejidad para mi exposición individual Remix. La exposición Remix consistía en intercambiar y combinar diferentes patrones de corte del mismo diseño, en distintos colores, para lograr la pieza final. La serie Psicodélica logra un efecto similar, pero con un estilo más básico: se bloquean los colores y se deja que el espacio negativo se revele.

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Reina - Azul. Obra original única en su tipo, técnica mixta, acrílico y pintura en aerosol sobre panel de madera enmarcado con marco de mesa personalizado, del popular artista de graffiti callejero Greg Gossel. Obra original firmada, enmarcada, de Greg Gossel, titulada «Queen (Azul)» (2017). Medidas: 18 x 24 pulgadas (45,7 x 61 cm). Técnica mixta sobre panel de madera entelado con marco de mesa a medida.

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¡Mira, Busy, el jefe está llegando...! Obra original pintada a mano con múltiples técnicas mixtas de pintura en aerosol sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar, por Denial Graffiti, artista callejero de arte pop moderno. Edición limitada HPM firmada de 2020 (10 unidades) Tamaño de la obra: 13,5 x 11,5 pulgadas «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación La frase de Denial, "Mira, estás ocupado, que viene el jefe...", como comentario en el arte pop callejero. «¡Mira qué ocupado! ¡Que viene el jefe!» es una impactante obra de arte pop moderno del artista callejero conocido como Denial, seudónimo del artista canadiense Daniel Bombardier. Su creación de 2020 es una edición limitada, firmada y pintada a mano (HPM) de tan solo diez piezas, cada una con dimensiones de 34,3 x 29,2 cm. Esta obra de arte, realizada con técnica mixta de pintura en aerosol sobre un panel de madera cortado con láser, está lista para colgar y encapsula el humor, la ironía y la crítica mordaz característicos del arte pop callejero y el grafiti. El trabajo de Denial suele ser elogiado por su vibrante uso del color, sus múltiples significados y su contenido provocador que desafía las normas y comportamientos sociales. En «¡Mira qué ocupado! ¡Que viene el jefe!», Denial utiliza paneles de madera cortados con láser para dotar a la obra de una cualidad tridimensional, enfatizando el impacto del texto y la urgencia del mensaje. El texto superpuesto, con sus letras en negrita que resaltan sobre el fondo oscuro, crea una ilusión de profundidad, mientras que los ojos caricaturescos añaden un elemento lúdico y a la vez satírico a la obra. El estilo característico de Denial, que a menudo combina texto e imagen, invita al espectador a interactuar con la obra en múltiples niveles. Explorando las capas de significado en la expresión artística de la negación La expresión artística de Denial en "Look Busy, The Boss is Coming..." es multifacética y refleja las complejidades de la condición humana y la a menudo absurda realidad laboral. La frase "Look Busy" es una sátira del aspecto performativo de la productividad en la sociedad moderna, donde las apariencias a veces pesan más que la eficiencia o la contribución reales. La inclusión de los ojos vigilantes y exagerados subraya la constante presión y el escrutinio que sienten los empleados en el entorno profesional. Esta obra dice mucho sobre el estado actual de la cultura laboral, donde el miedo a la autoridad y la necesidad de aparentar estar siempre ocupados pueden eclipsar el valor del trabajo genuino. La declaración que Denial realiza a través de esta obra refleja su perspectiva más amplia sobre la vida y la sociedad. Como el propio artista ha señalado, su trabajo aborda temas severos y, a veces, siniestros a través de una lente de absurdo y sátira. El objetivo no es promover una visión pesimista, sino utilizar el humor como herramienta de reflexión e, idealmente, inspirar conversaciones que conduzcan a mejores soluciones para los problemas sociales. El carácter caprichoso pero incisivo de "Look Busy, The Boss is Coming..." ejemplifica este enfoque, ya que pone un espejo frente al público, incitándolos a cuestionar y tal vez reírse de lo absurdo de sus rutinas diarias. Impacto y recepción del arte pop callejero de Denial El impacto de "Look Busy The Boss is Coming..." de Denial es significativo en la comunidad del arte pop urbano y entre los coleccionistas de arte. Al ser una pieza de edición limitada, su valor reside en su escasez y en su potente mensaje, envuelto en una estética atractiva. La obra conecta con un público amplio gracias a su contenido cercano y su presentación accesible. La habilidad de Denial para destilar críticas sociales complejas en arte pop urbano visualmente cautivador hace que sus piezas sean codiciadas tanto por coleccionistas experimentados como por nuevos aficionados. El trabajo de Denial, incluyendo "Look Busy The Boss is Coming...", contribuye al diálogo actual sobre las intersecciones entre el arte urbano, la cultura pop y la crítica social. Su voz única en el arte ha cosechado atención y respeto, demostrando cómo el arte pop urbano y el grafiti pueden trascender las fronteras tradicionales y entablar un diálogo significativo con un público más amplio. A través de sus creaciones, Denial continúa desafiando percepciones, provocando la reflexión y ofreciendo nuevas perspectivas sobre el mundo que habitamos a diario.

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Curser Original Hand-Painted Multiple (HPM) Aerosol con acabado de capa transparente sobre madera cortada con láser, listo para colgar, por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Aerosol firmado y numerado de 2019 con acabado de barniz transparente sobre madera cortada con láser. Medidas: 5,5 x 7 x 1 pulgadas. Lanzamiento: 14 de agosto de 2019. Edición limitada de 100 unidades. Me gusta considerarme un activista del arte pop. Me resulta mucho más fácil conectar con los dibujos animados y el arte gráfico que con el fotorrealismo. Me encanta hacer referencia a cosas con las que la gente está tan familiarizada. Con humor y nostalgia, se abre un canal de comunicación. Llevo años haciéndolo, utilizando elementos de humor y familiaridad para entablar un diálogo, porque así se pueden introducir temas importantes y diferentes cosas que se intentan transmitir en la obra. Se tiene mucha más libertad para conectar con la conciencia y la experiencia del espectador y con cómo perciben el arte. Si se logra que se rían, que recuerden algo o que se identifiquen con alguna imagen... -Denial- Daniel Bombardier La innovadora intersección de la tecnología y el arte en "Curser" de Denial En el dinámico y siempre cambiante mundo del arte pop moderno, "Curser", una obra múltiple pintada a mano (HPM) del reconocido artista callejero Denial, destaca como una pieza excepcional que encapsula el espíritu del arte pop urbano contemporáneo y el grafiti. Denial, cuyo nombre real es Daniel Bombardier, ha sido una figura prominente en el mundo del arte, conocido por su enfoque activista y la incorporación de elementos de la cultura pop en sus obras. La HPM "Curser", lanzada el 14 de agosto de 2019, es una edición limitada de 100 ejemplares, cada uno con el toque único del artista, pintado con aerosol y con un acabado de barniz transparente sobre madera cortada con láser. Esta obra, de 14 x 18 x 2,5 cm, juega visualmente con el familiar cursor digital, un símbolo omnipresente en la era digital. Denial transforma este icono cotidiano en una obra de arte independiente que invita a la reflexión sobre los símbolos que impregnan nuestra vida diaria; el uso de madera cortada con láser como soporte es un guiño a la precisión y nitidez de los gráficos digitales. A su vez, la técnica de aerosol pintada a mano dota a la obra de la autenticidad y el atractivo crudo del arte urbano. La filosofía artística de Denial y su reflejo en "Curser" La filosofía de Denial, que utiliza el humor y la nostalgia para conectar con el público, se refleja vívidamente en "Curser". Al recontextualizar un puntero digital en un objeto tangible y artesanal, el artista tiende un puente entre lo virtual y lo físico, lo efímero y lo permanente. Denial cree en el poder del arte pop para generar diálogo, una creencia que se evidencia en la resonancia de "Curser" con un público amplio. La forma familiar del cursor, combinada con el medio inesperado y la intervención manual, se convierte en un punto de partida para la conversación, suscitando debates sobre el impacto de la tecnología en el arte y la sociedad. El acabado transparente de "Curser" le otorga a la obra un brillo moderno, que recuerda a las interfaces brillantes de los teléfonos inteligentes y las computadoras, difuminando aún más las fronteras entre el arte del grafiti tradicional y la estética digital contemporánea. Esta pieza no es simplemente una obra de arte, sino una declaración sobre la convergencia de nuestras experiencias digitales con el mundo físico. La obra de Denial ejemplifica la naturaleza cambiante del arte pop callejero, donde las técnicas tradicionales se fusionan con temas modernos para crear una nueva forma de expresión cultural. Coleccionabilidad e impacto cultural del "Maldito" de Denial Como pieza de colección, "Curser" ocupa un lugar especial en el arte pop urbano. Su edición limitada y los detalles pintados a mano por Denial hacen que cada pieza de la serie sea única, codiciada por coleccionistas que valoran la fusión entre la sensibilidad del arte urbano y la crítica de la cultura pop. La obra de Denial, en particular "Curser", es un testimonio del creciente aprecio por el arte del grafiti como un medio capaz de entretener y provocar la reflexión. El impacto cultural de "Curser" se ve amplificado por su accesibilidad y cercanía. El arte accesible de Denial invita a los espectadores a reflexionar sobre la interacción entre sus hábitos digitales y el mundo tangible, un tema cada vez más relevante en nuestra sociedad tecnológica. La obra sirve como recordatorio de la omnipresencia de los símbolos digitales en nuestras vidas y de la importancia de cuestionar y explorar estos elementos a través del arte. "Curser" es un ejemplo paradigmático de cómo artistas urbanos contemporáneos como Denial expanden los límites de lo que el arte pop urbano y el grafiti pueden representar. La obra encarna el potencial transformador del arte para adaptarse y responder al cambiante panorama de los símbolos culturales y los problemas sociales. La habilidad de Denial para impregnar su trabajo de ingenio y familiaridad permite una conexión más profunda con su público, convirtiendo a "Curser" en una pieza visualmente impactante y un comentario significativo sobre nuestra época.

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Nasty Nas - Cut The Record. Obra original única de técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser con pintura de resina industrial. Obra del popular artista de graffiti callejero Tavar Zawacki (arriba). Técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser y resina industrial. Medidas: 22 x 22 pulgadas (56 x 56 cm). Lanzamiento: 6 de mayo de 2016. Cut the Record (Nas), 2014. Técnica mixta sobre panel de madera cortado con láser y resina industrial. 22 pulgadas (55,9 cm) de diámetro. Edición 1/1. Firmada al dorso. La serie «Cut The Record» se creó exclusivamente para este lanzamiento y formó parte de mi exposición más reciente, «Remix». Fue una serie muy personal, ya que seleccioné a diez de mis músicos favoritos para retratarlos y remezclarlos. Todos ellos son músicos que admiro profundamente y que escucho a diario. Para la exposición, adapté el concepto de «remix» al intercambio y muestreo de diferentes, pero similares, grabados en madera que había creado para las obras. De los diez músicos seleccionados para «Cut The Record», cada uno ha visto su música remezclada o ha remezclado su propia música. Desde el álbum «Illmatic» de 1994, no creo que haya pasado una semana sin que lo escuche. Es uno de mis álbumes favoritos.

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Quemémoslo todo - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple. Obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera enmarcado, lista para colgar, del artista callejero Denial Graffiti. Arte pop moderno. Edición limitada firmada de 2020 (2020), 2020. Tamaño de la obra: 11x11. «Mi obra habla de una catástrofe inminente y de muchos temas crudos y siniestros, pero eso no significa que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera justo lo contrario: mostrar lo absurdo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro.» - Negación Denial se ha consolidado como una de las figuras más destacadas del arte pop contemporáneo, manteniendo su relevancia y su interés por generar comentarios que invitan a la reflexión. Cuenta con una larga trayectoria explorando los límites de la apropiación, que utiliza para subvertir el valor de los productos culturales arraigados en la memoria colectiva de la civilización occidental. En otras palabras, su obra invita al espectador a reimaginar nuestra sociedad distópica como forma de confrontarla, empleando el humor y la ironía como sus principales herramientas.

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I Was Here Original Hand-Painted Multiple (HPM) sobre panel de madera enmarcado, listo para colgar, por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición limitada firmada de 50 ejemplares (2016). Tamaño de la obra: 12x12 pulgadas. «Esta obra explora la perdurabilidad a la que suele ser susceptible el grafiti. El blanqueamiento, el lavado en blanco o el gris son los peores enemigos de un artista callejero. Muchas mañanas he salido a ver una obra que hice la noche anterior y solo la he encontrado cubierta de pintura fresca. Esta pieza, titulada "Yo estuve aquí", rinde homenaje a esas noches perdidas y mañanas deprimentes». - Denial Denial es un artista canadiense que experimenta con aerosol y plantillas, y sus principales intereses son el consumismo, la política y la condición humana en la sociedad actual. Dado que la cultura del grafiti ganaba cada vez más popularidad en Estados Unidos y Europa, los grafiteros debían ser cada vez más originales para destacar. Las firmas se volvieron más grandes, estilizadas y coloridas.

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