Grin Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Ron English- POPaganda cultura pop LSD artwork. Ron English, conocido como POPaganda, es considerado una figura clave en la evolución del arte urbano, alejándolo del estilo libre y desenfadado para adentrarse en mensajes ingeniosos y un magistral arte basado en el trampantojo. Ha creado murales y vallas publicitarias ilegales que combinan imágenes impactantes con incisivas declaraciones políticas, consumistas y surrealistas, apropiándose del espacio público en todo el mundo en nombre del arte desde la década de 1980.

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Covid No 19 - Bleue Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo en Papel MOAB Fine Art de 290 g/m² por Graffiti Pop Art y Artista Callejero Denial. Edición limitada de 2021, firmada y numerada (19 ejemplares), del desinfectante de manos Chanel Bleue Covid19 (variante del virus). Impresión de pigmentos de archivo sobre papel MOAB Fine Art de 290 g/m², tamaño 45,7 x 61 cm (18" x 24"). Numerada, firmada y sellada al dorso. El artículo número 19 de Denial sobre la COVID: El branding de lujo en la era de la crisis global La obra COVID No. 19 de Denial es una impactante impresión de pigmento de archivo, lanzada en 2021 en una edición limitada de 19 ejemplares, cada uno firmado, numerado y sellado a mano en papel artístico MOAB de 290 g/m². La obra se apropia de la forma de un frasco de perfume Chanel N° 5, reemplazando su icónica etiqueta con un nombre ficticio: Desinfectante de Manos COVID No. 19. Con una precisión digital impecable, la imagen reconfigura la estética de la alta costura para comentar sobre los absurdos del consumismo en la era de la pandemia. El frasco de desinfectante se presenta con toda la autoridad visual de un artículo de lujo, transformando un objeto de necesidad en una parodia del estatus y el deseo. En el corazón de esta pieza reside una cruda observación cultural: durante una emergencia sanitaria mundial, los artículos cotidianos de supervivencia —como el desinfectante y las mascarillas— se elevaron a símbolos de identidad, moda y acceso económico. La reinterpretación del perfume de Chanel como un producto de consumo propio de la era del virus por parte de Denial confronta este cambio de frente. La obra no se limita a satirizar el lujo, sino que revela cómo los sistemas de marketing pueden absorber el trauma, reformularlo y revenderlo al público. El etiquetado al estilo Chanel es clínico a la vez que elegante, un guiño a cómo el minimalismo visual suele enmascarar la manipulación corporativa. La estética comercial como arma subversiva La estrategia artística de Denial se centra en el robo y la recontextualización del lenguaje comercial. Con COVID No. 19, el uso de líneas vectoriales nítidas, reflejos de luz realistas y un diseño de producto meticuloso imita la publicidad hasta el punto del engaño. Esta imitación es intencional. Se busca que el espectador interprete inicialmente la imagen como auténtica —algo sacado de una revista de moda o una campaña de cosméticos— antes de que la ironía de la etiqueta se haga evidente. La disonancia entre forma y contenido invita a una crítica de la tendencia capitalista a estetizar el sufrimiento. Esta metodología visual se vincula directamente con la ética del arte pop callejero y el grafiti. Las raíces de Denial en la mensajería pública no autorizada y la subversión de la imagen subcultural permanecen presentes, incluso cuando la obra se presenta en un formato de bellas artes. La ausencia de gotas de aerosol o texturas rugosas no disminuye la rebeldía. En cambio, reconfigura el lenguaje gráfico de la persuasión comercial para socavarse a sí misma desde dentro. Lo que parece una promoción de producto es, de hecho, una acusación visual. La pandemia no es el tema en cuestión; es la imagen que se le da a la pandemia lo que está siendo criticado. El arte pop callejero como documentación de la pandemia COVID No. 19 funciona como sátira y registro histórico. Captura un momento cultural en el que los artículos de supervivencia se convirtieron en símbolos de lujo, la escasez se vinculó a la exclusividad y el marketing se extendió incluso a los suministros médicos. La obra de Denial refleja cómo las crisis modernas no solo se viven, sino que se comercializan: cómo el miedo a la enfermedad se filtró a través de los mismos sistemas que venden belleza, moda y estilo de vida. El frasco de desinfectante se convierte en un símbolo no de protección, sino de consumo. Al fusionar la iconografía de la moda con la realidad de una pandemia global, Denial obliga al espectador a reconsiderar los límites entre diseño y ética, marketing y supervivencia. La simplicidad visual de COVID No. 19 oculta una crítica profunda sobre la rapidez con que la estética comercial puede despojar a los acontecimientos de su significado. En la tradición del arte pop urbano y el grafiti, esta pieza subvierte los símbolos familiares, exponiendo la fragilidad de las apariencias superficiales de la cultura ante la verdadera urgencia humana.

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Figura coleccionable de vinilo Grafflex 100% y 400% BE@RBRICK Edición Limitada Medicom, obra de arte del artista Grafflex. El estilo único de Grafflex, con sus líneas llamativas y su homenaje a los dibujos animados clásicos, fusiona el hip hop y la cultura urbana, acercando su obra al público. Consigue la primera entrega de la colaboración entre Grafflex y Medicom Toy con este set Bearbrick 100% + 400%. Mide 7 cm y 28 cm de alto.

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Objeto de arte digital en escala dorada de Ben Baller, edición limitada, pieza de colección de diseño de artista pop. Edición limitada 2022. Objeto de arte digital Golden Gram de escala rara. Nuevo en caja. Fusión artística en objetos cotidianos: la báscula digital dorada de Ben Baller En el dinámico mundo del arte pop urbano y el grafiti, la interacción entre forma y función adquiere un giro fascinante con la Báscula Digital Dorada de Ben Baller. Esta pieza de colección de edición limitada de 2022 infunde a un práctico instrumento el brillo del arte sublime, transformando lo cotidiano en magnífico. Ben Baller, conocido por sus diseños vanguardistas que fusionan la opulencia con la astucia urbana, desafía una vez más las convenciones con esta báscula dorada. A primera vista, la Báscula Digital Dorada es un emblema de lujo: un objeto funcional envuelto en el esplendor del oro, un metal que ha cautivado la imaginación humana durante milenios. Pero para el ojo experto, es un lienzo donde el espíritu rebelde del arte urbano se encuentra con la precisión de la tecnología digital. Representa una fusión perfecta entre la cultura pop contemporánea y el encanto ancestral del oro, convirtiéndola en una pieza codiciada por coleccionistas y amantes del arte. Esta singular obra de arte refleja la filosofía de Ben Baller: cada creación es un tema de conversación. La llamativa «B» no es solo una marca; es una declaración de identidad y la firma del artista. Su tamaño demuestra que, en nuestras manos, los objetos cotidianos pueden convertirse en expresiones personales. Báscula digital Gold: Una síntesis de arte, precisión y filosofía La báscula digital Baller's Gold es más que un instrumento de medición; es una metáfora del equilibrio en la búsqueda de una vida plena. La precisión de una báscula —una herramienta de medición— se yuxtapone con el valor inherente y la fluctuación del oro, creando una dualidad que alude al equilibrio entre practicidad y lujo. Esta dualidad es la esencia del arte pop urbano, que a menudo explora contrastes y contradicciones, presentándolos de una manera que invita a la reflexión y estimula visualmente. El diseño de la báscula encapsula una narrativa personal y universal a la vez. Su valor artístico reside en su atractivo estético y su capacidad para evocar una contemplación más profunda del valor, ya sea en términos de peso o importancia. Invita al usuario a considerar qué medimos y por qué, impulsando una reevaluación de aquello que consideramos valioso. En el ámbito del arte urbano, la báscula se convierte en un símbolo de la interacción del artista con el mundo: una herramienta para cuantificar, desafiar y subvertir. Es una representación física de la influencia del artista, que sopesa el impacto del arte en la sociedad. La Báscula Digital Dorada se presenta como una pieza de edición limitada, pero sus implicaciones son atemporales. Obra de arte coleccionable en forma de báscula digital dorada El atractivo del arte coleccionable reside a menudo en la historia que cuenta y la emoción que evoca. Con la Báscula Digital Dorada de Baller, la narrativa es rica y multifacética. Como pieza de edición limitada, habla de exclusividad y del deseo humano innato de poseer algo único. Pero también habla de innovación, de la audacia de reimaginar lo que puede ser un objeto de colección. En el contexto del Arte Pop Urbano, esta báscula es revolucionaria. Desafía el lienzo tradicional, adoptando en cambio la tecnología y los objetos cotidianos como vehículos de expresión artística. Es una invitación a ver nuestras herramientas diarias a través del prisma del arte, reconociendo el potencial de belleza y significado en todas las facetas de la vida. El carácter coleccionable de esta pieza se ve reforzado por su novedad, su estado impecable preservado en una caja. Esta presentación protege la obra y aumenta su mística, las historias por contar que aguardan una vez que se rompa el sello y se utilice la báscula. En conclusión, la Báscula Digital Dorada de Ben Baller tiende un puente entre el arte, la tecnología y la expresión personal. Es un brillante ejemplo de cómo el Arte Pop Urbano y el Grafiti siguen evolucionando, expandiendo los límites de dónde y cómo puede existir el arte. Esta pieza es un artefacto moderno, un testimonio de la era de la precisión digital fusionada con la búsqueda atemporal del arte. Es un objeto de colección que sopesa el valor de la innovación y el equilibrio del placer estético, invitándonos a encontrar el punto medio en el arte y en la vida.

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Covid No 19 - Impresión de pigmento de archivo de edición limitada en color malva sobre papel MOAB Fine Art de 290 g/m² por Graffiti Pop Art y artista callejero Denial. Edición limitada de 2021, firmada y numerada (19 ejemplares), del desinfectante de manos Chanel color malva, variante COVID-19. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel MOAB Fine Art de 290 g/m², tamaño 45,7 x 61 cm (18" x 24"). Numerada, firmada y sellada al dorso. El artículo número 19 de Denial sobre la COVID: El branding de lujo en la era de la crisis global La obra COVID No. 19 de Denial es una impactante impresión de pigmento de archivo, lanzada en 2021 en una edición limitada de 19 ejemplares, cada uno firmado, numerado y sellado a mano en papel artístico MOAB de 290 g/m². La obra se apropia de la forma de un frasco de perfume Chanel N° 5, reemplazando su icónica etiqueta con un nombre ficticio: Desinfectante de Manos COVID No. 19. Con una precisión digital impecable, la imagen reconfigura la estética de la alta costura para comentar sobre los absurdos del consumismo en la era de la pandemia. El frasco de desinfectante se presenta con toda la autoridad visual de un artículo de lujo, transformando un objeto de necesidad en una parodia del estatus y el deseo. En el corazón de esta pieza reside una cruda observación cultural: durante una emergencia sanitaria mundial, los artículos cotidianos de supervivencia —como el desinfectante y las mascarillas— se elevaron a símbolos de identidad, moda y acceso económico. La reinterpretación del perfume de Chanel como un producto de consumo propio de la era del virus por parte de Denial confronta este cambio de frente. La obra no se limita a satirizar el lujo, sino que revela cómo los sistemas de marketing pueden absorber el trauma, reformularlo y revenderlo al público. El etiquetado al estilo Chanel es clínico a la vez que elegante, un guiño a cómo el minimalismo visual suele enmascarar la manipulación corporativa. La estética comercial como arma subversiva La estrategia artística de Denial se centra en el robo y la recontextualización del lenguaje comercial. Con COVID No. 19, el uso de líneas vectoriales nítidas, reflejos de luz realistas y un diseño de producto meticuloso imita la publicidad hasta el punto del engaño. Esta imitación es intencional. Se busca que el espectador interprete inicialmente la imagen como auténtica —algo sacado de una revista de moda o una campaña de cosméticos— antes de que la ironía de la etiqueta se haga evidente. La disonancia entre forma y contenido invita a una crítica de la tendencia capitalista a estetizar el sufrimiento. Esta metodología visual se vincula directamente con la ética del arte pop callejero y el grafiti. Las raíces de Denial en la mensajería pública no autorizada y la subversión de la imagen subcultural permanecen presentes, incluso cuando la obra se presenta en un formato de bellas artes. La ausencia de gotas de aerosol o texturas rugosas no disminuye la rebeldía. En cambio, reconfigura el lenguaje gráfico de la persuasión comercial para socavarse a sí misma desde dentro. Lo que parece una promoción de producto es, de hecho, una acusación visual. La pandemia no es el tema en cuestión; es la imagen que se le da a la pandemia lo que está siendo criticado. El arte pop callejero como documentación de la pandemia COVID No. 19 funciona como sátira y registro histórico. Captura un momento cultural en el que los artículos de supervivencia se convirtieron en símbolos de lujo, la escasez se vinculó a la exclusividad y el marketing se extendió incluso a los suministros médicos. La obra de Denial refleja cómo las crisis modernas no solo se viven, sino que se comercializan: cómo el miedo a la enfermedad se filtró a través de los mismos sistemas que venden belleza, moda y estilo de vida. El frasco de desinfectante se convierte en un símbolo no de protección, sino de consumo. Al fusionar la iconografía de la moda con la realidad de una pandemia global, Denial obliga al espectador a reconsiderar los límites entre diseño y ética, marketing y supervivencia. La simplicidad visual de COVID No. 19 oculta una crítica profunda sobre la rapidez con que la estética comercial puede despojar a los acontecimientos de su significado. En la tradición del arte pop urbano y el grafiti, esta pieza subvierte los símbolos familiares, exponiendo la fragilidad de las apariencias superficiales de la cultura ante la verdadera urgencia humana.

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Pruebas de impresión de edición limitada de Shell PP Printers sobre papel de bellas artes de 310 g/m² de Cey Adams, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. Prueba de impresión PP firmada y marcada. Edición limitada PP. Tamaño de la obra: 18x18. Impresión de archivo Shell por Cey Adams. La idea principal de mi serie «Marcas de Confianza» era revisitar muchos de los logotipos icónicos de mi juventud para reconectar con lo familiar. Estas piezas están hechas principalmente de papeles de fibra hechos a mano en India y Nepal. Quería crear algo que rivalizara con lo que hacían mis amigos con la pintura en aerosol y que conectara con mis raíces en el grafiti, pero no quería hacer lo que todos hacían. Pensé que sería interesante desafiarme a mí misma usando un medio que nunca antes había utilizado, y el collage me atrajo. - Cey Adams. «Shell» de Cey Adams: una convergencia entre marca y arte Cey Adams, figura clave del graffiti y el arte pop urbano, presenta una pieza cautivadora en su edición limitada "Shell PP Printers Proof". Esta obra forma parte de la serie "Marcas de Confianza" de Adams, donde revisita los logotipos emblemáticos que marcaron su juventud. La impresión, de 18x18 pulgadas, realizada con pigmentos de archivo sobre papel de bellas artes, muestra su exploración del collage, diferenciándolo de sus contemporáneos, quienes preferían la pintura en aerosol. Esta pieza es una prueba de imprenta, firmada y marcada por Adams, lo que le confiere exclusividad y valor para coleccionistas. La elección de Adams de utilizar papeles de fibra hechos a mano de India y Nepal aporta una textura orgánica que contrasta con la nitidez comercial del logotipo de Shell. Su obra es un guiño a la nostalgia y un diálogo entre pasado y presente, consumismo y artesanía. La pieza "Shell" destaca como testimonio de la capacidad de Adams para innovar dentro de sus raíces en el graffiti, a la vez que expande los límites de su expresión artística. En palabras del propio Adams, su etapa universitaria fue un reto para escapar de la norma del grafiti. Su serie "Marcas de Confianza", que incluye la obra "Shell", refleja esta búsqueda personal y artística por conectar de forma singular con símbolos familiares, plasmando la esencia del arte pop moderno en el paisaje urbano.

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Impresión artística de archivo en papel secante EpiPen de Trip A Stitch In Time por Ben Frost. Edición limitada. Impresión artística de pigmentos de archivo en papel secante perforado. Edición limitada firmada y numerada de 2025 (por determinar). Impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2025. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. Stitch de Ben Frost y la rebelión de las recetas médicas La obra «Trip A Stitch In Time EpiPen Blotter Paper Archival Print» de Ben Frost, lanzada en 2025 como una edición limitada de impresión pigmentada sobre papel secante perforado, continúa la aguda crítica del artista callejero australiano al consumismo, la publicidad farmacéutica y la apropiación de la cultura pop. En esta obra en particular, el alienígena animado Stitch aparece en un arrebato de locura superpuesto al empaque del EpiPen. Conocido por sus impactantes colisiones visuales, Ben Frost utiliza la energía cruda del grafiti y la estética del cómic para lanzar una sátira mordaz contra el marketing de la dependencia médica, al tiempo que transforma a entrañables personajes infantiles en símbolos de un caos sobreestimulado. El arte pop callejero se encuentra con la ansiedad farmacéutica Lo que distingue a esta obra dentro del arte pop urbano y el grafiti es su brutal honestidad estética y su mensaje. La combinación de un Stitch hiperactivo y la tipografía estéril de los medicamentos recetados crea una disonancia visual inmediata. Los dientes salvajes, los ojos desorbitados y la mano con garras de Stitch gritan con un exceso emocional, en clara contradicción con el diseño controlado e impersonal de la etiqueta del EpiPen que se encuentra detrás de él. Esta yuxtaposición funciona como metáfora del agotamiento cultural, la medicación de la identidad y la mercantilización tanto de la infancia como de la salud. El uso que hace Frost del papel secante, un medio históricamente asociado con el LSD, intensifica el tono psicodélico y añade otra capa de reflexión sobre el escapismo social a través de las pastillas, el placer o la nostalgia. La perforación como medio y mensaje La impresión se realiza sobre una hoja de papel secante perforada de 19 x 19 cm, perforada a mano por Zane Kesey, hijo de Ken Kesey, ícono cultural pionero del movimiento psicodélico. Este detalle vincula la obra con un diálogo histórico más amplio sobre la conciencia, el arte y la rebeldía. En este formato, la obra se convierte en algo para ser consumido metafóricamente, sugiriendo la idea de fragmentar las narrativas convencionales en verdades irresolubles. Las perforaciones también evocan la fugacidad del arte callejero, su naturaleza de ser dividido, destruido o compartido. El medio es tanto el mensaje como la imagen, y Frost aprovecha cada centímetro del material para una narrativa crítica. El poder de la mutación satírica en la cultura urbana El estilo visual de Ben Frost a menudo se basa en la mutación, la apropiación y la crítica, y Trip A Stitch In Time destaca por su frenético comentario sobre la sobreestimulación, la distorsión de la identidad y la dependencia farmacéutica. Dentro del contexto del arte pop urbano y el grafiti, esta obra es más que una parodia de la cultura médica: es una denuncia del equilibrio artificial que la sociedad intenta imponer mediante pastillas, marcas y personajes reciclados. Stitch, en esta reinterpretación caótica, se convierte en un monstruo del consumismo moderno, capturado en el momento en que rompe las limitaciones de las etiquetas de los medicamentos y la nostalgia de los dibujos animados para aferrarse a algo mucho más humano: la verdad a través de la locura.

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Serigrafía deconstruida de Pose- Jordan Nickel, impresa a mano en 15 colores sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Edición limitada. Edición limitada de 85 ejemplares, firmada y numerada, de 2021. Tamaño de la obra: 12x16. Serigrafía. Juego de 4 impresiones. En el dinámico panorama del arte moderno, donde tanto el arte pop como el arte urbano han consolidado una identidad propia, Pose, también conocido como Jordan Nickel, presenta una perspectiva innovadora con su serigrafía «Deconstructed Set». Este cautivador conjunto de cuatro obras exhibe una meticulosa atención al detalle y una vibrante paleta de 15 colores aplicados a mano. La elección del papel Cover Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb, complementada con un acabado colorido, realza la experiencia táctil de las impresiones, ofreciendo una sensación de lujo al tacto. Creada en 2021, esta edición limitada refleja el estilo característico de Pose: una armoniosa interacción de colores, intrincados patrones y una deconstrucción sugerente de elementos familiares. Esta colección, limitada a tan solo 85 conjuntos, posee un aura de exclusividad, acentuada aún más por la firma personal de Pose en cada impresión. El tamaño estandarizado de 12x16 pulgadas para cada obra garantiza una estética cohesiva al exhibirse en conjunto, permitiendo al espectador sumergirse en la narrativa que abarca la serie. A primera vista, cada impresión se presenta como una historia independiente. Desde la intrigante representación de una bolsa de lunares hasta la enérgica imagen de un huevo rompiéndose, las obras invitan a la introspección en objetos aparentemente cotidianos. Sin embargo, al observarlas en conjunto, tejen un tapiz de narrativas interconectadas, celebrando el espíritu ecléctico del arte urbano fusionado con los matices icónicos del arte pop. La serigrafía «Deconstructed Set» de Pose es, sin duda, un testimonio de las infinitas posibilidades de la expresión artística en la actualidad.

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Bumblebee Transformers 200% BE@RBRICK Edición Limitada Medicom Figura de Arte Coleccionable de Vinilo La figura Bearbrick x Transformers Bumblebee 200% es una de las figuras de osos más singulares que Medicom Toy ha lanzado. Al igual que los Transformers reales, este Bearbrick de 14,5 cm es un robot disfrazado, ya que se transforma de Bearbrick al Transformer Bumblebee. La figura Bearbrick x Transformers Bumblebee 200% se lanzó como parte de una colección especial que también incluía figuras Bearbrick de Megatron, Starscream y Optimus Prime. Su lanzamiento tuvo lugar durante la temporada Primavera/Verano de 2014.

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Compra Mecha Banana- Púrpura Edición Limitada Vinilo Art Toy Obra de arte coleccionable del artista de graffiti callejero Frank Kozik. 2011 Edición limitada firmada de 50 obras de arte de 16 pulgadas de alto Mostrado con caja

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Impresión de archivo Spirit Guardian de Graham Yarrington, edición limitada en papel de algodón de bellas artes, obra de arte moderna de artista callejero pop graffiti. Edición limitada de 30 ejemplares, firmados y numerados (2020). Tamaño de la obra: 30 x 24 cm. Impresión artística con pigmentos de archivo. Impresión de archivo de Spirit Guardian por Graham Yarrington Spirit Guardian es una impresión de pigmento de archivo, firmada y numerada, de Graham Yarrington, del año 2020, limitada a una edición de 30 ejemplares. Impresa en papel de algodón de alta calidad para bellas artes, esta pieza representa vívidamente el estilo característico de Yarrington dentro del arte pop urbano y el grafiti. La obra presenta una escena boscosa monocromática en escala de grises, habitada por un animal negro surrealista con cintas multicolores que envuelven sus extremidades y cuerpo. Una pequeña figura estoica se sienta sobre la criatura, enmarcada por un radiante emblema geométrico que irradia rosa neón, azul, naranja y amarillo. El marcado contraste entre el entorno en escala de grises y las explosiones de color vibrante crea una tensión onírica entre quietud y movimiento, silencio y espectáculo. Simbolismo y la visión narrativa de Graham Yarrington La obra de Graham Yarrington a menudo explora terrenos mitológicos, y «Guardián Espiritual» no es la excepción. La pieza crea un portal a un mundo imaginario que se siente atemporal, misterioso y, a la vez, lúdico. El símbolo geométrico central es más que ornamental; funciona como un aura, un escudo o una brújula espiritual, guiando al pequeño jinete a través de un bosque místico. El animal actúa como guardián y receptáculo, una forma familiar que transporta lo desconocido hacia y a través de lo surrealista. Los árboles en escala de grises, representados con siluetas nítidas y angulares, contrastan marcadamente con la suavidad y fluidez de las cintas y el emblema central. Esta yuxtaposición subraya el uso constante que Yarrington hace de las dualidades visuales —luz y oscuridad, movimiento y quietud, naturaleza e invención— dentro del arte pop urbano y el grafiti. Uso de la forma, el color y la textura en la composición narrativa El dominio de la forma y el color que Yarrington demuestra en Spirit Guardian ejemplifica su maestría en la narrativa gráfica. La superposición controlada de texturas en escala de grises permite que los colores centrales resalten sin abrumar al espectador. Las cintas parecen danzar sobre la página, creando un flujo dinámico que atrae la mirada en todas direcciones antes de regresar al equilibrio armonioso de la composición. Cada detalle —cada hoja, cinta y sombra— se siente colocado con un propósito. Los bordes redondeados de la impresión suavizan aún más el lenguaje visual y le confieren a la obra una atmósfera más íntima, casi de cuento, a la vez que preservan su identidad de arte urbano contemporáneo. El equilibrio entre la precisión de la ilustración y la narrativa conceptual hace que la pieza sea a la vez accesible y profunda. Un visionario en la evolución del arte pop callejero y el grafiti Graham Yarrington continúa forjando un espacio distintivo dentro del creciente panorama del Arte Pop Urbano y el Grafiti. «Guardián del Espíritu» condensa sus temas artísticos más amplios en un único y evocador momento visual. Se trata de una reflexión profunda y singular sobre la guía emocional, los paisajes del subconsciente y los guardianes invisibles que nos acompañan en tiempos difíciles o inciertos. Mediante imágenes simbólicas y una gran claridad compositiva, Yarrington crea un encuentro meditativo y a la vez intenso entre el espectador y el mito. «Guardián del Espíritu» es un ejemplo paradigmático del arte narrativo moderno arraigado en las técnicas del grabado, la cultura urbana y la narración emocional, consolidando así su lugar en el canon en constante evolución del arte contemporáneo.

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Trap Former$ Edición Limitada Juguete de Vinilo Coleccionable Obra de Arte del artista de graffiti callejero Fatoh. Robot Lamborghini Transformer estilo hip-hop, 2021, 7-8 pulgadas. Edición limitada de 10 unidades, ¡con póster incluido!

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Estoy harto de ese falso matón. Serigrafía de Dead Prez por Mark Drew. Impresión manual sobre papel de bellas artes. Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada, de 2019. Tamaño de la obra: 17x11. Serigrafía de Lucy van Pelt y Pig Pen pensando: "Estoy harta de ese falso escenario de rap R&B de matón". El comentario de Mark Drew sobre el pop callejero a través de Peanuts y Dead Prez La serigrafía de Mark Drew de 2019, titulada "I'm Sick Of That Fake Thug", constituye una fusión aguda y perspicaz de la cultura musical y la estética nostálgica de los dibujos animados. Conocido por su particular estilo de remezclar personajes de Peanuts con letras clásicas de hip-hop, Drew se inspira en la voz revolucionaria de Dead Prez para crear un vívido comentario sobre la autenticidad y la cultura callejera en la industria musical. Esta edición limitada de 200 piezas firmadas y numeradas, impresas a mano, mide 43 x 28 cm y utiliza un marcado contraste visual para reforzar su mensaje. La obra presenta a Lucy van Pelt y Pig Pen con un marcado contorno negro sobre un cálido fondo amarillo y blanco, donde Drew captura un momento crítico de las letras de Dead Prez, anclándolo visualmente en la inocencia de la tira cómica de Schulz. Yuxtaposición estilística y subversión cultural La obra se nutre de la yuxtaposición. La familiaridad infantil de Peanuts contrasta con uno de los grupos de hip-hop más comprometidos políticamente y con mayor conciencia social de la década de 2000. Pig Pen, conocido por su aspecto desaliñado, se erige como la inesperada voz de la frustración ante las representaciones poco auténticas en la industria del R&B y el rap. Esta contradicción intensifica la conexión con el espectador, obligándolo a reconsiderar el consumo cultural. La técnica constante de Drew, que superpone la sencillez de los dibujos animados clásicos con potentes textos de hip-hop, transforma sus grabados en vehículos de diálogo cultural. Esta obra en particular utiliza sus formas limpias, serigrafiadas, y su tipografía expresiva para transmitir una verdad contundente disfrazada de humor y nostalgia. Proceso y formato limitado en el arte pop callejero Realizada mediante la técnica tradicional de serigrafía manual, la obra de Drew se inspira en la historia táctil del arte pop urbano y el grafiti. Cada ejemplar de esta edición limitada de 200 refleja la implicación directa del artista y su compromiso con la autenticidad, reforzando, paradójicamente, la crítica implícita en el mensaje de la estampa. La paleta cromática controlada, compuesta por negro, amarillo y blanco, dota a la pieza de un ritmo visual que complementa su inspiración lírica, a la vez que mantiene la accesibilidad gracias a personajes reconocibles. Las estampas de Drew no son reproducciones digitales masivas, sino obras de arte coleccionables que conservan el espíritu rebelde del grafiti. La narrativa continua del hip-hop de Mark Drew Con base en Tokio, Mark Drew sigue elevando el nivel de las conversaciones en torno al hip-hop, la nostalgia y la crítica cultural a través de sus obras de arte urbano pop. Su reinterpretación de íconos del pop estadounidense con la cultura hip-hop global sigue resonando entre generaciones. Al combinar la crítica de Dead Prez con personajes como Lucy y Pig Pen, Drew no solo rinde homenaje a la lírica y el activismo, sino que también destaca cómo el arte visual puede amplificar las verdades emocionales y sociales presentes en la música. Cada impresión de esta serie posee no solo valor artístico, sino también un reflejo del diálogo constante entre arte, resistencia y autenticidad.

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Impresión giclée Black Sky de Young Lee Artwork. Edición limitada impresa en papel de bellas artes tejido. Artista callejero pop y grafiti. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2021). Tamaño de la obra: 20 x 30 cm. Black Sky de Young Lee: Saturación de color y fantasía caótica en el arte pop callejero y el grafiti. Black Sky es una impresión giclée de 2021, firmada y numerada, del artista surcoreano Young Lee. Lanzada en una edición limitada de 25 ejemplares, mide 20 x 30 pulgadas y está impresa en papel verjurado de alta calidad. Reconocido por fusionar la distorsión caricaturesca con la narrativa superpuesta, Young Lee crea una densa y festiva tormenta visual poblada de animales antropomórficos, niños exagerados y elementos surrealistas de fondo que transforman tonos familiares de la cultura pop en paisajes oníricos personalizados. La impresión captura una cascada caótica de personajes, hombro con hombro bajo un cielo negro donde la tensión, el humor y el afecto se manifiestan simultáneamente. Con tonalidades radiantes, bordes nítidos y un rico contraste de superficie, la composición se mueve con volumen visual, gritando con formas, colores y ojos bien abiertos. Esta pieza se erige como una obra definitiva del Street Pop Art y el Graffiti, difuminando la frontera entre el absurdo cómico y la narrativa emocionalmente matizada. Expresión en el desorden y el frenesí controlado Las imágenes de Black Sky ofrecen un caos narrativo en capas: un cerdo con los ojos amoratados, un tigre que sonríe con cansancio y un grupo de cabezas de animales exageradas que pueblan la mitad superior de la lámina, todo ello dominando a dos personajes cálidos y sonrojados, de aspecto humano, atrapados en un momento de abrazo fraternal. Los personajes están marcados por el inconfundible estilo de Lee: formas suaves y redondeadas, tonos de piel degradados, diminutas lágrimas y manos caricaturescas que se aferran entre sí o se presionan ansiosamente contra sus rostros. A pesar del bullicio de la multitud superior, las figuras inferiores se sienten aisladas, envueltas en calidez y quietud, creando un contraste emocional dentro de la composición. Las nubes de lluvia y las formas de lágrimas dispersas enfatizan aún más una extraña inquietud atmosférica, contradiciendo visualmente la paleta colorida con matices de tristeza o agobio. Esta tensión entre estado de ánimo y superficie es fundamental en el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti, donde la contradicción agudiza el significado. Precisión y energía superficial de la impresión giclée El formato giclée captura el meticuloso equilibrio entre textura y nitidez de Young Lee. Cada cambio de tono —desde los degradados de púrpura oscuro hasta los rojos fluorescentes y los amarillos mostaza— se conserva con fidelidad, resaltando el ritmo emocional de la obra. El papel de bellas artes verjurado permite apreciar las densas capas y los sutiles degradados sin suavizar la nitidez y el carácter gráfico del trazo dibujado a mano por Lee. La superficie evoca la serigrafía o el arte digital con efectos glitch, reinterpretados mediante un control preciso del pincel, transmitiendo una energía táctil que refleja la intensidad emocional del momento. Con Black Sky, Lee crea una escena vibrante, llena de un ruido silencioso, rebosante de color y significado, pero a la vez anclada en la quietud. Esta perfección técnica consolida su posición en el arte pop urbano y el grafiti como un maestro de la expresión formal y atmosférica. Young Lee y la geometría del sentimiento Black Sky ejemplifica el talento de Young Lee para construir una intensa carga emocional a través de la simetría visual, la superposición de capas y la abstracción. Su obra a menudo sugiere conflicto sin agresión, celebración sin certeza. Presenta a los personajes como fragmentos de cultura y memoria, reducidos a vectores de tensión, alegría o un distanciamiento surrealista. En esta estampa, Lee comunica la presión de la proximidad, la ansiedad oculta tras máscaras de felicidad y la intimidad protectora entre dos figuras centrales en medio del caos. La narrativa visual no resuelve ni explica. Envuelve. Confronta. Exige ser sentida más que descifrada. Como una voz contemporánea del arte pop urbano y el grafiti, Young Lee demuestra que el equilibrio puede surgir del desorden y que la emoción puede residir en el diseño. Black Sky se convierte no solo en una estampa, sino en un retrato de cómo la cercanía, el color y el silencio colisionan.

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Mapa del metro de la ciudad de Nueva York II PP Printers Proof HPM Impresión de archivo por Cope2- Fernando Carlo Edición limitada Pintado a mano Múltiple sobre papel Moab Rag Fine Art Papel Artista Pop Obra de arte moderna. Prueba de impresión PP Printers 2017 Firmada y marcada PP HPM Impresión con detalles a mano Edición limitada Tamaño de la obra 17x24 Pigmento de archivo Bellas Artes. La visión de Cope2 en "Prueba de impresión PP del mapa del metro de la ciudad de Nueva York II" «New York City Subway Map II PP Printers Proof» de Cope2, también conocido como Fernando Carlo, es una impactante representación de la energía y la vitalidad de la cultura del arte urbano, plasmada en el símbolo mismo del movimiento urbano: el mapa del metro de Nueva York. Esta edición limitada de 2017 es una obra múltiple pintada a mano (HPM) sobre papel Moab Rag Fine Art Paper, cada pieza firmada y marcada como prueba de imprenta por Cope2. La obra, de 43 x 61 cm, exhibe una fusión de técnicas de bellas artes con pigmentos de archivo y la energía cruda y espontánea del arte urbano, gracias a los icónicos detalles pintados a mano de Cope2. En esta serie, el trabajo de Cope2 trasciende la simple representación geográfica de un mapa, transformándolo en un lienzo que narra el pulso de la cultura underground de la ciudad. Cada prueba de imprenta es una pieza única que invita a la reflexión, un segmento del diálogo más amplio que Cope2 ha liderado en la escena del arte urbano durante décadas. Sus característicos grafitis y firmas de estilo salvaje no son meras marcas, sino que simbolizan el lenguaje de las calles y hablan de la identidad, la lucha y la voz de los artistas urbanos. La intersección entre el paisaje urbano y la expresión artística La serie "Mapa del Metro de Nueva York II" es más que una herramienta de navegación; es un viaje lleno de historias por las calles de Nueva York, una exploración visual de la historia del grafiti en la ciudad. El mapa sirve de base para la exploración artística de Cope2, donde superpone sus distintivas firmas y coloridas abstracciones. Esta interacción entre líneas estructuradas y grafiti salvaje es una metáfora que yuxtapone el orden de la ciudad con el caos de sus subculturas. Como prueba de imprenta, esta obra ocupa un lugar especial en el proceso de producción, siendo una de las primeras impresiones de la prensa, revisada por el artista para garantizar su calidad y detalle. La decisión de Cope2 de embellecer a mano cada pieza subraya la importancia del toque artístico, asegurando que cada impresión lleve consigo un fragmento del alma de la calle. La técnica HPM refuerza esta conexión, uniendo las piezas únicas de arte urbano con las reproducciones artísticas de alta calidad. En esencia, «New York City Subway Map II PP Printers Proof» de Cope2 es un testimonio del legado perdurable del grafiti como forma de arte pop urbano y arte callejero. Captura la esencia del espíritu urbano de Nueva York, y cada impresión funciona como un artefacto histórico de la rica cultura del arte callejero de la ciudad. A través de su obra, Cope2 continúa influyendo en el diálogo en torno al arte callejero, asegurando que su voz cruda y sin filtros siga siendo una parte vibrante del mundo del arte contemporáneo.

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Tiger Mask - Primera generación 400% BE@RBRICK Edición limitada Medicom Figura de arte coleccionable en vinilo. Tiger Mask, el personaje de 2021, fue interpretado por varios luchadores profesionales japoneses. Esta versión rinde homenaje a la primera generación de luchadores que adoptaron el estilo Tiger Mask. Esta figura Bearbrick, de 400% de grosor, mide 28 cm / 11 pulgadas de alto.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Fast Life - Edición limitada holográfica, serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel holográfico Lava de 10 puntos por Dr. Dax, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Cuanto más lento te muevas, más rápido morirás. «"El valor del tiempo depende de cómo lo inviertas" es un lema que repetí una y otra vez como consecuencia directa de la cuarentena y el distanciamiento social. Dediqué la mayor parte del tiempo a continuar mi camino espiritual y a desarrollar mi creatividad en mi estudio. A medida que el tiempo parecía ralentizarse, comencé a valorar más que nunca su importancia y a no desperdiciarlo. Durante este tiempo, reflexioné mucho y encontré inspiración en los colores de una época de mi juventud, que me evocaban tiempos mejores». - Dr. Dax

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Hefe POP Edición Limitada Serigrafía a dos colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por el artista pop Clint Wilson. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, de 2013.

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Figura nº 7. Serigrafía de edición limitada a cuatro colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes con bordes irregulares, por ASVP Rare Street Art, famoso artista de arte pop. Técnica: Serigrafía a 4 colores sobre papel de archivo con borde irregular. Año: 2018. Tamaño: 56 x 76 cm. Edición: 50 ejemplares. Firmada y numerada a lápiz en el anverso.

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Desde cero Ronda 2 - #22 Serigrafía original pintada a mano de varios colores sobre madera reciclada, lista para colgar, por Meggs, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. 2015 Desde cero, Ronda 2 #22 Impresión original de pintura HPM por Meggs Lista para colgar La adaptación del arte callejero y el grafiti a las bellas artes le ha brindado a Meggs numerosas oportunidades para viajar, exponer profesionalmente su obra y participar en festivales de muralismo por todo el mundo. Sus obras, tanto de arte callejero como de galería, gozan de reconocimiento nacional e internacional en ciudades como Melbourne, Sídney, Londres, San Francisco, París, Tokio, Hawái, México, Los Ángeles y Hong Kong. Las obras de Meggs forman parte de las colecciones permanentes de papel de la Galería Nacional de Australia y del Museo Victoria & Albert de Londres.

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Gold East Coast Legends 5oz Canbot Canz Pop Graffiti Art Toy de Crash- John Matos x Czee13 Edición Limitada Figura de Lata de Pintura en Aerosol Robot Obra de Arte. Edición limitada 2023 de 100 unidades. Nuevo en caja. Tamaño 3x5,5. Robot de graffiti Crash dorado y negro. Lata de pintura en aerosol Canbot de 5 oz. Juguete artístico. Crash: Canbot de John Matos: Un tributo dorado a la cultura del grafiti El Canbot Gold East Coast Legends representa la cúspide del arte pop urbano y el grafiti, donde la esencia rebelde del grafiti se fusiona con el lujo del oro. Este juguete de arte de edición limitada, una colaboración entre la leyenda del grafiti John "Crash" Matos y el artista Czee13, lanzado en 2023, es una síntesis creativa del dinamismo del arte urbano y el prestigio de los metales preciosos. La serie, limitada a 100 piezas, presenta una figura robótica diseñada a semejanza de una lata de pintura en aerosol, con el distintivo estilo de grafiti de Crash superpuesto en oro y negro. Cada pieza mide 7,6 x 14 cm, un tamaño que impacta sin eclipsar los intrincados detalles y la maestría del diseño. El color dorado no es solo una elección estética, sino también un guiño deliberado al valor y la permanencia del grafiti como forma de arte. El Canbot está adornado con una tapa que recuerda a la de una lata de aerosol, con la firma del artista: "¡CRASH!". La caligrafía que la adorna convierte a cada Canbot en un monumento portátil al legado perdurable del arte callejero. La intersección entre el arte del grafiti y las imágenes de lujo El uso del oro en juguetes de arte urbano como el Canbot de Crash y Czee13 constituye un llamativo comentario sobre la yuxtaposición entre el estatus tradicionalmente clandestino del arte callejero y las connotaciones de lujo del oro. Eleva la percepción del grafiti, llevándolo al ámbito del arte refinado y la cultura del coleccionismo. Cada Canbot no es solo un objeto de colección, sino también una pieza de conversación que invita a reflexionar sobre la evolución del grafiti, desde las calles hasta la colección privada. La artesanía de la serie Canbot refleja un profundo respeto por el grafiti y sus raíces. La detallada aplicación de patrones dorados y negros reproduce la precisión y la habilidad de un grafitero con un aerosol, pero en esta forma, la obra se conserva intacta, inmune a la intemperie y al pulido de los servicios de limpieza. Esta serie rinde homenaje a la historia del grafiti a la vez que celebra su estatus actual como una forma de arte respetada y codiciada. Canbot de John Matos: Un nuevo medio para la expresión del grafiti John Matos, alias Crash, ha sido un pionero en el mundo del grafiti, y su incursión en los juguetes de arte con el Canbot demuestra la versatilidad del género y su capacidad de adaptación a nuevas formas. El Canbot Gold East Coast Legends amplía el alcance del grafiti, permitiendo a los aficionados interactuar con el arte urbano de una manera personal y táctil. Cada Canbot de edición limitada es un testimonio del impacto de Crash en el mundo del arte, encapsulando su vibrante visión en un formato que une el pasado y el futuro del arte urbano. El Canbot, con su brillo metálico y su forma robótica, también alude a los orígenes industriales del grafiti, arraigados en los paisajes urbanos de la Costa Este. El color dorado realza la forma, creando una pieza que es tanto un tributo a las raíces del arte urbano como una obra vanguardista de arte pop. La naturaleza de edición limitada del Canbot garantiza su estatus como artículo codiciado por coleccionistas y entusiastas del arte callejero, una pieza tangible del legado que artistas como Crash han construido a lo largo de décadas de dedicación a su oficio.

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Sit There Groovin On It Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Skel arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Tómate tu tiempo: edición limitada Printer's Select, serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel Coventry de 290 g/m² por Dr. Dax, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tómate tu tiempo y consérvalo. «"El valor del tiempo depende de cómo lo inviertas" es un lema que repetí una y otra vez como consecuencia directa de la cuarentena y el distanciamiento social. Dediqué la mayor parte del tiempo a continuar mi camino espiritual y a desarrollar mi creatividad en mi estudio. A medida que el tiempo parecía ralentizarse, comencé a valorar más que nunca su importancia y a no desperdiciarlo. Durante este tiempo, reflexioné mucho y encontré inspiración en los colores de una época de mi juventud, que me evocaban tiempos mejores». - Dr. Dax

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Graffiti Happy V30 Impresión Giclée HPM con detalles pintados a mano por OG Slick Artwork Impresión de edición limitada en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares Impresión con detalles pintados a mano Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 25 ejemplares de HPM (2025), firmada y numerada, intervenida a mano por OG Slick mediante impresión giclée y pintura en aerosol. Tamaño de la obra: 30x30 cm. Impresión giclée HPM intervenida a mano. El patrón de salpicaduras, las pinceladas y el color de la pintura varían. Cada HPM es única. Es posible que no reciba la misma que aparece en la foto; se elige al azar. Graffiti Happy V30 de OG Slick: Un emblema subversivo en el arte pop callejero y el grafiti Graffiti Happy V30 es una impresión giclée HPM de 2025, intervenida a mano, creada por el aclamado artista de graffiti y arte pop urbano OG Slick. Limitada a solo 25 piezas firmadas y numeradas, cada impresión de 76x76 cm está realizada en papel de bellas artes de 310 g/m² con bordes irregulares y personalizada con salpicaduras de pintura en aerosol, pinceladas y marcas únicas. Si bien la base giclée mantiene la integridad de la imagen original, cada intervención la transforma en una pieza única y con gran impacto visual. En el centro de la obra se encuentra una versión mutada de la icónica carita sonriente amarilla —un símbolo asociado desde hace mucho tiempo con la inocencia, la paz y la cultura pop— ahora intervenida visualmente con la expresión del graffiti. Esta obra de arte, con su superficie amarilla brillante y el ruido visual superpuesto, se convierte en un artefacto de comentario, estado de ánimo y contradicción dentro del lenguaje del arte pop urbano y el graffiti. Estrategia visual y subversión cultural La imagen central de Graffiti Happy V30 es la interpretación de OG Slick de una carita sonriente amarilla, reconocible al instante e históricamente vinculada a marcas comerciales, la cultura rave y la iconografía de la felicidad. Aquí, la sonrisa se distorsiona intencionalmente, pintada sobre un lienzo amarillo intenso, con asimetría y líneas agresivas que interrumpen la alegría artificial. Los ojos alegres de la carita se ven alterados por garabatos negros y salpicaduras de pintura verde estridente: firmas que rompen con lo familiar e inyectan espontaneidad cruda al símbolo pulido. Los adornos de Slick con pintura que gotea, salpicaduras y geometría estarcida fracturan la ilusión de perfección. El resultado no es una destrucción de la alegría, sino una reformulación de la misma, que desafía a los espectadores a cuestionar la simplicidad de la felicidad en un mundo caótico y comercializado. En el arte pop urbano y el grafiti, este tipo de intervención visual obliga a los símbolos públicos a dialogar con la expresión personal, la decadencia y la rebeldía. La técnica y la estética callejera de OG Slick OG Slick es una figura legendaria del movimiento del grafiti de Los Ángeles, cuya carrera se ha cimentado en la apropiación y reinterpretación visual. Conocido por insertar la sensibilidad callejera en imágenes refinadas, el trabajo de Slick transita entre la sátira y la sinceridad. En Graffiti Happy V30, utiliza la técnica giclée para mantener la nitidez visual, aplicando técnicas de grafiti del mundo real —salpicaduras, enmascaramiento y goteo— directamente sobre cada impresión. El formato HPM garantiza que cada copia sea una pieza única, marcada por decisiones visuales personales tomadas en el estudio. La elección de Slick de trabajar con la carita sonriente profundiza aún más su diálogo con la iconografía pop, cuestionando su ubicuidad y su alegría forzada. Los detalles de la impresión desafían la artificialidad de la felicidad corporativa y sugieren una narrativa alternativa donde la felicidad es imperfecta, impredecible y, a veces, cubierta con pintura de forma agresiva. Impresión HPM limitada como comentario urbano Graffiti Happy V30 es una pieza de edición limitada que fusiona el mundo del coleccionismo de alta gama con la urgencia irreverente de la calle. Cada lámina de la serie presenta marcas impredecibles: capas de salpicaduras de pintura, pinceladas angulares y goteos fortuitos que trasladan el caos de los muros exteriores a la estructura de un marco artístico. El proceso de retoque manual garantiza autenticidad y dinamismo visual, y cada pieza se selecciona al azar para resaltar su singularidad. El papel con bordes irregulares añade una textura que realza su condición de lámina y escultura. Dentro del contexto más amplio del Arte Pop Urbano y el Grafiti, esta edición no solo funciona como una remezcla visual, sino como una provocación que invita al espectador a replantearse la alegría, la imagen de marca y la máscara de la civilidad bajo el filtro crudo del comentario urbano. La lámina de OG Slick no se limita a mostrar una sonrisa; cuestiona si esa sonrisa es genuina o simplemente fingida.

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Arrow Pulse Fresas con crema Técnica mixta pintada a mano sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar, por Tavar Zawacki (Arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. «La flecha Pulse fue uno de los muchos diseños populares que creé para mi reciente exposición individual, Remix, en Detroit. Decidí hacer una edición más pequeña (5) de las flechas Arrow Pulse, ya que este diseño es un estilo popular e icónico. Diseñé los archivos de corte en mi computadora con Adobe Illustrator y luego los mandé a cortar con láser para asegurar su perfección y uniformidad en la forma. Después de realizar los cortes, extraje individualmente cada flecha Pulse y le asigné un color específico. Lo que se ve en la pieza terminada es una flecha Pulse de madera colorida y compuesta.» - Arriba

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Fuzz Fest 2014 - Póster de edición limitada del concierto Orange Yellow Music. Impresión serigráfica a mano de 3 colores sobre papel artístico rosa de Jeremy Wheeler. Variante amarillo naranja, 10 11 12 de abril de 2014

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Frank Sinatra The Crooner Edición Limitada Pintura al Óleo HPM Serigrafía sobre Lienzo con Detalles Pintados a Mano por Steve Kaufman SAK Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Serigrafía de Frank Sinatra, "The Crooner", firmada en 2005 por Steve Kaufman (SAK).

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Arte en acción: Impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo Lichtenstein en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Jeff Gillette, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, impresa con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m² (2022). Tamaño de la obra: 16 x 20 pulgadas. «Arte en Acción» es una estimulante impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo, obra de la leyenda del graffiti pop art urbano Jeff Gillette. Impresa en papel Moab Entrada de 290 g/m², esta cautivadora obra de arte, de 40,6 x 50,8 cm, encapsula la dinámica intersección entre la sensibilidad del arte pop y la esencia cruda y enérgica del arte urbano. Firmada y numerada en una edición limitada de tan solo 100 piezas en 2022, esta impresión infunde la mirada crítica y perspicaz de Gillette en los coloridos y audaces gráficos que recuerdan el estilo icónico de Roy Lichtenstein. La obra de Gillette se caracteriza por la yuxtaposición de lo caprichoso y lo frágil, a menudo contrastando imágenes de estilo Disney con entornos distópicos, creando así un diálogo que invita a la reflexión sobre el consumismo, la cultura y las narrativas subyacentes de la sociedad. Su obra «Arte en Acción» ilustra a la perfección este tema. La alusión visual al arte pop en la impresión, que refleja el famoso arte de Lichtenstein inspirado en los cómics, se ve ingeniosamente subvertida por la infusión de una actitud callejera por parte de Gillette, añadiendo una capa de sátira y comentario a las vibrantes explosiones y la estética del cómic que definieron el arte de una generación. El explosivo "¡WHAM!" en el fondo hace un guiño directo al estilo de Lichtenstein. Sin embargo, Gillette se asegura de que su interpretación sea distinta, invitando a la reflexión sobre las implicaciones de tales imágenes en un mundo muy alejado de las inocuas viñetas de los cómics de mediados de siglo. La inclusión de las caóticas figuras de personajes en esta obra proporciona un marcado contraste reflexivo con la precisión limpia y mecanizada del trabajo de Lichtenstein, sugiriendo una narrativa más profunda bajo el brillo superficial de la cultura pop. Al fusionar las técnicas y el acabado de las impresiones artísticas con el impacto visceral del arte callejero y el grafiti, Gillette tiende un puente entre dos mundos que a menudo se ven en contraste. Su obra no se limita a colgar en la pared de una galería; La obra evoca la participación ciudadana y la crítica social que caracterizan al arte urbano más impactante. Coleccionistas y aficionados a este género encontrarán en "Arte en Acción" una pieza estimulante para su colección, que invita a la reflexión y, a la vez, resulta estéticamente cautivadora.

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Che No Vive - Juguete de resina coleccionable de edición limitada amarilla, obra de arte del artista de graffiti callejero Frank Kozik. Figura de resina en blíster a escala de 3,75 pulgadas, moldeada a mano, ediciones firmadas y numeradas de 20. Figura de juguete de arte en blíster de 2021 esculpida por George Gaspar Dead Che.

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Atrapa las estrellas - Edición especial II Edición limitada Serigrafía de 13 colores con recubrimiento UV y purpurina en capa selectiva sobre cartón de archivo de museo de 2 capas de Pez Graffiti Artista callejero Arte pop moderno. Serigrafía de 13 colores, firmada y numerada, con barniz UV y purpurina aplicada selectivamente sobre cartulina de conservación de museo de dos capas, compatible con AR. Tamaño: 38,1 x 54,9 cm. Lanzamiento: 16 de noviembre de 2021. Edición limitada de 50 ejemplares. Explorando el vívido mundo de "Atrapa las estrellas - Edición especial II" de Pez «Catch The Stars - Special Edition II» de Pez celebra la fusión del arte urbano con el vibrante mundo del arte pop. Esta serigrafía de edición limitada de 13 colores, lanzada el 16 de noviembre de 2021, es un ejemplo electrizante de cómo los artistas de graffiti modernos combinan técnicas tradicionales con tecnologías contemporáneas. Impresa en un generoso soporte de 38 x 55 cm (15 x 21,63 pulgadas) de cartón de archivo Rising Museum de dos capas, cada serigrafía de la edición de 50 está firmada y numerada a mano, lo que refleja el toque personal y la exclusividad que Pez imprime a su obra. El recubrimiento UV aporta mayor durabilidad y viveza a los ya dinámicos colores. A su vez, la purpurina aplicada en zonas específicas introduce una dimensión táctil, otorgando a cada pieza una presencia única que cambia según la perspectiva del espectador. «Catch The Stars - Special Edition II» no es solo una obra de arte estática; Cuenta con compatibilidad con realidad aumentada (RA), lo que invita al espectador a interactuar con la obra en una dimensión multimedia que tiende un puente entre las formas de arte tradicionales y la innovación digital. Este nivel de interacción demuestra la visión de futuro de Pez y su capacidad para mantenerse a la vanguardia del arte pop urbano. La trayectoria artística de Pez y su maestría en serigrafía El proceso serigráfico exige precisión y paciencia, y el dominio de Pez en esta técnica se evidencia en la intrincada superposición de capas y la separación de colores que definen "Catch The Stars - Edición Especial II". La elección del cartón de archivo Rising Museum como soporte refleja la importancia de la durabilidad y la calidad en la obra de Pez, garantizando que las imágenes brillantes y complejas que crea perduren como piezas clave en cualquier colección. El recubrimiento UV y la purpurina aportan un toque contemporáneo a la serigrafía tradicional, otorgando a la obra un acabado lúdico y sofisticado, característico del estilo de Pez. La influencia de Pez en la escena del arte pop urbano es significativa; sus obras son reconocibles al instante por sus personajes exuberantes, colores vibrantes y la alegría que irradia cada pieza. Sus creaciones suelen presentar figuras caprichosas con ojos grandes y expresivos, que encapsulan la esencia de la energía del grafiti callejero y la fascinación del movimiento pop art por la iconografía de la juventud y la cultura popular. Significado cultural de "Atrapa las estrellas - Edición especial II" En el panorama cultural del arte pop urbano, "Catch The Stars - Edición Especial II" es una vibrante representación de la capacidad del género para cautivar y comunicar. La obra de Pez dialoga con el espectador, invitándolo a sumergirse en un mundo donde se difuminan las fronteras entre la subversión lúdica del arte urbano y la estética calculada del arte pop. Cada serigrafía de esta edición limitada celebra la evolución del grafiti, desde sus raíces underground hasta su estatus actual como una forma de arte significativa y respetada. En conclusión, "Catch The Stars - Edición Especial II" de Pez refleja la dedicación del artista a expandir las posibilidades del arte urbano y su lugar dentro del contexto más amplio del arte moderno. Mediante el uso innovador de materiales, tecnología y serigrafía, Pez continúa superando los límites, creando obras visualmente impactantes y ricas en interacción y experiencia. Como pieza de edición limitada, es un objeto codiciado dentro del grafiti, el arte urbano y el arte pop, que captura la imaginación e inspira asombro en quienes la contemplan.

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Pixel Icons Serigrafía de Buff Monster. Prueba de artista. Serigrafía impresa a mano sobre papel de algodón de 250 g/m² para bellas artes. Edición limitada. Arte pop callejero y graffiti. Edición limitada de 80 ejemplares, firmada y numerada, de 2023. Tamaño de la obra: 18x24 pulgadas, del clásico monstruo de helado derretido y tuerto Melty Misfit en estilo pixel. Iconos de píxeles serigrafiados por Buff Monster – Edición limitada de arte pop urbano y grafiti Buff Monster, figura clave del arte pop urbano y el grafiti, sigue desafiando los límites creativos con Pixel Icons, una serigrafía artesanal que reinventa su estética característica de Melty Misfit a través de una perspectiva pixelada. Esta obra de edición limitada, impresa en papel de algodón de 250 g/m², es una serie firmada y numerada de tan solo 80 piezas, lo que la convierte en una pieza de coleccionista muy codiciada. La lámina de 45,7 x 61 cm presenta el clásico monstruo tuerto y derretido de Buff Monster, pero en lugar de líneas fluidas y orgánicas, la composición se presenta en un estilo retro pixelado de 8 bits. La transformación de su personaje, similar a un helado derretido, en un formato de inspiración digital refleja la habilidad de Buff Monster para fusionar la nostalgia con el arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. El uso de verde pastel, rosa y turquesa crea un llamativo contraste visual, reforzando el carácter lúdico y surrealista de la obra. La técnica de serigrafía artesanal garantiza que cada lámina conserve una textura y una viveza que las reproducciones digitales no pueden replicar. Buff Monster y su influencia en el arte pop callejero y el grafiti Nacido en Hawái y residente en Nueva York, Buff Monster se ha consolidado como un artista destacado del arte urbano pop y el grafiti. Su obra se caracteriza por su vibrante paleta de colores, sus personajes caricaturescos y la fuerte influencia de la cultura japonesa, el heavy metal y los videojuegos clásicos. Su ascenso a la fama comenzó con el grafiti y el pegado de carteles a principios de la década de 2000, donde rápidamente captó la atención por sus llamativos murales y pósteres de colores vibrantes. Con el paso de los años, Buff Monster ha expandido su alcance artístico más allá de las calles, exponiendo en galerías, colaborando con grandes marcas y creando piezas de arte coleccionables. A pesar de estos cambios, mantiene la energía rebelde y el espíritu DIY que definieron sus inicios. Su trabajo fusiona la cultura del grafiti, las bellas artes y el diseño comercial, demostrando que el arte urbano pop y el grafiti pueden prosperar en múltiples plataformas sin perder su autenticidad. Pixel Icons – La fusión de la estética clásica de los videojuegos y el arte callejero Pixel Icons reinterpreta el icónico personaje Melty Misfit de Buff Monster, utilizando el lenguaje visual de los primeros videojuegos. Los bordes definidos y las gotas pixeladas crean una singular yuxtaposición entre formas orgánicas fundidas y la rigidez de la estética digital. Esta reinterpretación no solo demuestra la adaptabilidad de Buff Monster como artista, sino que también resalta la perdurable influencia de la cultura retro de los videojuegos en el arte urbano pop y el grafiti contemporáneos. Los vibrantes tonos pastel, los contornos gruesos y las texturas pixeladas de la impresión le confieren una cualidad distintiva, casi glitch. Esta elección estética refuerza los temas de nostalgia y transformación, estableciendo paralelismos entre la evolución de los medios digitales y el panorama siempre cambiante del grafiti y el arte urbano. Su carácter de edición limitada la convierte no solo en una impactante declaración visual, sino también en una valiosa pieza para el coleccionismo de arte contemporáneo. El impacto cultural del trabajo de Buff Monster El arte de Buff Monster sigue moldeando e inspirando el panorama actual del arte pop urbano y el grafiti. Su habilidad para fusionar elementos de la cultura pop, el grafiti y las bellas artes ha consolidado su reputación como una fuerza pionera en la escena. Su compromiso con las ediciones artesanales serigrafiadas garantiza que cada pieza posea una cualidad tangible y táctil de la que suelen carecer las reproducciones digitales. Pixel Icons ejemplifica su enfoque innovador, que combina técnicas de arte urbano, surrealismo pop e influencias de videojuegos retro en una composición única y coherente. La impresión sirve como recordatorio de que el arte pop urbano y el grafiti están en constante evolución, adoptando nuevas formas sin perder su esencia rebelde y lúdica. Ya sea expuesta en una galería, una colección privada o un espacio urbano, la obra de Buff Monster continúa desafiando las percepciones y celebrando la vitalidad del arte contemporáneo.

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Ficción de Tweet Amargo - Impresión de pigmento de archivo sobre metal con base acrílica grabada. Obra de arte escultórica del artista callejero de graffiti, leyenda del pop moderno, Ron English - POPaganda. Ron English, conocido como POPaganda, es considerado una figura clave en la evolución del arte urbano, alejándolo del estilo libre y desenfadado para adentrarse en mensajes ingeniosos y un magistral arte basado en el trampantojo. Ha creado murales y vallas publicitarias ilegales que combinan imágenes impactantes con incisivas declaraciones políticas, consumistas y surrealistas, apropiándose del espacio público en todo el mundo en nombre del arte desde la década de 1980.

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Tabla de skate La Fill Art Deck de OG Slick x The Beautiful Losers, edición limitada impresa por el artista en madera, arte urbano de graffiti callejero, objeto deportivo. Edición limitada 2024 de 99 patinetas deportivas de arte, tamaño 8x31, tabla de patineta de arte, objeto de arte impreso, cara sonriente con manos de Los Ángeles. La tabla de skate La Fill Art: Una fusión de arte pop callejero y cultura del grafiti La tabla de skate La Fill, diseñada por OG Slick en colaboración con The Beautiful Losers, es una vibrante expresión de arte pop urbano y grafiti. Lanzada en 2024 en una edición limitada de 99 unidades, esta tabla de 8x31 pulgadas fusiona un diseño funcional con una audaz expresión artística. Con el icónico Smiley Face de OG Slick adornado con las Manos de Los Ángeles, la pieza refleja una mezcla de simbolismo lúdico y estética urbana. Cada tabla está firmada y numerada, lo que aumenta su valor como objeto de colección que une el mundo del deporte con el del arte callejero. OG Slick y el legado del arte del monopatín OG Slick es reconocido por su habilidad para fusionar la cultura urbana con motivos inspirados en la cultura pop, y la tabla de skate La Fill es una prueba fehaciente de su visión creativa. Al colaborar con The Beautiful Losers, un colectivo que celebra las narrativas inspiradas en el arte callejero, Slick traslada su estilo característico a un nuevo medio. Las tablas de skate han servido durante mucho tiempo como lienzo para el grafiti y el arte pop, representando la libertad, la rebeldía y la creatividad. El motivo de la carita sonriente con las manos de Los Ángeles añade una capa de identidad cultural, rindiendo homenaje a la ciudad y conectando con la comunidad global del skateboarding. Diseño y simbolismo de la baraja La Fill La tabla de skate La Fill presenta una composición visualmente impactante, que fusiona llamativos gráficos en blanco y negro con vibrantes tonos amarillos. La carita sonriente, símbolo universal de positividad, se combina con el gesto de las manos de Los Ángeles, creando un sentido de pertenencia e identidad. El diseño en capas incorpora letras y texturas estilo grafiti, enfatizando la naturaleza cruda y expresiva del arte urbano. Esta yuxtaposición de imágenes limpias y divertidas con una estética urbana auténtica refleja la dualidad de la cultura del skate, que combina arte con acción e individualidad con comunidad. El arte como objeto funcional Tablas de skate como la La Fill Art Deck difuminan la línea entre el equipamiento deportivo funcional y los objetos de arte coleccionables. Fabricada con madera de alta calidad e impresa con precisión, esta tabla es resistente para patinar y visualmente impactante para exhibir. Su edición limitada la convierte en una pieza codiciada por los coleccionistas de arte urbano pop y graffiti. La colaboración entre OG Slick y The Beautiful Losers eleva la pieza más allá de una simple tabla de skate, convirtiéndola en una declaración de cultura urbana e innovación artística. La La Fill Skateboard Art Deck es una celebración de la creatividad, el movimiento y la influencia perdurable del arte urbano en la cultura contemporánea.

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No pasar, no hacer grafitis 12x18- III Pintura original de técnica mixta, artista de graffiti, arte pop moderno sobre letrero de metal real de Cope2. Letrero de calle de metal real, original y firmado, pintado con aerosol, con letras burbuja. Tamaño de la obra: 12x18. Prohibido el paso. No se permiten grafitis. Señal de vigilancia. Desafiando las normas con el arte pop callejero y el graffiti de Cope2 La obra "No Trespassing No Graffiti 12x18- III" de Cope2 es una pieza provocativa que encarna el espíritu rebelde del arte pop urbano y el grafiti. Esta pintura original en aerosol, firmada en 2020, presenta letras burbuja sobre una señal de tráfico metálica real de 30x45 cm (12x18 pulgadas), proclamando con audacia "El grafiti es un delito". Esta obra desafía directamente las fronteras legales y sociales que durante mucho tiempo se han impuesto a los grafiteros. Cope2, un nombre con peso en el mundo del grafiti, utiliza esta pieza para confrontar la paradoja del grafiti como forma de arte: su existencia simultánea como creación celebrada y acto delictivo. El soporte de la señal de tráfico metálica, un objeto que suele representar la ley y el control, se subvierte y se reutiliza como lienzo para la libre expresión artística. Esta inversión simboliza la naturaleza misma del arte urbano: un medio que a menudo existe en espacios fuertemente regulados y vigilados. Al elegir esto como su lienzo, Cope2 no solo crea una obra de arte; Elabora una declaración sobre el derecho al espacio público y la naturaleza de la libertad artística. El comentario sociocultural del trabajo de Cope2 «Prohibido el paso. No se permiten grafitis» es más que una obra visualmente impactante; funciona como un comentario sociocultural sobre el estado actual del arte urbano. Los colores brillantes y las inconfundibles letras de burbuja son elementos esenciales del grafiti tradicional, pero contrastan fuertemente con el fondo formal y autoritario de la señal de tráfico. Este contraste es una metáfora visual de la tensión entre el artista y el sistema, entre la creatividad y la conformidad. La obra captura la esencia de Cope2: un artista que ha prosperado frente a la adversidad y los desafíos legales durante más de tres décadas. Esta pieza de técnica mixta muestra su dedicación al oficio y su capacidad de adaptación y evolución. Presentó su obra en las calles a una figura respetada del arte pop moderno, manteniendo la rebeldía y la autenticidad de sus raíces callejeras. Impacto de la orden "Prohibido el paso, prohibido el grafiti" en el arte pop callejero y el grafiti El impacto de "No Trespassing No Graffiti" de Cope2 en la percepción del arte pop urbano y el grafiti es innegable. Encarna la rebeldía inherente a este género artístico. Sin embargo, también representa una maduración de la forma, una señal de que el arte urbano ha reclamado su lugar legítimo en el discurso artístico contemporáneo. La obra se erige como un símbolo de resistencia contra la criminalización del grafiti, instando a una revisión de las leyes y percepciones culturales que rigen la expresión pública. A través de esta obra, Cope2 reivindica el valor del arte urbano como una forma legítima y poderosa de expresión social y artística. La pintura interpela directamente al espectador, una invitación a cuestionar y redefinir los límites de la legalidad y el arte. Es una declaración audaz de que la presencia del grafiti en el espacio público puede ser tanto un acto de vandalismo como un importante artefacto cultural. "No Trespassing No Graffiti" es una pieza clave en la narrativa del arte pop urbano y el grafiti. Es un testimonio de la influencia perdurable de Cope2 y su compromiso por expandir los límites de lo que el arte urbano puede transmitir. Esta obra no es solo una declaración contra la prohibición; es una proclamación del poder transformador del grafiti, su papel en desafiar el statu quo y su potencial para cambiar nuestra interacción con el paisaje urbano y nuestra comprensión del mismo. Es una pieza que encapsula la compleja identidad del grafiti, erigiéndose como un ejemplo vibrante del diálogo entre el artista, la ciudad y la sociedad.

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Rasselbande II - Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo Eisodur picados sobre papel blanco satinado mate de 300 g/m² del artista Flying Fortress, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Edición limitada de 10 ejemplares, firmada y numerada (2020). Tamaño: 16,5 x 23,4 cm.

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Owl Egg Earth, obra de arte original y única, pintada en acrílico sobre lienzo, del popular artista de arte pop y cultura Nate Duval. Pintura original firmada, 2014. Tamaño: 11x14.

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Sigue tus sueños. Escultura de resina pintada en oro cromado de Mr. Brainwash - Thierry Guetta. Edición limitada. Obra de arte pop. Artista callejero. Bellas artes. Escultura firmada y numerada de 2023, edición limitada de 18 piezas. Tamaño de la obra: 11 x 7,25 x 1,5 pulgadas. Incluye caja con la inscripción "Sigue tus sueños" en color amarillo dorado cromado. La encarnación escultórica de la aspiración de Thierry Guetta «Sigue tus sueños», una escultura de resina pintada en dorado cromado de Thierry Guetta, conocido como Mr. Brainwash, es una brillante representación de las aspiraciones que encarnan el arte pop urbano y el grafiti. Esta pieza de edición limitada, una de tan solo 18 ejemplares, está impregnada de un espíritu de motivación y superación personal. Cada escultura está firmada y numerada, lo que certifica su exclusividad, y mide 28 x 18,4 x 3,8 cm. Se presenta en una caja que reproduce el mensaje de la obra y refleja su tonalidad dorada cromada, creando una experiencia estética y temática integral. El mensaje de la escultura, «Sigue tus sueños», es una exhortación que conecta con la búsqueda humana fundamental de propósito y pasión. El audaz y lujoso acabado dorado de Guetta transforma la frase de una simple sugerencia a una poderosa exhortación. Este uso del oro no solo atrae la atención por su brillo, sino también por sus connotaciones históricas de valor y prestigio. Al utilizar este color en su escultura de arte pop callejero, Guetta conecta la naturaleza tradicionalmente rebelde del grafiti con un mensaje atemporal e inspirador. La importancia del material en la expresión artística de Guetta El uso de resina en «Follow Your Dreams» permite lograr las líneas precisas y nítidas que definen las letras de la escultura, una muestra de la atención al detalle y la dedicación a la calidad de Guetta. Las propiedades del material también garantizan que la pieza sea ligera y duradera, ideal para una obra de arte destinada a ser exhibida y apreciada a lo largo del tiempo. La pintura dorada cromada aplicada a la resina realza la tridimensionalidad de la escultura, permitiéndole interactuar con la luz y el espacio de una manera dinámica y en constante evolución. La maestría de Guetta en la creación de este tipo de obras refleja la evolución del arte urbano, desde sus primeras formas efímeras hasta las piezas perdurables y coleccionables que ahora pueblan galerías y colecciones privadas. La edición limitada de «Follow Your Dreams» subraya aún más su exclusividad e importancia como obra de arte, sin dejar de lado la accesibilidad y las raíces populares del arte pop urbano. El papel del Sr. Lavado de Cerebro en la escena del arte contemporáneo El Sr. Brainwash, o Thierry Guetta, ha sido una figura controvertida en el mundo del arte, con una trayectoria que difumina las fronteras entre el arte, la imagen de marca y la fama. Sus esculturas, como "Sigue tus sueños", reflejan su personalidad arrolladora y su capacidad para cautivar al público. La obra de Guetta suele transmitir mensajes motivacionales; esta pieza no es una excepción. Las palabras de aliento y la impactante presentación visual se han convertido en un sello distintivo de su producción artística. Esta escultura ejemplifica la fusión del lenguaje visual del arte urbano con la sensibilidad del arte pop: accesible, atractiva y diseñada para comunicarse directamente con un público amplio. A través de sus obras, Guetta ha contribuido a elevar el arte urbano al estatus de bellas artes, manteniendo su esencia como una forma de arte para el pueblo. "Sigue tus sueños" es una manifestación física de esta esencia, que sirve tanto de inspiración como de recordatorio del poder transformador del arte.

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Póster del concierto de Pearl Jam del 18 de noviembre en Melbourne. Serigrafía de Ben Frost. Impresa a mano en papel de bellas artes. Edición limitada. Obra de arte serigrafiada de 6 colores. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2024). Impresión serigráfica de 24x18 pulgadas. Incluye pegatina holográfica oficial de Pearl Jam en el reverso. Pearl Jam, Pixies, Teen Jesus y Jean Teasers, Marvel Stadium, Melbourne, Australia. Póster del concierto de Pearl Jam en Melbourne por Ben Frost El póster del concierto de Pearl Jam en Melbourne el 18 de noviembre de 2024, obra de Ben Frost, es una impactante serigrafía que fusiona la energía visual del arte urbano contemporáneo y el grafiti con la vibrante actuación en vivo de una de las bandas más icónicas del rock. Esta lámina oficial del concierto conmemora la presentación de Pearl Jam en el Marvel Stadium de Melbourne, junto a la legendaria banda de rock alternativo Pixies y el prometedor grupo australiano Teen Jesus and the Jean Teasers. Impresa a mano en papel de bellas artes con seis colores vibrantes, esta edición limitada está firmada y numerada por Ben Frost e incluye una pegatina holográfica oficial de Pearl Jam en el reverso, que certifica su autenticidad. Energía visual y simbolismo La obra presenta una composición explosiva y simétrica con dos cacatúas amarillas —originarias de Australia— enfrascadas en una confrontación audaz y simétrica. Sus alas arden en llamas, representadas en una paleta de alto contraste de carmesí, ámbar y amarillo eléctrico. Las plumas de las aves palpitan con intensidad, cada forma cuidadosamente delineada mediante la precisa técnica gráfica de Frost. Sus garras se encuentran en el centro, entrelazándose en un gesto de unión que sugiere solidaridad, poder y resistencia. Entre las alas, las llamas se elevan, formando el calor, tanto espiritual como literal, de la impresión, reflejando la pasión y la urgencia que siempre han definido la música de Pearl Jam. En un ala figura la fecha del concierto, 18 de noviembre de 2024, mientras que la otra indica el lugar: MARVEL STADIUM MELBOURNE. La tipografía se integra a la perfección en el diseño, cumpliendo tanto función como forma, con raíces en el estilo del grafiti pero refinada a través de la lente de la serigrafía artística. Antecedentes del artista y contexto del pop callejero Ben Frost es un artista australiano de renombre internacional, conocido por su habilidad para apropiarse de la cultura pop, la industria farmacéutica, los logotipos corporativos y el lenguaje publicitario, transformándolos en composiciones subversivas y a menudo satíricas. A través de su arte pop callejero y grafiti, Frost explora la cultura del consumo, la identidad y la rebeldía. Este póster comparte las mismas características distintivas de su obra: paletas de colores vibrantes, líneas definidas y una intensa estimulación visual. Si bien Frost es reconocido por sus críticas a la saturación mediática y al espectáculo capitalista, esta pieza celebra un momento cultural específico. El estilo visual refleja su destreza para fusionar influencias comerciales y contraculturales en una obra a la vez coleccionable y crítica, combinando la inmediatez del arte callejero con la sofisticación de las ediciones artísticas impresas en serigrafía. Cultura de conciertos y objetos de colección contemporáneos Como todos los pósteres oficiales de los conciertos de Pearl Jam, esta lámina sirve como recuerdo práctico, pero trasciende al ámbito del arte visual. Con unas dimensiones de 61 x 46 cm, su tamaño es considerable, ideal para coleccionistas y fans que aprecian no solo la música, sino también la iconografía que inspira. Limitada a tan solo 100 ejemplares firmados y numerados a mano, representa una colaboración exclusiva entre la música y las artes visuales. Pearl Jam siempre se ha comprometido con proyectos socialmente comprometidos y artísticamente progresistas, y su continua colaboración con artistas como Ben Frost refuerza su legado. Con la participación de Pixies y Teen Jesus and the Jean Teasers en esta parada de la gira, la lámina también captura un intercambio intergeneracional dentro de la música alternativa. El póster de Ben Frost es más que material promocional: es un símbolo de sonido, cultura y resistencia, cristalizado a través del arte de la serigrafía.

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Dondi East Coast Legends Canbot Canz de Dondi White (Después de su muerte/Herencia) x Czee13 Edición Limitada Figura de Robot con Pintura en Aerosol Edición limitada 2023 de 200 unidades. Nuevo en caja. Tamaño 3x5,5. Dondi White Graffiti Robot. Lata de pintura en aerosol de 5 oz. Juguete artístico con adornos y etiquetas en color amarillo y azul. El legado perdurable de Dondi White en la cultura del juguete artístico Dondi White, figura icónica del arte urbano, sigue inspirando mucho después de su fallecimiento en 1998. Sus herederos colaboraron con el artista Czee13 para lanzar una edición limitada de Canbot, testimonio del impacto perdurable de Dondi en la escena del grafiti. El Canbot Canz Dondi East Coast Legends, lanzado en 2023, presenta un diseño impactante basado en las obras originales de Dondi White, con sus característicos throw-ups y tags en una vibrante combinación de amarillo y azul. La serie Canbot ha transformado el clásico bote de aerosol en un lienzo de colección, dando forma tangible a las obras de legendarios artistas urbanos. El Canbot de Dondi es particularmente significativo, capturando la esencia de su estilo dinámico en una figura de 7,6 x 14 cm. Cada Canbot de la edición limitada de 200 no es solo una representación del arte de Dondi White; es la encarnación de su espíritu y una continuación de su diálogo con el paisaje urbano. Homenaje del arte pop callejero a un pionero del grafiti La colaboración entre los herederos de Dondi White y Czee13 tiende un puente entre los orígenes crudos del arte pop callejero y su estatus actual como género coleccionable. Esta edición especial de Canbot es un homenaje a Dondi, que garantiza que las nuevas generaciones puedan apreciar sus contribuciones al arte del grafiti. La estética innovadora de Dondi White se celebra a través de este juguete artístico, manteniendo viva su memoria e influencia en el arte callejero y más allá.

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Impresión giclée de pintura en aerosol HPM cortada a mano por Margot Silver, obra de Kevin Stanton. Edición limitada impresa en papel de bellas artes con purpurina en capas. Impresión con detalles pintados a mano. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada de 2013, firmada y numerada. Impresión giclée HPM de papel plateado con collage de papel plateado que representa a Gwyneth Paltrow como Margot Tenenbaum, estilizada a partir de la película Los Tenenbaums. Tamaño de la obra: 11,75 x 15,75 pulgadas. Tamaño de la obra: 11,75 x 15,75 pulgadas. «Margot Silver» de Kevin Stanton: Una oda a la iconografía cinematográfica La impresión giclée HPM (multiplicación pintada a mano) "Margot Silver", recortada a mano, es una obra maestra de Kevin Stanton, reconocido artista del graffiti pop. Esta pieza es excepcional por ser una edición limitada, la primera de una serie de cuatro, cada una meticulosamente firmada y numerada por el artista. La obra, de 29,8 x 40 cm, es un collage de papel plateado sobre papel artístico brillante en capas, con detalles pintados a mano para realzar su atractivo visual. La pieza de Stanton rinde homenaje al personaje de Gwyneth Paltrow, Margot Tenenbaum, de la aclamada película de Wes Anderson "Los Tenenbaums". Interacción entre la estética del cine y el arte callejero La obra "Margot Silver" de Stanton es un ejemplo paradigmático de cómo la cultura pop y el arte urbano se entrelazan para crear obras que son a la vez referenciales y originales. La pieza toma un personaje cinematográfico icónico y lo reinterpreta a través del prisma del arte urbano, empleando técnicas como la pintura en aerosol, tradicionalmente asociadas al grafiti. El resultado es una representación gráfica y audaz que captura la esencia del personaje de Margot Tenenbaum mediante formas y colores estilizados, resonando con la vitalidad e inmediatez propias del arte pop urbano. Esta obra es más que una simple representación de un personaje cinematográfico; es un diálogo con el público, que lo invita a revisitar lo familiar bajo una nueva luz. Así como el arte urbano suele transformar los espacios públicos para crear algo que capte la atención y genere conversación, la obra de Stanton reinterpreta la imagen de una figura conocida, animando a los espectadores a conectar con el personaje y la obra a un nivel más profundo. Artesanía en el arte contemporáneo En «Margot Silver», la maestría se evidencia en los cortes precisos y la cuidadosa aplicación de los detalles, que dan vida a la obra. El uso de papel brillante añade una dimensión textural que contrasta con la planitud que suele asociarse a la pintura en aerosol, demostrando la habilidad de Stanton para combinar elementos dispares y crear armonía en el lienzo. La obra refleja un movimiento más amplio en el arte contemporáneo donde los artistas incorporan técnicas tradicionales al diálogo con temas y medios modernos. El enfoque de Stanton hacia su oficio, en particular el intrincado método del papel recortado, evoca la meticulosidad de los artistas callejeros que dedican horas a perfeccionar sus murales y plantillas. Su grabado de edición limitada, al igual que un mural cuidadosamente seleccionado, se convierte en un hito en el panorama del arte contemporáneo: un símbolo de creatividad e ingenio. El impacto duradero de "Margot Silver" La obra "Margot Silver" de Kevin Stanton simboliza la dedicación del artista a expandir los límites del arte urbano. Al inmortalizar un personaje cinematográfico mediante los métodos y técnicas del arte callejero, Stanton no solo rinde homenaje al personaje y al poder de la narrativa visual, sino que su obra nos recuerda que la esencia del arte pop urbano y el grafiti reside en su capacidad para transformar lo cotidiano en algo extraordinario, para dotar a lo diario de significado y belleza. Esta obra sigue siendo una pieza cautivadora dentro de la producción de Stanton, un testimonio de su habilidad para explorar y trascender los ámbitos del arte urbano y el pop. A medida que el mundo del arte continúa evolucionando, obras como "Margot Silver" demuestran el espíritu innovador que impulsa a artistas como Kevin Stanton a crear piezas que son a la vez contemporáneas y atemporales.

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Origen de las especies Evolución Edición limitada Impresión artística en papel secante con pigmentos de archivo Impresión artística en papel secante perforado del artista pop moderno Ziero Muko. Edición limitada de 2022, firmada y numerada, de 20 ejemplares. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2022. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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Watermelon Pimp - Juguete coleccionable de resina de edición limitada amarilla, obra de arte del artista de graffiti callejero Frank Kozik. Figura de resina moldeada a mano a escala de 3,75 pulgadas, edición limitada de 20 unidades firmadas y numeradas. El pájaro es la palabra, juguete de arte pop.

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Compre AK-47 Lotus: impresión serigráfica de 4 colores tirada a mano de edición limitada de gran formato en papel de trapo Coventry de algodón personalizado por el artista de Graffiti Street Shepard Fairey. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 100 ilustraciones Tamaño 30x41 "Las serigrafías de gran formato de AK-47 Lotus y AR-15 Lily están inspiradas en los manifestantes de la Guerra de Vietnam que ponían flores en los cañones de las armas de la Guardia Nacional que fueron traídos para reprimir sus protestas por la paz. Soy pacifista, ya sea eso significa encontrar soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la guerra a nivel internacional o encontrar soluciones diplomáticas para prevenir y evitar la violencia armada en casa. No estoy en contra de la Segunda Enmienda, así que los trolls pueden calmarse... queremos que menos personas mueran innecesariamente. Brady United está haciendo un buen trabajo en la prevención de la violencia armada, por lo que recibirán una parte de las ganancias de estas dos impresiones. Gracias por preocuparse.⁠" -Shepard Fairey

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Musa del Mundo - Ocre Edición Limitada Serigrafía a 2 Colores sobre Papel Francés de Bellas Artes de 140 libras por Glenn Barr, artista callejero de arte pop moderno. Esta imagen fue un póster muy popular que publiqué hace unos años. Decidí darle un toque más artesanal, creando una edición limitada diferente a la impresión offset. El año pasado la transcribí a una serigrafía de dos colores y la lancé con solo 25 ejemplares, para mi exposición en la galería Inner State de Detroit... ¡Se agotaron enseguida! Para celebrar el éxito de la imagen, quise hacer otra versión. Esta vez, cambiando la paleta de colores: 50 ejemplares en tonos azules fríos y otros 50 en dorados intensos. Además, para añadir una edición especial limitada a 25 ejemplares, creé una tercera pantalla con líneas para realzar el espectacular vuelo de la musa. - Glenn Barr

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