Skeletor, juguete coleccionable de vinilo de edición limitada, obra de arte del artista de graffiti callejero Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki y Mattel Creations se unieron para crear estas figuras exclusivas de SKELETOR de la colección Madsaki x Masters of the Universe. 8.5 x 11 MADSAKI y MATTEL CREATIONS se unen para crear esta exclusiva e icónica figura: una recreación a escala de la gigantesca escultura de SKELETOR que cautivó a fans y críticos de arte por igual como pieza central de la exposición individual "1984" de MADSAKI en la galería Kaikai Kiki de Tokio en 2020. Esta figura presenta un color especial exclusivo. Con una altura de 28 cm hasta la punta del bastón y una expresión facial representada con pintura en aerosol, su vibrante colorido contrasta con las figuras de HE-MAN y BATTLE CAT producidas anteriormente. SKELETOR, el villano más famoso de Eternia, se ha sublimado en una figura única y especial, impregnada de los recuerdos de infancia del artista, rodeado de sus queridos juguetes baratos, y de su respeto por la cultura que tanto lo influyó. Cada escultura incluye un certificado de autenticidad firmado a mano por MADSAKI y guantes blancos para su mejor cuidado. Se muestra con caja

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¡Cállate o te mato! - Edición limitada de arte impreso con pigmentos de archivo en papel secante rojo perforado, obra de arte de la cultura pop y el LSD de Niagara. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Toy Story Alien 100% y 400% BE@RBRICK Edición Limitada Figuras de Arte Coleccionables Urbanas de Vinilo El set Bearbrick del Alien de Toy Story incluye una figura al 100% y otra al 400%, con una altura de 7 cm y 28 cm respectivamente.

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Límite de crédito - Persiguiendo el blues - Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel MOAB Fine Art de 290 g/m² del legendario artista de arte callejero y cultura pop moderna Denial. Límite de crédito 2020 - Arte con temática de tarjetas de crédito y tristeza. Numerado, firmado, sellado al dorso, edición de 25, 24x18, impresión de pigmento de archivo en papel artístico MOAB de 290 g/m². Límite de crédito: Persiguiendo la tristeza mediante la negación «Límite de Crédito: Persiguiendo la Depresión» es una provocativa impresión artística de pigmentos de archivo de Daniel Bombardier, conocido profesionalmente como Denial. Esta obra, creada en 2020, forma parte de su icónica serie «Límite de Crédito», que critica la cultura del consumo y el impacto psicológico de los sistemas financieros. La pieza mide 61 x 46 cm y está impresa en papel artístico MOAB de 290 g/m², reconocido por su excepcional calidad y durabilidad. Como parte de una edición limitada de 25 ejemplares, cada impresión está firmada, numerada y sellada al dorso, lo que garantiza su exclusividad y atractivo para coleccionistas de arte urbano pop y grafiti. El lenguaje visual de Chasing The Blues «Chasing The Blues» toma el diseño familiar de una tarjeta de crédito y lo transforma en una impactante metáfora visual de las cargas emocionales y financieras asociadas al consumismo moderno. La figura central —una mujer angustiada representada en vibrantes tonos azules— enfatiza el costo emocional de perseguir la estabilidad financiera en un mundo cada vez más endeudado. Su expresión de ansiedad y desesperación contrasta marcadamente con el elegante diseño corporativo del fondo de la tarjeta de crédito. Al yuxtaponer estos elementos, «Negación» critica la ilusión de lujo y libertad que suele asociarse al crédito y destaca las luchas ocultas que conlleva. La atención al detalle y el audaz estilo gráfico hacen de esta obra una pieza visualmente cautivadora y temáticamente convincente. La visión artística de la negación Daniel Bombardier es un artista canadiense cuya obra suele explorar temas como el consumismo, el capitalismo y las construcciones sociales. «Chasing The Blues» ejemplifica su habilidad para usar el humor, la ironía y la imaginería de la cultura pop para ofrecer críticas contundentes. El uso de una tarjeta de crédito como motivo central refleja su talento para transformar objetos cotidianos en obras de arte que invitan a la reflexión. La fusión de la estética del arte pop urbano y el grafiti en «Denial» da como resultado piezas accesibles pero de gran impacto. La impresión con pigmentos de archivo sobre papel MOAB de alta calidad garantiza la viveza y la durabilidad de su obra, convirtiéndola en una pieza destacada para cualquier colección. La relevancia cultural del límite de crédito: Persiguiendo la tristeza «Chasing The Blues» resuena en una sociedad donde la ansiedad financiera y las aspiraciones materiales suelen ir de la mano. Al fusionar el simbolismo corporativo con la emoción humana en estado puro, Denial invita a los espectadores a cuestionar el precio del consumismo y las presiones de los sistemas económicos modernos. Esta obra funciona como crítica y reflexión sobre la omnipresente influencia del crédito y la deuda en la vida contemporánea. Al formar parte de una edición limitada, posee un valor significativo no solo como pieza de colección, sino también como artefacto cultural que plasma las luchas de su época. El trabajo de Denial continúa desafiando las convenciones y generando debate, consolidando su posición como figura clave del arte pop urbano y el grafiti.

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Serigrafía modular de Add Fuel x Shepard Fairey - OBEY. Impresión manual sobre papel de bellas artes color crema con motas. Obra de arte de edición limitada. Artista de la cultura pop Obey. Edición limitada de 500 ejemplares, firmada y numerada, 2022. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía. La obra de Diogo Machado, alias ADD FUEL, funciona en varios niveles, tanto literal como metafóricamente. Sus piezas dominan la estética de la azulejería tradicional portuguesa, añadiendo ilustraciones de personajes lúdicos, subversivamente entretejidas en los diseños. Estos dos estilos aparentemente dispares se fusionan con tal elegancia que descubrir la rareza dentro de la armonía resulta a la vez extraño y placentero. Los desgarros, reales y simulados, que ADD FUEL incorpora en su arte son más que un simple guiño al papel, material común del arte urbano moderno; también constituyen una provocativa disonancia visual, ya que los azulejos no se rasgan. A pesar de la incongruencia entre azulejos y desgarros, las composiciones visualmente seductoras de ADD FUEL evocan una sensación de paso del tiempo y una historia tras cada capa. -Shepard Fairey- OBEY Modular de Add Fuel x Shepard Fairey – Obey Collaborative Silkscreen en Street Pop Art y Graffiti Artwork Modular es una serigrafía colaborativa de 2022 creada por el artista portugués Diogo Machado, conocido como Add Fuel, y el artista estadounidense Shepard Fairey, fundador de OBEY. Estampada a mano sobre papel artístico Speckletone color crema y lanzada en una edición limitada de 500 ejemplares, firmada y numerada, esta obra de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas) ejemplifica la sinergia entre la herencia ornamental y la resistencia visual contemporánea. La impresión superpone motivos tradicionales de azulejos, característicos de la práctica de Add Fuel, con la distintiva iconografía y el equilibrio compositivo de Fairey. Imitaciones de papel rasgado atraviesan las capas, revelando yuxtaposiciones dinámicas de patrones clásicos, abstracción pop moderna y un mandala floral central impregnado de la visión política de Fairey. La pieza vibra con tonalidades azules, rojas y blancas, haciendo eco de los temas duales de belleza y disrupción que subyacen a su vocabulario visual compartido. Motivos de azulejos, ilusión e historia en capas La interpretación que Add Fuel hace de la azulejería tradicional portuguesa es a la vez reverente y subversiva. Al reinterpretar la elegancia simétrica de los motivos cerámicos con figuras inesperadas y elementos gráficos, moderniza un medio centenario, inyectándole humor conceptual y profundidad narrativa. En Modular, los falsos desgarros atraviesan la precisión de las baldosas para revelar diseños subyacentes, imitando la superposición desgastada que suele encontrarse en entornos urbanos. Estos desgarros son contradicciones visuales —las baldosas no se rompen—, pero a la vez anclan la obra en la realidad material de los carteles callejeros, las pegatinas de trigo y los panfletos. El efecto sugiere una historia que se desarrolla a través del tiempo, donde la estética se construye sobre la otra, se raspa y se vuelve a ensamblar para crear una historia viva. Esta ilusión invita al espectador a cuestionar sus propias ideas preconcebidas sobre la permanencia, la tradición y la identidad. La integración y la influencia urbana de Shepard Fairey La inconfundible influencia de Shepard Fairey se entreteje en la estructura modular de la obra mediante la inclusión de una audaz simbología geométrica y puntos focales centrales en tonos rojos. Conocido por su campaña OBEY Giant y el póster Hope para Barack Obama, Fairey aporta un instinto gráfico excepcionalmente refinado a esta colaboración. Su presencia en Modular no es dominante, sino que se integra a la perfección, permitiendo que el diálogo entre su lenguaje de diseño político y la fluidez ornamental de Add Fuel se desarrolle en armonía. La composición refleja el compromiso de Fairey con la superposición de capas, la repetición y las formas simbólicas de poder, contribuyendo al peso conceptual de la pieza sin eclipsar la base decorativa. Se trata de una singular fusión de arte urbano con enfoque en el diseño y la creación de patrones históricos, emblemática de la misión de Fairey de preservar el mensaje dentro de la forma. Artesanía y concepto en el arte pop callejero y el grafiti Esta serigrafía fue meticulosamente elaborada con múltiples capas de tinta sobre papel Speckletone, una elección que evoca los orígenes urbanos de la práctica artística de ambos artistas, elevando el resultado final a la categoría de galería. La tensión formal de Modular entre la ornamentación clásica y el simbolismo pop la convierte en un ejemplo paradigmático del arte urbano pop y el grafiti contemporáneos. Refleja una estética en evolución donde la colaboración expande el significado y donde el pasado cultural no se preserva en silencio, sino que cobra vida mediante la intervención visual. Para coleccionistas y espectadores, Modular ofrece una experiencia táctil y simbólica: una obra que aúna la precisión de la tradición y la urgencia del presente en perfecta contradicción. Se erige como testimonio del poder transformador de la superficie, la narrativa y la subversión.

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Old Glory - Edición limitada en papel de archivo, serigrafía de 6 colores impresa a mano con bordes irregulares sobre papel de archivo por Mr Brainwash - Thierry Guetta, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 80 ejemplares, firmada y numerada, 2021. Tamaño de la obra: 32 x 26 pulgadas. Técnica: Serigrafía sobre papel de archivo. Tamaño: 66 x 81 cm. Edición: 80 ejemplares. Firmados, numerados y con huella dactilar. Para celebrar el Día de la Independencia, Mr Brainwash (Thierry Guetta) ha anunciado su última edición. «Old Glory» evoca la ardua lucha de la nación por la independencia y nos invita a reflexionar sobre la importancia de su pasado. La serigrafía estará disponible en papel de archivo y lienzo enmarcado. Cada ejemplar está numerado, firmado y lleva la huella dactilar del artista.

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Érase una vez en Utopía. Impresión giclée de Rhymezlikedimez - Obra de arte de Robin Velghe. Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada Fine Art blanco brillante. Artista callejero pop de graffiti. Edición limitada firmada y numerada de 2023 (por determinar). Tamaño de la obra: 23,4 x 15,68 pulgadas. Arte estilizado del álbum Utopia de Travis Scott (música rap). «Érase una vez en Utopía», de Rhymezlikedimez, alias artístico de Robin Velghe, es una cautivadora impresión giclée que explora los límites temáticos y estilísticos del grafiti, el pop y el arte urbano. Firmada y numerada, esta pieza de edición limitada está impresa en papel Moab Entrada blanco brillante. Es reconocida por su capacidad para presentar colores vibrantes y detalles nítidos, capturando la esencia del arte digital de Velghe en una forma tangible. La obra funciona como una narrativa visual del concepto de Utopía, interpretado a través de la lente del arte musical de Travis Scott. La ilustración de Velghe está repleta de alegorías y simbolismos, fusionando elementos de fantasía y realidad para representar un paisaje surrealista donde se reinventan las reglas del mundo físico. Mediante el uso de una paleta de colores radiantes y personajes dinámicos, Velghe invita a los espectadores a un reino donde la imaginación y la música se unen en una sinfonía visual. Cada personaje y elemento de la obra contribuye a la historia de Utopía, un lugar de perfección y armonía idealizadas. La figura central, iluminada y poderosa, representa la energía y la creatividad que la música puede inspirar. Los personajes que la rodean participan en una danza de movimiento y emoción, con elementos del arte urbano tradicional, como formas exageradas y líneas expresivas, que infunden a la escena una sensación de dinamismo y ritmo. Esta edición limitada no solo refleja los temas musicales y líricos de la obra de Travis Scott, sino que también encarna el espíritu del arte pop urbano contemporáneo. La obra de Velghe es reconocida por su capacidad de trascender la pantalla digital e integrarse al paisaje artístico físico, tendiendo un puente entre la creación virtual y la apreciación en el mundo real. «Érase una vez en Utopía» es un testimonio de la convergencia de la música, el arte y la cultura, que captura la vibrante esencia del arte de Rhymezlikedimez y el diálogo constante entre las diferentes formas de expresión creativa. La obra de arte celebra el potencial ilimitado de la imaginación, encapsulando el espíritu de una generación que encuentra consuelo e inspiración en la intersección de las experiencias auditivas y visuales.

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Atrévete a desafiar. Serigrafía de edición limitada de 3 colores, impresa a mano sobre papel grueso de bellas artes, por Mear, un artista famoso del arte pop y del arte callejero poco común. Artista: Mear One Fecha de creación: 2008 Edición: 80; firmada y numerada Tamaño: 18" x 24" Firmada, numerada y con sello en relieve del artista a lápiz, esta impresión artística serigráfica de 3 colores está impresa en papel blanco de archivo de alto gramaje.

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Squidron Trooper - Impresión serigráfica de 9 colores realizada a mano sobre papel de algodón Conqueror de 300 g/m² por el artista de grafiti pop Flying Fortress. Obra de arte callejero rara, edición limitada. Edición limitada de 33 ejemplares, firmada y numerada, 2020. Tamaño: 15,8 x 11,8 cm. «Squadron Trooper» de Flying Fortress: Una sinfonía en el arte pop callejero «Squidron Trooper», de Flying Fortress, es un vibrante ejemplo de cómo la crudeza urbana del grafiti se entrelaza con la esencia lúdica del arte pop. Esta serigrafía de nueve colores, impresa a mano sobre papel Conqueror Cotton de 300 g/m², forma parte de una serie exclusiva y poco común, con solo 33 ejemplares firmados y numerados disponibles en todo el mundo. Con unas dimensiones de 40 x 30 cm, esta obra de 2020 es un testimonio del atractivo perdurable del arte pop urbano y el grafiti, y encarna la estética distintiva por la que Flying Fortress, un reconocido artista de grafiti pop, es célebre. Flying Fortress, seudónimo del artista alemán, ha dejado una huella imborrable en la escena del arte urbano. Su obra se distingue por el tema recurrente de personajes fantásticos, a menudo representados en composiciones dinámicas que capturan el movimiento y el caos de la vida urbana. En «Squidron Trooper», la fusión de la audacia del grafiti y la iconografía del arte pop ofrece un poderoso impacto visual. Dominio técnico y visión creativa Los aspectos técnicos de «Squadron Trooper» reflejan la meticulosidad del proceso artístico de Flying Fortress. La serigrafía, conocida por su capacidad para producir colores vibrantes y detalles intrincados, se adapta a la perfección al estilo del artista. El papel Conqueror Cotton, un soporte apreciado por su lujosa textura y resistencia, realza aún más el impacto visual de la obra, ofreciendo una cualidad táctil que profundiza la conexión del espectador con la pieza. La elección de nueve colores es significativa, aportando una complejidad y profundidad a la impresión, características propias del arte urbano. Esta superposición de colores, aplicados a mano, garantiza que cada pieza de la edición presente ligeras variaciones, haciendo que cada impresión sea única. Las líneas coloridas y audaces de «Squadron Trooper» irradian una energía simbólica de los paisajes urbanos de donde emana el arte callejero. Contribución cultural de la Fortaleza Volante Flying Fortress ha sido durante mucho tiempo un defensor de la integración de la cultura urbana en la narrativa artística general. Con "Squidron Trooper", el artista nos invita a reflexionar sobre las intersecciones entre el arte urbano y la cultura popular. Como gran parte de su obra, esta pieza difumina las fronteras entre el arte culto y el popular, impulsando una reevaluación de las jerarquías artísticas. La resonancia de la obra en la escena del Street Pop Art y el grafiti se debe a su singular combinación de imágenes accesibles y una compleja técnica. Es una narrativa de creatividad que trasciende los límites del grafiti tradicional, situando a Flying Fortress a la vanguardia de los artistas que impulsan el movimiento del Street Pop Art. "Squidron Trooper" es una obra visualmente impactante y un medio a través del cual Flying Fortress continúa influyendo en el panorama en constante evolución del arte urbano.

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Advertencia: Adictivo - Edición limitada en azul con serigrafía en la tabla de skate, obra del artista de la cultura pop callejera Shepard Fairey OBEY. Firmada en el frente con rotulador. Advertencia: Tabla de skate adictiva. Edición numerada de 400 unidades. Firmada por Shepard Fairey. Soy un gran admirador del arte y el skateboarding de Andy Howell desde finales de los 80, y seguí con entusiasmo el lanzamiento de New Deal Skateboards junto a sus socios en 1990. New Deal fue revolucionaria no solo porque los skaters la lideraron creativamente, sino porque el arte y el diseño de Andy Howell transformaron casi instantáneamente la estética y el estilo del skateboarding, pasando de calaveras y dragones al grafiti y el hip-hop. New Deal fue la primera compañía centrada principalmente en el skateboarding callejero y la cultura urbana, y sus ingeniosos y divertidos anuncios celebraban su papel como la vanguardia de las compañías propiedad de skaters, siempre al servicio del pueblo y atentas a la calle. Desde el principio, New Deal marcó la pauta de los 90. -Shepard

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Colaboración oficial de 1XRUN: Edición limitada Blue Magic, diseño exclusivo en aerosol, colaboración con el famoso fabricante de pintura para graffiti Montana MTN. Pintura acrílica profesional en aerosol Montana Gold en color Azul Mágico. Tamaño: 400 ml (11 oz). Lanzamiento: 24 de noviembre de 2021. La lata de la colaboración Montana Cans 1XRUN celebra el 11.º aniversario de la editorial 1XRUN, con sede en Detroit. Desde 2010, 1XRUN apoya a artistas y coleccionistas de arte, y es famosa por sus ediciones limitadas de láminas originales de artistas. ¿Qué mejor manera de conmemorar este momento que con una lata de edición limitada de la colaboración Montana Cans en el color azul mágico de la línea Montana GOLD, de calidad superior? Equipada con la tapa Montana Skinny Cap negra, esta lata no solo es la icónica herramienta de precisión para el graffiti y el muralismo, sino también una pieza de colección para cualquier amante del arte contemporáneo. Con el famoso símbolo de la X del logo de 1XRUN, esta lata está destinada a formar parte de la historia internacional de las latas de aerosol.

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Jerry Moth Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Matt Gordon, obra de arte de la cultura pop y el LSD. Matt Gordon es un artista multimedia que se esfuerza por crear pinturas acrílicas y dibujos a lápiz bien elaborados y con gran detalle, además de alguna que otra fabricación en 3D para satisfacer necesidades escultóricas y proporcionar modelos vivientes de cosas que no existen realmente pero que necesitan parecer que sí.

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El cambio comienza en el interior. Obra de arte intervenida a mano. Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Erik Otto. Erik Otto - "El cambio empieza desde dentro", edición limitada de 10 copias impresas en giclée de alta calidad, firmadas y numeradas, con detalles intervenidos a mano por el artista.

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Obra de arte «Withering Artwork», impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Hsiao Ron Cheng. Hsiao Ron Cheng, un artista increíble de Taipei, Taiwán, y parte del colectivo artístico Prisma.

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Compre la obra de arte de escultura de poliresina de edición limitada Protect What You Love del legendario artista de bellas artes Dulk. 2022 "PROTEGE LO QUE AMAS" 8" /6" (H/W) 20 cm /15 cm (H/W) Edición limitada de 50 Polyresin COA numerada y firmada por Dulk Empaquetado en una caja de madera. Protect What You Love, el último integrante de Antonio Segura Donat (Dulk). La caja está sellada y nunca abierta, tenga cuidado al abrirla ya que la obra de arte es delicada.

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Baseball Jerks - Rod Beck - Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de Oliver Barrett. Arte callejero distópico, obra de arte pop. Impresión giclée de 8″ x 8″, edición limitada de 20 ejemplares, firmada y numerada en 2014. Presenta a famosos jugadores de béisbol de la MLB en un estilo macabro.

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Figura de Baby Milo de Madison Avenue - Objeto de arte coleccionable de gran tamaño y edición limitada del artista de graffiti callejero Bape. Edición limitada 2021, nueva en caja

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Bloom, serigrafía de edición limitada de 4 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas), famoso artista mexicano-estadounidense de arte pop. Edición limitada de 200 ejemplares, firmada y numerada (2019). Tamaño: 18 x 24 pulgadas. La creación de Ernesto Yerena Montejano, "Bloom", es una exquisita serigrafía artesanal a cuatro colores que irradia la vivacidad y audacia características del arte pop mexicano-estadounidense. Lanzada en 2019, esta pieza forma parte de una colección de edición limitada, con solo 200 ejemplares firmados y numerados, lo que refuerza su exclusividad y atractivo entre los coleccionistas de arte. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, cada impresión está realizada en papel de bellas artes, testimonio de la dedicación de Yerena a la calidad y su fidelidad a las tradiciones consagradas de la impresión. Yerena, bajo el nombre de su estudio Hecho Con Ganas, presenta una composición simétrica que evoca los patrones tradicionales del arte popular, fusionándolos con una estética moderna que resulta a la vez impactante y familiar. El intrincado diseño de "Bloom" refleja el esplendor del mundo natural. Sin embargo, su estilo armoniza con el estilo urbano y contemporáneo propio del arte callejero. Las capas de color y diseño se combinan armoniosamente para cautivar la mirada del espectador, creando una danza rítmica que invita a reflexionar sobre la interconexión entre cultura, identidad y naturaleza. La convergencia de técnicas de arte urbano e imágenes pop en "Bloom" destaca la capacidad de Yerena para transitar entre mundos, fusionando el activismo comunitario con el arte convencional. Su obra no se limita a las paredes de las galerías; también resuena con la vibrante energía de las calles, donde el arte público se erige como un faro de comunidad y expresión individual. Cada pieza de esta serie de edición limitada ofrece una experiencia visual inmersiva, invitando a los espectadores a entablar un diálogo sobre la interacción entre la innovación artística y el patrimonio cultural. Con "Bloom", Yerena Montejano celebra el florecimiento de la diversidad en las expresiones artísticas, ya que cada impresión de la serie contribuye a la narrativa del arte mexicano-estadounidense dentro del contexto más amplio de los movimientos pop y de arte urbano.

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Tabla de skate Supreme Banner Deck de edición limitada. Diseño artístico de la marca Supreme. La patineta Supreme Banner, lanzada como parte de la primera semana de la colección Otoño/Invierno 2019 de Supreme, presenta una tabla con el mismo diseño gráfico: una fotografía del banner original de la tienda Supreme. Se lanzó el 22 de agosto de 2019.

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Impresiones de edición limitada de Nets con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada Fine Art de 290 g/m² de Marly Mcfly, artista de graffiti callejero y arte pop moderno. Edición limitada de 82 ejemplares, firmada y numerada, 2021. Tamaño de la obra: 18x18 pulgadas. Considero mi arte una mezcla de arte pop y arte urbano. Me inspiro en mi entorno e intento incorporar el siempre cambiante mundo de la cultura pop a mi obra. - McFly

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Esténcil de amantes, serigrafía de 10 colores, edición limitada impresa en papel de bellas artes por el artista Aiko, obra de arte pop contemporánea. Edición limitada de 40 ejemplares, firmada y numerada a mano con plantilla, 2016. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Me encanta crear imágenes relacionadas con momentos románticos, amantes y besos. Mis temas casi siempre giran en torno a historias románticas, parejas y chicas sexys en su día a día. Mi nombre, Aiko —uno de los nombres más comunes para chicas japonesas— significa amor. El amor ha sido mi tema central desde la infancia. Me ha apasionado crear arte desde que era pequeña. Siempre hacía arte para mí, mi madre, mi familia y mis compañeros de clase. Simplemente por diversión. Disfruto creando algo que nos haga sentir bien, algo bello que pueda compartir con todos. Algo lleno de amor. - Aiko

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Aquí, allá, en cualquier lugar. Impresión de archivo HPM de Chris RWK - Robots Will Kill. Edición limitada. Múltiples pintados a mano sobre papel MEDIANO. Obra de arte moderna de artista pop. 2023 Impresión HPM firmada y numerada, intervenida a mano. Edición limitada de 25. Tamaño de la obra: 11x14. Impresión artística de pigmento de archivo de un lindo robot en un campo de flores. "Aquí, allá, en cualquier lugar" de Chris RWK: Una fusión de fantasía y arte urbano «Aquí, allá, en cualquier lugar» es una impresión de archivo HPM (Hand Painted Multiple) del artista pop urbano Chris RWK, del colectivo Robots Will Kill. Esta edición limitada de 2023, firmada y numerada por el artista, forma parte de una serie exclusiva de tan solo 25 piezas. Con unas dimensiones de 28 x 35,5 cm, cada impresión está intervenida a mano, lo que hace que cada pieza sea única. La obra presenta un entrañable robot en medio de un campo de flores. Este motivo captura la inocencia lúdica característica del trabajo de Chris RWK, yuxtapuesta con la estética urbana y contemporánea del arte pop urbano. Esta pieza no es solo una obra de arte; es una narrativa que interpela al espectador dondequiera que se encuentre, evocando una sensación de alegría y asombro a través de la lente del arte urbano moderno.

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Madsaki- Mona Lisa 3 Dharma Green Edición Limitada Rara Obra de Arte en Lata de Pintura en Aerosol Crossover del famoso fabricante de pintura de graffiti Montana MTN. Lata de pintura en aerosol Mona Lisa 3, colores MNT 2021, lata de baja presión en estuche de madera y acrílico. Color: Verde Dharma, 400 ml. Edición limitada de 500 unidades. Lata de aerosol verde Dharma Mona Lisa 3 de Madsaki en arte pop callejero y graffiti El aerosol de pintura Mona Lisa 3 Dharma Green del artista japonés Madsaki es una pieza de colección de edición limitada, lanzada en 2021 como parte de la serie de artistas Montana Colors. Creada en colaboración con la icónica marca de pintura para graffiti Montana MTN, esta edición transforma un aerosol de 400 ml en una obra de arte que fusiona la pintura clásica con la estética cruda del arte urbano. La obra presenta la reinterpretación de la Mona Lisa por Madsaki, ejecutada en su característico estilo irreverente, con ojos borrosos y una sonrisa que gotea. Reconocido por desafiar los valores artísticos tradicionales a través de la parodia y la energía del graffiti, Madsaki reinventa uno de los retratos más reconocidos de la historia superponiéndole capas con su lenguaje visual de distorsión, repetición y sátira. Esta edición limitada a 500 unidades incluye un bote de pintura Dharma Green, presentado en una vitrina de madera hecha a medida, convirtiéndola tanto en una herramienta de pintura funcional como en un objeto escultórico contemporáneo. Fusión de estilo visual y conceptual La reinterpretación de la Mona Lisa por Madsaki es emblemática de su práctica artística, en la que recontextualiza obras canónicas de la historia del arte a través de una perspectiva influenciada por el grafiti. Su versión en la lata de Dharma Green muestra a la Mona Lisa con la mirada perdida y una sonrisa inquietante, plasmada con pintura negra que se extiende hacia abajo, evocando humor e inquietud. La pincelada imita líneas toscas de aerosol y textura dibujada a mano, celebrando la imperfección y la intensidad emocional por encima de la belleza tradicional. Esta versión impregnada de grafiti reemplaza la reverencia con energía cruda, transformando un ícono del Renacimiento en un símbolo pop moderno. Montana Colors utilizó tecnología de impresión de alta resolución para plasmar esta expresión en la forma cilíndrica, reforzando la unidad entre la narrativa visual del artista y la funcionalidad urbana del objeto. Cada lata funciona como un lienzo portátil, permitiendo a los coleccionistas tener en sus manos una versión de la audaz y provocadora declaración artística de Madsaki. Antecedentes del artista e innovación interdisciplinaria Madsaki, nacido en Osaka, Japón, y criado en Estados Unidos, es conocido internacionalmente por su habilidad para fusionar las bellas artes, el grafiti y la cultura pop. Su trayectoria incluye colaboraciones con galerías de Asia, Europa y Norteamérica. Aunque se formó en la Parsons School of Design de Nueva York, su voz artística se basa más en la subversión que en el formalismo. Con frecuencia pinta figuras del arte occidental y de los medios de comunicación, superponiéndolas con distorsiones emotivas y la estética del grafiti. Las obras de Madsaki suelen difuminar las fronteras entre la parodia y el homenaje, combinando la crítica con la celebración cultural. La obra «Mona Lisa 3» ejemplifica esta voz híbrida, que bebe de la historia del arte e inyectándole la energía cruda de la cultura urbana. Su participación en la serie Montana MTN representa una fusión de visión museística con materiales urbanos, expandiendo los límites del arte pop urbano y el grafiti. Valor coleccionable y presentación Cada lata de Mona Lisa 3 Dharma Green viene sellada con pintura de baja presión de Montana, rellenada en fábrica, y está presentada en una caja de madera y acrílico con la firma del artista. Esta doble presentación refuerza la condición de la pieza como objeto artístico y herramienta práctica para el grafiti. El diseño del envase, listo para exhibirse, eleva la lata más allá de su utilidad, conservando a la vez la relevancia cultural del aerosol como símbolo de resistencia, autonomía y creación. Al formar parte de una serie limitada de 500 unidades, se ha convertido en un objeto codiciado entre coleccionistas de arte urbano, arte pop y expresiones artísticas contemporáneas. La obra tiene un significado en la evolución de la cultura del aerosol, al encapsular la idea de que herramientas que alguna vez se consideraron parte de la contracultura pueden ser reivindicadas como obras de arte por derecho propio. La lata de aerosol Mona Lisa 3 de Madsaki desafía directamente la jerarquía de las bellas artes, utilizando el humor y la crudeza de sus formas para reinterpretar la historia bajo una nueva luz urbana.

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Pushead #5 100% y 400% BE@RBRICK Edición Limitada Figuras de Arte Coleccionables Urbanas de Vinilo 2020 Agotado. Se exhibe con caja. Una fusión excepcional de arte urbano contemporáneo y diseño coleccionable, el Pushead #5 BE@RBRICK es un testimonio del mundo del arte pop y callejero en constante evolución. Elaborado meticulosamente en 2020, este juguete de vinilo de edición limitada exhibe el genio del diseño y la innovación, capturando la esencia del arte moderno en una forma tangible. Con tamaños del 100% y el 400%, este set de BE@RBRICK cautiva a los espectadores con sus intrincados patrones, que combinan tonos azules y blancos, evocando una sensación de profundidad y movimiento. Estos diseños arremolinados, que recuerdan la imprevisibilidad del arte callejero y la energía cruda del grafiti, dan vida a la figura, convirtiéndola en algo más que una simple pieza de arte coleccionable que cuenta una historia. Concebida por Pushead, un nombre reconocido en el arte y el diseño, esta figura de vinilo refleja la visión única y el estilo distintivo del artista. La reputación de Pushead en el mundo del arte otorga a esta creación un mayor nivel de autenticidad y prestigio. Su exclusividad se ve reforzada por su disponibilidad limitada, convirtiéndola en una pieza codiciada tanto por coleccionistas como por amantes del arte. Aunque ya no se produce, el Pushead #5 BE@RBRICK sigue captando la atención, sobre todo cuando se exhibe con su caja original. Esta sirve como estuche protector y realza su valor como objeto de colección. Esta creación destaca en el vasto mundo de las figuras de arte urbano, ejemplificando la combinación perfecta de arte, diseño y coleccionismo.

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Selfie Gun Blue Serigrafía de Joan Cornellà Impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. Edición limitada de 250 ejemplares, firmada y numerada (2024). Tamaño de la obra: 16,14 x 22,44 pulgadas. Serigrafía. Serigrafía Selfie Gun Blue de Joan Cornellà Selfie Gun Blue es una serigrafía de 2024 del artista español Joan Cornellà, conocido por su crítica satírica e implacable de la vida moderna. Esta pieza de edición limitada, impresa a mano sobre papel de bellas artes, está firmada y numerada (de una edición de 250 ejemplares). Con unas dimensiones de 41 x 57 cm, la obra presenta un impacto visual contundente gracias a sus líneas nítidas, bloques planos de color y una composición que captura el humor absurdo característico de Cornellà. La imagen muestra a una figura sonriente sosteniendo un palo de selfie rematado no con un teléfono, sino con una pistola apuntándole directamente a la cabeza. El fondo azul cian brillante contrasta de forma impactante con el tono sombrío de la imagen, evocando la estética del diseño comercial a la vez que ofrece una crítica mordaz. Joan Cornellà y el extremismo satírico en el arte pop callejero y el grafiti Joan Cornellà, nacido en 1981 en Barcelona, ​​España, se ha consolidado como una figura clave en la evolución del arte pop urbano y el grafiti. Su lenguaje visual es inconfundible: personajes sonrientes, líneas caricaturescas y colores saturados sirven de vehículo para reflexiones mordaces, a menudo con un humor negro, sobre la sociedad. «Selfie Gun Blue» es un ejemplo paradigmático del enfoque de Cornellà: presenta una escena alegre que, al observarla con detenimiento, revela algo profundamente inquietante. Esta tensión entre estilo y contenido es un sello distintivo de su obra. En esta serigrafía, la fusión de un objeto cotidiano con un instrumento de violencia crea una perturbadora metáfora sobre la tecnología, la egolatría y la superficial cultura de la validación digital. Técnica y economía visual como herramientas subversivas La fuerza de la obra reside en su economía visual. No hay desorden, ni narrativa de fondo, ni explicación textual. Cada elemento del encuadre está calculado y es preciso. Cornellà utiliza la simplicidad como forma de sátira, despojando a sus personajes de individualidad al tiempo que intensifica su impacto simbólico. El traje, la sonrisa y la mirada vacía del hombre están representados en vibrantes colores primarios, reduciéndolo a un arquetipo. La pistola, representada en tonos grises y rosas apagados, contrasta fuertemente, pero se integra a la perfección en la composición. Esta serigrafía artesanal demuestra el dominio de Cornellà sobre la superposición de capas de color plano, un método clásico en la impresión artística ahora reinterpretado para la crítica contemporánea. Ironía moderna encapsulada a través del absurdo visual Selfie Gun Blue no es solo una broma visual; es una cruda reflexión sobre el distanciamiento social. Cornellà utiliza una estética alegre para criticar problemas del mundo real: el narcisismo, la insensibilización y la mercantilización de la identidad en los espacios digitales. A través del arte pop urbano y el grafiti, confronta al espectador con verdades incómodas ocultas tras las apariencias. Su obra ha tenido repercusión mundial, en galerías, libros e instalaciones públicas, porque obliga a confrontar los absurdos del comportamiento moderno utilizando las mismas señales visuales que se han vuelto familiares y confiables. Esta pieza, como gran parte del portafolio de Cornellà, exige no solo observación, sino también introspección, desafiando al espectador a cuestionar las implicaciones ocultas tras cada sonrisa filtrada.

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¡Viva Yalitza! Edición limitada de serigrafía a mano de 4 colores sobre papel de bellas artes de Ernesto Yerena, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 450 ejemplares , firmada y numerada , de 2020. Obra de arte de 18x24 pulgadas. Yalitza Aparicio, actriz de películas para televisión. Serigrafía de 18"x24", edición limitada de 450 ejemplares, firmada y numerada por Ernesto Yerena Montejano. Las ganancias se destinaron a la iniciativa de CIELO para apoyar a las personas indígenas indocumentadas afectadas por la crisis de la COVID-19 en el área de Los Ángeles.

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La obra de arte "The Dude" es una impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Rich Pellegrino. Edición limitada de 250 ejemplares, firmada y numerada en 2012, por Rich Pellegrino. Tamaño de la obra: 8,5 x 11 pulgadas.

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¡Qué pedazo de basura! - Serigrafía de edición limitada de 36x24 pulgadas, 5 colores, impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Doyle, famoso artista de arte pop. Edición limitada de 300 ejemplares, firmada y numerada (2016). Tamaño de la obra: 36 x 24 pulgadas. Tim Doyle «¡Qué pedazo de chatarra!» Serigrafía de 5 colores impresa a mano, firmada y numerada por el artista, 24" x 36". Firmada por el artista.

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Compra TITLE Arte de impresión de pigmentos de archivo de bellas artes de edición limitada en papel secante perforado. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XX Archival Pigment Print en papel secante perforado Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas Lanzamiento: 19 de abril de 2022 Las ediciones limitadas de papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey.

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La belleza de la libertad y la igualdad PP Printers Proof Austin Mural de Jon Furlong Off Set Lithograph Print Limited Edition Artwork on Fine Art Paper by Shepard Fairey X Sandra Chevrier, an urban graffiti pop street artist. Prueba de imprenta PP 2020 firmada por Shepard Fairey y Sandra Chevrier y marcada AP Impresión litográfica offset Tamaño de la obra 18x24 Belleza de la libertad Igualdad Impresión mural PP Austin de Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. "Este centenario histórico ofrece una oportunidad sin precedentes para conmemorar un hito de la democracia y explorar su relevancia para los problemas de igualdad de derechos en la actualidad. La Iniciativa del Centenario del Voto Femenino, una colaboración de instituciones, organizaciones y académicas centradas en la mujer de todo Estados Unidos, trabaja para garantizar que este aniversario y los 72 años de lucha para lograrlo se conmemoren y celebren en todo el país." -Shepard Fairey «La belleza de la libertad y la igualdad», de Shepard Fairey y Sandra Chevrier: Un mural de hitos democráticos «La belleza de la libertad y la igualdad» PP (Prueba de imprenta) es una evocadora litografía offset de Jon Furlong que captura la esencia de un mural de Shepard Fairey y Sandra Chevrier, dos figuras destacadas del arte urbano pop callejero. Esta impresión, parte de una edición limitada de 500 piezas firmadas y numeradas lanzada en 2020, mide 45,7 x 61 cm y constituye un testimonio de un momento significativo en la historia de la democracia: el centenario del voto femenino. La declaración de Shepard Fairey subraya la conexión de la obra con la iniciativa que conmemora el sufragio femenino y su continua relevancia para los problemas actuales de igualdad de derechos. Fairey, artista reconocido por su obra de fuerte contenido político, y Chevrier, conocida por sus impactantes narrativas visuales que a menudo exploran la política de género, colaboraron para crear un mural que celebra los logros históricos y, a la vez, recuerda las luchas que persisten. Como prueba de imprenta, la litografía tiene un estatus especial, reservándose a menudo para verificar la calidad final antes de imprimir la tirada completa. Los coleccionistas y aficionados al arte urbano pop y al grafiti valoran estas pruebas por su fidelidad a la intención original del artista y por la rareza que representan dentro de una serie de grabados. Fusión artística en "La belleza de la libertad y la igualdad" El mural, y por extensión la litografía, es una vibrante fusión del estilo gráfico y audaz de Fairey y el conmovedor retrato de Chevrier, envuelto en una paleta que capta la atención e invita a la reflexión. La composición en capas de la obra —un sello distintivo del enfoque de Fairey y Chevrier— combina texto, imágenes y simbolismo para transmitir una compleja narrativa sobre la lucha por la igualdad y la libertad. En consonancia con el espíritu del arte pop urbano, la pieza se fundamenta en su accesibilidad y su capacidad para comunicar mensajes poderosos a través del lenguaje visual del grafiti. Al dar vida a esta obra, Fairey y Chevrier han creado una pieza que celebra un centenario y ha elaborado un mensaje que resuena con el debate actual sobre derechos y representación. «La belleza de la libertad y la igualdad» es un diálogo visual sobre la continua evolución de la democracia y el papel del arte en la reflexión y la configuración de la conciencia pública. La impresión del mural "La Belleza de la Libertad y la Igualdad" de Jon Furlong, Shepard Fairey y Sandra Chevrier, es una valiosa contribución al panorama del arte pop urbano y su relación con el activismo social. Esta prueba de imprenta es una pieza de colección que no solo realza el ambiente estético de quienes la poseen, sino que también sirve como un conmovedor recordatorio del poder del arte para conmemorar, educar e inspirar el progreso continuo hacia la igualdad. A través de esta litografía, el mensaje del mural trasciende las fronteras de Austin, alcanzando una audiencia internacional y consolidando su lugar en la historia del arte pop urbano y el grafiti.

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La llamada oscura de Krampus: Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de Skinner, artista callejero contracultural. Skinner es un artista autodidacta que reside en Oakland, California, y que ha cultivado con meticulosidad un equilibrio entre murales extraordinarios, instalaciones extrañas y provocadoras, a la vez que mantiene una prolífica carrera comercial. Influenciado por la cultura pop de los 80, la lucha humana, los mitos y la violencia, las mazmorras y dragones, y las leyendas del heavy metal, la mente de Skinner es un caos psicosocial alimentado por una manipulación calculada.

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Compre la impresión de edición limitada de TITLE en ilustraciones modernas de artistas pop MEDIUM. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Archival Pigment Fine Art INFORMACIÓN

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Air Max 90 - GalactiDRIP Talla 12 Zapatillas de Arte, Edición Limitada, Coleccionable de Arte de Zapatillas del Artista Callejero Sierato Artisan Echelon en Nike. Edición limitada, hechas y pintadas a mano. Talla: 12 US para hombre. Auténticas Air Max 90 de piel en el estilo Sierato característico, con temática Galaxy y un estampado de goteo Freestyle South Beach pintado a mano desde el swoosh de Nike, único en cada unidad. Caja firmada. Nuevas, sin estrenar. Fusionando el dinámico mundo de la cultura sneaker con la vibrante estética cósmica, las Air Max 90 - GalactiDRIP representan un ejemplo impactante de cómo el arte urbano puede trascender los lienzos tradicionales y expresarse en el ámbito de la moda y el coleccionismo. Concebidas por el reconocido artista urbano Sierato, conocido por sus diseños audaces y expresivos, estas zapatillas de talla 12 US para hombre no son solo un par de zapatos, sino una obra de arte para vestir. Confeccionadas en cuero auténtico, garantizan la calidad esperada de las Nike Air Max 90 y un lienzo perfecto para el estilo característico del artista. El tema Galaxy de Sierato es un viaje visual por el espacio, plasmado en las zapatillas con un patrón de goteo estilo South Beach que fluye desde el icónico swoosh de Nike; un patrón único en cada par, convirtiendo cada zapatilla en una obra maestra original. Este enfoque de diseño refleja el espíritu espontáneo y a menudo improvisado del arte urbano, donde cada pincelada o gota de pintura enriquece la narrativa de la obra. Estas zapatillas de edición limitada, creadas por un artista de renombre en el mundo del calzado personalizado, representan un nicho donde convergen moda, arte e individualidad. Los coleccionistas de zapatillas artísticas se sienten atraídos por piezas como las GalactiDRIP por su estética única, la artesanía empleada y el mensaje que transmiten. Cada zapatilla es un testimonio de la visión del artista y su meticulosa atención al detalle, asegurando que quien las calza se adentre en una historia con cada paso. Las Air Max 90 - GalactiDRIP son un ejemplo de la expansión de los límites del arte pop y el arte urbano, donde artistas como Sierato están redefiniendo el significado de la creación y los espacios donde el arte puede existir. El arte, que ya no se limita a las paredes de las galerías ni a los paisajes urbanos, ha encontrado un lienzo dinámico y móvil, conectando con el público de una manera tanto personal como colectiva. Estas zapatillas artísticas difuminan las fronteras entre la utilidad y la maravilla estética, satisfaciendo a una comunidad en crecimiento que valora la intersección entre la expresión artística y la vida cotidiana.

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Razor Gun Edición Limitada Impresión Serigráfica de 5 Colores Tirada a Mano sobre Papel Mohawk Vellum Fine Art de 130 libras por Maximilian Wiedemann Artista Callejero de Grafiti Arte Pop Moderno. «Ante la cobertura mediática actual y la violencia estremecedora que se ha extendido por todo el mundo, sentí que era el momento de lanzar una obra contra las armas y el crimen. En un sentido más amplio, una declaración contra la violencia. ¡No aprietes el gatillo! Como se aprecia en el detalle, el gatillo es la navaja, lo que hace que disparar sea imposible o doloroso. Es un pequeño detalle en el arma que transforma por completo su significado. Todo lo que necesitas es amor. Este diseño y color se han realizado exclusivamente para 1XRUN. Esta idea se presentó por primera vez en Nueva York en 2011 en el Vanity Unfair Show; sentí que tiene más relevancia que nunca en la actualidad». - Maximilian Wiedemann

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Me encanta el graffiti. Pintura original acrílica sobre lienzo de lino de LushSux, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Pintura original de graffiti acrílico firmada, 2014, sobre lienzo tensado. Tamaño de la obra: 15,75 x 19,6 pulgadas. Texto: "I Love Graffiti". La esencia de "I Love Graffiti" de LushSux «I Love Graffiti», una impactante obra de LushSux, realizada en acrílico sobre lienzo de lino, captura la esencia del arte pop urbano y el grafiti con una audaz sencillez que dice mucho. Creada en 2014, esta pieza original firmada mide 40 x 50 cm y presenta la frase «I Love Graffiti». LushSux, artista urbano australiano conocido por su obra controvertida y a menudo humorística, utiliza esta pieza para expresar directamente su pasión por el grafiti, un sentimiento compartido por muchos dentro y fuera de la comunidad grafitera. El mensaje directo, reforzado por la elección del artista de representar el texto con un estilo que recuerda a las letras del grafiti, transmite una sincera apreciación por esta forma de arte, a la vez que alude a la compleja relación que la sociedad mantiene con el grafiti. Elementos estilísticos y comentarios culturales en la obra de LushSux El diseño de la obra, caracterizado por gruesos contornos negros rellenos de azul celeste, refleja la estética esencial del grafiti: audaz, legible a distancia y sin complejos. Este enfoque visual no es solo una elección artística, sino también un guiño a los orígenes del grafiti como forma de comunicación callejera, a menudo utilizada para transmitir mensajes o marcar territorio. El uso que hace LushSux de un lienzo de lino tensado como soporte para esta pieza eleva el acto tradicionalmente ilícito del grafiti al ámbito de las bellas artes, invitando a los espectadores a reconsiderar la distinción entre vandalismo y arte. La inclusión de una nota a pie de página sardónica, «siempre y cuando no esté en mi propiedad», añade una capa de comentario autocrítico, reconociendo la naturaleza polémica del grafiti como arte celebrado y, a la vez, como una molestia pública criticada. La contribución de LushSux al diálogo sobre el arte callejero Con «I Love Graffiti», LushSux contribuye al diálogo actual sobre el lugar del arte urbano en la cultura contemporánea. Al llevar una declaración de amor por el grafiti al espacio de la galería, el artista tiende un puente entre las expresiones crudas, a menudo no autorizadas, que se encuentran en los muros de la ciudad y la experiencia aséptica y curada de contemplar arte en entornos convencionales. Esta obra sirve como recordatorio de las raíces del arte pop urbano, arraigadas en el amor por la expresión audaz y el deseo de dejar huella en el mundo. Como artista pop moderno, LushSux transita la delgada línea entre la irreverencia y el homenaje, utilizando su plataforma para celebrar y, a la vez, analizar críticamente la forma de arte a la que ha dedicado su carrera. «I Love Graffiti» se erige como testimonio del atractivo perdurable del grafiti y su capacidad para provocar, inspirar y conectar con un público amplio.

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Alfabeto - Impresión serigráfica bicolor rosa, realizada a mano sobre papel de bellas artes, del artista Nate Duval. Obra de arte pop de edición limitada. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 8x10 pulgadas.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Tabla de multiplicar arquetipo 1 - Edición limitada turquesa Taos, serigrafía de 2 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Jacob Borshard, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Tabla de Multiplicar Arquetípica 1 Edición «Turquesa Taos». «La Tabla de Multiplicar Arquetípica de Creebobby Comics» es una práctica guía de referencia para la escuela, el trabajo o la industria. T-Rex Lincoln. Astronauta Zombi. Monstruo Ornitorrinco. ¡Aquí empezó todo! La clásica primera tabla de multiplicar se ofrece en una nueva edición de 100 láminas numeradas y firmadas por el artista, en un deslumbrante papel translúcido «Turquesa Taos». Medidas: 45,7 x 50,8 cm.

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Compre Alfabeto recortado a mano: serigrafía en dos colores tirada a mano en azul sobre papel de bellas artes del artista Nate Duval Obra de arte pop de edición limitada. 2014 Edición Limitada Firmada y Numerada de 35 Obras Tamaño 7.75x10

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Impresión giclée de edición limitada Green Nose en papel de algodón Hahnemuhle de 308 g/m² del artista moderno Mysterious Al. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2022). Tamaño de la obra: 23,62 x 23,62 pulgadas.

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Gulf Girl, edición limitada de impresiones de pigmento de archivo en papel de bellas artes de 310 g/m² de Camilo Pardo, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. El arte que Camilo Pardo ha creado a lo largo de los años está por todo Detroit. Una cantidad considerable de él se puede apreciar en nuestras autopistas a cualquier hora del día. Reconocido principalmente por su trabajo de diseño en el Ford GT, Camilo imprimió vitalidad a las curvas de acero y nos recordó que la primera combustión interna de un automóvil tiene lugar en la mente de un artista.

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Búsqueda del mundo POP Pop Street Artwork Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista moderno de graffiti urbano Naoshi. 2014 Firmado al dorso con rostro dibujado a mano Edición limitada de 100. 8,25 x 11,75 Basado en el arte de arena de Sunae.

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Edición limitada de arte de archivo con pigmentos de Los Simpson sobre papel de algodón Bauhaus de 310 g/m² del artista Ben Frost, arte pop callejero y grafiti. 2020. Edición limitada de 40 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 12 x 12 pulgadas. Ben Frost (n. 1975). Distanciamiento social, 2020. Impresión digital de archivo sobre papel Bauhaus Cotton Rag Stock. 12 x 12 pulgadas (30,5 x 30,5 cm) (hoja). La edición de 40 ejemplares está firmada y numerada a lápiz en el borde inferior y publicada por el artista. La intersección entre la cultura pop y el comentario social La obra de arte digital de archivo "Los Simpson en Distanciamiento Social" de Ben Frost, impresa con pigmentos, es un análisis incisivo de la sociedad contemporánea a través del prisma del arte pop urbano y el grafiti. Esta edición limitada, numerada y firmada, refleja el enfoque único y a menudo controvertido de Frost hacia su arte, fusionando iconos de la cultura pop con mensajes subversivos. Creada en 2020, "Los Simpson en Distanciamiento Social" es una obra impactante ambientada en el contexto de una pandemia global, una época en la que el distanciamiento social se convirtió en una constante. Al incorporar un personaje conocido de "Los Simpson", Frost conecta con la conciencia colectiva y reflexiona sobre el impacto de los cambios sociales en la cultura popular. La elección de la impresión digital de archivo sobre papel Bauhaus Cotton Rag Stock, un material de alta calidad, garantiza la preservación de la viveza de la obra y la precisión de sus detalles. La imagen del personaje de Los Simpson yuxtapuesta con una etiqueta farmacéutica revela el estilo de Frost, que a menudo implica la fusión de elementos dispares para crear una declaración visual impactante pero que invita a la reflexión. Esta lámina de 12 x 12 pulgadas es un cuadrado perfecto que captura la esencia de la declaración artística de Frost: una crítica al consumismo, la salud mental y la industria farmacéutica. El estilo característico de Ben Frost La obra de Frost se caracteriza por su firme disposición a confrontar y desafiar al espectador con verdades incómodas sobre la vida moderna. En «Los Simpson en distanciamiento social», la colisión entre el mundo de los dibujos animados y la cruda realidad de la medicación interpela a una generación que encuentra consuelo en la nostalgia mientras lidia con las ansiedades actuales. Con una edición limitada de 40 ejemplares, la obra se convierte en una pieza de coleccionista, una instantánea de una era definida por el aislamiento y la búsqueda de conexión. Reflejo del arte pop callejero y el grafiti La obra de Frost refleja el arte pop callejero y el grafiti por su franqueza y el uso de un lenguaje visual inmediato y accesible. La incorporación de la estética del arte callejero a las impresiones artísticas difumina las fronteras entre el arte culto y las expresiones más democráticas en entornos urbanos. «Los Simpson en distanciamiento social» es un testimonio del poder de este género para comunicar más allá de las palabras, ofreciendo una crítica visual universal y profundamente personal. En resumen, «Los Simpson en distanciamiento social» de Ben Frost es más que una obra de arte; es un comentario sobre la época, un espejo que refleja las complejidades y contradicciones de la vida contemporánea. Mediante su magistral fusión de referencias a la cultura pop con una incisiva crítica social, Frost se consolida como una voz relevante en el arte pop callejero y el grafiti. Esta pieza, en particular, constituye un conmovedor recordatorio de 2020, capturando la esencia de un momento que ha dejado una huella imborrable en la sociedad.

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Objeto de arte de cereal Monsters Boo Berry de Kaws - Brian Donnelly, edición limitada, pieza de colección de diseño del artista pop. Cereal de desayuno Boo Berry Ghost de General Mills, estilo Kaws. 2022. Ya no se fabrica. Producto sin abrir. No apto para el consumo humano. Tamaño: 7,5 x 10 cm. No ingerir. Objeto de arte de cereales Monsters Boo Berry de Kaws La obra de arte Monsters Boo Berry Cereal Object Art de Kaws, también conocido como Brian Donnelly, es una pieza de colección de edición limitada que fusiona la estética nostálgica de la marca con la audaz y moderna estética del arte pop urbano. Lanzada en 2022, esta pieza única transforma una clásica caja de cereales en una obra de arte, presentando al icónico fantasma Boo Berry reimaginado con el estilo característico de Kaws. Con unas medidas de 19 x 25,4 cm, esta caja de cereales sin abrir ya no se fabrica y se clasifica como objeto de colección, no apto para el consumo. Una fusión de nostalgia y arte contemporáneo Esta obra se inspira en la rica historia cultural del cereal Boo Berry, una querida marca de General Mills lanzada en 1973 como parte de su línea de cereales con temática de monstruos. Al incorporar su reconocible diseño de fantasma con ojos en forma de X, Kaws revitaliza esta imaginería nostálgica para un público contemporáneo. El vibrante empaque conserva los elementos clásicos de la marca Boo Berry, añadiendo el inconfundible estilo artístico de Kaws, fusionando a la perfección el diseño comercial con las bellas artes. Esta yuxtaposición de lo lúdico y lo sofisticado es un sello distintivo del trabajo de Kaws, lo que convierte a esta pieza en una obra accesible y altamente coleccionable. La visión de Kaws Brian Donnelly, conocido artísticamente como Kaws, es un artista de renombre internacional famoso por su trabajo que fusiona el arte pop urbano y el grafiti. Su carrera comenzó en el grafiti y posteriormente se expandió a las bellas artes, la moda y el diseño. Kaws es reconocido por su habilidad para transformar objetos y personajes cotidianos en audaces expresiones artísticas. Su característico uso de ojos en forma de X y formas inspiradas en dibujos animados critica la cultura de consumo a la vez que celebra su lenguaje visual. La obra "Monsters Boo Berry Cereal Object Art" ejemplifica esta dualidad, transformando un producto de consumo masivo en una pieza de arte coleccionable de edición limitada que desafía los límites de lo que puede ser el arte. Una pieza de colección rara Esta caja de cereales sin abrir, del año 2022, es una pieza de colección rara y muy codiciada. Ya no se fabrica y representa una singular fusión entre el empaque de alimentos y las bellas artes, convirtiéndola en una adición ideal para cualquier colección de arte pop urbano o de objetos de colección de Kaws. La caja, si bien es un objeto de arte, incluye una advertencia clara de que no es apta para el consumo humano, enfatizando su función como artefacto visual y conceptual más que como producto de consumo. Su tamaño compacto permite una exhibición versátil, ya sea en un estante, en una vitrina o como parte de una colección de arte. La obra "Monsters Boo Berry Cereal Object Art" de Kaws encapsula el enfoque innovador del artista para reimaginar objetos cotidianos como arte. Al fusionar la cultura de consumo nostálgica con la estética del arte pop urbano, esta pieza de colección transforma una humilde caja de cereales en una audaz declaración de intenciones, que encarna el espíritu creativo de Kaws y su contribución al arte contemporáneo.

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Cornbread The Legend - Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo azul y amarillo sobre papel de bellas artes del artista de graffiti callejero pop moderno Cornbread - Darryl McCray. 2021 Cornbread The Legend (Azul Amarillo) 50,8 x 41,9 cm (20" x 16,5") Impresión de edición limitada: Papel de pigmento de archivo: Papel de bellas artes Tamaño: 50,8 x 41,9 cm (20" x 16,5") Edición limitada de 7 ejemplares Firmada y numerada a mano por el artista

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Just Future Rising, serigrafía de edición limitada a cuatro colores impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone de Shepard Fairey. Arte callejero raro. Artista de arte pop OBEY. 2021 Firmado y numerado, Just Future Rising 18 pulgadas por 24 pulgadas Edición de 450 23 de junio de 2021 «Creé esta ilustración para la portada “VOTA” de la revista Time justo antes de las elecciones de 2020. En aquel momento, quise abordar la situación tan particular que atravesábamos como país, enfrentando la pandemia de la COVID-19, la agitación social en torno a la brutalidad policial y la discriminación racial, la supresión del voto y una profunda división política. Seguimos enfrentándonos a todos estos problemas, aunque el desarrollo de las vacunas contra la COVID-19 ha mejorado significativamente la seguridad pública y ha beneficiado la lucha para erradicar la pandemia. En esta ilustración, el símbolo rebelde, generalmente tan claro como el pañuelo que cubre el rostro, adquiere un significado diferente durante la pandemia, convirtiéndose en un emblema de seguridad, respeto por los demás y una señal de que quien lo porta cree en la ciencia». -Shepard Fairey «Just Future Rising» es una impactante serigrafía de Shepard Fairey, artista reconocido por su profundo impacto en el arte urbano y pop a través de la serie OBEY. Esta obra de edición limitada, de 45,7 x 61 cm, se lanzó el 23 de junio de 2021 en una serie numerada de 450 piezas. Cada impresión se realiza a mano, utilizando cuatro colores sobre papel fino con motas, lo que resalta el estilo característico de Fairey que fusiona el arte con la crítica social. Esta pieza es una extensión de su compromiso con los problemas contemporáneos, ya que acompañó inicialmente la portada «VOTE» de la revista Time, creada en el período previo a las elecciones de 2020. La obra de Fairey refleja constantemente temas de activismo político y crítica cultural, y «Just Future Rising» es una vívida representación de ese espíritu. La imagen refleja el clima turbulento de su creación: una nación que lucha contra la pandemia de COVID-19, la convulsión social derivada de la injusticia racial, los desafíos a la democracia por la supresión del voto y una profunda polarización política. En esta obra, la imagen de una mujer con un pañuelo que le cubre el rostro simboliza una narrativa multifacética: transforma un símbolo tradicional de rebeldía en un símbolo de seguridad y solidaridad ante una crisis de salud pública. El pañuelo, adornado con intrincados diseños, lleva una insignia que dice «El futuro está por escribir», reforzando el mensaje de que el cambio es posible y el futuro está en manos del pueblo. La decisión de Fairey de representar el pañuelo, un ícono rebelde clásico, como una mascarilla protectora denota un profundo cambio en los símbolos culturales a raíz de la pandemia. Refleja respeto por la ciencia y un reconocimiento del esfuerzo colectivo necesario para superar la crisis. La obra trasciende la mera estética, encarnando el mensaje de que preocuparse por la comunidad y ser considerado con la salud pública son ahora actos de rebeldía en sí mismos. Esto resuena profundamente con el compromiso de larga data del artista de usar su arte para apoyar el cambio social y político. En el portafolio de creaciones de Shepard Fairey, "Just Future Rising" no es solo una obra de arte pop; es un artefacto cultural nacido de una era definida por la agitación y un llamado a la acción. Se erige como un recordatorio del poder del arte para influir en el discurso, inspirar la acción y reflejar las complejidades de la experiencia humana en tiempos de adversidad.

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