Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Impresiones artísticas de edición limitada de Science Mage en papel de algodón 100% de calidad de archivo, del artista de arte callejero y cultura pop Ben Kehoe. 12" x 10" incluyendo un borde blanco de 1". Impreso en papel Innova Smooth Cotton de 315 g/m², blanco intenso, 100% algodón. Firmado y numerado.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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¡Nuevo! Impresión artística de edición limitada con pigmentos de archivo en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista Adam Caldwell. Obra de arte moderna. Edición limitada de 2022, firmada y numerada (20 ejemplares). Tamaño de la obra: 17 x 14 pulgadas. ¡Nuevo! • Impresión pigmentada de archivo autografiada • Impresa en papel de archivo Moab Entrada Rag Bright de 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pulgadas) Firmada y numerada a mano por el artista Adam Caldwell en una edición limitada de 20 ejemplares

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Obra de arte del Sombrerero Loco, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Leslie Ditto.

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Luchando con Faile Block. Impresión de archivo de Faile. Edición limitada en papel de algodón Entrada Rag Fine Art Paper de 290 g/m² con bordes irregulares. Obra de arte moderna de artista callejero de graffiti pop. 2023 Impresión firmada y numerada Edición limitada de 250 Tamaño de la obra 12x16 Pigmento de archivo Bellas Artes Lucha libre Luchador pasando el rato con su amigo un oso de peluche gigante con arcoíris. Explorando el vibrante nexo de la cultura en la impresión de archivo "Wrestling With Faile Block" de Faile «Luchando con Faile Block» es una impactante impresión de archivo del colectivo artístico Faile, sinónimo de la innovadora fusión entre el grafiti pop y el arte urbano. Esta pieza de edición limitada de 2023, firmada y numerada, con solo 250 copias, es testimonio de la posición única de Faile en el mundo del arte moderno. Con unas dimensiones de 30,5 x 40,6 cm e impresa en papel de bellas artes Cotton Entrada Rag de 290 g/m² con textura irregular, esta obra captura la esencia del arte pop urbano y el grafiti mediante un delicado proceso artístico con pigmentos de archivo, garantizando la viveza de sus colores y la nitidez de sus imágenes para la posteridad. La pieza presenta una intrigante escena: un luchador en un momento de reposo con un oso de peluche gigante sobre un fondo de arcoíris. Esta yuxtaposición entre la fuerza y ​​la musculatura del luchador y la inocencia y ternura del oso de peluche crea un atractivo contraste característico del trabajo de Faile. La imagen está enmarcada por la sugerencia lúdica de la portada de una revista de lucha libre, repleta de titulares satíricos y comentarios ingeniosos que enriquecen la narrativa de la obra. En "Wrestling With Faile Block", el colectivo aprovecha el lenguaje visual del cómic, la publicidad y la cultura pop, reinterpretándolos para celebrar y criticar estos medios. La inclusión del arcoíris, símbolo de paz y diversidad, en este contexto de lucha libre —un deporte conocido por su agresividad y combatividad— invita a múltiples interpretaciones, desde la reconciliación de fuerzas opuestas hasta la celebración de amistades inesperadas. El enfoque artístico de Faile se caracteriza por el deseo de derribar las barreras entre la alta y la baja cultura, fusionando la accesibilidad del arte callejero con la exclusividad del arte de galería. Su obra suele presentar una narrativa textual y visual abierta a la interpretación, animando al espectador a interactuar con ella en múltiples niveles. El papel de bellas artes Cotton Entrada Rag añade una cualidad táctil a la impresión, enfatizando la fisicalidad del tema y la técnica del grabado. Como gran parte de la obra de Faile, esta pieza está profundamente arraigada en el contexto del arte pop urbano y el grafiti. Las raíces del colectivo en las calles influyen en sus elecciones estéticas y exploraciones temáticas, permitiéndoles crear arte que refleja la vida urbana y comenta problemáticas sociales más amplias. A través de obras como "Wrestling With Faile Block", continúan contribuyendo al diálogo sobre el valor y el potencial del arte urbano dentro del canon del arte contemporáneo. Los coleccionistas de la obra de Faile pueden apreciar la intrincada superposición de capas, la interacción entre texto e imagen y las referencias culturales que caracterizan sus grabados. "Wrestling With Faile Block" no es solo una obra de arte; es un artefacto cultural que captura el espíritu de su tiempo, una instantánea de la narrativa en evolución del arte pop urbano y el grafiti. Se erige como un vibrante ejemplo de cómo estas formas de expresión artística pueden trascender sus orígenes para generar un impacto duradero en el panorama del arte moderno.

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Tabla de skate Al Green Deck de edición limitada, con diseño de la marca Supreme. Tabla de skate Supreme FW22 2022 con chapa de madera natural y capa superior negra. Gráfico impreso en la parte inferior y logotipo de World Famous y de la caja impresos en la parte superior.

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¡Hurra por el café! Serigrafía artesanal de dos colores sobre papel de bellas artes del artista Nate Duval. Obra de arte pop de edición limitada. Edición limitada firmada de 60 ejemplares (2014). Tamaño de la obra: 8x10 pulgadas.

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Diseño de tabla de skate Playboy Tokyo Rabbit Head Limited Edition Silkscreen, obra del artista de la cultura pop urbana Color Bars X Playboy. Monopatín con el logo de la Cabeza de Conejo inspirado en el Club Playboy de Tokio de 2021.

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Peanuts: Marbles 400% BE@RBRICK Edición Limitada Medicom Figura de Arte Coleccionable de Vinilo En 2021, Marbles, el hermano más inteligente de Snoopy, también tiene su propia figura Bearbrick. Sus principales características son sus manchas marrones, que lo diferencian de los demás perros de la serie Peanuts. Esta figura Bearbrick, de 400% de grosor, mide 28 cm / 11 pulgadas de alto.

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Chicas con estrellas en el pelo 1. Obra de arte Giclée, impresión de edición limitada en papel grueso de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Gene Guynn.

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Lanzamiento de una pintura al óleo original sobre tabla, enmarcada con ornamentación, del artista surrealista Naoto Hattori. 2011 Firmado y fechado al dorso. Óleo original único. Enmarcado. Medidas del marco: 9,5 x 13,75 pulgadas. Medidas de la imagen: 3 x 3 pulgadas. Marco dorado ornamentado hecho a medida por el artista. Se presenta la pintura al óleo original de Naoto Hattori.

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Burger Skull - Edición limitada a color. Serigrafía de 6 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Joe King, artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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Spacewalker: Ninja Star- Wars Edición Limitada Obra de Arte Graffiti Impresión Litográfica Offset en Papel de Bellas Artes del Artista de Tema Asiático Steve Bialik. Edición limitada numerada a mano de 450 ejemplares, 2022. Tamaño: 11 x 27 pulgadas.

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¡Más cerebros! Edición limitada de serigrafía manual de 4 colores con efecto degradado sobre papel de bellas artes, por John Smith, artista callejero de graffiti y arte pop moderno. "¡Más cerebros!" su retrato de Tarman para la exposición Iconos del Horror de la Galería Guzu, 2014. Edición numerada y firmada de 50 ejemplares de 12" x 16".

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Impresión en papel secante de alta costura de Gucci por Denial - Edición limitada de Daniel Bombardier. Impresión artística de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Edición limitada de 35 ejemplares, firmada y numerada, de 2024. Impresión de pigmento de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2024. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey. Estampado de papel secante Gucci de alta costura por Denial High Fashion Gucci by Denial, también conocido como Daniel Bombardier, fusiona con audacia los códigos visuales de las marcas de lujo con la rebeldía del arte pop urbano y el grafiti. Esta edición limitada, lanzada en 2024 como parte de una tirada de 35 ejemplares, mide 19 x 19 cm y está realizada con tintas pigmentadas de archivo sobre papel secante perforado. Cada pieza, perforada a mano por Zane Kesey, constituye tanto un homenaje a la historia contracultural como una aguda crítica cultural. El uso del papel secante como lienzo por parte de Denial subraya un mensaje más amplio sobre el escapismo, el consumismo y la manipulación de la imagen en la sociedad moderna. El lujo reinventado a través de una lente subversiva Centrada en el icónico logo de Gucci y sobre un fondo con un patrón repetitivo de la marca, la obra incluye una serpiente enroscada roja, negra y blanca que se desliza por la superficie. La fusión visual de opulencia y peligro causa una impresión impactante. Esta serpiente simbólica —asociada desde hace mucho tiempo con la tentación, la rebeldía y la transformación— intensifica la tensión entre el deseo del consumidor y la conciencia crítica. Denial no distorsiona la marca; al contrario, la amplifica, obligando al espectador a interactuar con la familiaridad del logo en un contexto completamente diferente. El uso mismo del papel secante, históricamente vinculado a las sustancias psicodélicas, añade capas de metáfora sobre la percepción, la transformación y la ilusión cultural. Gucci y la estética del poder La identidad visual de Gucci se ha convertido en sinónimo de estatus y aspiración, y esto es precisamente lo que cuestiona «Denial». En un mundo donde los logotipos a menudo tienen mayor peso cultural que los propios productos, el artista centra la atención en la maquinaria del branding y su influencia sobre la identidad y la expresión. A través del prisma del arte pop urbano y el grafiti, esta obra hace que los motivos característicos de Gucci sean accesibles, pero también provocativos. Convierte la moda en un formato de crítica en lugar de celebración, mostrando cómo la estética del lujo puede ser apropiada y reinterpretada como iconografía contemporánea. Comentario continuo de Daniel Bombardier Denial continúa explorando las relaciones entre los medios de comunicación, el branding y el comportamiento cultural. Conocido por fusionar paletas de colores vibrantes con imágenes subversivas, su estampado High Fashion Gucci ofrece tanto satisfacción visual como un significado profundo. Al trabajar sobre papel secante perforado, refuerza una historia táctil de movimientos underground y contranarrativas. Esta obra se inscribe dentro de la trayectoria de Denial, que busca difuminar la línea entre el arte comercial y la crítica social. No se trata simplemente de un guiño estilizado a la alta costura, sino de una deconstrucción urbana de la ilusión consumista. Cada punto, logotipo y símbolo exige una segunda mirada, no por lo que vende, sino por lo que cuestiona.

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El Halcón del Mar - Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en negro con serigrafía negra sobre papel de bellas artes de 310 g/m² por Stinkfish, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Encontré esta revista en una librería de segunda mano en el centro de Bogotá. Usé un rotulador fino de tinta tradicional sobre la portada. Es una revista chilena de 1959. Suelo dibujar sobre este tipo de superficies, como discos antiguos y portadas de revistas. Está inspirada en mi arte callejero; trabajo retratos combinados con estilos a mano alzada y pintura en aerosol. - Stinkfish

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Ciara Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Eva Redamonti Arte de la cultura pop y el LSD. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel secante perforado. Tamaño: 7,5 x 7,5 pulgadas. Lanzamiento: 19 de abril de 2021. Las ediciones limitadas en papel secante están perforadas a mano por Zane Kesey y pueden variar ligeramente del ejemplo mostrado.

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Edición limitada de impresión artística After Rain Archival Pigment Fine Art en papel de bellas artes de 310 g/m² del artista Naoto Hattori, leyenda del graffiti y el arte pop callejero. Edición limitada de 30 ejemplares, firmada y numerada. Impresión de pigmentos de archivo sobre papel artístico de 310 g/m². Tamaño: 40,6 x 50,8 cm (16 x 20 pulgadas). Lanzamiento: 11 de abril de 2016. Tirada: 30 ejemplares. "Me gusta el cielo despejado después de la lluvia. Todo es refrescante con el aire limpio y el olor a tierra. A veces siento la mente nublada y lluviosa, pero siempre se disipa y puedo ver un ángel en mi mente, como la primera estrella del atardecer." - Naoto Hattori

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Obra de arte Trippinfrog: Impresión giclée de edición limitada, surrealista, en papel de bellas artes 100% algodón, enmarcada en bronce, del artista de graffiti de la cultura pop Naoto Hattori. 2014 Firmado por Naoto Hattori y Edición Limitada Numerada de 50 Tamaño de la obra 6x8 en Marco bronceado Tamaño 8x10. Explorando el mundo surrealista de la obra Trippinfrog de Naoto Hattori El ámbito del arte contemporáneo está en constante evolución, fusionando diversos géneros y formas para crear nuevas expresiones que desafían y deleitan los sentidos. En este rico tapiz, Naoto Hattori destaca como artista de graffiti de la cultura pop, cuya obra infunde los elementos fantásticos del surrealismo con la energía vibrante y rebelde del arte pop urbano y el graffiti. Una de las creaciones más notables de Hattori es la obra «Trippinfrog», una impresión giclée de edición limitada que ha cautivado al público con sus intrincados detalles, su composición imaginativa y su impactante estética. Esta pieza es más que un simple deleite visual; es una expedición a una dimensión onírica donde las leyes convencionales de la naturaleza y la física no rigen. Lanzada en 2014, la edición limitada de «Trippinfrog» es un testimonio del dominio que Hattori tiene de su técnica y de su capacidad para traducir el subconsciente en una forma tangible. Cada una de las cincuenta láminas de esta serie limitada está firmada por Naoto Hattori, lo que le confiere un toque personal muy apreciado por coleccionistas y admiradores del arte pop urbano. El tamaño de la obra, de 15 x 20 cm, es modesto, pero su fuerza visual es tal que invita al espectador a contemplarla con detenimiento. En contraste, el marco bronceado de 8x10 pulgadas complementa y enmarca la obra sin eclipsar su complejidad. Las impresiones de edición limitada se realizan en papel de bellas artes 100% algodón, una elección de material que refleja la calidad y durabilidad de la obra. Este tipo de papel es apreciado por su capacidad para conservar el color y el detalle, asegurando que se preserve cada matiz de la visión de Hattori. El uso de un marco bronceado enriquece aún más la experiencia visual, añadiendo un toque clásico que contrasta con la naturaleza moderna y vanguardista de la obra. El estilo característico de Naoto Hattori El estilo de Naoto Hattori es una mezcla única que oscila entre lo caprichoso y lo grotesco, sello distintivo de su visión artística. «Trippinfrog» es un ejemplo perfecto de ello, donde lo surrealista y lo real colisionan en una danza de colores, formas y figuras. La obra presenta una amalgama de elementos —ojos, tentáculos y formas amorfas— que emanan en espiral de una criatura central con forma de rana, la cual parece desintegrarse y recomponerse simultáneamente. Esta imaginería paradójica es un elemento básico del arte pop urbano y el grafiti, donde lo inesperado se convierte en la norma, y ​​se invita a los espectadores a interpretar las obras desde su propia perspectiva. Los colores que Hattori eligió son a la vez terrosos y etéreos, creando un contraste fascinante. El fondo de «Trippinfrog» evoca un paisaje sereno, una marcada yuxtaposición al caos que encarna la figura central. Esta dualidad podría interpretarse como un comentario sobre la naturaleza de la existencia: armoniosa y caótica, ordenada e impredecible. La obra de Hattori invita al espectador a considerar estas dualidades no como opuestas, sino como complementarias. El impacto cultural del arte pop callejero y el grafiti Obras como «Trippinfrog» son piezas esenciales en la narrativa del arte pop urbano y el grafiti, géneros que han cobrado gran relevancia y reconocimiento en el mundo del arte. Estas expresiones artísticas se fundamentan en la expresión de la identidad cultural, la crítica social y el deseo de romper con los modos tradicionales de presentación artística. Suelen verse en muros públicos, galerías y colecciones privadas, dando voz a quienes no la tienen y sirviendo de lienzo para los marginados. La obra de Naoto Hattori, en particular «Trippinfrog», encaja a la perfección en esta narrativa. Ofrece una vía de escape visual y un viaje introspectivo a quienes la contemplan. Su carácter de edición limitada la convierte en una pieza exclusiva del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos, erigiéndose como un referente cultural de este momento en la historia del arte. Los coleccionistas y admiradores de la obra de Hattori no solo adquieren una pieza de arte, sino que preservan un fragmento del espíritu cultural de la época. La obra «Trippinfrog» de Naoto Hattori es una pieza cautivadora que atestigua el poder innovador y transformador del arte pop urbano y el grafiti. Su edición limitada en papel de bellas artes, la firma del artista y su presentación en un marco de bronce contribuyen a su atractivo y significado. La habilidad de Hattori para fusionar lo surrealista con lo urbano, lo onírico con lo tangible, sitúa a «Trippinfrog» entre las obras más destacadas que siguen moldeando e inspirando la trayectoria del arte moderno.

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Chop Til You Drop, edición limitada de serigrafía artesanal en tinta dorada metálica de 3 colores sobre papel grueso de bellas artes, por Burrito Breath x Hanks Cycles. Arte callejero raro. Artista famoso de arte pop.

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Bearbrick Karimoku Rosewood Paint 1000% BE@RBRICK Juguete de arte de madera hecho a mano extremadamente raro, fabricante de muebles japonés, escultura Bearbrick de arte fino. Obra de arte de edición limitada en madera estampada, extremadamente rara, de 2021. Se exhibe en caja en perfecto estado. Caja de madera personalizada y Bearbrick nuevos y sin abrir, de los famosos artistas japoneses de Karimoku. Karimoku, maestro de la madera en Japón, es un referente en el diseño de muebles y ahora también en figuras de lujo tras una colaboración con Medicom. La artesanía de Karimoku El Bearbrick de Karimoku, pintado en madera de palisandro y 1000% BE@RBRICK, es un paradigma del arte pop urbano contemporáneo y el grafiti, que fusiona la artesanía tradicional con la cultura del juguete moderna. Esta obra maestra, creada en 2021, forma parte de una colección exclusiva elaborada por las manos expertas de Karimoku. Karimoku es una marca de renombre en el sector del mueble japonés por su diseño y calidad excepcionales. La transición de Karimoku de la fabricación de muebles a la creación de delicadas figuras artísticas, gracias a una colaboración con Medicom Toy Corporation, se ha visto marcada por el lanzamiento de este juguete de madera artesanal de edición limitada. La reputación de Karimoku como maestro de la madera en Japón está consolidada, con décadas de experiencia en la producción de muebles de alta calidad. Su incursión en el mundo de los juguetes artísticos con el Bearbrick 1000% BE@RBRICK pintado en madera de palisandro es una prueba de su versatilidad y compromiso con la excelencia. Cada pieza lleva un sello con un identificador único, que certifica la autenticidad y la exclusividad de la obra. Esta edición limitada de BE@RBRICK, al igual que sus predecesoras, es un artículo de colección muy codiciado, no solo por los entusiastas de los juguetes sino también por los conocedores de las bellas artes. Figuras de lujo como artefactos modernos El BE@RBRICK de Karimoku es más que un juguete; es una figura de lujo que fusiona el arte de vanguardia con la cultura urbana. La perfecta combinación de la maestría de Karimoku en el trabajo de la madera con el icónico diseño BE@RBRICK de Medicom ha dado como resultado una escultura que, a la vez que rinde un homenaje a la cultura del coleccionista, es una pieza de arte pop urbano y grafiti de gran calidad. El Bearbrick, conocido por su forma sencilla de oso, se realza gracias al sofisticado acabado en palisandro de Karimoku, que le confiere un aire de elegancia y exclusividad. La rica veta de la madera y la superficie pulida de la escultura reflejan la meticulosa atención al detalle y la gran habilidad empleada en su creación. Coleccionabilidad y significado cultural La exclusividad del Bearbrick Karimoku Rosewood Paint se ve reforzada por su presentación. Se exhibe en una caja de madera hecha a medida, lo que denota el cuidado y el prestigio con que se tratan estas piezas de arte. Esta caja sin abrir, junto con el perfecto estado del propio Bearbrick, garantiza su estatus como pieza de colección impecable. La obra de arte establece un diálogo entre la artesanía tradicional japonesa y la cultura pop contemporánea, uniendo pasado y presente, arte y comercio. Coleccionistas y amantes del arte se sienten atraídos por el BE@RBRICK por su relevancia cultural y valor artístico, así como por ser un símbolo de lujo moderno. Fusión artística en el arte pop callejero y el grafiti El BE@RBRICK de Karimoku es una pieza de colección y una obra de arte significativa dentro del arte urbano pop y el grafiti. Representa la fusión de diversos mundos artísticos: la meticulosa artesanía de la madera japonesa, la estética audaz y accesible del arte urbano y los elementos lúdicos del arte pop. Este Bearbrick se erige como un ícono cultural, encapsulando la esencia del arte moderno donde convergen funcionalidad, arte y espíritu lúdico. Su existencia como juguete funcional convertido en objeto de arte desafía las nociones tradicionales del arte, invitándonos a reflexionar sobre el valor y el significado de los objetos en nuestro mundo contemporáneo. El Bearbrick Rosewood Paint de Karimoku, 1000% BE@RBRICK, es una valiosa adición al arte urbano pop y al grafiti. Representa la armoniosa combinación de la artesanía de alta gama con el espíritu crudo y enérgico del arte urbano, convirtiéndolo en una pieza preciada para coleccionistas de arte y entusiastas de la cultura pop contemporánea. La rareza de esta pieza, junto con su impecable estado de conservación y presentación, la convierten en un objeto singular y codiciado que trasciende los límites habituales del arte y el coleccionismo. Es un testimonio tangible de la naturaleza cambiante del arte en la era moderna, donde cada objeto tiene el potencial de convertirse en un lienzo para la expresión creativa.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Nunca mires atrás 3. Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Andrew Bell.

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I Wonder Artwork, impresión giclée de edición limitada surrealista en papel de bellas artes 100% algodón del artista de graffiti de la cultura pop Naoto Hattori.

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Compre The Crawler- Black Limited Edition Hand Pulled 2-Color Print Print en papel Arches Rag de 290 g / m2 con bordes adornados por Cleon Peterson, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Las copias de Cleon Peterson son una edición de 150. Realizadas en junio de 2017, están firmadas y numeradas por el artista. Formato : 20 x 26,75 pulgadas (50,8 x 66 cm). El mundo de Cleon Peterson está lleno de crueldad despiadada, libertinaje caótico y una lucha interminable para subvertir el poder y la opresión. Sus composiciones simples conllevan connotaciones complejas y una crítica inquietante de la creciente privación de derechos, aislamiento y desesperación de la sociedad. Mirando su trabajo, uno puede entender fácilmente que el artista no aboga por la violencia, que él, en cambio, utiliza como arma en la batalla contra la apatía.

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Compre El faraón enmascarado Impresión de serigrafía de edición limitada de polvo de diamante tirado a mano en 3 colores sobre papel de papiro egipcio por Marwan Shahin Rare Street Art Famoso artista de arte pop. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 20 tamaño 14x17.5 y "NFT" "Shahin Studios se complace en presentar The Masked Pharaoh Papyrus de Marwan Shahin. La obra de arte se creó por primera vez durante el confinamiento durante la pandemia de Covid-19, imaginando a TutAnkhAmoun manteniéndose a salvo y protegiéndose de la plaga moderna. Esta edición de la obra de arte se interpreta con una serigrafía tirada a mano sobre papiro egipcio auténtico, y cada impresión está intrincadamente dispuesta con una filigrana de polvo de diamante negro, para producir efectos similares a los de un caleidoscopio visualmente embriagadores. Contiene un chip criptográfico NFT de Fine Art Ledger. está autenticado y registrado en la cadena de bloques por The Fine Art Ledger y viene con un Certificado de autenticidad digital que contiene su sello criptográfico". -Marwan Shahin

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Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte en papel Hahnemuhle Fine Art Rag del artista de graffiti de la cultura pop Nimit Malavia. Retrato surrealista del rostro de un hombre con ropa vintage. Nimit Malavia es un artista visual e ilustrador canadiense conocido por sus obras intrincadas e imaginativas. Su estilo suele combinar delicados trazos con una fuerte narrativa, inspirándose en diversas fuentes como la mitología, los cuentos de hadas y la cultura contemporánea. La obra de Malavia incorpora una mezcla de técnicas tradicionales y digitales, incluyendo tinta, acuarela y Photoshop.

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La casa que construyó Hanuman. Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada de 16x20 en papel de bellas artes por Pooch, artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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Yogi on Xanax - Serigrafía de edición limitada en negro de 7 colores impresa a mano sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite de Ben Frost. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop. 2022. Ben Frost Yogi on Xanax, serigrafía artesanal de 7 colores sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb (726 g/m²), 24 x 24 pulgadas (61 x 61 cm). Edición limitada de 25 ejemplares, firmados y numerados por el artista. Impreso por POP!NK Editions. Yogi bajo los efectos del Xanax por Ben Frost – Intervención de la cultura pop en el arte callejero y el grafiti Yogi on Xanax es una serigrafía artesanal de edición limitada de 2022, impresa a mano en 7 colores sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Con unas dimensiones de 61 x 61 cm, esta serigrafía se produjo en una edición limitada de tan solo 25 ejemplares, firmados y numerados, bajo la dirección de POP!NK Editions. Reconocido por su subversiva fusión de iconos de la cultura pop con temas controvertidos, Frost presenta una imagen provocativa que combina la inocencia del Oso Yogi con el frío lenguaje de diseño de una etiqueta farmacéutica de Xanax. Esta yuxtaposición genera una confrontación entre humor y crítica, nostalgia infantil y dependencia química, manteniendo la vibrante estética gráfica y la impecable ejecución que caracterizan su trabajo artístico. La obra es audaz, brillante e irónica, diseñada para generar reconocimiento e incomodidad en el espectador simultáneamente. La sátira farmacéutica y la familiaridad de los dibujos animados chocan La obra de Ben Frost desafía con frecuencia las narrativas edulcoradas de las marcas de consumo y las imágenes mediáticas. En «Yogi on Xanax», el uso del Oso Yogui —un personaje animado asociado a la despreocupación y la televisión infantil— se contrapone deliberadamente al mundo clínico y regulado de los medicamentos recetados. La alegre sonrisa del dibujo animado y los colores brillantes contrastan con las advertencias en rojo y las indicaciones de dosificación del envase de Xanax. La obra explora temas como el escapismo, la represión emocional y la comercialización de la salud, sugiriendo que incluso los símbolos más inocentes no son inmunes a las presiones sociales. El tratamiento iconográfico de Frost refleja las estrategias centrales del arte pop urbano y el grafiti, donde el lenguaje visual se reutiliza para exponer verdades ocultas y contradicciones culturales. Técnica de impresión, calidad de la superficie y precisión del material Ejecutada con precisión sobre papel Mohawk Superfine UltraWhite, la serigrafía de 7 colores garantiza que cada capa de tinta se adhiera nítidamente a la superficie, produciendo un contraste y un equilibrio tonal impactantes. Este papel de alto gramaje realza la densidad del color y preserva la integridad de cada línea y detalle del texto. La técnica de serigrafía, un pilar del arte pop desde la época de Andy Warhol, permite a Frost replicar el estilo plano y comercial del diseño de empaques, a la vez que le infunde una marcada tensión conceptual. Cada impresión está firmada y numerada a mano, lo que refuerza su valor como pieza de colección y la sitúa dentro del canon del arte pop urbano y el grafiti de edición limitada. La participación de POP!NK Editions en la producción garantiza un acabado de calidad de galería, asegurando que cada impresión no solo sea conceptualmente rica, sino también técnicamente impecable. El comentario cultural de Ben Frost a través de la distorsión de marca Ben Frost continúa expandiendo los límites de lo que la imaginería pop puede transmitir en un formato crítico, irónico y visualmente impactante. «Yogi on Xanax» opera en múltiples niveles: como parodia, como producto y como disrupción visual. Recurre al archivo de los medios de comunicación y reintroduce iconos familiares con nuevas e inquietantes asociaciones. Esto es fundamental para la estrategia del arte pop urbano y el grafiti, donde la repetición, la apropiación y la recontextualización no son meras elecciones estéticas, sino actos radicales. Al situar a una figura como el Oso Yogi en el contexto de la necesidad médica y la regulación emocional, Frost cuestiona cómo la sociedad asigna significado y valor a las imágenes. Su arte refleja un mundo donde los dibujos animados venden pastillas y las pastillas venden calma, un mundo donde la marca y la identidad se funden en una sola superficie unificada. «Yogi on Xanax» no es solo arte pop: es un reflejo agudo y sin complejos de la cultura visual contemporánea.

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Compra PINTURA Obra de arte única en MEDIO de Street Art Pop Artist. 2022 Firmado MEDIA Pintura Original Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Tríptico Laguna Santa Cruz, impresión colagráfica de Peter Keefer, impresión hecha a mano sobre papel de bellas artes, edición limitada, arte urbano pop estilo graffiti. 1981. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 58,5 x 25,75 cm (cada grabado: 19,25 x 25,75 cm). Tríptico de grabados en huecograbado de Peter Keefer. Cada grabado está firmado, titulado y numerado a mano por el artista. Presenta algunas pequeñas marcas en el cielo en la obra de Far Let. Tríptico de Laguna Santa Cruz, grabado en colagrafía de Peter Keefer El tríptico de colagrafía Laguna Santa Cruz de Peter Keefer es un ejemplo impactante del arte pop urbano y el grafiti. Creado en 1981, este grabado de edición limitada es una exquisita representación del estilo característico de Keefer, que fusiona el minimalismo abstracto con una paleta de colores refinada que captura la esencia de un paisaje sereno. El formato tríptico permite una visión panorámica de la composición, invitando al espectador a un entorno tranquilo y onírico donde la tierra y el agua convergen. Técnica artística y composición Esta obra es una impresión en huecograbado realizada a mano sobre papel de bellas artes, meticulosamente elaborada mediante una técnica de impresión laboriosa. El proceso consiste en la superposición de capas de materiales sobre una plancha de impresión para crear textura y profundidad, produciendo un efecto visual único que realza las ricas transiciones tonales de la obra. El uso de cálidos tonos tierra sobre un fondo azul profundo de río proporciona un equilibrio armonioso entre los elementos naturales, mientras que los contornos del relieve le confieren a la pieza una estética contemporánea y estructurada. La línea del horizonte y el cielo degradado evocan una sensación de profundidad y perspectiva atmosférica, sello distintivo de la maestría artística de Keefer. Detalles de la firma y la edición Esta obra forma parte de una edición limitada de 150 ejemplares, firmados y numerados, lo que la convierte en una pieza rara y de colección. Cada uno de los tres paneles mide 49 x 65,4 cm (19,25 x 25,75 pulgadas), sumando un total de 148,6 x 65,4 cm (58,5 x 25,75 pulgadas) al exhibirse en conjunto. El formato de tríptico permite un efecto panorámico impecable, realzando su impacto visual y convirtiéndola en una pieza excepcional para cualquier colección. Keefer firmó, tituló y numeró personalmente cada lámina, garantizando su autenticidad y aumentando su valor artístico. Estado y características destacables El Tríptico Laguna Santa Cruz sigue siendo una obra muy codiciada en el ámbito del arte pop urbano y el grafiti. Si bien se aprecian algunas marcas menores en la sección del cielo del panel izquierdo, estas no desmerecen la belleza ni la integridad de la composición. La pieza ejemplifica la habilidad de Keefer para transformar paisajes naturales en interpretaciones estilizadas y modernas que conectan tanto con coleccionistas como con admiradores del grabado contemporáneo. Esta excepcional impresión en colagrafía es testimonio de la capacidad de Keefer para fusionar las técnicas tradicionales de grabado con una visión artística contemporánea. Su amplia composición y su cuidada paleta de colores la convierten en un ejemplo notable de arte dentro del movimiento del arte pop urbano.

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No son grandes hombres. Serigrafía de edición limitada de 2 colores, impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone, por Shepard Fairey. Arte callejero raro. OBEY. Artista de arte pop. Firmada y numerada, «No son grandes hombres», serigrafía de 450 ejemplares (18 x 24 pulgadas), edición limitada de 450 ejemplares, 20 de agosto de 2019. La lámina «Not Great Men» se inspiró en la canción homónima de Gang of Four, perteneciente a su álbum «Entertainment». Gang of Four es una gran banda, tanto musical como líricamente, con muchas canciones que abordan temas como el consumismo, el capitalismo, la obsesión por el poder, la explotación, el narcisismo y la estructura de clases. La canción «Not Great Men» siempre me ha parecido una sabia crítica a la contradicción o paradoja del liderazgo y el poder. Se necesitan personas asertivas, carismáticas y seguras de sí mismas para ser líderes, pero, por otro lado, los líderes suelen ser ambiciosos de poder, manipuladores y abusivos de él.

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¡Marchando hacia el olvido! Colaboración de KEF: Serigrafía de prueba de artista (AP) de Simon Rohlen x Dalek - James Marshall. Serigrafía de 15 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes. Edición limitada. Arte pop urbano y grafiti. Prueba de artista AP 2022. Firmada y marcada como AP. Edición limitada. Tamaño de la obra: 18x24. La complejidad y fusión de estilos en 'Marching Into Oblivion' La serigrafía colaborativa «Marching Into Oblivion» es un ejemplo impactante de la sinergia entre dos figuras prominentes del arte pop urbano y el grafiti: KEF! (Simon Rohlen) y Dalek (James Marshall). Esta prueba de artista, impresa a mano con 15 colores, no es solo una obra de arte; es un diálogo vívido entre artistas y entre distintas formas artísticas. Creada en 2022, esta obra de edición limitada mide 45,7 x 61 cm (18 x 24 pulgadas) y es un testimonio de la meticulosa técnica de la serigrafía. Cada color se aplica capa por capa, lo que requiere una alineación precisa y una visión clara de la imagen final. La marca «AP» indica que se trata de una prueba de artista, una práctica común en el mundo del arte donde se imprime un número reducido de copias para uso personal del artista antes de la edición principal. Los coleccionistas suelen buscar estas pruebas por su rareza y el toque personal de la aprobación del artista. La colaboración entre KEF! y Dalek fusiona dos lenguajes artísticos distintos. KEF!, conocido por sus líneas fluidas y orgánicas que crean patrones armónicos y serenos, contrasta con las formas más nítidas y geométricas de Dalek, que recuerdan a su personaje Space Monkey. Esta fusión crea una dinámica que es a la vez un deleite visual y una exploración conceptual de los estilos de ambos artistas. Analizando el lenguaje visual de 'Marching Into Oblivion' El título de la obra, «Marchando hacia el olvido», sugiere una narrativa de progresión o movimiento hacia un final desconocido, quizá inexorable. Los elementos visuales creados por KEF! y Dalek manifiestan este tema a través de un paisaje vibrante, casi alucinatorio, que parece palpitar con vida. La obra representa movimiento, energía y la interacción entre dos enfoques contrastantes del arte pop urbano y el grafiti. El estilo característico de KEF!, con sus espirales blancas y negras, sustenta la composición, sirviendo como ancla visual. Sobre este fondo, las figuras audaces y caricaturescas de Dalek parecen marchar o flotar, representadas en rosas y amarillos vívidos que resaltan sobre el papel. La yuxtaposición de estilos crea una sensación de profundidad y complejidad a medida que la mirada del espectador recorre los patrones y personajes entrelazados. Significado e impacto en el arte pop callejero contemporáneo La obra «Marchando hacia el olvido» destaca por su atractivo visual y su representación del arte pop urbano contemporáneo y el grafiti. Captura la esencia de un movimiento que trasciende el espacio tradicional de la galería, dirigiéndose a un público más amplio e interactuando con el entorno urbano de forma directa e impactante. Como fusión del arte pop urbano y el grafiti, esta pieza resalta el potencial de la polinización cruzada dentro del mundo del arte, donde diferentes estilos y perspectivas pueden unirse para crear algo completamente nuevo y más significativo que la suma de sus partes. Desafía las ideas preconcebidas sobre lo que puede ser el arte urbano, ampliando los límites del género y abriendo nuevas posibilidades para la expresión artística. En el contexto de la escena artística actual, «Marchando hacia el olvido» se erige como un ejemplo convincente de cómo la colaboración y la diversidad de técnicas pueden elevar el arte urbano a nuevas cotas. Es un testimonio de la continua evolución del medio y de la capacidad de los artistas para adaptarse e innovar dentro de él. Por ello, ocupa un lugar especial en las colecciones de los aficionados y es una fuente de inspiración para los artistas emergentes. Esta edición limitada, firmada y marcada por los artistas, encierra la esencia creativa de KEF! y Dalek, y constituye un hito en la historia del arte urbano. Coleccionistas y aficionados al género reconocen el valor de estas obras por su aporte estético y su relevancia cultural e histórica. «Marching Into Oblivion» captura el momento en que dos artistas se unieron para crear algo tan sugerente como bello, un fiel reflejo del poder y el potencial del arte pop urbano y el grafiti.

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Oso de juguete musical de baja fidelidad "Uno con la naturaleza" de Luke Chueh. Figura de escultura coleccionable de edición limitada. Obra de arte del artista callejero de graffiti pop. Edición limitada de 250 ejemplares (2024). Tamaño de la obra: 4x7. Nueva en caja. Figura de vinilo estampada de alta calidad. Escultura de un oso con ropa de camuflaje y auriculares, relajado. En comunión con la naturaleza: Una protesta silenciosa en vinilo de Luke Chueh La obra «One with Nature» de Luke Chueh, lanzada en 2024, captura la profunda reflexión que caracteriza su práctica artística de Street Pop Art y Graffiti. Esta figura de vinilo de edición limitada, de 18 cm de altura y con sello de autenticidad, fusiona la serenidad emocional con un simbolismo complejo. Representa a un oso estilizado —un motivo recurrente en la obra de Chueh— con auriculares y una sudadera con capucha de camuflaje, de pie con las manos en los bolsillos. Como parte de la serie «Low Fidelity Music Bear», esta edición de 250 ejemplares explora con sutileza temas como la soledad, la visibilidad y la tensión entre la supervivencia y la serenidad en la vida moderna. El patrón de camuflaje como metáfora moderna El camuflaje, tradicionalmente asociado a la guerra y el ocultamiento, se convierte en esta obra en una contradicción visual. En lugar de esconderse, el oso se exhibe abiertamente, sugiriendo un anhelo de desaparecer rodeado por el ruido invasivo de la cultura contemporánea. Esta dualidad se alinea con el estilo característico de Luke Chueh, donde personajes inocentes, casi caricaturescos, se ven dotados de significado y melancolía. «One with Nature» canaliza esta estética para sugerir la coraza emocional que muchos portan al lidiar con la sobreestimulación de la sociedad moderna. En «Street Pop Art & Graffiti Artwork», esta mezcla de inocencia y carga psicológica es fundamental, y Chueh la ejecuta magistralmente mediante formas minimalistas y detalles simbólicos. Baja fidelidad y aislamiento emocional En esta serie de figuras, el concepto de baja fidelidad no se refiere a la calidad del sonido, sino a la experiencia de desconexión emocional. El rostro inexpresivo del oso y su postura cerrada, junto con los auriculares que lo aíslan del mundo, evocan una sensación de retirada ante la abrumadora cantidad de estímulos externos. Es una postura familiar para quienes usan la música como escudo contra el ruido, tanto literal como metafórico. La escultura invita a reflexionar sobre qué significa estar presente pero invisible, y cómo la vida urbana ha convertido la introspección en un mecanismo de defensa. La habilidad de Luke Chueh para materializar estos estados emocionales abstractos en formas de vinilo nítidas demuestra su dominio del medio y su relevancia dentro del movimiento del arte del grafiti. Un objeto de colección con peso cultural Como pieza de colección del arte urbano pop, «One with Nature» funciona tanto como obra de arte como comentario cultural. La expresión contenida y la vestimenta de inspiración militar del oso de vinilo presentan una paradoja de vulnerabilidad y preparación. Lanzada en 2024 como parte de una edición limitada de 250 piezas, cada escultura refleja la maestría y la intención que han definido la posición de Chueh dentro del arte urbano pop y el grafiti. Coleccionistas y admiradores de su obra reconocen esta figura no solo como un juguete, sino como un objeto de gran carga emocional: una reflexión sobre la supervivencia, el silencio y el precio de la mimetización. En un mundo donde reina el caos visual, el oso de Chueh permanece en silencio, camuflado pero consciente.

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Harper and John R. Impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo en papel Museo Portfolio Rag de 290 g/m² de la artista pop urbana Stephanie Buer. Obra de arte moderna. Edición limitada de 2015, firmada y numerada (20 ejemplares). Tamaño de la obra: 20 x 16 pulgadas.

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Unicorn Man, edición limitada, impresión giclée en papel de bellas artes de Mike Mitchell, artista callejero contracultural. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 8x10 pulgadas. Hombre desnudo con cuerno de unicornio pensativo. Impresión giclée de Mike Mitchell. Hombre unicornio en el arte pop callejero y el grafiti Unicorn Man, una impresión giclée de edición limitada de Mike Mitchell, ejemplifica la fusión característica del artista entre humor, surrealismo y arte pop contemporáneo. Lanzada en 2014 como una edición firmada y numerada de 100 ejemplares, esta obra encapsula la fantasía y la sátira propias del arte pop urbano moderno. Con sus líneas definidas, su suave paleta de colores pastel y su tema absurdo a la vez que contemplativo, la pieza desafía las normas artísticas convencionales al tiempo que reflexiona sobre la autopercepción y la fantasía en la vida cotidiana. La absurda diversión de la imagen Unicorn Man representa a un hombre desnudo, sentado en una pose tranquila y meditativa. Su físico regordete, sus rasgos faciales infantiles y su pequeño bigote le confieren un aire cómico y entrañable. Sin embargo, el elemento más llamativo es el cuerno de unicornio que sobresale de su frente, reluciente y fundiéndose con su suave cabello dorado. Una pequeña cola de unicornio refuerza aún más la transformación mítica, sugiriendo sutilmente que esta figura, a pesar de su humanidad mundana, se percibe a sí misma como algo más que mágico. La obra de Mike Mitchell suele destacar lo absurdo de una manera a la vez humorística y extrañamente reflexiva. Unicorn Man no es una excepción. Al situar a un hombre común y corriente en un contexto extraordinario, la pieza cuestiona nociones de identidad, autoaceptación y la necesidad de evasión. El arte pop urbano utiliza con frecuencia este tipo de representaciones exageradas para entablar con el público un diálogo lúdico pero significativo sobre la vida moderna. Elementos estilísticos y surrealismo pop La composición de Unicorn Man se adhiere a los principios del surrealismo pop, un movimiento que fusiona elementos de la cultura pop con imágenes oníricas o absurdas. Las líneas limpias, casi caricaturescas, reflejan una estética digital muy pulida, rasgo común en el arte pop urbano contemporáneo. La paleta de colores limitada, dominada por tonos beige cálidos y rosas suaves, confiere a la obra una cualidad delicada y acogedora, haciendo que el personaje parezca accesible a pesar de la rareza de su transformación. El estilo característico de Mitchell implica una combinación de técnicas de ilustración que evocan nostalgia con un toque moderno. Los colores planos y vibrantes, junto con la expresiva sencillez de la figura, crean una sensación de inmediatez, haciendo que la obra sea fácilmente comprensible pero a la vez esté cargada de significados profundos. El brillo onírico que rodea el cuerno del unicornio enfatiza la naturaleza surrealista de la autopercepción del personaje, atrayendo al espectador a su mundo imaginario. Simbolismo y comentario cultural Unicorn Man trasciende el humor visual y se adentra en el terreno del comentario cultural. En el arte pop urbano y el grafiti, la fantasía se utiliza a menudo para cuestionar la realidad. La pose pacífica y meditativa de la figura sugiere la aceptación de su identidad única, por absurda que pueda parecer a los demás. Esto podría simbolizar la lucha por la autoexpresión y la individualidad en un mundo que a menudo exige conformidad. El unicornio, en sí mismo, se ha asociado durante mucho tiempo con la pureza, la magia y los ideales inalcanzables. Al yuxtaponer este simbolismo mítico con una figura humana cotidiana, la obra resalta la tensión entre la aspiración y la realidad. Sugiere que todos, a su manera, albergan el deseo de ser vistos como extraordinarios, aunque esa fantasía solo exista en su mente. El atractivo perdurable del Hombre Unicornio Unicorn Man sigue cautivando a coleccionistas y aficionados al arte pop contemporáneo gracias a su mezcla de fantasía, sátira y temas que invitan a la reflexión. Su edición limitada la convierte en una pieza muy codiciada dentro de las comunidades del arte pop urbano y el grafiti. La habilidad de Mike Mitchell para fusionar humor con sofisticación artística garantiza que su obra se mantenga relevante y atractiva. Esta obra nos recuerda que la creatividad florece en lo inesperado. Al combinar lo ridículo con lo sereno, Unicorn Man invita a los espectadores a abrazar sus absurdos internos y encontrar magia en lo cotidiano. Ya sea que se vea como un personaje desenfadado o como una metáfora más profunda de la autoimagen, la pieza refuerza el poder del arte pop urbano para desafiar perspectivas y, al mismo tiempo, provocar sonrisas.

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Herold of Z Blotter Paper Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Arte en Papel Secante Perforado por Glenn Barr arte de la cultura pop y el LSD. Las criaturas surrealistas, espectros y personajes trágicos de Glenn Barr habitan un universo sórdido, impregnado de la crudeza y la bruma de un paisaje urbano onírico postapocalíptico. Su obra de Detroit ha sido catalogada como surrealismo pop, pluralismo pop, lowbrow, regional, outsider, ashcan o, como él mismo la denomina, «B Culturalismo».

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Impresiones de edición limitada de Tomb con pigmentos de archivo sobre papel Moab Fine Art de Aaron Nagel, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Impresión de pigmentos de archivo de 24 x 8,25 pulgadas sobre papel Moab Fine Art. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada.

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Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte de la catedral en papel de bellas artes de 290 g/m² de la artista de graffiti de la cultura pop Kari-Lise Alexander. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada (2017). Impresión giclée de 18x18 pulgadas. «Catedral», una impresión giclée sobre papel de bellas artes de 290 g/m² de Kari-Lise Alexander, es una obra cautivadora que fusiona la estética de la cultura pop con la autenticidad cruda del arte del grafiti. Esta edición limitada de 25 piezas, firmada y numerada en 2017, con unas dimensiones de 45,7 x 45,7 cm, es un testimonio de la visión única de Alexander dentro del arte contemporáneo. Si bien se distingue del arte pop callejero y el grafiti tradicionales, su obra comparte el mismo espíritu de expresión personal y resonancia cultural que caracteriza a estas formas de arte. «Catedral» de Alexander es una pieza que invita a la introspección y la admiración, y ocupa un lugar especial en las colecciones de los amantes del arte moderno.

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100% Angel - Impresión giclée de gran formato, edición limitada, sobre papel de bellas artes, de la artista de graffiti de la cultura pop Bei Badgirl. Impresión giclée de lujo, calidad de galería, en papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m², con firma del artista. Tamaño grande: 41 x 56,5 cm (16 x 22,5 pulgadas). 100% Ángel – Impresión giclée de gran formato, edición limitada, de Bei Badgirl 100% Angel es una impactante impresión giclée de gran formato de la artista de graffiti y cultura pop Bei Badgirl. Esta obra de arte, con calidad de galería, está impresa en papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m², lo que garantiza una excepcional viveza del color y una gran durabilidad. Firmada por la artista, la impresión mide 41 x 56,5 cm (16 x 22,5 pulgadas), convirtiéndola en una pieza imponente dentro del movimiento del arte pop urbano y el graffiti. Esta obra encarna la estética audaz, hiperfemenina y lúdicamente rebelde que caracteriza a Bei Badgirl, fusionando influencias contemporáneas con elementos de la cultura kawaii japonesa, la moda urbana y el surrealismo pop. La obra presenta una figura femenina estilizada y exagerada, con una melena rubia ondulada, pestañas extralargas y una actitud que irradia inocencia y poder. Vestida con un bikini rosa y blanco inspirado en un conejito, con lazos de pompones de piel sintética y un moño, el personaje encarna una mezcla de nostalgia, seducción y rebeldía con toques pop. La suave paleta de colores pastel, contrastada con gruesos contornos negros, realza el impacto visual, convirtiéndola en una pieza emblemática dentro de la creciente colección de láminas del artista. Bei Badgirl y su influencia en el arte pop callejero y el arte del grafiti Bei Badgirl es una artista de renombre internacional cuyo trabajo fusiona la estética del arte urbano con la cultura pop, la moda y temas feministas. Su arte se caracteriza por la representación singular de figuras femeninas ultraglamurosas, inspiradas en el estilo de los dibujos animados, que desafían las ideas tradicionales de belleza, sexualidad y empoderamiento. Inspirándose en el manga japonés, el arte pin-up occidental y la cultura pop de los 90, Bei Badgirl ha cultivado una identidad visual que es a la vez nostálgica y vanguardista. Su obra está profundamente arraigada en el lenguaje visual del grafiti y el arte pop urbano, y a menudo se caracteriza por líneas audaces, una iconografía lúdica y una temática provocativa. A través de personajes como el de 100% Angel, Bei Badgirl explora temas de feminidad, identidad y autoexpresión, celebrando el poder de la estética hiperfemenina en un género históricamente dominado por imágenes más agresivas y masculinas. Su habilidad para fusionar con fluidez imágenes suaves y oníricas con temas contundentes y sin complejos la ha convertido en una artista destacada del arte urbano contemporáneo. El arte de la impresión giclée y su papel en el arte urbano moderno La impresión giclée se ha convertido en un medio esencial para los artistas de arte urbano pop y grafiti, ya que permite reproducciones de alta resolución que conservan la integridad de la obra original. Este método de impresión utiliza tintas de calidad de archivo sobre papel de bellas artes, lo que garantiza que los colores se mantengan vibrantes y fieles a la visión del artista. La elección del papel Canson Infinity Rag Photographique de 210 g/m² realza aún más la profundidad y la riqueza de la impresión, proporcionando un lujoso acabado mate que complementa la estética suave pero audaz de la obra de Bei Badgirl. Las ediciones limitadas de láminas giclée, especialmente las firmadas por el artista, poseen un gran valor en el coleccionismo de arte contemporáneo. Permiten a los artistas compartir su obra con un público más amplio, preservando la exclusividad y la integridad artística. En el caso de 100% Angel, la lámina funciona tanto como objeto de colección como representación de la creciente influencia de Bei Badgirl en la estética urbana moderna. Coleccionabilidad e impacto cultural de 100% Angel 100% Angel es más que una obra visualmente impactante; es una declaración sobre la feminidad moderna, la autoimagen y la naturaleza lúdica y rebelde de la estética de la cultura pop. La habilidad de Bei Badgirl para fusionar técnicas de bellas artes con imágenes inspiradas en el arte urbano le ha granjeado una fiel clientela entre coleccionistas, diseñadores de moda y entusiastas del arte urbano. Su obra conecta con un público que aprecia la fusión del surrealismo pop, la cultura del grafiti y la estética digital contemporánea. Como parte de una edición limitada, esta lámina representa una oportunidad única para poseer una pieza del legado artístico de Bei Badgirl. La combinación de materiales de alta calidad, técnicas de impresión meticulosas y la firma de la artista convierten a 100% Angel en una obra de arte muy codiciada dentro del movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti. Ya sea expuesta en una galería, en una colección privada o en un espacio moderno, esta pieza es un testimonio del poder de la cultura pop en la configuración del arte contemporáneo.

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Te amaré hasta el fin del mundo. Impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes de 290 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Josh Keyes. Josh Keyes «Te amaré hasta el fin del mundo» Edición limitada de 300 ejemplares. Impresión artística en papel de 290 g/m². 40,6 x 64,7 cm (16 x 25,5 pulgadas). Firmada, numerada y titulada a mano por el artista. El mundo híbrido que Keyes ha creado oscila entre el surrealismo y el fotorrealismo, una mezcla que inquieta al espectador, haciéndonos sentir inseguros y expuestos a un futuro incierto y peligroso. En el centro de su obra reside la preocupación por nuestra supervivencia y el futuro de la Tierra. Esta inquietud se destaca mediante la representación de animales perdidos y desplazados de sus hábitats naturales. Se encuentran en peligro y lejos de su ecosistema natural, reubicados en dioramas fantásticos.

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Ceci N'est Pas Une Peter Griffin Pintura original Acrílico y aerosol sobre lienzo de Shark Toof Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. 2014. Obra de arte original firmada, técnica mixta con aerosol, 27 x 19 pulgadas. «Este nuevo conjunto de obras es una fusión de mis raíces en el grafiti, donde desarrollé mi estilo único. Al mismo tiempo, también hay un aspecto que consiste en "no tomarse demasiado en serio, vandalizar tus iconos"», dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. «Me gusta Detroit porque es una ciudad muy "hazlo tú mismo", y yo soy un artista muy "hazlo tú mismo", así que me siento como pez en el agua». El dialecto artístico de Shark Toof: Subvirtiendo los íconos de la cultura pop «Ceci N'est Pas Une Peter Griffin» de Shark Toof es una obra cautivadora que muestra la hábil fusión del artista entre sus raíces en el grafiti y la irreverencia lúdica del arte pop moderno. Creada en 2014, esta pintura original plasma la voz única de Shark Toof, una voz que ha cultivado a través de sus profundos vínculos con el movimiento del arte urbano. Esta obra, de 68,5 x 48,3 cm, es un ejemplo impactante de su dominio de la técnica mixta, incorporando acrílico y aerosol sobre lienzo. En esta pieza, Shark Toof dialoga con la iconografía familiar de la cultura pop, específicamente con el conocido personaje Peter Griffin de la serie animada «Padre de Familia». Sin embargo, al más puro estilo del arte urbano, Shark Toof toma esta imagen familiar y la subvierte, añadiendo capas de significado y desafiando la percepción del espectador. El título, un guiño a la famosa obra de René Magritte, juega con la idea de representación y realidad, invitando a los espectadores a cuestionar lo que ven. La técnica mixta de la pintura es característica del arte pop urbano, que combina diversas técnicas y materiales para crear imágenes dinámicas. El uso que hace Shark Toof de colores vibrantes y rasgos exagerados captura la esencia del impacto del arte del grafiti, a la vez que rinde homenaje a la estética estilizada del arte pop. Su obra no rehúye el humor ni la sátira; al contrario, los incorpora para ofrecer una reflexión más profunda sobre la naturaleza de la fama, el fanatismo y el propio mundo del arte. En el contexto del arte pop urbano y el grafiti, Shark Toof destaca como un artista que encarna el espíritu del «hazlo tú mismo» del género. Su afinidad por ciudades como Detroit, con su rico pasado industrial y su vibrante escena de arte urbano, refleja su compromiso con la naturaleza orgánica de su arte. La obra de Shark Toof, incluyendo «Ceci N'est Pas Une Peter Griffin», es un deleite visual y un testimonio del poder transformador del arte urbano en la era moderna. A través de su arte, Shark Toof sigue expandiendo los límites del arte pop urbano, demostrando su potencial para ser a la vez lúdico y profundamente perspicaz. Su habilidad para explorar la intersección entre el arte urbano y las bellas artes, manteniendo un sentido de autenticidad y accesibilidad, garantiza que su obra conecte con un amplio espectro de aficionados y coleccionistas de arte.

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Algunas ventanas bloquean el sol. Dibujo original a pluma y tinta sobre papel reciclado del artista de arte pop moderno Mark Powell. Firmado en 2021. Enmarcado. Dibujo a bolígrafo sobre un boceto de 1912 para una vidriera de iglesia. Medidas: 57 cm x 40 cm. El dibujo está enmarcado en un marco hecho a medida y protegido con un barniz mate y un spray de conservación con protección UV. 15,7 x 22,4 cm.

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Compra PINTURA Obra de arte de pintura original única en su tipo en MEDIANO por Popular Street Art Pop Culture Artist ARTIST. 2022 Cuadro Original Firmado Tamaño XXXX INFORMACIÓN

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Strapped Original Acrylic Spray Paint Painting de KayLove. Obra de arte única sobre lienzo de un artista pop de arte callejero. 2024. Pintura original firmada en acrílico y aerosol. Tamaño: 24 x 48 pulgadas. Strapped de KayLove – Arte pop callejero y graffiti original en acrílico y pintura en aerosol Strapped es una pintura original única de KayLove, creada en 2024 con acrílico y aerosol sobre un lienzo de gran formato de 61 x 122 cm (24 x 48 pulgadas). La obra presenta una figura femenina desnuda en el centro, con curvas estilizadas, cabello castaño suelto y hebillas simbólicas, erguida con seguridad sobre una base ondulada en tonos lavanda y blanco. Sobre un fondo blanco puro, dinamizado por bloques de aerosol rojos, azules y naranjas, la composición está rodeada de grafitis rosas, verdes, azules y amarillos. La pieza funciona como un poderoso diálogo visual sobre identidad, vulnerabilidad, empoderamiento y expresión. Con la cabeza inclinada hacia abajo, los ojos cerrados y las manos apoyadas con firmeza en las caderas y los muslos, la figura personifica aplomo y presencia. KayLove utiliza la línea y el color no solo para definir la forma, sino también para amplificar el mensaje. La forma femenina como resistencia y resplandor Strapped aborda directamente el papel del cuerpo en el espacio público y privado, en particular en lo que respecta a las mujeres y las personas con expresión femenina que lidian con la mirada, la restricción y la autonomía. Las correas que se entrecruzan en la parte superior del brazo y los muslos de la figura no son instrumentos de opresión, sino símbolos de armadura, resiliencia y seguridad en sí mismas. Funcionan como referencias codificadas a las maneras en que las mujeres negras y morenas a menudo deben proteger y afirmar su presencia dentro de la cultura visual dominante. La forma estilizada oscila entre la exageración y la suavidad, desafiando a los espectadores a reevaluar cómo se suele interpretar el cuerpo a través de una lente hipersexualizada u objetivada. Aquí, el cuerpo es soberano, expresivo y sagrado. La postura segura, las líneas curvas y los ojos cerrados sugieren paz dentro del poder, control dentro de la exposición. Grafiti en capas como comentario y comunidad Alrededor de la figura central, las firmas irrumpen en el lienzo en una profusión multicolor, superponiéndose a partes de la figura y la base al estilo clásico del grafiti. Estas firmas no son aleatorias; funcionan como voces visuales que dotan a la composición de significado. Evocan tanto interrupción como afirmación, sugiriendo el ruido visual caótico de la calle a la vez que amplifican un llamado colectivo a presenciar, afirmar y participar. En el arte pop urbano y el grafiti, superponer firmas sobre la forma es una forma de reivindicación, y en «Strapped», se percibe como una presencia colectiva: otros que dan testimonio, gritan nombres, reclaman el espacio alrededor del cuerpo. El uso de vibrantes pasteles sobre tonos tierra añade contraste y dinamismo, llevando al espectador entre la intimidad y la intensidad. La fusión de narrativa, cultura y estética urbana de KayLove Strapped es emblemática de la obra de KayLove, donde convergen la iconografía cultural, la introspección espiritual y el grafiti. Su uso de pinceladas limpias superpuestas con texturas crudas de aerosol demuestra su habilidad para transitar entre el muralismo, las bellas artes y el grafiti tradicional sin diluir el impacto de ningún enfoque. La figura no es simplemente una musa o un símbolo; representa a todas aquellas personas que cargan con capas de historia, resistencia y belleza, manteniéndose firmes ante la invisibilización. A través de este lienzo, KayLove continúa su legado de dar voz a lo invisible, creando obras que funcionan como estética y afirmación. Strapped se erige como una celebración de la forma femenina, la complejidad del ser y el derecho del grafitero a marcar, reivindicar y expresarse sin complejos.

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