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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Contra Cocaine Silkscreen & Glitter Print de Robert "Robbie" Conal. Impresión manual sobre papel de bellas artes. Obra de arte de edición limitada. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, 2010. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas. Serigrafía. Contra Cocaína de Robert "Robbie" Conal: Un hito en el arte pop callejero y el grafiti La obra "Contra Cocaína" de Robert "Robbie" Conal marca un hito en la historia del arte pop urbano y el grafiti. Esta serigrafía de 18x24 pulgadas, con su inquietante imagen de calaveras sobre un fondo de camuflaje, no es solo una declaración visual, sino un arma política manejada con precisión artística. Esta impresión artesanal sobre papel de bellas artes, una edición limitada de 100 ejemplares, representa la incursión sin complejos de Conal en el arte urbano, un ámbito que desde entonces ha llegado a dominar. Formado en Stanford y maestro de la pintura, Robbie Conal es conocido por sus retratos implacables y de gran detalle, que a menudo representan figuras políticas de forma grotesca. Su obra, de marcado carácter político y activista, ofrece una mordaz crítica a la corrupción y la mala conducta política. "Contra Cocaína" es quizás su obra más notoria, una representación simbólica del escándalo Irán-Contra que azotó al gobierno de Reagan. Su versión original de 1988 tiene la distinción de formar parte de la colección permanente del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), lo que subraya su importancia cultural e histórica. Contra la cocaína: La intersección del arte y el activismo político La obra "Contra Cocaína" de Conal trasciende la mera creación artística; encapsula el compromiso del artista con confrontar y exponer el lado oscuro de las estructuras de poder político. La pieza es un sombrío comentario sobre el escándalo Irán-Contra, donde la calavera funciona como un macabro símbolo de las consecuencias mortales de las maniobras políticas. Mediante el lenguaje visual crudo y cautivador del arte callejero, la obra de Conal se vuelve accesible y atractiva, invitando al público a reflexionar sobre los mecanismos, a menudo invisibles, de las irregularidades gubernamentales. La distribución de "Contra Cocaína" a través de carteles callejeros en ciudades de todo Estados Unidos marcó la incursión inicial de Conal en el arte urbano. Esta estrategia de carteles callejeros, una forma de activismo de base, buscaba provocar el debate público y llevar el comentario político de las galerías a las calles. La imagen se convirtió en sinónimo de la desilusión y la rabia de una generación, canalizando el espíritu de protesta en una obra de arte de singular impacto. Legado e influencia de Robbie Conal en el arte callejero La influencia de Robbie Conal en el arte pop urbano y el grafiti es profunda. Su compromiso con la fusión del arte y el activismo ha inspirado a innumerables artistas a ver el paisaje urbano como una plataforma para la crítica social y el cambio. Empapelar el país con carteles de "Contra la Cocaína" no fue solo una declaración artística, sino un llamado a la acción, movilizando a un ejército de voluntarios para difundir la poderosa imagen por todas partes. El método de Conal —activar una red de voluntarios para distribuir sus carteles— refleja la naturaleza colectiva del arte urbano, donde la comunidad desempeña un papel crucial en la difusión y recepción de la obra. El ejército que Conal moviliza refleja el espíritu colaborativo del movimiento del arte urbano, difuminando las fronteras entre artista y público, entre la creación individual y la experiencia colectiva. Contra la cocaína: Una declaración de importancia artística e histórica El contexto histórico de «Contra Cocaína» realza su importancia en los anales del arte urbano. Publicada con motivo de la exposición «The Missing Link» en Country Club en 2010, la obra también forma parte de Beautiful Losers Archive e Iconoclast Editions, colecciones que rinden homenaje a artistas que han moldeado el panorama del arte contemporáneo fuera de los sistemas tradicionales. «Contra Cocaína» no solo consolida el lugar de Robbie Conal en la historia del arte urbano, sino que también se erige como testimonio del poder del arte visual como medio de resistencia política y reflexión social. Como pieza de arte pop urbano y grafiti, representa el potencial del género para influir en la opinión pública y generar diálogos que trascienden el medio visual, adentrándose en el ámbito de la memoria colectiva y la documentación histórica. La continua relevancia de «Contra Cocaína» reside en su confrontación directa con la corrupción política y en cómo el arte puede exponer y criticar a quienes ostentan el poder. A través de esta obra y su trayectoria artística en general, Robbie Conal demuestra el papel perdurable del artista como provocador y comentarista social, manejando pinceles y serigrafías como otros manejan bolígrafos o pancartas de protesta. Su legado en el arte urbano se define por su estilo visual distintivo y su firme compromiso con el activismo a través del arte.

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Sangra Azteca 16x20 Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en papel de bellas artes por Pooch Graffiti Street Artist Arte Pop Moderno.

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Lady Shiva Original, obra única en su género, dibujo con técnica mixta de pintura y marcadores sobre papel artístico artesanal con bordes irregulares, por la popular artista de graffiti callejero Lady Pink. Ilustración original firmada y fechada en 2019, realizada con rotuladores sobre papel artesanal con textura irregular. Tamaño: 6 x 18 pulgadas. Lady Shiva de Lady Pink: La mitología se encuentra con la resistencia en el arte pop callejero Lady Shiva de Lady Pink, creada en 2019 con técnica mixta y rotulador sobre papel artístico artesanal con bordes irregulares, fusiona la mitología de influencia azteca con el simbolismo del grafiti y la resistencia social. Con unas dimensiones de 15 x 45 cm, esta obra única ejemplifica su compromiso constante con el empoderamiento femenino y la recuperación cultural a través del lenguaje del arte pop urbano y el grafiti. La figura central es una mujer vibrante, de aspecto divino, con seis brazos, adornada con calaveras, símbolos de la paz y llamativos rasgos faciales. Porta latas de aerosol y cadenas, una clara referencia a las herramientas y las luchas del movimiento del grafiti. La composición combina iconografía tradicional con una energía caricaturesca, canalizando tanto el arte mesoamericano como la rebeldía visual contemporánea. La figura central de la diosa alude a la deidad hindú Shiva, un poderoso símbolo de destrucción y transformación, pero aquí se la reinterpreta a través de la lente de la cultura urbana. Su expresión es feroz, desafiante y jubilosa. A su alrededor hay serpientes, pájaros y símbolos ornamentales dibujados en una paleta de rosas, morados y verdes saturados; una elección estética que refleja la historia de Lady Pink de desafiar las narrativas dominadas por los hombres en el graffiti apropiándose de su espacio con color y forma sin complejos. Alegoría visual del poder, la cultura y la resistencia La narrativa se desarrolla con marcados contrastes y un rico simbolismo. Por un lado, un grotesco policía con rostro de cerdo, esposado a la diosa, sostiene un aerosol como si se lo hubieran confiscado o lo hubieran malinterpretado. Por otro, figuras míticas —con collares de calaveras y serpientes— se alinean con la causa de la diosa. El diseño de los personajes es lúdico, pero el mensaje es contundente. Lady Pink utiliza el humor y la caricatura para exponer los ciclos de vigilancia, la aniquilación cultural y el control sistémico. Los grilletes y los puños cerrados transforman la obra en una alegoría del empoderamiento, donde el arte, la identidad y la herencia se convierten en instrumentos de resistencia. No se trata de una representación pasiva de la rebelión, sino activa, dinámica y festiva. La diosa empuña el grafiti como un arma de reinvención. Sus ojos, delineados con espesas pestañas, derraman lágrimas estilizadas que evocan tanto tristeza como poder. Su sonrisa, llena de dientes afilados, interpela directamente al espectador. Esta hibridez emocional —ferocidad combinada con alegría— es fundamental en el estilo de Lady Pink. Ella construye una mitología visual donde la memoria cultural y la rebeldía contemporánea se encuentran en la intersección del género, la historia y la pintura. Iconografía del grafiti reinterpretada desde una perspectiva feminista Lady Pink, nacida como Sandra Fabara en Ecuador y criada en Nueva York, ha sido una voz pionera en el grafiti desde la década de 1980. Su obra fusiona constantemente la energía de la calle con narrativas personales y políticas, especialmente desde una perspectiva feminista. Lady Shiva es un testimonio de su papel en la transformación del grafiti en un espacio de inclusión y crítica cultural. En lugar de adherirse a las convenciones hipermasculinas del tagging y el bombing, incorpora motivos ancestrales, ilustración de personajes y simbolismo para narrar comentarios sociales más profundos. En Lady Shiva, la combinación de papel artesanal, trazos gruesos de rotulador y temática mitológica se alinea con la naturaleza táctil y efímera del grafiti. Los bordes sin pulir, las texturas visibles del pincel y los rellenos brillantes del rotulador evocan la inmediatez de los muros de las calles y los cuadernos de bocetos. Esta fisicalidad conecta con las raíces del medio: accesible, sin filtros y profundamente personal. La obra rechaza el pulido en favor de la presencia, otorgando a la diosa una cualidad cruda y viva. A través de Lady Shiva, Lady Pink no solo crea una diosa, sino un arma narrativa. La obra se convierte en una declaración de proporciones murales en miniatura, uniendo poder espiritual, arte ancestral y la resistencia vivida de las mujeres artistas que reivindican su espacio en la esfera pública. Es un hechizo visual realizado con aerosol y rotulador, que evoca la transformación en el lenguaje del arte pop urbano y el grafiti.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Turtle Island Ganas Collage Original Único en su Tipo. Obra de arte realizada con plantilla de pintura en aerosol sobre papel de algodón, por el artista de arte callejero y cultura pop Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. 2022. Pintura original con aerosol firmada. Tamaño: 20,5" x 26,5". Plantillas pintadas a mano con aerosol sobre papel 100% algodón. Bordes irregulares hechos a mano. Firmada y numerada por Ernesto Yerena Montejano. Pieza única. La expresión artística del "Collage Ganas de la Isla Tortuga" de Ernesto Yerena Montejano Ernesto Yerena Montejano es un artista profundamente arraigado en la intersección cultural del arte pop urbano y el grafiti. Su obra, "Collage de Ganancias de Isla Tortuga", es una vibrante celebración de la identidad cultural, la resiliencia y el espíritu de resistencia. Esta original y única pintura con plantilla de aerosol sobre papel de algodón encapsula la esencia de la visión artística de Montejano: "Hecho con Ganancias". Firmada por el artista, esta obra de 52 x 67 cm refleja el compromiso de Montejano con la creación de piezas que no solo son visualmente cautivadoras, sino que también están impregnadas de comentarios sociales y políticos. Simbolismo y técnica en la obra de Montejano En «Collage Ganas de la Isla Tortuga», Montejano emplea la tortuga, criatura venerada en muchas culturas indígenas por cargar el mundo sobre su caparazón, como figura central que simboliza la tierra y la interconexión de la vida. El término «Isla Tortuga» es un nombre que varias tribus nativas americanas utilizan para referirse al continente norteamericano, y su inclusión en el título vincula la obra con temas de herencia y tierra. La elección de materiales de Montejano —papel de trapo 100% algodón con bordes irregulares— complementa la temática orgánica, arraigando la pieza en la tradición y la artesanía. Las plantillas aplicadas con aerosol crean un marcado contraste característico del arte del grafiti, mientras que los intrincados detalles y la superposición de capas evocan la complejidad de las imágenes del arte pop. La contribución de Ernesto Yerena Montejano al arte pop callejero Montejano, artista mexicano-estadounidense, contribuye al rico panorama del arte pop urbano con obras como "Collage de Ganas de la Isla Tortuga", que abordan temas de identidad, comunidad y activismo. Su obra suele reflejar las experiencias de la frontera entre Estados Unidos y México, funcionando como un comentario visual sobre el panorama sociopolítico. Al integrar motivos de la cultura indígena y chicana, Montejano tiende un puente entre el pasado y el presente, creando un diálogo entre narrativas históricas y problemáticas contemporáneas. Su arte trasciende los límites tradicionales del arte urbano, ofreciendo una narrativa universal y profundamente personal. A través de su arte, Montejano invita a los espectadores a participar en conversaciones más amplias sobre justicia social, patrimonio y la condición humana, consolidando su lugar en el panteón del arte pop urbano y el grafiti.

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Calaveras de las Flores, serigrafía de edición limitada de 6 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Dan Christofferson- Beeteeth. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop.

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Passion Dans Le Rouge Litografía de Enrique Peycere Impresión manual sobre papel de bellas artes con bordes irregulares Edición limitada Modernismo contemporáneo Obra de arte pop vintage. 1986. Edición limitada de 120 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño de la obra: 28 x 31 cm. Papel con bordes irregulares. Obra contemporánea moderna abstracta en rojo titulada «Passion Dans Le Rouge» (Pasión en rojo). Ligera arruga por manipulación en el borde inferior izquierdo. Enrique Peycere y "Passion Dans Le Rouge": un estudio en abstracción La litografía de 1986 «Passion Dans Le Rouge», creada por Enrique Peycere, captura la intensa emoción y la energía dinámica que sugiere su título. Esta obra, una edición limitada impresa a mano en papel de bellas artes, destaca por su expresión abstracta moderna y contemporánea, y sus generosas dimensiones de 71 x 79 cm. Con tan solo 120 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el artista, se ha convertido en una pieza muy codiciada por coleccionistas y amantes del arte. La vitalidad del rojo en la visión abstracta de Peycere La elección del rojo por parte de Peycere es deliberada y está cargada de simbolismo. En el arte, el rojo suele asociarse con la pasión, la fuerza y ​​la vitalidad, y en «Passion Dans Le Rouge», este color cobra protagonismo, palpitando con vida y dinamismo. Las formas abstractas que dominan la composición recuerdan a formas orgánicas, aludiendo al mundo natural o a la figura humana, lo que permite al espectador interactuar con la obra en múltiples niveles interpretativos. Esta abstracción se alinea con los principios del arte pop y el grafiti, donde el color y la forma suscitan una respuesta visceral en el espectador. El eco del expresionismo abstracto en el arte callejero y pop Aunque la obra de Enrique Peycere es anterior al auge del arte pop callejero y el grafiti, «Pasión en rojo» resuena con la energía y la espontaneidad que caracterizan estos movimientos posteriores. La abstracción presente en la litografía de Peycere puede considerarse precursora de las tendencias abstractas del arte callejero y el pop, donde el impacto emocional y la experiencia estética suelen primar sobre la precisión representativa. La audacia y la sencillez de la obra, aunadas a su naturaleza abstracta, la convierten en una pieza que trasciende el tiempo y el estilo, conectando con el lenguaje universal del color y la forma. De este modo, «Pasión en rojo» de Peycere no solo contribuye a la narrativa del arte abstracto, sino que también enriquece el debate más amplio sobre la influencia del expresionismo abstracto en el arte callejero y el pop contemporáneos. La litografía «Pasión en rojo» de Enrique Peycere sigue siendo una poderosa expresión de emoción y maestría artística. Sus formas abstractas y vibrantes tonalidades rojas siguen cautivando e inspirando, al igual que el vívido arte callejero que colorea los paisajes urbanos de ciudades de todo el mundo. A través de sus obras de edición limitada, Peycere ha dejado una huella imborrable en el mundo del arte, cuya influencia perdura en el arte moderno y contemporáneo.

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Kamayura Oaxaca 2013 Impresión Giclée de Swoon- Caledonia Curry Artwork Impresión de edición limitada en papel grueso de bellas artes Rag Graffiti Pop Artista callejero. Edición limitada de 175 ejemplares, firmada y numerada, de 2016. Tamaño de la obra: 19 x 13. De la colección de impresiones de la serie Swoon Street. Kamayura Oaxaca 2013 Impresión Giclee por Swoon Un archivo visual de la dignidad humana en el espacio urbano La impresión giclée «Kamayura Oaxaca 2013» de Caledonia Curry, conocida internacionalmente como Swoon, es un poderoso ejemplo de arte pop urbano y grafiti plasmado en papel de bellas artes. Creada como parte de la colección de impresiones «Street Series» de Swoon, la imagen captura una de sus instalaciones callejeras originales de engrudo en Oaxaca, México, que representa una impactante figura femenina que fusiona atributos humanos y mitológicos. Esta impresión giclée, firmada y numerada, lanzada en 2016 en una edición limitada de 175 ejemplares, mide 48 x 33 cm y está impresa en papel de algodón grueso para bellas artes. La obra no solo documenta la presencia de Swoon en los muros de toda Latinoamérica, sino que también alude a la relación simbólica entre la identidad comunitaria, la resistencia y la naturaleza efímera de la intervención callejera. Complejidad estilística y composición simbólica Kamayura Oaxaca 2013 refleja la intrincada estética del papel recortado y la narrativa humanitaria que definen el lenguaje visual de Swoon. La figura de la imagen —parte guerrera, parte sirena— sujeta dos cocodrilos mientras una armadura escamosa cubre sus piernas. Líneas radiantes se extienden desde su espalda como un halo, mientras que debajo de su figura se despliega un collage enmarañado de serpientes, arquitectura y flora, todo ejecutado con un preciso trazo. Estos motivos fusionan el simbolismo indígena con la decadencia urbana moderna, evocando temas de transformación, resiliencia y la interconexión entre los entornos naturales y construidos. La pared de estuco amarillo brillante y rojo intenso que se encuentra detrás del engrudo crea un contraste cromático dinámico, anclando la imagen en su contexto callejero original y realzando la presencia mítica de la figura central. Narrativas callejeras globales de Caledonia Curry Swoon, nacida como Caledonia Curry en Estados Unidos, es reconocida desde hace tiempo por su habilidad para fusionar las técnicas clásicas de grabado con la accesibilidad del arte callejero. Su obra suele presentar retratos de mujeres, figuras comunitarias y representaciones alegóricas que abordan la justicia social, la sanación ambiental y la narración cultural. El grabado de Kamayura Oaxaca se inscribe en su extensa práctica de colocar intrincados recortes de papel directamente sobre superficies urbanas deterioradas en todo el mundo, desde los muros de Brooklyn hasta los callejones de Haití y Latinoamérica. En México, su trabajo dialoga directamente con las voces indígenas y la memoria poscolonial, reforzando el papel del grafiti como un acto de embellecimiento público y expresión política. La importancia de la colección de grabados de la serie Street La edición Kamayura Oaxaca 2013 forma parte de la Colección de Grabados de la Serie Callejera, que funciona como un archivo tangible de las instalaciones efímeras de Swoon. Cada grabado de la serie ofrece a coleccionistas y admiradores la oportunidad de experimentar la obra callejera del artista en un formato preservado y digno de galería. Al transferir obras temporales al exterior a papel de archivo, la colección mantiene la inmediatez y la fuerza cruda del arte callejero, permitiéndole perdurar más allá del desgaste natural causado por el clima y el desarrollo urbano. Esta serie también ilustra cómo el Arte Pop Callejero y el Grafiti pueden trascender su entorno original sin perder su impacto, profundidad narrativa ni intensidad visual.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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John Odom/Hombre Sudamericano - Atletismo. Collage único, intervenido a mano, técnica mixta sobre tarjeta de béisbol vintage por Pat Riot. Tarjeta vintage original de MLB Topps estampada en técnica mixta con arte pop, estilo John Odom/Hombre Sudamericano - Athletics (2014).

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Absurd Courage AP Artist Proof Giclee Print de João Ruas - Feral Kid Artwork Edición limitada impresa en papel de trapo Museo Portfolio, artista callejero pop y graffiti. Prueba de artista AP 2014 Firmada y marcada AP Edición limitada Tamaño de la obra 13x22.5 La evocadora narrativa del "coraje absurdo" de João Ruas «Coraje Absurdo» de João Ruas es una impactante prueba de artista (AP) impresa en giclée que encapsula la esencia de su obra dentro de los movimientos del arte urbano pop y el grafiti. Conocido por sus conmovedoras ilustraciones que fusionan elementos fantásticos con la realidad, «Coraje Absurdo» de Ruas es un testimonio de su habilidad para comunicar temas complejos a través de su arte. Lanzada como edición limitada en 2014, ha conectado profundamente con los entusiastas del arte urbano contemporáneo. Dominio técnico en "Coraje absurdo" Impresa en papel Museo Portfolio Rag, una opción de primera calidad para reproducciones de bellas artes, «Coraje Absurdo» exhibe la rica textura y los matices característicos de la obra de Ruas. La calidad de archivo del papel garantiza la durabilidad de la impresión, preservando los intrincados detalles y la viveza de los colores. Las dimensiones de la obra, 33 x 57 cm (13 x 22,5 pulgadas), ofrecen un amplio espacio para que Ruas explore y exprese la grandeza de su tema: el «Niño Salvaje». Cada impresión está meticulosamente firmada y marcada como Prueba de Artista por Ruas, lo que añade un nivel de exclusividad y autenticidad altamente valorado en el mundo del arte. Simbolismo y estilo en el arte pop callejero de Ruas En «Coraje Absurdo», Ruas emplea su estilo distintivo para explorar los límites entre el surrealismo y la realidad, un sello distintivo de su enfoque del arte pop urbano. El «Niño Salvaje» representado no es solo una figura, sino un símbolo de resiliencia innata y espíritu indómito. Explora los instintos primarios que residen en la psique humana, presentados a través del prisma del grafiti moderno. La obra evoca un sentimiento de nostalgia a la vez que invita al espectador a la contemplación, reflexionando sobre el absurdo y el coraje que definen la experiencia humana. El impacto de João Ruas en el graffiti moderno y el arte pop La influencia de João Ruas en la escena del arte moderno, particularmente en el arte pop urbano y el grafiti, es indeleble. «Coraje Absurdo» es una obra que ilustra a la perfección la intersección entre la disciplina artística tradicional y la crudeza urbana del arte callejero. La capacidad de Ruas para crear un lenguaje visual universal y profundamente personal le ha valido el reconocimiento en el mundo del arte contemporáneo. El «Niño Salvaje» funciona como un motivo que invita al espectador a cuestionar y comprender las capas de significado presentes en sí mismo y en la obra. En esencia, «Coraje Absurdo» de João Ruas es más que una obra de arte; es una narrativa entretejida en la cultura del arte pop urbano y el grafiti. Su presencia en el mundo del arte continúa desafiando, inspirando e influyendo tanto en creadores como en admiradores de esta forma de arte vibrante y en constante evolución.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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