Mujer

Ahsoka Tano - Cosmos. Serigrafía de edición limitada de 8 colores impresa a mano sobre papel artístico holográfico, por Joshua Budich, artista pop moderno. Edición Cosmos 2022. Edición limitada de 25 ejemplares, firmada y numerada. Tamaño: 18x18. Ilustración de Star Wars.

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Edición limitada "El Dragón Blanco", serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel grueso por Tim Doyle, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 300 ejemplares, firmada y numerada, de la Serie VI (2013). Tamaño de la obra: 12 x 24 pulgadas. Impresión con tinta plateada metalizada. Esta lámina es una colaboración entre Tim Doyle y Nick Derington. Está marcada a mano con un VII y presenta márgenes blancos. Inspirada en la película Blade Runner. Serigrafía El Dragón Blanco de Tim Doyle La obra «El Dragón Blanco» de Tim Doyle es un ejemplo visualmente impactante del arte pop urbano y el grafiti, que fusiona influencias ciberpunk con un paisaje urbano meticulosamente detallado. Creada en 2013 como una serigrafía manual a cuatro colores sobre papel grueso, esta pieza forma parte de una edición limitada de 300 ejemplares. Marcada a mano con un VII y con márgenes blancos, incorpora tinta metálica plateada para crear un efecto de lluvia brillante que realza el paisaje urbano nocturno. Producida en colaboración con el artista Nick Derington, esta obra captura la atmósfera vibrante de una metrópolis futurista, inspirándose directamente en la película Blade Runner. La influencia de Blade Runner en la estética urbana Esta obra sumerge al espectador en una ciudad distópica repleta de letreros de neón, callejones oscuros y una compleja mezcla de comercio tradicional y tecnología futurista. Inspirada en la estética cinematográfica de Blade Runner, la composición de Doyle refleja los influyentes elementos visuales de la película, incluyendo una fusión de mercados callejeros asiáticos, anuncios en rascacielos y un paisaje constantemente húmedo e iluminado. La presencia del dragón azul neón, los letreros flotantes y las figuras acurrucadas bajo paraguas refuerzan la atmósfera ciberpunk. Estos elementos establecen un marcado contraste entre las brillantes luces artificiales y las siluetas oscuras de las figuras que transitan por las calles empapadas por la lluvia. La profundidad de la composición crea una experiencia de múltiples capas, guiando la mirada del espectador desde las figuras en primer plano hasta las imponentes estructuras del fondo. La inclusión de logotipos de marcas reconocibles, como Atari y Koss, añade una capa de nostalgia a la vez que enfatiza la naturaleza consumista de este mundo futurista. Esta combinación de imágenes comerciales y crudo realismo urbano es un aspecto característico del arte pop callejero y del grafiti, que refleja un comentario más amplio sobre la evolución tecnológica y la fusión cultural. La aproximación de Tim Doyle al arte pop moderno Tim Doyle es conocido por su habilidad para plasmar atmósferas cinematográficas en obras de arte serigrafiadas que conservan la energía cruda del arte pop urbano. Su formación en ilustración y grabado le permite crear piezas con una estética gráfica y atmosférica a la vez. En «El Dragón Blanco», el uso de tinta plateada metalizada dota a la lluvia de una cualidad casi animada, infundiendo vida al entorno urbano. El cuidadoso equilibrio de azules, rojos y tonos oscuros realza el marcado contraste entre elementos artificiales y naturales, reforzando la tensión entre la tecnología y la existencia humana en un mundo en constante evolución. El proceso de serigrafía manual confiere a esta impresión una cualidad tangible e irrepetible para el arte digital. La superposición de capas de tinta crea una sensación de profundidad, donde cada pincelada añade detalles intrincados a la composición. Los márgenes blancos enmarcan la obra, creando la sensación de un instante preservado en el tiempo: la captura de una ciudad que nunca duerme, en constante evolución pero atrapada en una estética atemporal. El legado del Dragón Blanco en el grafiti y el arte pop callejero Como parte de la continua exploración de Doyle de paisajes urbanos inspirados en el cine, El Dragón Blanco constituye un testimonio del impacto perdurable del cyberpunk en el arte moderno. Esta edición limitada, con su meticulosa elaboración y narrativa inmersiva, tiende un puente entre la nostalgia cinematográfica y la cultura visual contemporánea. La combinación de técnicas de serigrafía artesanal, líneas gráficas audaces y paletas de colores neón se alinea con la estética del arte pop urbano y el grafiti, convirtiéndola en una pieza destacada dentro de la obra de Doyle. A través de esta obra, Doyle y Derington logran transportar al espectador a un mundo que se siente a la vez familiar y futurista, donde la lluvia nunca cesa y las luces de neón nunca se apagan. El Dragón Blanco es más que una simple representación de una ciudad distópica; es una celebración del lenguaje visual que ha definido a generaciones de soñadores urbanos, narradores y artistas.

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Edición limitada Sitting Seven, serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel blanco French Muscletone de 140 lb, por Camilo Pardo, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Muchas de mis pinturas, especialmente las figurativas con modelos y mujeres, suelen llevar nombres de planetas o hacer referencia al universo: «Galaxia», «Miss Marte», «Mercurio», «Luna», etc. A lo largo de los años, he intentado mantener esa coherencia, evocando la noción de «espacio» y libertad ilimitada. La ingravidez es el punto en el que uno escapa de la fuerza de la gravedad, abandona la atmósfera y todo flota. - Camilo Pardo

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Obra de arte de Groene Vlinder, impresión giclée de edición limitada en papel de algodón para grabado de 315 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Handiedan. Impresión artística giclée con realidad aumentada. Papel de algodón de 315 g/m² con grabado. 42 x 54 cm (tamaño de la imagen y del papel). Firmada y numerada. Logotipo en relieve. Edición limitada de 88 ejemplares. 2020. Realidad Aumentada (RA): https://vimeo.com/416245862 Utiliza la aplicación Artivive

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Dulces Pecados - Serigrafía HOM de edición limitada, azul, bicolor, impresa a mano sobre papel Lenox 100 por Faile Rare Street Art, artista famoso del arte pop. Edición de 250 ejemplares. Acrílico y tinta serigráfica sobre papel Lenox 100. Esta es la versión azul/roja. Firmada, sellada y numerada.

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Takaashigani - Impresión giclée de edición limitada de la obra de arte rosa en papel de algodón 100% de calidad de archivo del artista de graffiti de la cultura pop Barnaby Ward. Se trata de una reproducción giclée de calidad de galería en papel de algodón 100% libre de ácido, impresa con tintas de archivo. Cada reproducción se ofrece según el tamaño de la hoja e incluye un margen mínimo de una pulgada.

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Finalmente se acabó. Impresión con pintura en aerosol y plantilla HPM de Denial - Daniel Bombardier. Múltiple pintado a mano sobre madera enmarcada, listo para colgar. Artista callejero de graffiti único. Arte pop moderno. Edición 2020 firmada y numerada de 20. Obra de arte única de HPM con plantilla y pintura. Tamaño 11x15 sobre madera enmarcada, lista para colgar. ¡Por fin se acabó! Impresión con pintura en aerosol y plantilla HPM de Denial – Arte pop callejero y graffiti Denial, también conocido como Daniel Bombardier, presenta «It's Finally Over», una impactante obra pintada a mano que fusiona elementos de la cultura pop, la nostalgia y la crítica política. Creada en 2020, esta edición limitada de 20 ejemplares, firmada y numerada, está realizada con pintura en aerosol sobre madera enmarcada y mide 28 x 38 cm, convirtiéndola en una pieza llamativa y lista para colgar. Reconocido por su fusión de la estética clásica del arte pop con la crudeza del arte urbano, Denial continúa desafiando los límites al reinterpretar tropos visuales familiares de maneras provocativas y que invitan a la reflexión. La composición presenta una figura femenina clásica al estilo del cómic, con el rostro contorsionado por la emoción y lágrimas que le recorren las mejillas. Con una paleta de colores limitada pero de alto contraste, parece sumida en la desesperación. El bocadillo sobre su cabeza dice «It's Finally Over», reforzando el dramatismo. Sin embargo, el fondo rompe con la escena romántica tradicional del arte pop, reemplazándola con una atmósfera caótica y explosiva con una cascada de bombas que caen. Este contraste visual entre el dolor personal y la destrucción a gran escala transforma la obra, que originalmente era un simple trabajo inspirado en el cómic, en una crítica política y social compleja. El simbolismo detrás de "Por fin se acabó" La habilidad de Denial para reinterpretar imágenes del arte pop y convertirlas en críticas contemporáneas se evidencia en «It's Finally Over». La mujer llorando, un motivo frecuentemente asociado al romance de los cómics de mediados de siglo, es una representación común del desamor, la añoranza o la pérdida personal. Sin embargo, Denial subvierte esta narrativa al situarla sobre un fondo de destrucción bélica, desafiando la percepción del espectador sobre lo que realmente se lamenta. La frase «It's Finally Over» puede interpretarse de múltiples maneras, lo que añade complejidad a la obra. Podría referirse al fin de una relación personal, al colapso de los ideales sociales o incluso a la destrucción causada por conflictos políticos y militares. La inclusión de bombas cayendo impregna la pieza con temas de guerra, violencia y el peso de los acontecimientos históricos, convirtiéndola en una poderosa metáfora visual de la intersección entre las luchas personales y globales. Los rosas y rojos brillantes del cabello y los labios de la mujer contrastan marcadamente con los elementos más oscuros y ominosos del fondo, creando un efecto visual impactante que intensifica la carga emocional de la obra. El uso que hace Denial de técnicas del arte pop, como puntos de semitono y contornos negros marcados, refuerza aún más la conexión visual con las ilustraciones clásicas de cómics, al tiempo que mantiene la energía rebelde del arte callejero. El enfoque único de Denial hacia el arte pop callejero y el arte del grafiti La obra de Denial desafía constantemente la cultura de consumo, la propaganda política y las narrativas mediáticas. Al utilizar la estética familiar del cómic y reinterpretarla en críticas contemporáneas, obliga al espectador a reflexionar sobre temas como la manipulación, la desilusión y el malestar social. «It's Finally Over» ejemplifica su habilidad para equilibrar el humor, la nostalgia y una aguda crítica social de una manera visualmente cautivadora e intelectualmente estimulante. Su técnica basada en plantillas permite una gran precisión sin perder la energía cruda del grafiti. El uso de pintura en aerosol y elementos pintados a mano garantiza que cada pieza de esta edición sea única, aumentando su valor como objeto de colección. La decisión de pintar sobre madera entelada en lugar de lienzo o papel añade mayor profundidad a la obra, convirtiéndola en un objeto de la cultura urbana más que en una lámina artística tradicional. La combinación que hace Denial de la estética limpia y pulida del arte pop con el carácter rebelde del arte callejero asegura que su obra mantenga tanto la accesibilidad como la rebeldía. Su capacidad para manipular imágenes icónicas y reinterpretarlas en contextos modernos es una prueba de su habilidad como artista y crítico cultural. El impacto de "It's Finally Over" en el arte urbano contemporáneo «It's Finally Over» refleja las ansiedades modernas, explorando temas como la guerra, la angustia emocional y el peso de los ciclos históricos. Al tomar una imagen comúnmente asociada al romance e infundirle una narrativa más profunda y siniestra, Denial obliga al espectador a reconsiderar la intersección entre la desesperación personal y la política. La obra invita al público a reflexionar sobre el verdadero significado de «terminar», ya sea en las relaciones, los sistemas políticos o la situación mundial en general. Como una de las figuras más destacadas del arte urbano contemporáneo, Denial continúa creando obras que resuenan en múltiples niveles. Su capacidad para transformar referencias de la cultura pop en declaraciones de resistencia, crítica e introspección consolida su lugar en el siempre cambiante mundo del arte urbano pop y el grafiti. «It's Finally Over» se erige como un ejemplo impactante de su visión artística, asegurando que su mensaje perdure mucho después de la primera impresión, provocando debate y reflexión en quienes la contemplan.

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Compra TITLE Archival Pigment Fine Art Impresión de edición limitada en papel Moab Entrada de 290 g/m² del artista pop urbano ARTIST Modern Artwork. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Occupy Protester AP Serigrafía de edición limitada de 2 colores impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone de Shepard Fairey, rara obra de arte callejero OBEY Pop Artwork Artist. Prueba de artista (PA) 2012. Firmada y numerada. Manifestante de Occupy, 2012. Serigrafía a color sobre papel crema moteado. 61 x 45,7 cm (hoja). PA (aparte de una edición de 450). Firmada, numerada y fechada a lápiz en el borde inferior. Publicada por Obey Giant, Los Ángeles. Occupy Wall Street. 'Occupy Protester' de Shepard Fairey: Un faro del arte pop callejero y el activismo «Occupy Protester» de Shepard Fairey es una conmovedora representación de la participación del artista en el movimiento Occupy Wall Street y su continua influencia en el arte pop urbano y el grafiti. Esta serigrafía de 2012, realizada a color sobre papel crema moteado, es una prueba de artista (AP) que se separó de la edición principal de 450 ejemplares, lo que aumenta su rareza y su atractivo entre coleccionistas y aficionados del género. Con unas dimensiones de 61 x 46 cm, la obra es significativa no solo por su mérito artístico, sino también por su contundente mensaje político. «Occupy Protester» muestra una figura envuelta en una bufanda, con solo los ojos visibles, sobre un fondo de llamativas rayas rojas y negras. Esta imagen impactante y cargada de emoción refleja la intensidad y la urgencia del movimiento Occupy. El número «99%», que aparece prominentemente en la obra, evoca el mensaje del movimiento, que protestaba contra la desigualdad económica y el poder desproporcionado del 1% más rico de la población. La elección de Fairey del papel moteado añade un toque orgánico a la obra, sugiriendo la naturaleza popular de las protestas. Impacto cultural y político de la obra de Fairey Shepard Fairey ha sido durante mucho tiempo un artista que utiliza su obra para comentar sobre temas sociales y políticos. «Occupy Protester» continúa esta tradición, encarnando el espíritu de resistencia y el llamado al cambio que definieron principios de la década de 2010. Publicada por Obey Giant, Los Ángeles, la impresión funciona como un documento histórico de la época, encapsulando los sentimientos y emociones generalizados entre los participantes del movimiento Occupy Wall Street. La capacidad de Fairey para comunicar mensajes poderosos a través de su arte ha consolidado su posición como una figura clave en el movimiento del arte pop urbano. El legado de «Occupy Protester» se extiende más allá de su lanzamiento inicial. Como obra de arte pop urbano, ha sido fundamental para demostrar el potencial del arte para influir en el discurso público y actuar como catalizador del cambio social. La firma y la numeración del artista en el borde inferior de la impresión sirven como recordatorio del compromiso personal y la voz del artista detrás de la obra. Es una prueba de la dedicación de Fairey a su oficio y de su apoyo inquebrantable a los movimientos que buscan desafiar el statu quo. El legado del «manifestante de Occupy» en el arte callejero La obra «Occupy Protester» de Shepard Fairey es más que una simple pieza de arte; simboliza un momento crucial en la historia contemporánea. Representa la sinergia entre el arte y el activismo, y cómo el arte pop urbano puede trascender los lienzos tradicionales para integrarse en la conciencia colectiva. Como serigrafía de AP, ocupa un lugar especial en la historia del arte urbano, pues marca el momento en que el arte y el artista salieron de las sombras para entrar en la arena del activismo político. La impresión sigue siendo una poderosa obra de comunicación visual, que refleja el espíritu de un movimiento que buscaba redefinir el poder y el privilegio en el mundo moderno.

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Sra. Flor Arcoíris - SP - Serigrafía de edición limitada de 13 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por Takashi Murakami TM/KK. Arte callejero raro. Artista famoso de arte pop. Prueba de artista estatal SP 2020, edición especial firmada de 25 ejemplares. Rara serigrafía de Takashi Murakami TM/KK, "Ms. Rainbow Flower". Medidas: 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 pulgadas). El atractivo de las ediciones limitadas en el arte pop callejero: La señorita Flor Arcoíris de Takashi Murakami La obra de Takashi Murakami, "Ms. Rainbow Flower - SP, serigrafía de edición limitada de 13 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes", representa vívidamente la relación simbiótica entre el arte pop urbano y las ediciones limitadas. Takashi Murakami, figura clave del movimiento pop art, extiende su lienzo al arte urbano, difuminando las fronteras entre el arte comercial y el arte culto. Esta pieza, una Prueba de Artista (PA) de 2020, es testimonio del estilo único de Murakami, que combina la estética tradicional japonesa con la cultura pop contemporánea, creando una representación colorida y optimista que resuena con el espíritu del arte pop y la crudeza del arte urbano. La obra forma parte de una exclusiva edición SP (Prueba Especial) de 25 ejemplares, lo que subraya la rareza y el atractivo de las ediciones limitadas en el mercado del arte. Las Pruebas de Artista son tradicionalmente las primeras copias impresas de una tirada, reservadas por su estatus especial y, a menudo, firmadas por el propio artista. La firma de Murakami en «Ms. Rainbow Flower» autentica la estampa y subraya su importancia como fruto directo del proceso creativo del artista. Cada uno de los trece colores se aplica a mano, un proceso meticuloso y laborioso que garantiza que cada estampa, a pesar de formar parte de una serie, posea un carácter único. Takashi Murakami y su influencia en el arte pop moderno y el arte callejero La influencia de Murakami en el arte pop moderno y el arte urbano es considerable. Su obra se caracteriza a menudo por sus colores brillantes y vibrantes, y por la incorporación de motivos de la cultura japonesa tradicional y popular. Su creación, «Señorita Flor Arcoíris», con su alegre personalidad y tonalidades psicodélicas, ejemplifica el «Superflat», un movimiento artístico posmoderno del que Murakami fue pionero, que aplana la imagen y difumina las fronteras entre los distintos géneros artísticos. Esta pieza en particular, realizada con la técnica de serigrafía manual, rinde homenaje a los métodos del arte urbano y el grafiti, donde la mano del artista es fundamental para la autenticidad de la obra. Con unas dimensiones de 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 pulgadas), esta serigrafía es de tamaño de colección, lo que la hace accesible a aficionados al arte y coleccionistas serios. La edición limitada a 25 ejemplares refuerza su rareza y eleva su estatus dentro del ámbito del arte pop urbano y el grafiti. Los coleccionistas de la obra de Murakami aprecian el atractivo visual y el comentario subyacente que el artista suele plasmar en sus creaciones. «La señorita Flor Arcoíris» de Murakami no es una mera pieza decorativa; conlleva el peso de símbolos culturales y la jovialidad del arte pop, impregnada de las reflexiones filosóficas del artista sobre el mundo del arte y su relación con el comercio. El papel de las ediciones limitadas en el arte pop callejero y el grafiti Las ediciones limitadas como "Ms. Rainbow Flower" son cruciales para la difusión del arte pop urbano y el grafiti. Permiten que estas formas de arte, tradicionalmente efímeras, se conserven y aprecien con el paso del tiempo. En el caso de "Ms. Rainbow Flower", la tirada limitada es particularmente significativa, ya que representa un momento en la trayectoria artística de Murakami, capturando la esencia de su estilo durante el año 2020. Poseer una pieza así significa participar en la historia del arte pop urbano, desde sus calles hasta las galerías y los hogares de los amantes del arte. El estatus de Prueba de Artista de esta obra la posiciona como un puente entre el archivo de Murakami y la esfera pública. Subraya la íntima relación entre el artista y su obra, ofreciendo una visión de su proceso y del desarrollo de la edición final. Para el artista, estas pruebas pueden funcionar como un espacio creativo donde experimentar antes de completar la última serie. Para el coleccionista, estas obras representan una parte del legado del artista, enriquecida con el potencial de aumentar su valor con el tiempo debido a su escasez y al prestigio asociado a las ediciones limitadas. En resumen, "Ms. Rainbow Flower-SP" de Takashi Murakami es más que una simple representación del arte pop urbano y el grafiti; es un artefacto cultural que encapsula el espíritu de su época y la visión artística de una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo. Su existencia como lámina de edición limitada subraya la importancia de la rareza y la interacción con el artista en el arte, ofreciendo a los coleccionistas la oportunidad de poseer una parte del vasto y colorido universo de Murakami.

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Lightning Strikes HPM, edición limitada de serigrafía artística con detalles pintados a mano sobre papel reflectante Oralite, del artista Prefab77. Obra de arte pop contemporánea. 2012. Edición limitada de 10 ejemplares firmados y numerados de HPM, con detalles pintados a mano. Tamaño de la obra: 22 x 33 cm. Prefab77 (siglo XX) Rayos, 2012. Serigrafía en color con retoques a mano sobre película reflectante Oralite. 83,8 x 55,9 cm (hoja). Edición 8/10. Firmada y numerada a tinta en el borde inferior. Publicada por Lazarides, Londres. «Lightning Strikes HPM» es una serigrafía de Prefab77, un colectivo artístico británico conocido por su arte urbano y contemporáneo. El colectivo se formó a principios de la década de 2000 y está compuesto por artistas de diversas disciplinas, como el diseño gráfico, las bellas artes y el arte urbano. Prefab77 es conocido por su estilo único, que combina elementos de la cultura pop, la política y la crítica social con una estética audaz y cruda. «Lightning Strikes HPM» (Hand-Painted Multiple) es una serigrafía de edición limitada que probablemente presenta el estilo característico de Prefab77, con sus impactantes imágenes, el uso de plantillas y las texturas superpuestas. La impresión puede incluir una mezcla de elementos gráficos e iconografía inspirados en la cultura popular, como la música, el cine y la moda, así como en temas políticos y sociales. La designación «HPM» significa que, si bien la impresión forma parte de una edición limitada, cada pieza de la serie está pintada o acabada a mano, lo que hace que cada impresión sea única. Los coleccionistas de arte urbano y contemporáneo pueden encontrar en "Lightning Strikes HPM" de Prefab77 una adición atractiva y valiosa para su colección, ya que el colectivo ha ganado reconocimiento y un gran número de seguidores a lo largo de los años.

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Río de Sangre, Serigrafía Dorada de Cleon Peterson. Impresión manual a 2 colores sobre papel de bellas artes Coventry Rag con bordes irregulares. Obra de arte de edición limitada. 2023 Edición limitada firmada y numerada de 100 ejemplares. Tamaño de la obra: 18x24. Serigrafía de 3 mujeres desnudas estilizadas, deprimidas, tristes o confundidas en un río. Adentrándose en las dimensiones modernas del arte, "Río de Oro Sangriento" de Cleon Peterson captura la emoción en estado puro con elocuencia y profundidad. Esta serigrafía bicolor, meticulosamente realizada a mano sobre la rica textura del papel artístico Coventry Rag, refleja la confluencia de experiencias humanas viscerales y la expresión artística abstracta. A través de la inquietante representación de tres mujeres desnudas y estilizadas, aparentemente sumidas en sentimientos de desesperación, tristeza o confusión, Peterson logra transmitir una narrativa que resuena con el caos y la introspección inherentes a la experiencia humana. Con unas dimensiones de 45,7 x 61 cm, la impactante paleta monocromática de la obra se ve realzada por intrincados detalles, que le confieren una profundidad evocadora. La postura y la expresión de cada figura invitan al espectador a la introspección, la contemplación y el establecimiento de una conexión personal, trascendiendo así los límites de la mera observación. Mientras yacen en medio del misterioso río, su presencia se convierte en un poderoso símbolo de vulnerabilidad, turbulencia interior y la omnipresencia de las emociones en nuestras vidas. La obra de Peterson, una edición limitada de tan solo 100 ejemplares, firmada y numerada, encarna la esencia del arte pop, urbano y del grafiti. Ejemplifica la habilidad del artista para dominar las formas artísticas convencionales e infundirles múltiples capas de significado, invitando a la apreciación y a la profunda contemplación. «Río de Oro Sangriento» es un testimonio de la destreza de Peterson, su comprensión de los matices humanos y su inquebrantable compromiso con la exploración de los límites de la narrativa visual.

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Night Bender - Serie Savage Sacred Young Minds - Serigrafía de edición limitada de 23 colores impresa a mano sobre papel Coventry Rag de 310 g/m² (borde irregular) por Faile Rare Street Art, artista famoso de arte pop. FAILE: Night Bender. Serigrafía de 23 colores sobre papel Coventry Rag de 325 g/m². Tinta serigráfica sobre papel. Edición limitada de 100 ejemplares. 58 cm x 89 cm (23 x 36 pulgadas). 2016.

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Sea Lion Woman, edición limitada, serigrafía de 4 colores impresa a mano sobre papel de algodón 100% de calidad de archivo, por Dave Kinsey, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. BLK/MRKT

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Edición limitada de "Gente caminando por el bosque", serigrafía de 3 colores impresa a mano sobre papel de bellas artes por John Vogl, artista callejero de graffiti, arte pop moderno.

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Obra de arte Bird Oysho, impresión giclée de edición limitada en papel de 330 g/m² del artista de graffiti de la cultura pop Conrad Roset.

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Impresión giclée de Celine por Bec Winnel. Obra de arte de edición limitada impresa en papel de bellas artes. Artista callejero pop y grafiti. 2014 Edición limitada firmada y numerada de 25 obras de arte Tamaño 12x13 Mujer pálida con flor en el cabello. La belleza etérea de Celine por Bec Winnel La impresión giclée titulada "Celine", de la artista australiana Bec Winnel, es una obra maestra que se sitúa en la intersección del retrato tradicional y el arte pop urbano. Se trata de una edición limitada de tan solo 25 piezas firmadas y numeradas. Esta obra, de 29 x 33 cm, cautiva la mirada del espectador con la delicada representación de una mujer pálida adornada con una flor en el cabello, un motivo cargado de simbolismo y serena introspección. El enfoque de Bec Winnel en "Celine" se centra en el retrato íntimo. El rostro pálido de la protagonista y los suaves tonos rosados ​​de su cabello ofrecen un contraste marcado, pero a la vez sutil, con el mundo audaz y a menudo estridente del arte pop urbano y el grafiti. La flor, símbolo atemporal de la belleza efímera de la naturaleza, está plasmada con tal esmero que parece susurrar historias sobre la fugacidad de la vida. La obra, si bien se basa en las técnicas de las bellas artes, comunica la esencia del arte urbano a través de su impacto emocional y su accesibilidad. El uso de la impresión giclée garantiza que cada matiz de la delicada obra a lápiz y pastel de Winnel se capture con precisión, permitiendo que las sutiles gradaciones de color y detalle resplandezcan. Esta forma de reproducción de alta calidad democratiza el arte, en consonancia con el espíritu del Street Pop Art, que busca poner el arte al alcance de un público más amplio, más allá de los límites de las galerías y las colecciones exclusivas. Bec Winnel y la escena del arte contemporáneo Bec Winnel, si bien quizás no tan reconocida como otros artistas callejeros, se ha ganado un lugar de prestigio en la escena del arte contemporáneo por su singular fusión de realismo y fantasía. Su obra suele presentar a mujeres en momentos de profunda contemplación, rodeadas de elementos naturales que subrayan su conexión con el entorno y los ciclos de la vida y la muerte. Esta conexión resuena con las inquietudes temáticas del Pop Art Callejero, donde se explora con frecuencia el diálogo entre el paisaje urbano y la naturaleza. «Celine» representa una pausa poética en el ajetreo del mundo del arte callejero, invitando a los espectadores a reflexionar sobre la faceta más humana. La edición limitada de la obra añade un toque de exclusividad, pero el arte de Winnel tiende un puente entre el mundo del arte de élite y la naturaleza democrática del arte callejero. Al crear una versión en papel de alta calidad de su obra, invita a un público más amplio a conectar con su arte en sus propios espacios. El atractivo de "Celine" reside en su capacidad para evocar una belleza etérea y una vulnerabilidad, características que a menudo quedan eclipsadas en los espacios bulliciosos y dinámicos donde suelen ubicarse el arte pop urbano y el grafiti. La obra refleja los aspectos más tranquilos y reflexivos de la experiencia humana, como lo haría un mural escondido en un rincón apacible de una calle concurrida. El impacto perdurable de "Celine" radica en su sutil invitación al espectador: a detenerse, a apreciar la belleza en la quietud y a considerar la profundidad de la experiencia humana. La decisión de Winnel de retratar a una mujer en un momento de vulnerabilidad constituye una poderosa declaración dentro del contexto más amplio del arte pop urbano, a menudo dominado por temas más estridentes y agresivos. A medida que «Celine» encuentra su lugar entre coleccionistas y amantes del arte, continúa tejiendo su narrativa, tan relevante hoy como en 2014. Se erige como testimonio de las posibilidades de intercambio entre el mundo de las bellas artes y el arte urbano, un testimonio del poder de la belleza y la vulnerabilidad en un mundo a menudo hostil e implacable. A través de su arte, Bec Winnel contribuye a la evolución del arte pop urbano y el grafiti, asegurando que la narrativa siga siendo tan diversa y multifacética como la propia experiencia humana.

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Interstellar Jelly Deck Fine Art Edición Limitada Impresión de Pigmento de Archivo Transferencia sobre Tabla de Skate Steep Natural Prensada en Frío por la Artista de Bellas Artes Tara McPherson. Edición limitada de 50 monopatines, edición 2022. Tamaño: 8x32. Transferencia de impresión de pigmentos de archivo sobre tabla de skate Steep Natural prensada en frío. Tamaño: 8 x 31,875 pulgadas. Lanzamiento: 28 de junio de 2022.

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Bamba. Serigrafía de edición limitada en lámina de oro, impresa a mano en 7 colores sobre papel de algodón Canson de 300 g/m², por Violeta Hernández. Arte callejero único. Famosa artista del arte pop. Edición limitada de 35 ejemplares, firmada y numerada por mí, con lámina dorada, 29x29 pulgadas (29x29 pulgadas). Esta obra se elabora mediante dos procesos manuales: serigrafía a seis colores y estampado en caliente, aplicado mediante presión y calor. Todo el proceso se realiza en papel Canson de 300 gramos, 100% algodón y libre de ácido. Todas las piezas están firmadas y numeradas por mí, en una edición muy limitada de 35 ejemplares. Debido a su elaboración artesanal, las piezas pueden presentar ligeras variaciones entre sí. Tamaño de la impresión: 74x74 cm (29x29 pulgadas). Bamba de Violeta Hernández – Una celebración en lámina dorada del mito, la identidad y la feminidad moderna en el arte pop callejero y el grafiti Bamba es una vibrante serigrafía de siete colores, realizada a mano con acabado en lámina dorada, creada por Violeta Hernández en 2022. Esta pieza de edición limitada, firmada y numerada en una tirada de tan solo 35 ejemplares, mide 74 x 74 cm (29 x 29 pulgadas) y está impresa en papel de algodón Canson de 300 g/m². La obra se somete a dos minuciosos procesos manuales: la aplicación de seis capas de serigrafía, seguida de un estampado en caliente con lámina dorada, ejecutado bajo calor y presión. Estas capas crean profundidad, textura y una dimensionalidad brillante imposible de replicar digitalmente. Cada pieza constituye una variación única dentro de la edición, revelando sutiles diferencias en la tinta y la lámina dorada, producto de las técnicas aplicadas a mano. El uso de papel de bellas artes 100% algodón, libre de ácido, garantiza la durabilidad y la calidad de archivo de la obra, mientras que su audaz composición gráfica cautiva la mirada con una elegancia imponente. Violeta Hernández y el poder de la iconografía femenina Violeta Hernández, una aclamada artista radicada en México, es conocida por su impactante lenguaje visual que fusiona la precisión gráfica con motivos surrealistas y simbología cultural. En Bamba, presenta una poderosa figura femenina de rasgos definidos, grandes ojos rojos y una expresión a la vez serena y potente. Su cabello negro fluye con dinamismo, adornado con llamativas alas naranjas en las orejas, creando una presencia etérea y mitológica. La composición fusiona lo sagrado y lo imaginativo, con iconografía en la túnica de la figura que incluye un ojo que todo lo ve, explosiones cósmicas y una bestia mítica estilizada. Estos símbolos elevan al personaje más allá del retrato, transformándola en una deidad o protectora moderna. Violeta Hernández explora con frecuencia temas de feminidad, poder interior y memoria ancestral, utilizando líneas precisas y paletas radiantes para construir su visión de la identidad. Esta obra transmite ese mensaje con claridad visual y una presencia imponente. Elaboración de materiales y el proceso de la lámina de oro El proceso de acabado mediante estampado en caliente con lámina, aplicado con calor y presión, confiere a Bamba su característica más deslumbrante: brillantes adornos dorados que captan y reflejan la luz de maneras siempre cambiantes. Este efecto dorado realza el misticismo de la composición, enfatizando elementos clave como las alas ornamentales y los símbolos celestiales. Las capas de serigrafía se componen de siete pasadas distintas, cada una alineada con precisión y aplicada manualmente. Este laborioso proceso garantiza que cada impresión transmita la riqueza táctil de la artesanía, con la tinta palpable sobre el sustrato de algodón. El papel Canson de 300 g/m² ofrece una superficie lujosa, elevando aún más el impacto visual. Debido a la naturaleza manual del trabajo de serigrafía y estampado, cada ejemplar presenta mínimas diferencias, lo que hace que cada edición sea ligeramente única. Esta integridad y variación del material es un sello distintivo de la obra de Violeta Hernández, que refleja su compromiso con el arte por encima de la producción en masa. Bamba como hito simbólico en el arte pop callejero y el grafiti Bamba es una obra maestra del arte urbano pop y el grafiti. Combina el lenguaje visual nítido del arte pop con el espíritu rebelde de la creatividad callejera y la profundidad narrativa del arte simbólico. La fusión de elementos mitológicos y la fuerza femenina la convierte en un ejemplo sobresaliente de la cultura visual latinoamericana contemporánea. Violeta Hernández presenta una figura imponente, lejos de ser pasiva, plasmada en un estilo que equilibra la estética pop moderna con la energía ancestral. Con una edición limitada de solo 35 ejemplares, cada uno firmado y elaborado con supervisión personal, Bamba se erige como una pieza de colección única y una vibrante declaración de identidad cultural y poder personal. Es una obra que no solo decora el espacio, sino que lo comunica, iluminando las narrativas de fuerza, historia e innovación artística inherentes a la expresión visual moderna.

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Alice Bag, serigrafía de edición limitada de 3 colores impresa a mano sobre papel artístico fino Speckletone de Shepard Fairey x Melanie Nissen. Arte callejero raro OBEY Pop Artwork Artist. 2022. Firmada por Shepard Fairey y Melanie Nissen, numerada. 18x24 pulgadas. Serigrafía sobre papel grueso color crema Speckletone. Edición numerada de 550 ejemplares. Me emocionó mucho conocer y colaborar con Melanie Nissen porque, como cofundadora de la revista Slash, fotografió a algunas de las figuras y momentos más importantes de los inicios del punk angelino, una escena que me influyó profundamente como artista. El nuevo libro de Nissen, Hard+Fast, con sus fotos punk de 1977 a 1980, tiene un diseño precioso y está repleto de imágenes increíbles. Tras pensarlo detenidamente, decidí que quería hacer una ilustración de Alice Bag. La conocí en mi adolescencia gracias al documental de Penelope Spheeris, "The Decline of Western Civilization", pero The Bags no publicaron mucha música y era difícil encontrarla. Sin embargo, al leer libros sobre la escena punk de Los Ángeles como "We Got The Neutron Bomb" y "Lexicon Devil", además del libro de la revista Slash, me di cuenta de que Alice era una figura clave en la escena angelina que ha seguido creando música fantástica y es una defensora acérrima de las causas latinas y feministas. Además, es una persona muy agradable. Me alegra celebrar a Alice por sus contribuciones a la cultura, tanto entonces como ahora. Si no conoces a The Bags, te recomiendo que consigas «All Bagged Up… The Collected Works 1977-1980». – Shepard

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Obra de arte anatómica Meluxine, impresión giclée de edición limitada en papel de bellas artes del artista de graffiti de la cultura pop Jason Levesque. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2014). Tamaño de la obra: 12 x 12 pulgadas.

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Impresiones de pigmentos de archivo de edición limitada de Sirena Tiburon en papel de bellas artes de 310 g/m² de Tatiana Suarez, artista de graffiti callejero, arte pop moderno. Tatiana Suarez es una artista radicada en Miami, Florida. Su encantador estilo es inconfundible: sus característicos ojos atraen al espectador a un mundo bello y surrealista. Ricas en símbolos que provienen de su herencia brasileña y salvadoreña, sus figuras parecen estar bajo el agua, congeladas en una hermosa quietud. Los personajes, de ojos grandes y expresivos, tienen un aire infantil, pero también desprenden connotaciones sensuales, adornados con plantas, insectos y otros elementos inquietantes. La belleza se presenta junto con criaturas exóticas, incluso espeluznantes, para crear narrativas mágicas.

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Compra Into The Night MMXXI- Serigrafía de edición limitada tirada a mano en 2 colores dorado/negro en papel de trapo Coventry de 290 g/m² con bordes embellecidos por Cleon Peterson Rare Street Art Famoso artista pop. 32 x 32 pulgadas. Serigrafía dorada y negra tirada a mano. impreso en papel Coventry Rag de 290 g/m² con bordes decapados. Cada impresión está firmada y numerada. Edición limitada de 125 La visualidad del trabajo de Cleon Peterson se basa en una variedad de influencias, desde la cerámica griega antigua hasta los cómics, lo que da como resultado una monocromía y un fuerte simbolismo de colores. Más detalladamente, las figuras existen en múltiples líneas rectas, algo que, posteriormente, crea la ilusión de que la obra de arte está dividida en niveles. La perspectiva y la impresión de profundidad existen moderadamente en el arte de Peterson y, al igual que en los jarrones griegos, el espacio del fondo suele dejarse vacío o ligeramente embellecido.

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En la naturaleza de la ensoñación No 2 PP HPM Impresión de archivo de Helice Wen Edición limitada Pintada a mano Múltiple sobre papel de bellas artes de 290 g/m² Obra de arte moderna de artista pop. Prueba de impresión PP 2020 Firmada y marcada PP HPM Pintura acrílica Impresión con detalles pintados a mano Edición limitada Tamaño de la obra 17x24 Pigmento de archivo Bellas Artes. Explorando la fusión del arte pop callejero y el grafiti en "In The Nature of Daydreaming No 2" de Helice Wen El mundo del arte ha presenciado en los últimos tiempos una cautivadora fusión de estilos y técnicas, como lo demuestra "In The Nature of Daydreaming No. 2" de Helice Wen. Esta obra es un ejemplo estelar de cómo los artistas contemporáneos entrelazan elementos del arte pop urbano y el grafiti para crear obras innovadoras y visualmente impactantes. Lanzada en 2020, esta edición limitada de impresión múltiple pintada a mano (HPM) de calidad de archivo exhibe la visión única de Wen, fusionando técnicas tradicionales de bellas artes con la energía cruda y expresiva del arte urbano. Helice Wen, artista reconocida por su obra emotiva y evocadora, aporta una perspectiva fresca al arte pop. Su obra "In The Nature of Daydreaming No. 2" destaca especialmente por el uso de pintura acrílica sobre papel de bellas artes de 290 g/m², una elección que refleja la combinación de durabilidad y delicadeza en su trabajo. La obra, de 43 x 61 cm, es testimonio de su dominio tanto de la escala como del detalle. La importancia de las pruebas de imprenta (PP) en el arte contemporáneo La edición PP, o Prueba de Impresor, de esta obra ocupa un lugar especial en el mundo del arte. Tradicionalmente, las pruebas de impresor se consideraban parte del proceso de grabado, reservadas para el uso del impresor y no destinadas a la venta. Sin embargo, en el arte contemporáneo, estas pruebas han adquirido valor como piezas únicas, a menudo más codiciadas que las ediciones estándar debido a su rareza y a la participación directa del artista. La decisión de Wen de firmar y marcar esta pieza como PP HPM aumenta aún más su exclusividad y atractivo para los coleccionistas. El arte de la pintura a mano: un puente entre las bellas artes y la estética urbana El carácter artesanal de esta obra es un aspecto crucial de su encanto y valor. Los detalles pintados a mano en el arte implican que el artista añada toques personales a cada impresión, haciendo que cada pieza de la edición sea única. En el contexto de la obra de Wen, esta práctica difumina la línea entre las impresiones artísticas tradicionales y la espontaneidad e individualismo del arte urbano. El uso de pintura acrílica para los detalles pintados a mano en «In The Nature of Daydreaming No 2» no solo añade textura y profundidad a la obra, sino que también la impregna de la energía cruda característica del grafiti. Calidad de archivo y su papel en la conservación del arte moderno El uso de pigmentos de archivo en las bellas artes es otro aspecto que distingue la obra de Wen. Estos pigmentos son conocidos por su durabilidad, lo que garantiza que la obra no se decolore ni se deteriore con el tiempo. Esta longevidad es esencial para coleccionistas y amantes del arte que consideran la compra de estas piezas como una inversión. El papel de bellas artes de 290 g/m² utilizado en esta impresión contribuye aún más a su durabilidad, logrando un equilibrio óptimo entre gramaje y textura. En resumen, «In The Nature of Daydreaming No 2» de Helice Wen es un ejemplo fascinante de cómo los artistas contemporáneos fusionan el arte pop urbano, el grafiti y las bellas artes. Mediante la elección del medio, los detalles aplicados a mano y la atención a la calidad de archivo, Wen ha creado una obra que no solo destaca en el panorama del arte moderno, sino que también desafía y expande los límites de las formas artísticas tradicionales.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Niña con galgo. Impresión tipográfica de edición limitada, tirada a mano a dos colores, sobre papel de bellas artes, por Dan Christofferson- Beeteeth. Arte callejero raro. Famoso artista de arte pop.

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Marilyn Monroe 01 Edición Limitada Serigrafía de Técnica Mixta con Detalles Pintados a Mano sobre Papel Pesado de 200 libras por Bobby Hill Artista Callejero de Graffiti Arte Pop Moderno. Cada pieza es única y los colores, la pintura y las pinturas en aerosol hechas a mano por el artista son aleatorios, varían, ¡y es posible que no reciba el artículo exacto que se muestra en la imagen! «Utilizo imágenes fotográficas como base para mi arte, pero a veces dibujo directamente sobre el acetato antes de quemar las pantallas para resaltar partes de las imágenes que considero importantes. Cada pieza de esta edición fue serigrafiada individualmente y pintada a mano con diversos acrílicos y otros medios. Fíjense en los colores más que en la imagen, aunque a veces resulte difícil. Los colores representan lo que sucede en mi vida en cada momento.» - Bobby Hill

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Serigrafía negra de «Disparo policial» de Cleon Peterson sobre papel Coventry Rag Fine Art Paper de 290 g/m² con bordes irregulares. Obra de edición limitada. 2015 Firmado y numerado Cleon Peterson Edición limitada de 150 Tamaño de la obra 14x18 Impresión serigráfica. La serigrafía de Cleon Peterson de 2015, «Disparos policiales a negros», es una voz contundente en el arte pop callejero y el grafiti. La serigrafía de edición limitada de Cleon Peterson de 2015, titulada «Police Shooting Black» (Disparo a un policía negro), es un poderoso ejemplo de arte urbano pop y grafiti con fuerte contenido político que no se guarda nada. Impresa en papel artístico Coventry Rag de 290 g/m² con bordes irregulares, esta pieza de 35,5 x 45,7 cm se lanzó en una edición firmada y numerada de 150 ejemplares. La impresión presenta una silueta negra y austera que muestra a un policía sin rostro disparando contra una persona indefensa en el suelo. Peterson emplea un estilo inconfundible: limpio, agresivo e intencionadamente desprovisto de detalles para centrarse por completo en la narrativa del poder, la sumisión y el conflicto social. Es más que un comentario; es una confrontación visual. Cleon Peterson: Artista estadounidense con una visión arraigada en la violencia y las dinámicas de poder. Cleon Peterson nació en 1973 en Estados Unidos y continúa creando obras que abordan profundamente temas como el caos, el abuso institucional y la violencia sistémica. Antiguo artista callejero que también ha trabajado en ilustración y moda, Peterson suele centrar su práctica en la representación de la lucha violenta. Sus obras están repletas de figuras arquetípicas que recrean las brutales dinámicas de poder de la sociedad moderna. «Police Shooting Black» destaca en su obra no solo por su formato de edición limitada, sino también por su representación directa de la violencia policial racializada. No es una imagen ambigua. Las figuras hablan con inmediatez, canalizando incidentes reales en una alegoría de alto contraste. La ausencia de rostro tanto del opresor como del oprimido crea una inquietante universalidad, implicando a los sistemas en lugar de a los individuos. La economía visual de la violencia en el arte pop callejero y el grafiti Esta obra traslada la urgencia callejera del grafiti a la vez que aprovecha el control formal de la serigrafía y la presentación en galería. El arte pop callejero y el grafiti suelen tomar prestado el lenguaje visual de la señalización comercial, la propaganda y la rebeldía, y la obra de Peterson no es una excepción. Las figuras son icónicas, cada línea intencional, cada silueta cargada de simbolismo. Peterson reduce la imagen a su esencia emocional y psicológica, amplificando la sensación de deshumanización y brutalidad sistémica. El uso del blanco y negro refuerza aún más la crudeza emocional, evitando la distracción del color. Cada detalle de la composición es provocador y está calculado para generar respuesta, conversación e incomodidad. El papel de trapo de Coventry y la técnica de serigrafía como medios de resistencia El uso del papel Coventry Rag de 290 g/m², conocido por su calidad de archivo y su superficie texturizada, aporta solemnidad y permanencia a lo que de otro modo podría percibirse como una imagen de protesta efímera. La serigrafía, tradicionalmente empleada en la producción en masa, se eleva aquí a la categoría de técnica artística, ofreciendo precisión y audacia sin dejar de evocar sus orígenes underground y callejeros. La elección de material y técnica de Peterson sirve para resaltar la dualidad del arte pop callejero y el grafiti: su existencia entre las paredes de las galerías y los muros políticos, entre el coleccionismo y la disidencia. Cada impresión está recortada a mano, lo que le confiere un carácter distintivo —literal y figurativamente— que refleja la emoción cruda y el mensaje elaborado que encierra la obra. ¿Te gustaría leer reseñas de otras impresiones o proyectos de Peterson?

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Prueba de artista Tomadachi AP, impresión de edición limitada de bellas artes con pigmentos de archivo sobre papel Moab Entrada de 290 g/m² de la artista Jolene Lai. Prueba de artista AP 2018 Firmada y marcada AP Edición limitada Impresión de pigmento de archivo Tamaño de la obra 16x20 La intersección de narrativas urbanas en "Tomadachi" de Jolene Lai (Prueba de artista AP) La prueba de artista "Tomadachi" de Jolene Lai encapsula la fusión del arte pop urbano y el grafiti, sumergiendo al espectador en una narrativa que revela mucho sobre la experiencia urbana. Esta impresión artística de edición limitada, realizada con pigmentos de archivo y plasmada en papel Moab Entrada premium de 290 g/m², representa una pieza de colección excepcional. Marcada como "AP" para indicar su condición de prueba de artista y firmada por Lai en 2018, esta edición se distingue de las series limitadas estándar, tradicionalmente reservadas para el uso personal del artista o su distribución privada a coleccionistas y galerías. "Tomadachi" de Lai ofrece una ventana a los momentos de soledad que puntúan el ajetreo de la vida urbana. La obra, de 40,6 x 50,8 cm, es íntima a la vez que dialoga con el vasto paisaje urbano, encarnando la esencia del arte pop urbano y el grafiti a través de su narrativa visual. La escena —que muestra una figura solitaria sentada junto a un oso de peluche gigante en una parada de autobús— captura un momento conmovedor y surrealista en medio de la tranquilidad nocturna de la ciudad. Esta fusión de lo personal con lo público, de lo imaginado con lo real, eleva la obra de Lai dentro del género. Capturando el latido de la calle en forma de bellas artes «Tomadachi» de Jolene Lai es un testimonio de su habilidad para capturar el lenguaje visual de las calles y transformarlo en arte. La elección del papel Moab Entrada para esta impresión subraya la calidad de archivo de la obra. Realza la viveza de la paleta de colores, una paleta que evoca la audacia del arte urbano y el atractivo del arte pop. La obra de Lai no es una simple imagen estática, sino una narrativa dinámica que invita a la interpretación y la reflexión personal, un sello distintivo del arte urbano pop y el grafiti más impactantes. La designación de Prueba de Artista de esta impresión en particular añade un nivel de exclusividad, ya que generalmente se imprime un número reducido de copias antes de la edición principal. Coleccionistas y entusiastas valoran estas pruebas por su rareza y su fidelidad a la visión original de la artista. En el contexto de «Tomadachi» de Lai, la serie de Pruebas de Artista se convierte en un testimonio del proceso creativo de la artista, ofreciendo una visión de sus deliberaciones y refinamientos artísticos. Legado e influencia del "Tomadachi" en el arte contemporáneo El legado de "Tomadachi" en el arte pop urbano y el grafiti se consolida gracias a su narrativa y su impacto visual. Como prueba de artista, ocupa un lugar especial en la trayectoria de Jolene Lai, ofreciendo una comprensión más profunda de su recorrido artístico. La obra sirve de puente entre lo underground y lo mainstream, una pieza que se integra con igual naturalidad en un callejón de arte callejero o en una galería de arte. "Tomadachi" de Jolene Lai es más que una simple impresión; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de la vida urbana y los paisajes emocionales que la definen. Es una pieza que sigue inspirando conversación y admiración entre coleccionistas, críticos y aficionados al arte pop urbano y al grafiti, afianzando la posición de Lai como una artista contemporánea relevante con una aguda percepción de las narrativas que emergen en medio del caos concreto de la vida urbana.

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Compre TITLE Hand-Pulled 4-Color en MEDIUM Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Obra de arte Tamaño XXXX Serigrafía INFORMACIÓN

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Compra Dream Catchers Impresión de serigrafía de edición limitada tirada a mano de 17 colores en papel satinado Somerset de 410 g/m² por Eelus Rare Street Art Famoso artista pop. 2022 27.55x27.55 Edición limitada firmada

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Mioras Cup, prueba de artista, impresión de bellas artes con pigmentos de archivo, edición limitada sobre papel Moab Entrada de 290 g/m² de la artista Amy Sol, obra de arte moderna. Prueba de artista AP 2016. Edición limitada firmada y marcada. Tamaño de la obra: 18x24. Mioras Cup: Una obra maestra moderna del arte pop callejero de Amy Sol La prueba de artista de Mioras Cup es una obra de arte cautivadora creada por Amy Sol, una artista estadounidense reconocida por su estilo suave y surrealista que a menudo incorpora la naturaleza y temas oníricos. Conocida por su estética contemporánea, la obra de Sol conecta con quienes aprecian el arte pop urbano y los elementos del grafiti, principalmente por su sensibilidad moderna y su conexión con la naturaleza y la humanidad. La impresión de Mioras Cup, producida como prueba de artista en 2016, destaca como una pieza significativa en su portafolio, ofreciendo una creación de edición limitada que posee valor y atractivo. Esta impresión se realizó en papel Moab Entrada de 290 g/m², conocido por su alta calidad y sus características de archivo, que ayudan a mantener la viveza y el detalle de la obra original. El enfoque artístico único de Amy Sol El enfoque artístico de Amy Sol se distingue por su cualidad onírica, enfatizando una paleta de colores pastel suaves y formas orgánicas. Sus obras suelen estar repletas de elementos inspirados en la naturaleza, como flores, pájaros y hojas, entrelazados con figuras femeninas que transmiten una sensación de introspección y conexión con el entorno. «Mioras Cup» ejemplifica este estilo, presentando una figura femenina central rodeada de un follaje exuberante y etéreo, y pájaros que emergen orgánicamente de su entorno. Esta armonía visual entre el ser humano y la naturaleza es un motivo recurrente en la obra de Sol, otorgándole una profundidad emocional que conecta con el espectador. La edición de prueba de artista de «Mioras Cup», de 45,7 x 61 cm, está cuidadosamente elaborada para capturar cada detalle de la técnica de Sol. El papel Moab Entrada, una opción premium para la impresión de bellas artes, realza las texturas suaves y los colores tenues, manteniendo la fidelidad de la obra original y permitiendo a los coleccionistas experimentar la pieza tal como la artista la concibió. Este papel es el preferido por su calidad de archivo, que garantiza que los matices sutiles y los detalles intrincados de la obra de arte permanezcan intactos a lo largo del tiempo. El atractivo moderno del arte pop callejero en la obra de Sol Aunque la obra de Amy Sol no se enmarca dentro del grafiti tradicional, su enfoque en las ediciones limitadas se alinea con la filosofía del Street Pop Art, que busca incorporar piezas coleccionables de alta calidad al ámbito de las bellas artes. Tanto en el Street Pop Art como en el grafiti, la conexión del artista con el público es crucial, recurriendo a menudo a ediciones limitadas para preservar la autenticidad y la exclusividad. Al crear la Copa Mioras como una prueba de artista firmada y marcada, Sol preserva esta sensación de rareza, convirtiendo cada pieza de la edición en un objeto de colección. Este enfoque refleja la influencia de la transición del arte urbano del dominio público a los espacios privados de los coleccionistas, fusionando accesibilidad con exclusividad. En la Copa Mioras, la combinación de formas humanas y naturales puede interpretarse como una reflexión moderna sobre los temas de identidad y medio ambiente. Su habilidad para comunicar estos temas a través de imágenes suaves y surrealistas sitúa a Sol dentro de un movimiento contemporáneo que valora la maestría artística y la accesibilidad urbana del Street Pop Art. La obra Mioras Cup de Amy Sol continúa cautivando a espectadores y coleccionistas, convirtiéndose en una pieza valiosa de cualquier colección de arte moderno.

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Compre TÍTULO Impresión serigrafiada a 4 colores tirada a mano en una obra de arte Pop Street Art de edición limitada MEDIANA. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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También sube el mar - El príncipe rana. Edición limitada. Serigrafía a color impresa a mano sobre papel de bellas artes por Tim Doyle, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Serie II de 2014. Edición limitada de 150 ejemplares. Tamaño de la obra: 24 x 36 pulgadas. "Fiesta - Incidente 28: El príncipe rana da órdenes a su homúnculo." Este póster serigrafiado a mano mide 24x36 pulgadas.

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Compre TÍTULO Impresión de serigrafía de 4 colores tirada a mano en MEDIANO por Desirable Artist ARTIST Obra de arte pop de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Conserva tu serigrafía Cromie de Faile, impresa a mano en 6 colores sobre papel de algodón de bellas artes, edición limitada. Edición limitada de 2023, firmada y numerada, de 20 ejemplares. Tamaño de la obra: 27,56 x 39,37 pulgadas. Serigrafía de una mujer punk con navaja automática tipo estilete. En el siempre cambiante panorama del arte contemporáneo, "Save Your Cromie" se erige como un vívido testimonio de la síntesis entre el arte pop y el arte urbano. Esta serigrafía del prestigioso artista Faile emerge del turbulento contexto de 2023 y captura el espíritu de la época con su impactante y rebelde imaginería. Es evidente que la obra transmite un profundo mensaje sobre las normas sociales, la resistencia y el empoderamiento femenino, enfatizado por la icónica representación de una mujer punk empuñando una navaja automática. Realizada a mano con seis colores distintos sobre papel de algodón de alta calidad para bellas artes, la calidad de esta pieza es inconfundible. Cada tono contribuye a narrar una historia, fusionando el atractivo estético del arte pop con la energía cruda del grafiti. Los intrincados patrones y motivos que adornan el fondo enriquecen aún más la imagen central, convirtiendo la composición no solo en un espectáculo visual, sino en un viaje narrativo. De disponibilidad limitada, solo se realizaron 20 ejemplares de esta obra, cada uno meticulosamente firmado y numerado por los propios artistas. Con unas dimensiones de 70 x 100 cm, ofrece un amplio espacio para que los detalles resalten, cautivando al espectador una y otra vez. Para coleccionistas y aficionados, «Save Your Cromie» es mucho más que una obra de arte. Es un pedazo de historia, un reflejo del sentir social y, sobre todo, una muestra de cómo el arte pop y el arte urbano, dos géneros aparentemente dispares, pueden converger para crear algo verdaderamente fascinante. Con esta pieza, Faile invita a los espectadores no solo a ver, sino también a sentir, pensar y cuestionar, convirtiéndola en una adición esencial para cualquier colección.

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Super Predator Edición Limitada Serigrafía de 8 colores impresa a mano en papel de bellas artes por Derek Hess Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. «Divirtiéndome con tanques y chicas. El texto de fondo son las instrucciones del juego Risk y las letras en las sombras son cartas de Penthouse.» - Derek Hess

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Beautiful Dreamer 2 Edición Limitada Impresión Serigráfica Manual de 2 Colores sobre Papel de Bellas Artes por Aelhra Artista Callejera de Graffiti Arte Pop Moderno. Edición limitada de 100 ejemplares, firmada y numerada, 2010. Tamaño de la obra: 18 x 24 pulgadas.

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Reacción elemental. Arte surrealista en papel secante. Edición limitada. Litografía offset impresa en hoja de papel perforado por el artista Naoto Hattori. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada a mano (2014). Tamaño de la obra: 8,3 x 10,8 pulgadas. Hoja de papel secante perforada

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Solitary Child 1. Impresiones de pigmento de archivo de edición limitada en papel de bellas artes de 310 g/m² de Hikari Shimoda, artista callejero de graffiti, arte pop moderno. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada (2016). Tamaño de la obra: 12x12 pulgadas. «Niño Solitario» es una serie de obras centradas en mi tema original: la inevitabilidad del Apocalipsis. En esta serie, presento un nuevo salvador para la humanidad: una niña mágica (Niño Solitario n.º 1) y un niño héroe (Niño Solitario n.º 3). En el mundo de mis pinturas, la humanidad ha perecido, como se aprecia en el fondo de collage, donde se manifiesta un caos generalizado. En estas imágenes, mis salvadores se encuentran con la raza humana agonizante. Tras la muerte del hombre, el mundo ha encontrado cierto alivio a la agitación que él provocó. Mientras tanto, la humanidad sueña egoístamente con una nueva felicidad en el más allá. En la mitología de mi obra, a medida que la humanidad es destruida, solo una figura permanece: el Mesías, representado como un niño. La niña mágica fue la primera en quedar sola tras la destrucción de la humanidad, abandonada a su suerte con la desesperación y el daño que dejó tras de sí. Sus ojos brillan con intensidad, pero su mirada está vacía. En contraste, los ojos de mi héroe permanecen cerrados. Con suavidad. Para él, todo en el mundo es muy caótico y abrumador. Siente toda la felicidad, la desesperación, la esperanza, la tristeza, todo… en tal estado que incluso el salvador del mundo debe cerrar los ojos ante ello. - Hikari Shimoda Niño solitario 1 Impresión de pigmento de archivo de Hikari Shimoda Solitary Child 1 es una obra inquietante y luminosa de la artista japonesa Hikari Shimoda, realizada en 2016 como una impresión de pigmento de archivo de edición limitada sobre papel de bellas artes de 310 g/m². Con unas dimensiones de 30,5 x 30,5 cm y perteneciente a una edición firmada y numerada de tan solo 50 ejemplares, esta impresión es una muestra excepcional del arte pop urbano y el grafiti contemporáneos. El lenguaje visual de Hikari Shimoda está profundamente influenciado por el anime, el manga y las tradiciones de la cultura pop japonesa, pero trasciende estos marcos al incorporar un profundo comentario sobre la angustia psicológica, la desesperación existencial y la identidad fragmentada de la inocencia postapocalíptica. Un Mesías Infantil en un Mundo Distópico Posterior Solitary Child 1 presenta a un personaje central de una intensidad casi abrumadora: una niña con un traje de chica mágica adornado con corazones y un atuendo de estilo marinero. Su cabello rosa y rojo se extiende con una energía visual desbordante, cubierto de estrellas y motivos cósmicos. La composición circular sugiere una ventana a otra dimensión, una que ya ha asimilado el colapso de la humanidad. Sus grandes ojos brillantes, con efectos cromáticos que simulan el 3D, miran fijamente al frente, sin mostrar juicio ni tristeza. Este vacío es intencional, un hilo conductor en la obra de Shimoda que busca evocar tanto el distanciamiento como una resiliencia forzada. En el fondo —un collage arremolinado de desechos, símbolos y fragmentos abstractos— se filtra el caos de una civilización olvidada. Shimoda sitúa a su personaje como testigo y superviviente. La niña no llora por el mundo, sino que existe más allá de él, como su último vestigio o quizás como su redentora reacia. Sus ojos, centelleantes como galaxias y estrellas, están llenos de asombro y terror. Su pequeña figura contrasta con la densidad de información visual que la rodea, recordando al espectador que ya no es una niña en el sentido tradicional, sino un tótem de esperanza, destrucción, memoria y trascendencia. La narrativa del apocalipsis y el realismo mágico Esta lámina forma parte de la serie «Niño Solitario» de Shimoda, que reflexiona sobre la inevitable decadencia de la humanidad y el surgimiento de niños simbólicos como figuras mesiánicas. Su uso de arquetipos de chicas mágicas y héroes infantiles fusiona la estética kawaii contemporánea con temas existenciales desgarradores. El resultado es una paradoja visual: atractiva e inocente en apariencia, pero profundamente reflexiva sobre el fracaso social, el vacío emocional y la búsqueda de sentido tras la ruina cultural. «Niño Solitario 1» es más que una obra de arte pop; es una reflexión filosófica envuelta en texturas vibrantes y alucinógenas. Una voz singular en el lenguaje visual del pop apocalíptico La obra «Solitary Child 1» de Hikari Shimoda se sitúa en la intersección de la fantasía del anime, la estética pop y el realismo emocional posmoderno. Impresa con extraordinaria precisión en papel de archivo, la pieza equilibra delicadas texturas de pincel con una precisión cromática digital de alto impacto. Cada obra de la edición está firmada a mano y numerada individualmente, preservando su lugar en el selecto panteón del arte urbano pop y el graffiti coleccionables. A medida que Shimoda continúa ganando reconocimiento internacional, obras como «Solitary Child 1» sirven como portales a su rica mitología imaginativa, donde la desolación apocalíptica y la inocencia mágica colisionan para cuestionar qué significa salvar un mundo que no puede salvarse a sí mismo.

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La obra de arte "La consagración de la primavera" (The Consagración de la primavera) se imprime en formato giclée de edición limitada sobre papel grueso de bellas artes por el artista de graffiti de la cultura pop Gene Guynn.

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Reina del Amor - Serigrafía Azul de Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impresión manual de 10 colores sobre papel artístico de grano fino. Edición limitada. Edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada, del año 2024. Tamaño de la obra: 22x22. Serigrafía de una tarjeta de la Reina de Corazones con la frase "Forever Yours" escrita en azul en el frente. Una sorprendente unión de color y simbolismo La serigrafía «Queen of Love Blue» de Mr Brainwash, también conocido como Thierry Guetta, es un vibrante ejemplo de arte pop urbano y grafiti fusionados con referencias a la cultura pop. Guetta, artista francés, se ha ganado el reconocimiento por su ingeniosa reinterpretación de imágenes icónicas. Esta obra, lanzada en 2024, mide 56 x 56 cm y se presenta como una edición limitada de 50 ejemplares, firmada y numerada. La pieza gira en torno a la reina de una baraja, sobre un fondo marrón que imita cartón, adornado con cinta adhesiva y etiquetas de envío. La frase en azul brillante, de estilo grafiti, que cruza la carta, enfatiza la fusión entre refinamiento y un estilo urbano irreverente. Mediante técnicas de serigrafía de diez colores meticulosamente superpuestas, Guetta plasma la esencia de asombro, espontaneidad y alegría que sus seguidores aprecian en su dinámico trabajo. Esta edición está impresa en papel artístico de grano fino, lo que le confiere una calidad táctil y atemporal. Los bordes ligeramente irregulares y los tonos radiantes evocan una sensación de artesanía. Los observadores se sienten atraídos por la meticulosa alineación de la reina, emblema clásico de suerte y seducción. La llamativa frase azul, pintada con audacia sobre la figura, actúa como una declaración subversiva que desafía las percepciones tradicionales de la iconografía real. El estilo característico de Guetta, que combina iconografía y texto de inspiración urbana, crea un contraste impactante entre lo refinado y lo espontáneo. La presencia lúdica de la carta evoca tanto una sensación de lujo como un recordatorio de que la iconografía popular puede reinventarse mediante intervenciones similares al grafiti. Impresión a diez colores e influencia callejera El proceso de serigrafía consta de diez capas de color individuales, aplicadas a mano para garantizar precisión y una saturación vibrante. Cada pasada añade una nueva dimensión, dando como resultado una composición multifacética que evoca la energía de los murales de grafiti. Esta técnica distingue la obra de las impresiones producidas en masa, subrayando la dedicación de Guetta a la calidad y a un estilo distintivo. Los contornos nítidos de la reina y los patrones rítmicos de las etiquetas de envío evidencian una sólida base en la estética pop. A su vez, los trazos crudos de las letras, similares al aerosol, transmiten la espontaneidad esencial de la cultura urbana. Esta fusión de estructura y rebeldía es un sello distintivo del movimiento del Arte Pop Urbano y el Grafiti, que busca unir el lenguaje visual de los espacios urbanos con el atractivo vibrante de los motivos populares. Temas impactantes y comentarios ingeniosos Quienes contemplan la serigrafía azul «Queen of Love» se encuentran con múltiples significados. La reina evoca los juegos de cartas clásicos y sugiere conceptos de suerte, estrategia y poder. Al colocarla sobre un fondo que simula un contenedor de transporte, Guetta enmarca el motivo en un contexto de transporte y fragilidad. La cinta adhesiva y los símbolos de precaución resaltan los temas del valor y la protección, invitando a reflexionar sobre cómo los objetos preciosos se desplazan a través de los sistemas globales. El texto azul en negrita invita a dialogar sobre las relaciones personales y el riesgo emocional, ofreciendo un recordatorio inspirador de que el afecto y la lealtad pueden trascender lo ordinario. Estas múltiples referencias animan a los coleccionistas a interpretar la obra de maneras que resulten inmediatas y relevantes para la sociedad contemporánea. Coleccionabilidad y atractivo moderno Los aficionados al arte suelen sentirse atraídos por las obras de Mr Brainwash debido a su imaginería reconocible, impregnada de paletas de colores brillantes y exuberantes referencias pop. Esta edición serigráfica, realizada a mano, destaca por su combinación de técnicas de impresión refinadas y estética urbana cruda, creando una pieza que fusiona opuestos de forma impactante. Cada impresión captura la individualidad del enfoque del artista, asegurando ligeras variaciones que aportan carácter a la serie de 50. El tamaño de 22x22 ofrece un formato sustancial pero versátil, que atrae la atención sin saturar el espacio. Al combinar símbolos clásicos de amor y poder con etiquetas de envío y un toque de grafiti, Guetta invita a ver iconos familiares desde una perspectiva más dinámica. Como parte del diálogo entre el arte pop urbano y el grafiti, la serigrafía «Queen of Love Blue» encapsula un momento del arte contemporáneo donde las referencias históricas se encuentran con la innovación urbana en una explosión de creatividad.

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Impresiones de edición limitada Shadow Boxer con pigmentos de archivo en papel Museum Natural Fine Art de 310 g/m² de Sarah Joncas, artista de graffiti callejero, arte pop moderno. Tenía una foto de referencia que me tomé hace muchos años. Ese día había perdido mi cuaderno de bocetos y no tenía nada sobre lo que pintar, así que empecé a usarme como modelo en una especie de sesión de fotos kitsch de estilo noir. Siempre me gustó la foto y quise plasmarla en un cuadro, pero no fue hasta que surgió esta exposición que encontré el lugar adecuado para la imagen. Aunque no soy para nada tan dramática, violenta ni iracunda como se ve en la pintura (todo lo contrario), ¡fue muy divertido interpretar a ese tipo de personaje vengativo! Siempre he dicho que pintar es mi forma tranquila y tímida de actuar... Me gusta pintar historias y transmitirlas de una manera que conmueva y provoque reflexión, como si fuera una película. - Sarah Joncas

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Regreso al Futuro - Impresión luminosa de edición limitada, serigrafía de 8 colores impresa a mano sobre papel Natural Cougar Cover de 100 lb por el artista Tim Doyle, arte pop moderno. Edición limitada de 150 ejemplares, firmada y numerada (2015). Obra de arte de 16x24 pulgadas. Regreso al futuro, película, hombre, mujer, coche, tiburón, pez, pistolero salvaje, viaje en el tiempo, ciencia ficción

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Compre TÍTULO Pop Street Artwork Edición limitada Giclee Print en MEDIUM por Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Edición limitada firmada y numerada de XXX Tamaño de la obra de arte XXXX INFORMACIÓN

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Obra de arte Brick Woman, impresión giclée de edición limitada en papel grueso de la artista de graffiti de la cultura pop Lady Pink. 2005, Edición limitada de 25 copias giclée en papel grueso. Firmadas y numeradas, tamaño 45,7 x 43,2 cm (18" x 17").

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