Du métro à la galerie - Histoire de l'art du graffiti moderne
, par Bobby Banks, 17 min temps de lecture
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Au fil des années, les artistes de rue ont réussi à s'imposer comme des créateurs respectés et certains d'entre eux ont même acquis une renommée internationale, transformant le graffiti d'un art marginal, visant parfois à marquer le territoire des gangs de rue, en une grande entreprise. Comment ce changement est-il même devenu possible ? Le graffiti d'aujourd'hui est-il exempt de la stigmatisation liée au vandalisme ? Que vous considériez le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme une forme de vandalisme irresponsable, une chose est certaine ; ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public sur les plus grandes galeries du monde. Le graffiti est sans aucun doute quelque chose de nouveau depuis que les humains ont commencé à dessiner sur des surfaces il y a des milliers d'années. Néanmoins, les graffitis sous la forme la plus connue de nos jours sont apparus grâce à des processus établis peut-être à Philadelphie vers les années 1960 pour atteindre New York à la fin de la décennie. Les années 1970 ont été une décennie de forte acné pour l'art du graffiti et c'est alors qu'il s'est popularisé et a commencé à occuper une part importante de l'espace public, faisant sentir sa présence à la population générale, qui verrait alors les fenêtres du métro et les espaces publics. murs couverts de tags et de peintures de plus grande envergure.
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En tout cas, au fil des années, les artistes de rue ont réussi à s'imposer comme des créateurs respectés et certains d'entre eux ont même acquis une renommée internationale, transformant le graffiti d'un art marginal, visant parfois à marquer le territoire des gangs de rue, en gros business. Comment ce changement est-il même devenu possible ? Le graffiti d'aujourd'hui est-il exempt de la stigmatisation liée au vandalisme ? Autant de questions sur lesquelles nous tenterons d'éclairer, tout en tentant d'explorer l'histoire du graffiti moderne et la place qu'il revendique dans la culture d'aujourd'hui. "Graffiti" est étymologiquement lié au verbe grec "γράφειν", qui se traduit par "gratter, dessiner ou écrire". Par conséquent, le graffiti peut être défini comme l'acte d'écrire, de dessiner ou de peindre sur les surfaces d'une structure dans un espace public, généralement à l'aide de peinture en aérosol/de marqueurs. Le premier exemple connu de graffitis se trouve dans la grotte française de Lascaux datant d'il y a 17 000 ans. Passant à l'histoire moderne, pendant la Seconde Guerre mondiale, "Kilroy était ici", était une expression standardisée typique utilisée par les soldats pour établir une connexion non écrite entre eux, leur permettant de laisser leur marque dans autant de murs différents que possible. Cette mentalité était étroitement liée au graffiti moderne, fortement motivé par le désir de l'artiste d'affirmer son existence. Taki 183, l'un des premiers tagueurs de New York, avait déclaré : « J'aimais la sensation de faire parler mon nom, et j'aimais l'idée de m'en tirer comme ça. Une fois que j'ai commencé, je ne pouvais plus m'arrêter ». Les années 1960 sont la décennie de naissance du graffiti moderne. Les États-Unis sont sans aucun doute la région générale dans laquelle les premiers graffitis sont apparus. Selon certaines sources, c'est à Philadelphie que tout a commencé ; cependant, d'autres identifient New York et ses quartiers noirs et latinos, où la musique hip-hop était florissante à l'époque. Il est également important de noter que c'est à cette époque que la bombe aérosol a été inventée, offrant aux premiers artistes de rue un médium pratique et relativement bon marché. Au début de l'histoire du graffiti, le terme «artiste» n'était pas couramment utilisé pour décrire les personnes impliquées dans cette sous-culture de rue. Au contraire, ils étaient surtout appelés « écrivains » ou « taggers ». À ce stade, l'essence du graffiti était de créer de simples tags ou signatures et d'essayer de les copier dans autant d'endroits que possible, afin que tout le monde puisse les voir. Parmi les tagueurs les plus célèbres de cette époque, citons Julio 204 et Taki 183 originaires de New York et Corn Bread de Philadelphie, qui revendiquent tous la « première étiquette », même s'il est difficile de l'identifier avec certitude. Bientôt, ces premiers créateurs ont réalisé une énorme réalisation : et s'ils commençaient à utiliser des wagons de métro et des trains comme surfaces pour leurs tags ? De cette façon, leurs messages parcourraient de grandes distances et, par conséquent, atteindraient un plus grand nombre de téléspectateurs.
Naturellement, il n'a pas fallu longtemps pour que les murs du métro se retrouvent couverts de tags. Ce nouvel élément de mouvement a ajouté une autre dimension à l'art du graffiti. Dans de nombreux cas, les tagueurs étaient motivés par l'état d'esprit que leur art serait apprécié, non plus sous une forme statique, mais en mouvement. Le sociologue américain Richard Lachmann mentionne ce qui suit : « La plupart des meilleurs graffitis étaient destinés à être appréciés en mouvement, lorsqu'ils traversaient des stations sombres et ternes ou sur des voies surélevées. Les photos et les toiles de graffiti ne peuvent pas transmettre l'énergie et l'aura d'une œuvre d'art géante en mouvement. Depuis lors, les graffeurs n'ont jamais perdu leur intérêt à laisser leurs traces dans les véhicules en mouvement et l'image des métros du monde entier s'est transformée à jamais. À partir de ce moment et au-delà, les balises sont passées par un long processus de variations. La culture du graffiti gagnant de plus en plus en popularité aux États-Unis et en Europe, les tagueurs se devaient d'être de plus en plus originaux pour se démarquer. Les signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées. De plus, de nouveaux styles calligraphiques ont été introduits, tandis que les artistes ont commencé à expérimenter avec des canettes d'articles ménagers, qui leur étaient accessibles, tels que des nettoyants pour four, etc. En conséquence, cela a augmenté la liberté de création des tagueurs qui ont commencé à essayer de nouveaux sprays. effets et épaisseurs de trait. Pour ces premiers graffeurs, dont la majorité étaient pauvres et dans une certaine mesure socialement marginalisés, avec des choix de vie limités, le marquage était une demande de reconnaissance et de respect. Dans son livre, Graffiti Lives: Beyond the Tag dans l'Urban Underground de New York , Gregory Snyder affirme qu'il s'agissait avant tout de "la célébrité et le respect de leurs actes". Vers le milieu des années 1970 et plus encore dans les années 1980, le graffiti devient la cible de vives critiques et se retrouve en « guerre » avec les autorités officielles. Il n'y avait aucun autre endroit sur terre, que New York, où une telle somme d'argent et de ressources a été utilisée pour cette guerre particulière. Le graffiti était une véritable cible politique à cette époque et comme Martha Cooper l'a commenté à propos d'Edward Coch, ancien maire de New York : « Pour Koch, le graffiti était la preuve d'un manque d'ordre autoritaire ; ainsi, la présence de graffitis a eu un effet psychologique qui a fait de tous les citoyens sa victime par une perturbation de l'ordre visuel, favorisant ainsi un sentiment de confusion et de peur chez les gens. Pour des politiciens comme Edward Koch et John Lindsay, il s'agissait de revendiquer leur autorité. Nettoyer la ville des graffitis se traduisait souvent par le suivi et la recherche de jeunes après l'école, le piquetage de leurs maisons et l'interrogation d'informateurs afin de collecter des informations sur des écrivains potentiels.
Un soutien financier supplémentaire a même été fourni à la Metropolitan Transit Authority (MTA), qui a lancé en 1984 le «Clean Car Program», qui, des années plus tard, est resté dans les mémoires comme son projet phare dans l'espoir d'éradiquer les graffitis. Cependant, comme l'a noté le journaliste Jeff Chang, les tentatives de MTA "n'ont fait qu'intensifier davantage le processus de changement stylistique, car il y avait beaucoup plus de cibles potentielles, et ce sont toutes des toiles propres". Naturellement, les écrivains et les équipes ont riposté et ont vu ces restrictions comme un défi qu'ils devaient surmonter, devenant avec le temps de plus en plus territoriaux avec leurs cibles. Sans surprise, les graffitis étaient tout sauf éliminés des rues de New York. De nos jours, il continue de prospérer et gagne de plus en plus d'acceptation, car les gens et les critiques commencent à en voir la valeur artistique. En tant que forme d'art, il continue d'évoluer et selon le pays et la culture, il intègre différents éléments, par exemple, l'art inspiré des mangas dans les rues du Japon. De nos jours, le graffiti s'est développé d'une manière qui a conduit à sa commercialisation - peut-être partielle - et, en raison de l'inquiétude croissante suscitée par la crise environnementale, de plus en plus de gens commencent à discuter des effets négatifs que la peinture en aérosol, en tant que médium, a sur l'atmosphère.
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Peu importe son histoire controversée, elle est de moins en moins considérée comme une forme de vandalisme. Bien sûr, dans certains cas, les graffitis finissent toujours par être nettoyés et retirés sur place des espaces publics ou privés. En revanche, certaines régions privilégient l'aspect artistique de celui-ci et veillent à la protection et à l'entretien d'œuvres publiques spécifiques. La controverse entourant le graffiti a cette question principale à sa base : qu'est-ce qui constitue l'art ? Quelle que soit la réponse à cette question, il est un fait qu'en ce moment le graffiti a gagné une place dans la scène de la culture pop et de l'art contemporain, existant à la fois dans les rues et en même temps dans les halls de certains des plus grands musées. Cette transition exacte de la rue au musée fait réfléchir à la différence que ce changement a apportée à l'essence du graffiti. Caleb Neelon, graffeur et éducateur, fait quelques observations intéressantes sur cette question : « Les artistes qui maîtrisent l'art de la peinture dans la rue peuvent peut-être créer un travail encore plus grand en studio, où ils ont plus de temps, de ressources et n'ont pas à s'inquiéter de la météo (ou de la police). Ce qu'ils pourraient perdre, c'est le volume de personnes qui voient leur travail au quotidien. En réalité, les graffitis en tant que tels ne sont pas couramment vus dans les galeries et les musées, du moins par rapport à d'autres formes d'art. Néanmoins, une certaine esthétique a été introduite et incorporée dans les œuvres de nombreux artistes. Un exemple remarquable est le travail de Jean Dubuffet, peintre et sculpteur français, qui a adopté les tags et les motifs graphiques dans son art. Cela montre que l'influence du graffiti sur la culture moderne et contemporaine va au-delà des graffitis eux-mêmes, puisque ces œuvres ont fini par inspirer des artistes d'autres genres également. La question clé, cependant, demeure : « Le commercialisme tue-t-il lentement le street art ? ». Certains considèrent la grande popularité et l'entrée du graffiti dans la scène du grand art comme quelque chose d'intrinsèquement positif, car cela permet aux artistes de promouvoir leur art auprès d'un public plus large, s'assurant ainsi une reconnaissance et des bénéfices financiers pour eux-mêmes. D'autre part, la capitalisation du graffiti fait craindre que l'art de la rue ne perde son caractère et son originalité au profit de contrats de marque et de contrats lucratifs. En d'autres termes, l'esprit anarchique du graffiti peut-il rester vivant dans l'espace asphyxiant hautement poli et commercialisé d'une galerie ? La rhétorique anticapitaliste du street art peut-elle jamais correspondre à la rentabilité de celui-ci ? De nos jours, de grandes marques comme Coca Cola, Nike, Zippo et d'autres se sont associées à des artistes de rue célèbres, qui ont créé des pièces inspirées par elles.
Un exemple bien connu est le cas de Fauxreel, artiste de rue, qui a rempli les rues de Toronto et d'autres villes du Canada avec des œuvres inspirées de Vespa. Les deux partis se sont associés et ont préparé cette campagne, qui a soulevé une vague de réactions contre Fauxreel l'accusant de "se vendre". L'artiste lui-même a déclaré : « J'ai abordé le projet Vespa Squarehead dans le but de soulever des questions sur le rôle de la publicité dans l'espace public, d'examiner la zone grise entre le street art, le graffiti et la publicité et d'essayer d'établir des liens entre les produits et l'identité des gens. Si je peux terminer une série de travaux qui poseront et examineront ce genre de questions et que cela me permettra de gagner de l'argent en même temps, il n'y a rien de mal à cela à mon avis. En conséquence, la question ne se limite pas à une critique sur la base de la commercialité dominante. La polémique autour du partenariat entre Fauxreel et Vespa soulève également des questions sur les limites du street art et de la publicité de rue. La question, dans ce cas, est de savoir si oui ou non un artiste doit pouvoir tirer profit de l'espace public. Si oui, qu'est-ce qui différencie les street artistes des grandes marques qui exploitent aussi l'espace public à leur profit ? Un autre exemple est la coopération de Ben Eine avec Luis Vitton, qui a abouti à une écharpe de 465 £, mettant en lumière la manière dont le street art communique avec le capitalisme et l'élite. D'un autre côté, jusqu'à quel point le street art peut-il rester fidèle à ses racines originelles récalcitrantes lorsqu'il finit par produire des œuvres d'art à un tel prix ? Le graffiti est issu de la sous-culture et est devenu l'un des ambassadeurs des plus grandes marques du monde. Outre les contrats de partenariat, le street art fait aujourd'hui également l'objet de critiques en raison de la participation de nombreux artistes à d'immenses expositions à l'échelle internationale. Comme mentionné précédemment, cela garantit une couverture publique massive et des bénéfices importants pour les créateurs. À bien des égards, le street art s'est réintroduit auprès du public, sans couper les liens avec ses racines sous-culturelles des années 1960 et 1970. De nos jours, le graffiti est célébré comme une forme d'art et les personnes appartenant à cette culture ne sont généralement pas considérées comme marginalisées. De nombreux pays ont partiellement décriminalisé le street art et certaines des plus grandes marques internationales du monde sont prêtes à payer des sommes importantes en échange de partenariats avec des artistes populaires. Même les musées et les galeries d'art accueillent le street art dans leurs collections.
Bansky, peut-être l'artiste de rue le plus célèbre du moment, a exposé son travail aux côtés de Pollock, Van Gogh, Caravaggio et Picasso. Dans ces conditions et compte tenu du passage de plusieurs décennies, il est rationnel de s'attendre à ce que l'art de la rue passe par une série de processus qui vont le transformer. Après tout, l'art et surtout le street art est censé être libre, fluide et arbitraire. Cela signifie que les artistes ont droit à la liberté de choisir leurs partenariats et si leurs œuvres se retrouveront ou non dans des expositions. Ce sur quoi la plupart des auteurs s'accordent, c'est que l'argent est important. Comme le commente Eine : « Nous voulions juste peindre des trucs et rire. Les gens ont commencé à vouloir acheter nos trucs et nous sommes devenus des artistes. Nous ne sommes plus des putains d'enfants qui courent partout pour taguer des choses. Maintenant, c'est mon vrai travail. Je gagne de l'argent avec ça maintenant. C'est un travail. J'ai 2 ex-femmes et un tas d'enfants, donc je ne vois pas d'argent, mais c'est ma vie. Si je n'avais pas d'engagements, les ex-femmes, les enfants, je recommencerais à le faire illégalement. Mais je dois gagner de l'argent ». Dave Stuart, artiste de rue, fait le constat suivant : « Si vous enlevez l'argent, cela devient un projet artistique. Si vous rajoutez de l'argent, cela devient-il autre chose ? » Au final, pourquoi est-ce vraiment important ? Récemment, la fille au ballon de Bansky a été vendue aux enchères chez Sotheby's pour 1 043 000 £. C'est le prix le plus élevé auquel l'une de ses pièces a réussi à être vendue. L'histoire de cette œuvre s'arrêterait ici si Bansky n'avait pas installé un mécanisme caché à l'intérieur du cadre de la pièce, qui l'a détruite au moment précis de son achat. Girl with Ballon a commencé à se déchiqueter, laissant le public s'interroger sur le sens de cet acte. L'art autodestructeur n'est pas nouveau. Alors, quel était le message de Bansky ? Certains ont dit qu'il s'agissait d'une déclaration contre la commercialisation de l'art, une déclaration selon laquelle il ne peut pas être acheté parce qu'il est censé être gratuit et accessible à tous. En tout cas, c'est un exemple intéressant de la façon dont le street art peut encore être politique et critique du système capitaliste d'aujourd'hui. En réalité, l'ironie de Girl with a Ballon est qu'il a fallu moins de 20 £ pour créer, a été vendu pour environ 1 000 000 £ et même après son déchiquetage, son prix a présenté une augmentation de 20 %. Plus important encore, une œuvre d'art vendue aux enchères chez Sothebys - l'un des plus grands marchés d'art au monde - et qui a quand même réussi à marquer un point et à lancer des conversations sur le capitalisme, la prétention artistique et la culture de consommation.
Aujourd'hui, le graffiti traverse un processus d'institutionnalisation et de commercialisation extrême et le terme « écrivain » utilisé auparavant tend à être remplacé par le terme « artiste de rue ». Peu importe ces différences, cependant, l'un des éléments qui est resté intact depuis les années 1960 est la motivation des artistes à toucher le plus de monde possible, que ce soit dans la rue ou à travers des expositions muséales. De ce point de vue, le street art connaît un essor plus vigoureux que jamais et il a gagné le respect du public et de la critique, qui ne le traitent plus comme un art brut. Dans le même temps, les artistes eux-mêmes ont acquis une reconnaissance et leur art vaut des millions de dollars. En d'autres termes, la question de savoir si l'on se concentre sur la commercialisation du street art comme preuve de dégénérescence et de décadence ou comme une forme d'art révolutionnaire qui continue de progresser et de répandre l'émancipation sociale et l'activisme est sujette à débat. Quelle que soit l'opinion que l'on a, en fin de compte, le graffiti est une partie vivante de notre culture et il continue d'être présent non seulement dans l'art que nous consommons, mais aussi dans les publicités que nous voyons, les vêtements que nous portons et, encore, les rues que nous marcher.
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