Shepard Fairey - OBÉIR

Rollins Capitalism - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, signée par Henry Rollins, sur papier d'art Speckletone de qualité supérieure par Shepard Fairey. Œuvre d'art de rue rare, artiste pop OBEY. Sérigraphie signée et numérotée par Henry Rollins, ROLLINS CAPITALISME, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 1200 exemplaires, 28 août 2012 Henry Rollins est un de mes héros depuis que j'ai découvert Black Flag en 1984. Son goût musical exceptionnel et sa production prolifique, son engagement politique, son éthique de travail hors du commun et sa conscience sociale sont pour lui un modèle. Il est constamment en tournée et reste très attentif à l'actualité mondiale. Avant la récession de 2008, il avait une chronique dans son émission télévisée où il déclarait : « Le président affirme que les fondamentaux de l'économie sont solides… Moi, je dis : apprenez le chinois ! » Sa nouvelle tournée s'intitule CAPITALISME et je suis certain qu'il aura beaucoup de choses pertinentes, drôles et peut-être même prophétiques à dire. J'ai eu l'honneur d'illustrer son concept pour la tournée, en le représentant en Oncle Sam vaincu. Quelques tirages, signés par Henry et moi, sont disponibles sur mon site. Le reste sera disponible lors de sa tournée, un événement à ne pas manquer. Procurez-vous un tirage avant que le capitalisme américain ne s'effondre sous le poids de son propre ego. – Shepard Fairey

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War By Numbers VSE- OG Colorway Variable Stencil Edition Œuvre acrylique sur papier d'art finement découpé à la main par les artistes de rue Shepard Fairey x Ernesto Yerena Montejano x Hecho Con Ganas x Obey. 2022 War By Numbers VSE - Coloris OG 20x26,5 pouces. Édition ultra rare signée et numérotée (14 exemplaires). Édition à pochoir variable (VSE) sur papier. Signée par Shepard Fairey, cachet de l'éditeur Hecho Con Ganas en bas à gauche. « Créée pendant la guerre d'Irak, cette œuvre n'en demeure pas moins une œuvre essentielle, car la quête de la paix exige une vigilance constante, et l'invasion actuelle de l'Ukraine nous rappelle la brutalité de la guerre. L'image « La Guerre par numéros » est un message sur la nécessité de ne pas se laisser désensibiliser par la guerre au point de la banaliser comme une peinture à numéros. L'« Éléphant de la paix » est un appel à notre sens du karma et à notre harmonie avec le monde qui nous entoure. » – Shepard Fairey « War By Numbers VSE - OG Colorway » est une œuvre emblématique, fruit de la collaboration brillante entre Shepard Fairey, Ernesto Yerena Montejano, Hecho Con Ganas et Obey. Imprimée sur un papier d'art finement frangé à la main avec une minutie extrême, cette œuvre de 50,8 x 67,3 cm (20 x 26,5 pouces) témoigne non seulement du talent de ses créateurs, mais explore également en profondeur le tissu social et politique des enjeux mondiaux contemporains. Datée de 2022, cette pièce se distingue comme une édition extrêmement rare de la technique du pochoir variable (VSE) sur papier, limitée à 14 exemplaires, chacun signé et numéroté avec soin. La présence du sceau de l'éditeur Hecho Con Ganas dans le coin inférieur gauche renforce son authenticité et sa valeur intrinsèque. Si l'œuvre elle-même est une merveille de jeu de couleurs et de conception, son message sous-jacent est à la fois intemporel et urgent. Les propres mots de Shepard Fairey éclairent la motivation derrière la création de cette œuvre, soulignant qu'elle a vu le jour pendant la guerre d'Irak. Pourtant, sa portée dépasse largement ce conflit. L'œuvre se dresse comme un rappel poignant du coût de la guerre, notamment dans le contexte tragique de la récente invasion de l'Ukraine. Fairey attire avec justesse l'attention sur les dangers de l'accoutumance face aux horreurs des conflits, suggérant que la société ne doit jamais laisser la dévastation de la guerre devenir aussi banale qu'une image à colorier. Ce sentiment est renforcé par l'inclusion de l'« Éléphant de la Paix », symbole de l'aspiration universelle à l'harmonie et appel à la conscience collective de l'humanité. Dans le vaste univers du pop art, du street art et du graffiti, « War By Numbers » témoigne de la capacité de l'art à transcender la simple esthétique, incitant les spectateurs à se confronter aux problèmes les plus urgents du monde et à s'y engager.

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Sedation of Millions AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2012 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie du numéro 3 dans une réplique de cible d'arme à feu avec la phrase « IL FAUT LA SÉDATION DE MILLIONS POUR NOUS RETENIR. » « L’estampe « La sédation de millions » s’inspire du titre de mon album préféré de Public Enemy, « It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back ». Je pense que le plus grand problème en Amérique est l’indifférence et la complaisance face aux questions importantes, conséquences d’une hypnose perpétuelle exercée par la consommation ostentatoire, les réseaux sociaux, les divertissements et l’automédication. Recourir à la sédation et à l’évasion pour échapper à la course effrénée du quotidien risque de nous rendre moins conscients (dans une ignorance béate), mais aussi moins capables d’améliorer notre rôle au sein de cette même course… un cercle vicieux de cause à effet. » – Shepard Fairey La sérigraphie « Millions AP » de Shepard Fairey constitue un commentaire profond sur la société contemporaine à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Épreuve d'artiste de 2012, signée et marquée par Fairey lui-même, cette pièce en édition limitée présente une image puissante, fusionnant avec un message direct, caractéristique du style provocateur de l'artiste. Mesurant 45,7 x 61 cm, l'estampe représente une cible de tir, le chiffre 3 placé en évidence en son centre, sur lequel se superpose la phrase percutante « IT TAKES THE SEDATION OF MILLIONS TO HOLD US BACK » (Il faut la sédation de millions de personnes pour nous retenir). Cette œuvre fait écho à l'exploration constante par Fairey des thèmes du contrôle, du pouvoir et de la propagande. Le titre et le contenu thématique rendent hommage à l'album « It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back » de Public Enemy, canalisant l'esprit de résistance et la force de la voix emblématiques de ce groupe de hip-hop influent. L'œuvre de Fairey invite le spectateur à réfléchir aux conséquences sociétales de la complaisance et aux effets anesthésiants de la société de consommation, des réseaux sociaux et du divertissement, qui contribuent à une indifférence collective face aux enjeux cruciaux. Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY et l'affiche emblématique « Hope » d'Obama, brouille constamment les frontières entre beaux-arts et art urbain, suscitant des débats qui résument l'esprit des deux genres. La sérigraphie « Millions AP » n'est pas seulement une œuvre d'art, mais aussi un appel à la prise de conscience, incitant à rompre avec la « douce ignorance » engendrée par l'évasion et prônant l'émancipation par la prise de conscience et l'action. Cette œuvre est une manifestation visuelle de la critique de Fairey sur la nature cyclique de l'anesthésie sociale et sur l'importance de s'en éveiller pour impulser le changement au sein des systèmes qui régissent notre quotidien. Dans le champ plus large du pop art et du graffiti, l'estampe « Millions AP » de Fairey incarne l'essence même de la capacité de ce médium à refléter et à influencer le dialogue culturel. C'est un témoignage du potentiel de l'art visuel comme moyen de commentaire social et un marqueur de l'époque de sa création.

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) - Collection In-Crowd - Objet d'art 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». L'œuvre « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un magnifique fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète les qualités introspectives et souvent méditatives que peut susciter l'art contemporain. L'exposition a marqué un tournant dans l'histoire de l'art, présentant des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre représente un moment clé de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », d'Ari Marcopoulos, est une sérigraphie de 2004 sur papier d'archivage sans acide, mesurant 50,8 x 40,6 cm. Cette œuvre fait partie d'une série limitée très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter le monde au-delà du papier. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et de la culture underground. « Justin » est bien plus qu'un simple portrait ; C'est une œuvre marquante, une pièce qui parle au collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Un ajout intemporel à toute collection, alliant beauté esthétique et richesse culturelle. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance (Mini-livre de 1999) « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Présenté dans un boîtier orange vif, il fait écho à l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et reflétant le soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, souvent caractérisé par des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre constitue un lien tangible avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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AR-15 Lily - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier chiffon de coton Coventry personnalisé, par l'artiste de rue Shepard Fairey. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 41 cm. Dans la riche tapisserie de l'art moderne, la sérigraphie AR-15 Lily de Shepard Fairey occupe une place à part. Chef-d'œuvre contemporain, cette estampe grand format, aux dimensions impressionnantes de 30 x 41 pouces, témoigne du savoir-faire impeccable de Fairey et de sa profonde compréhension des enjeux sociaux. Créée en 2022, l'AR-15 Lily, tout comme son pendant, l'AK-47 Lotus, reflète l'inspiration que Fairey a puisée dans les manifestations emblématiques contre la guerre du Vietnam. Ces âmes courageuses, dans un geste symbolique de paix, glissaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale, présente pour réprimer leurs appels passionnés au calme. Shepard Fairey, artiste de rue et graffeur de renom, est connu pour mêler culture pop, art urbain et problématiques sociales brûlantes dans ses œuvres, et cette pièce ne fait pas exception. Son choix d'une technique de sérigraphie en quatre couleurs pour cette édition limitée à 100 exemplaires lui confère une exclusivité et une élégance indéniables. Cette estampe, réalisée avec une minutie extrême sur papier Custom Cotton Coventry Rag, évoque la nostalgie et le conflit ancestral entre violence et paix. Fairey, comme il l'exprime lui-même, se dit profondément pacifiste. Son œuvre n'est pas seulement une expression artistique, mais un appel à la diplomatie et à l'harmonie, tant sur la scène internationale que nationale. Sans remettre en cause le Deuxième Amendement, il insiste sur la nécessité de réduire les morts inutiles dues à la violence armée. Dans un monde où la frontière entre art et militantisme est souvent floue, l'engagement de Fairey envers les causes qu'il soutient est manifeste. Une partie des bénéfices de cette œuvre, par exemple, est reversée à Brady United, une organisation qui lutte contre la violence armée. « AR-15 Lily » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est une déclaration forte, une invitation à la réflexion et un témoignage de l'engagement indéfectible de Fairey en faveur de la paix. « Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants contre la guerre du Vietnam qui déposaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale déployée pour réprimer leurs manifestations. Je suis pacifiste, que ce soit en trouvant des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter les guerres à l'international ou pour prévenir et éviter la violence armée chez moi. Je ne suis pas contre le Deuxième Amendement, alors calmez-vous… Je ne suis pas intéressé par les discours machistes, je veux juste que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait un excellent travail de prévention contre la violence armée et recevra donc une partie des bénéfices de ces deux estampes. Merci de votre soutien. » – Shepard Fairey

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Protégez la planète bleue - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs sur papier Coventry Rag 100 % coton, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2022. Sérigraphie signée et numérotée, bords frangés à la main, 76 x 104 cm (30 x 41 pouces), sur papier Coventry Rag 100 % coton de qualité archive. Édition limitée à 75 exemplaires, signés et numérotés. Imprimé par Obey Giant. « Protect The Blue Planet » témoigne de l’engagement de Shepard Fairey à utiliser son art comme vecteur de défense de l’environnement, fusionnant les univers du pop art, du street art et du graffiti. Cette sérigraphie bicolore en édition limitée, réalisée à la main, révèle la relation complexe entre l’humanité et son environnement. Imprimée sur du papier Coventry Rag 100 % coton, le choix de ce matériau souligne l’engagement de Fairey envers un art durable. Le format de l’œuvre, 76 x 104 cm, offre une expérience immersive, accentuée par ses bords frangés à la main, qui lui confèrent une dimension tactile et organique, évoquant les bords bruts des affiches de rue. En s’associant à la fondation PangeaSeed pour la sortie de cette œuvre à l’occasion du Mois de la Terre, Fairey incarne les préoccupations environnementales urgentes de notre époque. Au cœur de l’œuvre se trouve la représentation d’une baleine franche de l’Atlantique Nord, espèce menacée, qui rayonne d’un mandala contenant la Terre. Ce mandala, puisant ses racines dans diverses traditions culturelles, symbolise l'harmonie, l'unité et l'interdépendance des écosystèmes planétaires. Les ornements floraux qui le composent s'épanouissent comme symboles d'une harmonie florissante, tandis que la présence contrastée de flammes rappelle avec force la menace omniprésente du réchauffement climatique. Le texte « Protégeons la planète bleue » et « Un océan, un peuple », associé à la palette de bleus choisie, attire l'attention sur le lien indissociable entre la santé des océans et un monde durable. Figure emblématique du street art, Fairey a toujours repoussé les limites de son art, et avec « Protégeons la planète bleue », il brouille une fois de plus les frontières entre expression artistique, activisme et responsabilité sociale, rappelant au monde son rôle dans la sauvegarde de la planète. Pour célébrer le Mois de la Terre, en collaboration avec la Fondation PangeaSeed, j'ai le plaisir de vous présenter « Protégeons la planète bleue », une œuvre mettant en scène une baleine franche de l'Atlantique Nord, espèce menacée, émanant d'un mandala dont la Terre est le point central. Dans plusieurs cultures, le mandala symbolise l'harmonie, l'unité et la plénitude, des concepts essentiels pour appréhender l'interdépendance des écosystèmes, des peuples et des espèces de notre planète. Le mandala arbore des ornements floraux, symboles d'harmonie épanouie, mais aussi des flammes, rappelant les dangers du réchauffement climatique. Les inscriptions « Protégeons la planète bleue » et « Un océan, un peuple », intégrées à l'œuvre, ainsi que la palette de couleurs bleues, soulignent le lien crucial entre la santé des océans et celle de notre planète. – Shepard

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Achetez We Own the Future sérigraphie 2 couleurs tirée à la main sur du papier d'art Speckletone crème par l'artiste pop graffiti Shepard Fairey - Obey x Antonino D'Ambrosio Rare Street Art Limited Edition Artwork. 2013 Signé par Shepard Fairey/ Antonino D'Ambrosio & Édition Limitée Numérotée de 450 Illustrations Taille 18x24 Shepard Fairey X Antonino D'Ambrosio We Own the Future The Makers of Fire Transform Our World With Creative Response, 2013 Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté 24 x 18 pouces (61 x 45,7 cm) (feuille) Ed. 26/450 Signé, numéroté et daté au crayon en bas. Edité par Obey Giant, Los Angeles La sérigraphie "We Own the Future" de Shepard Fairey fait partie de sa série OBEY Giant, qui est devenue une marque de fabrique de son travail de street artiste et de graphiste. Connu pour ses images audacieuses et emblématiques et ses messages stimulants, Fairey a créé de nombreuses œuvres d'art qui visent à inspirer la conversation et à défier les normes sociétales. "We Own the Future" ne fait pas exception. L'impression présente un design saisissant avec une figure centrale entourée d'une typographie audacieuse et d'un collage de motifs et de formes. L'œuvre évoque un sentiment d'autonomisation et d'optimisme, encourageant le spectateur à considérer son rôle dans la formation de l'avenir. Comme pour de nombreuses œuvres de Fairey, la pièce intègre son utilisation caractéristique de la couleur, en particulier du rouge, pour créer un fort impact visuel. Bien que Shepard Fairey soit souvent associé à son affiche emblématique "Hope" mettant en vedette Barack Obama lors de la campagne présidentielle de 2008, "We Own the Future" n'a aucun lien direct avec Obama. Au lieu de cela, cette œuvre fait partie du corpus plus large de Fairey, qui englobe une gamme de thèmes et de messages qui tournent souvent autour des problèmes sociaux, de l'activisme et du pouvoir de l'individu.

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Scratch on the Wire, sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, une couleur, sur papier Cream Speckletone, par Shepard Fairey x Dennis Morris, artiste de street art rare et célèbre du pop art. 61 x 61 cm. Sérigraphie à l'encre argentée métallisée sur papier Speckletone crème épais. Photographie originale de Dennis Morris. Signée par Shepard Fairey et Dennis Morris. Édition numérotée à 600 exemplaires. Limite d'une commande par client/foyer. « Le légendaire producteur de reggae et pionnier du dub, Lee « Scratch » Perry, est décédé le 29 août. J’ai découvert Lee Perry en me plongeant dans l’univers de Bob Marley et des Wailers, et j’ai appris qu’il avait produit plusieurs titres phares du groupe. J’adorais aussi « Police and Thieves » des Clash, dont j’ai appris par la suite qu’il s’agissait d’une reprise de la version de l’artiste jamaïcain Junior Murvin, produite par Lee Perry. Ce dernier a également coproduit le titre « Complete Control » des Clash. » – Dennis Morris

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Affiche de concert en édition limitée pour le Street Weapons Danceright Music Club Event. Impression sérigraphique artisanale 3 couleurs sur papier crème moucheté, réalisée par Matt Goldman (MFG). x Shepard Fairey. De 2006 à 2014, Shepard et moi avons organisé une soirée en club au centre-ville de Los Angeles, appelée Dance Right. Pendant cette période, je créais un flyer chaque semaine, et à partir de ces flyers, j'ai imaginé plusieurs designs qui ont ensuite servi à créer des vêtements pour OBEY Clothing, ainsi qu'une affiche en collaboration avec Shepard et MFG (Matt Goldman). Sortie en 2006. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Papier moucheté noir, rouge foncé et or métallisé. Édition limitée à 300 exemplaires, signés et numérotés par Shepard Fairey et Matt Goldman (fabricant). Sorti en 2006

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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« Protect the Sacred », œuvre d'art graffiti en édition limitée, lithographie offset sur papier crème moucheté, par l'artiste de rue Shepard Fairey. 2015 - Lithographie offset en couleurs sur papier crème épais moucheté, format 91,4 x 61 cm (feuille), signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires - « Protéger le sacré », 2015. Tirage limité à 200 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Protéger le sacré Lithographie offset de Shepard Fairey « Protect the Sacred » de Shepard Fairey est une œuvre emblématique du street art et du graffiti, offrant une expérience visuelle saisissante et un message social poignant. Publiée en 2015 en édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, cette lithographie offset est imprimée sur un papier épais couleur crème Speckletone et mesure 61 x 91 cm. Fairey, figure majeure du street art contemporain, utilise cette œuvre pour donner la parole aux peuples autochtones et souligner l'importance du respect de la terre, de la culture et du caractère sacré de l'environnement. Symbolisme et composition visuelle La composition met en scène un jeune Autochtone, dos nu, debout au bord d'une étendue d'eau sacrée, flanqué de trois chevaux sauvages. Le personnage central fixe l'horizon, symbolisant la réflexion spirituelle, la force générationnelle et la résistance. Un soleil rougeoyant irradie derrière une chaîne de montagnes escarpée, créant une puissante impression d'harmonie et de tension. Ses rayons s'étirent comme un mandala, évoquant l'illumination divine et le renouveau cyclique. L'utilisation contrastée du rouge, du jaune et du noir suscite à la fois l'urgence et le respect – des couleurs souvent associées à l'avertissement et à l'héritage. Chaque élément de la composition a sa propre signification. L'eau, rendue par des blocs ondulants rouges et jaunes, suggère l'instabilité et la réflexion. Les chevaux symbolisent la liberté, la puissance de la nature et la continuité culturelle. Shepard Fairey ancre cette œuvre dans un profond respect des traditions et cosmologies autochtones, qui considèrent la terre et la nature non comme des ressources, mais comme des relations sacrées. L'impression offset comme outil politique Si Shepard Fairey est mondialement reconnu pour ses sérigraphies et ses pochoirs, le choix de l'impression offset pour « Protect the Sacred » est délibéré. ​​Ce procédé permet une diffusion plus large et une reproduction d'une grande fidélité, en accord avec la philosophie de Fairey, qui prône un art politique accessible. L'estampe conserve la précision de ses traits caractéristiques, ses techniques de superposition et sa mise en page inspirée de la propagande, tout en bénéficiant de la finesse d'une affiche haute résolution. Ainsi, l'œuvre devient non seulement un objet de collection, mais aussi un outil de plaidoyer, conçu pour être affiché, utilisé lors de manifestations et alimenté par le débat public. Racines militantes et solidarité culturelle Cette œuvre a été créée en soutien à Honor the Treaties, une organisation qui utilise l'art pour amplifier la voix des communautés autochtones luttant pour la justice environnementale. L'estampe met en lumière le lien entre la terre sacrée et la souveraineté autochtone – une préoccupation centrale pour les militants et les protecteurs de l'eau autochtones à travers l'Amérique du Nord. L'engagement de Fairey dans ce mouvement n'est pas de façade ; il met son langage visuel, sa plateforme et ses ressources d'impression au service de celles et ceux qui ont été historiquement réduits au silence. Protect the Sacred est un exemple éloquent de la façon dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour devenir une arme culturelle. La lithographie offset de Shepard Fairey ne se contente pas de rappeler les injustices passées, elle exige une prise de responsabilité aujourd'hui. C'est un appel à la mémoire, un appel à la protection et un appel à l'écoute.

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La beauté de la liberté et de l'égalité PP Épreuve d'imprimerie Fresque d'Austin par Jon Furlong Lithographie offset Édition limitée sur papier beaux-arts par Shepard Fairey X Sandra Chevrier, artiste de rue pop graffiti urbain. Épreuve d'artiste AP 2020 Signée par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Marquée AP Tirage lithographique offset Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la liberté Égalité PP Impression murale Austin par Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong Austin Texas. Shepard Fairey, Sandra Chevrier et la synergie artistique dans les paysages urbains Le pop art urbain et le graffiti sont des chroniques vibrantes de la culture contemporaine, souvent capables de saisir l'esprit socio-politique du temps à travers leurs tableaux saisissants. La fresque « Beauty of Liberty & Equality » à Austin, minutieusement reproduite par Jon Furlong, est une illustration magistrale de ce genre. Cette œuvre, fruit d'une collaboration entre Shepard Fairey et Sandra Chevrier, est une lithographie qui capture l'essence même de l'interaction du pop art avec les paysages urbains. Créée initialement dans le bouillonnement d'Austin, la fresque se veut une installation d'art public et un dialogue avec les passants, les invitant à réfléchir aux thèmes de la liberté et de l'égalité. Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne « OBEY » et son affiche emblématique « HOPE » pour Obama, apporte à cette œuvre son style distinctif basé sur le pochoir et son engagement politique. Sandra Chevrier, quant à elle, est reconnue pour sa série « Cages », où elle représente souvent des visages de femmes dissimulés par des images de bande dessinée, explorant ainsi les « cages » que la société érige autour des individus. L’œuvre, de dimensions généreuses (45,7 x 61 cm), attire immédiatement le regard tout en invitant à une réflexion intime. « La Beauté de la Liberté et de l’Égalité » est une épreuve d’artiste (EA) 2020, signée par Fairey et Chevrier. Cette signature témoigne de la touche personnelle des artistes et du lien direct qu’ils tissent avec les créateurs, un élément souvent recherché par les collectionneurs et les amateurs de street art. Héritage et valeur de collection des estampes d'art pop urbain en édition limitée L'art urbain, intrinsèquement lié au graffiti, se nourrit d'accessibilité et d'interaction avec le public. Cette estampe murale, conçue dans cet esprit, transforme un mur urbain en une toile qui interroge les idéaux de société et la quête permanente d'égalité. C'est cette interaction entre art et idéologie, puissamment rendue par les styles distincts de Fairey et Chevrier, qui confère à l'œuvre sa profonde résonance. Tirée en édition limitée sur papier d'art, l'estampe « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » est non seulement un discours visuel, mais aussi un artefact d'une grande importance culturelle. Les éditions limitées rehaussent souvent la valeur de l'art urbain, qui est, par nature, éphémère. Grâce à la technique de la lithographie offset, le transitoire devient permanent et l'instant fugace d'une expression artistique est préservé pour la postérité. Dans le domaine de l'art urbain et du graffiti, cette estampe témoigne du pouvoir durable de l'art visuel à questionner, célébrer et méditer les grands idéaux de liberté et d'égalité. La collaboration entre Shepard Fairey, Sandra Chevrier et Jon Furlong pour immortaliser et partager ce moment constitue un chapitre important de l'histoire du street art contemporain.

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Avertissement : Addictif - Planche de skateboard rouge en édition limitée sérigraphiée, illustration de l'artiste de la culture pop urbaine Shepard Fairey OBEY. Je suis un grand fan de l'art et du skateboard d'Andy Howell depuis la fin des années 80, et j'ai suivi avec enthousiasme le lancement de New Deal Skateboards par lui et ses associés en 1990. New Deal a révolutionné le monde du skateboard, non seulement grâce à l'impulsion créative des skateurs, mais aussi parce que le style et l'art d'Andy Howell ont quasiment instantanément transformé l'esthétique et le style du skateboard, passant des crânes et des dragons au graffiti et au hip-hop. New Deal a été la première entreprise axée principalement sur le skate de rue et la culture urbaine, et ses publicités intelligentes et humoristiques célébraient son rôle de pionnière des entreprises détenues et gérées par des skateurs, incarnant le « pouvoir au peuple » et l'« écoute de la rue ». Dès ses débuts, New Deal a donné le ton des années 90. -Shepard Planche de skate Warning Addictive 2020. Édition numérotée à 400 exemplaires. Signée par Shepard Fairey.

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Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs tirée à la main « Universal Dignity » sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, œuvre d'art de rue rare, artiste pop OBEY. Tirage en édition limitée signé, 2022. 45,7 cm x 61 cm. Édition limitée à 600 exemplaires. Disponible le 3 juin 2022. « L’œuvre “Dignité universelle” vise à promouvoir la paix, l’égalité et l’humanité. Je souhaite qu’elle repose sur le principe fondamental que TOUS les êtres humains méritent le respect et la dignité humaine. Cela s’applique au sens universel de la dignité : être valorisé et respecté pour ce que l’on est, pour ce en quoi l’on croit et pour la façon dont on vit. Je me considère comme un citoyen du monde et, bien que je pense que les nations aient une fonction structurelle, tous les êtres humains devraient être égaux et la vie de chacun a la même valeur, quel que soit son lieu de résidence. » – Shepard Fairey

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Collage d'icônes en bas - Tirage sérigraphique 3 couleurs grand format en édition limitée, réalisé à la main sur papier crème moucheté avec bords frangés à la main par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 76,2 x 97,8 cm (30 x 38,5 pouces). Édition limitée à 70 exemplaires numérotés. 31 octobre 2016. Papier d'archivage 100 % coton, bords frangés. Cachet de la maison d'édition OBEY en bas à gauche. Signée par Shepard Fairey.

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Idiocracy AP Artist Proof Limited Edition 4-Color Hand-Pull Silkscreen Print on Fine Art Paper by Shepard Fairey, Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Épreuve d'artiste AP 2016, signée et numérotée, édition limitée à 550 exemplaires, format 18 x 24 pouces, sérigraphie « J'ai toujours pensé que l'art, le divertissement et l'humour étaient les meilleurs vecteurs de critique sociale. J'apprécie donc particulièrement l'utilisation de l'humour dans « Idiocracy » pour rendre la critique sociale plus accessible. Le film est une dénonciation acerbe, mais nécessaire, de la culture et de la politique anti-intellectuelles qui semblent se normaliser de plus en plus. Ce film est une excellente mise en garde, et son ironie est savoureuse : il s'agit d'un divertissement plutôt populaire qui traite des dangers du rejet culturel de tout ce qui est intellectuel ou raffiné. En d'autres termes, le génie du film réside dans sa capacité à toucher le public visé, plutôt que de se contenter de prêcher à l'élite intellectuelle. » - Shepard Fairey - OBEY Idiocracy AP Sérigraphie de Shepard Fairey « Idiocracy » est une sérigraphie d'artiste de 2016, réalisée par Shepard Fairey et créée comme un hommage visuel percutant au film culte du même nom. Tirée à la main en quatre couleurs, cette sérigraphie mesure 45,7 x 61 cm et a été produite en édition limitée à 550 exemplaires, signés et numérotés. Imprimée sur papier d'art, l'œuvre témoigne de l'intérêt constant de Fairey pour l'utilisation de la culture populaire comme vecteur d'un commentaire social et politique incisif. Langage visuel, satire et commentaire culturel La composition emprunte largement à l'esthétique des films de propagande d'antan, avec ses tons rouges, noirs et or éclatants, ses cadrages géométriques affirmés et sa typographie autoritaire. Au centre de l'image trône un robinet déversant des « électrolytes » directement sur un cerveau humain, une métaphore visuelle mordante tirée de la marque fictive du film, « Brawndo ». Des slogans tels que « CE QUE LES CERVEAUX VEULENT ! » et « LE MUTILATEUR INTELLIGENT » renforcent la critique satirique de l'anti-intellectualisme, de la société de consommation et de l'érosion de l'esprit critique. L'utilisation par Fairey d'un symbolisme exacerbé reflète l'humour du film tout en amplifiant son message d'avertissement sur les conséquences de la complaisance culturelle. Shepard Fairey, Idiocracy et l'importance pour les collectionneurs Shepard Fairey a toujours utilisé l'ironie, l'humour et des images reconnaissables pour remettre en question les structures de pouvoir et les tendances culturelles, et Idiocracy s'inscrit pleinement dans cette lignée. En traduisant le message du film en une affiche graphique audacieuse, Fairey fait le lien entre le cinéma, le street art et l'art politique d'une manière à la fois accessible et provocatrice. En tant qu'épreuve d'artiste liée à un film satirique largement cité, cette estampe séduira les collectionneurs d'œuvres OBEY, d'art pop et d'estampes contemporaines engagées. Son mélange d'humour, de critique et d'iconographie classique de Fairey en fait une pièce maîtresse de son œuvre inspirée par la pop culture.

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The Future Is Equal AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Couleur tirée à la main sur papier d'art crème moucheté Édition limitée Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste AP 2022 signée par Shepard Fairey - OBEY et marquée AP. Œuvre d'art en édition limitée, format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. « J’ai grandi à une époque où les droits des femmes étaient en plein essor et où l’adoption de l’ERA était considérée comme inévitable. Avec 38 États ayant ratifié l’ERA, il est temps que nos dirigeants prennent leurs responsabilités et mettent en œuvre la volonté du peuple en veillant à son adoption. Il est grand temps que l’égalité des sexes devienne la loi du pays. Ce projet me touche particulièrement car la lutte pour l’égalité des sexes a toujours été ancrée dans l’activisme pour la justice sociale et il reste encore beaucoup à faire. » – Shepard Fairey L'avenir est égal, sérigraphie AP de Shepard Fairey L'estampe sérigraphique « The Future Is Equal AP » de Shepard Fairey est une œuvre visuelle percutante dans l'univers du street art et du graffiti. Réalisée en 2022, cette épreuve d'artiste (AP) de 45,7 x 61 cm, imprimée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème, porte un message fort sur l'égalité des sexes et les droits civiques. Sa composition saisissante mêle références historiques, codes visuels contemporains et esthétique engagée. Au centre, une femme coiffée d'une casquette rouge et noire ornée du symbole féministe affiche un regard déterminé sur fond d'iconographie juridique et militante. Sa veste porte l'inscription « ERA NOW », un appel clair à la ratification de l'Equal Rights Amendment (amendement sur l'égalité des droits). Un avis public faisant référence à l'élection présidentielle de 1972 est également imprimé en dessous, renforçant la dimension juridique et historique de l'œuvre. Symbolisme visuel et éléments stylistiques Le langage visuel de Fairey puise ses racines dans l'art des affiches de propagande, et cette œuvre utilise des tons rouges, noirs et bleus vifs pour évoquer l'urgence et la clarté. La composition est organisée comme une page de journal révolutionnaire, faisant écho aux publications historiques sur les droits civiques. À gauche, une figure représentant la Justice apparaît, renforçant l'équilibre entre loi et équité. Une bannière en haut proclame « L'avenir est égal », dans un style de titre de journal, en référence au Daily Times, et annonce l'adoption de l'amendement sur l'égalité des droits. Dans le coin inférieur droit, des manifestants lèvent le poing et brandissent des pancartes, avec des slogans tels que « Femmes libres et puissantes », ancrant directement l'œuvre dans la culture contestataire et les mouvements féministes actuels. Ces motifs combinés témoignent de l'engagement constant de Shepard Fairey envers un art urbain pop et un graffiti à la fois accessibles et subversifs. L'activisme pour la justice sociale dans l'art contemporain Né aux États-Unis en 1970, Shepard Fairey utilise depuis longtemps son œuvre pour mettre en lumière les thèmes de la justice, du pouvoir et de l'égalité. Artiste de la culture populaire issu du mouvement du street art, il diffuse un commentaire social dans des espaces aussi bien officiels que clandestins, privilégiant souvent la sérigraphie pour sa reproductibilité et sa portée historique. Cette estampe s'inscrit pleinement dans la démarche de Fairey visant à utiliser l'art visuel comme outil de plaidoyer politique, notamment à travers des œuvres antérieures soutenant la sensibilisation au changement climatique, le mouvement pacifiste et la lutte pour la justice raciale. « The Future Is Equal AP » s'inscrit dans cette lignée, utilisant les outils visuels de la propagande urbaine pour exiger des changements législatifs et une prise de conscience publique des enjeux liés aux droits des femmes. L'estampe politique dans la tradition pop de rue Cette œuvre s'inscrit dans une tradition plus large des mouvements graffiti et street art, qui consiste à utiliser la gravure et l'imagerie publique pour amplifier les voix réclamant un changement systémique. L'épreuve d'artiste de Fairey lui confère rareté et valeur pour les collectionneurs, tout en incarnant l'esprit fondamental d'accessibilité et d'activisme. L'image invite le spectateur à prendre conscience du travail inachevé accompli en matière d'égalité des genres, évoquant à la fois l'héritage des premiers activistes et la responsabilité des générations contemporaines. La combinaison de l'échelle, de la texture et de l'urgence visuelle capture l'essence même de ce que le street art et le graffiti peuvent accomplir lorsqu'ils sont unis par un engagement et une conscience historique.

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Peace Guard 2 4-Color Hand-Tiled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Sérigraphie signée et numérotée 2016 PEACE GUARD 2, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, 29 novembre 2016 Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Deux Amériques - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier chiffon 100 % coton verni, qualité archive. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. La photographie de Jim Marshall, prise alors qu'il vivait avec une famille de mineurs de charbon à Hazard, dans le Kentucky, est éloquente par ce qu'elle montre : une mère et ses deux enfants blottis l'un contre l'autre, se soutenant mutuellement. Mais elle en dit tout autant par ce qu'elle ne montre pas. On y perçoit l'absence flagrante de biens matériels et du père. J'ignore si ce dernier travaillait à la mine au moment de la prise de vue ou s'il est décédé prématurément des suites de son travail dans des conditions dangereuses. Quoi qu'il en soit, il est clair que cette famille est en difficulté et démunie.

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Sérigraphie « Chinese Soldier 2 TP Test Print » de Shepard Fairey - OBEY, impression manuelle 1 couleur sur papier d'art fin, édition limitée, artiste Obey Pop Culture. Épreuve d'artiste TP AP, 2006, non signée. Expérimentation du procédé de l'atelier de Shepard Fairey. Monotype noir et blanc, non signé, sans marques. Format : 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm). Sérigraphie. Déchirures, pliures et froissements sur les marges. Exemplaire de travail. Pliure en bas à droite. L'œuvre « Chinese Soldier 2 TP Test Print » de Shepard Fairey est une pièce saisissante qui illustre la convergence entre art urbain et commentaire politique, deux éléments caractéristiques de son travail. Figure emblématique du pop art et du graffiti, Fairey est reconnu depuis longtemps pour sa capacité à susciter la réflexion et à alimenter le débat public grâce à son art. Cette sérigraphie est une épreuve de 2006, fruit des expérimentations de l'artiste avec les techniques d'impression. Tirée à la main et composée de cinq couleurs sur un papier d'art fin, cette œuvre en édition limitée porte la signature visuelle de la série « Obey » de Fairey, qui met en lumière les thèmes de la propagande, du contrôle et de l'obéissance sociale. L'estampe, représentant un soldat chinois avec une fleur dépassant du canon de son fusil, invite le spectateur à s'interroger sur la juxtaposition de la puissance militaire et de la paix – une dichotomie souvent explorée dans l'art et la littérature antimilitaristes. Le caractère brut et imparfait de cette épreuve d'essai renforce son authenticité et en fait une pièce de collection unique, d'autant plus qu'il s'agit d'une impression monochrome noire, non signée et sans aucune marque. L'absence de signature est particulièrement significative, car elle témoigne de l'essence même du street art, où le message prime souvent sur l'identité de l'artiste. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette épreuve de grande taille offre une expérience visuelle immersive qui attire le regard sur les contrastes saisissants et l'imagerie percutante, caractéristiques de l'œuvre de Fairey. L'influence de Fairey sur le street art dépasse le cadre de son travail visuel ; ses méthodes et son approche ont inspiré de nombreux artistes à considérer le paysage urbain comme une toile d'expression et de transformation. Ses épreuves d'essai, telles que « Chinese Soldier 2 », offrent un aperçu de son processus créatif et permettent de comprendre l'expérimentation qui sous-tend ses œuvres finales. Cette œuvre, bien qu'étant une épreuve d'essai, se distingue par la puissance de son message et son esthétique, incarnant l'énergie et l'esprit de contestation de la culture street art.

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Factory Stacks - Earth First - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey - Œuvre d'art de rue rare OBEY Pop Artwork Artiste. 2022. Signée par Shepard Fairey. Numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Édition numérotée de 350 exemplaires. Ces images de « Cheminées d'usine » allient la puissance austère et angulaire de l'architecture industrielle à des éléments graphiques qui interrogent ce que nous promouvons et acceptons en tant que société, même lorsque cela est destructeur. Les industries des énergies fossiles disposent d'un pouvoir économique considérable, mais nous savons désormais que non seulement ces ressources sont limitées, mais que leur utilisation est catastrophique pour le climat et, par conséquent, pour les écosystèmes qui soutiennent la vie sur notre planète. Malheureusement, en raison du pouvoir politique de ces industries et de l'apathie du public face au changement climatique, les gouvernements subventionnent les industries des énergies fossiles à hauteur de milliards, alors même qu'elles nuisent à l'environnement. Le gouvernement est au service des citoyens ; le choix nous appartient donc. Soutenons-nous le pouvoir illimité des riches multinationales des énergies fossiles ? Ou des politiques qui placent la Terre et la planète au-dessus des profits ? Je vous invite à lire « Tout peut changer » de Naomi Klein pour mieux comprendre le conflit entre les intérêts économiques et le changement climatique. Une partie des recettes de la vente de cette estampe sera reversée à Greenpeace pour lutter contre le changement climatique. Merci de votre soutien. – Shepard Factory Stacks – Earth First Sérigraphie de Shepard Fairey Factory Stacks – Earth First est une sérigraphie artisanale en six couleurs, créée en 2022 par le célèbre artiste américain Shepard Fairey. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art épais Speckletone couleur crème, cette édition limitée, signée et numérotée à 350 exemplaires, fusionne l'énergie politique du graffiti avec la précision et la maîtrise de la sérigraphie moderne. Cette œuvre s'inscrit dans la démarche artistique engagée de Fairey pour l'activisme environnemental et contribue au débat plus large sur le rôle de l'industrie, du pouvoir et de la responsabilité publique dans les politiques climatiques. La puissance industrielle comme métaphore graphique L'estampe représente une usine aux deux cheminées d'où s'échappent d'épaisses volutes de fumée, sur un fond fragmenté et stylisé rouge, jaune et bleu – couleurs associées à l'urgence, au feu et à l'avertissement. Le bâtiment, imposant, est rendu par des lignes vectorielles nettes et des formes à fort contraste, tandis que des éléments géométriques et des motifs culturels, tels que des symboles monétaires, des flammes et des symboles architecturaux, flottent en arrière-plan. Le contraste visuel saisissant entre la rigidité des structures industrielles et le chaos organique de la fumée et du feu souligne l'affrontement entre progrès mécanisé et fragilité écologique. Cette image critique la dépendance mondiale aux énergies fossiles et la priorité accordée au profit au détriment de la durabilité environnementale. Shepard Fairey est connu pour intégrer du sens à des visuels rigoureusement structurés ; ici, il utilise la dimension monumentale des cheminées comme métaphore des systèmes de pouvoir profondément enracinés. L'arrière-plan de l'estampe comprend des références à la monnaie et à des textures de propagande, accentuant ainsi la complicité de l'économie institutionnelle dans la destruction de l'environnement. La sérigraphie comme artisanat politique La maîtrise technique de Fairey en sérigraphie artisanale transparaît dans la netteté du trait, la palette audacieuse et l'équilibre entre textures et aplats de couleur. Le papier moucheté de l'œuvre accentue son aspect artisanal, lui conférant la présence d'une affiche de protestation tout en conservant le raffinement d'une œuvre de street art de collection. Le procédé à six couleurs permet une superposition vibrante et un jeu subtil de lumière et de formes, la palette rouge et noire insufflant un sentiment d'urgence et de confrontation. En combinant le langage visuel du design commercial aux méthodes des beaux-arts, Fairey perpétue son engagement en créant des œuvres politiquement engagées, accessibles, reproductibles et ancrées dans l'activisme visuel. Cette pièce s'inscrit dans l'esthétique plus large de son projet OBEY, qui puise dans le punk, le graffiti et la propagande socialiste pour susciter le débat public. L'art comme déclaration environnementale Factory Stacks – Earth First n'est pas qu'une simple œuvre visuelle ; c'est un outil militant concret. Une partie des bénéfices de cette édition a été reversée à Greenpeace, soutenant ainsi des campagnes mondiales de lutte contre le changement climatique. Fairey invite les spectateurs à réfléchir à l'inertie systémique, à la cupidité des entreprises et à l'incapacité des gouvernements à abandonner les pratiques destructrices pour l'environnement. Sa recommandation du livre de Naomi Klein, « Tout peut changer », apporte un fondement intellectuel supplémentaire au message de l'estampe, inscrivant l'œuvre dans la lignée des réflexions contemporaines sur la justice environnementale. Cette sérigraphie illustre la puissance du street art et du graffiti, à la fois comme forme de protestation et comme appel à l'action. En fusionnant esthétique et militantisme, Shepard Fairey transforme l'imagerie industrielle en une revendication de responsabilité écologique et humaine.

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Sérigraphie Flower Power Red AP de Shepard Fairey - OBEY Artist Proof - Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Speckletone - Édition limitée - Œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2021 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie représentant une fleur de lotus rouge et des lignes électriques. « Ces estampes Flower Power symbolisent un appel à un effort concerté pour abandonner les énergies fossiles au profit des énergies renouvelables. La vie sur Terre, telle que nous la connaissons, dépend de cette transition, qui doit être menée avec le soutien des citoyens, des gouvernements et des entreprises. Pour une analyse approfondie de la gravité de la crise climatique et de l'urgence d'abandonner les énergies fossiles, je vous recommande la lecture de « Tout peut changer » de Naomi Klein. Les bénéfices de la vente de ces estampes seront reversés à 350.org afin de soutenir son action face à l'urgence climatique. Merci de votre engagement. » – Shepard Fairey Shepard Fairey, créateur des visuels emblématiques d'OBEY, déploie une fois de plus son style unique, mélange de street art et de pop art, dans la sérigraphie « Flower Power Red AP ». Emblème du mouvement contre-culturel, l'œuvre de Fairey juxtapose avec force la sérénité d'une fleur de lotus bleue à l'aspect industriel des lignes électriques. Imprimée sur papier Speckletone Fine Art, cette sérigraphie artisanale témoigne non seulement du savoir-faire méticuleux de l'artiste, mais porte également un message poignant et actuel. La série « Flower Power », dont fait partie cette estampe, est un appel vibrant à la transition énergétique de l'humanité, passant des énergies fossiles polluantes à des sources d'énergie plus durables. Cette transition, comme le suggère Fairey, n'est pas qu'une question de faisabilité technologique ou économique ; c'est une nécessité pour la survie même de la vie. La référence à « Tout peut changer » de Naomi Klein souligne la gravité de la crise climatique imminente, offrant aux lecteurs une analyse approfondie de notre situation écologique actuelle et de l'urgence d'agir. Au-delà de son attrait esthétique et de son commentaire socio-politique, l'œuvre témoigne de l'engagement de Fairey en faveur de la protection de l'environnement. Les bénéfices de la vente de ces estampes sont reversés à 350.org, une organisation à la pointe du mouvement mondial de lutte contre le changement climatique. De telles initiatives sont emblématiques de la démarche artistique de Fairey : une démarche non seulement visuellement stimulante, mais aussi profondément ancrée dans l'activisme et l'appel plus large à l'action collective. À travers cette œuvre magistrale, Shepard Fairey réaffirme le pouvoir de l'art pour orienter les débats, influencer le changement et favoriser une communauté mondiale plus consciente.

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« Pattern of Corruption Black Gold AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY x Cleon Peterson Artist Proof Hand-Tiled 2 Color Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Graffiti Pop Street Artwork. Épreuve d'artiste (EA) 2015 Signée et marquée EA Tirage original limité à 150 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18 x 24 cm Image répétée d'un homme tribal avec un couteau ensanglanté et un motif de vigne de lotus Sérigraphie « Cleon Peterson et moi avons récemment collaboré à la réalisation d'une fresque murale dans le quartier de Wynwood à Miami. Satisfaits du résultat, nous avons décidé de créer une série de sérigraphies en édition limitée, inspirées de cette œuvre. Nos travaux respectifs explorent les thèmes récurrents de la fragilité de la société, de la sauvagerie humaine et de la corruption. L'image présente une dichotomie entre son motif floral classique hypnotique et des éléments sinistres qui s'y entremêlent, incitant le spectateur à regarder au-delà des apparences. » – Shepard Fairey « Pattern of Corruption Black Gold » est une œuvre saisissante, fruit de la collaboration entre deux figures emblématiques du street art : Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY, et Cleon Peterson. Tirage sérigraphique AP, cette pièce met en valeur le travail artisanal, un détail qui résonne particulièrement auprès des amateurs de street art et de pop art. L'art iconique de Shepard Fairey a toujours remis en question les normes sociales, incitant les spectateurs à s'interroger sur les complexités et les contradictions sous-jacentes de la société contemporaine. De même, les représentations chaotiques des interactions humaines par Cleon Peterson nous obligent à nous confronter aux aspects les plus sombres de l'humanité. Cette œuvre a été inspirée par la fresque murale que le duo a réalisée ensemble dans le quartier de Wynwood à Miami, réputé pour sa scène street art dynamique. Le tirage sérigraphique AP révèle avec clarté l'entrelacement harmonieux de leurs styles et messages artistiques. Le détail méticuleux d'un homme tribal brandissant un couteau ensanglanté, juxtaposé au motif de lotus et de vigne, invite à une introspection sur la dualité de la nature humaine. L'association de motifs tribaux et de motifs floraux classiques suggère non seulement un mélange de tradition et de modernité, mais constitue également une mise en garde. La beauté superficielle de l'œuvre peut séduire le spectateur, mais comme l'a mentionné Fairey lui-même, les sous-entendus sinistres nous incitent à approfondir notre compréhension et à questionner cette fascination. Tirée à seulement 150 exemplaires, cette œuvre a acquis une importance particulière auprès des collectionneurs et des amateurs. La sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier d'art témoigne du dévouement des artistes à leur art. « Pattern of Corruption Black Gold » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un commentaire poignant sur la fragilité de la société et les thèmes omniprésents de la corruption et de la sauvagerie humaine, thèmes que Fairey et Peterson ont explorés avec constance dans leurs travaux.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Spin Magazine Webster Hall NYC 2005 Lithographie offset en édition limitée, œuvre d'art sur papier d'art de Shepard Fairey, artiste de rue pop et graffiti urbain. Estampe de Shepard Fairey, édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, réalisée pour le 20e anniversaire du magazine Spin (Webster Hall, New York, 28 septembre 2005). Impression offset sur papier épais. Signée par l'artiste [2005]. Dimensions : 58,4 x 81,3 cm. De légères marques de pliure et des éraflures sur les bords extérieurs sont normales compte tenu de l'âge, voir photos.

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Moon Over Biloxi - Sérigraphie artisanale en édition limitée, monochrome blanche, sur papier beaux-arts, par Shepard Fairey. Rare œuvre de street art d'un artiste pop célèbre. Variante blanche signée et numérotée Moon Over Biloxi Sérigraphie 18 x 24 pouces Édition de 200 exemplaires 27 juillet 2010. Le titre de cette estampe, « Moon Over Biloxi », est un hommage à la chanson « Moon Over Marin » des Dead Kennedys. En 1984, j'ai acheté ce qui était peut-être mon quatrième disque punk : le deuxième album des Dead Kennedys, « Plastic Surgery Disasters ». Cet album est excellent de bout en bout et comprend des morceaux percutants comme « Riot » et « Bleed For Me », empreints de critique sociale. La chanson surprise, cependant, est « Moon Over Marin »… Certains la qualifient de « U2 » des Dead Kennedys, mais je ne suis pas d'accord. « Moon Over Marin » est plus mélodique que la plupart des morceaux des Dead Kennedys, mais, juxtaposée à la noirceur des paroles, elle évoque une puissante mélancolie existentielle. Je crois que l'idée qui m'a marqué, et qui m'est restée, est que notre manque de respect les uns envers les autres et envers la planète pourrait bien nous perdre, mais que la vie continuera sans nous. Je pense qu'il est sain de reconnaître l'impermanence, mais aussi d'apprécier la valeur de la vie. Éphémère. La lumière de la lune, réelle ou artificielle, sera probablement présente, mais ce qu'elle éclairera est la véritable question. Il y aura toujours une lune au-dessus de Biloxi. – Shepard

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sculpture en résine époxy crème en relief Peace Fingers de Shepard Fairey - Édition limitée OBEY, œuvre d'art moderne pop graffiti de rue. Œuvre d'art en édition limitée numérotée et estampillée en relief (2023), sculpture de 8 x 12 pouces, présentée dans une boîte imprimée personnalisée avec couvercle. L'influence de Shepard Fairey sur le street art et le graffiti modernes Shepard Fairey est une figure emblématique à la croisée du street art et du graffiti. Sa dernière création, la sculpture « Peace Fingers » en résine époxy crème embossée, confirme son statut de pionnier repoussant sans cesse les limites de l'art urbain pour l'intégrer à l'univers de la sculpture de collection. Fairey, qui a acquis une renommée internationale grâce à sa campagne « OBEY », continue d'influencer le monde de l'art avec des œuvres qui font écho à la vitalité brute du graffiti et à l'audace du pop art. La sculpture « Peace Fingers » est une édition limitée à 500 exemplaires, chacun estampillé, estampillé et numéroté individuellement. Ses dimensions impressionnantes (20 x 30 cm) permettent d'apprécier pleinement la vision de l'artiste. La sculpture est présentée dans un coffret imprimé sur mesure, témoignant du soin apporté par Fairey à la présentation et à l'emballage de son art. Le couvercle du coffret, dont le design s'harmonise avec la sculpture, renforce sa valeur en tant qu'objet de collection. La valeur artistique et le symbolisme de « Peace Fingers » La sculpture « Peace Fingers » n'est pas un simple objet décoratif ; elle porte en elle le message social et politique de Fairey. Façonnée en résine époxy gaufrée, l'œuvre est à la fois tactile et visuellement captivante, sa texture invitant à la contemplation du travail artisanal. Le design, empreint du style caractéristique de Fairey, intègre des symboles classiques et modernes, incarnant un message de paix à la fois intemporel et urgent. Cette pièce dépasse la simple réussite esthétique ; elle est la représentation concrète des idéaux que Fairey a défendus tout au long de sa carrière. Le caractère de collection et le potentiel d'investissement des œuvres de Fairey Les collectionneurs d'art urbain et de graffiti contemporains reconnaissent l'importance de posséder une œuvre de Shepard Fairey. La rareté de la sculpture « Peace Fingers » renforce son attrait, en faisant une pièce artistique à part entière et un investissement potentiel. Chaque sculpture est numérotée individuellement, indiquant sa place dans la série limitée et conférant à chaque exemplaire une identité unique. L'alliance de son attrait esthétique, de sa portée culturelle et de sa disponibilité restreinte contribue à son potentiel d'appréciation au fil du temps. Convergence du pop art urbain et des objets de collection haut de gamme « Peace Fingers » de Shepard Fairey illustre parfaitement comment le pop art urbain a transcendé l'espace public pour s'imposer sur le marché des objets de collection haut de gamme. En faisant passer le street art de l'éphémère à l'art permanent, Fairey remet en question les conceptions traditionnelles du graffiti. Cette sculpture est un témoignage du dialogue culturel, un lien tangible avec l'esprit du street art que les collectionneurs peuvent acquérir, exposer et préserver. Elle brouille les frontières entre art savant et street art, conférant à ce dernier un statut qui suscite l'attention et le respect dans le milieu artistique et au-delà. L'impact culturel des œuvres de street art et de graffiti de Fairey L'impact culturel de l'œuvre de Fairey est profond, ses créations emblématiques s'étant inscrites dans le langage visuel du XXIe siècle. Avec son esthétique pop graffiti moderne, la sculpture Peace Fingers poursuit l'exploration par Fairey des thèmes de la rébellion, de l'émancipation et du commentaire social. Elle témoigne concrètement du pouvoir du street art comme outil de changement, un médium capable de transmettre des messages complexes grâce à une imagerie accessible. La capacité de Fairey à imprégner son œuvre d'observations sociétales tout en conservant un style visuel distinctif a consolidé sa place de chef de file dans l'évolution du graffiti et du street art.

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Rise Above, une œuvre d'art unique en son genre, mêlant collage, peinture en aérosol et sérigraphie sur papier beaux-arts, réalisée par les légendes du graffiti D*Face et Shepard Fairey. 2021. Signé en bas à droite au dos par les deux artistes. Collage original réalisé à partir de captures d'écran d'archives et de peinture aérosol. Encadré en hêtre teinté noir. 54 x 48 cm (21 1/4 x 18 7/8 po). Riot D*Face Ruined My Day L'essence collaborative de D*Face et Shepard Fairey L'œuvre intitulée « Rise Above » témoigne avec force de la synergie entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : DFace et Shepard Fairey. Ce collage original, composé de sérigraphies d'archives et de peinture aérosol sur papier d'art, exprime avec puissance le commentaire socio-politique qui caractérise le travail des deux artistes. Signée par DFace et Shepard Fairey en 2021, l'œuvre est encadrée dans un cadre en hêtre teinté noir, mesurant 54 x 48 cm, et porte l'esprit de rébellion et de résistance qui définit l'œuvre des deux artistes. La collaboration entre D*Face et Shepard Fairey pour « Rise Above » marque un tournant dans l'histoire du street art. Chacun a contribué de manière significative à l'évolution du graffiti et du street art, et leur collaboration sur cette œuvre est un dialogue entre deux voix distinctes partageant des intérêts thématiques communs. Le titre de l'œuvre, « S'élever au-dessus », résume l'essence même de la philosophie commune des artistes : un appel à transcender le statu quo et à remettre en question les normes sociales par l'art. « S'élever au-dessus » est une œuvre magistrale, fruit d'un subtil mélange de techniques. Chaque couche de collage, de peinture aérosol et de sérigraphie contribue à la profondeur et à la texture de la pièce. Les sérigraphies d'archives font écho aux œuvres passées des artistes, instaurant ainsi une continuité et un héritage au sein de leur travail. La peinture aérosol apporte une dimension brute et viscérale, rappelant leurs interventions dans la rue, tandis que la sérigraphie confère précision et complexité. Cette combinaison de méthodes aboutit à une œuvre d'une grande richesse visuelle et conceptuelle. Iconographie et message dans « S'élever au-dessus » L'iconographie de « Rise Above » est riche de sens. L'œuvre présente un portrait caractéristique du style de D*Face, évoquant l'esthétique des bandes dessinées et les motifs squelettiques qu'il emploie fréquemment. Ce personnage tient une pancarte où l'on peut lire « DFace Ruined My Day », une déclaration autoréférentielle jouant avec le nom de l'artiste et sa réputation de subversif. L'influence de Shepard Fairey est manifeste dans les éléments typographiques audacieux et l'imagerie de style propagandiste qui incitent les spectateurs à questionner l'autorité et les structures de pouvoir. L'impact socio-politique de « Rise Above » est à la fois actuel et intemporel. En fusionnant leurs styles respectifs, D*Face et Shepard Fairey ont créé une œuvre qui aborde les enjeux socio-politiques contemporains tout en restant pertinente pour les générations futures. L'appel à « s'élever au-dessus » lancé par l'œuvre est un message universel d'émancipation, encourageant les spectateurs à porter un regard critique sur le monde qui les entoure. La collaboration entre ces deux artistes nous rappelle le rôle puissant que l'art peut jouer pour susciter la réflexion et inspirer le changement. L'héritage de « S'élever au-dessus » dans l'art urbain « Rise Above » s'inscrit dans la lignée du street art en illustrant le potentiel de la collaboration au sein de ce genre. Le partenariat entre D*Face et Shepard Fairey démontre comment les artistes peuvent s'unir pour amplifier leur message et leur impact. Ces deux artistes ayant joué un rôle déterminant dans la reconnaissance du street art par le grand public, cette œuvre témoigne également de la maturité de cet art en tant que forme d'art à part entière, capable de transmettre des récits complexes et de susciter de fortes émotions. « Rise Above » est une œuvre saisissante qui incarne l'esprit rebelle du pop art et du graffiti. La collaboration entre D*Face et Shepard Fairey atteste du pouvoir de l'art à communiquer, à interpeller et à inspirer. La complexité de l'œuvre, tant sur le plan technique que symbolique, offre une expérience visuelle riche et un message poignant qui résonne avec les valeurs fondamentales du street art. L'exposition « Rise Above », toujours appréciée des amateurs d'art et des collectionneurs, constitue une contribution importante au discours sur l'art contemporain, nous rappelant le pouvoir transformateur de la collaboration artistique.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Top Elite Faschions 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Sérigraphie 18 x 24 signée et numérotée, édition de 450 exemplaires, signée et numérotée par Shepard Fairey au crayon, cette sérigraphie est réalisée sur un papier blanc cassé de poids moyen.

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Panneau de rue métallique Peace & Freedom Dove, édition limitée, sérigraphie bicolore sur matériau de panneau de rue, graffiti, pop art moderne par l'artiste Shepard Fairey x Beyond The Streets. Panneau de rue réfléchissant en métal 2021 avec certificat d'authenticité signé. Édition limitée à 350 exemplaires. Dimensions : 24 x 24 pouces.

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Confrontation - Bob Marley - Estampe typographique en édition limitée, imprimée à la main en une couleur sur papier crème moucheté par Shepard Fairey - Œuvre d'art urbain rare - OBEY Pop Artwork Artiste. 40,6 cm x 49,5 cm. Édition limitée à 450 exemplaires. 19 mai 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob

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Ian Curtis Heart and Soul Sérigraphie par Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 3 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. J'ai découvert Joy Division grâce à mon ami Jay Haley en 1985-86. Jay était un peu plus ouvert d'esprit que moi ; il écoutait du punk et du hardcore agressifs, mais aussi des groupes plus sombres comme The Smiths, The Cure, les premiers albums de Cult et Joy Division. Au début, j'aimais certaines mélodies de Joy Division, mais je trouvais généralement leur musique un peu froide, dépouillée et envoûtante, presque déprimante. Cependant, avec le temps, j'ai fini par apprécier leur musique et ce que je considérais comme des défauts est devenu un atout. En sortant de ma phase punk rock orthodoxe, j'ai réalisé qu'aucun groupe ne sonnait comme Joy Division. Mon amour pour Joy Division n'a fait que grandir au fil des ans, tout comme mon appréciation de leur imagerie. L'image d'une élégante austérité propre à Joy Division est souvent associée aux illustrations de Peter Saville, mais il faut aussi rendre hommage à Kevin Cummins pour ses portraits noirs du groupe. J'adore la photographie de Cummins depuis des années, j'étais donc ravi lorsqu'il a accepté de collaborer à un portrait d'Ian. Curtis, le chanteur de Joy Division, qui s'est suicidé en 1980 à l'âge de 23 ans. Chanteur unique et parolier de talent, Curtis a inspiré l'œuvre d'art qui intègre les paroles de la chanson « Heart and Soul », ainsi qu'une séparation angulaire dans sa silhouette, symbolisant la tension entre le cœur et l'âme. « Kevin connaissait personnellement Ian, et j'ai été très touché qu'il me permette d'interpréter sa photo emblématique ! » – Shepard Fairey – OBEY La sérigraphie « Ian Curtis Heart and Soul » de Shepard Fairey est un vibrant hommage à l'énigmatique leader de Joy Division et à son influence profonde sur la musique et la culture visuelle. Sortie en 2023, cette édition limitée témoigne du lien personnel fort qui unit Fairey à Curtis et à l'héritage intemporel du groupe. L'œuvre, de format 45,7 x 61 cm et limitée à 500 exemplaires, est réalisée à la main avec une minutie extrême. Imprimée en trois couleurs sur un papier d'art crème moucheté, elle souligne l'essence brute et texturée du sujet. L'intérêt de Fairey pour l'œuvre de Joy Division remonte au milieu des années 1980, période marquée par une prise de conscience musicale et un passage d'une vision punk stricte à une appréciation plus large des sonorités envoûtantes et mélancoliques qui caractérisent la discographie de Joy Division. Fairey évoque avec franchise comment sa perception initiale de la musique, « froide et envoûtante », s'est muée en une compréhension de sa profondeur et de son caractère unique, révélant un parcours de croissance personnelle et artistique. Au cœur de cette estampe se trouve la collaboration de Fairey avec Kevin Cummins, photographe renommé pour ses portraits saisissants de Joy Division, qui ont profondément marqué l'identité visuelle du groupe. L'intégration des paroles de « Heart and Soul » au sein du portrait illustre, au sens propre comme au figuré, l'entrelacement du génie lyrique de Curtis et de sa représentation visuelle. Ce choix artistique suggère également la complexité des tourments intérieurs de Curtis, illustrée par le contraste saisissant qui traverse sa silhouette dans l'œuvre – un rappel poignant du conflit intérieur entre passion et raison, émotion et intellect. L'estampe de Fairey n'est pas qu'une simple œuvre visuelle, mais un collage narratif qui rend hommage à l'influence artistique et à l'héritage d'Ian Curtis. En intégrant les paroles bouleversantes de « Heart and Soul » à son œuvre, Fairey invite le spectateur à une exploration multidimensionnelle : esthétique, émotionnelle et intellectuelle. L’estampe transcende la simple représentation, devenant le vecteur de l’admiration de l’artiste pour le talent de Curtis en tant que chanteur et parolier, ainsi que pour l’influence durable de Joy Division sur la musique et la culture populaire. Ainsi, l’âme et le cœur de l’art d’Ian Curtis continuent de résonner à travers le temps.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Factory Stacks - Endless Power - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste pop OBEY. 2022. Signée par Shepard Fairey. Numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Édition numérotée de 350 exemplaires. Ces images de « Cheminées d'usine » allient la puissance austère et angulaire de l'architecture industrielle à des éléments graphiques qui interrogent ce que nous promouvons et acceptons en tant que société, même lorsque cela est destructeur. Les industries des énergies fossiles disposent d'un pouvoir économique considérable, mais nous savons désormais que non seulement ces ressources sont limitées, mais que leur utilisation est catastrophique pour le climat et, par conséquent, pour les écosystèmes qui soutiennent la vie sur notre planète. Malheureusement, en raison du pouvoir politique de ces industries et de l'apathie du public face au changement climatique, les gouvernements subventionnent les industries des énergies fossiles à hauteur de milliards, alors même qu'elles nuisent à l'environnement. Le gouvernement est au service des citoyens ; le choix nous appartient donc. Soutenons-nous le pouvoir illimité des riches multinationales des énergies fossiles ? Ou des politiques qui placent la Terre et la planète au-dessus des profits ? Je vous invite à lire « Tout peut changer » de Naomi Klein pour mieux comprendre le conflit entre les intérêts économiques et le changement climatique. Une partie des recettes de la vente de cette estampe sera reversée à Greenpeace pour lutter contre le changement climatique. Merci de votre soutien. – Shepard Factory Stacks – Endless Power Sérigraphie de Shepard Fairey Factory Stacks – Endless Power est une sérigraphie audacieuse en six couleurs, créée en 2022 par Shepard Fairey, figure emblématique du street art et du graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette édition limitée, signée et numérotée à 350 exemplaires, est imprimée sur un papier épais Speckletone couleur crème et incarne l'esthétique caractéristique de Fairey : une fusion entre composition de style propagandiste, message socio-politique et précision graphique. Elle s'inscrit dans la continuité de sa série Factory Stacks, une campagne visuelle visant à dénoncer les déséquilibres environnementaux et systémiques, notamment ceux liés à l'industrie des énergies fossiles. Le langage visuel de la domination industrielle Cette œuvre présente deux cheminées d'usine jumelles, crachant d'épais panaches de fumée qui se courbent en arcs géométriques sur un fond fracturé. La composition, à la fois imposante et élégante, est réalisée dans la palette caractéristique de Fairey : rouge, bleu, crème et noir, rehaussés de touches d'or et de gris. Dans le coin supérieur, des symboles graphiques tels que des billets de banque et des figures d'autorité en uniforme accompagnent le texte « Endless Power », établissant un lien visuel entre la dépendance aux énergies fossiles et le contrôle exercé par l'État et les entreprises. En dessous, des flammes lèchent la base de la structure, symbolisant une destruction masquée par le progrès. L'imagerie stylisée et les silhouettes audacieuses évoquent les affiches politiques rétro, transformant l'usine en une icône de l'ambition industrielle débridée. Le titre « Endless Power » est d'une ironie mordante. Il dénonce l'illusion d'une consommation d'énergie illimitée permise par les énergies fossiles, tout en faisant référence à la structure du pouvoir politique qui soutient ce système destructeur. Fairey utilise la métaphore visuelle de la pollution et du feu non seulement comme des signaux d'alarme environnementaux, mais aussi comme des emblèmes du refus du capitalisme de s'orienter vers le développement durable. La gravure d'art comme forme de protestation de rue Cette édition, tirée à la main et sérigraphiée, témoigne de la maîtrise technique de Fairey dans la superposition de lignes nettes et de couleurs vibrantes. La matérialité de la sérigraphie – chaque couche appliquée avec intention – fait écho à la conviction de l'artiste en l'action directe. Le papier Speckletone utilisé confère texture et densité à l'œuvre, renforçant sa présence physique et son lien avec les affiches de protestation d'antan. Graveur ancré dans la tradition du street art, Fairey privilégie la reproductibilité sans sacrifier l'unicité. Ses sérigraphies sont à la fois des œuvres d'art et des outils de communication de masse. « Factory Stacks – Endless Power » ne recourt pas à l'abstraction. Elle impose la clarté, rendant sa critique environnementale visuellement immédiate et émotionnellement percutante. Commentaire politique à travers une esthétique inspirée du graffiti L'œuvre de Fairey se situe constamment à la frontière entre les beaux-arts et le graffiti, et cette pièce ne fait pas exception. En intégrant des symboles de nationalisme, d'argent et de cheminées d'usine, il amalgame le pouvoir des entreprises et la dégradation de l'environnement dans un même langage visuel. S'inscrivant dans la philosophie plus large de la campagne OBEY Giant, l'œuvre invite les spectateurs à questionner la légitimité de l'autorité, du capitalisme et de la consommation. En bas à gauche, Fairey a intégré le numéro de l'édition et sa signature, renforçant ainsi son statut d'objet de collection. Pourtant, contrairement à l'art traditionnel des galeries, cette œuvre a été conçue pour dialoguer avec le public. Une partie des recettes de cette vente a été reversée à Greenpeace, soulignant l'engagement de l'artiste en faveur de l'activisme par l'art. « Factory Stacks – Endless Power » n'est pas une lamentation, mais une revendication visuelle. Elle rappelle aux spectateurs que le pouvoir, qu'il soit politique ou industriel, n'est pas infini, à moins que l'on ne le permette. À travers le format audacieux du Street Pop Art et du graffiti, Shepard Fairey transforme un paysage industriel sinistre en un champ de bataille d'idées, incitant à l'action avant que la situation ne devienne irréversible.

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La beauté de la liberté et de l'égalité PP Épreuve d'imprimerie Fresque d'Austin par Jon Furlong Lithographie offset Édition limitée sur papier beaux-arts par Shepard Fairey X Sandra Chevrier, artiste de rue pop graffiti urbain. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée par Shepard Fairey et Sandra Chevrier & Marquée AP Lithographie Off Set Taille de l'œuvre 18x24 Beauté de la Liberté Égalité PP Impression murale Austin par Shepard Fairey x Sandra Chevrier x Jon Furlong. « Ce centenaire historique offre une occasion unique de commémorer une étape marquante de la démocratie et d'en explorer la pertinence au regard des enjeux actuels de l'égalité des droits. L'Initiative du centenaire du droit de vote des femmes, fruit d'une collaboration entre institutions, organisations et chercheuses américaines œuvrant pour les droits des femmes, s'attache à ce que cet anniversaire et les 72 années de lutte pour y parvenir soient commémorés et célébrés dans tout le pays. » – Shepard Fairey « La beauté de la liberté et de l'égalité » de Shepard Fairey et Sandra Chevrier : une fresque des grandes étapes de la démocratie « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » PP (Épreuve d'Imprimeur) est une lithographie offset saisissante de Jon Furlong qui capture l'essence d'une fresque de Shepard Fairey et Sandra Chevrier, deux figures emblématiques du graffiti urbain et du pop art. Cette estampe, tirée à 500 exemplaires signés et numérotés en 2020, mesure 45,7 x 61 cm et témoigne d'un moment clé de l'histoire de la démocratie : le centenaire du droit de vote des femmes. La déclaration de Shepard Fairey souligne le lien de l'œuvre avec l'initiative plus large commémorant le suffrage féminin et sa pertinence actuelle face aux enjeux de l'égalité des droits. Fairey, artiste reconnu pour son œuvre engagée, et Chevrier, connue pour ses récits visuels percutants qui explorent souvent les questions de genre, ont collaboré à la création d'une fresque qui célèbre les acquis historiques tout en rappelant les luttes qui persistent. En tant qu'épreuve d'imprimerie, la lithographie jouit d'un statut particulier, souvent réservée au contrôle de la qualité finale avant le tirage final. Les collectionneurs et les amateurs d'art urbain et de graffiti apprécient ces épreuves pour leur fidélité à l'intention originale de l'artiste et leur rareté au sein d'une série d'estampes. Fusion artistique dans « La beauté de la liberté et de l'égalité » La fresque, et par extension la lithographie qui en est tirée, est une fusion vibrante du style graphique audacieux de Fairey et des portraits poignants de Chevrier, le tout enveloppé dans une palette qui captive le regard et invite à la réflexion. La composition en couches de l'œuvre – caractéristique du travail de Fairey et Chevrier – mêle texte, images et symbolisme pour raconter l'histoire complexe du chemin vers l'égalité et la liberté. Fidèle à l'esprit du street art, l'œuvre s'ancre dans son accessibilité et sa capacité à communiquer des messages forts grâce au langage visuel du graffiti. En donnant vie à cette œuvre, Fairey et Chevrier ont créé une pièce qui célèbre un centenaire et forgé un message qui résonne avec le débat actuel sur les droits et la représentation. « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité » est un dialogue visuel sur le cheminement continu de la démocratie et le rôle de l'art dans la formation et le développement de la conscience collective. « La Beauté de la Liberté et de l'Égalité », une lithographie de la fresque murale d'Austin réalisée par Jon Furlong, Shepard Fairey et Sandra Chevrier, enrichit de manière significative l'histoire du pop art urbain et son lien avec l'activisme social. Cette épreuve d'imprimerie est une pièce de collection qui, en plus d'embellir l'environnement de ses détenteurs, rappelle avec force le pouvoir de l'art de commémorer, d'éduquer et d'inspirer des progrès constants vers l'égalité. Grâce à cette lithographie, le message de la fresque murale dépasse les frontières d'Austin, touchant un public international et s'inscrivant durablement dans l'histoire du pop art urbain et du graffiti.

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Gaslamp Killer Artist Proof 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Épreuve d'artiste (EA). Signée et numérotée, Shepard Fairey (né en 1970). Gaslamp Killer, 2008. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté. 61 x 45,7 cm (feuille). EA (édition limitée à 400 exemplaires). Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. I Spit On Your Grave. « Mon visuel pour le mix Gaslamp Killer s'inspire de la musique et de la personnalité du Gaslamp Killer. Le GLK affectionne les sonorités sombres et psychédéliques, ce qui, combiné à son nom, appelait un mélange hippie/horreur assaisonné d'une vinaigrette sanglante. Le look plus sinistre du Gaslamp Killer, qui a rasé ses dreadlocks et s'est laissé pousser une barbe et des favoris indisciplinés dignes des plus grands fous, ne fait qu'amplifier le tout. Il vous faudra traverser des mares de sang bouillant pour atteindre la terre promise, mais le voyage que vous propose le Gaslamp Killer fait partie intégrante de la destination. » Shepard Fairey

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Exclamation - Sérigraphie bicolore grand format en édition limitée, tirée à la main sur papier Coventry Rag 100 % coton de qualité archive, avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'évolution d'André a donné naissance au visage simplifié de l'icône Obey, à l'étoile Obey et au logo Obey en forme de boîte rouge, inspiré par le travail de Barbara Kruger. Ces icônes, ainsi que divers éléments de l'autocollant original, sont devenus les fondements du répertoire visuel de Shepard Fairey. Leur intégration récurrente dans l'œuvre vise à imiter le mécanisme stratégique employé par les marques et la publicité. Sérigraphie sur papier Coventry Rag 100 % coton, qualité archive, bords frangés à la main. 76 x 104 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée de 89 exemplaires.

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Jusqu'à épuisement des stocks. Sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, par l'artiste Shepard Fairey. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 24 x 12 pouces. « L’estampe « Jusqu’à épuisement des stocks » est une combinaison de plusieurs approches de création d’images que j’affectionne et que je trouve à la fois polyvalentes et percutantes. J’ai travaillé de manière modulaire, utilisant la répétition pour des raisons à la fois pratiques et conceptuelles. J’aime la répétition apaisante des motifs, et je les perçois également comme un élément décoratif agréable qui contrebalance le caractère plus direct de certains de mes messages. Les fleurs sont des motifs récurrents dans mon travail, symboles de croissance positive et d’harmonie. L’humour est aussi un moyen pour moi de transmettre des idées fortes. « Jusqu’à épuisement des stocks » emploie toutes ces approches pour exprimer l’idée que des choses comme les fleurs, que nous tenons souvent pour acquises, nous manqueront cruellement lorsque la planète, ravagée par les flammes, ne pourra plus les faire pousser. Bien sûr, le concept va bien au-delà des fleurs, mais celles-ci restent un symbole universel. Protégez ce que la nature vous offre afin que son approvisionnement soit renouvelable. Une partie des bénéfices de cette estampe sera reversée à Greenpeace USA pour soutenir ses efforts de lutte contre le changement climatique et l’inconscience environnementale. » – Shepard Fairey L'œuvre de Shepard Fairey est profondément politique et sociale, non seulement parce qu'il y intègre des personnalités politiques et des slogans, mais surtout parce que l'artiste cherche avant tout à toucher un public aussi large que possible, en exposant son travail sur les couvertures des livres que nous lisons, sur les pochettes des albums que nous écoutons et sur les murs des rues que nous empruntons. « Si je place mon œuvre dans un endroit audacieux, elle touche davantage le spectateur et témoigne de mes convictions », explique-t-il. En effet, Fairey exprime souvent sans détour ses opinions politiques et sociales dès qu'il en a l'occasion. Par exemple, après la diffusion de l'affiche « Hope », il a déclaré : « Obama a traversé une période très difficile, mais il a fait beaucoup de compromis sur lesquels je ne m'y attendais pas. Je veux dire, les drones et l'espionnage intérieur sont les dernières choses que j'aurais imaginées [qu'il soutiendrait]. » La dimension politique de son œuvre se manifeste également dans l'activisme et l'engagement humanitaire de Fairey. Nombre de ses créations ont été réalisées dans le cadre de campagnes militantes ou vendues au profit de causes liées aux arts, à la cause animale, à la lutte contre la pauvreté, à la recherche médicale, à l'environnement, etc. L'artiste ne se considère pourtant pas comme un militant : « On me demande souvent si je suis un militant, et je réponds non. Je suis un artiste qui a un point de vue, mais je souhaite contribuer aux causes qui me tiennent à cœur. J'ai la chance d'être en contact avec des personnes qui trouvent mes images utiles et qui m'aident à les diffuser. »

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Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art Speckletone fin, par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop Artwork. Sérigraphie signée et numérotée PEDESTAL 18 x 24 pouces Édition de 450 exemplaires 8 août 2013 Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Obey Conformity Trance - Sérigraphie en édition limitée, bicolore noire, tirée à la main, sur papier crème moucheté, par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare OBEY Pop. 45,7 cm x 61 cm. Édition limitée à 350 exemplaires. 10 février 2021. L'obéissance, en tant que pseudo-ordre dans mon art, a toujours été une forme de psychologie inversée. Ma philosophie est en réalité de « tout remettre en question ». Le conformisme est souvent plus inconscient que conscient… une adaptation à des structures avec lesquelles nous ne sommes pas forcément d'accord et une soumission à des forces de manipulation invisibles… invisibles car nos yeux et notre esprit ne sont pas suffisamment ouverts. On invente des théories du complot comme celle des « Illuminati » pour expliquer le sentiment d'être un simple rouage dans une machine qui nous dépasse, mais la déconstruction du pouvoir et du contrôle ne requiert rien de plus qu'un examen conscient et rigoureux de la manière dont le pouvoir et l'influence sur le gouvernement s'accumulent et se concentrent sous le capitalisme. Shepard Fairey

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Droits des travailleurs - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. La photo de Jim Marshall a été prise au Capitole de l'État de Californie à Sacramento après que Charles Chavez a achevé sa marche de 480 kilomètres en faveur des droits des travailleurs agricoles. Jim a immortalisé Chavez dans une pose qui reflète la vision et le leadership qu'il incarnait véritablement.

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Gun Culture - Tirage sérigraphique grand format en édition limitée, réalisé à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. Jim Marshall a immortalisé ce qui, au premier abord, apparaît comme un enfant innocent jouant avec un pistolet jouet à Greenwich Village, New York, en 1963.

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Sérigraphie modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts crème moucheté, œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artist. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. L'art de Diogo Machado, alias ADD FUEL, fonctionne à plusieurs niveaux, au sens propre comme au figuré. Ses œuvres maîtrisent l'esthétique des carreaux traditionnels portugais tout en y intégrant subrepticement ses propres illustrations de personnages ludiques. Ces deux styles, en apparence si différents, se fondent avec une telle élégance que la découverte de l'étrangeté au sein de cette harmonie est à la fois surprenante et réjouissante. Les déchirures, réelles ou simulées, qu'ADD FUEL incorpore à son art sont bien plus qu'un simple clin d'œil au papier, matériau omniprésent du street art contemporain : elles constituent également une dissonance visuelle provocatrice, puisque les carreaux ne se déchirent pas. Malgré l'incongruité entre carreaux et déchirures, les compositions visuellement séduisantes d'ADD FUEL évoquent le temps qui passe et une histoire derrière chaque couche. – Shepard Fairey – OBEY Modulaire par Add Fuel x Shepard Fairey – Obey Collaborative Silkart, œuvre d'art urbain pop art et graffiti Modular est une sérigraphie collaborative de 2022, créée par l'artiste portugais Diogo Machado, alias Add Fuel, et l'artiste américain Shepard Fairey, fondateur d'OBEY. Tirée à la main sur papier d'art Speckletone couleur crème et éditée à 500 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 45,7 x 61 cm illustre la synergie entre patrimoine ornemental et résistance visuelle contemporaine. La sérigraphie superpose des motifs traditionnels d'azulejos, emblématiques du travail d'Add Fuel, à l'iconographie et à l'équilibre compositionnel propres à Fairey. Des déchirures de papier simulées traversent les couches, révélant des juxtapositions dynamiques de motifs classiques, d'abstraction pop moderne et d'un mandala floral central imprégné de la vision politique de Fairey. L'œuvre vibre de tonalités bleues, rouges et blanches, faisant écho aux thèmes de la beauté et de la subversion qui sont au cœur de leur vocabulaire visuel commun. Motifs de carreaux, illusion et histoire stratifiée L'approche d'Add Fuel vis-à-vis des carreaux traditionnels portugais est à la fois respectueuse et subversive. En réinterprétant l'élégance symétrique des motifs céramiques par des figures inattendues et des éléments graphiques, il modernise un art séculaire tout en y insufflant un humour conceptuel et une profondeur narrative. Dans Modular, de fausses déchirures tranchent la précision des carreaux pour révéler des motifs sous-jacents, imitant la superposition usée que l'on trouve souvent en milieu urbain. Ces déchirures constituent des contradictions visuelles – les carreaux ne se déchirent pas – et pourtant, elles ancrent l'œuvre dans la réalité matérielle des affiches de rue, des collages et des prospectus. L'effet suggère une histoire qui se déploie à travers le temps, où les esthétiques se construisent, se grattent et se réassemblent pour créer une histoire vivante. Cette illusion invite le spectateur à remettre en question ses propres conceptions de la permanence, de la tradition et de l'identité. L'intégration et l'influence urbaine de Shepard Fairey L'influence caractéristique de Shepard Fairey se mêle à la structure modulaire de l'œuvre grâce à l'intégration d'une symbolique géométrique audacieuse et de points focaux centraux aux tons rouges. Connu pour sa campagne OBEY Giant et l'affiche Hope pour Barack Obama, Fairey apporte à cette collaboration un sens graphique aiguisé. Sa présence dans Modular, sans être dominante, s'intègre harmonieusement, permettant ainsi au dialogue entre son langage visuel engagé et la fluidité ornementale d'Add Fuel de se déployer pleinement. La composition témoigne de l'attachement de Fairey à la superposition, à la répétition et aux formes symboliques du pouvoir, contribuant à la profondeur conceptuelle de l'œuvre sans pour autant éclipser le support décoratif. Il s'agit d'une fusion rare entre art urbain et création de motifs historiques, emblématique de la volonté de Fairey de préserver le message au sein de la forme. Savoir-faire et concept dans l'art urbain pop et le graffiti Cette sérigraphie a été réalisée avec une méticulosité extrême, grâce à la superposition de plusieurs couches d'encre sur papier Speckletone. Ce choix, qui fait écho aux origines urbaines des deux artistes, confère à l'œuvre finale une qualité digne des galeries d'art. La tension formelle qui caractérise « Modular », entre ornementation classique et symbolisme pop, en fait un exemple emblématique du street art et du graffiti contemporains. Elle reflète une esthétique en constante évolution, où la collaboration enrichit le sens et où le passé culturel n'est pas figé dans le silence, mais animé par l'intervention visuelle. Pour les collectionneurs et les spectateurs, « Modular » offre une expérience tactile et symbolique : une estampe qui conjugue avec brio la précision de la tradition et l'urgence du présent. Elle témoigne du pouvoir transformateur de la surface, du récit et de la subversion.

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Prix ​​de l'épreuve d'artiste à l'huile AP Silkscreen Print de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 2 couleurs sur papier d'art crème moucheté, œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'artiste AP 2008 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Impression sérigraphique. La sérigraphie « Cost of Oil » de Shepard Fairey est une œuvre provocatrice qui met en lumière la capacité du street art et du graffiti à aborder et questionner les enjeux socio-politiques. Sortie en 2008 en tant qu'épreuve d'artiste (EA), cette œuvre en édition limitée explore visuellement les thèmes de la consommation d'énergie, de l'impact environnemental et des ramifications géopolitiques inhérentes à la quête du pétrole. Signée et estampillée EA par Fairey, elle mesure 45,7 x 61 cm et est imprimée sur un papier beaux-arts crème moucheté. Reconnu pour son approche intelligente et critique du commentaire culturel, Fairey incarne avec « Cost of Oil » l'essence même de sa pratique du street art. L'œuvre s'articule autour de la question audacieuse et affirmative : « Quel est le prix du pétrole ? », qui résonne sur fond d'un récit visuel saisissant. L'image représente une silhouette solitaire, vêtue d'un t-shirt floqué « USA », remplissant le réservoir d'un Hummer – symbole puissant de la consommation américaine et du complexe militaro-industriel. Le soleil rayonnant derrière elle et le fond rouge sang qui dégouline soulignent la dichotomie entre lumière et obscurité dans le débat sur la liberté et son prix. Cette estampe bicolore, réalisée à la main, est un exemple emblématique du travail de Fairey, s'inscrivant pleinement dans l'objectif de la campagne « OBEY » : stimuler le débat et susciter une réflexion sur la propagande omniprésente dans l'espace public. Le motif « OBEY » a toujours cherché à inciter les observateurs à questionner les mécanismes et les messages qui les entourent, et « Cost of Oil » étend cette interrogation à la problématique mondiale de la dépendance au pétrole et à ses vastes conséquences. En tant qu'œuvre de street art, « Cost of Oil » est un catalyseur de dialogue, repoussant les limites de la communication artistique et de son influence sur l'opinion publique. Cette estampe nous rappelle avec force le pouvoir de l'art visuel comme outil d'activisme et de plaidoyer, et le rôle constant de Fairey qui, grâce à son art, a mis en lumière des enjeux cruciaux. Elle demeure une œuvre pertinente et marquante au sein de son travail et du débat plus large sur l'énergie, l'environnementalisme et le coût réel de la consommation.

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Collaboration Guerilla One x The Seventh Letter, sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey, art de rue rare, OBEY, artiste pop. Sérigraphie signée et numérotée, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, 5 mars 2009 OBEY, Guerilla One et The Seventh Letter entretiennent depuis toujours une amitié solide et une relation créative fructueuse, ponctuée de nombreuses collaborations, dont l'affiche « Free GKAE » de la fin des années 90, créée par Shepard et Casey Zoltan de The Seventh Letter afin de récolter des fonds pour les frais juridiques de GKAE. Ce projet actuel symbolise la force du nombre et l'unité à travers la collaboration. The Seventh Letter, Obey Giant et Guerilla One se sont imposés individuellement et collectivement comme des piliers de la scène graffiti/street art, tant au niveau national qu'international. Il est clair que ces trois collaborateurs continueront de soutenir le street art en créant de nouvelles plateformes qui encouragent et inspirent un public mondial. « Quand on a commencé le graffiti, à coller des autocollants, on n’imaginait pas où ça nous mènerait, et peu importe où on ira désormais, on restera fidèles à ceux qui nous ont aidés à en arriver là. » – Eddie Donaldson, fondateur de Guerilla One « J’ai toujours été fidèle à G1 et Shepard, dans les bons comme dans les mauvais moments, et je les soutiendrai toujours, que ce soit dans la rue ou au niveau professionnel. » – Casey EKLIPS Zoltan, fondateur de THE SEVENTH LETTER

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