Shepard Fairey - OBÉIR

Droits des travailleurs - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. La photo de Jim Marshall a été prise au Capitole de l'État de Californie à Sacramento après que Charles Chavez a achevé sa marche de 480 kilomètres en faveur des droits des travailleurs agricoles. Jim a immortalisé Chavez dans une pose qui reflète la vision et le leadership qu'il incarnait véritablement.

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Sérigraphie grand format Riot Cop de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop. 2009. Signée par Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée numérotée à 75 exemplaires. Œuvre grand format (29,25 x 40,5 cm). Sérigraphie. Série rétro 20 ans. Légères marques de manipulation. OBEY de Shepard Fairey : une œuvre marquante du street art pop et du graffiti. « Riot Cop » de Shepard Fairey est une œuvre emblématique qui incarne l'esprit rebelle et le regard critique du street art et du graffiti. Faisant partie de la série OBEY, cette sérigraphie grand format est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : elle témoigne de l'évolution du genre sur deux décennies. Réalisée avec précision et soin, « Riot Cop » a été tirée à la main en couleurs sur papier d'art Speckletone couleur crème, un support qui allie la qualité et le souci du détail propres aux beaux-arts au message brut et sans filtre souvent véhiculé par le street art. Sortie en 2009, cette œuvre grand format (75 exemplaires, mesurant 74,3 x 102,9 cm) a été signée et numérotée par Fairey à chacun des 75 exemplaires. Ce geste souligne l'importance accordée à la dimension personnelle et à l'authenticité dans le monde des collectionneurs d'art. L'œuvre a été rééditée pour célébrer le 20e anniversaire du projet OBEY, qui coïncidait avec la rétrospective de Shepard à l'ICA de Boston. Cette série, qui revisite des images de 1998 à 2000, témoigne de la volonté de l'artiste d'affiner ses œuvres précédentes, en remplaçant l'orange emblématique d'OBEY par un or métallisé, conférant ainsi à la série une allure sophistiquée et intemporelle. Impact et signification contextuelle de l'œuvre de Fairey « Riot Cop » est bien plus qu'une simple création esthétique ; c'est un commentaire sur l'autorité, le contrôle et l'usage du pouvoir. L'œuvre de Fairey est profondément ancrée dans le tissu socio-politique de son époque, incitant souvent à la réflexion sur les mécanismes de la société et de la gouvernance. L'utilisation ostentatoire du mot « OBEY » sous l'image d'une figure d'autorité brandissant une matraque invite directement les spectateurs à questionner les structures et les règles qui les régissent. Ce défi au statu quo symbolise la force culturelle que sont devenus le street art et le graffiti, offrant un exutoire à la créativité et un puissant outil de critique sociale et d'activisme. Le parcours de Shepard Fairey, de jeune skateur à artiste reconnu internationalement, reflète l'ascension du street art dans la conscience collective. « Riot Cop » témoigne de l'évolution de Fairey en tant qu'artiste, illustrant son talent pour fusionner l'esthétique du street art avec des messages politiques plus profonds. Le passage de l'orange à l'or métallisé dans la palette de couleurs de la série anniversaire symbolise une transformation visuelle de l'œuvre. Il représente la maturation du message OBEY, qui a su évoluer pour rester pertinent dans un paysage culturel en constante mutation. Valeur de collection et héritage de la série OBEY Œuvre d'art en édition limitée, « Riot Cop » occupe une place unique sur le marché de l'art, séduisant aussi bien les amateurs de street art que les collectionneurs d'art contemporain. Son exclusivité et son message social ont contribué à en faire une pièce très recherchée. L'héritage de la série OBEY de Fairey ne se limite pas aux collectionneurs qui en possèdent une œuvre ; il s'étend à son influence sur les jeunes artistes de rue et au débat qu'elle a suscité sur le rôle de l'art dans la société. La série, à l'image de « Riot Cop », continue d'inspirer une nouvelle génération d'artistes qui perçoivent le paysage urbain comme une toile pour exprimer leurs réflexions sur les problématiques contemporaines. « Riot Cop » de Shepard Fairey, issue de la série OBEY, est une œuvre majeure qui capture l'essence du street art et du graffiti. Elle constitue un véritable artefact culturel, incarnant l'esprit d'un mouvement, la voix d'une époque et la vision d'un artiste qui a su utiliser la sérigraphie avec brio pour bousculer les perceptions et inviter à l'introspection. À travers son œuvre, Fairey continue de démontrer le pouvoir de l'art comme moyen de communication, forme de résistance et catalyseur de changement.

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) de la série In-Crowd, objet d'art de collection 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une série en édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine à feuillets articulés en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un superbe fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète la dimension introspective et souvent méditative que peut susciter l'art contemporain. Cette exposition marquante a mis en lumière des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de « Beautiful Losers », cette pièce représente un moment charnière de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », une sérigraphie d'Ari Marcopoulos réalisée en 2004 sur papier d'archivage sans acide (50,8 x 40,6 cm), capture un instant de l'art du portrait contemporain. Cette œuvre fait partie d'une série limitée et très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter l'horizon. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et des contre-cultures. « Justin » n'est pas qu'un simple portrait ; c'est une œuvre marquante, qui interpelle le collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Pièce intemporelle, elle enrichit toute collection d'une beauté esthétique et d'une portée culturelle indéniables. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance, mini-livre de 1999 « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Le CD est présenté dans un boîtier orange vif, qui souligne l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et faisant écho au soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, qui emploie souvent des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre offre un lien concret avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que tous ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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Sérigraphie Chaos Mandala de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. 2025 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée à 550 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie Cette estampe Chaos Mandala fusionne deux concepts et esthétiques apparemment opposés : le chaos et l’harmonie. J’ai toujours été fasciné par le chaos cyclique des affiches et des graffitis qui s’accumulent dans les rues, puis sont déchirés par les hommes et les éléments. Il y a une beauté dans la superposition et dans l’acceptation du fait qu’il existe trop de variables d’attraction et de répulsion pour que nous puissions toutes les contrôler. Pour moi, la philosophie à adopter est : « Profite du voyage et savoure l’éphémère. » – Shepard Fairey – OBEY Sérigraphie Chaos Mandala de Shepard Fairey Chaos Mandala de Shepard Fairey est une sérigraphie en édition limitée (2025), signée et numérotée, qui fusionne harmonieusement les traditions du Street Pop Art et du graffiti dans un dialogue visuel contemplatif. Mesurant 45,7 x 61 cm et imprimée sur un papier d'art crème moucheté, l'œuvre a été produite à 550 exemplaires. Au centre de la composition, le mandala de Fairey ancre un tourbillon de motifs, de couleurs et de mouvement. Cette sérigraphie, réalisée à la main avec une minutie extrême, reflète la fascination de l'artiste pour l'ordre, le désordre et leur coexistence dans les environnements urbains. Elle s'inspire de motifs récurrents dans l'œuvre de Shepard Fairey, notamment son étoile emblématique et l'iconographie associée à la marque OBEY. Il en résulte une saisissante méditation sur l'impermanence, la superposition et l'harmonie visuelle à travers le chaos. Symétrie visuelle et désordre contrôlé Au premier abord, Chaos Mandala évoque un symbole de géométrie sacrée, avec ses pétales symétriques et son équilibre radial rayonnant depuis un emblème central en forme d'étoile, OBEY. La netteté des lignes du mandala contraste avec un fond d'une richesse chaotique, composé de pochoirs usés, de textures projetées, de coulures et de fragments d'affiches délavés. Cette tension entre précision et érosion organique incarne la dualité que Shepard Fairey explore souvent dans son œuvre. Les éléments de fond simulent la dégradation urbaine, rappelant le bruit visuel des murs couverts de tracts, de propagande et de graffitis. L'utilisation des techniques de pochoir et de sérigraphie renvoie directement aux méthodes du street art, tandis que le choix des couleurs – rouge vif, bleu glacé et crème doux – confère à l'œuvre une présence puissante tout en invitant à un examen attentif de sa surface stratifiée. La dimension philosophique de la pratique de Shepard Fairey Shepard Fairey, né aux États-Unis en 1970, utilise depuis longtemps le street art et le graffiti comme tribune pour ses commentaires socio-politiques. Chaos Mandala révèle une dimension philosophique plus profonde dans son œuvre. Plus qu'une simple décoration, cette pièce témoigne d'une acceptation de l'imprévisibilité et de la nature éphémère de l'expression publique. Elle reconnaît que la beauté naît non seulement du design, mais aussi de l'entropie. Les affiches se dégradent. La peinture s'écaille. Les couches s'accumulent et disparaissent. Fairey capture ce cycle de vie, non pas en le rejetant, mais en l'intégrant à son esthétique. Le mandala – symbole spirituel traditionnel d'harmonie – devient un réceptacle pour l'imprévisible, élevant la tension entre permanence et érosion au rang de point focal formel et émotionnel. Technique, texture et intégration symbolique L'estampe a été réalisée avec un soin méticuleux par sérigraphie sur un papier speckletone crème de haute qualité, une surface tactile choisie pour sa texture et sa chaleur visuelle. Chaque couche imprimée renforce l'idée d'expérience cumulative et d'interaction avec l'environnement. L'étoile OBEY de Fairey, placée au centre, consolide l'identité culturelle qui définit son art public depuis des décennies, tout en se transformant en un havre de paix au sein du chaos environnant. Avec cette œuvre, Fairey poursuit son engagement à créer des œuvres de Street Pop Art et de graffiti qui brouillent les frontières entre la rue et la galerie, entre l'expression rebelle et le symbolisme structuré. Chaos Mandala est plus qu'un objet esthétique : c'est une réflexion conceptuelle sur le magnifique désordre de la création artistique humaine.

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Justice Woman - Sérigraphie en édition limitée rouge 3 couleurs tirée à la main sur papier crème moucheté par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. 45,7 cm x 61 cm. Édition limitée à 550 exemplaires. 16 mars 2021. L'estampe « Femme de justice » rend hommage à tous ceux qui œuvrent pour la justice et dont la détermination et la ténacité façonnent le cours de l'histoire vers un avenir juste. La justice est une notion en constante évolution, notamment face aux différents enjeux, mais d'une manière générale, ceux qui écoutent leur conscience, regardent leurs semblables dans les yeux et défendent ce qui est juste donnent un exemple important et peuvent inciter les autres à se traiter comme ils aimeraient être traités.

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Factory Stacks - Endless Power - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs, tirée à la main, sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste pop OBEY. 2022. Signée par Shepard Fairey. Numérotée. 45,7 x 61 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Édition numérotée de 350 exemplaires. Ces images de « Cheminées d'usine » allient la puissance austère et angulaire de l'architecture industrielle à des éléments graphiques qui interrogent ce que nous promouvons et acceptons en tant que société, même lorsque cela est destructeur. Les industries des énergies fossiles disposent d'un pouvoir économique considérable, mais nous savons désormais que non seulement ces ressources sont limitées, mais que leur utilisation est catastrophique pour le climat et, par conséquent, pour les écosystèmes qui soutiennent la vie sur notre planète. Malheureusement, en raison du pouvoir politique de ces industries et de l'apathie du public face au changement climatique, les gouvernements subventionnent les industries des énergies fossiles à hauteur de milliards, alors même qu'elles nuisent à l'environnement. Le gouvernement est au service des citoyens ; le choix nous appartient donc. Soutenons-nous le pouvoir illimité des riches multinationales des énergies fossiles ? Ou des politiques qui placent la Terre et la planète au-dessus des profits ? Je vous invite à lire « Tout peut changer » de Naomi Klein pour mieux comprendre le conflit entre les intérêts économiques et le changement climatique. Une partie des recettes de la vente de cette estampe sera reversée à Greenpeace pour lutter contre le changement climatique. Merci de votre soutien. – Shepard Factory Stacks – Endless Power Sérigraphie de Shepard Fairey Factory Stacks – Endless Power est une sérigraphie audacieuse en six couleurs, créée en 2022 par Shepard Fairey, figure emblématique du street art et du graffiti. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette édition limitée, signée et numérotée à 350 exemplaires, est imprimée sur un papier épais Speckletone couleur crème et incarne l'esthétique caractéristique de Fairey : une fusion entre composition de style propagandiste, message socio-politique et précision graphique. Elle s'inscrit dans la continuité de sa série Factory Stacks, une campagne visuelle visant à dénoncer les déséquilibres environnementaux et systémiques, notamment ceux liés à l'industrie des énergies fossiles. Le langage visuel de la domination industrielle Cette œuvre présente deux cheminées d'usine jumelles, crachant d'épais panaches de fumée qui se courbent en arcs géométriques sur un fond fracturé. La composition, à la fois imposante et élégante, est réalisée dans la palette caractéristique de Fairey : rouge, bleu, crème et noir, rehaussés de touches d'or et de gris. Dans le coin supérieur, des symboles graphiques tels que des billets de banque et des figures d'autorité en uniforme accompagnent le texte « Endless Power », établissant un lien visuel entre la dépendance aux énergies fossiles et le contrôle exercé par l'État et les entreprises. En dessous, des flammes lèchent la base de la structure, symbolisant une destruction masquée par le progrès. L'imagerie stylisée et les silhouettes audacieuses évoquent les affiches politiques rétro, transformant l'usine en une icône de l'ambition industrielle débridée. Le titre « Endless Power » est d'une ironie mordante. Il dénonce l'illusion d'une consommation d'énergie illimitée permise par les énergies fossiles, tout en faisant référence à la structure du pouvoir politique qui soutient ce système destructeur. Fairey utilise la métaphore visuelle de la pollution et du feu non seulement comme des signaux d'alarme environnementaux, mais aussi comme des emblèmes du refus du capitalisme de s'orienter vers le développement durable. La gravure d'art comme forme de protestation de rue Cette édition, tirée à la main et sérigraphiée, témoigne de la maîtrise technique de Fairey dans la superposition de lignes nettes et de couleurs vibrantes. La matérialité de la sérigraphie – chaque couche appliquée avec intention – fait écho à la conviction de l'artiste en l'action directe. Le papier Speckletone utilisé confère texture et densité à l'œuvre, renforçant sa présence physique et son lien avec les affiches de protestation d'antan. Graveur ancré dans la tradition du street art, Fairey privilégie la reproductibilité sans sacrifier l'unicité. Ses sérigraphies sont à la fois des œuvres d'art et des outils de communication de masse. « Factory Stacks – Endless Power » ne recourt pas à l'abstraction. Elle impose la clarté, rendant sa critique environnementale visuellement immédiate et émotionnellement percutante. Commentaire politique à travers une esthétique inspirée du graffiti L'œuvre de Fairey se situe constamment à la frontière entre les beaux-arts et le graffiti, et cette pièce ne fait pas exception. En intégrant des symboles de nationalisme, d'argent et de cheminées d'usine, il amalgame le pouvoir des entreprises et la dégradation de l'environnement dans un même langage visuel. S'inscrivant dans la philosophie plus large de la campagne OBEY Giant, l'œuvre invite les spectateurs à questionner la légitimité de l'autorité, du capitalisme et de la consommation. En bas à gauche, Fairey a intégré le numéro de l'édition et sa signature, renforçant ainsi son statut d'objet de collection. Pourtant, contrairement à l'art traditionnel des galeries, cette œuvre a été conçue pour dialoguer avec le public. Une partie des recettes de cette vente a été reversée à Greenpeace, soulignant l'engagement de l'artiste en faveur de l'activisme par l'art. « Factory Stacks – Endless Power » n'est pas une lamentation, mais une revendication visuelle. Elle rappelle aux spectateurs que le pouvoir, qu'il soit politique ou industriel, n'est pas infini, à moins que l'on ne le permette. À travers le format audacieux du Street Pop Art et du graffiti, Shepard Fairey transforme un paysage industriel sinistre en un champ de bataille d'idées, incitant à l'action avant que la situation ne devienne irréversible.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Bob Mould AP Sérigraphie signée par Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier beaux-arts crème moucheté Œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artiste. Épreuve d'artiste AP 2008 signée par Bob Mould au feutre et Shepard Fairey - OBEY. Édition limitée numérotée à 500 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie représentant Bob Mould des groupes Hüsker Dü, Sugar et The Jacks. District Line. Bob Mould était le guitariste et co-compositeur de Hüsker Dü, l'un des groupes hardcore/indie les plus novateurs des années 80. Comptant parmi les groupes les plus populaires du label SST Records, ils furent parmi les premiers groupes indé américains à signer avec une major. On leur attribue le mérite d'avoir ouvert la voie à des groupes comme Sonic Youth, The Pixies et Nirvana. J'ai emprunté l'album « Zen Arcade » de Hüsker Dü à un ami en seconde et j'ai rapidement collectionné le reste de leur discographie. Je recommande tout particulièrement leur album « Flip Your Wig ». Après la séparation de Hüsker Dü, Bob a formé Sugar et poursuit désormais une carrière solo. Son nouvel album, « District Line », est excellent. - Shepard Fairey - OBEY Hommage de Shepard Fairey à Bob Mould : fusion de la musique et de l'art urbain L'épreuve d'artiste signée Bob Mould par Shepard Fairey, une sérigraphie en édition limitée, rend hommage à l'influence profonde de Bob Mould sur la scène musicale. Figure emblématique d'OBEY et figure incontournable du street art, cette sérigraphie de 2008, tirée à 500 exemplaires, est une pièce unique. Elle est réalisée selon la technique signature de Fairey, utilisant cinq couleurs sur un papier d'art crème moucheté, et mesure 45,7 x 61 cm. La signature de Mould, apposée au feutre sur son visage, ajoute une touche personnelle, mêlant le récit visuel à la sensation tactile de la main du musicien. Cette sérigraphie capture les traits de Mould, connu pour son travail novateur avec des groupes comme Hüsker Dü, Sugar et The Jacks, et l'essence même de son impact sur les genres hardcore et indie. L'hommage rendu par Fairey à l'héritage de Mould, de l'album fondateur « Zen Arcade » à « Flip Your Wig » et au-delà, souligne l'importance de cette estampe en tant que témoignage de l'histoire culturelle. Fairey, dont l'art est depuis longtemps imprégné de commentaires sociaux et d'influences de l'industrie musicale, utilise cette estampe pour honorer un musicien qui a joué un rôle déterminant dans le développement de la scène indie américaine contemporaine. Bob Mould et l'évolution de la musique indépendante américaine dans les arts visuels Le parcours de Bob Mould à travers l'évolution de la musique indie américaine est intimement lié à cette sérigraphie. L'interprétation artistique de Shepard Fairey transcende le simple portrait ; elle est une représentation symbolique de l'époque où des groupes comme Sonic Youth, The Pixies et Nirvana ont redéfini le paysage musical, avec Mould et Hüsker Dü à leur tête. Fan inspiré par les bandes originales brutes et passionnées de sa jeunesse, Fairey puise son inspiration dans la musique de Mold, ce qui confère à l'œuvre une dimension intime et respectueuse. La sérigraphie témoigne de la pertinence toujours actuelle de Mould, Fairey mettant en lumière ses œuvres solo telles que « District Line ». L'œuvre symbolise la confluence entre le street art et l'énergie viscérale de la musique qui en constitue souvent la bande-son. La capacité de Fairey à insuffler à son travail l'esprit de la musique qu'il admire confère une profondeur particulière à la sérigraphie, la transformant d'un simple objet de collection en un témoignage narratif majeur au sein du street art et du graffiti. L'estampe sérigraphique signée Bob Mould AP de Shepard Fairey est bien plus qu'une simple rencontre entre art visuel et musique : c'est un hommage à l'héritage durable d'un artiste qui a contribué à façonner le son d'une génération. Œuvre de street art pop, elle incarne l'esprit rebelle du mouvement indie. Elle témoigne du pouvoir de l'art à transcender les médiums et à devenir un vecteur d'unité pour la réflexion et l'appréciation culturelles. Le tirage limité, associé aux signatures personnelles de Mould et de Fairey, en fait une pièce de collection qui immortalise un moment charnière dans l'interaction entre musique et art visuel.

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Tunnel Vision Version 2 - Impression sérigraphique alternative bleue tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art moucheté crème par l'artiste de graffiti pop Shepard Fairey - Obey Rare Street Art Limited Edition Artwork. 2018. Signée par Shepard Fairey et numérotée. Édition limitée à 700 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Shepard Fairey (né en 1970) Tunnel Vision 2018 Sérigraphies en couleurs sur papier crème moucheté 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm) Édition 700 Signée, numérotée et datée au crayon le long du bord inférieur Publiée par Obey Giant, Los Angeles. « Tunnel Vision Version 2 - Alternate Blue Silkscreen Print » est une œuvre d'art en édition limitée créée par l'artiste de rue américain contemporain Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY Giant et l'affiche emblématique « Hope » de Barack Obama. Le travail de Fairey combine souvent l'esthétique du street art avec des messages politiques, puisant son inspiration dans le graphisme, la propagande et la contre-culture. « Tunnel Vision Version 2 - Alternate Blue Silkscreen Print » présente un design saisissant, fidèle au style de Fairey. L'estampe mêle motifs géométriques, lignes audacieuses et couleurs contrastées, la version bleue offrant une alternative à l'estampe originale. À l'instar de nombreuses œuvres de Fairey, cette pièce aborde un thème qui invite à la réflexion et encourage le spectateur à questionner les normes sociales et le statu quo. Réalisée en sérigraphie, l'œuvre utilise un procédé d'impression au pochoir qui consiste à appliquer l'encre à travers un écran de sérigraphie sur un support. Cette méthode permet d'obtenir des couleurs éclatantes et des détails nets et précis, ce qui en fait un choix privilégié des artistes et des graveurs. S'agissant d'une édition limitée, les collectionneurs et les fans de l'œuvre de Shepard Fairey devraient se dépêcher d'en obtenir un exemplaire avant qu'ils ne soient épuisés.

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Psychedelic Andre - Endless Summer Obey Giant Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perfored Blotter Paper by Shepard Fairey X John Van Hamersveld pop culture LSD artwork. « J'ai créé cette image pour la première fois en 1967, puis l'affiche est sortie en 1968. Un jour, je me suis assis et j'ai commencé ce dessin, dans mon style habituel. J'étais directeur artistique chez Capitol Records et je ne dessinais plus beaucoup. C'était une toute nouvelle étape pour moi. Mais c'était l'occasion de tester mon dessin, de le transposer sur une affiche et de la faire publier. Le résultat a été excellent. Le concert a été un succès retentissant. Il y avait des publicités partout et le public adorait l'affiche. Elle est tout de suite entrée dans l'histoire, un peu comme l'affiche de The Endless Summer. » - John Van Hamersveld « Je suis devenu fan d'Hendrix après avoir quitté ma période punk rock orthodoxe. J'ai fini par être attiré par l'image de John car elle comportait un clin d'œil au psychédélisme, sans tomber dans l'excès de détails baroques, ce qui lui a permis de devenir iconique. Cette image d'Hendrix elle-même — ainsi que quelques autres influences, comme Barbara Kruger et le constructivisme russe — a eu une influence considérable sur ma façon de créer des œuvres capables de se démarquer dans le brouhaha de la rue tout en conservant un style reconnaissable. Lorsque je réalisais des variations d'André sur différents fonds, je m'intéressais beaucoup à l'art psychédélique, mais l'œuvre de John m'a vraiment inspiré à créer quelque chose qui s'écarte de la simple reproduction de l'image originale d'André. Ainsi, le Pinnacle Hendrix de John a en quelque sorte été la porte d'entrée vers l'évolution de tout mon projet André le Géant. Je ne saurais trop insister sur l'importance de cette image pour moi. » - Shepard Fairey

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Votez ! Stop Fascism. Sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par l'artiste Shepard Fairey Obey x Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. Œuvre d'art en édition limitée. Édition limitée numérotée à 450 exemplaires, signée par les deux artistes (2020). Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « C’est un honneur de collaborer à nouveau avec Shepard et NDLON (National Day Laborer Organizing Network) et de publier cette nouvelle version de l’affiche « We Are Human » que nous avions créée il y a plus de 10 ans. Cette image s’intitule « Votez ! Halte au fascisme ! ». Les bénéfices serviront à imprimer davantage d’affiches et à distribuer massivement des autocollants dans les villes de tout le pays. Unissons-nous pour stopper le fascisme et faire en sorte que Trump quitte le pouvoir ! Merci. » – Ernesto Yerena Le monde de l'art contemporain a souvent servi de plateforme à l'expression politique, notamment à travers des genres comme le pop art, le street art et le graffiti. Parmi les exemples marquants de cette époque, citons l'œuvre « Vota! Alto Al Fascismo », une sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur papier d'art. Cette pièce est née de la collaboration de deux artistes exceptionnels : Shepard Fairey (du collectif Obey) et Ernesto Yerena Montejano (de Hecho Con Ganas). Reconnus pour leurs prises de position audacieuses et leurs représentations percutantes des enjeux socio-politiques, ils signent ici une œuvre qui illustre parfaitement leur talent commun. Sortie en 2020, cette œuvre n'est pas seulement un manifeste, mais aussi un témoignage de l'urgence et de l'importance du message qu'elle véhicule. Tirée à seulement 450 exemplaires, chaque exemplaire est méticuleusement signé par Shepard et Ernesto, attestant de leur engagement personnel envers la cause qu'elle représente. Ses dimensions de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) en font une œuvre imposante, qui ne passe pas inaperçue et dont le message est profondément ressenti. S'inspirant d'une affiche « We Are Human » vieille de dix ans, cette version moderne souligne l'importance du vote et l'urgence de freiner la montée du fascisme. Le commentaire d'Ernesto illustre davantage la motivation première de cette collaboration, révélant l'objectif plus large de diffuser le message dans les villes du pays grâce à des affiches et des autocollants. Captivante, évocatrice et toujours d'actualité, l'œuvre « Vota! Alto Al Fascismo » brouille avec brio les frontières entre art et militantisme. À l'heure où le pop art et le street art évoluent, de telles œuvres témoignent de leur profond impact sur la société, incitant chacun à agir et à rejoindre un mouvement plus vaste.

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Sérigraphie Florence Aubenas par Shepard Fairey - OBEY x Blek le Rat Tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure Édition limitée Œuvre d'art pop et de rue. 2008. Signée par Shepard Fairey et Blek le Rat. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas Sérigraphie 2008 La sérigraphie Florence Aubenas de 2008 est le fruit d'une collaboration exceptionnelle entre l'artiste de rue américain Shepard Fairey, alias OBEY, et le pionnier français du pochoir, Blek le Rat. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale a été produite en édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés. Chaque exemplaire porte la signature des deux artistes, témoignant ainsi de son importance en tant que dialogue intergénérationnel au sein du Street Pop Art et du graffiti. Le sujet, la journaliste française Florence Aubenas, a été enlevée et retenue en otage en Irak en 2005, faisant de cette œuvre un puissant symbole de résilience et du rôle de l'art dans la mise en lumière des enjeux liés aux droits humains. Imagerie et symbolisme Cette estampe fusionne le style graphique et engagé de Shepard Fairey avec la technique classique du pochoir de Blek le Rat. Sur fond de place Saint-Michel à Paris, l'œuvre intègre photographie et pochoir pour créer une composition urbaine riche et nuancée. Aubenas y est représentée debout, sereine, sa silhouette se détachant en un pochoir noir intense sur le mur de pierre, évoquant les interventions de Blek le Rat dans l'espace public. Ce contraste avec la précision du décor urbain capturée par la sérigraphie de Fairey crée une tension entre la permanence de l'architecture historique et l'urgence des luttes politiques contemporaines. Le placement de la figure sous le panneau de signalisation ancre l'œuvre dans le contexte parisien, tout en symbolisant la portée universelle de son histoire. Collaboration entre icônes Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est considéré comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir, ayant influencé des générations d'artistes de rue à travers le monde, dont Banksy. Shepard Fairey, né à Charleston, en Caroline du Sud, en 1970, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à des œuvres engagées, comme l'affiche « Hope » de Barack Obama. Leur collaboration sur « Florence Aubenas » a réuni deux approches distinctes mais complémentaires : l'engagement de Blek envers la puissance de l'image directe au pochoir dans l'espace public et l'activisme de Fairey, guidé par le graphisme. Il en résulte une œuvre qui résonne à la fois comme un manifeste politique et comme un jalon dans l'histoire du street art. Résonance politique et héritage artistique Cette sérigraphie souligne comment l'art peut devenir un outil de sensibilisation et d'engagement. En immortalisant Florence Aubenas dans leur langage visuel, Fairey et Blek le Rat mettent en lumière les risques encourus par les journalistes travaillant dans les zones de conflit et l'importance de la liberté d'expression. Tirée en édition limitée, signée par les deux artistes et riche de sa thématique, cette sérigraphie de Florence Aubenas est considérée comme une pièce de collection majeure, non seulement pour les admirateurs de Shepard Fairey et Blek le Rat, mais aussi pour tous ceux qui reconnaissent l'importance d'un art socialement engagé. Elle demeure un exemple frappant de la manière dont le street art et le graffiti peuvent transcender l'esthétique pour aborder des réalités politiques urgentes.

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Ces fêtes me dégoûtent. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey Street Art OBEY Artwork. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, intitulée « Ces fêtes me dégoûtent ». Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Deux Amériques - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier chiffon 100 % coton verni, qualité archive. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. La photographie de Jim Marshall, prise alors qu'il vivait avec une famille de mineurs de charbon à Hazard, dans le Kentucky, est éloquente par ce qu'elle montre : une mère et ses deux enfants blottis l'un contre l'autre, se soutenant mutuellement. Mais elle en dit tout autant par ce qu'elle ne montre pas. On y perçoit l'absence flagrante de biens matériels et du père. J'ignore si ce dernier travaillait à la mine au moment de la prise de vue ou s'il est décédé prématurément des suites de son travail dans des conditions dangereuses. Quoi qu'il en soit, il est clair que cette famille est en difficulté et démunie.

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Spin Magazine Webster Hall NYC 2005 Lithographie offset en édition limitée, œuvre d'art sur papier d'art de Shepard Fairey, artiste de rue pop et graffiti urbain. Estampe de Shepard Fairey, édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, réalisée pour le 20e anniversaire du magazine Spin (Webster Hall, New York, 28 septembre 2005). Impression offset sur papier épais. Signée par l'artiste [2005]. Dimensions : 58,4 x 81,3 cm. De légères marques de pliure et des éraflures sur les bords extérieurs sont normales compte tenu de l'âge, voir photos.

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Noise & Lies - Cream 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Speckletone Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. 2018 Signée et numérotée, Noise & Lies (Crème) Sérigraphie 45,7 x 61 cm Édition de 325 exemplaires 31 janvier 2018 Gimmie Some Truth, Reject These Damaged Goods Le monde du street art est constamment dynamisé par l'œuvre captivante de Shepard Fairey, artiste de renom surtout connu pour sa campagne emblématique OBEY et l'affiche « Hope » d'Obama. Parmi ses œuvres, celle qui illustre le mieux son style unique et son influence considérable est la sérigraphie « Noise & Lies - Cream 2-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print ». Imprimée sur papier d'art Fine Speckletone, cette pièce se distingue comme une démonstration exceptionnelle du savoir-faire de Fairey dans la création d'œuvres rares de street art et de pop art. Réalisée le 31 janvier 2018, cette œuvre témoigne non seulement de la vitalité du street art, mais offre également une réflexion sur les dynamiques socio-politiques. Cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm, limitée à 325 exemplaires, est signée de la main de Shepard Fairey, gage de son authenticité et de sa valeur inestimable. De manière significative, les phrases « Gimmie Some Truth, Reject These Damaged Goods » intégrées à l'œuvre d'art amplifient sa critique des mensonges de la société et de la mentalité consumériste, faisant ainsi écho au discours contre-culturel de Fairey. Le fond crème de l'œuvre, associé à la technique signature de sérigraphie artisanale bicolore de Fairey, crée un contraste saisissant, rehaussant l'attrait visuel de l'œuvre. Ce subtil mélange de couleurs et de textures témoigne de la maîtrise de Fairey et de sa capacité à communiquer des messages puissants à travers son art. Cette composition, conjuguée à la renommée de Fairey dans les domaines du pop art, du street art et du graffiti, contribue à l'attrait et à la portée de l'œuvre. En définitive, « Noise & Lies - Cream 2-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print » de Shepard Fairey représente bien plus qu'une simple œuvre d'art. Elle incarne le style distinctif de Fairey, son commentaire socio-politique et sa contribution inégalée au monde du street art et du pop art, ce qui en fait une pièce inestimable dans le domaine de l'art contemporain.

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Puissance infinie ! Sérigraphie 4 couleurs en édition limitée, tirée à la main sur papier d'archivage 100 % coton à bords frangés, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Événement The Provocateurs (Chicago) : estampe de Shepard Fairey. Sérigraphie 61 x 91 cm, signée et numérotée, édition limitée à 200 exemplaires. Cachet de l'éditeur ART ALLIANCE en bas à gauche. Petrol Unlimited Future with Lung Tonic.

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Sérigraphie « The Lonesome Crowded West Apt Block Modest Mouse » de Shepard Fairey - OBEY - Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté - Édition limitée - Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 825 exemplaires, 2022. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces, sérigraphie représentant un immeuble d'appartements stylisé en milieu urbain. Je suis ravi que Modest Mouse m'ait demandé de créer des affiches en édition limitée pour leur tournée commémorant le 25e anniversaire de leur album de 1997, *The Lonesome Crowded West*. J'ai découvert Modest Mouse en 1998. J'avais emprunté l'album à un ami ; il était sorti l'année précédente et je l'ai tout de suite adoré. L'album est excellent, très riche et complexe, allant de morceaux agressifs et dissonants comme « Teeth Like God's Shoeshine » à des titres folk, mélodieux et intimistes comme « Trailer Trash ». Mes deux chansons préférées de l'album The Lonesome Crowded West sont « Doin' the Cockroach », qui monte crescendo jusqu'à une frénésie de guitare staccato exaltante, et la chanson suivante, « Cowboy Dan », empreinte de tension, de lutte, de colère et de beauté. Côté textes, le chanteur et principal compositeur du groupe, Isaac Brock, apparaît comme un sage empathique et désabusé. J'ai rarement recours au terme « poète », mais Isaac écrivait avec une telle profondeur pour un jeune homme de seulement 23 ans que je pense que seul ce titre peut véritablement rendre compte de son talent exceptionnel de parolier. J'ai eu la chance de réaliser l'affiche de la tournée Black Glass de Modest Mouse en 2000, un moment inoubliable pour moi. » - Shepard Fairey - OBEY Dans le panthéon du street art, peu de noms sont aussi indissociables de l'essor de ce mouvement dans la culture populaire que Shepard Fairey. Sa collaboration avec le groupe Modest Mouse pour l'affiche de leur tournée célèbre un événement marquant : le 25e anniversaire de leur album phare, « The Lonesome Crowded West ». Fidèle à son style, Fairey interprète l'esprit de l'album à travers une sérigraphie en édition limitée, minutieusement réalisée à la main avec cinq couleurs sur papier d'art Cream Speckletone. Ce procédé garantit que chacune des 825 pièces est imprégnée de la touche personnelle de l'artiste. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette estampe signée et numérotée représente un immeuble d'habitation, icône urbaine emblématique qui illustre l'isolement étouffant évoqué dans le titre de l'album. La représentation stylisée de l'immeuble par Fairey fait écho à l'exploration par le groupe de la solitude paradoxale de la vie urbaine, incarnant ainsi l'esprit de la musique de Modest Mouse à travers l'art visuel. Son œuvre n'est pas une simple interprétation artistique, mais un récit des contrastes de la vie urbaine : connexion et isolement, son et silence. Cette collaboration est particulièrement importante pour Fairey, fan de Modest Mouse depuis 1998. L'album l'a profondément marqué, avec ses changements de tonalité, du titre énergique « Teeth Like God's Shoeshine » au plus intimiste « Trailer Trash ». Fairey loue le talent d'auteur-compositeur d'Isaac Brock, reconnaissant la profondeur et la poésie de ses textes, surtout compte tenu du jeune âge de Brock. Les deux titres qui ont particulièrement retenu son attention, « Doin' the Cockroach » et « Cowboy Dan », illustrent la richesse de l'album et le talent d'écriture de Brock. L'histoire de Fairey avec Modest Mouse remonte à l'affiche de la tournée « Black Glass » de 2000, confirmant ainsi son lien de longue date avec le groupe. Cette estampe constitue un nouveau chapitre de cette histoire, renforçant le lien étroit entre son art visuel et leur expression musicale. Véritable témoignage de l'histoire de la culture pop, elle entremêle l'héritage du street art de Fairey et la contribution de Modest Mouse à la musique. Collectionneurs d'œuvres de Fairey et fans du groupe chérissent cette estampe comme un symbole de la pertinence intemporelle de « The Lonesome Crowded West » et du pouvoir de l'art à transcender les supports, capturant l'essence d'une époque.

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Bad Brains Punk Showcase - Rock For Light - Sérigraphie artisanale en édition limitée bicolore sur papier crème moucheté par Shepard Fairey - Œuvre d'art urbain rare - OBEY Pop Artwork Artiste pour musiciens Bad Brains. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. L'œuvre de Shepard Fairey, « Bad Brains Punk Showcase - Rock For Light », illustre de façon saisissante l'impact indélébile du street art et du graffiti sur la musique et la culture. Cette sérigraphie artisanale bicolore sur papier crème moucheté rend hommage au groupe punk légendaire Bad Brains, connu pour sa fusion explosive de punk et de reggae et son message de « Positive Mental Attitude ». Tirée à 350 exemplaires numérotés et signés (45,7 x 61 cm), cette édition limitée capture l'énergie brute et l'esprit du groupe, tout en mettant en valeur le style iconique de Fairey, devenu la signature de la marque OBEY. Artiste de rue et graphiste, Fairey s'est fait connaître grâce à sa campagne d'autocollants « Andre the Giant Has a Posse », qui a ensuite donné naissance au mouvement OBEY Giant. Ce projet visait à éveiller la curiosité et à inciter chacun à s'interroger sur son rapport à l'environnement. L'œuvre « Bad Brains Punk Showcase » s'inscrit dans la continuité de l'exploration par Fairey de la contre-culture et de la musique, thèmes récurrents dans son travail. Son approche artistique singulière, souvent caractérisée par des images stylisées et audacieuses et une palette de couleurs restreinte, reflète ses racines dans le milieu du skateboard et son admiration pour l'esprit punk rock. Dans cette œuvre, Fairey fusionne l'iconographie du groupe avec son esthétique pour créer une pièce à la fois hommage et œuvre à part entière au sein du genre street pop art. L'utilisation de l'emblème en forme d'étoile, la composition dynamique et la typographie imposante sont autant de marques de fabrique du style de Fairey, tout en rendant hommage à l'importance culturelle de Bad Brains. Il en résulte une œuvre qui trouve un écho auprès des fans du groupe et de l'artiste, apposant un pont entre musique et art visuel et symbolisant le rôle du street pop art dans la culture contemporaine. Cette œuvre constitue non seulement un objet de collection, mais aussi une illustration de la synergie entre art visuel et musique. C'est un témoignage éloquent du pouvoir du street art à transcender ses origines et à s'intégrer au vocabulaire culturel, capable de célébrer et d'immortaliser les pionniers de sous-cultures comme le punk rock. « Bad Brains Punk Showcase - Rock For Light » de Fairey est un vibrant rappel de l'héritage durable de Bad Brains et de l'esprit rebelle qui anime à la fois leur musique et l'univers du street art.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Florence Aubenas AP Artist Proof Silkscreen Print par Shepard Fairey- OBEY x Blek le Rat Hand-Tired on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste (AP) 2008, signée par Shepard Fairey et Blek le Rat, estampillée AP. Édition limitée, sérigraphie 18 x 24 pouces. Shepard Fairey x Blek le Rat Florence Aubenas AP Sérigraphie 2008 L'épreuve d'artiste (AP) sérigraphique « Florence Aubenas » de 2008 est une œuvre collaborative marquante de Shepard Fairey, alias OBEY, et de Blek le Rat, pionnier français du pochoir. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie artisanale sur papier d'art est une rarissime épreuve d'artiste, chaque exemplaire étant marqué « AP » et signé par les deux artistes. Au-delà de sa rareté, son sujet et sa double signature en font une œuvre majeure du street art et du graffiti, tant sur le plan politique qu'historique. Sujet et symbolisme L'œuvre présente un portrait de Florence Aubenas, la journaliste française enlevée en Irak en 2005 et libérée après des mois de captivité. Elle est représentée debout, sereine, contre le mur de la place Saint-Michel à Paris, sa silhouette, ciselée en noir et blanc, contrastant avec le décor urbain détaillé. Cette juxtaposition symbolise à la fois sa résilience et la précarité de la situation des journalistes en zones de guerre. En inscrivant son image dans un contexte parisien familier, l'estampe aborde les dimensions locales et internationales de son histoire, ancrant un enjeu politique mondial dans un paysage urbain reconnaissable. Collaboration intergénérationnelle Blek le Rat, né Xavier Prou ​​en France en 1951, est largement reconnu comme l'un des fondateurs du graffiti au pochoir. Sa carrière a débuté dans les rues de Paris au début des années 1980. Shepard Fairey, né en 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, s'est fait connaître grâce à sa campagne OBEY et à ses œuvres ultérieures abordant des questions de justice politique et sociale. Leur création commune, Florence Aubenas, fait le lien entre les origines du graffiti au pochoir en Europe et l'évolution du street art engagé aux États-Unis. Cette collaboration souligne un engagement commun à utiliser l'art comme forme d'activisme et de sensibilisation du public. Rareté et héritage des épreuves d'artiste Les épreuves d'artiste, généralement réservées aux artistes et collaborateurs en dehors des éditions numérotées classiques, acquièrent une valeur particulière en raison de leur rareté et de leur lien direct avec les créateurs. Avec ses deux signatures et la mention « É », cette édition de Florence Aubenas se distingue comme une pièce de collection rare. Plus qu'un simple objet de collection, cette estampe illustre comment le street art peut amplifier les problématiques sociales les plus urgentes, en utilisant l'imagerie publique et les techniques des beaux-arts pour susciter le dialogue. La sérigraphie « É » de Florence Aubenas demeure un exemple emblématique du street art et du graffiti, où convergent expression artistique, urgence politique et contexte historique.

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Prix ​​de l'épreuve d'artiste à l'huile AP Silkscreen Print de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 2 couleurs sur papier d'art crème moucheté, œuvre d'art en édition limitée Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'artiste AP 2008 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Impression sérigraphique. La sérigraphie « Cost of Oil » de Shepard Fairey est une œuvre provocatrice qui met en lumière la capacité du street art et du graffiti à aborder et questionner les enjeux socio-politiques. Sortie en 2008 en tant qu'épreuve d'artiste (EA), cette œuvre en édition limitée explore visuellement les thèmes de la consommation d'énergie, de l'impact environnemental et des ramifications géopolitiques inhérentes à la quête du pétrole. Signée et estampillée EA par Fairey, elle mesure 45,7 x 61 cm et est imprimée sur un papier beaux-arts crème moucheté. Reconnu pour son approche intelligente et critique du commentaire culturel, Fairey incarne avec « Cost of Oil » l'essence même de sa pratique du street art. L'œuvre s'articule autour de la question audacieuse et affirmative : « Quel est le prix du pétrole ? », qui résonne sur fond d'un récit visuel saisissant. L'image représente une silhouette solitaire, vêtue d'un t-shirt floqué « USA », remplissant le réservoir d'un Hummer – symbole puissant de la consommation américaine et du complexe militaro-industriel. Le soleil rayonnant derrière elle et le fond rouge sang qui dégouline soulignent la dichotomie entre lumière et obscurité dans le débat sur la liberté et son prix. Cette estampe bicolore, réalisée à la main, est un exemple emblématique du travail de Fairey, s'inscrivant pleinement dans l'objectif de la campagne « OBEY » : stimuler le débat et susciter une réflexion sur la propagande omniprésente dans l'espace public. Le motif « OBEY » a toujours cherché à inciter les observateurs à questionner les mécanismes et les messages qui les entourent, et « Cost of Oil » étend cette interrogation à la problématique mondiale de la dépendance au pétrole et à ses vastes conséquences. En tant qu'œuvre de street art, « Cost of Oil » est un catalyseur de dialogue, repoussant les limites de la communication artistique et de son influence sur l'opinion publique. Cette estampe nous rappelle avec force le pouvoir de l'art visuel comme outil d'activisme et de plaidoyer, et le rôle constant de Fairey qui, grâce à son art, a mis en lumière des enjeux cruciaux. Elle demeure une œuvre pertinente et marquante au sein de son travail et du débat plus large sur l'énergie, l'environnementalisme et le coût réel de la consommation.

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« We Own the Future », sérigraphie artisanale bicolore sur papier d'art crème moucheté, par l'artiste pop graffiti Shepard Fairey - Obey x Antonino D'Ambrosio . Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. 2013. Signée par Shepard Fairey et Antonino D'Ambrosio. Édition limitée numérotée à 450 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Shepard Fairey X Antonino D'Ambrosio, « We Own the Future », The Makers of Fire, « Transform Our World With Creative Response », 2013. Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Édition limitée à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. La sérigraphie « We Own the Future » ​​de Shepard Fairey fait partie de sa série OBEY Giant, devenue emblématique de son travail d'artiste de rue et de graphiste. Reconnu pour ses images audacieuses et iconiques et ses messages percutants, Fairey a créé de nombreuses œuvres qui suscitent le débat et remettent en question les normes sociales. « We Own the Future » ​​ne fait pas exception. L'estampe présente un design saisissant avec une figure centrale entourée d'une typographie audacieuse et d'un collage de motifs et de formes. L'œuvre évoque un sentiment d'émancipation et d'optimisme, incitant le spectateur à réfléchir à son rôle dans la construction de l'avenir. Comme dans beaucoup d'œuvres de Fairey, on y retrouve sa signature chromatique, notamment le rouge, pour un impact visuel fort. Bien que Shepard Fairey soit souvent associé à son affiche iconique « Hope » mettant en scène Barack Obama lors de la campagne présidentielle de 2008, « We Own the Future » ​​n'a aucun lien direct avec Obama. Cette œuvre fait plutôt partie de l'ensemble du travail de Fairey, qui englobe une gamme de thèmes et de messages qui tournent souvent autour des problèmes sociaux, de l'activisme et du pouvoir de l'individu.

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Droits de vote - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni avec bords frangés à la main, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie quatre couleurs sur papier d'archivage 100 % coton verni. 76 x 102 cm. Signée par Shepard Fairey. Édition numérotée à 100 exemplaires. La photographie de Jim Marshall, représentant Fannie Lee Chaney, immortalise le jour où elle apprit que son fils, James Chaney, et deux de ses amis avaient été tués par le Ku Klux Klan pour avoir inscrit des Afro-Américains sur les listes électorales.

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Influence législative à vendre AP Épreuve d'artiste Tirage sérigraphique en édition limitée, 2 couleurs, tiré à la main, sur papier beaux-arts par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artiste. Épreuve d'artiste AP 2011 Signée et marquée AP Œuvre d'art Taille 18x24 Sérigraphie de propagande démocrate représentant le président des États-Unis Ronald Reagan tenant une pancarte sur laquelle on peut lire « Influence législative à vendre », comme si l'un des camps était innocent. « Legislative Influence For Sale AP Artist Proof » témoigne de la profonde convergence entre politique, pop art et esthétique urbaine, incarnant l'essence même du genre à travers le regard de Shepard Fairey, figure emblématique de la scène street art contemporaine. Créée en 2011, cette sérigraphie artisanale en édition limitée, réalisée en deux couleurs sur papier beaux-arts, capture non seulement la vitalité et la force brute du langage visuel de Fairey, mais aussi un commentaire poignant sur la nature du pouvoir et de l'influence politiques aux États-Unis. Caractérisée par son utilisation emblématique de contrastes saisissants, l'estampe représente le 40e président des États-Unis, Ronald Reagan, brandissant une pancarte où l'on peut lire avec audace : « Legislative Influence For Sale ». Cette rhétorique visuelle attire l'attention sur les affirmations controversées concernant le rôle de l'argent dans la formation des résultats politiques, soulignant les nuances de la relation entre gouvernance et intérêts financiers. En juxtaposant Reagan – souvent considéré comme un symbole des idéaux conservateurs – à une pancarte suggérant une malversation politique, Fairey invite le spectateur à questionner et à confronter ses idées préconçues sur l'innocence et la culpabilité en politique. Dans ce contexte, l'œuvre de Shepard Fairey – souvent publiée sous le pseudonyme OBEY – a toujours été à l'avant-garde du street art, repoussant sans cesse les limites de ce dernier, le faisant évoluer d'un simple spectacle visuel à un médium véhiculant des messages sociétaux essentiels. Cette œuvre ne fait pas exception. Fusionnant les accents populistes du street art avec une représentation iconographique rappelant le pop art, « Legislative Influence For Sale AP Artist Proof » de Fairey est bien plus qu'une simple œuvre d'art. Elle incarne une époque, elle est une prise de position et un appel à la prise de conscience dans un monde où art et militantisme s'entremêlent harmonieusement.

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Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, œuvre d'art de rue rare OBEY Pop. Endless Power Petrol Palace (Rouge) 45,7 x 61 cm Édition limitée à 350 exemplaires 13 juin 2019 « L’affiche “Palais du pétrole au pouvoir infini” célèbre et critique à la fois la propagande graphique séduisante utilisée par l’industrie pétrolière. J’ai conçu cette affiche pour qu’elle évoque une publicité vintage célébrant l’abondance de l’Amérique et l’avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit une ressource limitée, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui le contrôlent est pratiquement illimité. » – Shepard Fairey

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Promeneur de chiens sadique - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier d'art fin Speckletone par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop Artwork. Sérigraphie signée et numérotée 2021 « Sadique promeneur de chien (rouge) » 61 x 84 cm (24 x 33 pouces) Édition limitée à 450 exemplaires 15 novembre 2021 J'ai créé plusieurs images au fil des ans abordant la question des violences policières, et je pense que l'humour et l'absurde permettent de rendre ce sujet grave plus accessible. L'histoire des chiens policiers utilisés contre les manifestants pour les droits civiques est marquée par la violence, ce qui contraste fortement avec l'image idyllique des propriétaires de chiens blancs qui chouchoutent leurs animaux et font appel à des promeneurs. Certains d'entre nous n'ont jamais à se soucier de la fréquence des abus de pouvoir commis par la police dans les communautés non blanches et défavorisées. Cette image du « Promeneur de chiens sadique » nous invite à prendre conscience de cette dualité. – Shepard

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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Top Elite Faschions 2-Color Hand-Pull Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Sérigraphie 18 x 24 signée et numérotée, édition de 450 exemplaires, signée et numérotée par Shepard Fairey au crayon, cette sérigraphie est réalisée sur un papier blanc cassé de poids moyen.

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AR-15 Lily - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier chiffon de coton Coventry personnalisé, par l'artiste de rue Shepard Fairey. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 41 cm. Dans la riche tapisserie de l'art moderne, la sérigraphie AR-15 Lily de Shepard Fairey occupe une place à part. Chef-d'œuvre contemporain, cette estampe grand format, aux dimensions impressionnantes de 30 x 41 pouces, témoigne du savoir-faire impeccable de Fairey et de sa profonde compréhension des enjeux sociaux. Créée en 2022, l'AR-15 Lily, tout comme son pendant, l'AK-47 Lotus, reflète l'inspiration que Fairey a puisée dans les manifestations emblématiques contre la guerre du Vietnam. Ces âmes courageuses, dans un geste symbolique de paix, glissaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale, présente pour réprimer leurs appels passionnés au calme. Shepard Fairey, artiste de rue et graffeur de renom, est connu pour mêler culture pop, art urbain et problématiques sociales brûlantes dans ses œuvres, et cette pièce ne fait pas exception. Son choix d'une technique de sérigraphie en quatre couleurs pour cette édition limitée à 100 exemplaires lui confère une exclusivité et une élégance indéniables. Cette estampe, réalisée avec une minutie extrême sur papier Custom Cotton Coventry Rag, évoque la nostalgie et le conflit ancestral entre violence et paix. Fairey, comme il l'exprime lui-même, se dit profondément pacifiste. Son œuvre n'est pas seulement une expression artistique, mais un appel à la diplomatie et à l'harmonie, tant sur la scène internationale que nationale. Sans remettre en cause le Deuxième Amendement, il insiste sur la nécessité de réduire les morts inutiles dues à la violence armée. Dans un monde où la frontière entre art et militantisme est souvent floue, l'engagement de Fairey envers les causes qu'il soutient est manifeste. Une partie des bénéfices de cette œuvre, par exemple, est reversée à Brady United, une organisation qui lutte contre la violence armée. « AR-15 Lily » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est une déclaration forte, une invitation à la réflexion et un témoignage de l'engagement indéfectible de Fairey en faveur de la paix. « Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants contre la guerre du Vietnam qui déposaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale déployée pour réprimer leurs manifestations. Je suis pacifiste, que ce soit en trouvant des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter les guerres à l'international ou pour prévenir et éviter la violence armée chez moi. Je ne suis pas contre le Deuxième Amendement, alors calmez-vous… Je ne suis pas intéressé par les discours machistes, je veux juste que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait un excellent travail de prévention contre la violence armée et recevra donc une partie des bénéfices de ces deux estampes. Merci de votre soutien. » – Shepard Fairey

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Psychedelic Andre- '92 Obey Giant Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perforated Blotter Paper by Shepard Fairey X John Van Hamersveld pop culture LSD artwork. « J'ai créé cette image pour la première fois en 1967, puis l'affiche est sortie en 1968. Un jour, je me suis assis et j'ai commencé ce dessin, dans mon style habituel. J'étais directeur artistique chez Capitol Records et je ne dessinais plus beaucoup. C'était une toute nouvelle étape pour moi. Mais c'était l'occasion de tester mon dessin, de le transposer sur une affiche et de la faire publier. Le résultat a été excellent. Le concert a été un succès retentissant. Il y avait des publicités partout et le public adorait l'affiche. Elle est tout de suite entrée dans l'histoire, un peu comme l'affiche de The Endless Summer. » - John Van Hamersveld « Je suis devenu fan d'Hendrix après avoir quitté ma période punk rock orthodoxe. J'ai fini par être attiré par l'image de John car elle comportait un clin d'œil au psychédélisme, sans tomber dans l'excès de détails baroques, ce qui lui a permis de devenir iconique. Cette image d'Hendrix elle-même — ainsi que quelques autres influences, comme Barbara Kruger et le constructivisme russe — a eu une influence considérable sur ma façon de créer des œuvres capables de se démarquer dans le brouhaha de la rue tout en conservant un style reconnaissable. Lorsque je réalisais des variations d'André sur différents fonds, je m'intéressais beaucoup à l'art psychédélique, mais l'œuvre de John m'a vraiment inspiré à créer quelque chose qui s'écarte de la simple reproduction de l'image originale d'André. Ainsi, le Pinnacle Hendrix de John a en quelque sorte été la porte d'entrée vers l'évolution de tout mon projet André le Géant. Je ne saurais trop insister sur l'importance de cette image pour moi. » - Shepard Fairey

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Achetez Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie bleue 4 couleurs tirée à la main en édition limitée sur papier crème Speckle Tone par Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 18 x 24 pouces Edition de 350 13 juin 2019 "L'affiche "Endless Power Petrol Palace" est à la fois une célébration et une critique de la propagande graphique séduisante utilisée pour l'industrie pétrolière. J'ai conçu cette impression pour qu'elle ressemble à une publicité vintage célébrant l'abondance de l'Amérique et l'avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit limité, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui contrôlent le pétrole est pratiquement illimité." -Shepard Fairey

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Stealth Bomber Qee Black 8 in Sub Version One Vinyl Art Toy par Shepard Fairey - OBEY x Toy2R Limited Edition Collectible Sculpture Figure Fine Artwork par Graffiti Pop Street Artist. Sculpture/figurine d'art en édition limitée 2003, format 6x8, imprimée sur vinyle. Livrée en boîte. Figurine en vinyle Shepard Fairey OBEY Stealth Bomber Qee La figurine Stealth Bomber Qee de Shepard Fairey (2003) est une pièce de collection majeure, témoin de l'évolution du design en vinyle et de la culture pop imprégnée de graffiti. Fruit d'une collaboration avec le label hongkongais Toy2R, cette figurine Sub-Version One de 20 cm est une œuvre d'art en édition limitée, reflet de la convergence entre le street art, le graffiti et les objets de collection. Elle incarne l'esthétique de Fairey au début des années 2000, où le design propagandiste rencontrait l'activisme urbain et le langage visuel des rues. Son coloris minimaliste noir et gris, associé au logo OBEY rouge vif, en fait une icône emblématique du style de Fairey. Avec sa construction en vinyle élégante et le visage stylisé d'André le Géant, immédiatement reconnaissable sur le torse et l'emballage, cette figurine est à la fois une œuvre d'art et un engagement politique. Collaboration en matière de conception et héritage de Toy2R La plateforme Qee de Toy2R a servi de support à de nombreux artistes de graffiti et pop parmi les plus renommés au monde, mais l'arrivée de Shepard Fairey a conféré une dimension culturelle inédite à l'univers du jouet. Le Stealth Bomber Qee n'est pas qu'un simple jouet ; c'est une véritable sculpture urbaine, née à une époque où le vinyle de collection s'est imposé comme un nouveau mode d'expression artistique. La collaboration avec Toy2R a permis à Fairey d'étendre l'influence de son mouvement de rue, initialement cantonné aux affiches, aux murs et aux collages, à un objet tridimensionnel durable. Chaque pièce de cette édition arbore au dos le logo emblématique de Fairey : une étoile, motif récurrent dans son œuvre politique et artistique. Bien plus qu'un simple ornement, c'est une extension visuelle du propos de l'artiste sur le pouvoir, le contrôle et la soumission sociale. Objet d'art pop urbain et sculpture de collection Cette figurine de collection mesure 20 cm et est présentée dans son emballage d'origine orné du logo OBEY et des illustrations emblématiques de Fairey. À la fois jouet et œuvre d'art sculpturale, elle représente la culture hybride née du Street Pop Art et du Graffiti. Chaque figurine est imprimée sur le pied avec des éléments distinctifs qui attestent de son appartenance au mouvement des figurines de créateurs des débuts : le logo OBEY en gras, le tampon de production de 2003 et la marque de licence Toy2R. Son édition limitée et son association avec un artiste de renommée internationale font de cette pièce un objet rare, témoin d'une période fondatrice du Street Art et de la production de figurines en vinyle. L'influence culturelle de Shepard Fairey Né aux États-Unis en 1970, Shepard Fairey compte parmi les artistes les plus influents issus du street art et ayant intégré la critique culturelle dominante. Sa collaboration avec la marque OBEY et la désormais célèbre affiche HOPE lors de l'élection présidentielle américaine de 2008 l'ont rendu célèbre, mais c'est son profond ancrage dans l'esthétique punk rock, la culture skate et le graffiti qui a véritablement façonné son style. La Stealth Bomber Qee s'inscrit dans cette lignée : un objet qui conserve l'esprit DIY et l'urgence visuelle de la rue, tout en étant raffiné pour l'exposition et la collection. Elle demeure l'un des premiers exemples de la manière dont la culture urbaine a commencé à captiver le monde de l'art grâce à la sculpture en édition limitée, fusionnant accessibilité et exclusivité en un seul objet.

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Bad Brains - Poing et drapeau - Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey x Glen E Friedman - Œuvre d'art de rue rare - OBEY Pop Artwork Artiste. 2022. Signée et numérotée. 61 x 46 cm. Sérigraphie sur papier Speckletone épais couleur crème. Photographie originale de Glen E. Friedman. Signée par Glen E. Friedman, Shepard Fairey et HR. Édition numérotée à 600 exemplaires. Bad Brains est l'un de mes groupes punk/hardcore préférés de tous les temps. Je suis fan depuis plus de 30 ans et j'ai la chance de collaborer avec eux sur plusieurs projets, notamment des affiches, une collection de vêtements et la pochette de leur album « Into the Future ». Glen E. Friedman a pris de nombreuses superbes photos de Bad Brains, et sa photo de HR au bar A7 à New York en 1981 a servi de référence pour l'illustration de cette affiche. C'est un immense honneur de créer une œuvre d'art et d'être associé à un groupe qui m'a apporté tant d'inspiration, d'énergie et de pur plaisir au fil des ans. Cette affiche est signée par Glen, moi-même et HR ! Gardez le moral ! – Shepard

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Off! You Will Do What We Say 2 Color hand-drawed limited edition silkprinted on True White Speckle Tone Paper by Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Estampe signée en édition limitée, 2019. 45,7 cm x 61 cm. Tirage limité à 600 exemplaires. 11 juillet 2019. Le groupe punk rock OFF!, composé de membres de Black Flag, Circle Jerks, Redd Kross, The Burning Brides et The Black Heart Procession, réalise un film intitulé « Watermelon ». Selon leur chanteur Keith Morris, leur slogan « You will do what we say »… serait un mantra du programme MK Ultra ressuscité de l'ombre. – Shepard Fairey

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Sérigraphie Cream & Blue Sedation in Bloom de Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2021 Signé par Shepard Fairey - OBEY & Édition limitée numérotée de 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24. Série d'estampes sérigraphiques « Sedation in Bloom ». « J'ai initialement créé ce motif de coquelicot dans le cadre d'une collaboration avec l'artiste Gordon Cheung. Dans notre œuvre, nous abordions le meurtre tragique de Vincent Chin et l'utilisation historique d'images et de symboles anti-asiatiques dans la culture occidentale. Le coquelicot est une fleur magnifique aux multiples interprétations symboliques, telles que la paix, la mort, le sommeil et la sédation. J'intègre souvent des motifs floraux et décoratifs à mon art pour captiver le regard et rendre les concepts complexes plus accessibles. Cependant, l'attrait décoratif peut endormir les consciences et les détourner de problèmes sociaux plus importants. Qu'il s'agisse de divertissement, d'alcool, de drogues ou de consommation ostentatoire, je pense que la sédation est une cause majeure de complaisance et d'ignorance sur les plans social et politique. Ces estampes « Sedation In Bloom » ont une double fonction : offrir une échappatoire décorative et nous rappeler de rester vigilants ! » – Shepard Fairey – OBEY. Cream & Blue Sedation en fleurs : Réflexions sur la société à travers le pop art urbain La sérigraphie « Cream & Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey, figure emblématique du pop art urbain et du graffiti, est une œuvre qui invite à la réflexion et transcende le simple plaisir esthétique. Fairey, né Frank Shepard Fairey le 15 février 1970 à Charleston, en Caroline du Sud, aux États-Unis, s'est forgé une place à part grâce à des œuvres qui mêlent souvent activisme politique et art. Cette œuvre, appartenant à la série « Sedation in Bloom », ne fait pas exception. Tirée à la main sur un papier d'art crème moucheté, « Cream & Blue Sedation in Bloom » est une édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par Fairey lui-même. Son format de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) offre un support idéal pour l'expression d'une imagerie complexe et symbolique. Limitée à 150 exemplaires, cette sérigraphie témoigne du caractère exclusif du travail de Fairey. Le symbolisme des coquelicots dans le langage visuel de Fairey Le motif du coquelicot dans cette série recèle de riches interprétations symboliques, évoquant la paix, la mort, le sommeil et la sédation. Le choix du coquelicot par Fairey est délibéré et multiforme ; il ne s’agit pas seulement de créer un effet visuel agréable, mais aussi de transmettre un message sous-jacent. Le jeu du bleu serein sur le crème reflète une esthétique paisible, tandis que l’association du coquelicot avec la sédation invite le spectateur à une réflexion plus profonde sur les implications sociétales de l’œuvre. Le travail de Fairey est un commentaire sur la complaisance et l’ignorance qu’il perçoit comme omniprésentes dans la société. Le pouvoir de séduction des divertissements, de l’alcool, des drogues et des excès matériels sert à engourdir les masses, les détournant de l’engagement social et politique. À travers l’estampe « Cream & Blue Sedation in Bloom », Fairey juxtapose l’attrait du coquelicot à un appel à la conscience, exhortant le spectateur à rester vigilant et attentif face aux distractions de la société. Collaboration artistique et commentaire social L'inspiration de cette œuvre à motifs de coquelicots est née de la collaboration de Fairey avec Gordon Cheung, où le duo a abordé le meurtre atroce de Vincent Chin et l'utilisation de motifs anti-asiatiques dans la culture occidentale. En intégrant ces thèmes à son art urbain pop, Fairey élève le débat, le faisant passer du discours de rue à un dialogue socio-politique plus large. Les estampes offrent une échappatoire décorative, tout en rappelant avec force l'importance de rester vigilant face aux inégalités et aux injustices du monde. « Cream & Blue Sedation in Bloom » de Shepard Fairey est un exemple frappant de la manière dont l'art urbain pop peut être un puissant vecteur de critique sociale. Au contact de l'harmonie des couleurs et de la délicatesse des motifs floraux, le spectateur est également confronté à l'impératif sociétal de rester vigilant. À travers cette série, Fairey réaffirme sa conviction que l'art a le pouvoir d'impulser le changement, de bousculer les habitudes et de provoquer un réveil de la conscience sociale. L'œuvre symbolise le double rôle de l'art dans la culture moderne : objet de beauté et catalyseur de prise de conscience et d'action.

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Overloading The Grid David Byrne AP Sérigraphie par Shepard Fairey - OBEY x Bobby Grossman Couleur tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone Édition limitée Œuvre d'art Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste AP 2024 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie du chanteur des Talking Heads, David Byrne Photo par Bobby Grossman. « Je suis fan des Talking Heads depuis l'enfance, depuis que j'entendais des chansons comme « Once in a Lifetime » et « Burning Down the House » à la radio, bien avant de découvrir le punk rock et de comprendre le rôle important des Talking Heads dans l'émergence de la scène punk new-yorkaise au CBGB au milieu des années 70. Je me souviens avoir vu le film Stop Making Sense sur HBO à l'adolescence et avoir trouvé le chanteur des Talking Heads, David Byrne, très bizarre et incroyablement audacieux de danser dans un costume démesuré. Je ne savais pas encore qu'explorer l'étrangeté de l'existence était précisément le point fort de Byrne ! Plus tard, en mûrissant, j'ai réalisé à quel point les Talking Heads étaient créatifs et audacieux, tant musicalement que visuellement. » - Shepard Fairey Surcharge du réseau électrique : David Byrne, AP, par Shepard Fairey et Bobby Grossman L'épreuve d'artiste sérigraphique « Overloading The Grid » de 2024 réunit deux figures majeures de l'expression visuelle contre-culturelle : Shepard Fairey et Bobby Grossman. Tirée à la main, cette sérigraphie présente le portrait de David Byrne, leader emblématique des Talking Heads, d'après une photographie classique de Grossman réinterprétée par l'esthétique graphique inimitable de Fairey. Imprimée sur papier d'art Speckletone couleur crème, signée et marquée AP par Shepard Fairey, cette édition de 45,7 x 61 cm fusionne photographie, histoire de la musique et design engagé en un portrait unique, reflet d'un héritage artistique et d'une subversion culturelle. L'héritage de David Byrne dans l'innovation visuelle et sonore L'influence de David Byrne dépasse le cadre de la musique et s'étend aux univers de la performance, de la mode et du design. Chanteur des Talking Heads, son style à la fois cérébral et expérimental incarnait l'esprit de la scène new-yorkaise underground durant l'explosion punk des années 1970. Avec une présence scénique singulière et un don pour exploiter le malaise comme ressort thématique, Byrne a fait de la gêne un mode d'expression et de communication. Ses contributions aux clips, aux pochettes d'albums et aux mises en scène ont contribué à définir le langage visuel de la new wave et du post-punk, jetant les bases d'un style narratif visuel qui continue d'influencer l'art et le design contemporains. L'interprétation graphique de Shepard Fairey à travers le street art, le pop art et le graffiti La réinterprétation par Shepard Fairey de la photographie de Bobby Grossman s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. À travers ses superpositions de grilles caractéristiques, sa palette de couleurs restreinte et ses ombres marquées, Fairey crée une tension visuelle entre formalité et rébellion. Son utilisation du contraste et son style confèrent au portrait une puissance souvent réservée à l'art de propagande, témoignant de son intérêt constant pour les messages et l'iconographie politiques. La sérigraphie, technique profondément ancrée dans le street art et la culture DIY, renforce le lien de l'œuvre avec l'esthétique underground. La technique de Fairey amplifie le regard de Byrne, faisant du portrait un symbole de défi créatif et de sophistication urbaine. L'influence de Bobby Grossman sur la mémoire culturelle Le photographe Bobby Grossman a capturé avec honnêteté et intimité l'énergie brute et intimiste des coulisses de la scène underground new-yorkaise. Son œuvre photographique, loin d'être un simple document, s'est pleinement intégrée à l'esthétique de l'époque. Cette collaboration avec Fairey rend hommage à l'influence de Grossman en tant que créateur d'images et archiviste des cultures punk, pop et street art. Son portrait de Byrne, stylisé, repensé et sublimé, trouve une nouvelle résonance dans le contexte plus large de l'art contemporain. En associant l'objectif de Grossman à l'univers visuel de Fairey, le tirage transcende le simple portrait : il témoigne de l'impact durable des artistes qui ont façonné le langage de la résistance et de la réinvention à travers le street art, le pop art et le graffiti.

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SF Fire Escape AP Artist Proof Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Hand-Tiped Color on Cream Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Artwork Obey Pop Culture Artist. Épreuve d'artiste (AP) 2011 signée par Shepard Fairey - OBEY et marquée AP. Édition limitée. Format : 18 x 24 pouces. Sérigraphie. SF Fire Escape AP par Shepard Fairey – Épreuve d'artiste sérigraphiée, art urbain pop et graffiti L'épreuve d'artiste (AP) sérigraphique « SF Fire Escape » de Shepard Fairey, réalisée en 2011, est une œuvre rare et marquante de street art pop et de graffiti. Signée par l'artiste et marquée AP, cette édition spéciale la distingue des tirages numérotés habituels. La sérigraphie de 45,7 x 61 cm a été créée sur papier d'art Speckletone crème, un support de prédilection pour les œuvres artisanales de Fairey, qui permet une saturation et une texture profondes tout en garantissant une conservation optimale. Réalisée dans la palette de couleurs emblématique de Fairey (rouge, noir et blanc cassé), cette œuvre reflète à la fois ses racines dans le graphisme et son intérêt pour le langage visuel urbain. Elle présente une composition architecturale saisissante d'une scène de ville avec un escalier de secours, des panneaux de signalisation et le visage familier du Géant Obey – une image qui demeure un élément central de l'œuvre de résistance visuelle de Fairey. Symboles architecturaux et instruction urbaine Cette œuvre plonge le spectateur dans le langage structuré d'un paysage urbain, où les escaliers de secours, les fenêtres, les panneaux publicitaires et les façades des immeubles forment un système de navigation rigide. Les lignes verticales et diagonales de l'échelle de secours et des poutres de soutien fragmentent l'espace, créant une impression visuelle d'enfermement ou d'évasion, selon l'interprétation. Un panneau « sens unique » interdit les virages, soulignant l'illusion de liberté dans un monde empli de contraintes. Ces indications directionnelles alimentent directement la critique que fait Fairey des mécanismes de contrôle inhérents à la société moderne. Par l'utilisation de la superposition de sérigraphies et de champs de couleur unis, l'artiste isole l'expérience du déplacement dans des environnements contrôlés et met en lumière l'architecture non comme un abri, mais comme un signal. Obéissez à l'iconographie comme présence vigilante L'intégration du visage d'Obey Giant dans la vitrine transforme un bâtiment urbain anonyme en un panneau publicitaire subversif. Le visage n'est pas mis en avant, mais incrusté, comme un regard intérieur tourné vers l'extérieur. Il résiste à la consommation et, au contraire, fixe le spectateur. Cette présence silencieuse souligne la réflexion de Shepard Fairey sur la surveillance, l'autorité et le marketing culturel. Plutôt que de rester à l'écart de l'environnement bâti, son iconographie s'est infiltrée dans le quotidien, devenant partie intégrante de la structure même. En tant qu'épreuve d'artiste, ce tirage particulier est une représentation plus fidèle de l'intention de Fairey, généralement réservée à un usage personnel, à la diffusion d'expositions ou à une avant-première. Sa rareté et sa proximité avec le processus de création du tirage original lui confèrent une valeur particulière. Technique de sérigraphie et forme politique La technique de sérigraphie de Shepard Fairey est profondément ancrée dans l'héritage de l'affiche contestataire et du pochoir graffiti. SF Fire Escape AP ne se contente pas d'imiter le graffiti ; elle en transcende l'esprit en réinterprétant les symboles urbains au sein de compositions maîtrisées sur papier. L'utilisation récurrente du rouge et du noir par Fairey traduit l'urgence et l'autorité, tandis que la pureté des lignes et la disposition en grille suggèrent un modernisme dépouillé de tout confort. La technique garantit la précision tout en conférant une énergie artisanale qui renforce son appartenance au Street Pop Art et au graffiti. En tant qu'épreuve d'artiste, elle offre aux collectionneurs et aux chercheurs un aperçu du processus de création de Fairey, avec souvent de légères variations de couleur ou d'alignement qui rendent chaque épreuve unique. L'œuvre concilie l'expérience brute de la ville et l'ordre visuel formel, ce qui en fait un témoignage saisissant de la contestation visuelle du XXIe siècle.

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Soul Rebel - Bob Marley - Impression typographique en édition limitée, réalisée à la main en une couleur sur papier crème moucheté par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste OBEY Pop. 40,6 cm x 49,5 cm. Édition limitée à 450 exemplaires. 19 mai 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob

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Avertissement : Addictif - Planche de skateboard sérigraphiée en édition limitée bleue par l'artiste de la culture pop urbaine Shepard Fairey OBEY. Signée au feutre sur le devant. Attention : planche de skate addictive. Édition numérotée à 400 exemplaires. Signée par Shepard Fairey. Je suis un grand fan de l'art et du skateboard d'Andy Howell depuis la fin des années 80, et j'ai suivi avec enthousiasme le lancement de New Deal Skateboards par lui et ses associés en 1990. New Deal a révolutionné le monde du skateboard, non seulement grâce à l'impulsion créative des skateurs, mais aussi parce que le style et l'art d'Andy Howell ont quasiment instantanément transformé l'esthétique et le style du skateboard, passant des crânes et des dragons au graffiti et au hip-hop. New Deal a été la première entreprise axée principalement sur le skate de rue et la culture urbaine, et ses publicités intelligentes et humoristiques célébraient son rôle de pionnière des entreprises détenues et gérées par des skateurs, incarnant le « pouvoir au peuple » et l'« écoute de la rue ». Dès ses débuts, New Deal a donné le ton des années 90. -Shepard

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Sérigraphie Sub-Standard de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 550 exemplaires (2023). Sérigraphie au format 12 x 24 pouces. Cette estampe, « Sub-Standard », dénonce le lien entre la cupidité des entreprises, les énergies fossiles, le réchauffement climatique et l’effondrement des écosystèmes. Les pratiques courantes, imposées par des acteurs comme Standard Oil et ses nombreuses filiales, devraient être redéfinies comme étant de qualité inférieure. Si nous voulons préserver la santé de notre planète et éviter la catastrophe, nous ne pouvons pas permettre aux grandes compagnies pétrolières de privilégier les profits au détriment de la planète et des populations (ainsi que de nombreuses autres espèces menacées). N’oublions pas que les grandes compagnies pétrolières, déjà très rentables, sont subventionnées par vous, contribuables, à hauteur de 50 milliards de dollars par an. En comparaison, les énergies renouvelables ne sont subventionnées qu’à hauteur du quart de cette somme. Nous devons exiger un changement. Une partie des bénéfices de cette estampe est reversée à Greenpeace USA pour soutenir ses actions en faveur d’une planète saine. – Shepard Fairey – OBEY La sérigraphie intitulée « Sub-Standard » de Shepard Fairey, issue de sa série OBEY, est une œuvre d'art contemporain saisissante qui porte un regard critique sur le problème urgent de la dégradation de l'environnement, liée à l'influence des entreprises et à la dépendance aux énergies fossiles. Tirée à seulement 550 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre est une déclaration audacieuse, tant par sa forme que par son fond, mêlant l'esthétique du pop art, du street art et du graffiti sur un papier d'art crème moucheté. Mesurant 30,5 x 61 cm, chaque tirage 5 couleurs, réalisé à la main, témoigne du talent technique de Fairey et de son engagement pour le commentaire social. Figure emblématique de la culture pop et du street art, Shepard Fairey utilise son art pour remettre en question l'ordre établi et susciter une réflexion sur les enjeux mondiaux les plus pressants. « Sub-Standard » cible plus particulièrement les conséquences des actions de l'industrie des énergies fossiles sur le changement climatique et la destruction de l'environnement. La référence de Fairey à Standard Oil et à ses successeurs met en lumière un héritage de politique environnementale privilégiant le profit à la santé de la planète, soulignant l'urgence d'une transformation des pratiques des entreprises. L'œuvre emploie un symbolisme puissant, juxtaposant un motif industriel à un arrière-plan évoquant un monde naturel en détresse, reflétant ainsi le propos de Fairey sur le conflit entre intérêts économiques et responsabilité environnementale. Un aspect important de cette œuvre réside dans sa dimension militante. Une partie des recettes de « Sub-Standard » est reversée à Greenpeace USA, finançant les actions de l'organisation pour lutter contre les atteintes à l'environnement et promouvoir le développement durable. Ce soutien financier s'inscrit pleinement dans le message de l'œuvre, établissant un lien direct entre art, militantisme et soutien concret à la préservation de l'environnement. Le choix de Fairey de souligner l'écart entre les subventions aux énergies fossiles et celles aux énergies renouvelables renforce l'appel à l'action de l'estampe, plaidant pour une réévaluation des investissements publics dans une perspective de santé planétaire à long terme. Dans le paysage de l'art moderne, « Sub-Standard » de Shepard Fairey se distingue comme une œuvre qui non seulement capture l'avant-garde esthétique du mouvement artistique OBEY, mais incarne également une profonde conscience sociale et environnementale, faisant progresser le débat dans le domaine de l'activisme artistique.

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Protégez la planète bleue. Édition limitée. Sérigraphie artisanale bicolore sur papier épais crème moucheté, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée, 2022, 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Pour célébrer le Mois de la Terre, en collaboration avec la Fondation PangeaSeed, j'ai le plaisir de vous présenter « Protégeons la planète bleue », une œuvre mettant en scène une baleine franche de l'Atlantique Nord, espèce menacée, émanant d'un mandala dont la Terre est le point central. Dans plusieurs cultures, le mandala symbolise l'harmonie, l'unité et la plénitude, des concepts essentiels pour appréhender l'interdépendance des écosystèmes, des peuples et des espèces de notre planète. Le mandala arbore des ornements floraux, symboles d'harmonie épanouie, mais aussi des flammes, rappelant les dangers du réchauffement climatique. Les inscriptions « Protégeons la planète bleue » et « Un océan, un peuple », intégrées à l'œuvre, ainsi que la palette de couleurs bleues, soulignent le lien crucial entre la santé des océans et celle de notre planète. – Shepard

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Lemmy Damaged Case 1 couleur, sérigraphie artisanale en édition limitée sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, art urbain rare, artiste pop OBEY. Édition limitée à 550 exemplaires, signée et numérotée, de Lemmy (boîtier endommagé), 45,7 cm x 61 cm (18 pouces x 24 pouces), 10 septembre 2021. « J'ai d'abord été intrigué par Motörhead parce que les gars de GBH apparaissaient sur quelques photos avec des t-shirts du groupe arborant leur logo emblématique en forme de dent de scie. « Ace of Spades » est la première chanson de Motörhead que j'ai entendue, et je ne savais pas comment la classer : punk, metal, hard rock ?… mais je savais que c'était génial ! » – Shepard Fairey

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Avertissement : Addictif - Planche de skateboard sérigraphiée en édition limitée orange par l'artiste de la culture pop urbaine Shepard Fairey OBEY. Signée au feutre sur le devant. Attention : planche de skate addictive. Édition numérotée à 400 exemplaires. Signée par Shepard Fairey. Je suis un grand fan de l'art et du skateboard d'Andy Howell depuis la fin des années 80, et j'ai suivi avec enthousiasme le lancement de New Deal Skateboards par lui et ses associés en 1990. New Deal a révolutionné le monde du skateboard, non seulement grâce à l'impulsion créative des skateurs, mais aussi parce que le style et l'art d'Andy Howell ont quasiment instantanément transformé l'esthétique et le style du skateboard, passant des crânes et des dragons au graffiti et au hip-hop. New Deal a été la première entreprise axée principalement sur le skate de rue et la culture urbaine, et ses publicités intelligentes et humoristiques célébraient son rôle de pionnière des entreprises détenues et gérées par des skateurs, incarnant le « pouvoir au peuple » et l'« écoute de la rue ». Dès ses débuts, New Deal a donné le ton des années 90. -Shepard

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Ensemble de sérigraphies Birdsong Project Portfolio par Shepard Fairey OBEY x Artistes divers sur papier d'art, édition limitée. 2023. Chaque exemplaire est signé par l'artiste. Coffret signé par Shepard Fairey et numéroté. Édition limitée à 250 exemplaires. Œuvre sérigraphiée 30,5 x 30,5 cm. Coffret de 20 estampes sérigraphiées issues du portfolio « Birdsong Project », composé de 20 estampes différentes réalisées par divers artistes. Artistes représentés : Brian Calvin, Danny Romeril, Deedee Cheriel, Duke Riley, Eggpicnic, Ernesto Yerena, Faith47, Isobel Harvey, Jim Houser, Joonbug, Kevin Earl Taylor, Keya Tama, Lovehawk, Mark Mothersbaugh, Monica Canilao, Ravi Zupa, Shepard Fairey, Sophie Wake, Tim Biskup et TOMO77. Oiseaux dans l'univers du pop art urbain et du graffiti Les oiseaux, en tant que motifs, possèdent une portée universelle et une signification symbolique qui transcendent les cultures, ce qui en fait un sujet récurrent dans le street art et le graffiti. Ils symbolisent souvent la liberté, la transcendance et la paix, des concepts en accord avec l'esprit libérateur du street art. La représentation des oiseaux dans ce genre peut aller de fresques réalistes célébrant la biodiversité à des icônes stylisées servant de métaphores pour des idéaux sociaux et politiques. La flexibilité de l'imagerie aviaire permet aux artistes de rue et pop d'explorer des thèmes allant de l'écologique au fantastique. En milieu urbain, où le béton étouffe souvent la verdure, la représentation des oiseaux peut être un rappel poignant du monde naturel qui persiste au cœur du paysage urbain. Ils peuvent contraster avec le décor urbain ou s'y intégrer harmonieusement, incarnant la tension et l'équilibre entre le naturel et l'artificiel. Symbolisme et technique dans l'art aviaire Dans le street art et le pop art, les oiseaux peuvent être représentés de multiples façons. Par exemple, une colombe peut symboliser la paix ou, au contraire, aborder les thèmes de la guerre et des violences urbaines. Les techniques artistiques employées varient considérablement : des rendus photoréalistes et élaborés, célébrant la beauté de ces créatures, aux interprétations abstraites et géométriques, réduisant leurs formes à l’essentiel. La diversité des espèces d’oiseaux offre une riche palette aux artistes, leurs couleurs et motifs étant une source d’inspiration inépuisable pour l’expérimentation visuelle. Dans le street art, le pop art et le graffiti, la représentation des oiseaux est à la fois une célébration de la biodiversité et un défi artistique, incitant les artistes à saisir l’essence de ces créatures de manière novatrice. L'impact culturel de l'art sur le thème des oiseaux L'art ornithologique a le potentiel d'avoir un impact culturel significatif, notamment dans le contexte de la sensibilisation à l'environnement et des efforts de conservation. Le street art et le graffiti mettant en scène des oiseaux peuvent attirer l'attention sur le sort des espèces menacées ou sur l'importance des espaces verts urbains. De plus, ces œuvres peuvent contribuer au bien-être esthétique et psychologique des citadins, en leur offrant des moments de beauté et de réflexion au cœur de l'agitation urbaine. La reconnaissance universelle des oiseaux signifie également que l'art aviaire possède un large attrait et peut transcender les barrières linguistiques et culturelles. Cela fait des oiseaux un sujet idéal pour l'art public destiné à impliquer des publics divers et à favoriser un sentiment d'appartenance à la communauté et une appréciation partagée de la nature. Les oiseaux sont un sujet dynamique et multiforme dans le street art et le graffiti, servant de symboles de liberté, d'agents de beauté et de rappels du monde naturel. Leur représentation artistique peut aller du littéral au symbolique, du réaliste à l'abstrait, chaque interprétation offrant une facette différente de sens et de valeur esthétique. Les œuvres représentées sur l'image que vous avez fournie englobent probablement un large éventail de ces approches artistiques, reflétant le riche potentiel de l'imagerie aviaire pour inspirer et susciter la réflexion à travers la toile vibrante du street art et du pop art.

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Disposable Heroes, sérigraphie en édition limitée bicolore tirée à la main sur papier d'art Speckletone fin, par Shepard Fairey, artiste de street art rare OBEY Pop Artwork. Sérigraphie signée et numérotée DISPOSABLE HEROES Sérigraphie 45,7 x 61 cm Édition limitée à 450 exemplaires 7 février 2012 « Il nous a bien servis » Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Love Lotus - Sérigraphie artisanale en édition limitée 4 couleurs sur papier crème moucheté par Shepard Fairey - Œuvre d'art urbain rare - OBEY Pop Artwork Artiste. 18 pouces sur 24 pouces. Édition limitée à 550 exemplaires. 1er juin 2021. Cette série d'estampes, réalisée en collaboration avec le photographe Dennis Morris, commémore le 40e anniversaire de la disparition de Bob Marley. Elle illustre l'incroyable complexité de la personnalité de Marley : le philosophe, le militant engagé pour la justice et le messager d'amour et de fraternité. Bob

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