Coffret Portfolio Art Debut Homeage, tirages d'art d'archives par Fin DAC, édition limitée 8x sur papier d'art Somerset blanc satiné amélioré 330 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 60 exemplaires (2023). Coffret de 8 œuvres (format 15,75 x 23,62 pouces), impression pigmentaire d'archives. Ce coffret exclusif comprend un livret HomEage A4 de 24 pages, élégamment relié avec une couverture en couleur violet royal ornée d'une feuille métallique. Signé à la main par l'artiste sur la page d'introduction, ce livret confère à cette œuvre une valeur et un caractère uniques. Un certificat d'authenticité détaillé de 12 pages accompagne le livret, garantissant la provenance de l'œuvre. Afin d'assurer la préservation de cette œuvre de collection, une paire de gants luxueux 100 % coton, brodés du logo distinctif HomEage, est fournie pour une manipulation délicate. Artistes auxquels Fin DAC rend hommage dans son premier coffret d'art HomEage Erté - Zuihou par Fin DAC Signé et numéroté Keith Haring - Lucheng par Fin DAC, signé et numéroté Gustav Klimt - Tuileries par Fin DAC, signé et numéroté Barbara Kruger - Shukumei par Fin DAC, signé et numéroté Frank Miller - Endian par Fin DAC, signé et numéroté Hayoa Miyazaki - Madeleine par Fin DAC, signée et numérotée Alphonse Mucha - Changsegi par Fin DAC, signé et numéroté Vincent van Gogh - Akiko par Fin DAC, signé et numéroté Coffret de présentation personnalisé en buckram Oxford Le coffret de présentation, d'une facture exquise, est recouvert d'une luxueuse toile Oxford violette de qualité supérieure, doublée d'un délicat tissu Wibalin naturel d'un doux lilas. L'extérieur et le dos du coffret sont ornés d'un marquage à chaud doré, ajoutant une touche d'élégance et de raffinement. Ce coffret exclusif mesure 686 x 490 x 47 mm, offrant un espace généreux pour son contenu. Chaque coffret est signé et numéroté à la main par l'artiste sur la couverture intérieure, ce qui en fait une pièce de collection unique. Ensemble d'estampes d'art découpées à la main Les tirages sont soigneusement présentés dans une pochette protectrice, élégamment placée sur le dessus. Cette pochette est ornée d'un marquage à chaud en feuille d'or métallisée sur un papier Colorplan Amethyst 330 g/m² finition unie, gage de raffinement. Sous chaque tirage se trouve une feuille de papier translucide sans acide, assurant une protection optimale. Le coffret comprend huit tirages d'art d'une qualité exceptionnelle, aux bords frangés à la main, chacun réalisé sur papier Somerset Enhanced Satin blanc éclatant 330 g/m². Mesurant 60 x 40 cm, ces tirages sont signés, numérotés et estampillés à la main par l'artiste, gage d'authenticité et de savoir-faire. Fin DAC x West Vidéo d'art contemporain Dévoilement du premier coffret portfolio HomEage Box de Fin DAC Dans l'univers exaltant de l'art moderne, le portfolio « Debut HomEage Box » de Fin DAC, artiste de street art et de graffiti de renom, s'impose comme un témoignage de la fusion harmonieuse entre hommage traditionnel et esthétique contemporaine. Ce coffret d'art en édition limitée à seulement 60 exemplaires célèbre la synergie culturelle, alliant la vitalité du street art à la finesse du papier beaux-arts. Chacune des huit œuvres qui le composent est un hommage, une fusion unique du style distinctif de Fin DAC et de l'influence indélébile d'artistes emblématiques issus de différents mouvements et époques artistiques. Hommage artistique de Fin DAC aux maîtres Avec un profond respect pour les maîtres de l'art, Fin DAC rend hommage à une lignée d'artistes aux influences diverses à travers ses estampes d'archives. De l'éclat Art déco de « Zuihou » d'Erté à l'expressionnisme dynamique de « Lucheng » de Keith Haring, chaque œuvre est un dialogue à travers le temps. Les motifs dorés et les détails ornementaux des « Tuileries » de Gustav Klimt trouvent un écho contemporain dans ces estampes. Les contrastes de textures saisissants de « Shukumei » de Barbara Kruger et l'intensité sombre d'« Endian » de Frank Miller sont réinterprétés à travers le prisme du pop art urbain. La narration onirique de « Madeleine » d'Hayao Miyazaki et l'élégance Art nouveau de « Changsegi » d'Alphonse Mucha s'entremêlent harmonieusement avec l'art urbain. Enfin, la vigueur post-impressionniste de l'« Akiko » de Vincent van Gogh est revitalisée, reflétant l'influence perpétuelle de ces artistes sur les créations contemporaines. Présentation et conservation exceptionnelles Le coffret HomEage incarne le luxe et le souci du détail. Véritable chef-d'œuvre, il est recouvert d'une toile Oxford violette de qualité supérieure et doublé d'un tissu Wibalin lilas à la finition naturelle, reflétant une esthétique royale. Le marquage à chaud doré sur l'extérieur et le dos du coffret ajoute une touche de luxe, évoquant l'âge d'or de l'art. À l'intérieur, un livret A4 de 24 pages, relié en Colorplan et estampé à chaud, attend le collectionneur, accompagné d'un certificat d'authenticité de 12 pages, d'une grande précision. Ce certificat garantit non seulement la provenance, mais enrichit également le récit de chaque pièce. Preuve de l'exclusivité de cet ensemble, chaque livret est signé à la main par Fin DAC, confirmant son statut de trésor pour les collectionneurs. Tirages d'archives d'une qualité irréprochable Au cœur de ce portfolio se trouvent les tirages d'art de qualité archivistique, chacun étant une œuvre d'art réalisée à la main sur papier Somerset Enhanced Satin blanc, d'un grammage généreux de 330 g/m² qui témoigne d'une qualité exceptionnelle. Ces tirages, d'un format impressionnant de 60 x 40 cm, sont signés, numérotés et estampillés individuellement à la main par l'artiste. Présentés dans un étui protecteur orné de dorures sur papier Colorplan Amethyst, chaque tirage est séparé par une feuille de papier translucide sans acide, garantissant ainsi sa longévité et son éclat. L'alliance des matériaux et les finitions artisanales reflètent l'engagement de l'artiste à créer des œuvres d'art destinées à être transmises de génération en génération. Héritage et savoir-faire dans l'art pop urbain et le graffiti Le premier coffret HomEage de Fin DAC est une fusion entre tradition et innovation, un hommage intemporel à travers le street art et le graffiti. Cette expérience immersive offre un véritable festin visuel et une plongée fascinante dans l'héritage des grands maîtres, interprété par l'un des artistes les plus captivants de la scène street art contemporaine. Ce coffret d'estampes d'archives est une pièce maîtresse dans le monde de l'art, promettant de susciter la conversation et de devenir un trésor pour des générations d'amateurs.

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Affiche de concert Flatstock 33 2012 Event Music en édition limitée, impression sérigraphique manuelle bicolore sur papier d'art jaune par Jeremy Wheeler. Numéro 71 sur 71. SXSW American Poster Institute, du 14 au 17 mars 2012, Austin Convention Center, Texas.

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« Tomorrow's Another Night », sérigraphie en édition limitée rouge 3 couleurs tirée à la main sur papier vélin naturel Coventry Rag 320 g/m² par Modern Artist Niagara x Shepard Fairey x Niagara. Édition limitée rouge signée et numérotée de 150 exemplaires, sérigraphie 3 couleurs sur papier vélin naturel Coventry Rag 320 g/m². Dimensions : 18 x 24 pouces. Sortie : 2 juillet 2021. « J'ai choisi une image de Ron et Niagara où je les trouve tous deux magnifiques, mais il y avait un bel équilibre entre l'agressivité directe de Ron, dans sa pose où il fixe son adversaire droit dans les yeux, le poing levé, et l'étreinte apparemment timide de Niagara. Pourtant, quiconque connaît Niagara sait que, derrière son air calme, elle tire les ficelles. J'ai ajouté un couteau à cran d'arrêt qu'elle caresse du doigt, pour accentuer son côté femme fatale, et parce que cela collait bien à mon idée de titre originale : « Bonnie et Clyde étaient des poids légers ». » – Shepard Fairey – OBEY La collaboration de Shepard Fairey avec Niagara : « Demain est une autre nuit » « Tomorrow's Another Night » témoigne de la collaboration dynamique entre Shepard Fairey et Niagara, deux figures emblématiques du street art et du graffiti. Cette sérigraphie en édition limitée, tirée à la main sur papier vélin Coventry Rag naturel 320 g/m², met en lumière la maîtrise de la sérigraphie de Fairey alliée à la vision artistique provocatrice de Niagara. Sortie le 2 juillet 2021, chaque exemplaire de la série est signé et numéroté avec soin, gage de son caractère exclusif. Son format de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) en fait un objet de collection idéal pour les connaisseurs sensibles à la subtile rencontre entre culture pop et beaux-arts. L'œuvre présente une imagerie iconique qui reflète l'esprit rebelle du mouvement punk rock, imprégnée d'une agressivité frontale et d'une manipulation subtile. Le regard direct et le poing serré de Ron contrastent avec la posture calculée et sereine de Niagara, une dualité que Fairey souligne par le placement stratégique d'un couteau à cran d'arrêt. Cet élément renforce le côté séduisant de Niagara, faisant écho au concept original de Fairey qui présentait le duo comme un Bonnie et Clyde des temps modernes, et suggérant une histoire de pouvoir et de séduction qui contredit leur apparence extérieure. Exploration du récit visuel et de la valeur artistique de « Demain sera une autre nuit » La collaboration de Shepard Fairey avec Niagara sur « Tomorrow's Another Night » donne naissance à un récit visuel riche, tout en contrastes et en complexité. L'imagerie en noir et blanc, d'une grande sobriété, est rehaussée par l'utilisation judicieuse de trois couleurs, ce qui confère de la profondeur et plonge le spectateur au cœur de l'histoire qui se déploie dans l'estampe. L'œuvre résonne de l'énergie de la rue, où le graffiti, art traditionnel, remet en question les normes sociales et suscite la réflexion par le biais de la narration visuelle. La sérigraphie explore visuellement la dichotomie entre apparence et réalité, les rapports de force et le rôle des femmes comme orchestratrices invisibles dans une société dominée par les hommes. La description que fait Fairey de Niagara, une femme d'apparence réservée qui tire pourtant les ficelles, offre un commentaire puissant sur la nature multiforme de la force et de l'autonomie féminines. Ainsi, l'œuvre devient un espace d'appréciation esthétique et d'engagement autour des thèmes plus larges du genre et du pouvoir. L'impact culturel de la fusion artistique de Fairey et Niagara « Tomorrow's Another Night » représente un jalon culturel dans le domaine du street art et du graffiti. La collaboration entre Shepard Fairey et Niagara transcende les générations et les styles artistiques, donnant naissance à une œuvre qui rend hommage au passé tout en offrant un commentaire pertinent sur les enjeux contemporains. Le tirage limité de cette estampe renforce son importance culturelle, offrant un instantané d'un moment où deux artistes d'horizons différents et aux voix distinctes se sont unis pour créer une œuvre unique et percutante. De plus, elle contribue au débat actuel sur la place du street art dans l'histoire de l'art. En intégrant l'esthétique du street art aux beaux-arts grâce à la sérigraphie, Fairey et Niagara remettent en question les frontières traditionnelles et invitent à une réévaluation de ce qui constitue l'art à l'ère moderne. « Tomorrow's Another Night » est une œuvre à apprécier pour son attrait visuel et un sujet de conversation qui encourage les spectateurs à explorer les histoires qui se cachent derrière les images. En somme, « Tomorrow's Another Night » incarne avec éclat l'esprit de collaboration qui définit le street art. À travers cette estampe, Shepard Fairey et Niagara proposent une œuvre imprégnée de l'esprit de la culture urbaine, tout en conservant une finesse raffinée qui séduira les collectionneurs d'art. Cette œuvre témoigne de la puissance de la collaboration artistique et du pouvoir d'attraction intemporel de l'art inspiré du street art.

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Tunnel Vision Version 2 - Impression sérigraphique alternative dorée tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art moucheté crème par l'artiste de graffiti pop Shepard Fairey - Obey Rare Street Art Limited Edition Artwork. 2018. Signée par Shepard Fairey et numérotée. Édition limitée à 700 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Shepard Fairey (né en 1970) Tunnel Vision 2018 Sérigraphies en couleurs sur papier crème moucheté 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm) Ed700 Signé, numéroté et daté au crayon le long du bord inférieur Publié par Obey Giant, Los Angeles. L'estampe sérigraphique « Tunnel Vision Version 2 » (or) est une œuvre en édition limitée créée par l'artiste de rue américain contemporain Shepard Fairey, célèbre pour sa campagne OBEY Giant et l'affiche emblématique « Hope » de Barack Obama. Le travail de Fairey mêle souvent esthétique du street art et messages politiques, puisant son inspiration dans le graphisme, la propagande et la contre-culture. L'estampe « Tunnel Vision Version 2 » (or) présente un design saisissant, fidèle au style de Fairey. Elle mêle motifs géométriques, lignes audacieuses et couleurs contrastées, la version bleue offrant une alternative à l'originale. À l'instar de nombreuses œuvres de Fairey, cette pièce invite à la réflexion et encourage le spectateur à questionner les normes sociales et l'ordre établi. Réalisée en sérigraphie, l'œuvre utilise un procédé d'impression au pochoir qui consiste à appliquer l'encre à travers un écran sur un support. Cette méthode permet d'obtenir des couleurs éclatantes et des détails nets et précis, ce qui en fait une technique prisée des artistes et des graveurs. S'agissant d'une édition limitée, les collectionneurs et les fans de l'œuvre de Shepard Fairey devraient se dépêcher d'en obtenir un exemplaire avant qu'ils ne soient épuisés.

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Étude sérigraphiée par Pose-Jordan Nickel, tirée à la main, 28 couleurs sur papier d'art Rising Museum Board 2 plis, édition limitée. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2024. Œuvre d'art de 30 x 30 cm. Sérigraphie. Exploration du dynamisme et des techniques du pop art urbain La fusion de l'esthétique du street art et du dynamisme coloré du pop art a donné naissance à une expression artistique unique : le Street Pop Art. Au sein de ce genre, le travail d'artistes contemporains comme Jordan Nickel, plus connu sous le pseudonyme de « Pose », se distingue. La démarche de Nickel est emblématique d'une génération d'artistes qui associent la force brute du street art à l'esthétique du pop art pour créer des œuvres visuellement saisissantes et culturellement pertinentes. Parmi les dernières contributions à ce domaine vibrant figure « Study Silkscreen Print » de Pose, une remarquable sérigraphie artisanale en 28 couleurs sur papier d'art double épaisseur Rising Museum Board. Cette œuvre, produite en édition limitée à 75 exemplaires, mesure 76 x 76 cm (30 x 30 pouces) et chaque pièce est signée et numérotée par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. La place de Jordan Nickel dans la continuité de l'art graffiti Jordan Nickel, originaire des États-Unis, a profondément marqué le monde du graffiti et du pop art urbain. Son œuvre, qui ne se limite pas aux coins des rues et aux ruelles sombres des paysages urbains, témoigne d'une compréhension fine et nuancée de la théorie des couleurs, du graphisme et de la narration visuelle. Ses créations se caractérisent souvent par des couleurs vives et audacieuses et des compositions complexes qui captivent le regard et suscitent un sentiment de familiarité et de nostalgie. C'est particulièrement vrai pour « Study Silkscreen Print », où le choix des couleurs et la complexité du procédé d'impression démontrent la maîtrise de son art. La technique de sérigraphie employée par Nickel illustre l'évolution du pop art urbain, des bombes de peinture aux formes de production plus élaborées et techniques. Cette transition marque l'intégration du graffiti dans le monde des beaux-arts et témoigne de la progression et de la polyvalence de l'artiste. L'utilisation de 28 couleurs distinctes dans « Study Silkscreen Print » exige un travail minutieux et exigeant, chaque couleur devant être appliquée séparément pour obtenir l'effet désiré. Il en résulte une œuvre texturée et riche en couches qui semble jaillir du papier et capturer l'essence de l'environnement urbain qui l'a inspirée. Impact et signification de l'art pop urbain en édition limitée Le caractère exclusif de l'édition limitée de la sérigraphie « Study » de Pose confère à l'œuvre une dimension particulière sur le marché de l'art et auprès des collectionneurs de street art. En limitant la série à seulement 75 exemplaires signés et numérotés, l'artiste crée un sentiment de rareté et d'exclusivité, renforçant ainsi sa valeur, tant financière que culturelle. Chaque exemplaire intègre une collection privée, détenue par des personnes qui apprécient non seulement la splendeur visuelle de l'œuvre, mais aussi les messages culturels qu'elle véhicule. De plus, la diffusion d'une édition limitée permet de toucher un public plus large qu'une simple fresque murale. Elle contribue à la diffusion de l'esprit du street art à travers le monde, transcendant les frontières géographiques et invitant un public international à découvrir cet art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Pose peuvent ainsi posséder un fragment de cette culture urbaine vibrante, souvent éphémère et transitoire dans son contexte d'origine. La sérigraphie « Study » transpose l'esprit du graffiti dans l'univers raffiné du papier d'art. Ce choix apporte un contraste saisissant à la nature intrinsèque du street art, généralement éphémère et provocateur. Il s'inscrit dans un débat plus large au sein du monde de l'art concernant la place du street art et son évolution. L'estampe sérigraphique « Study » de Pose est une représentation captivante du genre contemporain du pop art urbain et du graffiti. À travers cette série en édition limitée, Jordan Nickel souligne la maîtrise technique requise pour la création de telles œuvres et célèbre l'essence vibrante et éclectique de la culture urbaine. L'œuvre témoigne avec éclat de l'évolution du street art et de sa place légitime dans l'histoire des beaux-arts.

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Tirages d'art pigmentaires d'archives en édition limitée Stormtrooper Messiah sur papier d'art Moab Entrada par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ron English - POPaganda. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Tirage pigmentaire couleur sur papier d'art Moab Entrada. Format : 17 x 22 pouces. « Stormtrooper Messiah » est une œuvre d'art en édition limitée de l'artiste Ron English-POPaganda, reconnu pour son mélange provocateur d'art urbain et d'iconographie de la culture populaire. Cette pièce fait partie d'une série de 100 tirages pigmentaires d'archives, chacun signé et numéroté pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. L'œuvre mesure 43 x 56 cm et est réalisée sur papier d'art Moab Entrada, un choix gage de haute qualité qui assure la longévité et l'éclat des couleurs. Cette œuvre d'English est un puissant commentaire sur les intersections entre idéologie, iconographie et mécanismes d'endoctrinement au sein de notre société. Elle réinterprète un stormtrooper standard – symbole du justicier anonyme de la franchise « Star Wars » – sous les traits d'une icône religieuse, évoquant le Messie. Cette fusion d'images issues de cultures très différentes met en lumière la dévotion souvent inconsciente que nous portons à certains aspects de la culture populaire, en parallèle avec la ferveur religieuse. Le choix par Ron English d'un stormtrooper, emblème d'identité collective et d'autorité inflexible, drapé dans les attributs d'une figure spirituelle, interroge le rôle de ces figures et des institutions qui les soutiennent dans la formation des croyances et des comportements. L'artiste emploie des couleurs lumineuses et contrastées pour insuffler à la figure un sentiment de révérence, une approche qui reflète l'aura souvent associée aux œuvres d'art religieuses. Les robes fluides aux teintes vives confèrent au sujet une impression de mouvement et une présence éthérée, intensifiant l'impact de la juxtaposition visuelle. Le « Messie Stormtrooper » est plus qu'une œuvre d'art ; c'est un discours visuel qui invite les spectateurs à réfléchir aux récits et aux symboles qui influencent leur compréhension du pouvoir, de la culture et de la spiritualité. Ron English-POPoganda, par sa fusion singulière de la force brute du street art et de la fascination du pop art pour la culture populaire, a créé une image saisissante qui continue de susciter des débats au sein de la communauté artistique et au-delà.

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Joker Brand - Peinture originale unique en son genre, technique mixte acrylique et peinture aérosol, sur bois encadré, par Ben Frost, artiste de graffiti de rue populaire. 2022 « Joker Brand » - Acrylique et peinture aérosol sur panneau - Variante verte/rose 60 cm x 60 cm (23,5 x 23,5 pouces) Signée, titrée et datée au verso

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Affiche de récompense pour cyclistes ! Édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts par Jacob Borshard, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2011 à 50 exemplaires. Format : 45,7 x 61 cm. Pee-wee Herman, Pee-wee's Playhouse, télévision, film, vélo, vélo volé. Non signé ni numéroté. Inscription : RÉCOMPENSE DE 10 000 $ POUR TOUTE INFORMATION PERMETTANT DE RETROUVER LE VÉLO VOLÉ. APPELEZ Pee-wee HERMAN AU 354-8567. Affiche de récompense pour les cyclistes ! Sérigraphie de Jacob Borshard L'affiche de récompense pour vélo, une sérigraphie de Jacob Borshard, est un exemple saisissant de street art et de graffiti, mêlant nostalgie, humour et iconographie culturelle. Réalisée en 2011, cette sérigraphie artisanale en cinq couleurs rend hommage à l'un des vélos volés les plus célèbres de la fiction : celui de Pee-wee Herman dans le film culte de 1985, Pee-wee's Big Adventure. L'œuvre combine l'esthétique des affiches de récompense vintage avec des éléments graphiques audacieux, ce qui la distingue au sein du mouvement pop art contemporain. L'influence de Pee-wee Herman sur la culture populaire Pee-wee Herman, le personnage excentrique et attachant créé par feu Paul Reubens, est une figure emblématique de la culture populaire. Son vélo rouge, omniprésent dans le film « Pee-wee's Big Adventure », est devenu un symbole inoubliable de l'émerveillement, de l'aventure et de la passion de l'enfance. Cette estampe de Jacob Borshard capture cet héritage à travers une version revisitée et surdimensionnée de l'affiche fictive de vélo perdu que l'on voit dans le film. Le texte, en rouge et noir gras, imite l'urgence dramatique des véritables affiches d'objets perdus tout en faisant allusion avec humour à l'absurdité d'offrir une récompense exorbitante pour un simple vélo. Éléments d'art urbain pop et graffiti Cette estampe illustre la fusion entre le pop art urbain et le graffiti, grâce à une typographie audacieuse, une palette de couleurs minimaliste et un sujet immédiatement reconnaissable. La technique de sérigraphie artisanale cinq couleurs confère à l'œuvre un effet tactile et superposé, renforçant son aspect rétro. Les dégradés de demi-teintes sur le vélo et le fond imitent l'aspect des vieux journaux, accentuant l'esthétique vintage. Cette approche graphique est caractéristique du pop art urbain contemporain, où les techniques d'impression traditionnelles se mêlent aux commentaires culturels actuels. L'œuvre de Jacob Borshard joue souvent avec la nostalgie et l'humour, ce qui la rend idéale pour les collectionneurs appréciant les œuvres qui font le lien entre l'Amérique classique et une touche urbaine et rebelle. L'inclusion du numéro de téléphone fictif de Pee-wee Herman brouille davantage la frontière entre réalité et fiction de la culture populaire, attirant un public qui affectionne les films cultes et la narration visuelle de la sérigraphie. Édition limitée et de collection Cette estampe, éditée à seulement 50 exemplaires, est une pièce très recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. Bien que non signée et numérotée, sa rareté et sa valeur culturelle unique en font une acquisition précieuse. Mesurant 45,7 x 61 cm, elle est idéale pour l'exposition, permettant aux fans de Pee-wee Herman et d'estampe contemporaine d'exposer une œuvre à la fois visuellement captivante et culturellement riche. L'estampe sérigraphique « Bike Reward Poster! » de Jacob Borshard célèbre la rencontre entre la culture pop, l'art urbain et les techniques d'impression classiques. En transformant une scène d'un film culte en une œuvre d'art de collection, Borshard perpétue la tradition qui consiste à mêler humour, nostalgie et graphisme pour créer une œuvre visuelle saisissante.

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Achetez Atlas - Sérigraphie 6 couleurs tirée à la main en édition limitée standard sur papier d'archive déchiré à la main par Mr Brainwash x Rubik graffiti street artiste pop art moderne. Chaque tirage est signé et numéroté par l'artiste, avec une empreinte de pouce au dos. Imprimé sur du papier d'archives déchiré à la main.

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Sérigraphie artisanale 29 couleurs « Voyage dans le temps » sur papier Coventry Rag 320 g par l'artiste recherché Futura 2000 - Leonard McGurr, édition limitée, œuvre d'art pop art. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22 cm. Titre : VOYAGE DANS LE TEMPS Technique : Sérigraphie 29 couleurs Papier : Papier chiffon Coventry 320 g Bord : Droit Édition : 100 exemplaires Année : 2022 Imprimeur : Gary Litchenstein Édition signée et numérotée Estampillée du sceau de l’imprimeur maître Certificat d’authenticité inclus

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Figurine de collection SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One en vinyle édition limitée, style street art, couleur vert jungle. Édition limitée 2020 à 666 exemplaires Sket est de retour avec sa figurine la plus irrésistible à ce jour : la Jungle Green SuperKranky ! Enlève le capuchon et inhale une vapeur verte grâce à son embout ultra-réaliste. Secoue-la pour entendre le cliquetis qui captive les collectionneurs du monde entier. 20 cm de haut, en vinyle souple. Édition limitée à 666 exemplaires.

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Pumpster rouge HPM Édition limitée, jouet de collection en métal moulé sous pression peint à la main, œuvre d'art graffiti par l'artiste de rue Amuse126. Mini bennes à ordures HPM personnalisées, 4x4, édition limitée signée 2021 à 26 exemplaires Série Street Dumpster 1, métal moulé sous pression, inscription AM « Throw Up Bubble », peinte à la main, HPM, ornée à la main, édition limitée à 26 exemplaires, signée en 2021.

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Astro Boy Rouge Original 1ère Édition Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection par un artiste pop street. Édition limitée 2012 à 500 exemplaires. Œuvre d'art de 6,5 x 15 pouces, neuve en boîte. Pied imprimé représentant Astro Boy avec son compagnon/ami tenant la tête, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Exploration de l'œuvre Astro Boy de KAWS dans l'univers du pop art urbain L'influence des icônes de la culture pop sur l'art contemporain est devenue indéniable au XXIe siècle, notamment dans les domaines du street art et du graffiti. Rares sont les artistes qui ont su traduire cette influence en œuvres tangibles avec autant de brio que Brian Donnelly, alias KAWS. Parmi ses créations les plus célèbres, la figurine Astro Boy rouge originale de première édition témoigne de la fusion harmonieuse entre nostalgie de l'enfance et maîtrise artistique. Né à Jersey City, dans le New Jersey, KAWS s'est imposé en fusionnant les éléments du graffiti avec une sensibilité artistique raffinée. Son œuvre se caractérise par des couleurs vives, des lignes graphiques et l'utilisation récurrente de personnages aux yeux barrés, une signature visuelle qui imprègne tout son travail. Il a débuté comme graffeur, perfectionnant sa technique et son iconographie dans la rue avant d'investir les ateliers et les galeries, où il a depuis lors connu un succès fulgurant. KAWS tisse des liens entre le vécu personnel et les thèmes universels, puisant dans l'inconscient collectif grâce à des figures à la fois familières et métamorphosées. Astro Boy Red Original de KAWS : Un phénomène de street pop En 2012, KAWS a sorti Astro Boy Red Original 1st Edition, une édition qui capture l'essence du street art et rend hommage à la figure emblématique d'Astro Boy, personnage culte de l'animation japonaise. Cette édition limitée à 50 exemplaires illustre le talent de KAWS pour réinventer les icônes de la pop culture, préservant leur attrait originel tout en les projetant sous un jour nouveau, provocateur, introspectif et contemporain. La sculpture en vinyle mesure 16,5 x 38 cm, une taille à la fois accessible aux collectionneurs et suffisamment imposante pour marquer les esprits. Vêtue d'un noir et d'un rouge saisissants, la figurine captive le regard par sa simplicité et la juxtaposition d'un rouge vif et inflexible sur un teint naturel. La signature de KAWS – les yeux croisés et les mains gantées – transforme le personnage initialement optimiste d'Astro Boy en un commentaire poignant sur les complexités du monde moderne. Œuvre d'art de collection de KAWS : Plus qu'un jouet Le dialogue artistique qu'elle suscite fait de la figurine Astro Boy Red Original bien plus qu'un simple objet de collection. Les mains soutenant sa tête, la figurine dégage une impression d'introspection et de mélancolie, rompant avec l'image habituelle d'Astro Boy, symbole d'espoir et d'énergie juvénile. Cette dualité illustre parfaitement l'essence du street art, où l'humour et la fantaisie côtoient la gravité des réflexions sur le monde réel. Chaque pièce est neuve et présentée dans sa boîte, avec des pieds imprimés qui prolongent le récit de l'œuvre. Ce souci du détail garantit au collectionneur, dès le déballage, une expérience artistique minutieusement élaborée par KAWS. Posséder une telle pièce n'est pas un simple acte d'acquisition, mais une invitation à réfléchir à la pertinence et à la résonance des icônes pop dans la société contemporaine. L'Astro Boy Red Original 1ère édition marque une étape importante dans l'exploration des émotions humaines par KAWS à travers le prisme des personnages animés. Elle réaffirme sa capacité à distiller des thèmes complexes en formes immédiatement reconnaissables. Alors que le monde de l'art continue de reconnaître et d'intégrer le pop art urbain et le graffiti, KAWS demeure une figure emblématique grâce à son esthétique audacieuse et à sa critique culturelle incisive, dissimulée sous des formes d'apparence ludique. L'œuvre de Brian Donnelly, notamment des pièces comme Astro Boy Red Original, nous rappelle le pouvoir transformateur de l'art. Bien qu'elles puisent leurs sources dans des références familières, ces œuvres suscitent de nouvelles interprétations et émotions, nous incitant à questionner notre rapport aux icônes de notre enfance et de notre société. À travers cette œuvre et d'autres, KAWS continue d'influencer le débat autour du pop art urbain, affirmant sa place parmi les mouvements artistiques majeurs. L'héritage de ses créations, caractérisé par leur profondeur émotionnelle et leur impact visuel, confirme son rôle central dans l'évolution de l'art inspiré par la rue. Astro Boy Red par KAWS : Hommage à l'anime et effondrement émotionnel dans l'art urbain pop et graffiti Astro Boy Red est une sculpture en vinyle en édition limitée, créée en 2012 par Brian Donnelly, alias KAWS. Mesurant 16,5 x 38 cm et produite à 500 exemplaires, cette figurine fusionne l'emblématique personnage japonais Astro Boy avec le motif Companion, devenu la signature de KAWS. La sculpture représente Astro Boy dans un moment de vulnérabilité, les mains cachant son visage en signe de désespoir, avec les yeux barrés et les mains gantées caractéristiques du motif Companion. Vêtu de ses bottes rouges et de son slip noir, la figurine conserve la silhouette originale d'Osamu Tezuka tout en la transformant en un symbole contemporain mélancolique. Cet hybride est au cœur du langage narratif du Street Pop Art et du graffiti, où des personnages mythiques sont réinventés en êtres complexes sur le plan émotionnel, porteurs d'une résonance moderne. L'héritage de l'anime rencontre l'intervention sculpturale Astro Boy, la création légendaire du pionnier du manga Osamu Tezuka, est un personnage emblématique qui symbolise l'espoir, le progrès et l'idéalisme humains. KAWS réinterprète ce symbolisme en insufflant à la sculpture les traits caractéristiques et la profondeur émotionnelle de la série Companion. Il en résulte une icône qui pleure sa propre légende. La pose d'Astro Boy – la tête entre les mains – est inhabituelle pour le héros robot joyeux, mais elle résonne profondément avec la tristesse introspective qui imprègne toute la série KAWS Companion. La sculpture interroge les notions de célébrité, de pression et d'identité, transformant un héros d'enfance en une figure de détresse silencieuse. Dans l'univers du street art et du graffiti, de telles réinterprétations brisent la carapace narrative de personnages cultes pour révéler leur psyché. Matériaux, construction et format de collection Façonnée en vinyle lisse et brillant, la sculpture est présentée dans un coffret collector rouge orné d'un dessin au trait blanc représentant la figurine et d'une étiquette. Ses surfaces moulées avec précision et sa peinture impeccable témoignent de la collaboration constante de KAWS avec les professionnels de la fabrication de jouets, élevant ainsi cette pièce de collection au rang d'œuvre d'art. Le socle de la sculpture porte des inscriptions de l'artiste, confirmant son appartenance à la collection grandissante de sculptures en vinyle rares de KAWS. Chaque aspect du design, de l'échelle à l'emballage, renforce la double identité de la sculpture, à la fois jouet et objet d'art, l'inscrivant dans l'esprit tactile et accessible du Street Pop Art et du Graffiti, tout en soulignant l'exclusivité des objets de collection d'art. L'héritage du remix de Brian Donnelly dans la sculpture moderne Brian Donnelly, né aux États-Unis en 1974, est passé de la culture graffiti et des collaborations dans le monde de la mode à une figure emblématique du pop art et de la sculpture sur vinyle. Son personnage, Astro Boy Red, a été décliné sous de nombreuses formes sculpturales et numériques, exprimant souvent l'aliénation, la lassitude et le deuil. Avec Astro Boy Red, Donnelly applique ce même vocabulaire émotionnel à un personnage préexistant, l'enrichissant d'une réflexion culturelle sur la nostalgie, le fandom et la performance. La figure reflète le poids de l'héritage et de la visibilité dans un monde saturé de médias, où même les identités héroïques flanchent sous la pression existentielle. S'inscrivant dans le canon du Street Pop Art et du graffiti, Astro Boy Red est une étude de réinterprétation : il s'empare du mythe de l'innocence technologique et le transforme en une posture de souffrance humaine. C'est un objet de contrastes : héroïque et vaincu, iconique et fracturé, parfaitement modelé et pourtant émotionnellement vulnérable.

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Pinocchio et Jiminy Cricket Disney Companion Ultra Rare Authentique Édition Limitée 2010 Figurine Jouet d'Art en Vinyle Peint Sculpture Œuvre de Collection par l'Artiste Kaws- Brian Donnelly x OriginalFake. Édition limitée 2010 à 500 exemplaires. Figurine Chhum Companion en vinyle peint, format 26 x 12,7 x 11,4 cm. Impression sur le pied. État neuf/quasi neuf, boîte ouverte. Exemplaire exceptionnel, boîte en parfait état. Timbres impeccables. Photos de l'exemplaire réel. Authentifié par des sceaux et un numéro de série de suivi unique. Remarquez les détails soignés, absents des contrefaçons. Un hologramme officiel est apposé sur la boîte, contrairement aux contrefaçons. L'emballage intérieur en plastique présente une coloration conforme à son âge. Figurine Pinocchio et Jiminy Cricket Companion originale et vérifiée. La fusion du pop art urbain et du graffiti dans le livre Disney Pinocchio & Jiminy Cricket La figurine Disney Pinocchio et Jiminy Cricket est un exemple frappant de la fusion entre le pop art urbain, le graffiti et la culture populaire. Créée en 2010, cette sculpture d'art en édition limitée est le fruit d'une collaboration entre KAWS, pseudonyme de l'artiste américain Brian Donnelly, et OriginalFake. KAWS est reconnu pour son influence sur la scène du street art, où il a débuté comme graffeur avant de développer son style unique, réinterprétant souvent des personnages populaires. Cette pièce met en scène les personnages Disney Pinocchio et Jiminy Cricket, revisités par KAWS. La sculpture est réalisée en vinyle peint, un matériau moderne et résistant, témoignant des origines urbaines de l'artiste. Mesurant 26 x 12,5 x 11,5 cm, cette pièce imposante captive le regard par son design audacieux et ses détails minutieux. Rareté et valeur de collection de la sculpture Seulement 500 exemplaires de cette sculpture ont été produits en édition limitée, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée. Chaque figurine est marquée d'un numéro de série unique, garantissant son authenticité et sa rareté. Son aspect neuf, même dans une boîte ouverte, témoigne de sa qualité et de sa durabilité. De plus, la boîte est en parfait état, avec un tampon impeccable et un hologramme officiel, la distinguant ainsi des contrefaçons. L'emballage plastique intérieur, dont la couleur est conforme à son âge, contribue à l'authenticité et à la préservation de la sculpture. Ces caractéristiques, notamment le numéro de série unique et l'hologramme, sont essentielles pour les objets de collection, où l'authenticité est primordiale. Signification artistique et détails Le souci du détail dans cette sculpture est remarquable. Elle illustre le style caractéristique de KAWS, qui se distingue par un subtil mélange d'art et de design. Les figures de Pinocchio et de Jiminy Cricket sont rendues avec une familiarité teintée d'originalité, incarnant l'essence même du street art et du graffiti. Ce mariage entre l'iconographie classique de Disney et le style audacieux et provocateur de KAWS crée une œuvre unique qui séduira les collectionneurs d'art et les amateurs de culture pop. La finesse des détails est ce qui distingue cette sculpture des imitations. Ces nuances témoignent non seulement du talent artistique de KAWS, mais ajoutent également profondeur et contexte à l'œuvre, en faisant un exemple remarquable d'art moderne. La palette de couleurs, les détails de texture et la présentation générale des personnages sont travaillés avec une méticulosité extrême, soulignant l'engagement de l'artiste envers la qualité et l'expression artistique. En résumé, l'œuvre « Pinocchio & Jiminy Cricket Disney Companion » de KAWS x OriginalFake est une pièce remarquable qui incarne l'essence même du street art et du graffiti. Sa rareté, son souci du détail et sa fusion unique entre culture populaire et art underground en font un objet de collection précieux et significatif. Symbole de l'expression artistique moderne, elle occupe une place à part dans l'art et la culture populaire.

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MC Supersized Camo - Shanghai Édition Limitée Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda x Mindstyle. 2021 Ron English - POPaganda x Mindstyle présente MC Supersized Camo. Chaque figurine représente une ville chinoise différente et arbore un motif camouflage unique. Hauteur : 20 cm. Signée à la main par Ron. Livrée avec une casquette et une carte. La figurine MC Supersized Camo - Shanghai Limited Edition en vinyle est un témoignage de la fusion subtile entre le street art et le graffiti. Cette pièce unique fait partie d'une série née de la collaboration visionnaire entre l'artiste de graffiti Ron English-POPAganda et la société de figurines design Mindstyle. Ce collector reflète la vitalité et le caractère unique de Shanghai grâce à son motif camouflage distinctif, conçu pour capturer l'essence de la ville. Chaque figurine de la série, y compris l'édition Shanghai, mesure 20 cm de haut et est signée à la main par Ron English-POPAganda, ce qui lui confère une touche d'exclusivité et la signature personnelle de l'artiste. Un chapeau et une carte accompagnent la figurine, éléments qui non seulement rehaussent son esthétique, mais servent également de certificats d'authenticité. La série propose une satire de la société de consommation et de l'industrie du fast-food, un thème récurrent dans l'œuvre de Ron English-POPAganda. La figurine MC Supersized est une icône de l'œuvre de Ron English, représentant un personnage clownesque souvent perçu comme une critique de la société de consommation. Le motif camouflage de l'édition Shanghai n'est pas qu'un simple ornement ; il symbolise le tissu culturel de la ville, marqué par sa modernisation fulgurante et ses riches racines historiques. L'utilisation du camouflage dans ces œuvres est ici poussée à l'extrême, reflétant l'infiltration du marketing et de la publicité dans le quotidien, souvent insidieuse, à l'image d'un soldat incognito. C'est une réflexion artistique sur la façon dont la société de consommation mondiale est devenue omniprésente dans le paysage urbain. Les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti reconnaîtront dans cette édition Shanghai une œuvre qui non seulement célèbre cet art, mais soulève également des questions essentielles sur le monde qui nous entoure. Acquérir une MC Supersized Camo - Édition Limitée Shanghai, c'est s'offrir une œuvre d'art à la croisée du commentaire social et de l'esthétique du street art. C'est le reflet audacieux de la vision artistique de Ron English-POPaganda, où humour et critique s'entremêlent pour créer un récit percutant sur la culture contemporaine.

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Affiche de concert en édition limitée Cybertronic Spree 2019 - Sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier métallisé - Œuvre d'art sur papier beaux-arts par Tim Doyle pour le groupe The Cybertronic Spree, Transformers. Petit pli à l'extrême gauche, dans le coin inférieur extérieur de l'image.

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Electric Eliminators - Bonus Come Out To Play Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art par Boneface, artiste de graffiti de la culture pop.

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« Speaking in Tongues », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20 pouces (40,6 x 50,8 cm).

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Toronto Red Canbot Canz Édition Limitée Jouet d'Art en Vinyle de Collection Œuvre d'Art de Graffiti de Rue Sket-One, Exclusivité Collective de Toronto. Coffret estampillé 2021, format 5,5 pouces, édition limitée à 250 exemplaires Affiché dans la boîte « Sket One s'est associé à Czee13 et Clutter pour vous proposer une série de Canz classiques absolument géniales. Le troisième modèle de cette nouvelle série, signé Sket-One, est le Toronto Red One Formula, disponible exclusivement chez Toronto Collective. Mesurant 14 cm et doté de son hochet caractéristique, ce Canbot Canz stylé s'intègre parfaitement à la famille Canz ! Édition limitée à 250 exemplaires dans le monde ! » - Clutter

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Tasse et pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 3x10, logo BMW sur une grande tasse fine contenant des pinceaux ayant servi à peindre des couleurs vives. Tasses et pinceaux par Joshua Vides : Commentaire artisanal sur l’art urbain pop et le graffiti « Cup & Brushes » est une sculpture en céramique originale de Joshua Vides, créée en 2023. Peinte et sculptée à la main, cette pièce unique fait partie de sa série « Shattered Dreams ». Haute de 25 cm et large de 7,5 cm, elle est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente un gobelet de peintre stylisé, rempli de pinceaux trempés dans différentes couleurs. L'objet est orné d'un logo BMW déformé, rendu avec le trait noir et blanc caractéristique de Vides et son aspect imparfait, presque caricatural. Il en résulte une fusion satirique entre image de marque et réalisme d'atelier, réalisée sous une forme statique en céramique, mais qui résonne de l'énergie vibrante et subversive du street art et du graffiti. La sculpture frappe d'emblée, apparaissant comme un objet du quotidien figé dans le temps. Le gobelet haut et fin imite un récipient standard en plastique ou en verre, typique de l'atelier d'un artiste, ici transposé dans la céramique. À l'intérieur, cinq pinceaux, chacun trempé dans une couleur primaire différente, émergent, leurs angles et leurs pointes variant, comme figés en pleine utilisation. Des éclaboussures de peinture ornent les manches des pinceaux, évoquant des actions, des mouvements et une présence humaine passés. Le logo BMW, volontairement imprécis, semble dessiné d'une main irrégulière, suggérant une critique ou une pointe d'humour plutôt qu'une admiration. Vides métamorphose le symbolisme des entreprises en une texture malléable, déstabilisant son autorité ostentatoire en le réinsérant dans l'environnement brut du travail créatif. Tension matérielle et commentaire visuel Joshua Vides est connu pour sa capacité à distordre la réalité à travers des formes sculpturales aux allures d'esquisses, aplatissant des objets tridimensionnels en représentations caricaturales. Dans « Cup & Brushes », cette illusion visuelle est secondaire par rapport à la texture et au concept. Les surfaces en céramique brillante sont rehaussées de coulures, de taches et de coups de pinceau, célébrant le désordre de la création tout en pointant du doigt la culture de l'image lisse qui occulte souvent le travail. En peignant le logo d'une voiture de luxe sur une tasse utilitaire servant à nettoyer les pinceaux, Vides crée un contraste saisissant entre aspiration et effort, entre fantasme consumériste et réalité créative. Ce type de subversion visuelle est au cœur du Street Pop Art et du graffiti. Vides utilise la matérialité de la sculpture pour interroger la valeur perçue de la marque par rapport au processus. Les pinceaux, outils souvent négligés dans la création du spectacle, deviennent le spectacle lui-même. La tasse, humble et fonctionnelle, devient alors un piédestal pour la critique. En figeant une scène d'atelier dans la céramique, Vides invite les spectateurs à s'interroger sur ce qui est glorifié et ce qui est caché derrière un design soigné et une image de marque mondiale. Joshua Vides et le langage de la ligne en trois dimensions Joshua Vides est reconnu internationalement pour ses transformations monochromes, dans un style bande dessinée, d'objets du quotidien, d'environnements et de collaborations de mode. Si nombre de ses installations utilisent des lignes nettes et des contrastes marqués pour simuler la bidimensionnalité, « Cup & Brushes » met en avant la texture, la couleur et le volume. Cette œuvre marque une évolution significative dans sa pratique : il ne se contente plus de contours plats, mais construit une critique émotionnelle et culturelle à travers l'objet et la forme. La série « Shattered Dreams », dont est issue cette sculpture, explore en continu l'interaction entre ambition, identité, finalité artistique, capitalisme et fidélité à la marque. L'emblème BMW, déformé et placé négligemment, symbolise les thèmes plus larges de la consommation et du rêve de réussite. La sculpture suggère que derrière chaque marque prestigieuse se cache un assemblage désordonné de pinceaux : utilisés, trempés, tachés et réutilisés dans une quête d'expression créative. Tasses et pinceaux : protestation statique et hommage artistique Cup & Brushes est bien plus qu'une nature morte rendant hommage aux outils : c'est un poème sculptural sur le travail invisible qui sous-tend la culture visuelle. L'œuvre invite le spectateur à regarder au-delà du logo, au-delà de l'espace épuré de la galerie, pour pénétrer dans l'atelier de l'artiste, où les objets ne sont sacrés que lorsqu'ils sont signés, ni valorisés tant qu'ils ne sont pas vendus. Joshua Vides fait émerger cette tension, la capturant dans la céramique et la scellant dans l'esthétique du Street Pop Art et du graffiti. Cette sculpture nous rappelle que même le luxe naît du labeur, et que chaque coup de pinceau recèle une histoire digne d'être sculptée.

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Qui a fait frire Roger Rabbit ? Tirage d'art sur papier buvard perforé Seroquel par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. La folie des dessins animés rencontre la culture pharmaceutique Qui a fait frire Roger Rabbit ? L'estampe « Seroquel Blotter Paper » de Ben Frost réinterprète le personnage animé iconique Roger Rabbit dans le contexte du marketing pharmaceutique moderne. Tirée en édition limitée (19 x 19 cm) sur papier buvard perforé, cette estampe pigmentaire d'archives explore avec une précision satirique la collision entre la culture pop et le conditionnement des médicaments. Mettant en scène le personnage animé arborant un sourire maniaque à côté d'une notice de Seroquel XR, l'estampe est perforée à la main par Zane Kesey et produite en édition signée et numérotée. Cette œuvre critique la façon dont la société normalise les troubles mentaux par le biais du marketing et interroge la coexistence de l'animation, de la nostalgie et des produits pharmaceutiques dans un même message visuel. Image de marque satirique et ironie médicale Frost fusionne la personnalité exubérante de Roger Rabbit avec le Seroquel, un médicament utilisé pour traiter les troubles de l'humeur, afin d'amplifier les effets surréalistes de l'hyperstimulation et de la sédation. En transformant l'aspect clinique d'une boîte de médicament en une toile ludique et chaotique pour un personnage de dessin animé, Frost brouille la frontière entre traitement et évasion. Son utilisation précise du langage utilisé sur l'emballage de la quétiapine, incluant les informations posologiques et les avertissements, est pourtant détournée par le comportement erratique de Roger Rabbit. Le message sous-jacent interroge la manière dont les médicaments sont commercialisés dans une culture qui instrumentalise à la fois la maladie mentale et la nostalgie de l'enfance. Subversion matérielle sous forme de buvard Le format buvard est essentiel à la portée conceptuelle de l'œuvre. Traditionnellement associé à la distribution de LSD, le buvard évoque une filiation psychédélique et suggère une perception altérée de la réalité. En plaçant un personnage de dessin animé sur un fond imitant un médicament, Frost bouleverse les attentes liées au sérieux du design pharmaceutique par l'absurde. La perforation fragmente physiquement l'image, faisant écho à la fragmentation de la conscience et des émotions dans les expériences médicamenteuses et animées. Ce format permet à l'œuvre de commenter simultanément la culture de la drogue, les médias de divertissement et le marketing de la santé mentale. La provocation visuelle de Ben Frost L'artiste australien Ben Frost s'est fait connaître en détournant la publicité, les logos pharmaceutiques et les dessins animés grand public pour en faire un commentaire social incisif. Son art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, explore la psychologie du consommateur à travers des couleurs vives, des images reconnaissables et des juxtapositions percutantes. « Qui a frit Roger Rabbit ? » est un exemple frappant de cette approche, mêlant l'esthétique de l'enfance à la froideur clinique du monde médical. Frost confronte le spectateur à des contradictions qu'il néglige parfois au quotidien, tirant humour et tension de l'alliance troublante entre la folie des dessins animés et la stabilité imposée. Il ne s'agit pas seulement d'une stimulation visuelle, mais d'une question enveloppée dans un emballage auquel on nous enjoint de faire confiance.

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Sculpture en vinyle Liberty Grin Pride of USA en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et de graffiti Ron English - POPaganda. Figurine Popaganda Liberty Grin Pride Of USA de 56 cm (22 pouces) avec socle (vert) - Collection Ron English - Taille : 56 cm (22 pouces) - Figurine en vinyle La statue Liberty Grin de Ron English (POPoganda) célèbre le symbole iconique et intemporel de la liberté grâce à son esthétique caractéristique. La nouvelle édition « Fierté des États-Unis » rend hommage à l'Amérique avec un design patriotique orné des étoiles et des rayures du drapeau américain. Haute de 56 cm (socle inclus), la statue en vinyle Liberty Grin « Fierté des États-Unis » deviendra sans aucun doute la pièce maîtresse de votre collection et suscitera la conversation.

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Sérigraphie Prey Red HPM Doodled par D*Face - Dean Stockton, impression sur carton, encadrée, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Œuvre unique signée, réalisée à la peinture et au crayon HPM en 2007, ornée d'un gribouillage sur le recto . Dimensions : 23,25 x 33 pouces (59 x 84 cm). Ce motif était initialement utilisé comme enduit décoratif dans plusieurs villes. Il s'agirait de l'une des deux versions produites et signées par D*Face sur papier de qualité supérieure. Encadrement sur mesure en métal rouge. Le style signature de D*Face en rouge Prey La confluence du pop art et du street art trouve une manifestation saisissante dans l'œuvre de l'artiste britannique Dean Stockton, plus connu sous le nom de D*Face. Parmi sa vaste collection d'œuvres percutantes, la sérigraphie « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » illustre parfaitement son talent pour fusionner les techniques subversives du street art avec l'esprit du pop art. Cette pièce en édition limitée, une sérigraphie sur carton et une œuvre originale rehaussée de gribouillis uniques à la peinture et au crayon réalisés par l'artiste lui-même, capture l'essence de sa critique du consumérisme et du culte des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de Stockton n'est pas une simple œuvre de street art ; elle reflète le parcours de l'artiste et son regard sur la société. L'œuvre se caractérise par des lignes audacieuses et des contrastes marqués, signature de l'esthétique de D*Face, fortement influencée par ses premières expériences dans le skateboard, le graffiti et la musique punk. L'estampe, mesurant 23,25 pouces sur 33 pouces, est encadrée dans un cadre en métal rouge sur mesure qui fait écho à l'éclat de l'œuvre d'art qu'elle renferme. D*Face et le mouvement Pop Street Art Conçue initialement comme une affiche collée dans les rues, « Prey Red » a évolué vers une expression plus raffinée de l'art de DFace lorsqu'elle a été réimaginée sous la forme d'une impression sur papier haut de gamme. Cette transition du street art à une œuvre digne d'une galerie souligne la fluidité des frontières entre les différentes formes d'art et la polyvalence de DFace. Le fait que cette pièce soit l'un des deux seuls exemplaires produits et signés par l'artiste renforce son exclusivité et son attrait. L'œuvre de DFace est souvent perçue comme un pont entre l'énergie brute et rebelle du street art et l'univers soigné et visuel du pop art. DFace remet en question les idées reçues sur l'art et sa place dans la société en exposant son travail en galerie sans rien perdre de son esprit urbain. L'impression sérigraphique « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » en témoigne, incarnant le talent de l'artiste pour donner de la profondeur et de multiples niveaux de signification à son œuvre. L'impact culturel des œuvres de D*Face Au-delà de son attrait visuel, « Prey Red » est une critique culturelle, à l'image du reste de l'œuvre de DFace. À travers son art, DFace invite les spectateurs à questionner les icônes et les symboles qui peuplent notre paysage visuel. Cette estampe, avec son imagerie percutante et le mot « PREY » inscrit en lettres capitales, suggère une réflexion plus profonde sur l'identité de la proie dans un monde saturé de médias et de culture des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de DFace n'est pas seulement une œuvre d'art à admirer pour son style ; c'est à la fois un sujet de conversation, un commentaire culturel et une pièce de collection. Elle témoigne de l'engagement constant de l'artiste à interpeller les spectateurs et le monde de l'art, les incitant à réévaluer ce qui est exposé sur les murs des villes et dans les galeries. Alors que DFace poursuit sa création et son évolution, des œuvres comme « Prey Red » lui assurent une place de choix dans l'histoire de l'art contemporain, jetant un pont entre la scène underground et le courant dominant.

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Achetez Melt- Hot Lava 7 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier d'art 250 g/m² par Efdot Rare Street Art célèbre artiste pop. 2021 Édition limitée signée et numérotée de 50 œuvres d'art taille 18 x 24 MELT est une œuvre d'art classique d'Efdot mettant en valeur son personnage emblématique Blob avec un motif inspiré du vitrail. Il s'agit de la quatrième édition de "MELT avec un coloris intitulé "Hot Lava". Détails de la sérigraphie : Édition de /50' signée et numérotée par l'artiste Sérigraphie 7 couches sur papier 250GSM. Dimensions : 18 x 24 pouces Certificat d'authenticité inclus Conçu et imprimé à Brooklyn.

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MickyMask A Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Bill Barminski, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Ces fêtes me dégoûtent. Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs, sur papier d'art fin à motifs mouchetés, par l'artiste Shepard Fairey Street Art OBEY Artwork. Sérigraphie signée et numérotée de 2010, intitulée « Ces fêtes me dégoûtent ». Sérigraphie en couleurs sur papier crème moucheté, 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 450 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas de page. Publiée par Obey Giant, Los Angeles. Cette image fait vaguement suite à celle de la Garde de la Paix de 2008 et nous rappelle que, paradoxalement, œuvrer pour la paix exige une vigilance constante. J'aime la juxtaposition de symboles apparemment contradictoires. La paix est une victoire sans guerre. C'est une bonne journée quand on n'a pas besoin de sortir son AK ! – Shepard

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Affiche de concert en édition limitée de la tournée Curt Wild 73 2011, tirée du film et de la musique. Impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art rose par Jeremy Wheeler. Le groupe musical Curt Wild, du film Velvet Goldmine.

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Sérigraphie acrylique HPM grise « Tomato Pop » par Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impression 4 couleurs unique, finie à la main, sur papier beaux-arts. Édition limitée. Œuvre d'art pop et urbain. 2023. Sérigraphie HPM acrylique signée et numérotée, rehaussée à la main, édition limitée à 95 exemplaires. Dimensions : 22 x 30 cm. Style Andy Warhol. Boîte à soupe Cambols avec pinceaux peints à la main. (Photo non contractuelle) L'univers du pop art et du street art a toujours été une tapisserie en constante évolution, tissée d'idées audacieuses, d'images iconiques et de techniques d'avant-garde. Parmi les ajouts remarquables à cette toile vibrante figure la sérigraphie acrylique « Tomato Pop Grey HPM » du célèbre artiste Mr Brainwash – Thierry Guetta. Révélée en 2023, cette œuvre d'art est bien plus qu'une simple estampe : il s'agit d'une sérigraphie quatre couleurs unique, finie à la main sur papier d'art, témoignant du savoir-faire méticuleux de l'artiste. L'attrait de cette œuvre ne se limite pas à sa prouesse technique ; son édition limitée renforce encore son charme. Seuls 95 exemplaires existent dans le monde, chacun signé et numéroté par Mr Brainwash – Thierry Guetta en personne, ce qui garantit son exclusivité. Mesurant 56 x 76 cm, l'œuvre présente une image qui n'est pas sans rappeler le style d'Andy Warhol. Pour les connaisseurs de l'œuvre de Warhol, elle évoque immédiatement la célèbre boîte de soupe Campbell. Pourtant, Mr Brainwash de Thierry Guetta introduit une approche novatrice. Au lieu du contenu habituel de la canette, on trouve des pinceaux peints à la main, fusionnant le quotidien et l'artistique et interrogeant peut-être l'omniprésence de l'art dans la vie de tous les jours. Cette représentation singulière s'inscrit dans l'héritage du pop art tout en faisant écho à l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Le choix de la technique HPM (Hand-Painted Multiple) par Mr Brainwash de Thierry Guetta souligne la dualité de l'œuvre. Si la sérigraphie confère uniformité et répétition, chaque finition manuelle garantit le caractère unique de chaque pièce. L'estampe « Tomato Pop Grey HPM Acrylic Silkscreen Print » témoigne de la fusion des formes d'art traditionnelles et contemporaines, invitant le spectateur à s'immerger dans ses subtilités.

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Street Prophet, œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur papier d'archivage, par le célèbre artiste de graffiti de rue KC Ortiz. KC Ortiz « Street Prophet » KC ORTIZ Street Prophet, 2021 Peinture acrylique sur papier d'archivage 8,66 x 12,99 pouces 22 x 33 cm 1 sur 1.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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AK-47 Lotus - Sérigraphie grand format en édition limitée, tirée à la main en 4 couleurs sur papier chiffon de coton Coventry personnalisé, par l'artiste de rue Shepard Fairey. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 30 x 41 cm. Dans la riche tapisserie de l'art moderne, la sérigraphie AR-15 Lily de Shepard Fairey occupe une place à part. Chef-d'œuvre contemporain, cette estampe grand format, aux dimensions impressionnantes de 30 x 41 pouces, témoigne du savoir-faire impeccable de Fairey et de sa profonde compréhension des enjeux sociaux. Créée en 2022, l'AR-15 Lily, tout comme son pendant, l'AK-47 Lotus, reflète l'inspiration que Fairey a puisée dans les manifestations emblématiques contre la guerre du Vietnam. Ces âmes courageuses, dans un geste symbolique de paix, glissaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale, présente pour réprimer leurs appels passionnés au calme. Shepard Fairey, artiste de rue et graffeur de renom, est connu pour mêler culture pop, art urbain et problématiques sociales brûlantes dans ses œuvres, et cette pièce ne fait pas exception. Son choix d'une technique de sérigraphie en quatre couleurs pour cette édition limitée à 100 exemplaires lui confère une exclusivité et une élégance indéniables. Cette estampe, réalisée avec une minutie extrême sur papier Custom Cotton Coventry Rag, évoque la nostalgie et le conflit ancestral entre violence et paix. Fairey, comme il l'exprime lui-même, se dit profondément pacifiste. Son œuvre n'est pas seulement une expression artistique, mais un appel à la diplomatie et à l'harmonie, tant sur la scène internationale que nationale. Sans remettre en cause le Deuxième Amendement, il insiste sur la nécessité de réduire les morts inutiles dues à la violence armée. Dans un monde où la frontière entre art et militantisme est souvent floue, l'engagement de Fairey envers les causes qu'il soutient est manifeste. Une partie des bénéfices de cette œuvre, par exemple, est reversée à Brady United, une organisation qui lutte contre la violence armée. « AR-15 Lily » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est une déclaration forte, une invitation à la réflexion et un témoignage de l'engagement indéfectible de Fairey en faveur de la paix. « Les sérigraphies grand format AK-47 Lotus et AR-15 Lily sont inspirées par les manifestants contre la guerre du Vietnam qui déposaient des fleurs dans les canons des fusils de la Garde nationale déployée pour réprimer leurs manifestations. Je suis pacifiste, que ce soit en trouvant des solutions diplomatiques pour prévenir et éviter les guerres à l'international ou pour prévenir et éviter la violence armée chez moi. Je ne suis pas contre le Deuxième Amendement, alors calmez-vous… Je ne suis pas intéressé par les discours machistes, je veux juste que moins de gens meurent inutilement. Brady United fait un excellent travail de prévention contre la violence armée et recevra donc une partie des bénéfices de ces deux estampes. Merci de votre soutien. » – Shepard Fairey

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Figurine de collection Steve Aoki Neon Future Janky SuperPlastic en vinyle édition limitée, œuvre d'art urbain 2021 Présenté avec boîte Créé en collaboration avec le DJ/producteur Steve Aoki, deux fois nominé aux Grammy Awards, et inspiré de sa série de bandes dessinées dystopiques, Neon Future, ce robot Janky en édition limitée a voyagé dans le temps pour donner naissance à une collaboration avec Aoki qui restera gravée dans les mémoires. Mesurant 8,9 cm de haut, fabriqué en vinyle doux et agréable au toucher, et doté d'une armure de cyborg ultramoderne, ce droïde design est là pour apporter la technologie du futur au monde des jouets de collection.

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Heath Ledger Joker Construction Zone Original Street Sign Painting by RD-357 Real Deal One a Kind Artwork on Real Metal NYC New York Construction Zone No Trespassing Street Sign by Graffiti Art Pop Artist. Peinture originale signée, réalisée en 2012, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur panneau de signalisation « Zone de construction – Défense d’entrer » de New York (24 x 24 pouces) . Le Joker, interprété par Heath Ledger dans le film Batman, regarde le spectateur. Étiquette RD rouge rouille. Le Joker d'Heath Ledger de RD-357 : une fusion de street art pop et d'iconographie L'œuvre originale de RD-357, alias Real Deal, intitulée « Heath Ledger Joker Construction Zone », une peinture de rue qui capture l'essence du pop art urbain. Elle utilise de manière provocatrice un panneau de signalisation public détourné à des fins artistiques. Créée en 2012, cette œuvre mixte, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol, transforme un panneau « Défense d'entrer » de chantier new-yorkais en une toile représentant le célèbre ennemi de Batman, incarné par Heath Ledger. Cette performance interpelle et captive le spectateur. Contextualisation de l'approche artistique de RD-357 RD-357, artiste dont le véritable nom reste un mystère, fidèle à l'esprit d'anonymat propre au street art, est connu pour ses interprétations percutantes de figures de la pop culture sur des supports non conventionnels. Cette œuvre en particulier, mesurant 61 x 61 cm, témoigne de la versatilité du street art et de sa capacité à repousser les limites traditionnelles. RD-357 s'inspire de l'esprit anarchique du Joker, utilisant un symbole de loi et d'ordre – un panneau de chantier – pour dépeindre une image de chaos et de rébellion. L'ironie est frappante : le panneau, qui interdisait autrefois l'accès à une propriété privée, invite désormais le spectateur à une interaction personnelle, voire provocatrice, avec l'œuvre. Symbolisme et impact de l'illustration du Joker de RD-357 Cette œuvre n'est pas un simple portrait ; c'est une prise de position. En choisissant le Joker d'Heath Ledger, RD-357 puise dans la conscience collective d'une société fascinée par l'archétype de l'anti-héros. L'interprétation du Joker par Ledger a été célébrée à titre posthume, et sa mort en 2008 a laissé une empreinte culturelle que RD-357 exploite dans cette œuvre. La juxtaposition de la figure du Joker sur fond de panneau de chantier new-yorkais en dit long sur les courants chaotiques qui sous-tendent l'ordre apparent de la vie urbaine. L'utilisation de techniques mixtes, avec de l'acrylique et de la peinture aérosol, souligne la nature brute et viscérale du street art, tout en rendant hommage à la vitalité du pop art. Le regard du Joker, associé aux couleurs vives et alarmantes du panneau de chantier, crée une présence à la fois troublante et magnétique. Cette interaction oblige le public à réfléchir aux différentes strates de sens de l'œuvre – de la transformation d'un espace public en un moyen d'expression personnelle au dialogue entre l'art et le spectateur qui remet en question les normes sociétales et la définition même de l'espace public. En conclusion, le Joker d'Heath Ledger, réalisé par RD-357 sur un panneau de chantier new-yorkais, illustre de façon remarquable comment le street art peut fusionner iconographie culturelle et message subversif. À travers cette œuvre, l'artiste immortalise un personnage de film culte et interroge les notions d'autorité, de propriété et le rôle de l'art dans le débat public. Cette œuvre unique témoigne du pouvoir du graffiti à redéfinir les espaces et à susciter la réflexion, bien après que la peinture ait séché.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Appetite » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Yumiko Kayukawa, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Rock You In a Tatami Room » en 2011. Il ne s'agissait pas d'une exposition thématique, j'ai donc créé des pièces qui reflétaient simplement ce que je ressentais à ce moment-là. Passionnée par les animaux et la faune sauvage, la façon dont ils tuent pour survivre est un sujet qui me tient à cœur. Même une magnifique grue se bat pour vivre. Je trouve cela beau, comme si elles dansaient. » – Yumiko Kayukawa

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Companion - Blush, figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Companion-Blush de KAWS : un symbole du pop art et du graffiti urbains modernes Dans le paysage vibrant du pop art moderne, KAWS se distingue comme un artiste qui fusionne avec brio design commercial et beaux-arts. Sa série Companion, et plus particulièrement la figurine de collection « Companion - Blush » en édition limitée, est devenue une référence culturelle dans le street art et le graffiti. La Companion - Blush, avec sa couleur distinctive et le motif classique de KAWS, a été lancée en 2016 en édition limitée ouverte, immortalisant le design iconique de l'artiste sous une forme tangible. À l'instar des autres figurines de la série, elle mesure 26,7 x 11,4 x 6,4 cm, offrant un équilibre parfait entre visibilité et compacité, idéale pour une collection privée. Chaque figurine mesure 28 cm de haut, permettant d'apprécier les détails sans encombrer l'espace. L'emballage scellé de la Companion - Blush garantit son état neuf, préservant ainsi l'intégrité de l'œuvre et l'excitation de la découverte par un collectionneur. Pertinence et réception de Companion-Blush de KAWS dans les milieux artistiques Le Companion-Blush est bien plus qu'un objet de collection ; c'est une œuvre narrative qui, issue des racines graffiti de KAWS, est devenue une icône incontournable du mouvement pop art urbain. Avec ses yeux barrés et ses traits abstraits, le personnage porte en lui la profondeur émotionnelle et le commentaire souvent présents dans l'art du graffiti. Sa diffusion via des plateformes prestigieuses telles que KAWSONE, le MoMA et le Musée d'Art Moderne de Fort Worth souligne l'estompement des frontières entre culture dominante et contre-culture, témoignant de l'attrait universel du Companion. Le timing de cette sortie, coïncidant avec l'exposition « Where The End Starts » de KAWS, fut crucial, marquant une période de forte demande et d'intérêt intense pour son travail. La décision de proposer une série de six Companions différents, incluant des versions représentant le corps entier et d'autres écorchées vives, a permis de toucher un large public, des connaisseurs d'art aux passionnés de culture pop, consolidant ainsi le statut du Companion dans le monde de l'art. L'impact de Companion-Blush de KAWS sur l'évolution du street art L'œuvre « Companion-Blush » illustre l'évolution du street art vers une forme raffinée, reconnue pour sa valeur artistique et son importance culturelle. À travers sa série « Companion », KAWS a remis en question les notions traditionnelles du graffiti, le transformant en un objet de collection très recherché. Avec sa teinte vibrante et son design méticuleux, « Companion-Blush » est un symbole du pouvoir transformateur du street pop art, démontrant comment l'énergie brute de cet art peut être encapsulée dans une forme qui trouve un écho auprès d'un large public. Cette pièce de collection est un élément du parcours artistique de KAWS et un fragment de l'histoire plus vaste de l'intégration du street art au marché de l'art mondial. Elle symbolise le moment où l'art inspiré de la rue a commencé à capter l'attention et le respect auparavant réservés aux formes d'art plus conventionnelles. « Companion-Blush » n'est donc pas seulement un objet d'art ; c'est un artefact culturel qui représente le paysage dynamique et en constante évolution du street pop art et du graffiti contemporains.

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Target Red King #2 HPM SDCC 12 Figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Luke Chueh. 2012, signé avec HPM unique, exclusivité San Diego Comic Con 2012 (SDCC). Image et texte dessinés à la main, rehaussés et embellis à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,7 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible rouge et un pot de peinture. Target Red King #2 HPM SDCC 12 Figurine en vinyle par Luke Chueh La figurine en vinyle Target Red King #2 HPM SDCC 12 de Luke Chueh se distingue comme l'une des créations les plus marquantes et émouvantes de la catégorie Street Pop Art et Graffiti. Sortie en 2012 en exclusivité pour le Comic-Con de San Diego et produite par Munky King, cette figurine en édition limitée fait partie d'une série plus vaste inspirée de la peinture originale Target de Chueh. Cette version particulière, ornée à la main d'une illustration unique de l'artiste sur le mur de tir, incarne les thèmes profondément introspectifs de Chueh à travers un médium sculptural qui trouve un écho auprès des collectionneurs, des critiques et des amateurs de pop art sombre et conceptuel. Cette figurine s'inscrit dans la continuité de l'exploration par Chueh de la vulnérabilité, de la conscience de soi et de la relation entre le créateur et son sujet. Conception, détails et structure physique Cette figurine de collection mesure 16,5 x 26,7 cm et est réalisée en vinyle avec un socle sculptural en techniques mixtes. Elle représente l'emblématique ours de Chueh, dans une palette minimaliste, peignant une cible concentrique rouge sang sur sa poitrine, devant un mur fissuré criblé de balles. Le décor, orné d'une tête d'ours et d'une couronne dessinées à la main et signées par Luke Chueh, symbolise la vulnérabilité. Cette version, connue sous le nom de Red King n° 2, fait partie d'une sous-édition limitée à 250 exemplaires. Chaque exemplaire est unique, avec des personnalisations réalisées à la main dans un style graffiti sur le socle, faisant de chaque pièce une œuvre d'art peinte à la main. La présence du pinceau et du seau amovibles confère à la figurine une dimension tragique, voilant la frontière entre émancipation et autodestruction. Récit conceptuel et symbolisme « Cible » n'est pas qu'un simple titre ; c'est une affirmation sur l'identité et la visibilité. En peignant la cible sur son propre corps, le personnage devient à la fois artiste et objet, agresseur et victime. Le mur derrière lui, évoquant un décor d'exécution urbaine, intensifie la tension de l'œuvre. Dans cette édition « Roi Rouge », la couronne supplémentaire tracée au-dessus de l'ours ajoute une dimension de souveraineté ou de martyre, élevant le personnage au rang de symbole de sacrifice. Cette dualité est depuis longtemps une marque de fabrique du travail de Luke Chueh, qui mêle des éléments à la fois mignons et tragiques dans un récit pop art surréaliste, reflet de sa réflexion constante sur l'anxiété, la dépression, l'image de soi et les difficultés de l'expression personnelle. L'héritage de l'art urbain contemporain Né aux États-Unis en 1973, Luke Chueh est une figure emblématique du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Son utilisation de personnages simplifiés et iconiques, ainsi que d'une palette de couleurs discrètes, lui permet de transmettre des émotions brutes à travers des lignes épurées et une mise en scène percutante. La collaboration de Munky King avec Chueh sur la série Target représente l'une des transpositions les plus réussies de l'art de personnages, initialement destiné aux galeries d'art, en objets de collection tridimensionnels. Chaque édition, et notamment les variantes rares comme Red King #2, porte en elle la profondeur émotionnelle et la simplicité visuelle que Chueh a cultivées à travers différents médiums. L'exclusivité de cette édition pour le Comic-Con de San Diego (SDCC) ne fait qu'accroître sa rareté et son attrait, la consacrant comme une pièce majeure dans l'histoire de la sculpture de collection moderne.

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Figurine de collection en vinyle MC Supersized Grin édition limitée, 4 juillet. Œuvre d'art McSupersized de l'artiste de rue Ron English - POPaganda. Figurine Ron English - POPaganda (2019), 20 cm de haut, signée par Ron English - POPaganda, SFBI. Présentée avec sa boîte.

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« Get in the Van Followed », sérigraphie artisanale en édition limitée 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Estampe d'art en édition limitée Die Anatomie Archival Pigment sur papier d'art en velours de coton par l'artiste Nychos, légende du street art pop graffiti. Estampe d'art signée et numérotée 2021 par NYCHOS. Dimensions : 61 cm x 98 cm (24 po x 38,6 po). Édition limitée à 111 exemplaires. Papier d'art velours en fibres de coton. Signée et numérotée à la main.

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Supreme Exit - Red Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Supreme. Sortie en mars 2021 pour la collection printemps-été 2021 de Supreme, la planche de skateboard Supreme Exit a rencontré un vif succès auprès des skateurs et des collectionneurs. Elle arbore le logo Supreme classique ainsi qu'une image de personne en train de courir, motif généralement associé à un panneau de sortie de secours.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dark Icons - Figurine de collection en vinyle Spooky Mick en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Gus Fink. Figurine articulée FinkyToy Spooky Mickey 6x9 sous blister, neuve et en parfait état, signée et numérotée 2019 par Gus Fink, par FinkyToy

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Suicide Man - Sculpture en résine de polystone rouge en édition limitée, œuvre d'art des artistes de rue Banksy et MediCom. Sculpture en résine de polystone rouge, édition limitée 2020, présentée dans sa boîte.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Figurine de collection SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One en vinyle, édition limitée, style street art, jaune ananas Sket illumine la gamme SuperKranky avec sa nouvelle teinte vintage ! Ouvrez le bouchon pour une dose de saveur unique en édition limitée ! 20 cm de vinyle souple et juteux. Ça cliquette quand on le secoue ! Seulement 700 exemplaires !

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Oncle Scam - Figurine de collection en vinyle édition limitée rouge, blanc et bleu OG, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda. L'Oncle Scam 2020 est arrivé juste à temps pour la déclaration d'impôts ! L'Oncle Scam est une version politisée de l'icône américaine bien connue, l'Oncle Sam. L'Oncle Scam est livré avec des accessoires amovibles et emballé dans une boîte imprimée festive. Y a-t-il une fête pire que la déclaration d'impôts ? Même si vous êtes célibataire à la Saint-Valentin et que vous la passez à manger de la glace et à publier des mèmes sur Facebook sur votre « force », la déclaration d'impôts est encore pire. Non seulement vous n'avez pas de jour de congé, ce qui est le premier signe d'une fête ratée, mais vous risquez de devoir de l'argent au gouvernement ! Je croyais que c'était l'Amérique, le pays de la liberté et le berceau du catch professionnel.

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Honet - Vivid Red Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'Art Croisement du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Graffeur et illustrateur, lié à la scène artistique française par un style visionnaire qui l'a distingué des autres et lui a valu une notoriété internationale. Cet artiste parisien a déclaré lors d'une récente exposition à la galerie Montana de Séville : « Je n'ai pas côtoyé Boris Vian au café Saint-Germain-des-Prés d'après-guerre, ni Fellini et sa Dolce Vita des années 50, ni rencontré les Beatles et le Swinging London des années 60, ni Malcolm McLare. »

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