Estampe Beaux-Arts

Leçons de vie, œuvre d'art pop street, impression giclée en édition limitée sur papier Coventry Rag 290 g/m² par l'artiste moderne de graffiti urbain Dulk- Antonio Segura Donat. 2018 Dulk - Antonio Segura Donat Leçons de vie 20x16 pouces Édition de 60 Tirage d'art sur papier 290 g/m² Signé et numéroté à la main

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Achetez Ms Rainbow Flower - SP 13 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier d'art par Takashi Murakami TM / KK Rare Street Art Célèbre Pop Artwork Artist. Signé 2020 SP Edition de 25 Rare Takashi Murakami TM/KK Ms. Rainbow Flower Sérigraphie Artwork 19.68x19.68in 50x50cm

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Affiche de concert en édition limitée du film Sex Bob-omb 2010, impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art par Jeremy Wheeler. Le groupe musical Sex Bob-omb, tiré du film Scott Pilgrim vs. the World. Sex Bobomb, Rock It, Crash et The Boys, le 10 août 2010 à Toronto, Canada.

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Mark Lanegan 60 Sérigraphie noire par Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 15x24 Impression sérigraphique. « Cette estampe est un hommage à mon ami, Mark Lanegan, et a été publiée à l'occasion de son 60e anniversaire. Je n'oublierai jamais nos promenades dans la lumière et l'obscurité. » – Cleon Peterson Un hommage significatif à une voix retentissante Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour ses images saisissantes et ses réflexions sur les conflits humains, a créé cette sérigraphie en édition limitée en hommage à Mark William Lanegan. Le chanteur américain Lanegan s'est éteint le 22 février 2022, laissant une empreinte indélébile sur ceux qui l'ont connu et ont admiré son œuvre. Peterson a souhaité honorer le 60e anniversaire du chanteur à travers cette pièce, reflétant les parcours partagés et l'esprit de découverte qui les unissaient. L'œuvre présente une composition saisissante en rouge, noir et blanc, symbolisant à la fois une introspection profonde et une révélation lumineuse. Chaque élément du dessin traduit tension et apaisement, faisant écho à la profondeur émotionnelle de la musique de Lanegan et à la finesse d'observation qui caractérise la démarche artistique de Peterson. Cette estampe de 38 x 61 cm (15 x 24 pouces) sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés capture un échange intense entre deux figures. L'une, d'un rouge vif, suggère une présence surnaturelle, tandis que la silhouette humaine centrale se détache en noir profond. Leurs poses et leurs gestes suggèrent une tension entre l'ombre et la lumière, un motif qui fait écho au parcours créatif de Lanegan. Les formes tourbillonnantes qui entourent les personnages évoquent le feu, la passion et un tumulte potentiel, renforçant ainsi l'utilisation caractéristique par Peterson de silhouettes audacieuses et d'espaces négatifs intentionnels. En mêlant des détails minimalistes à des couleurs très contrastées, la composition conserve une intensité saisissante qui attire le regard du spectateur au cœur même de son message émotionnel. Symbolisme et expressions visuelles Le jeu de couleurs de cette sérigraphie reflète la manière dont la musique de Lanegan explorait souvent des espaces d'introspection et de ferveur. La figure rouge suggère la force de la tentation ou de la lutte, tandis que la figure noire semble suspendue entre soumission et résistance. Ces thèmes s'inscrivent dans l'œuvre plus vaste de Peterson, qui met fréquemment en scène des confrontations dramatiques entre des éléments contrastés. Les textes en haut et en bas font référence au 60e anniversaire de Lanegan et à un lieu emblématique, ancrant l'image dans un contexte à la fois festif et introspectif. Le spectateur est invité à réfléchir à la manière dont la mémoire, l'amitié et l'expression créative s'entremêlent, façonnant un récit qui transcende la simple commémoration d'un anniversaire. Liens entre le street art, le pop art et le graffiti Les amateurs de street art et de graffiti reconnaîtront le style distinctif de Peterson, qui utilise des aplats de couleur et des contours marqués pour transmettre des messages forts. Cette approche, qui rappelle les fresques murales audacieuses et les interventions graphiques, possède une force qui trouve un écho aussi bien dans l'espace urbain que dans les galeries d'art. Les figures surdimensionnées, soulignées par un rouge vif et un noir profond, conservent l'immédiateté souvent associée au graffiti et aux pratiques artistiques urbaines. La technique de Peterson entremêle l'influence de la culture pop à une énergie brute inspirée de la rue, reflétant un héritage commun de remise en question des esthétiques conventionnelles. L'ensemble reflète une approche moderne des images iconiques, où quelques formes simplifiées transmettent une grande richesse émotionnelle. Détails de production et collection Créée en 2024 en une édition signée et numérotée de 100 exemplaires, la sérigraphie blanche « 60 » de Mark Lanegan témoigne avec soin du dévouement de l'artiste. Chaque pièce est imprimée sur un luxueux papier d'art Coventry Rag de 290 g/m², frangé à la main pour une subtile touche artisanale. Les bords texturés évoquent le travail manuel de la sérigraphie, fusionnant design contemporain et techniques ancestrales. Les collectionneurs apprécient le caractère exclusif de cette édition et la résonance émotionnelle du sujet, le lien personnel entre Peterson et Lanegan conférant une profondeur supplémentaire à la composition. Cette œuvre incarne le puissant mélange de respect, d'amitié et d'influences street art et graffiti qui caractérise le travail de Peterson, rappelant aux spectateurs le pouvoir durable des voix créatives, même après leur disparition.

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Sérigraphie QR Code Smiley par RYCA - Ryan Callanan, impression artisanale 1 couleur sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Œuvre d'art de format 9,75 x 9,75 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie QR Code Smiley de RYCA : une confluence de technologie et de pop art urbain L'estampe sérigraphique « QR Code Smiley » de RYCA, alias Ryan Callanan, illustre de façon saisissante la manière dont les artistes contemporains fusionnent motifs numériques et techniques d'impression traditionnelles. Le choix de RYCA de capturer l'essence d'un code QR, emblème de l'ère numérique, et de la transformer en une œuvre d'art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, est novateur et reflète notre époque. Le smiley dissimulé dans le code ajoute une touche ludique et nostalgique, évoquant les débuts de la communication numérique et soulignant l'omniprésence de la technologie dans la vie moderne. Cette œuvre, une édition limitée à 50 exemplaires (2022), a été réalisée selon le procédé artisanal et minutieux de la sérigraphie. Chaque estampe, signée et numérotée par l'artiste, mesure 24,8 x 24,8 cm et est imprimée sur papier beaux-arts. Le choix d'une palette monochrome accentue la sobriété et l'immédiateté du code QR, contrastant avec l'imagerie souvent colorée et foisonnante du street art. Cependant, cette simplicité même permet à l'œuvre de se démarquer, offrant une pause visuelle dans le langage visuel frénétique des environnements urbains. Le parcours artistique de RYCA et son intersection avec l'art urbain Le parcours artistique de RYCA est marqué par sa capacité à insuffler une nouvelle signification aux icônes culturelles familières. En intégrant le célèbre smiley à un symbole universellement reconnaissable comme le code QR, il crée un lien direct entre l'art et le public, rendant son œuvre à la fois accessible et captivante. Cette pièce témoigne du talent de RYCA pour utiliser les codes du pop art afin d'explorer l'intersection entre technologie et émotions humaines, un thème récurrent à l'ère du numérique. Tirée en édition limitée, cette estampe est une pièce de collection très recherchée et souligne la nature éphémère du street art, où la rareté et le lieu d'exposition d'une œuvre peuvent considérablement accroître sa valeur et son impact. L'œuvre de RYCA nous rappelle la nature transitoire du graffiti, souvent présent aujourd'hui et disparu demain, à l'image de la fugacité de l'information numérique à l'ère d'Internet. L'estampe sérigraphique « QR Code Smiley » est plus qu'une simple expression visuelle ; c'est un artefact culturel qui capture l'esprit du XXIe siècle. Les codes QR sont devenus omniprésents dans nos vies, une solution technique à un besoin culturel d'accès rapide et fluide à l'information. En intégrant ce symbole à son art, RYCA commente cette omniprésence et invite le spectateur à réfléchir à la relation entre les mondes numérique et physique. Par son esthétique minimaliste et sa profondeur conceptuelle, cette estampe reflète une tendance plus large du street art et du graffiti, où les artistes s'intéressent de plus en plus à la culture numérique. L'œuvre de RYCA est à l'avant-garde de ce mouvement, mêlant l'immédiateté du street art à la connectivité des technologies numériques. Le smiley à code QR de RYCA et sa place dans l'art moderne Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer, des artistes comme RYCA ouvrent la voie, abolissant les frontières entre les formes artistiques et explorant de nouveaux médiums. La sérigraphie « QR Code Smiley » illustre parfaitement cette évolution, où un outil technologique est réinventé en un support d'expression artistique. Cette œuvre représente la vision créative de RYCA et une réflexion sur la frontière de plus en plus floue entre le virtuel et le réel. Dans un monde où les interactions numériques remplacent souvent les interactions physiques, la sérigraphie de RYCA nous rappelle avec force l'importance de l'art tangible à l'ère du numérique. Elle fait le lien entre deux mondes apparemment disparates, invitant le spectateur à s'interroger sur le rôle de l'art dans une société dominée par les écrans et les codes. La sérigraphie « QR Code Smiley » de RYCA est une pièce maîtresse du street art et du graffiti, offrant une perspective unique sur le point de rencontre entre l'art, la technologie et la culture. Son édition limitée souligne l'importance accordée à l'originalité et à l'authenticité dans l'art. À travers cette œuvre, RYCA nous invite à réfléchir à la nature omniprésente des symboles numériques dans nos vies et à la manière dont ils peuvent être réimaginés à travers le prisme de l'art.

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Une Rose Rouge - Édition Limitée 2 Couleurs Sérigraphie Manipulée à la Main Technique Mixte Peinture au Spray sur Papier Aquarelle Fabriano 300 g/m² par Copyright Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « L'année dernière, j'ai fait une exposition qui a débuté le jour de la Saint-Valentin et qui s'intitulait « Une rose rouge pour toujours ». C'est une vieille phrase tirée d'un tatouage de Sailor Jerry. J'aime toujours revisiter et réinterpréter mes archives visuelles personnelles. Cette image est une réinterprétation d'une œuvre beaucoup plus grande que j'ai peinte il y a quelques années. Je me demande souvent : si mes peintures étaient des chansons, à quoi ressembleraient-elles ? Il m'arrive souvent d'écouter une chanson qui m'inspire une idée de tableau. Il suffit d'une phrase, ou parfois d'une émotion profonde que j'essaie de retranscrire en image, comme un musicien le ferait dans une chanson. » - Copyright

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Bias by Numbers - Tirage sérigraphique grand format 30X42 4 couleurs, édition limitée, réalisé à la main sur papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare, artiste pop OBEY. Signé et numéroté, tirage en biais numéroté 76 x 107 cm, édition limitée à 89 exemplaires, 3 juin 2019 « Bias by Numbers » aborde la question des préjugés raciaux dans les forces de l'ordre, le système judiciaire et les médias. Ces préjugés ont une longue histoire, comme en témoignent des statistiques alarmantes : les personnes noires ont cinq fois plus de chances d'être contrôlées et fouillées que les personnes blanches, quatre fois plus de chances de subir un usage excessif de la force, ou quatre fois plus de chances d'être tuées par la police lorsqu'elles sont désarmées. Les statistiques révélant les préjugés raciaux dans les poursuites et les condamnations sont tout aussi éloquentes. Bien que la consommation de drogues récréatives soit aussi répandue dans les communautés majoritairement noires que dans les communautés majoritairement blanches, les condamnations pour possession de drogue sont près de six fois plus fréquentes chez les personnes noires. Ces dernières écopent souvent de peines de prison plus longues que les personnes blanches, ce qui explique que les Afro-Américains soient incarcérés à un taux plus de cinq fois supérieur à celui des Blancs.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie « The Astonishing Light Split Fountain Print » de Cryptik, édition limitée, œuvre d'art tirée à la main sur papier d'art en coton, style graffiti pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format : 18 x 24 pouces. Encre fluorescente réactive aux UV. Texte abstrait cryptique, gravure en dégradé. L'œuvre « The Astonishing Light Serigraph Split Fountain Print » de Cryptik témoigne de l'évolution constante du street art et du graffiti, et marque durablement le pop art. De loin, l'œuvre vibre de couleurs éclatantes ; à mesure qu'on s'approche, les abstractions textuelles complexes prennent vie, créant une danse d'encre fluorescente réactive aux UV sur la toile. Le savoir-faire méticuleux est évident dans la technique artisanale utilisée sur papier d'art en coton, révélant la profondeur et la superposition caractéristiques du style de Cryptik. Ce chef-d'œuvre en édition limitée, signé et numéroté, est limité à seulement 100 exemplaires, soulignant son exclusivité dans l'art contemporain. Avec ses dimensions de 45,7 x 61 cm, il est suffisamment grand pour captiver le regard tout en étant assez intime pour l'entraîner dans le labyrinthe de textes énigmatiques qui le composent. Cette œuvre ne se contente pas de s'illuminer à la lumière naturelle ; elle s'anime sous les rayons ultraviolets, dévoilant ses fascinantes propriétés fluorescentes. Artiste pop et street art contemporain, Cryptik repousse sans cesse les limites de l'art, et « The Astonishing Light » ne fait pas exception. Cette œuvre fait le lien entre l'esthétique des textes sacrés anciens et le graffiti moderne, invitant le spectateur à en déchiffrer les significations cachées. Si le pop art s'appuie souvent sur une imagerie familière, le street art et le graffiti y introduisent une énergie urbaine brute, que Cryptik fusionne avec brio dans cette sérigraphie. Plus qu'un simple reflet de l'art contemporain, cette pièce le questionne et le redéfinit, incitant les amateurs d'art à explorer plus en profondeur l'interaction complexe du texte, de la couleur et de la forme.

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Achetez Signal Flare Edition Limitée Archival Pigment Prints sur 310gsm Museum Natural Fine Art Paper par Adam Caldwell graffiti street artiste pop art moderne. "Ceci est une peinture d'un de mes modèles préférés, Victoria. Je l'ai peinte devant une photo vintage d'un signaleur de chemin de fer balançant une lanterne la nuit. Il envoie des informations au conducteur du train en déplaçant la lumière selon différents motifs. Il y a aussi des éléments d'un modèle architectural, un tuyau d'incendie jaune fuyant et une copie publicitaire rétrograde des années 1950. Cette pièce faisait partie d'une exposition récente avec Ekundayo et Joram Roukes "New Generation" à la galerie Thinkspace en juillet 2013. J'ai utilisé une copie publicitaire , des photos historiques et des figures féminines comme éléments dans la plupart des pièces. C'est un peu plus simple que la plupart de mes compositions. La figure est également très centrée, je pousse généralement pour un placement plus asymétrique, mais j'aime le résultat. " -Adam Caldwell

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Sérigraphie Prey Red HPM Doodled par D*Face - Dean Stockton, impression sur carton, encadrée, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Œuvre unique signée, réalisée à la peinture et au crayon HPM en 2007, ornée d'un gribouillage sur le recto . Dimensions : 23,25 x 33 pouces (59 x 84 cm). Ce motif était initialement utilisé comme enduit décoratif dans plusieurs villes. Il s'agirait de l'une des deux versions produites et signées par D*Face sur papier de qualité supérieure. Encadrement sur mesure en métal rouge. Le style signature de D*Face en rouge Prey La confluence du pop art et du street art trouve une manifestation saisissante dans l'œuvre de l'artiste britannique Dean Stockton, plus connu sous le nom de D*Face. Parmi sa vaste collection d'œuvres percutantes, la sérigraphie « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » illustre parfaitement son talent pour fusionner les techniques subversives du street art avec l'esprit du pop art. Cette pièce en édition limitée, une sérigraphie sur carton et une œuvre originale rehaussée de gribouillis uniques à la peinture et au crayon réalisés par l'artiste lui-même, capture l'essence de sa critique du consumérisme et du culte des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de Stockton n'est pas une simple œuvre de street art ; elle reflète le parcours de l'artiste et son regard sur la société. L'œuvre se caractérise par des lignes audacieuses et des contrastes marqués, signature de l'esthétique de D*Face, fortement influencée par ses premières expériences dans le skateboard, le graffiti et la musique punk. L'estampe, mesurant 23,25 pouces sur 33 pouces, est encadrée dans un cadre en métal rouge sur mesure qui fait écho à l'éclat de l'œuvre d'art qu'elle renferme. D*Face et le mouvement Pop Street Art Conçue initialement comme une affiche collée dans les rues, « Prey Red » a évolué vers une expression plus raffinée de l'art de DFace lorsqu'elle a été réimaginée sous la forme d'une impression sur papier haut de gamme. Cette transition du street art à une œuvre digne d'une galerie souligne la fluidité des frontières entre les différentes formes d'art et la polyvalence de DFace. Le fait que cette pièce soit l'un des deux seuls exemplaires produits et signés par l'artiste renforce son exclusivité et son attrait. L'œuvre de DFace est souvent perçue comme un pont entre l'énergie brute et rebelle du street art et l'univers soigné et visuel du pop art. DFace remet en question les idées reçues sur l'art et sa place dans la société en exposant son travail en galerie sans rien perdre de son esprit urbain. L'impression sérigraphique « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » en témoigne, incarnant le talent de l'artiste pour donner de la profondeur et de multiples niveaux de signification à son œuvre. L'impact culturel des œuvres de D*Face Au-delà de son attrait visuel, « Prey Red » est une critique culturelle, à l'image du reste de l'œuvre de DFace. À travers son art, DFace invite les spectateurs à questionner les icônes et les symboles qui peuplent notre paysage visuel. Cette estampe, avec son imagerie percutante et le mot « PREY » inscrit en lettres capitales, suggère une réflexion plus profonde sur l'identité de la proie dans un monde saturé de médias et de culture des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de DFace n'est pas seulement une œuvre d'art à admirer pour son style ; c'est à la fois un sujet de conversation, un commentaire culturel et une pièce de collection. Elle témoigne de l'engagement constant de l'artiste à interpeller les spectateurs et le monde de l'art, les incitant à réévaluer ce qui est exposé sur les murs des villes et dans les galeries. Alors que DFace poursuit sa création et son évolution, des œuvres comme « Prey Red » lui assurent une place de choix dans l'histoire de l'art contemporain, jetant un pont entre la scène underground et le courant dominant.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Blotter Paper Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé par Modern Pop Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Dissection du lapin blanc - Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art naturel de qualité musée 300 g/m² par Nychos, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP 2013 Signée et marquée AP Œuvre d' art Format 16x16 « J'ai peint cette œuvre en janvier dernier, juste avant de partir pour Hawaï pour le Pow Wow. Elle figurait également dans ma récente exposition solo en Italie, où j'ai présenté certaines de mes dissections récentes. Le concept s'inspire des graffitis graphiques que je pratique depuis environ 2005, mais je tenais à disséquer celui-ci ! L'image est désormais le logo principal du Rabbit Eye Movement (REM). REM a débuté comme un concept de street art viennois, mais j'ai toujours perçu le Rabbit Eye Movement comme un hommage à tous les « lapins » actifs dans le mouvement de l'art urbain, quelle que soit leur mission. Le mouvement a grandi et REM s'est développé pour créer le REM ARTSPACE. Cet espace accueille des artistes nationaux et internationaux issus de genres tels que le graffiti, l'illustration urbaine, le street art, le lowbrow et l'imagerie de la culture pop. Il permet à la créativité individuelle et collective d'ouvrir les esprits et de cultiver une inspiration passionnée. » – Nychos. « La dissection du lapin blanc » de Nychos : un phénomène pop art moderne Dans le paysage urbain contemporain, rares sont les œuvres d'art qui ont autant marqué les esprits que « Dissection du Lapin Blanc » de Nychos, l'illustre graffeur de rue. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art naturel de qualité musée (300 g/m²), est une œuvre emblématique du pop art moderne et une pièce maîtresse du genre street art et graffiti. Créée en 2013 comme épreuve d'artiste (EA), cette œuvre de 40 x 40 cm tisse des récits complexes mêlant biologie, mythologie et culture urbaine sur une toile unique, saisissante et stimulante. Nychos : Explorations anatomiques et récits urbains Nychos, reconnu pour son approche unique du street art, utilise une technique singulière de dissection anatomique dans son travail. « Dissection du Lapin Blanc » en est un parfait exemple : un lapin est fendu en deux, révélant le fonctionnement complexe de ses organes internes. Cette œuvre a été conçue en janvier de cette année-là, alors que Nychos s'apprêtait à participer au Pow Wow à Hawaï, et est ensuite devenue une pièce maîtresse de son exposition personnelle en Italie. Le travail de Nychos explore les différentes strates qui composent les êtres vivants, reflétant une profonde fascination pour ce qui se cache sous la surface. En mariant l'énergie graphique des graffitis à la précision des dissections, Nychos a ouvert une nouvelle voie dans le street pop art. L'œuvre sert également d'emblème au Rabbit Eye Movement (REM), un concept né dans les rues de Vienne. Nychos conçoit le REM comme un hommage aux « lapins » du mouvement d'art urbain, symbolisant les acteurs de cette scène culturelle en plein essor, quelle que soit leur mission. Depuis, REM a évolué pour devenir REM ARTSPACE. Ce pôle créatif célèbre une grande variété de genres, du graffiti et de l'illustration urbaine au street art, en passant par le lowbrow et l'imagerie de la culture pop. Cet espace est dédié à l'épanouissement de la créativité individuelle et collective et constitue un lieu privilégié pour le libre échange d'idées, garantissant ainsi la progression et l'inspiration des artistes du monde entier. L'impact et l'héritage de l'œuvre de Nychos L'influence de « Dissection du Lapin Blanc » dépasse largement son impact visuel. Elle incarne l'impact profond de Nychos sur la scène du street art, illustrant le pouvoir transformateur des arts visuels dans l'espace urbain. L'œuvre témoigne de la maîtrise technique de l'artiste et symbolise son engagement à repousser les frontières traditionnelles du street art et du graffiti. Logo principal du Rabbit Eye Movement, elle est devenue synonyme d'un réseau mondial d'artistes œuvrant pour la promotion du street art. Par son travail et la création de REM ARTSPACE, Nychos a joué un rôle déterminant dans le débat autour du street art et de sa place au sein de l'art contemporain. En somme, « Dissection du Lapin Blanc » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; elle est une pierre angulaire de la contribution artistique et culturelle de Nychos. Cette pièce incarne le dynamisme et la versatilité du street art et du graffiti, démontrant comment ces œuvres peuvent simultanément éduquer, inspirer et susciter la réflexion. Alors que la renommée de Nychos ne cesse de croître et que ses œuvres continuent de captiver le public du monde entier, l'héritage de son lapin blanc, disséqué et exposé, demeure un symbole durable du pouvoir et du potentiel du street art.

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Tirages pigmentaires HPM d'archives, édition limitée, rehaussés à la main, par Denial Graffiti Street Artist, sur papier d'art fin, avec collages, aérosols, crayons et vernis. Tirage d'art pigmentaire d'archives, édition limitée numérotée et signée, encadrée sur mesure, agrémenté de collages, d'aérosols, de crayons et de vernis. Dimensions : 45,2 x 60,3 cm (17,8125 x 23,75 pouces). Sortie : 9 décembre 2021. Tirage : 15 exemplaires. Le Versace recyclé du déni : la médecine du branding dans le pop art urbain contemporain L'œuvre « Decycled Versace » de Denial, publiée en 2021 sous forme d'estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, poursuit l'exploration incisive par l'artiste du culte des marques, de la construction identitaire et de l'esthétique séduisante du consumérisme. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 15 tirages mesure 45,2 x 60,3 cm et est unique, modifié par des collages, des aérosols, des crayons et des couches de vernis. Encadrée d'un cadre baroque doré, l'œuvre présente une grande capsule stylisée – ornée de la tête de Méduse iconique de Versace – sur un fond de motifs dentelés et de champs de couleurs fragmentés. La capsule porte la mention « 100MG », renforçant ainsi son identité à la fois d'objet visuel et de drogue conceptuelle. Denial, également connu sous le nom de Daniel Bombardier, utilise la pilule comme forme centrale dans sa série « Decycled » pour commenter la nature addictive du statut social et le rôle des logos de luxe dans la construction de l'identité moderne. En intégrant le logo Versace à l'intérieur de la capsule, l'œuvre assimile la consommation de marques à l'automédication. Ce geste n'est ni une glorification ni une condamnation ; c'est une mise à nu. Le logo devient un ingrédient, dosé avec précision pour susciter une forte émotion ou un impact social. Ainsi, Decycled Versace critique non seulement la marque, mais aussi les systèmes culturels qui érigent de tels symboles en quasi-mythologie. Bruit visuel et perturbation symbolique Le fond de « Decycled Versace » est composé de profondes diagonales, de textures éclaboussées, de trames et de traits de peinture expressifs. Ces éléments font référence à la fois aux techniques traditionnelles du graffiti et à l'esthétique du design numérique. La superposition crée une tension visuelle qui refuse toute immobilité ou résolution facile. Sur ce fond chaotique, la forme lisse et lumineuse de la pilule apparaît presque stérile par contraste. L'effet est désorientant mais intentionnel : le luxe, semble suggérer l'œuvre, s'épanouit lorsqu'il est placé au-dessus du désordre qu'il prétend effacer. La tête de Méduse, emblème historique de Versace lié à la mythologie grecque et aux thèmes du désir et du danger, est ici réinterprétée comme une icône de l'hypnose consumériste. Intégrée à la pilule, elle devient un objet d'intériorisation. L'utilisation de trames et de techniques de pochoir brutes par « Denial » déstabilise davantage l'aura lisse de la marque, rappelant aux spectateurs que derrière chaque logo impeccable se cache une illusion construite. Dans le contexte du Street Pop Art et du Graffiti, l'œuvre récupère l'espace visuel des systèmes marketing et le redistribue sous forme de critique artistique. L'illusion encadrée du pouvoir et de la permanence Le cadre doré orné qui entoure « Decycled Versace » joue un rôle crucial dans le message de l'œuvre. Traditionnellement associé au portrait classique et à la sacralité des galeries, ce cadre confère à l'œuvre une autorité artificielle. Mais cette vénération est contredite par son contenu : désordonné, chaotique, brisé. La forme de pilule, conçue pour paraître élégante et scientifique, flotte dans ce champ comme une relique sacrée. C'est dans la dissonance entre le raffinement matériel et la rébellion conceptuelle que l'œuvre tire toute sa force. La manipulation de l'objet d'art par Denial reflète la double vie des marques de luxe, souvent à la frontière entre exclusivité et visibilité de masse. « Decycled Versace » existe à la fois comme critique et comme artefact du système même qu'elle expose. En transformant les logos de marques en métaphores médicinales, Denial nous oblige à réévaluer la façon dont l'identité est consommée et dont le branding fonctionne à la fois comme symptôme et remède dans la culture moderne. Dans le langage du Street Pop Art et du Graffiti, cette œuvre fonctionne non seulement comme un commentaire, mais aussi comme une dose de clarté visuelle dans une culture accro à l'image.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Cacophonie, une impression pigmentaire d'archives multiple peinte à la main sur 3 niveaux de panneau acrylique découpé au laser, prête à être accrochée, par Eddie Colla, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 25 exemplaires. Œuvre d'art en acrylique découpée au laser, format 18 x 18 pouces. « La Fille aux Poissons Rouges a été créée il y a près de dix ans. J'y reviens souvent, et c'est le personnage que j'ai créé depuis le plus longtemps. J'écris souvent des histoires pour ces personnages afin de m'aider dans la création de mes œuvres, mais elles ne sont généralement jamais partagées avec le public. La Fille aux Poissons Rouges est née en Chine continentale et a été élevée principalement par son père. Sa mère est décédée d'un cancer lorsqu'elle avait 18 mois. Enfant, elle était souvent très malade et on lui a finalement diagnostiqué une déficience du système immunitaire, bien qu'aucun diagnostic précis n'ait jamais été établi. C'est pourquoi elle porte toujours un masque et des gants. Son père élevait des poissons rouges pour gagner sa vie et lui a appris le métier dès son plus jeune âge. Ils travaillaient côte à côte et recevaient rarement des visites en raison de sa maladie. Être souvent très malade et avoir perdu sa mère ont rendu son enfance difficile. Comme la plupart des enfants, elle a cherché une explication à son malheur, une raison pour laquelle tout cela lui était arrivé, à elle et à son père. Finalement, elle a cru que sa maladie et le cancer de sa mère étaient une punition de la nature. Une malédiction pour avoir joué avec la nature en élevant des poissons rouges. » Finalement, son père décéda lui aussi. Contrainte de gagner sa vie et, par défi au destin, elle immigra clandestinement à Hong Kong. Il existe un célèbre marché aux poissons rouges à Mong Kok, rue Tung Choi, plus communément appelée « rue aux poissons rouges ». Son système immunitaire étant affaibli, le plus grand danger pour elle était les autres. En guise de défi au destin, elle s'installa dans l'une des villes les plus densément peuplées du monde. Elle obtint un étal rue Tung Choi. C'est là son défi : défier le destin et triompher, devenir maîtresse de son propre destin. Ces images sont des vignettes de sa vie à Hong Kong. Je n'ai jamais donné de nom à ce personnage. On la voit parfois avec un ghetto-blaster, car la musique devient une compagne essentielle de sa vie principalement solitaire. Dans l'œuvre « Cacophonie », je voulais qu'elle soit littéralement entourée par la ville. D'une certaine manière, je pense avoir essayé de créer un personnage qui incarne nombre de qualités auxquelles j'aspire. Pour me les rappeler. – Eddie Colla

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Shark - Gold, œuvre originale peinte à la main, multiple sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2016​ Signé Édition limitée numérotée HPM estampillée à 7 exemplaires. Œuvre sur bois, format 9,25 x 17 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à en quelque sorte vandaliser ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Nemeta II, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Rodrigo Rod Luff. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Tirage giclée de 24 x 16 pouces. « Nemeta II » de Rodrigo Luff est une estampe giclée sur papier d'art, témoignant de son talent pour fusionner les éléments fantastiques de la culture pop avec la précision esthétique des beaux-arts. Signée et numérotée en édition limitée à 30 exemplaires, cette œuvre de 2016, au format 61 x 41 cm, incarne le style caractéristique de Luff. Son édition limitée renforce sa valeur auprès des collectionneurs et des admirateurs de son travail, qui explore souvent l'interaction onirique entre l'humain et la nature. « Nemeta II » illustre la vision artistique de Luff, qui allie l'accessibilité et la force expressive du street art aux techniques raffinées de la gravure traditionnelle.

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No Sleep Till Brooklyn - 72 Jaune Vert 4 Couleurs Mixtes Édition Tirage Sérigraphique en Édition Limitée Tiré à la Main sur Papier Beaux-Arts par Tim Oliveira Rare Street Art Artiste Pop Célèbre. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs varient d'un tirage à l'autre. 76 couleurs et variantes de sérigraphie différentes dans une seule édition. Signée et numérotée, avec date tamponnée au dos. Le nom de ce tirage a une double signification pour moi. J'ai décidé de le sortir le 5 août en hommage à la légende des Beastie Boys, MCA (Adam Yauch), à l'occasion de son anniversaire. Enfant, presque tous les jours après l'école, je prenais mon ballon de basket et filais au parc ou au club de jeunes pour quelques parties improvisées. La plupart du temps, j'écoutais les Beastie Boys sur mon walkman pendant le trajet. Ils ont toujours été une grande influence pour moi. Par ailleurs, je ne dormirai pas tant que je n'aurai pas suffisamment d'œuvres pour une exposition solo à Brooklyn. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, mais je continuerai à jongler entre ma vie de famille, un travail stable et mon art, quitte à passer de nombreuses nuits blanches… - Tim Oliveira

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Long Mover Epic - Hohokum Édition Limitée Impression Giclée sur Papier Beaux-Arts par Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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ASVP Figure No 18 Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop ASVP. Tirage en édition limitée inspiré d'un des premiers motifs de notre série SUPER MATTER. Estampé, signé et numéroté au crayon au recto. Année : 2018. Tirage : 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm. Technique : Impression jet d'encre Ultrachrome. Papier : Epson Legacy Etching, 300 g/m², 100 % coton.

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Tirages d'art en édition limitée, imprimés sur papier beaux-arts, avec des pigments d'archivage, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop, dans le cadre de l'événement « Employé du mois ». Ben Frost (né en 1975) Employé du mois, 2014 Tirage pigmentaire d'archives sur papier Fine Art 17 x 17 pouces (43,2 x 43,2 cm) (feuille) Éd. 28/65 Signé et numéroté au crayon le long du bord inférieur et publié par 1xRUN, Detroit. Analyse visuelle de la culture pop « Employee of the Month » de Ben Frost est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée qui dissèque et réassemble la trame de la culture pop dans le contexte du street art et du graffiti. Créée en 2014 et éditée par 1xRUN à Detroit, cette œuvre est une tapisserie visuellement riche, imprégnant des images iconiques de sous-entendus subversifs caractéristiques du travail de Frost. L'estampe, mesurant 43 x 43 cm, illustre avec force comment le street art et le graffiti peuvent infiltrer le monde des beaux-arts grâce à leur énergie et leurs couleurs vibrantes. Né en 1975, Frost est reconnu pour ses visuels éclatants qui intègrent souvent des éléments de dessins animés, de publicité et d'images de marques emblématiques. « Employee of the Month » ne fait pas exception, présentant un amalgame de figures issues de différents univers médiatiques populaires. Ces images ne sont pas simplement juxtaposées, mais entrelacées pour créer un récit qui fait écho aux expériences culturelles partagées par l'artiste et le spectateur. Subversion et satire dans l'art de Ben Frost L'œuvre de Frost est une satire du système de reconnaissance et de récompenses en vigueur dans le monde de l'entreprise, illustrée par le badge « Employé du mois » qui se détache sur un fond chaotique d'icônes consuméristes. L'œuvre explore les thèmes de l'identité et de la reconnaissance dans un monde saturé de marques et de messages marketing. Chaque personnage et symbole est choisi avec soin pour refléter l'absurdité, voire le vide, qui peut accompagner la quête de reconnaissance dans une société capitaliste. Signée et numérotée par Frost, chacune des 65 éditions est une pièce de collection. Sa signature authentifie l'œuvre et l'inscrit pleinement dans son récit artistique, qui invite souvent le spectateur à repenser son rapport à l'imagerie omniprésente de la société de consommation. Interaction entre l'art urbain et la qualité d'archives L'utilisation de pigments d'archivage sur papier beaux-arts affirme la permanence que Frost souhaite conférer à son sujet, par ailleurs éphémère. Si le street art est souvent transitoire, la qualité d'archivage de ces tirages garantit la pérennité de la vitalité et du message de l'œuvre. Cette dualité reflète la nature brève mais percutante du street art et du graffiti : éphémères dans leur forme, mais indélébiles dans leur impact culturel. En résumé, « Employee of the Month » de Ben Frost allie l'esthétique du street art aux pratiques artistiques conventionnelles, célébrant la culture pop à travers un regard critique et souvent irrévérencieux. Ce tirage témoigne de la capacité de Frost à créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant une critique nuancée du monde qui nous entoure. Par son travail, Frost continue de repousser les limites du street art et du graffiti, assurant ainsi à ces genres une place essentielle dans le discours artistique contemporain.

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Trippy Felix, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, par l'artiste pop moderne Ziero Muko. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Super Soup - Blue Trip, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Denial. Édition limitée à 60 exemplaires, signée et numérotée, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2022. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Action en toutes saisons - Tirages d'art en édition limitée, rehaussés à la main, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ces One-Rob Provenzano. Action en toutes saisons • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques supplémentaires à l'aérosol et à l'encre sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste CES dans une édition limitée embellie de 10 exemplaires

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Imagine Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Leslie Ditto. Artiste : Leslie Ditto Titre : Imagine Technique : Impression giclée Dimensions : 40,6 x 50,8 cm Édition : 100 exemplaires

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Estampe d'art en édition limitée Smash Archival Pigment Fine Art sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste Adam Caldwell, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 14 x 17 pouces. Smash • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste Adam Caldwell • Édition limitée à 20 exemplaires

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Où est le tuyau M30 ? Impression giclée HPM embellie à la main par OG Slick Artwork. Édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² à bords frangés. Impression embellie à la main. Artiste de rue graffiti pop. 2025 HPM signé et numéroté, embelli à la main par OG Slick. Impression giclée et peinture aérosol. Édition limitée à 25 exemplaires. Format : 30 x 30 cm. Impression giclée HPM embellie à la main. Les motifs, les coups de pinceau et les couleurs de peinture varient. Chaque HPM est unique. Vous recevrez peut-être un exemplaire différent de celui présenté sur la photo ; le choix est aléatoire. Where The Hose M30 par OG Slick : Commentaire urbain et humour graffiti dans le street art pop et l’œuvre d’art graffiti « Where The Hose M30 » est une estampe giclée rehaussée à la main par OG Slick, éditée à 25 exemplaires seulement. Chaque tirage de 76 x 76 cm est réalisé sur papier d'art 310 g/m² à grain frangé, signé et numéroté par l'artiste, et fini à la main de manière unique à l'aide de peinture aérosol et de diverses techniques de graffiti. Le sujet principal est une borne d'incendie – peinte, recouverte d'autocollants et transformée – se détachant sur un fond épuré, avec la question manuscrite « Where the hose at? » (Où est le tuyau ?) inscrite en lettres rouges espiègles. L'image fusionne un jeu de mots impertinent avec le réalisme urbain, alliant une exécution visuelle soignée et une irrévérence culturelle brute. Chaque version HPM est différente, chacune présentant sa propre variation d'éclaboussures de peinture, d'application de la bombe et de marques d'embellissement, renforçant l'individualité et la spontanéité rebelle inhérentes au Street Pop Art et au Graffiti. Symbolisme, humour et critique de rue La borne d'incendie de « Where The Hose M30 » arbore une esthétique brute, recouverte de graffitis, de tags et d'autocollants, dont la signature d'OG Slick : des caractères japonais, des gants de dessin animé et des références pop. Ces éléments lui confèrent l'aspect d'un objet public longtemps investi par les artistes urbains. Le titre ludique griffonné au-dessus évoque des significations à la fois littérales et argotiques, invitant à de multiples interprétations – entre blague de rue et commentaire culturel. Qu'on y voie un clin d'œil aux rivalités dans le monde du graffiti, au marquage territorial ou à la bravade masculine, la question elle-même est autant une provocation qu'une chute. Certaines variantes de cette édition présentent des jets d'eau jaillissants, d'autres sont rehaussées de touches de magenta vif ou de blanc pur, reflétant la nature éphémère et changeante des surfaces urbaines et de la culture graffiti. Dans « Street Pop Art & Graffiti Artwork », OG Slick utilise cette borne d'incendie non seulement comme sujet, mais aussi comme symbole de pression, de libération et d'infrastructure publique détournée par une expression personnelle. La pratique artistique et le langage visuel d'OG Slick OG Slick, figure emblématique de la culture graffiti de Los Angeles depuis les années 1980, est réputé pour son art de réinterpréter l'iconographie commerciale et municipale à travers le prisme de l'esthétique urbaine et d'un humour satirique. Son œuvre mêle une familiarité visuelle proche du dessin animé à l'influence brute du graffiti, intégrant souvent des réflexions sur la célébrité, la propriété et l'identité. Dans « Where The Hose M30 », il réinterprète le banal, transformant une simple borne d'incendie en une sculpture porteuse d'attitude, d'histoire et de sens propre à la rue. En superposant ses motifs personnels à un objet public, Slick perpétue sa tradition de toujours : métamorphoser l'ordinaire en un récit visuel audacieux. Son souci du détail, tant dans la forme que dans les jeux de mots, fait de cette œuvre un prolongement du mur de graffiti, une surface plane vibrante d'attitude, de références culturelles et de contradictions imbriquées. Valeur des variations d'édition et des artefacts urbains Comme toutes les œuvres HPM d'OG Slick, chaque exemplaire de Where The Hose M30 est unique. Si la giclée de base garantit la fidélité à la composition numérique originale, les embellissements rompent avec cette uniformité, introduisant chaos, imperfection et une énergie artisanale. Certaines impressions sont saturées de rose ou polies à la bombe blanche, tandis que d'autres sont animées par des traits directionnels et des taches d'encre noire. Ces choix confèrent à chaque collectionneur une relation unique avec l'œuvre, à l'image des différents tags de graffiti qui évoluent à travers la ville au gré des regards, des modifications et des recouvrements. OG Slick capture cette énergie dans un format fixe qui conserve une impression de mouvement. Le papier frangé ajoute un cadre tactile à l'œuvre, renforçant son statut d'œuvre d'art majeure et de subversion culturelle. Dans le domaine du Street Pop Art et du Graffiti, Where The Hose M30 s'impose comme une œuvre à la fois incisivement humoristique et techniquement aboutie, qui se réapproprie l'espace visuel public et le réinvente avec attitude, commentaire et une âme urbaine.

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Tirages d'art en édition limitée « Reclaimed Youth » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Meggs, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Reclaimed Youth » était l'une des œuvres originales de mon exposition solo « Spoiled Rotten », présentée en septembre dernier à la Inner State Gallery. L'exposition explorait les thèmes de la perte, du consumérisme, du déclin et de la renaissance. Cette œuvre fait partie d'une série en cours qui explore la dualité à travers la représentation d'un visage ou d'un personnage divisé. Les images de cette série illustrent deux facettes, comme le bien et le mal, la richesse et la pauvreté, le héros et le méchant, etc. Cette œuvre en particulier représente l'idéalisme face à la réalité. » – Meggs

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Sérigraphie en édition limitée « Rise Above Rose Geometric 4 Color Hand-Tiled » sur papier d'art Speckletone fin, par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop. Édition 2022 signée et numérotée, 30,5 cm x 61 cm, limitée à 550 exemplaires. 21 juillet 2022 « L’imprimé géométrique Rise Above Rose contient plusieurs symboles récurrents dans mon travail. La rose représente l’archétype de l’individu ou de la société qui a subi l’oppression mais qui persévère pour surmonter le conflit. Rise Above fait également référence à la chanson « Rise Above » de Black Flag, un de mes groupes punk préférés. En créant une œuvre qui encourage à surmonter l’adversité, j’espère aussi inciter à lutter contre l’injustice, même lorsque le combat est difficile. » – Shepard Fairey

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Face Invader - Resting Bitch Face Original Hand-Painted Multiple (HPM) on Wood Cradled Panel ready to hang by Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Je voulais faire quelque chose de spécial pour la série qui coïnciderait avec l'exposition. L'idée m'est venue de ne pas me contenter d'une simple estampe rehaussée à la main, mais de créer une série de pièces peintes à la main. Pas de pochoirs ni de sérigraphies : je souhaitais proposer des pièces authentiquement peintes, accessibles à tous. Malgré mon enthousiasme, il me fallait trouver comment réaliser ce projet dans un délai raisonnable. Sans oublier la difficulté de trouver 10 images que je pourrais reproduire presque à l'identique 20 fois. J'ai également eu l'idée de faire revenir certains visages apparus dans mes œuvres précédentes, des personnages que Detroit m'a inspirés. Je dois ajouter que ce projet a été l'un des plus laborieux que j'aie entrepris. Mon assistant et moi y avons consacré plus de 500 heures. Chaque panneau a été travaillé avec une minutie extrême. » - BASK

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« Not A Gun », édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier d'archivage 100 % coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MRKT AP Epreuve d'artiste. Leci N'est Pas Un Pistalet

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Cornetto Trilogy - Lithographie Hot Fuzz en édition limitée sur papier mat GF Smith Absolute Naturalis 250 g/m² par Patrick Connan, artiste de rue pop et graffiti urbain. Lithographie sur papier GF Smith Absolute Naturalis mat 250 g/m² avec encres d'archivage. Tirage limité à 20 exemplaires. Format A2 (420 mm x 594 mm / 16,5 x 23,4 pouces). Signée, numérotée et estampillée.

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Œuvre d'art Birdcage Girl, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Hsiao Ron Cheng. Hsiao Ron Cheng, un artiste exceptionnel originaire de Taipei, à Taïwan, et membre du collectif d'artistes Prisma.

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Relik Limited Edition Archival Pigment Fine Art Prints on Moab Entrada Rag Bright 290gsm Fine Art Paper par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Stephanie Buer. Édition limitée signée Relik 2020 (20 exemplaires), format 17x14

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ASVP Figure No 8 Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art par l'artiste de graffiti de la culture pop ASVP. Tirage en édition limitée inspiré d'un des premiers motifs de notre série SUPER MATTER. Estampé, signé et numéroté au crayon au recto. Année : 2018. Tirage : 100 exemplaires. Dimensions : 45,7 cm x 61 cm. Technique : Impression jet d'encre Ultrachrome. Papier : Epson Legacy Etching, 300 g/m², 100 % coton.

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Time To Totality I AP Sérigraphie d'archive par Prefab77 Épreuve d'artiste Sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art Somerset 350 g/m² Édition limitée Œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2018 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 22,05 x 29,92 Sérigraphie et impression pigmentaire d'archives Technique mixte sur papier Somerset Finition à la main. Décryptage du langage visuel de « Time To Totality I AP » par Prefab77 « Time To Totality I AP » de Prefab77 est une œuvre expressive, fruit de la fusion entre le street art, le pop art et le graffiti. Sa complexité visuelle et ses références culturelles captivent le regard. Épreuve d'artiste d'une édition limitée, cette pièce constitue une étape cruciale du processus d'impression, témoignant de la vision initiale de l'artiste et de l'intégrité de l'œuvre. Mesurant 56 x 76 cm, cette sérigraphie trois couleurs, réalisée à la main, exploite la résistance et la texture du papier beaux-arts Somerset 350 g/m², reconnu pour sa qualité supérieure et sa capacité à sublimer l'intensité des pigments. Ce tirage particulier, marqué « AP » par l'artiste, sert de référence pour toutes les impressions ultérieures. Cette appellation d'« épreuve d'artiste » suggère également un lien plus étroit avec les créateurs, car ces épreuves sont généralement conservées par les artistes eux-mêmes. Dans le cas de « Time To Totality I AP », la finition à la main témoigne d'une attention et d'une intention particulières qui dépassent le cadre de l'édition standard, faisant de cette œuvre une pièce de collection unique. L'œuvre est une fusion de techniques de sérigraphie et d'impression pigmentaire d'archives, alliant la précision de la sérigraphie à la richesse des encres pigmentaires. Ce mélange permet une gamme de textures et de finitions, de la planéité affirmée des aplats de couleurs aux subtiles variations des détails appliqués à la main. Les éléments techniques mixtes de l'estampe ajoutent une dimension tactile qui invite le spectateur à considérer la surface comme un élément essentiel du récit de l'œuvre. Réflexions sur la signification et l'impact du « Temps jusqu'à la totalité I AP » Dans « Time To Totality I AP », Prefab77 livre une œuvre visuelle puissante qui transcende la simple esthétique. Le contenu explore les thèmes de la temporalité et de la transformation, comme le suggère le titre. « Time to Totality » peut évoquer le compte à rebours d'un événement majeur, une éclipse ou un moment de rupture, à l'instar du street art qui capture souvent l'esprit d'un lieu et d'une époque. Comme une grande partie du travail de Prefab77, cette œuvre se caractérise par une fusion d'éléments graphiques puisant dans diverses sources telles que la musique, la politique et la culture populaire. La superposition complexe des images et la juxtaposition des plans créent une interaction dynamique, invitant le spectateur à la découverte et au déchiffrement des symboles et messages dissimulés dans la composition. Le choix du papier Somerset est particulièrement significatif dans le contexte du street art et du graffiti. Ce matériau haut de gamme, généralement associé à la gravure traditionnelle, est ici intégré au street art, remettant en question les notions de valeur et de classe dans le monde de l'art. La finition manuelle sur ce support souligne l'engagement du collectif envers le savoir-faire artisanal et la reconnaissance des techniques du street art comme une forme d'art à part entière. L'impact culturel de « Time To Totality I AP » est multiple. Cette œuvre crée des liens entre différentes communautés artistiques et interroge la nature éphémère du street art face à la pérennité des estampes d'art. Alors que le street art gagne en reconnaissance dans le monde de l'art contemporain, des œuvres comme celle-ci jouent un rôle crucial en faisant évoluer les mentalités et en ouvrant le dialogue sur la légitimité et l'importance du graffiti et des œuvres d'art inspirées par la rue au sein du marché de l'art. Commentaire culturel et expression artistique dans « Time To Totality I AP » « Time To Totality I AP » de Prefab77 n'est pas une simple image statique, mais un commentaire culturel, un instantané de l'esprit du temps encapsulé dans un mélange d'iconographie et de couleurs. La sérigraphie, technique souvent associée à la production de masse et à une large diffusion, est ici utilisée pour créer une œuvre profondément personnelle et éphémère. Le caractère limité de l'édition fait écho aux instants fugaces que le graffiti capture souvent sur les murs des villes, tandis que la qualité d'archivage de l'impression garantit sa pérennité. L'œuvre capture l'essence du Street Pop Art et du graffiti, où l'esprit rebelle et l'accessibilité publique du street art fusionnent avec les processus réfléchis et calculés du pop art. « Time To Totality I AP » représente un dialogue entre ces univers, révélant la beauté et la complexité qui émergent de leur convergence. Dans cette pièce, Prefab77 continue de repousser les limites du street art, élargissant son champ d'expression au-delà des environnements urbains.

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Obey Radical Peace - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier crème moucheté par Shepard Fairey. Œuvre d'art urbain rare OBEY Pop. 18 pouces sur 24 pouces. Édition de 375 exemplaires. 7 mai 2021. La version de Shepard sur la manifestation de 2021 dans la capitale, où la police a tué 5 manifestants non armés.

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Goofy Love - Sérigraphie en édition limitée rouge 5 couleurs tirée à la main sur papier Mohawk Superfine UltraWhite à bords frangés à la main par Ben Frost, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Goofy Love, 2016 - Sérigraphie artisanale 5 couleurs, variante rouge, avec dégradé bicolore. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb, bords frangés. 51 x 61 cm. Édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés par Ben Frost. Imprimée par POP!NK Editions. Goofy Love - Version rouge par Ben Frost : Une icône audacieuse du street art et du graffiti. « Goofy Love - Red Variant » est une œuvre saisissante de street art et de graffiti, créée par l'artiste australien Ben Frost, reconnu internationalement pour son mélange provocateur d'imagerie pop et de critique de la société de consommation. Sortie en 2016, cette œuvre rare est une sérigraphie artisanale en cinq couleurs, réalisée selon la technique du dégradé bicolore, qui confère une profondeur et une richesse exceptionnelles à la composition. Imprimée sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160 lb aux bords frangés à la main, elle mesure 51 x 61 cm (20 x 24 pouces). Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté par Ben Frost, elle a été produite par la célèbre maison d'édition POPINK Editions. Mettant en scène le personnage Disney adoré de Dingo, Frost subvertit l'innocence traditionnelle en représentant des mains ensanglantées formant le mot « LOVE », offrant ainsi un commentaire percutant sur la dualité de l'affection et de la violence. La méthode artistique et la puissance derrière Goofy Love - Variante rouge L'utilisation par Ben Frost d'un procédé de sérigraphie cinq couleurs confère à « Goofy Love - Red Variant » une intensité saisissante et dynamique. La technique du dégradé bicolore crée un effet de dégradé hypnotique, renforçant la sensation de mouvement et le tumulte émotionnel qui se dégagent de l'image. En employant le papier Mohawk Superfine UltraWhite aux bords frangés, Frost assure que la qualité tactile de l'œuvre soit à la hauteur de son impact visuel, soulignant ainsi son authenticité artisanale. Dingo, généralement perçu comme un symbole d'innocence maladroite, devient, sous l'interprétation de Frost, le vecteur d'un commentaire plus sombre. Ses yeux grands ouverts, presque paniqués, et ses mains ensanglantées invitent le spectateur à une réflexion sur la violence cachée derrière les notions d'amour et de dévotion. Cette œuvre remet en question les représentations consuméristes de l'amour et révèle les réalités complexes, souvent violentes, qui peuvent se dissimuler sous des émotions superficielles, un thème central du Street Pop Art et du graffiti. L'approche révolutionnaire de Ben Frost en matière d'art urbain pop et de graffiti Né en Australie, Ben Frost s'est taillé une place unique dans le monde du street art et du graffiti en mêlant avec constance le familier et le provocateur. Son travail consiste souvent à s'approprier et à recontextualiser des logos d'entreprises, des personnages de dessins animés et des emballages pharmaceutiques pour critiquer le consumérisme moderne et les normes sociales. Dans « Goofy Love - Red Variant », Frost transforme avec brio une figure universellement appréciée en un symbole de vérités humaines troublantes. Sa capacité à juxtaposer le ludique et la violence illustre le potentiel subversif du street art et du graffiti, un style qui se nourrit de la remise en question des récits établis et de la provocation de réactions émotionnelles brutes chez les spectateurs. La maîtrise des techniques de sérigraphie de Frost, associée à ses choix thématiques audacieux, confirme sa réputation de figure majeure de la scène contemporaine. La valeur de collection et l'impact culturel de Goofy Love - Variante rouge La rareté et la qualité de l'impression de « Goofy Love - Red Variant » en font une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Ben Frost, cette œuvre capture un moment où l'imagerie pop traditionnelle se métamorphose en une critique percutante des émotions contemporaines. Le choix du papier Mohawk Superfine UltraWhite et les bords frangés à la main, réalisés avec minutie, élèvent cette pièce au-delà de la simple estampe, l'élevant au rang d'œuvre d'art. Imprimée par POPINK Editions, studio réputé pour ses sérigraphies de haute qualité réalisées pour des artistes de renom, cette œuvre représente une contribution majeure à l'évolution du street art et du graffiti. « Goofy Love - Red Variant » invite le spectateur à se confronter aux contradictions de l'amour, de la violence et de la marchandisation, d'une manière dont seul un maître de la subversion culturelle comme Ben Frost pouvait parvenir.

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Burn Your Wonder Bra - Tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée OG sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Burn Your Wonder Bra - OG, Wonder Woman nue, style pop art DC Comics. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition 2021 limitée à 100 exemplaires, 61 x 61 cm, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Brûlez votre Wonder Bra par le déni : une déclaration dans le Street Pop Art « Burn Your Wonder Bra », créée en 2021 par Denial, artiste légendaire de la pop culture et du street art, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, audacieuse et provocatrice. Tirée à 100 exemplaires, cette édition est méticuleusement réalisée sur papier d'art MOAB 290 g/m², au format 61 x 61 cm (24 x 24 pouces), et numérotée et signée par l'artiste, avec un tampon au verso. Reconnu pour sa fusion de visuels inspirés de la bande dessinée et de thèmes engagés, le travail de Denial remet en question les normes culturelles tout en embrassant l'esthétique du street art et du graffiti. « Burn Your Wonder Bra » est une représentation audacieuse de l'émancipation, de la rébellion et de la liberté d'expression. Wonder Woman réinventée : Pop Art et commentaire culturel L'œuvre « Burn Your Wonder Bra » de Denial propose une réinterprétation de Wonder Woman, l'un des symboles les plus emblématiques de DC Comics et de la culture populaire. Elle allie nostalgie et provocation, présentant l'héroïne dans une pose audacieuse et libérée. Utilisant des rouges, des bleus et des motifs en demi-teintes noires vibrants, évoquant les bandes dessinées des années 1960, Denial canalise avec brio l'esthétique des pionniers du pop art tout en l'infusant de l'énergie brute du graffiti. Le texte en gras en haut, « Burn Your Wonder Bra », est un clin d'œil satirique au mouvement féministe de la fin des années 1960 et 1970, période durant laquelle les femmes rejetaient symboliquement les normes sociales restrictives. En réinterprétant Wonder Woman nue et sans filtre, Denial brise les représentations conventionnelles des héroïnes, incitant à des réflexions sur l'autonomie, les attentes liées au genre et l'émancipation. Cette combinaison de critique sociale et d'iconographie pop témoigne du talent de Denial pour fusionner des messages forts avec des compositions visuellement saisissantes. Le déni : une voix majeure du street art pop et du graffiti L'artiste canadien Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est une figure internationale de l'art contemporain, reconnu pour ses œuvres percutantes et sans concession. Ses créations abordent souvent les thèmes de la société de consommation, du genre, de la politique et de la culture populaire avec un humour incisif et une dimension rebelle. Le travail de Denial fusionne les techniques du graffiti et du street art avec la rigueur des beaux-arts, ce qui lui vaut l'admiration des collectionneurs et des amateurs. « Burn Your Wonder Bra » reflète la voix artistique unique de Denial, où la nostalgie des bandes dessinées se mêle à des thèmes subversifs modernes. Par son utilisation audacieuse de la couleur, du trait et d'un texte soigneusement choisi, Denial invite les spectateurs à questionner les normes sociales tout en célébrant l'individualité et la liberté artistique. Une pièce de collection en édition limitée à l'impact durable « Burn Your Wonder Bra » fait partie d'une édition limitée très recherchée de 100 tirages pigmentaires d'archives, témoignant de l'engagement de Denial envers la qualité et le savoir-faire. Imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², la richesse de sa texture et l'éclat de ses couleurs la distinguent des reproductions pop art traditionnelles. Chaque exemplaire est signé, numéroté et estampillé au verso, ce qui renforce son authenticité et sa valeur en tant qu'œuvre de collection. Cette pièce est un exemple remarquable de street art et de graffiti contemporains, trouvant un écho auprès d'un public sensible à un art qui défie les normes tout en conservant une identité visuelle forte. « Burn Your Wonder Bra » capture la convergence de l'art, de la culture et de la rébellion, confirmant le statut de Denial comme figure majeure du street art contemporain. Elle demeure un puissant message de libération et d'expression, incarnant l'énergie dynamique qui caractérise l'œuvre de Denial.

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Je choisis de guérir les liens rompus Sangre Indigena (Sang indigène) Édition limitée Sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2017, format 18x24.

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Endless Power Petrol Palace - Sérigraphie en édition limitée, 4 couleurs, tirée à la main, sur papier crème moucheté, par Shepard Fairey, artiste rare de street art OBEY Pop Artwork. Endless Power Petrol Palace (Bleu) 45,7 x 61 cm Édition limitée à 350 exemplaires 13 juin 2019 « L’affiche “Palais du pétrole au pouvoir infini” célèbre et critique à la fois la propagande graphique séduisante utilisée par l’industrie pétrolière. J’ai conçu cette affiche pour qu’elle évoque une publicité vintage célébrant l’abondance de l’Amérique et l’avenir radieux du rêve américain. Bien que le pétrole soit une ressource limitée, notre dépendance à son égard est si extrême que le pouvoir exercé par ceux qui le contrôlent est pratiquement illimité. » – Shepard Fairey

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Psychedelic Andre - Classic Red Obey Giant Blotter Paper Limited Edition Archival Pigment Print Art on Perfored Blotter Paper by Shepard Fairey X John Van Hamersveld pop culture LSD artwork. « J'ai créé cette image pour la première fois en 1967, puis l'affiche est sortie en 1968. Un jour, je me suis assis et j'ai commencé ce dessin, dans mon style habituel. J'étais directeur artistique chez Capitol Records et je ne dessinais plus beaucoup. C'était une toute nouvelle étape pour moi. Mais c'était l'occasion de tester mon dessin, de le transposer sur une affiche et de la faire publier. Le résultat a été excellent. Le concert a été un succès retentissant. Il y avait des publicités partout et le public adorait l'affiche. Elle est tout de suite entrée dans l'histoire, un peu comme l'affiche de The Endless Summer. » - John Van Hamersveld « Je suis devenu fan d'Hendrix après avoir quitté ma période punk rock orthodoxe. J'ai fini par être attiré par l'image de John car elle comportait un clin d'œil au psychédélisme, sans tomber dans l'excès de détails baroques, ce qui lui a permis de devenir iconique. Cette image d'Hendrix elle-même — ainsi que quelques autres influences, comme Barbara Kruger et le constructivisme russe — a eu une influence considérable sur ma façon de créer des œuvres capables de se démarquer dans le brouhaha de la rue tout en conservant un style reconnaissable. Lorsque je réalisais des variations d'André sur différents fonds, je m'intéressais beaucoup à l'art psychédélique, mais l'œuvre de John m'a vraiment inspiré à créer quelque chose qui s'écarte de la simple reproduction de l'image originale d'André. Ainsi, le Pinnacle Hendrix de John a en quelque sorte été la porte d'entrée vers l'évolution de tout mon projet André le Géant. Je ne saurais trop insister sur l'importance de cette image pour moi. » - Shepard Fairey

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Papier buvard Mental Milkshake, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Jayson Atienza, œuvre d'art LSD inspirée de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Papier buvard Acid B & V, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Glenn Barr, œuvre d'art LSD de la culture pop. Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, qui s'inspire de l'art de Détroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, d'art régional, d'art outsider, d'art underground ou, selon l'expression qu'il emploie, de « B Cultural-isme ».

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Light Cult Crypto Club - Bulb Tricycle, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Ron English - POPaganda. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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27 Club - Hendrix 4 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier beaux-arts par DKNG, artiste pop art célèbre et rare. Édition 2012 signée et numérotée, limitée à 200 exemplaires. La galerie Blunt Graffix, en Oregon, nous a invités à participer à leur exposition collective « Dead Rockstars : A Tribute to the Mortal Gods of Sound ». Nous avons choisi d'explorer le concept du « Club des 27 », un phénomène qui désigne les musiciens célèbres décédés à l'âge de 27 ans. Chaque estampe est une mini-sérigraphie quatre couleurs de 11,7 cm x 13,7 cm, tirée à 200 exemplaires.

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