Planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs PP Printers Proof Art Deck par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression d'archives sur planche de skateboard en bois par un artiste de street art et de graffiti. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard avec le célèbre logo Louis Vuitton et des éléments de pilule stylisés. La planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs PP Printers Proof est une pièce iconique qui reflète l'interaction dynamique entre le luxe et l'esprit audacieux du street art. Ce chef-d'œuvre, conçu et réalisé par Denial, pseudonyme artistique du visionnaire canadien Daniel Bombardier, propose une exploration profonde du paysage sociétal contemporain, s'imposant comme un sujet de discussion majeur au sein des communautés pop art et street art. Cette création de 2018 se distingue non seulement par son originalité artistique, mais aussi par son exclusivité : elle fait partie d'une édition limitée à seulement 50 exemplaires, portant le label « PP Printers Proof ». Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre finale, témoignant du processus créatif de l'artiste et garantissant une qualité optimale. Chaque pièce de cette collection est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé par Denial, attestant de son authenticité et de sa valeur. Avec ses dimensions de 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : elle incarne l'énergie brute et sans concession de la culture urbaine. L'œuvre met principalement en scène le logo Louis Vuitton, mondialement reconnu, mais l'interprétation de Denial y apporte une touche d'originalité. Le logo iconique s'entremêle à des éléments stylisés de pilules, offrant une critique de l'obsession de la société pour le luxe et des extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre une opulence éphémère. La pilule, symbole d'un soulagement passager, suggère peut-être la nature éphémère du luxe matérialiste. À la croisée de la mode, de l'art et du commentaire social, la planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs de Denial est bien plus qu'un simple spectacle visuel. Elle invite à questionner, à réfléchir et à dialoguer sur les valeurs et les obsessions du monde moderne.

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Sculpture d'art en vinyle en édition limitée Mr Dob B, œuvre d'art de collection de l'artiste de la culture pop japonaise Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Édition limitée 2017 à 800 exemplaires Complexcon x BAITx Takashi Murakami 9x12x8 Parfait état, comme neuf, exposé avec sa boîte. Sculpture en vinyle de M. Dob B par Takashi Murakami : Chaos multicolore dans l’art pop urbain et le graffiti « Mr. Dob B » est une sculpture en vinyle en édition limitée de 2017, créée par l'artiste japonais Takashi Murakami en collaboration avec BAIT et éditée à 800 exemplaires lors de la ComplexCon. Mesurant environ 23 x 30 x 20 cm, cette pièce met en scène Mr. Dob, personnage emblématique de Murakami, une création hybride mêlant oreilles de souris, expression psychédélique et exubérante, et couleurs vibrantes. Présentée dans un coffret collector entièrement illustré, cette sculpture témoigne du talent de Murakami pour transposer le chaos visuel bidimensionnel en une forme tridimensionnelle tactile. L'œuvre incarne la convergence de l'esthétique superflat japonaise, de la culture otaku et de la sculpture d'art, s'inscrivant pleinement dans le langage et l'impact du street art et du graffiti. Évolution du design, des dimensions et des personnages Mr. Dob B est l'une des manifestations physiques les plus saisissantes de l'univers de Murakami. Sa mâchoire ouverte révèle un tourbillon interne de dents, de langues, d'arcs-en-ciel et de pointes. Ses yeux tourbillonnants, ses traits exagérés et ses membres tentaculaires transforment la figurine en un spectacle visuel qui défie les codes traditionnels du design de personnages. Réalisée en vinyle brillant à la finition acidulée, la sculpture impose sa présence et reflète la lumière comme une idole futuriste. Le mélange subtil de références pop, d'éléments de l'animation japonaise et de couleurs publicitaires propre à Murakami donne naissance à une forme à la fois festive et provocante. Cette version de Mr. Dob est une distillation physique de la surcharge visuelle souvent présente dans les peintures et les fresques de Murakami. C'est une figure à la fois familière et terrifiante, comique et agressive, qui fait référence à la culture kawaii tout en la subvertissant. L'influence de Takashi Murakami sur la sculpture de collection pop Takashi Murakami, né au Japon en 1962, est reconnu comme une figure majeure de l'art contemporain imprégné de pop culture. Son œuvre brouille les frontières entre culture savante et consumérisme, intégrant l'anime, la mode et le graffiti dans des expositions muséales et des collaborations commerciales. Mr. Dob, apparu au milieu des années 1990, est devenu l'un des motifs les plus emblématiques de Murakami : à la fois mascotte, avatar et critique du marketing. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, les sculptures en vinyle de Murakami font office d'icônes de la subversion de la société de consommation. Conçues pour être collectionnées, exposées et célébrées, elles recèlent les codes du marketing, de l'histoire de l'art et de la culture numérique. Avec la sortie de Mr. Dob B à ComplexCon – un événement commercial réputé pour son croisement entre streetwear, art et buzz –, Murakami a encore renforcé l'image de sa sculpture comme emblème du remix culturel et de l'accessibilité de l'art contemporain. Vinyle en édition limitée, véritable capsule temporelle de la culture pop L'édition 2017 de Mr. Dob B est présentée dans un coffret grand format entièrement imprimé, reflétant l'esthétique chaotique de la figurine. Chaque sculpture bénéficie d'une finition d'usine impeccable, avec une peinture soignée et des formes harmonieuses, évoquant le raffinement commercial des figurines de collection. Contrairement aux objets de collection grand public, cette figurine fait partie d'une édition limitée, gage d'exclusivité et d'intégrité artistique. La présence de Murakami à ComplexCon a marqué un tournant : l'art contemporain n'a pas seulement intégré le phénomène de mode, mais en est devenu un élément central. Dans le domaine du street art et du graffiti, cette édition se dresse comme une capsule temporelle de la culture visuelle : ludique, précise et pleinement consciente de son impact. Mr. Dob B n'est pas qu'une simple sculpture ; c'est une réflexion sur la saturation, le spectacle et l'évolution de la définition de l'art dans un monde saturé de médias.

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Figurine de collection Fauna Janky SuperPlastic x Julie West, édition limitée, en vinyle, illustration street art. La Fauna SuperJanky de l'artiste américaine Julie West est la déesse impitoyable de la forêt hantée. Cette monarque démoniaque est prête à déchaîner sa légion de serpents sur tout royaume qui la menace. Ornée d'une typographie royale gothique, de bois à l'esthétique acérée et d'un regard qui glace le sang de tout mortel. 20 cm de haut, en vinyle souple. Édition limitée à 666 exemplaires.

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L'œuvre d'art « The Supersized States of America », une impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Ron English - POPaganda. Tirage giclée 30 x 30 cm illustrant l'hypocrisie manifeste sur un faux billet de 100 dollars. Édition limitée à 30 exemplaires signés et numérotés. Créé pour l'émission spéciale de Noël 2013 « Les 12 jours de la popagande de Ron ».

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Figurine de collection Pride Fashion EDC SuperGuggi en édition limitée, œuvre d'art en vinyle réalisée par l'artiste de graffiti urbain Guggimon. PRIDE a été créé lors de l'after-after party historique de Guggi, alors que l'ambiance était survoltée et que les électrolytes commençaient à manquer.

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Castle- PP Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée, œuvre d'art Mario sur papier beaux-arts par l'artiste de culture pop moderne Scott Listfield . Épreuve d'imprimerie PP 2014 signée , tirage pigmentaire d'archive 11x14 représentant un astronaute contemplant un château européen, debout sur un tuyau de Mario (jeu vidéo). Dans l'univers dynamique du pop art moderne, on observe une intersection fascinante entre les éléments de la culture populaire et les techniques artistiques contemporaines. L'estampe « Castle - PP Archival Pigment Print », créée par le célèbre artiste de la pop culture Scott Listfield, illustre parfaitement cette fusion. Réalisée en 2014, cette œuvre en édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité supérieure, témoigne de la vision et de la créativité uniques de Listfield. Puisant dans le vocabulaire visuel des jeux vidéo et de l'architecture historique, l'estampe met en scène un astronaute, symbole de la soif d'exploration de l'humanité, contemplant un château européen. Mais ce qui rend l'image encore plus captivante, c'est la position de l'astronaute : perché sur un tuyau de Mario, clin d'œil à l'un des jeux vidéo les plus emblématiques de tous les temps. Le choix du pigment d'archivage comme médium est particulièrement remarquable. Il garantit la longévité de l'œuvre et restitue les nuances des détails minutieux de Listfield. Ces estampes sont bien plus que de simples œuvres d'art ; Ce sont des témoignages historiques qui perpétuent l'esprit de la culture populaire de leur époque. La signature de l'artiste et la mention « PP Printers Proof » authentifient l'estampe et lui confèrent une valeur inestimable parmi les objets de collection. En juxtaposant la grandeur ancestrale d'un château européen à la figure d'un astronaute contemporain et à un élément de jeu vidéo, Listfield établit un pont entre les époques, remettant en question nos perceptions et suscitant une réflexion profonde sur le temps, la culture et la continuité de l'histoire humaine, au sein du vaste champ de l'art pop, du street art et du graffiti.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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R@brick Karimoku Rabbrick Woven 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare Fabricant de meubles japonais Sculpture Bearbrick d'art fin. Œuvre d'art en bois estampé, édition limitée extrêmement rare de 2020, présentée dans sa boîte en parfait état. Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom. Nom du produit : R@BBRICK Karimoku WOVEN 400% Fabricant : Medicom Toy Caractéristiques : Figurine en bois peinte et articulée Hauteur (environ) : 320 mm | 12,6" La gamme de figurines R@BBRICK de Medicom Toy poursuit sa série unique de créations en bois avec cette figurine Karimoku WOVEN ! Haute de 320 mm, cette figurine 400% utilise un assemblage original pour créer un motif en losange, grâce à l'utilisation de bois clair et foncé, mettant en valeur le savoir-faire traditionnel japonais en matière d'ébénisterie. R@BBRICK Karimoku Woven 400% Fruit de la dernière collaboration entre Medicom et le fabricant de meubles japonais Karimoku, cette figurine est entièrement réalisée à la main en bois. Chaque Bearbrick tissé nécessite quatre mois de travail par des artisans au Japon et bénéficie d'une finition unique. Les logos de Medicom et de Karimoku sont gravés au laser sur la figurine. Hauteur : 28 cm.

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War By Numbers VSE- OG Colorway Variable Stencil Edition Œuvre acrylique sur papier d'art finement découpé à la main par les artistes de rue Shepard Fairey x Ernesto Yerena Montejano x Hecho Con Ganas x Obey. 2022 War By Numbers VSE - Coloris OG 20x26,5 pouces. Édition ultra rare signée et numérotée (14 exemplaires). Édition à pochoir variable (VSE) sur papier. Signée par Shepard Fairey, cachet de l'éditeur Hecho Con Ganas en bas à gauche. « Créée pendant la guerre d'Irak, cette œuvre n'en demeure pas moins une œuvre essentielle, car la quête de la paix exige une vigilance constante, et l'invasion actuelle de l'Ukraine nous rappelle la brutalité de la guerre. L'image « La Guerre par numéros » est un message sur la nécessité de ne pas se laisser désensibiliser par la guerre au point de la banaliser comme une peinture à numéros. L'« Éléphant de la paix » est un appel à notre sens du karma et à notre harmonie avec le monde qui nous entoure. » – Shepard Fairey « War By Numbers VSE - OG Colorway » est une œuvre emblématique, fruit de la collaboration brillante entre Shepard Fairey, Ernesto Yerena Montejano, Hecho Con Ganas et Obey. Imprimée sur un papier d'art finement frangé à la main avec une minutie extrême, cette œuvre de 50,8 x 67,3 cm (20 x 26,5 pouces) témoigne non seulement du talent de ses créateurs, mais explore également en profondeur le tissu social et politique des enjeux mondiaux contemporains. Datée de 2022, cette pièce se distingue comme une édition extrêmement rare de la technique du pochoir variable (VSE) sur papier, limitée à 14 exemplaires, chacun signé et numéroté avec soin. La présence du sceau de l'éditeur Hecho Con Ganas dans le coin inférieur gauche renforce son authenticité et sa valeur intrinsèque. Si l'œuvre elle-même est une merveille de jeu de couleurs et de conception, son message sous-jacent est à la fois intemporel et urgent. Les propres mots de Shepard Fairey éclairent la motivation derrière la création de cette œuvre, soulignant qu'elle a vu le jour pendant la guerre d'Irak. Pourtant, sa portée dépasse largement ce conflit. L'œuvre se dresse comme un rappel poignant du coût de la guerre, notamment dans le contexte tragique de la récente invasion de l'Ukraine. Fairey attire avec justesse l'attention sur les dangers de l'accoutumance face aux horreurs des conflits, suggérant que la société ne doit jamais laisser la dévastation de la guerre devenir aussi banale qu'une image à colorier. Ce sentiment est renforcé par l'inclusion de l'« Éléphant de la Paix », symbole de l'aspiration universelle à l'harmonie et appel à la conscience collective de l'humanité. Dans le vaste univers du pop art, du street art et du graffiti, « War By Numbers » témoigne de la capacité de l'art à transcender la simple esthétique, incitant les spectateurs à se confronter aux problèmes les plus urgents du monde et à s'y engager.

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Astro Boy Rouge Original 1ère Édition Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection par un artiste pop street. Édition limitée 2012 à 500 exemplaires. Œuvre d'art de 6,5 x 15 pouces, neuve en boîte. Pied imprimé représentant Astro Boy avec son compagnon/ami tenant la tête, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Exploration de l'œuvre Astro Boy de KAWS dans l'univers du pop art urbain L'influence des icônes de la culture pop sur l'art contemporain est devenue indéniable au XXIe siècle, notamment dans les domaines du street art et du graffiti. Rares sont les artistes qui ont su traduire cette influence en œuvres tangibles avec autant de brio que Brian Donnelly, alias KAWS. Parmi ses créations les plus célèbres, la figurine Astro Boy rouge originale de première édition témoigne de la fusion harmonieuse entre nostalgie de l'enfance et maîtrise artistique. Né à Jersey City, dans le New Jersey, KAWS s'est imposé en fusionnant les éléments du graffiti avec une sensibilité artistique raffinée. Son œuvre se caractérise par des couleurs vives, des lignes graphiques et l'utilisation récurrente de personnages aux yeux barrés, une signature visuelle qui imprègne tout son travail. Il a débuté comme graffeur, perfectionnant sa technique et son iconographie dans la rue avant d'investir les ateliers et les galeries, où il a depuis lors connu un succès fulgurant. KAWS tisse des liens entre le vécu personnel et les thèmes universels, puisant dans l'inconscient collectif grâce à des figures à la fois familières et métamorphosées. Astro Boy Red Original de KAWS : Un phénomène de street pop En 2012, KAWS a sorti Astro Boy Red Original 1st Edition, une édition qui capture l'essence du street art et rend hommage à la figure emblématique d'Astro Boy, personnage culte de l'animation japonaise. Cette édition limitée à 50 exemplaires illustre le talent de KAWS pour réinventer les icônes de la pop culture, préservant leur attrait originel tout en les projetant sous un jour nouveau, provocateur, introspectif et contemporain. La sculpture en vinyle mesure 16,5 x 38 cm, une taille à la fois accessible aux collectionneurs et suffisamment imposante pour marquer les esprits. Vêtue d'un noir et d'un rouge saisissants, la figurine captive le regard par sa simplicité et la juxtaposition d'un rouge vif et inflexible sur un teint naturel. La signature de KAWS – les yeux croisés et les mains gantées – transforme le personnage initialement optimiste d'Astro Boy en un commentaire poignant sur les complexités du monde moderne. Œuvre d'art de collection de KAWS : Plus qu'un jouet Le dialogue artistique qu'elle suscite fait de la figurine Astro Boy Red Original bien plus qu'un simple objet de collection. Les mains soutenant sa tête, la figurine dégage une impression d'introspection et de mélancolie, rompant avec l'image habituelle d'Astro Boy, symbole d'espoir et d'énergie juvénile. Cette dualité illustre parfaitement l'essence du street art, où l'humour et la fantaisie côtoient la gravité des réflexions sur le monde réel. Chaque pièce est neuve et présentée dans sa boîte, avec des pieds imprimés qui prolongent le récit de l'œuvre. Ce souci du détail garantit au collectionneur, dès le déballage, une expérience artistique minutieusement élaborée par KAWS. Posséder une telle pièce n'est pas un simple acte d'acquisition, mais une invitation à réfléchir à la pertinence et à la résonance des icônes pop dans la société contemporaine. L'Astro Boy Red Original 1ère édition marque une étape importante dans l'exploration des émotions humaines par KAWS à travers le prisme des personnages animés. Elle réaffirme sa capacité à distiller des thèmes complexes en formes immédiatement reconnaissables. Alors que le monde de l'art continue de reconnaître et d'intégrer le pop art urbain et le graffiti, KAWS demeure une figure emblématique grâce à son esthétique audacieuse et à sa critique culturelle incisive, dissimulée sous des formes d'apparence ludique. L'œuvre de Brian Donnelly, notamment des pièces comme Astro Boy Red Original, nous rappelle le pouvoir transformateur de l'art. Bien qu'elles puisent leurs sources dans des références familières, ces œuvres suscitent de nouvelles interprétations et émotions, nous incitant à questionner notre rapport aux icônes de notre enfance et de notre société. À travers cette œuvre et d'autres, KAWS continue d'influencer le débat autour du pop art urbain, affirmant sa place parmi les mouvements artistiques majeurs. L'héritage de ses créations, caractérisé par leur profondeur émotionnelle et leur impact visuel, confirme son rôle central dans l'évolution de l'art inspiré par la rue. Astro Boy Red par KAWS : Hommage à l'anime et effondrement émotionnel dans l'art urbain pop et graffiti Astro Boy Red est une sculpture en vinyle en édition limitée, créée en 2012 par Brian Donnelly, alias KAWS. Mesurant 16,5 x 38 cm et produite à 500 exemplaires, cette figurine fusionne l'emblématique personnage japonais Astro Boy avec le motif Companion, devenu la signature de KAWS. La sculpture représente Astro Boy dans un moment de vulnérabilité, les mains cachant son visage en signe de désespoir, avec les yeux barrés et les mains gantées caractéristiques du motif Companion. Vêtu de ses bottes rouges et de son slip noir, la figurine conserve la silhouette originale d'Osamu Tezuka tout en la transformant en un symbole contemporain mélancolique. Cet hybride est au cœur du langage narratif du Street Pop Art et du graffiti, où des personnages mythiques sont réinventés en êtres complexes sur le plan émotionnel, porteurs d'une résonance moderne. L'héritage de l'anime rencontre l'intervention sculpturale Astro Boy, la création légendaire du pionnier du manga Osamu Tezuka, est un personnage emblématique qui symbolise l'espoir, le progrès et l'idéalisme humains. KAWS réinterprète ce symbolisme en insufflant à la sculpture les traits caractéristiques et la profondeur émotionnelle de la série Companion. Il en résulte une icône qui pleure sa propre légende. La pose d'Astro Boy – la tête entre les mains – est inhabituelle pour le héros robot joyeux, mais elle résonne profondément avec la tristesse introspective qui imprègne toute la série KAWS Companion. La sculpture interroge les notions de célébrité, de pression et d'identité, transformant un héros d'enfance en une figure de détresse silencieuse. Dans l'univers du street art et du graffiti, de telles réinterprétations brisent la carapace narrative de personnages cultes pour révéler leur psyché. Matériaux, construction et format de collection Façonnée en vinyle lisse et brillant, la sculpture est présentée dans un coffret collector rouge orné d'un dessin au trait blanc représentant la figurine et d'une étiquette. Ses surfaces moulées avec précision et sa peinture impeccable témoignent de la collaboration constante de KAWS avec les professionnels de la fabrication de jouets, élevant ainsi cette pièce de collection au rang d'œuvre d'art. Le socle de la sculpture porte des inscriptions de l'artiste, confirmant son appartenance à la collection grandissante de sculptures en vinyle rares de KAWS. Chaque aspect du design, de l'échelle à l'emballage, renforce la double identité de la sculpture, à la fois jouet et objet d'art, l'inscrivant dans l'esprit tactile et accessible du Street Pop Art et du Graffiti, tout en soulignant l'exclusivité des objets de collection d'art. L'héritage du remix de Brian Donnelly dans la sculpture moderne Brian Donnelly, né aux États-Unis en 1974, est passé de la culture graffiti et des collaborations dans le monde de la mode à une figure emblématique du pop art et de la sculpture sur vinyle. Son personnage, Astro Boy Red, a été décliné sous de nombreuses formes sculpturales et numériques, exprimant souvent l'aliénation, la lassitude et le deuil. Avec Astro Boy Red, Donnelly applique ce même vocabulaire émotionnel à un personnage préexistant, l'enrichissant d'une réflexion culturelle sur la nostalgie, le fandom et la performance. La figure reflète le poids de l'héritage et de la visibilité dans un monde saturé de médias, où même les identités héroïques flanchent sous la pression existentielle. S'inscrivant dans le canon du Street Pop Art et du graffiti, Astro Boy Red est une étude de réinterprétation : il s'empare du mythe de l'innocence technologique et le transforme en une posture de souffrance humaine. C'est un objet de contrastes : héroïque et vaincu, iconique et fracturé, parfaitement modelé et pourtant émotionnellement vulnérable.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Royal Selangor - Steampunk 400% Bearbrick BE@RBRICK Édition Limitée Jouet d'Art en Métal Étain Figurines d'Art Urbaines de Collection Le BE@RBRICK ROYAL SELANGOR Édition Spéciale 400% Steampunk se distingue par son placage métallique riveté en trompe-l'œil, évoquant le grondement guttural d'une chaudière à charbon, le sifflement de la vapeur et tout le romantisme de l'ingénierie du XIXe siècle. Moulé en étain et doté d'une finition bronze traitée au graphite pour simuler le fer patiné, il révèle, par endroits, les mécanismes internes en étain, composés de jauges et de conduits, grâce à des panneaux manquants. Ce BE@RBRICK de MEDICOM TOY, un ours anthropomorphe aux allures de dessin animé, a fait ses débuts à Tokyo en 2001. Depuis, ce jouet design a acquis un statut culte international, notamment grâce à ses déclinaisons en divers matériaux, tailles et thèmes, ainsi qu'à ses collaborations avec de nombreuses figures emblématiques de l'art, du design et de la mode. https://youtu.be/fkBpxS3Twrw

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Dessin original et visionnaire de style pop art moderne, réalisé à la feuille d'or et au crayon graphite sur bois encadré par l'artiste Craww. Dessin au crayon, technique mixte, à la feuille d'or, signé en 2014, sur bois encadré, 12 x 16 pouces

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Gromit 100% & 400% Wallace et Gromit BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection Art. 2021. Tirée de la célèbre série britannique d'animation en pâte à modeler Wallace et Gromit, voici Gromit, le chien anthropomorphe silencieux, fidèle et intelligent : une figurine Bearbrick de Medicom Toy. Disponible en deux tailles : 7 cm et 28 cm.

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Achat TITRE Multiple peint à la main original (HPM) sur panneau en bois bercé prêt à accrocher par ARTISTE graffiti street artiste pop art moderne. INFO

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Figurine de collection Star Wars Boba Fett Companion Ultra Rare Authentique Édition Limitée 2013 Peinte en Vinyle, Sculpture Artistique par l'Artiste Kaws - Brian Donnelly x OriginalFake. Édition limitée 2013 à 500 exemplaires : Chum Companion, vinyle peint, format 10,5 x 5 x 3,5 pouces, impression sur le pied. Présenté avec sa boîte d'origine. Exemplaire exceptionnel, boîte en parfait état. Timbre impeccable. Photos de l'exemplaire réel. Authentifié par sceau et numéro de série unique. Boba Fett Companion de KAWS : une icône culturelle du pop art urbain La figurine Boba Fett Companion de KAWS, pseudonyme de l'artiste Brian Donnelly, est une pièce rare et authentique qui fusionne avec brio culture pop et art contemporain. Sortie en 2013 à 500 exemplaires, cette figurine en vinyle peint est une œuvre d'art de collection remarquable. Cette sculpture de 26,7 x 12,7 x 8,9 cm représente le personnage emblématique de Star Wars dans le style distinctif de KAWS. Elle séduira les fans de la saga de science-fiction légendaire ainsi que les amateurs de street art et de graffiti. Détaillant l'authenticité de l'œuvre de KAWS La figurine Boba Fett Companion témoigne d'un souci du détail et d'un savoir-faire exceptionnels, distinguant les pièces authentiques des contrefaçons. Chaque figurine est authentifiée par des sceaux et un numéro de série unique, et arbore un hologramme officiel apposé sur la boîte – une caractéristique absente des versions contrefaites. La couleur de l'emballage intérieur en plastique, qui a conservé toute sa beauté malgré le temps, et l'état impeccable de la boîte attestent également de son authenticité. Le motif est estampillé sur le pied, et les photos de l'exemplaire présenté illustrent la méticulosité dont KAWS fait preuve dans son travail. De l'art urbain aux objets de collection emblématiques Le parcours artistique de KAWS a débuté par son intérêt pour l'art urbain et le graffiti dans le New Jersey, intérêt qui a pris une dimension nouvelle lors de son arrivée à New York dans les années 1990. Connu pour ses détournements d'images publicitaires aux arrêts de bus et dans les cabines téléphoniques, KAWS a insufflé sa vision unique à l'espace public, y imprimant sa signature désormais célèbre. Le Boba Fett Companion est l'aboutissement de ce parcours, alliant l'esprit rebelle du street art à la production méticuleuse d'objets de collection en édition limitée. Dans le vaste récit du pop art urbain, l'œuvre de KAWS témoigne du potentiel immense du genre. Son Boba Fett Companion n'est pas qu'une simple figurine : c'est un véritable dialogue culturel, unissant l'univers du cinéma légendaire et la force subversive du graffiti. Des œuvres comme celle-ci soulignent le pouvoir transformateur du street art, l'élevant des marges de la ville au prestigieux cercle des sculptures de collection. KAWS : De graffeur à phénomène pop art. Brian Donnelly, alias KAWS, a su s'imposer comme l'un des artistes pop les plus marquants de sa génération, après avoir fait ses armes dans le street art. Ses débuts dans le monde de l'art ont commencé avec la bombe de peinture et la rue comme toile, où il a façonné son imagerie si particulière et développé des figurines en vinyle iconiques, convoitées dans le monde entier. L'essence du travail de KAWS réside dans sa capacité à fusionner l'énergie et la rébellion du graffiti avec l'esthétique sophistiquée du pop art. Ses créations ne sont pas de simples jouets, mais un mélange subtil de ses premières techniques de graffiti et d'une esthétique pop art aboutie. Chaque pièce, souvent éditée en série limitée, est très recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Ceci témoigne de la place unique qu'occupe KAWS : un pont entre le street art underground et le marché de l'art. Malgré leurs formes souvent simplifiées, presque caricaturales, les figurines de l'artiste sont réputées pour leurs couleurs vives, leurs yeux barrés d'une croix et leur capacité à susciter l'émotion. Ce style unique fusionne l'expérience de KAWS dans le graffiti et sa critique incisive de la société de consommation. À travers ses « art toys », un thème récurrent dans ses sculptures monumentales et ses œuvres exposées en galerie, KAWS dissèque le lien entre les émotions humaines et la marchandisation des personnages.

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Flowering Dignity Colibri Édition limitée 5 couleurs Impression typographique manuelle sur papier d'art en coton par l'artiste pop urbain Ernesto Yerena Montejano (Hecho Con Ganas). Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 24x18. Impression typographique 5 couleurs sur papier 100 % coton. Publiée et imprimée par Aardvark Letterpress à Los Angeles, Californie. Édition de 100 exemplaires signés et numérotés. Il s'agit d'une impression de très haute qualité réalisée avec des plaques métalliques individuelles pour chaque couleur. « Flowering Dignity Colibri » d'Ernesto Yerena Montejano est une estampe en édition limitée qui capture avec brio la grâce et la vitalité du monde naturel, imprégnée de l'énergie vibrante du pop art urbain. Publiée en 2022, cette estampe artisanale en cinq couleurs, imprimée en typographie sur papier coton fin, mesure 61 x 46 cm et constitue une pièce de collection remarquable, tirée à seulement 100 exemplaires signés et numérotés. Sous le nom de Hecho Con Ganas, Yerena continue d'intégrer ses récits culturels et ses convictions politiques à son art, puisant dans ses racines mexicano-américaines pour explorer les identités collectives et personnelles. La qualité exceptionnelle de cette œuvre est immédiatement perceptible ; elle est obtenue grâce à l'utilisation de plaques de métal individuelles pour chaque couleur, un procédé traditionnel et méticuleux qui garantit la vivacité et la profondeur de l'impression. L'imprimerie Aardvark Letterpress, située à Los Angeles, en Californie, et réputée pour son travail exceptionnel en typographie, a réalisé cette œuvre, mettant son savoir-faire ancestral au service de la vision contemporaine de Yerena. L'utilisation de papier 100 % coton confère non seulement une texture luxueuse, mais témoigne également de l'engagement de l'artiste envers la qualité et le développement durable. Dans « Flowering Dignity Colibri », le jeu des couleurs et des formes est saisissant. Le motif central, un mandala floral, est flanqué de deux colibris, symbolisant l'agilité, la vitalité et la résilience. Ces éléments se détachent sur des formes et des motifs géométriques qui ajoutent du mouvement et de la profondeur à la composition. La chaleur des couleurs du motif floral contraste avec les tons froids du fond, créant un effet visuel percutant, caractéristique du style pop art. Cette œuvre se situe au carrefour du pop art, du street art et du graffiti, perpétuant l'esprit rebelle et l'esthétique audacieuse de ces mouvements. Elle se distingue néanmoins par son utilisation de la technique artisanale de l'impression typographique, démontrant ainsi comment les méthodes traditionnelles peuvent dialoguer avec les formes d'art contemporaines. L'œuvre « Flowering Dignity Colibri » de Yerena Montejano se dresse comme une pièce de résistance et célèbre le patrimoine culturel, invitant les spectateurs à trouver beauté et force dans ses strates complexes et le message qu'elle véhicule.

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Achetez VINYLTOY Dunny édition limitée Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork par l'artiste ARTIST. 2022 Édition limitée de XXXX Taille XXXX INFO

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Boîte à emporter - Boîte de nourriture chinoise en édition limitée, sculpture d'art en techniques mixtes, œuvre d'art de collection de l'artiste pop street Sket One. Édition limitée 2022 à 10 exemplaires. Dimensions : 12,7 cm x 19 cm x 12,7 cm. Neuf dans sa boîte. Signée. Objet d'art décoratif représentant un chow mein chinois à emporter, réalisé en résine et techniques mixtes. Comprend une boîte en carton et des baguettes en bois. Signée et numérotée au dos. Boîte de nourriture chinoise à emporter par Sket-One : un objet de collection pop art La boîte de plats chinois à emporter est une œuvre marquante du genre street art et graffiti. Créée par le célèbre artiste Sket-One, cette pièce de collection fusionne l'emballage traditionnel des plats chinois à emporter avec la créativité expressive du street art. Sket-One, de son vrai nom Andrew Yasgar, installé aux États-Unis, s'est forgé une réputation en transformant des objets du quotidien en œuvres d'art audacieuses et humoristiques. Cette édition limitée de 2022 illustre parfaitement son talent pour fusionner la culture pop avec son style inspiré du graffiti. Chaque exemplaire est réalisé avec soin, signé et numéroté, ce qui en fait une pièce de collection unique et très recherchée. Le savoir-faire et les matériaux utilisés pour l'œuvre d'art Cette œuvre mesure 12,7 cm x 19 cm x 12,7 cm et est composée d'un mélange de résine, de papier et de bois. La pièce maîtresse est une sculpture en résine détaillée représentant un chow mein aux crevettes, agrémenté de légumes colorés, servi dans une traditionnelle boîte à emporter en papier blanc. Les baguettes en bois, qui dépassent de la boîte, complètent la présentation réaliste. L'œuvre de Sket-One allie humour et nostalgie à la précision de l'artisanat multimédia. L'ajout d'un visage souriant sur la boîte lui confère une dimension ludique, presque animée, faisant le lien entre le graphisme audacieux du graffiti et l'esthétique tangible de la culture pop. Quand le pop art rencontre l'esthétique du graffiti urbain Le street art, fusion d'esthétique graffiti et de culture pop, trouve un parfait exemple dans l'œuvre de Sket-One. La boîte de nourriture chinoise à emporter aborde les thèmes de la mondialisation, de la culture du fast-food et de la nostalgie. L'intégration d'un objet aussi courant qu'une boîte de nourriture chinoise crée un sentiment de familiarité, tandis que la transformation artistique repousse les limites. Sket-One redéfinit l'interaction entre l'art et le spectateur en utilisant l'humour et une pointe d'ironie. L'œuvre rend non seulement hommage à la culture omniprésente des plats à emporter, mais la transforme également en une déclaration artistique intemporelle. Elle remet en question les notions traditionnelles de beaux-arts en élevant un objet ordinaire au rang de sculpture, en résonance avec la culture contemporaine. L'héritage de Sket-One dans le Street Pop Art Les œuvres de Sket-One sont largement reconnues pour leur humour, leur originalité et leur fusion harmonieuse de street art et de graffiti. Né dans le Connecticut, aux États-Unis, Sket-One a débuté comme graffeur avant de se tourner vers la création de jouets design et l'art multimédia. Son talent pour fusionner les influences urbaines et les éléments de la culture pop a rendu ses créations très recherchées. La « Boîte à emporter chinoise » témoigne de son talent et de son esprit novateur. Tirée à seulement dix exemplaires, cette œuvre en édition limitée est rapidement devenue une pièce de collection prisée des amateurs d'art et des passionnés de street art. Cette sculpture incarne l'approche artistique unique de Sket-One, où le quotidien se métamorphose en extraordinaire.

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Detroit Minute #10 Œuvre originale peinte à la main à l'acrylique sur bois de bouleau découpé au laser, prête à être accrochée, par HoxxoH, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L’adage “Le temps n’attend personne” a longtemps été le catalyseur qui a poussé l’homme à tirer profit de son existence consciente. Le temps est une grandeur observable créée par l’homme pour suivre les mouvements de notre mystérieux Univers. Pourtant, aujourd’hui, peut-être plus que jamais, l’homme cherche à utiliser le temps pour atténuer les pressions d’une existence inexplicable, grâce à des applications qui mesurent et calculent la valeur de notre temps. Publications et « j’aime » sur les réseaux sociaux, fluctuations boursières, petits écrans dans nos mains qui nous surveillent, comptant sans cesse, faisant tic-tac, nous submergeant de sollicitations sensorielles. Ils nous font croire que le temps peut être suivi et contrôlé par un algorithme commode. Ils dissimulent le temps dans des programmes destinés à objectiver et à symboliser notre présence comme un statut glorifié au sein du cosmos. » (Andrew Leshin)

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Planche de skateboard Supreme Nan Goldin Kim en strass, édition limitée, conçue par la marque Supreme. SS18 2018 Dans le cadre de sa collection Printemps/Été 2018, Supreme a collaboré avec la célèbre photographe américaine Nan Goldin. Ces planches de skate arborent les clichés emblématiques de Goldin. La planche en particulier, intitulée « Kim in Rhinestones », met en valeur le style photographique caractéristique de Goldin, caractérisé par des couleurs vibrantes et une grande richesse de détails.

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Mark Bode - Bode Broad Brown Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'art croisée du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Bombe aérosol en édition limitée Montana Colors [2009] Couleur : Bode Broad Brown. Boîte signée par Mark Bode au feutre. Édition limitée à 150 exemplaires [78/150]. 500 bombes produites dans le monde. Dimensions de la boîte : 18,4 cm x 7,6 cm x 7,6 cm. Contenu : 400 ml. Neuf.

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Sideshow Buzz - Édition surdimensionnée, impression d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Ben Frost. Estampe signée et numérotée « Tests de cannabis » de Sideshow Bob Simpsons, imprimée sur papier d'art Somerset Hot Press 290 g/m² avec des pigments d'archives. Format : 50,8 x 50,8 cm. Sortie : 26 novembre 2021. Tirage : 25 exemplaires. En réalité, l'artiste souhaite que le public réfléchisse aux notions de haute et de basse valeur et, par extension, à leur signification profonde. La matérialité, les valeurs sociétales et le sens sont autant d'éléments que Frost intègre activement à son art, sans pour autant apporter de réponses, créant ainsi un espace de réflexion ouvert.

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Ceci n'est pas une. Peinture originale de Peter Griffin, acrylique et aérosol sur toile, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2014, réalisée à la peinture en aérosol et technique mixte, format 27 x 19 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, où j'ai développé mon style unique. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à détourner ses icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. » - Shark Toof Le dialecte artistique de Shark Toof : subvertir les icônes de la culture pop « Ceci n'est pas une Peter Griffin » de Shark Toof est une œuvre saisissante qui témoigne du talent de l'artiste pour fusionner habilement ses racines graffiti et l'irrévérence ludique du pop art moderne. Créée en 2014, cette peinture originale incarne la voix unique de Shark Toof, une voix qu'il a cultivée grâce à ses liens étroits avec le mouvement du street art. Cette œuvre, mesurant 68,5 x 48,3 cm, est un exemple remarquable de sa maîtrise des techniques mixtes, combinant acrylique et aérosol sur toile. Dans cette pièce, Shark Toof s'approprie l'iconographie familière de la culture populaire, et plus particulièrement le personnage emblématique de Peter Griffin, tiré de la série animée « Les Griffin ». Cependant, dans la plus pure tradition du street art, Shark Toof subvertit cette image connue, y ajoutant des niveaux de signification et interrogeant la perception du spectateur. Le titre, un clin d'œil à l'œuvre célèbre de René Magritte, joue avec les notions de représentation et de réalité, incitant les spectateurs à questionner ce qu'ils voient. L'approche mixte de cette peinture est caractéristique du pop art urbain, qui combine diverses techniques et matériaux pour créer des visuels dynamiques. L'utilisation par Shark Toof de couleurs vives et de traits exagérés capture l'essence même de l'impact du graffiti tout en rendant hommage à l'esthétique stylisée du pop art. Son œuvre n'hésite pas à aborder l'humour et la satire ; au contraire, elle les intègre pour livrer un commentaire plus profond sur la nature de la célébrité, du fandom et du monde de l'art lui-même. Dans le contexte du pop art urbain et du graffiti, Shark Toof se distingue comme un artiste qui incarne l'esprit DIY du genre. Son attachement à des villes comme Detroit, avec leur riche passé industriel et leur scène de street art vibrante, témoigne de son engagement envers la dimension artisanale de son art. L'œuvre de Shark Toof, notamment « Ceci N'est Pas Une Peter Griffin », est un régal pour les yeux et un témoignage du pouvoir transformateur du street art à l'ère moderne. À travers son art, Shark Toof repousse sans cesse les limites du pop art urbain, révélant son potentiel à la fois ludique et d'une perspicacité saisissante. Son aptitude à naviguer entre art urbain et beaux-arts, tout en préservant une authenticité et une accessibilité remarquables, assure à son œuvre un écho auprès d'un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs.

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Impression giclée en édition limitée, œuvre d'art pop street Power Sword, sur papier d'art fin à bords frangés à la main, par l'artiste moderne de graffiti urbain Madsaki x MOTU. Édition limitée 2022 19,3 x 24,75 L'artiste contemporain de renom Madsaki voue une véritable passion aux Maîtres de l'Univers. À son arrivée aux États-Unis, le dessin animé original l'a aidé à apprendre l'anglais, tandis que les productions des années 80 ont nourri son imagination artistique. Cette estampe (réalisée selon sa technique caractéristique à l'acrylique et à l'aérosol sur toile) met en scène les Maîtres en pleine action, avec ses couleurs et son style inimitables. On y voit notamment Musclor et Man-At-Arms affronter Skeletor et Beast Man.

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Happy Stache Labbit, figurine de collection en vinyle de 25 cm (10 pouces), édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Ces magnifiques labradors à moustache sont des accessoires modernes parfaits pour votre intérieur. Leur brillance éclatante illuminera chaque jour le visage de vos invités et le vôtre.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier d'art en velours de coton, par l'artiste Nychos, légende du street art pop et du graffiti. 2021 Signé et numéroté Format : 32,5 x 60,9 cm // 12,8 x 24 pouces Tirage d’art par NYCHOS Édition limitée à 111 exemplaires Papier fibre de coton Velvet Fine Art Signé et numéroté à la main Amour, Vie et Mort par Nychos « Love Life And Death » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, signée et numérotée (111 exemplaires), réalisée par Nychos, pionnier autrichien du street art. Imprimée sur papier d'art velours coton, l'œuvre mesure environ 32,5 x 60,9 cm. Reconnu pour ses coupes anatomiques et son style narratif saisissant, Nychos présente une composition verticale qui fusionne romance, mortalité et transcendance en un tableau unique et d'une grande précision. Anatomie de l'amour et de la mortalité Au centre de la composition, deux amants, dont les corps sont exposés, s'enlacent, leurs formes squelettiques et musculaires rendues avec une précision scientifique et une intensité émotionnelle saisissantes. Au-dessus d'eux, une figure ailée plane, telle une gardienne ou un témoin cosmique, tandis qu'en dessous, la Mort attend patiemment, sa faux à la main, partiellement dissimulée parmi les fleurs et la terre. L'œuvre cartographie visuellement le continuum de l'existence, du désir et du lien à la décomposition et à l'inéluctabilité. En révélant ce qui se cache sous la peau, Nychos réduit l'amour et la mort à leur vérité biologique commune, suggérant que l'intimité et l'impermanence sont des forces indissociables. Nychos et le cycle de l'existence « Love Life And Death » est emblématique de la pratique artistique de Nychos, qui mêle art urbain, illustration médicale et allégorie classique. Son œuvre invite souvent le spectateur à se confronter à des réalités dérangeantes par la beauté, la précision et l'échelle. Dans cette pièce, le cadre orné et le symbolisme mythique transcendent le simple effet de choc pour en faire une méditation sur l'équilibre entre création et destruction. À la fois estampe d'art et prolongement de ses récits inspirés des peintures murales, l'œuvre constitue un puissant témoignage sur la fragilité de la vie et l'inéluctabilité de la mort, exprimés avec respect plutôt qu'avec crainte.

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Lil Nekobasu, estampe en édition limitée à pigments d'archivage sur papier d'art de l'artiste pop Casey Weldon. Édition limitée numérotée de 150 exemplaires, 2017. Format de l'œuvre : 14 x 14 pouces. Lil Nekobasu par Casey Weldon – Une mutation fantaisiste dans l'art urbain pop et le graffiti L'estampe en édition limitée Lil Nekobasu de Casey Weldon (2017) s'impose comme une œuvre surréaliste et captivante dans l'univers du street art et du graffiti. Tirée à 150 exemplaires numérotés, cette impression pigmentaire d'archives de 35,5 x 35,5 cm est réalisée sur papier d'art de haute qualité, offrant une fidélité des couleurs et une précision exceptionnelles. L'image représente une créature hybride qui fusionne avec malice le charme félin et la structure visuelle d'un bus segmenté, un clin d'œil astucieux à la culture pop et un hommage direct au Chat-Bus, personnage de l'animation japonaise. Pourtant, la version de Weldon est unique, empreinte d'une douceur et d'une précision troublante, caractéristiques de son style imaginatif et expressif. Sur le fond, la créature repose sur ce qui semble être des genoux humains, entourée de textures naturelles comme l'herbe, brouillant les frontières entre confort, fantaisie et étrangeté. Casey Weldon : Réinterprétation surréaliste et pop américaine du familier Né aux États-Unis, Casey Weldon est connu pour ses compositions oniriques et son utilisation fréquente des chats, des yeux brillants et des références nostalgiques comme éléments thématiques. Son œuvre se situe à la croisée de la culture pop, de la sensibilité et de l'étrangeté. Avec Lil Nekobasu, Weldon explore sa fascination pour l'émerveillement de l'enfance et les jeux visuels, offrant une créature à la fois mignonne, énigmatique et troublante. Le soin apporté à la texture de la fourrure, l'éclat des yeux dorés du chat et l'intégration harmonieuse des segments mécaniques sur son dos créent un paradoxe visuel : ludique et inquiétant, tendre et étrange. Cette estampe est emblématique de la façon dont le Street Pop Art et le graffiti peuvent élever l'étrange et le personnel au rang d'œuvre d'art à part entière, sans rien perdre de leur lien avec l'humour et la nostalgie. Technique visuelle et matérialité dans une fusion numérique-physique L'utilisation de l'impression pigmentaire d'archives dans Lil Nekobasu confère à cette œuvre une intensité et une profondeur de couleur exceptionnelles, essentielles pour restituer les textures quasi hyperréalistes des formes peintes par Weldon. Ce médium est prisé des artistes contemporains pour sa longévité et sa capacité à reproduire la subtilité des coups de pinceau et des dégradés originaux. Le papier beaux-arts utilisé renforce l'impact visuel de l'estampe, créant une sensation tactile de profondeur qui fait écho à la matérialité des techniques traditionnelles tout en conservant l'efficacité et la netteté des procédés numériques. Le format 35,5 x 35,5 cm offre une composition carrée parfaite qui accentue l'intimité et la symétrie du sujet, plongeant le spectateur au cœur d'une étrange créature, dans un instant de douce fantaisie. Échos culturels et la douceur subversive du pop art et du graffiti de rue En faisant référence au Chat-bus de Totoro tout en créant un être totalement original, Weldon se livre à un remix culturel fondamental pour le Street Pop Art et le graffiti. La nature hybride de Lil Nekobasu parle à une génération élevée aux couleurs de l'animation fantastique, mais confrontée aux absurdités de l'âge adulte. La réinterprétation de Weldon évite l'imitation en amplifiant le symbolisme personnel et en privilégiant l'atmosphère au récit. L'œuvre invite le spectateur à éprouver de l'affection pour quelque chose d'indéfinissable. Sa sérénité troublante commente la façon dont le familier peut devenir étrange et charmant sous l'effet d'une légère distorsion. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, Lil Nekobasu incarne la capacité du genre à susciter simultanément rire, émotion et questionnement. Cette œuvre est un objet de collection non seulement pour les amateurs de chats ou de dessins animés, mais aussi pour ceux qui sont attirés par l'ambiguïté émotionnelle qui caractérise une grande partie de l'art contemporain pop le plus réussi.

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Bucket Head #4 Œuvre originale de sculpture en techniques mixtes (acrylique, métal, peinture aérosol) sur une véritable boîte de peinture vintage avec des éléments récupérés, par l'artiste de rue et artiste pop moderne Ron Zakrin. « Cette exposition explore à la fois le passé récent – ​​comment les avancées techniques dans l’industrie musicale ont façonné une génération – et le futur proche, en s’intéressant aux motifs et aux conséquences possibles des développements de l’intelligence artificielle. Cet ensemble d’œuvres d’envergure raconte une histoire d’adaptation et d’intégration de la technologie. » – Ron Zakrin

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He-Man & Battle Cat, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Madsaki x MOTU. En 2020, Madsaki et Mattel Creations se sont associés pour créer ces figurines exclusives Madsaki x Masters of the Universe HE-MAN et BATTLE CAT. La sculpture mesure 42,5 cm de haut. MADSAKI et MATTEL CREATIONS s'associent pour créer cette pièce exclusive et iconique : une réplique miniature de la sculpture monumentale HE-MAN® et BATTLE CAT® qui avait captivé les fans et les critiques d'art lors de l'exposition solo « 1984 » de MADSAKI à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo en 2020. Mesurant 43 cm de haut et sculptée dans un style cartoon des années 80, rehaussée d'une profusion de graffitis urbains contemporains époustouflants, cette sculpture présente fièrement le héros le plus célèbre d'Eternia, HE-MAN, et le féroce BATTLE CAT®, brouillant ainsi les frontières entre jouet et œuvre d'art. Chaque sculpture est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé à la main par MADSAKI et de gants blancs pour en prendre soin. Livrée en boîte. MADSAKI x MOTU – He-Man et Battle Cat dans un style pop art et graffiti. La sculpture en vinyle en édition limitée He-Man & Battle Cat de MADSAKI, produite en collaboration avec Mattel Creations en 2020, est une fusion saisissante de nostalgie, de culture pop et de rébellion urbaine – une contribution incontournable au monde du street art et du graffiti. Initialement dévoilée comme pièce maîtresse de l'exposition personnelle de MADSAKI en 1984 à la galerie Kaikai Kiki de Tokyo, cette version réduite de 43 cm (17 pouces) capture l'énergie débordante de son homologue monumentale tout en offrant une dose explosive d'absurdité cartoon des années 80, rendue dans un style coloré et audacieux, typique du graffiti. Avec le vert fluorescent, le rose électrique et l'orange vif comme palette dominante, l'œuvre transforme deux des personnages les plus emblématiques de la franchise Les Maîtres de l'Univers – He-Man et Battle Cat – en figures de street art contemporaines. Bien plus qu'un simple hommage, la version de MADSAKI réinvente ces personnages comme des avatars de la mythologie pop, filtrés par le regard d'un graffeur. L'armement, l'armure et la pose restent fidèles à l'esthétique de l'animation originale, mais les couleurs exagérées et le style de peinture chaotique propulsent cette œuvre d'art dans un nouveau domaine où coexistent les beaux-arts, les objets de collection en vinyle et la sensibilité graffiti. La nostalgie instrumentalisée dans les néons urbains La démarche de MADSAKI s'enracine dans la culture du remix, pierre angulaire du Street Pop Art. En s'appropriant le langage visuel de l'enfance – Musclor étant l'un des héros animés les plus emblématiques des années 1980 – et en le soumettant à la distorsion visuelle de la saturation néon et des contours agressifs, il transforme le kitsch en critique. Il ne s'agit pas simplement de se souvenir des dessins animés du samedi matin, mais de faire de ces souvenirs une arme et d'examiner comment le divertissement commercial a façonné l'identité, la masculinité et le fantasme dans la culture capitaliste tardive. Battle Cat, habituellement symbole de force et d'énergie brute et primitive, devient une bête imbibée de néon, incarnation de l'absurdité postmoderne, vêtue de rose shocking et de vert radioactif. MADSAKI le métamorphose d'une bête de guerre en un monument codé par graffiti, symbole de l'excès culturel. Musclor, brandissant toujours son épée, ressemble moins à un défenseur héroïque qu'à un gladiateur psychédélique issu de l'inconscient d'un artiste de rue nourri aux VHS et à l'ironie. De la toile au vinyle : la mutation street pop de MADSAKI MADSAKI est un habitué des réinterprétations d'icônes. Reconnu pour ses versions expressives de chefs-d'œuvre occidentaux et de personnages de manga, il fusionne l'esthétique urbaine japonaise avec l'héritage du graffiti new-yorkais. Sa collaboration avec Mattel sur la sculpture en vinyle représente l'évolution naturelle du Street Pop Art : là où les murs des galeries rencontrent les étagères des collectionneurs, et où la nostalgie, loin d'être passive, se radicalise. Cette figurine brouille les frontières entre sculpture et installation urbaine. Le choix des couleurs évoque l'esthétique des bombes de peinture, et les surfaces brillantes rappellent le raffinement des fresques murales en vinyle et du design des jouets. À l'instar de KAWS, Sket-One ou Ron English, MADSAKI prouve que le vinyle sculptural peut être un moyen de confrontation, et non un simple objet de consommation. La figurine est livrée avec un certificat signé à la main et des gants de présentation, renforçant ainsi son statut d'œuvre d'art et d'artefact culturel. La place de MADSAKI dans le canon du graffiti-pop L'œuvre de MADSAKI, He-Man & Battle Cat, est une pièce maîtresse du street art et du graffiti contemporains. Elle allie satire, précision technique, attrait pour les collectionneurs et critique culturelle. Plutôt que de dissocier l'art du jouet ou le populaire du savant, MADSAKI fusionne toutes les catégories en une œuvre percutante qui remet en question la nostalgie du spectateur et ses conceptions de l'art. Cette sculpture n'est pas un simple clin d'œil aux fans : c'est une véritable subversion. Elle transforme les héros de l'enfance en avatars fluorescents de l'identité postmoderne, rendus dans le chaos chromatique du langage graffiti. En insufflant l'esprit de la rue dans l'enveloppe plastique des icônes pop mondiales, MADSAKI s'impose comme l'un des artistes qui redéfinissent la culture visuelle, un coup de spray, une sculpture et un cri à la fois.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez Dream of Electric Sheep AP Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Hot Press par l'artiste Scott Listfield. AP Artist Proof 2021 Signé Taille 16x16 Édition de 28. Imprimé sur papier d'archivage, presse à chaud, signé et numéroté

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Planche de skateboard Al Green Deck Limited Edition, design de la marque Supreme Planche de skate Supreme FW22 2022 avec placage naturel et couche supérieure noire. Graphisme imprimé sur la face inférieure, logo World Famous et logo Box imprimés sur la face supérieure.

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Yosegi Karimoku 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare, fabricant de meubles japonais, sculpture Bearbrick d'art raffiné. Œuvre d'art en bois estampé, édition limitée extrêmement rare de 2020, présentée dans sa boîte en parfait état. Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom.

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Sculpture sportive abstraite Ouroboros DR76 Basketball en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue moderne et graffeur pop Dragon76. Ballon de basket-ball 2021 « Abstract » conçu par Dragon76 (taille réglementaire 29,5 pouces). Comprend un support circulaire en acrylique transparent de 2,5 cm de haut. Livré dans un sac à cordon noir orné du logo Ouroboros. Édition limitée à 150 exemplaires dans le monde. Carte d'authenticité en métal incluse. Usage intérieur recommandé. Le basketball abstrait Ouroboros DR76 : une convergence entre le pop art urbain et l'athlétisme Dans le monde de l'art de collection, le ballon de basket Abstract Ouroboros DR76 se distingue comme une pièce unique, fusionnant sport, art urbain et graffiti. Conçu par Dragon76, artiste de rue contemporain reconnu pour son style pop graffiti, ce ballon en édition limitée est une toile qui mêle l'énergie du sport au langage expressif et vibrant de l'art urbain. Sorti en 2021, ce ballon de basket de taille réglementaire (75 cm) est à la fois un équipement sportif et une œuvre d'art sculpturale qui captive le regard, sur le terrain comme en dehors. Dragon76, connu pour son travail qui entremêle souvent les thèmes de la paix, de la guerre, de la beauté et du chaos, a imprimé sa vision sur ce ballon, le transformant en une pièce qui transcende sa simple fonction. Le design met en scène l'ouroboros, symbole ancien représentant un serpent se mordant la queue, symbolisant l'infini et le cycle de la vie et de la mort – un thème récurrent dans l'art de Dragon76, évoquant la continuité et l'éternité de l'esprit créatif. Le savoir-faire artistique du ballon de basket DR76 La surface de ce ballon de basket est une véritable tapisserie de couleurs et de motifs, une composition abstraite emblématique de l'œuvre de Dragon76. Chaque panneau représente un segment d'un récit plus vaste, assemblant les pièces d'une histoire qui se dévoile au gré des courbes et des contours du ballon. L'art complexe qui orne ce ballon s'allie à la praticité de sa conception, puisqu'il est conçu pour une utilisation intérieure et extérieure, bien que l'intérieur soit préférable pour préserver l'intégrité de l'œuvre. Produite à seulement 150 exemplaires dans le monde, cette pièce en édition limitée est aussi exclusive qu'artistique. Elle est livrée avec un support circulaire en acrylique transparent de 2,5 cm de haut, qui permet de l'exposer comme une œuvre d'art lorsqu'elle n'est pas utilisée. Accompagnée d'un sac à cordon noir orné du logo Ouroboros et d'une carte d'authenticité en métal, le ballon de basket Abstract Ouroboros DR76 est un objet de collection qui incarne l'essence même du street art pop de Dragon76. Valeur de collection et importance culturelle Posséder le ballon de basket Abstract Ouroboros DR76, c'est comme tenir entre ses mains un morceau d'histoire de l'art contemporain. Son édition limitée en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs d'art et les amateurs de sport. Le design du ballon témoigne de la versatilité du pop art urbain et de sa capacité à insuffler aux objets du quotidien une dimension magique et une histoire captivante. La création de ce ballon célèbre la fusion entre la performance physique et la créativité débordante du graffiti. Elle remet en question la séparation traditionnelle entre art et utilité, suggérant que beauté et fonctionnalité coexistent harmonieusement dans les objets du quotidien. Pour Dragon76, cette œuvre s'inscrit dans la continuité de son exploration artistique, repoussant les limites du pop art urbain et explorant de nouveaux horizons. En résumé, le ballon de basket Abstract Ouroboros DR76 est un chef-d'œuvre qui incarne l'esprit vibrant du pop art urbain. Il symbolise le point de rencontre culturel où l'art ne se limite pas aux galeries, mais s'intègre pleinement au rythme et au flux de la vie quotidienne. À la fois sculpture sportive et œuvre d'art, il s'agit d'une affirmation audacieuse de Dragon76, témoignant de la capacité de l'artiste à métamorphoser le banal en extraordinaire.

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Œuvre d'art « Fleurs fanées », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Meagan Magpie Rodgers. 100 tirages giclée 11”x14” signés et numérotés sur papier beaux-arts.

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Papier buvard Sugar Cube, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Stanley Mouse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Stanley s'est fait une place de choix dans la culture hot rod de Détroit en réalisant des peintures exceptionnelles sur les véhicules, au point qu'aucune voiture de qualité en ville ne pouvait se passer de ses liserés décoratifs. Peu après, il a commencé à appliquer ses motifs préférés sur des t-shirts à l'aérographe. En seconde, Stanley a tagué le bâtiment où se retrouvait son lycée et a été renvoyé. Le bon côté des choses ? Il s'est ensuite inscrit aux Beaux-Arts.

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Mr Dob, une sculpture d'art en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste de la culture pop japonaise Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Édition limitée 2017 à 400 exemplaires Complexcon x BAITx Takashi Murakami 10 3/5 × 13 2/5 × 10 1/5 pouces Neuf en boîte. Mr. Dob, une sculpture en vinyle de Takashi Murakami : expression maximaliste du street art pop et du graffiti. « Mr. Dob A » est une sculpture en vinyle en édition limitée de 2017, créée par Takashi Murakami en collaboration avec BAIT et présentée lors de la ComplexCon. Cette pièce de collection, limitée à 400 exemplaires, mesure environ 27 x 34 x 26 cm et est livrée dans sa boîte d'origine ornée d'une illustration originale de Murakami. La sculpture représente Mr. Dob, personnage récurrent de l'artiste, reproduit en vinyle brillant avec une richesse de détails, de motifs et de couleurs impressionnante. Avec ses tentacules démesurés, ses yeux tournoyants, ses dents acérées aux reflets arc-en-ciel et son design hypnotique, « Mr. Dob A » incarne l'esthétique Superflat de Murakami et son exploration des excès de la culture pop contemporaine. Elle représente une convergence majeure entre l'art japonais, le spectacle de consommation et l'énergie visuelle audacieuse du Street Pop Art et du graffiti. Conception, symbolisme et technique sculpturale Cette sculpture de Mr. Dob A est à la fois fantastique et menaçante. Sa gueule béante est un vortex arc-en-ciel caverneux, cerné de dents triangulaires colorées, tandis que ses tentacules, semblables à ceux d'une pieuvre, s'enroulent autour, chacun orné de motifs d'yeux et de formes concentriques. Avec ses oreilles en spirale et ses yeux exorbités, le personnage oscille entre le kawaii et le kaiju, l'innocence et la menace. La finition brillante reflète l'obsession de Murakami pour la perfection polie, un clin d'œil à l'industrie du jouet et à la netteté de la production d'anime. Chaque courbe est intentionnelle, exagérée et imprégnée de chaos. La précision du moulage en vinyle et de la peinture transforme l'œuvre en bien plus qu'un simple jouet : c'est un objet d'art surréaliste, produit avec l'exactitude d'un article de créateur, mais vibrant d'une anarchie visuelle. Mr. Dob n'est pas une simple mascotte, mais une figure en constante évolution qui symbolise la collision entre les médias de masse, la mythologie et une folie personnelle. Le rôle culturel et l'influence de Takashi Murakami au niveau de la rue Takashi Murakami, né au Japon en 1962, est internationalement reconnu pour sa capacité à fusionner art et culture commerciale en un seul cadre visuel. Son concept emblématique, le Superflat, fusionne la peinture traditionnelle japonaise avec le consumérisme d'après-guerre, l'anime et la culture otaku. Mr. Dob est l'un des premiers et des plus importants personnages de Murakami ; il est à la fois un alter ego et une critique de la saturation culturelle. L'édition Mr. Dob A reflète le lien de Murakami avec les foires d'art contemporain et le phénomène de collection urbain, et a été présentée en avant-première à ComplexCon, un marché où se mêlent mode, art et culture hype. Dans l'univers du street art et du graffiti, l'œuvre de Murakami fait office de portail où tradition et rupture coexistent, et où des figures comme Mr. Dob deviennent à la fois symboles et produits d'une identité visuelle mondiale. Édition vinyle limitée en tant qu'objet de collection d'art Chaque sculpture Mr. Dob A est présentée dans un coffret sur mesure qui reflète l'expression du personnage, rendue en caractères vectoriels audacieux sur toutes ses surfaces. L'emballage et la figurine sont indissociables et forment un tout. Tirée à seulement 400 exemplaires, l'œuvre occupe une place à part, entre objet commercial et artefact culturel. Contrairement aux figurines en vinyle produites en masse, cette édition s'inscrit dans la lignée de l'art conceptuel et de la stratégie de collection de Murakami. Sa présence dans les galeries, les collections privées et les musées la place au cœur du débat plus large sur la place du jouet dans les beaux-arts. Au sein de l'univers en pleine expansion du Street Pop Art et du graffiti, Mr. Dob A se distingue comme une sculpture hybride : résolument expressive, autoréférentielle et à l'image d'un public international avide d'art mêlant spectacle, subversion et dimension visuelle.

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Vous êtes nouveau ici, n'est-ce pas ? - Glow, édition limitée, sérigraphie artisanale 10 couleurs phosphorescente sur papier naturel 100 lb, par Bernie Wrightson, artiste macabre de pop art moderne. Épreuve d'artiste AP 2014 Signée et marquée AP Œuvre d'art en édition limitée, format 20x30 Épreuve d'artiste AP, variante phosphorescente, 11 couleurs (phosphorescence incluse), dimensions 20×30, signée, édition limitée à 75 exemplaires. Imprimée sur papier naturel 100 lb.

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Sérigraphie en édition limitée Barney X 5 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts, par Frank Kozik, artiste pop art célèbre et rare. Illustration croisée de Barney et Malcolm X, inspirée des émeutes/manifestations de 2014. Barney X Burn Baby Burn ! 45,7 x 60,6 cm. Création et signature de Frank Kozik. Édition limitée à 50 exemplaires.

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NY@BRICK Karimoku Chess 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare, fabricant de meubles japonais, sculpture Bearbrick d'art. Œuvre d'art en bois estampé, édition limitée extrêmement rare de 2020, présentée dans sa boîte en parfait état. Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom.

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MBDTF Ours - Collier Roi Horus Peluche Édition Limitée Objet d'Art de Collection Œuvre d'Artiste Greedee Arts Ours King Horus de 45,7 cm (18 pouces), MBDTF, 2022, jouant la version GarageBand de « Runaway Piano » popularisée par Kanye West. Neuf, sans emballage de vente au détail. Décryptage du symbolisme et de l'impact culturel de l'ours MBDTF L'ours MBDTF, une peluche design en édition limitée, est porteur d'une forte charge culturelle, notamment dans le domaine du street art et du graffiti. Créée par l'artiste Greedee Arts, cette pièce de 45 cm de haut est bien plus qu'un simple objet d'art statique : c'est une expérience multimédia immersive qui diffuse une version GarageBand de la mélodie de piano du célèbre morceau « Runaway » de Kanye West. Greedee Arts a choisi de ne pas commercialiser l'œuvre dans son emballage d'origine, ce qui renforce son authenticité et sa valeur de collection. Fusion artistique dans le pop art urbain Par essence, le street art est un amalgame d'éléments culturels populaires et savants, intégrant souvent les médias de masse, l'iconographie et des messages percutants dans des œuvres accessibles au plus grand nombre. L'ours MBDTF témoigne de cette fusion, puisant dans le lexique visuel du hip-hop, un genre qui a transcendé la musique pour influencer la mode, le langage et le mode de vie. Greedee Arts a exploré cette veine culturelle, créant un objet à la fois hommage et témoignage tangible d'un récit plus vaste auquel les passionnés de musique et d'art s'identifient. Le collier du roi Horus qui orne la peluche n'est pas un simple accessoire, mais un symbole riche d'iconographie. Horus, divinité de l'Égypte antique, était souvent représenté comme un faucon associé au pouvoir, à la victoire et au ciel. Ici, le collier est un point d'ancrage visuel qui relie l'ours aux thèmes de la royauté, de la persévérance et du divin – des éléments fréquemment explorés dans l'œuvre de Kanye West et, plus largement, dans la culture hip-hop. Narration et présence de l'art graffiti L'art du graffiti a longtemps été le miroir de la société, reflétant ses problèmes, ses sentiments et les courants sous-jacents de la rue. Dynamique, souvent non autorisé, il s'exprime toujours dans un langage visuel où le message compte autant que l'esthétique. L'Ours MBDTF, bien que n'étant pas une œuvre de graffiti traditionnelle, incarne cet esprit par son statut d'objet d'art. Il est conçu pour être vu, pour susciter la réflexion et pour contribuer au dialogue permanent entre la culture urbaine et la culture dominante. Le choix de Greedee Arts de contourner les circuits de distribution traditionnels témoigne de sa volonté de préserver l'œuvre de toute commercialisation, une valeur fondamentale de la culture graffiti. Cette stratégie garantit que l'Ours MBDTF demeure une pièce de collection exclusive, un trésor pour les passionnés de culture urbaine et d'art. L'Ours MBDTF n'est pas seulement un objet de collection, mais une œuvre de commentaire culturel qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti. Il est un point de rencontre entre la passion, l'art et le commentaire culturel. Greedee Arts a su capturer un instant, un esprit du temps, reliant la musique influente de Kanye West à l'univers tactile des collectionneurs et amateurs d'art. Grâce à sa musique intégrée et à son collier emblématique, cette peluche offre un point de contact tangible avec le monde évocateur et souvent fugace du street art. Dans la lignée des objets de collection, des pièces comme l'Ours MBDTF jouent un rôle crucial. Elles perpétuent la tradition du street art sur de nouveaux supports et marchés, assurant ainsi la continuité du dialogue entre l'artiste et le public à travers des formes évolutives. En embrassant l'esprit du street art et de la culture pop, Greedee Arts a créé bien plus qu'un simple objet : un véritable artefact culturel en résonance avec l'art et la musique contemporains. Ces œuvres constituent des instantanés essentiels du paysage culturel, préservant la vitalité et l'expression du street art pour les générations futures, qui pourront ainsi l'étudier, l'apprécier et s'en inspirer.

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Boba76 Ouroboros DR76 Édition Limitée Figurine de Collection en Vinyle Art Œuvre d'Art de l'artiste de graffiti de rue Dragon76 x Martian Toys. Le vent du changement souffle et une silhouette menaçante se profile au sommet de la montagne. Après une longue attente, les nuages ​​se dissipent pour révéler les prochains challengers : un robot samouraï apocalyptique. Mesurant 15 cm, ce guerrier mécanique futuriste, artiste de graffiti, est prêt à tout avec sa figurine en vinyle de 15 cm « Peinture et Aérosol », ses 4 accessoires (2 rouleaux et 2 bombes de peinture), ses 5 points d'articulation et sa deuxième sortie par le célèbre Dragon76. Édition limitée à 200 exemplaires dans le monde.

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Tom - Figurine de collection Tom & Jerry BE@RBRICK édition limitée floquée à 100 % et 400 %. Les Bearbricks Tom et Jerry de Medicom Toy (édition 2021) sont désormais disponibles avec une texture floquée pour un réalisme accru ! Tom et Jerry sont proposés en coffrets Bearbrick 100 % et 400 %, ainsi qu'en Bearbrick 1000 %, vendus séparément. Ils mesurent 7 cm et 28 cm de haut.

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Viva Yalitza ! Édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 450 exemplaires . Œuvre d'art 18x24. Yalitza Aparicio, actrice de téléfilm. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), édition limitée à 450 exemplaires, signée et numérotée par Ernesto Yerena Montejano. Les bénéfices ont été reversés à l'association CIELO afin de soutenir les populations autochtones sans papiers touchées par la crise de la Covid-19 dans la région de Los Angeles.

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Pot de fleurs Bodega Rose Bape STA en édition limitée, sculpture en Jesmonite, œuvre d'art du légendaire artiste de rue de graffiti Bape - A Bathing Ape. 2021 1G23-182-947 / Ivoire / F BAPE STA SILHOUETTE POT DE POT COULÉ EN JESMONITE. FABRIQUÉ À LA MAIN AU JAPON Plante non incluse.

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Lavender Book - Livre d'art rare en édition limitée, sérigraphié et signé, avec des œuvres d'art pop modernes de l'artiste de rue FAILE, issues d'un accord militaire. Édition limitée 2004 à 50 exemplaires. Couverture sérigraphiée représentant une femme triste et choquée, avec l'inscription « Military Deal » en style pochoir. Signée par FAILE au dos de la couverture intérieure. Le collectif d'art urbain new-yorkais Faile a invité des artistes de douze pays différents à créer des œuvres inspirées par la lavande et les a rassemblées dans son quatrième ouvrage thématique et collaboratif. Ce livre inclut un CD de 17 titres, LAVENDER Greatest Hits ! Des artistes, designers et photographes tels que Deanne Cheuk, David Ellis, Shepard Fairey et Stefan Sagmeister ont contribué à l'ouvrage en utilisant une palette de blanc, de noir et de toutes les nuances de violet imaginables. L'ouvrage comprend une introduction de Devon Dikeou (Zing Magazine), un recueil de nouvelles de Griffin Creech et un CD audio. Tirage limité à 3 000 exemplaires. Éditeur : Die Gestalten Verlag, 31 août 2004. ISBN : 3899550366. 140 pages, couverture rigide, avec CD audio.

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