Sculpture Popcorn Bowie en techniques mixtes par Yusuke Hanai x Netflix, édition limitée, œuvre d'art moderne pop graffiti street art. Édition limitée numérotée et estampillée de 500 exemplaires (2023). Sculpture, figurine, dimensions : 2 x 7,3 cm, bol : 8,27 x 8,27 cm. Neuve en boîte. Synthèse artistique entre culture pop et art urbain : Popcorn Bowie de Yusuke Hanai x Netflix Dans le paysage du graffiti pop et du street art contemporain, « Popcorn Bowie », sculpture en techniques mixtes réalisée par Yusuke Hanai en collaboration avec Netflix, s'impose comme une œuvre majeure. Créée en 2023, cette œuvre témoigne du talent de l'artiste et propose un commentaire culturel qui fait le lien entre le monde du divertissement et celui des beaux-arts. Numérotée et estampillée, cette figurine au design unique est éditée à 500 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection. De dimensions compactes (5 x 18,5 cm), elle est présentée dans un bol de 21 x 21 cm, neuve dans son emballage d'origine. Yusuke Hanai, artiste japonais reconnu pour son style singulier puisant son inspiration dans l'esthétique traditionnelle japonaise et la culture surf internationale, a insufflé à « Popcorn Bowie » un caractère à la fois ludique et profond. Cette œuvre est un hommage à l'ère du street art, où convergent la spontanéité du graffiti et la fascination du pop art pour la culture de masse. La sculpture rend hommage à la figure emblématique de David Bowie, un sujet tout indiqué pour une œuvre qui cherche à incarner l'esprit du pop art, avec son dialogue constant avec la culture populaire et les célébrités. La posture décontractée du personnage, associée à la présence d'un bol de pop-corn, suggère un moment de détente et de divertissement, thèmes fréquemment explorés dans le travail de Hanai. Le titre de l'œuvre, « Popcorn Bowie », évoque un sentiment de plaisir décontracté tout en faisant référence à cette icône musicale légendaire, connue pour sa personnalité transformatrice et anticonformiste. Cette dualité est au cœur du street art : la rencontre quotidienne de l'extraordinaire et du banal, ponctuée d'étincelles de génie. Matérialité et signification dans Popcorn Bowie : un artefact contemporain Sur le plan matériel, « Popcorn Bowie » est une symphonie de matériaux variés, illustrant la tradition du pop art urbain qui consiste à utiliser une diversité de matériaux pour créer des œuvres aux multiples facettes. La nature mixte de la sculpture – incluant probablement des éléments tels que la résine, la peinture et peut-être des substances plus insolites – fait écho au principe du graffiti, qui utilise tous les matériaux disponibles pour communiquer avec le public. Chaque sculpture, faisant partie d'une série limitée, porte la marque de l'exclusivité et constitue une pièce tangible de la vision de Hanai, estampillée et numérotée pour garantir son authenticité et sa valeur de collection. Le récit que raconte « Popcorn Bowie » est un reflet de notre époque : une œuvre moderne puisant dans diverses facettes de la vie contemporaine. La collaboration avec Netflix, géant du divertissement, met en lumière la rencontre entre les racines underground du pop art et les phénomènes culturels grand public. Ce partenariat témoigne de l'évolution du pop art urbain et du graffiti, où les mouvements contre-culturels dialoguent désormais ouvertement avec les entreprises, marquant ainsi un nouveau chapitre dans l'histoire de cet art. Implications culturelles de la collaboration de Yusuke Hanai avec Netflix Les implications culturelles d'une telle collaboration sont immenses. « Popcorn Bowie » de Yusuke Hanai devient un objet de plaisir visuel et un témoin de son époque. Elle symbolise la disparition des frontières entre les différentes disciplines artistiques et la reconnaissance croissante du pop art urbain dans le contexte plus large de la production culturelle. Le lien de la sculpture avec Netflix – une plateforme qui a révolutionné la manière dont les histoires sont racontées et consommées – confère à l'œuvre une pertinence contemporaine, en faisant un artefact moderne à la fois œuvre d'art et commentaire culturel. En somme, « Popcorn Bowie » est plus qu'une sculpture ; c'est un sujet de conversation qui invite à réfléchir à la nature de l'art, du divertissement et des espaces qui les séparent. Œuvre en édition limitée, elle représente la vision unique de l'artiste et capture l'esprit de l'époque de sa création. Les collectionneurs et les admirateurs d'art urbain pop et de graffiti trouveront dans « Popcorn Bowie » une convergence de fantaisie et de profondeur, une caractéristique du parcours artistique de Yusuke Hanai et un exemple vibrant de l'évolution continue de l'art inspiré de la rue.

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Impression d'art Quantum PP de Peeta, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2012 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 26x16 Pigments d'archivage La fusion artistique dans « Speaking Quantum » de Peeta « Speaking Quantum » illustre avec brio comment les concepts abstraits de la physique quantique peuvent être rendus à travers le langage vibrant du street art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (PP) de Peeta révèle une interaction exquise entre forme, couleur et illusion de profondeur, en parfaite résonance avec l'esprit de l'art contemporain. Tirée en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², elle est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un fragment de culture pop contemporaine figé dans le temps. Créée en 2012, cette œuvre a été signée et marquée « épreuve d'artiste » par Peeta, attestant de sa rareté et de sa valeur souvent supérieure à celle des séries numérotées. La mention « PP » indique qu'il s'agit d'un tirage d'un petit nombre d'exemplaires destinés à un contrôle qualité avant le tirage principal, généralement conservés par l'artiste ou l'éditeur pour leurs archives ou des distributions spéciales. Les dimensions imposantes de l'œuvre, 66 x 41 cm, suffisent à captiver le regard du spectateur, l'invitant à se plonger dans la complexité de ses strates et l'élégance de ses courbes. Le travail de Peeta est réputé pour ses effets tridimensionnels, créant une impression de profondeur et de mouvement qui interpelle la perception du spectateur. « Speaking Quantum » est d'une force évocatrice remarquable : ses formes s'entrelacent et se replient les unes sur les autres, offrant une expérience quasi tactile. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des nuances de couleur et de la précision des lignes, assurant ainsi la pérennité de l'œuvre. La vision de Peeta dans le contexte du street art et du graffiti Dans le contexte du street art et du graffiti, « Speaking Quantum » se distingue par son approche novatrice. Peeta, graffeur au style unique intégrant souvent des éléments sculpturaux, a transposé l'énergie dynamique du street art sur un support d'art de qualité. Cette œuvre, avec sa représentation abstraite et son design complexe, témoigne d'une évolution du graffiti qui transcende le simple lettrage pour accéder au domaine de l'art contemporain. Elle ne se contente pas de refléter la vision de l'artiste, mais incarne la fluidité du street art : une évolution constante, un dépassement permanent des limites et une exploration permanente de nouveaux territoires. Le choix de Peeta de capturer l'essence de la physique quantique – souvent associée au subatomique et à l'inconnu – à travers le graffiti illustre la richesse et la profondeur de cet art. L'œuvre instaure un dialogue entre le connu et l'inconnu, le visible et l'invisible, à l'image de la physique quantique. « Speaking Quantum » invite le spectateur à interpréter la convergence et la divergence des éléments pour trouver un sens aux formes abstraites. La fluidité et le mouvement de l'œuvre suggèrent un moment de transformation, une représentation visuelle de l'énergie en mouvement. Cet artefact moderne enrichit le paysage visuel et suscite la curiosité et l'introspection, invitant à une exploration plus profonde du monde de la mécanique quantique et de l'art qu'elle inspire. En préservant « Speaking Quantum » sous forme d'estampe en édition limitée, Peeta permet aux amateurs d'art et aux collectionneurs d'appréhender le pop art urbain sous un angle nouveau. C'est une invitation à explorer les intersections entre l'art, la science et la philosophie à travers le prisme du graffiti, marquant une étape importante dans le parcours du street art, des ruelles et du métro aux galeries et collections privées. L'existence de cette œuvre en estampe PP rehausse son statut, lui assurant une place de choix et exclusive dans le paysage de la culture pop et graffiti.

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Gromit 100% & 400% Wallace et Gromit BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection Art. 2021. Tirée de la célèbre série britannique d'animation en pâte à modeler Wallace et Gromit, voici Gromit, le chien anthropomorphe silencieux, fidèle et intelligent : une figurine Bearbrick de Medicom Toy. Disponible en deux tailles : 7 cm et 28 cm.

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Planche de skateboard Supreme Nan Goldin Kim en strass, édition limitée, conçue par la marque Supreme. SS18 2018 Dans le cadre de sa collection Printemps/Été 2018, Supreme a collaboré avec la célèbre photographe américaine Nan Goldin. Ces planches de skate arborent les clichés emblématiques de Goldin. La planche en particulier, intitulée « Kim in Rhinestones », met en valeur le style photographique caractéristique de Goldin, caractérisé par des couleurs vibrantes et une grande richesse de détails.

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Peinture acrylique originale et unique de Tanuki Fighter sur papier d'art, réalisée par la célèbre artiste de graffiti de rue Nicole Gustafsson. Image originale signée, encadrée et sous passe-partout, 2014, cadre 3x3, 8,5x8,5 La vision artistique de Nicole Gustafsson L'œuvre de Gustafsson, dont « Tanuki Fighter », se caractérise souvent par une profusion de couleurs vibrantes et d'éléments imaginatifs qui évoquent l'innocence des rêves d'enfance et la complexité narrative du street art. Sa technique repose sur l'utilisation de l'acrylique – un médium reconnu pour ses couleurs vives et opaques et son séchage rapide – permettant ainsi de créer les compositions dynamiques et superposées qui sont devenues sa signature. « Tanuki Fighter » témoigne de sa maîtrise de ce médium, aboutissant à un spectacle visuel qui relève autant des beaux-arts que de la culture populaire. « Tanuki Fighter » est une peinture acrylique originale sur papier beaux-arts de Nicole Gustafsson, dont l'œuvre a profondément influencé le street art et le graffiti. Cette pièce, créée en 2014, est un exemple parfait de l'esthétique unique de Gustafsson, qui fusionne la fantaisie du pop art avec la force brute du street art, créant ainsi une œuvre distinctive et reconnaissable qui a conquis un public international. Représentation et symbolisme Le tableau représente un tanuki, créature mythique du folklore japonais, réputée pour son esprit espiègle et sa capacité à métamorphoser. Gustafsson revisite ce personnage en le dépeignant comme un combattant à l'expression déterminée et à la posture martiale. Le choix du tanuki comme sujet est un clin d'œil aux thèmes ludiques et souvent fantastiques du street art, tout en incarnant l'esprit transformateur et rebelle du graffiti. Le tanuki est représenté dans un style à la fois simple et expressif, avec une attention particulière portée aux détails de texture qui lui confèrent une présence saisissante. Sa pose et sa tenue rappellent celles d'un lutteur de sumo, ajoutant une dimension culturelle et humoristique à l'œuvre. Le contraste entre la palette monochrome du tanuki et le fond vert vif met en valeur la figure et attire immédiatement le regard du spectateur. Composition et cadrage « Tanuki Fighter » se distingue non seulement par son sujet et son style, mais aussi par sa présentation. L'image originale, mesurant 7,6 x 7,6 cm, est encadrée et sous passe-partout sur mesure, pour une dimension totale de 21,6 x 21,6 cm. Ce choix d'encadrement délibéré souligne l'intimité et la complexité de l'œuvre. L'échelle de la pièce, associée à l'audace de son contenu, joue avec la perception du spectateur, l'incitant à un examen plus attentif et à une interaction personnelle avec l'œuvre. Le choix de l'encadrement témoigne également de la compréhension qu'a Gustafsson du rôle de son œuvre, à la fois comme pièce autonome et comme élément d'un récit plus vaste au sein d'un espace de vie. Une œuvre encadrée possède un poids et une présence différents de ceux d'une œuvre de street art non encadrée, et « Tanuki Fighter » fait le lien entre ces deux univers, insufflant l'énergie brute du street art dans l'environnement soigné des galeries privées. Impact culturel et collectionnabilité Œuvre originale d'un célèbre graffeur de rue, « Tanuki Fighter » revêt une grande valeur pour les collectionneurs et les amateurs de pop art urbain. Les œuvres originales offrent un lien tangible avec la vision et le récit de l'artiste, constituant un témoignage authentique de la culture et de l'époque qui les ont vues naître. De plus, son statut d'œuvre unique renforce son attrait et en fait une pièce recherchée par ceux qui souhaitent posséder un fragment d'histoire de l'art contemporain. L'unicité de l'œuvre est encore renforcée par la signature de Gustafsson lui-même, gage de son authenticité et de son appartenance au parcours artistique de l'artiste. Les collectionneurs de telles pièces les considèrent souvent comme des investissements, non seulement financiers, mais aussi comme des artefacts culturels qui capturent l'essence d'un mouvement ou d'un style artistique particulier. En résumé, « Tanuki Fighter » de Nicole Gustafsson incarne l'esprit ludique et le métissage culturel qui caractérisent le street art et le graffiti. Son utilisation astucieuse du folklore, alliée à une esthétique et une présentation modernes, en fait une œuvre remarquable qui captive l'imagination et reflète l'évolution de l'art contemporain. Pièce originale, signée et encadrée sur mesure, elle occupe une place particulière dans l'œuvre de Gustafsson et dans le contexte plus large de l'art inspiré du street art.

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Oiseau à vélo, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. ED 2

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Meowl - Impression sérigraphique 3 couleurs réalisée à la main sur papier beaux-arts, 12x16 pouces, par l'artiste Nate Duval. Œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 125 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 12 x 16 pouces.

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Tour de Finch, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par l'artiste recherché Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 10x8

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MC Supersized Camo - Shanghai Édition Limitée Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda x Mindstyle. 2021 Ron English - POPaganda x Mindstyle présente MC Supersized Camo. Chaque figurine représente une ville chinoise différente et arbore un motif camouflage unique. Hauteur : 20 cm. Signée à la main par Ron. Livrée avec une casquette et une carte. La figurine MC Supersized Camo - Shanghai Limited Edition en vinyle est un témoignage de la fusion subtile entre le street art et le graffiti. Cette pièce unique fait partie d'une série née de la collaboration visionnaire entre l'artiste de graffiti Ron English-POPAganda et la société de figurines design Mindstyle. Ce collector reflète la vitalité et le caractère unique de Shanghai grâce à son motif camouflage distinctif, conçu pour capturer l'essence de la ville. Chaque figurine de la série, y compris l'édition Shanghai, mesure 20 cm de haut et est signée à la main par Ron English-POPAganda, ce qui lui confère une touche d'exclusivité et la signature personnelle de l'artiste. Un chapeau et une carte accompagnent la figurine, éléments qui non seulement rehaussent son esthétique, mais servent également de certificats d'authenticité. La série propose une satire de la société de consommation et de l'industrie du fast-food, un thème récurrent dans l'œuvre de Ron English-POPAganda. La figurine MC Supersized est une icône de l'œuvre de Ron English, représentant un personnage clownesque souvent perçu comme une critique de la société de consommation. Le motif camouflage de l'édition Shanghai n'est pas qu'un simple ornement ; il symbolise le tissu culturel de la ville, marqué par sa modernisation fulgurante et ses riches racines historiques. L'utilisation du camouflage dans ces œuvres est ici poussée à l'extrême, reflétant l'infiltration du marketing et de la publicité dans le quotidien, souvent insidieuse, à l'image d'un soldat incognito. C'est une réflexion artistique sur la façon dont la société de consommation mondiale est devenue omniprésente dans le paysage urbain. Les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti reconnaîtront dans cette édition Shanghai une œuvre qui non seulement célèbre cet art, mais soulève également des questions essentielles sur le monde qui nous entoure. Acquérir une MC Supersized Camo - Édition Limitée Shanghai, c'est s'offrir une œuvre d'art à la croisée du commentaire social et de l'esthétique du street art. C'est le reflet audacieux de la vision artistique de Ron English-POPaganda, où humour et critique s'entremêlent pour créer un récit percutant sur la culture contemporaine.

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Astro Boy Rouge Original 1ère Édition Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection par un artiste pop street. Édition limitée 2012 à 500 exemplaires. Œuvre d'art de 6,5 x 15 pouces, neuve en boîte. Pied imprimé représentant Astro Boy avec son compagnon/ami tenant la tête, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Exploration de l'œuvre Astro Boy de KAWS dans l'univers du pop art urbain L'influence des icônes de la culture pop sur l'art contemporain est devenue indéniable au XXIe siècle, notamment dans les domaines du street art et du graffiti. Rares sont les artistes qui ont su traduire cette influence en œuvres tangibles avec autant de brio que Brian Donnelly, alias KAWS. Parmi ses créations les plus célèbres, la figurine Astro Boy rouge originale de première édition témoigne de la fusion harmonieuse entre nostalgie de l'enfance et maîtrise artistique. Né à Jersey City, dans le New Jersey, KAWS s'est imposé en fusionnant les éléments du graffiti avec une sensibilité artistique raffinée. Son œuvre se caractérise par des couleurs vives, des lignes graphiques et l'utilisation récurrente de personnages aux yeux barrés, une signature visuelle qui imprègne tout son travail. Il a débuté comme graffeur, perfectionnant sa technique et son iconographie dans la rue avant d'investir les ateliers et les galeries, où il a depuis lors connu un succès fulgurant. KAWS tisse des liens entre le vécu personnel et les thèmes universels, puisant dans l'inconscient collectif grâce à des figures à la fois familières et métamorphosées. Astro Boy Red Original de KAWS : Un phénomène de street pop En 2012, KAWS a sorti Astro Boy Red Original 1st Edition, une édition qui capture l'essence du street art et rend hommage à la figure emblématique d'Astro Boy, personnage culte de l'animation japonaise. Cette édition limitée à 50 exemplaires illustre le talent de KAWS pour réinventer les icônes de la pop culture, préservant leur attrait originel tout en les projetant sous un jour nouveau, provocateur, introspectif et contemporain. La sculpture en vinyle mesure 16,5 x 38 cm, une taille à la fois accessible aux collectionneurs et suffisamment imposante pour marquer les esprits. Vêtue d'un noir et d'un rouge saisissants, la figurine captive le regard par sa simplicité et la juxtaposition d'un rouge vif et inflexible sur un teint naturel. La signature de KAWS – les yeux croisés et les mains gantées – transforme le personnage initialement optimiste d'Astro Boy en un commentaire poignant sur les complexités du monde moderne. Œuvre d'art de collection de KAWS : Plus qu'un jouet Le dialogue artistique qu'elle suscite fait de la figurine Astro Boy Red Original bien plus qu'un simple objet de collection. Les mains soutenant sa tête, la figurine dégage une impression d'introspection et de mélancolie, rompant avec l'image habituelle d'Astro Boy, symbole d'espoir et d'énergie juvénile. Cette dualité illustre parfaitement l'essence du street art, où l'humour et la fantaisie côtoient la gravité des réflexions sur le monde réel. Chaque pièce est neuve et présentée dans sa boîte, avec des pieds imprimés qui prolongent le récit de l'œuvre. Ce souci du détail garantit au collectionneur, dès le déballage, une expérience artistique minutieusement élaborée par KAWS. Posséder une telle pièce n'est pas un simple acte d'acquisition, mais une invitation à réfléchir à la pertinence et à la résonance des icônes pop dans la société contemporaine. L'Astro Boy Red Original 1ère édition marque une étape importante dans l'exploration des émotions humaines par KAWS à travers le prisme des personnages animés. Elle réaffirme sa capacité à distiller des thèmes complexes en formes immédiatement reconnaissables. Alors que le monde de l'art continue de reconnaître et d'intégrer le pop art urbain et le graffiti, KAWS demeure une figure emblématique grâce à son esthétique audacieuse et à sa critique culturelle incisive, dissimulée sous des formes d'apparence ludique. L'œuvre de Brian Donnelly, notamment des pièces comme Astro Boy Red Original, nous rappelle le pouvoir transformateur de l'art. Bien qu'elles puisent leurs sources dans des références familières, ces œuvres suscitent de nouvelles interprétations et émotions, nous incitant à questionner notre rapport aux icônes de notre enfance et de notre société. À travers cette œuvre et d'autres, KAWS continue d'influencer le débat autour du pop art urbain, affirmant sa place parmi les mouvements artistiques majeurs. L'héritage de ses créations, caractérisé par leur profondeur émotionnelle et leur impact visuel, confirme son rôle central dans l'évolution de l'art inspiré par la rue. Astro Boy Red par KAWS : Hommage à l'anime et effondrement émotionnel dans l'art urbain pop et graffiti Astro Boy Red est une sculpture en vinyle en édition limitée, créée en 2012 par Brian Donnelly, alias KAWS. Mesurant 16,5 x 38 cm et produite à 500 exemplaires, cette figurine fusionne l'emblématique personnage japonais Astro Boy avec le motif Companion, devenu la signature de KAWS. La sculpture représente Astro Boy dans un moment de vulnérabilité, les mains cachant son visage en signe de désespoir, avec les yeux barrés et les mains gantées caractéristiques du motif Companion. Vêtu de ses bottes rouges et de son slip noir, la figurine conserve la silhouette originale d'Osamu Tezuka tout en la transformant en un symbole contemporain mélancolique. Cet hybride est au cœur du langage narratif du Street Pop Art et du graffiti, où des personnages mythiques sont réinventés en êtres complexes sur le plan émotionnel, porteurs d'une résonance moderne. L'héritage de l'anime rencontre l'intervention sculpturale Astro Boy, la création légendaire du pionnier du manga Osamu Tezuka, est un personnage emblématique qui symbolise l'espoir, le progrès et l'idéalisme humains. KAWS réinterprète ce symbolisme en insufflant à la sculpture les traits caractéristiques et la profondeur émotionnelle de la série Companion. Il en résulte une icône qui pleure sa propre légende. La pose d'Astro Boy – la tête entre les mains – est inhabituelle pour le héros robot joyeux, mais elle résonne profondément avec la tristesse introspective qui imprègne toute la série KAWS Companion. La sculpture interroge les notions de célébrité, de pression et d'identité, transformant un héros d'enfance en une figure de détresse silencieuse. Dans l'univers du street art et du graffiti, de telles réinterprétations brisent la carapace narrative de personnages cultes pour révéler leur psyché. Matériaux, construction et format de collection Façonnée en vinyle lisse et brillant, la sculpture est présentée dans un coffret collector rouge orné d'un dessin au trait blanc représentant la figurine et d'une étiquette. Ses surfaces moulées avec précision et sa peinture impeccable témoignent de la collaboration constante de KAWS avec les professionnels de la fabrication de jouets, élevant ainsi cette pièce de collection au rang d'œuvre d'art. Le socle de la sculpture porte des inscriptions de l'artiste, confirmant son appartenance à la collection grandissante de sculptures en vinyle rares de KAWS. Chaque aspect du design, de l'échelle à l'emballage, renforce la double identité de la sculpture, à la fois jouet et objet d'art, l'inscrivant dans l'esprit tactile et accessible du Street Pop Art et du Graffiti, tout en soulignant l'exclusivité des objets de collection d'art. L'héritage du remix de Brian Donnelly dans la sculpture moderne Brian Donnelly, né aux États-Unis en 1974, est passé de la culture graffiti et des collaborations dans le monde de la mode à une figure emblématique du pop art et de la sculpture sur vinyle. Son personnage, Astro Boy Red, a été décliné sous de nombreuses formes sculpturales et numériques, exprimant souvent l'aliénation, la lassitude et le deuil. Avec Astro Boy Red, Donnelly applique ce même vocabulaire émotionnel à un personnage préexistant, l'enrichissant d'une réflexion culturelle sur la nostalgie, le fandom et la performance. La figure reflète le poids de l'héritage et de la visibilité dans un monde saturé de médias, où même les identités héroïques flanchent sous la pression existentielle. S'inscrivant dans le canon du Street Pop Art et du graffiti, Astro Boy Red est une étude de réinterprétation : il s'empare du mythe de l'innocence technologique et le transforme en une posture de souffrance humaine. C'est un objet de contrastes : héroïque et vaincu, iconique et fracturé, parfaitement modelé et pourtant émotionnellement vulnérable.

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Crâne de pharaon - Édition limitée Rook Brand, sérigraphie artisanale bicolore sur papier kraft moucheté français, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste AP

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Lavender Book - Livre d'art rare en édition limitée, sérigraphié et signé, avec des œuvres d'art pop modernes de l'artiste de rue FAILE, issues d'un accord militaire. Édition limitée 2004 à 50 exemplaires. Couverture sérigraphiée représentant une femme triste et choquée, avec l'inscription « Military Deal » en style pochoir. Signée par FAILE au dos de la couverture intérieure. Le collectif d'art urbain new-yorkais Faile a invité des artistes de douze pays différents à créer des œuvres inspirées par la lavande et les a rassemblées dans son quatrième ouvrage thématique et collaboratif. Ce livre inclut un CD de 17 titres, LAVENDER Greatest Hits ! Des artistes, designers et photographes tels que Deanne Cheuk, David Ellis, Shepard Fairey et Stefan Sagmeister ont contribué à l'ouvrage en utilisant une palette de blanc, de noir et de toutes les nuances de violet imaginables. L'ouvrage comprend une introduction de Devon Dikeou (Zing Magazine), un recueil de nouvelles de Griffin Creech et un CD audio. Tirage limité à 3 000 exemplaires. Éditeur : Die Gestalten Verlag, 31 août 2004. ISBN : 3899550366. 140 pages, couverture rigide, avec CD audio.

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Impressions pigmentaires d'archives en édition limitée Pink Nature sur papier d'art de musée par DAIM, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 20 x 13 pouces. « En 1989, j'ai écrit pour la première fois mon nom d'artiste. Après toutes ces années, je considère toujours cette inscription comme un autoportrait. En se concentrant sur une idée, une technique ou un style, en travaillant longuement sur une œuvre, en s'y investissant pleinement, on apprend beaucoup sur soi-même et sur sa personnalité. Et cela se reflète naturellement dans mes créations. Je souhaitais réaliser quelque chose de particulier : cette série de trois estampes a été conçue pour refléter toute la palette de mon travail. L'utilisation du nom DAIM y devient de plus en plus complexe. Mon évolution personnelle est étroitement liée à ce processus. C'est une forme de maturation, une manifestation du vieillissement en général. » – Daim Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Pink Nature par DAIM Pink Nature de DAIM est un exemple saisissant de street art pop et de graffiti, témoignant de la maîtrise de l'artiste en matière de lettrage tridimensionnel et de compositions jouant sur la profondeur. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité musée avec des pigments d'archive, s'inscrit dans la continuité de l'exploration par DAIM de la forme, de la structure et de l'identité au sein de l'univers du graffiti. L'utilisation d'ombrages audacieux, d'un mouvement explosif et d'angles fragmentés transforme le graffiti traditionnel en une composition sculpturale, quasi architecturale, qui repousse les limites de la perception visuelle. Technique de graffiti 3D emblématique de DAIM Pionnier du graffiti tridimensionnel, DAIM, de son vrai nom Mirko Reisser, a développé un style inimitable qui allie précision mathématique et mouvement organique. Ses lettrages s'affranchissent des surfaces planes, donnant l'illusion d'objets jaillissant du réel. Dans « Pink Nature », la précision des contours, les jeux d'ombres et de lumière créent une profondeur et une texture quasi tangibles, confirmant sa réputation d'artiste de graffiti parmi les plus talentueux au monde. Son influence s'étend aux fresques murales, aux installations de street art et aux estampes d'art, témoignant toutes de son attachement à l'abstraction typographique. Chaque ligne et chaque dégradé de couleur est calculé avec une précision méticuleuse, pour un résultat à la fois spontané et percutant. Les éclaboussures de peinture dynamiques et les rehauts savamment placés dans cette estampe amplifient l'énergie brute caractéristique du graffiti, tout en conservant une esthétique raffinée et futuriste. Le concept d'autoportrait à travers le graffiti DAIM a souvent évoqué son nom de graffeur comme une forme d'autoportrait, évoluant au rythme de sa croissance personnelle et artistique. Son attention portée au lettrage reflète non seulement sa maîtrise technique, mais aussi sa réflexion sur le mouvement graffiti. Il estime qu'en affinant et en réinventant sans cesse la manière dont il présente son nom, il traduit également sa propre transformation au fil du temps. Pink Nature fait partie d'une série d'œuvres qui illustrent l'évolution de la vision artistique de DAIM, soulignant la maturation de son approche du graffiti au fil des ans. Le jeu des tons roses, verts et terreux dans cette pièce traduit une impression de croissance et de destruction organiques, à l'image du cycle créatif lui-même. Les fragments de lettres anguleuses et audacieuses semblent exploser et se reconstruire simultanément, offrant une représentation visuelle de la tension entre création et déclin inhérente à la culture du street art. L'influence de DAIM sur le pop art urbain moderne DAIM a joué un rôle déterminant dans l'intégration du graffiti au sein de l'art contemporain, lui permettant d'être reconnu non seulement sur les murs des villes et les bâtiments abandonnés, mais aussi dans les galeries et les musées du monde entier. Son approche scientifique du design, alliée à son souci du réalisme et de la profondeur, le distingue au sein du mouvement. Pink Nature, avec son exécution méticuleuse et son chaos maîtrisé, incarne la fusion du graffiti et des beaux-arts, démontrant comment le street art et le graffiti peuvent être à la fois bruts et raffinés, explosifs et contrôlés. En transposant ses techniques de rue emblématiques sur des tirages d'art de qualité archivistique, DAIM assure la préservation, l'appréciation et la célébration de son œuvre dans de multiples espaces artistiques. Sa capacité à traduire l'énergie du graffiti dans des formats d'art de haut niveau continue d'inspirer les nouvelles générations d'artistes de rue et d'amateurs de pop art.

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Au-delà du Dôme du Tonnerre - Tirage giclée en édition limitée Blaster sur papier d'art de qualité supérieure par Andy Fairhurst, artiste de rue de la contre-culture. Mad Max : Au-delà du Dôme du Tonnerre, film avec Mel Gibson.

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Compagnon - Figurine de collection en vinyle marron en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop moderne Kaws. Édition limitée 2016, emballage scellé, dimensions : 16,7 x 11,4 x 6,4 cm Companion-Brown de KAWS : une confluence entre le pop art urbain et le graffiti La figurine en vinyle Companion-Brown de KAWS, en édition limitée, occupe une place centrale dans l'histoire de l'art contemporain, notamment au sein des courants du street art et du graffiti. Sortie en 2016, cette pièce s'inscrit dans la lignée de la série Companion de KAWS, reconnue pour son alliance unique d'expression artistique et d'attrait commercial. À l'instar des autres pièces de la série, la Companion-Brown est conservée dans son emballage d'origine scellé, soulignant son statut d'objet de collection et préservant ainsi le plaisir de la découverte tactile pour son propriétaire. Haute de 28 cm, cette figurine percutante incarne l'essence même de la vision artistique de KAWS dans un format compact, à la fois accessible et prestigieux. Les dimensions de l'emballage (26,7 x 11,4 x 6,4 cm) témoignent du soin apporté par l'artiste à la présentation et à la conservation de son œuvre. La Companion-Brown, dans son édition limitée ouverte, possède un charme particulier, représentant un objet convoité tant par les passionnés que par les collectionneurs. Companion-Brown de KAWS et sa résonance culturelle La figurine Companion-Brown symbolise la capacité de KAWS à naviguer entre succès populaire et innovation artistique de niche. Son design, caractérisé par ses yeux barrés emblématiques et sa forme humanoïde abstraite, exprime l'essence même du street art tout en étant suffisamment raffiné pour être intégré à des institutions comme le MoMA et le Musée d'Art Moderne de Fort Worth. La sortie de cette figurine, ainsi que d'une série de compagnons dans divers états, du corps entier à l'exosquelette, coïncide avec une demande croissante pour l'œuvre de KAWS, reflétant une tendance culturelle plus large d'intégration de l'art urbain dans les espaces artistiques plus traditionnels. La sortie de Companion-Brown a été synchronisée avec l'exposition « Where The End Starts » de KAWS, un événement majeur qui a marqué un tournant dans la carrière de l'artiste. L'exposition et la sortie concomitante de la série Companion ont consolidé la place de KAWS dans le monde de l'art. Elles ont mis en lumière l'intérêt grandissant pour le street art en tant que discipline artistique à part entière. L'impact artistique de Companion-Brown de KAWS La place de « The Companion-Brown » dans le Street Pop Art et le graffiti est significative. Elle représente l'évolution de la perception du street art, passant d'expressions urbaines éphémères à des objets de collection prisés. L'œuvre de KAWS, principalement à travers la série « Companion », a joué un rôle crucial dans la redéfinition des frontières et des possibilités du street art. Avec sa teinte subtile et sa forme reconnaissable, cette version brune de « The Companion » est bien plus qu'un simple objet : c'est une œuvre qui exprime un commentaire culturel, incarnant les thèmes de l'identité, de l'appartenance et de la condition humaine souvent explorés dans le graffiti. « The Companion-Brown », comme les autres œuvres de la série, a été distribuée par KAWSONE et certaines institutions, témoignant de la convergence entre l'art contemporain et les objets de collection accessibles. En tant qu'artefact d'art moderne, elle atteste de l'influence de KAWS et de l'évolution du street art, incarnant les complexités et les contradictions qui font du street pop art et du graffiti une composante essentielle du discours culturel contemporain.

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« Copper Caught », édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier beaux-arts 270 g/m² par Lucy McLauchlan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 5 couches avec encres brillantes, mates et métallisées. Imprimée à la main à Birmingham par Mission Print, 2018.

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Totem Melty Misfits Jumbo Impression Giclée Unique par Buff Monster Artwork Édition Limitée sur Papier Beaux-Arts Artiste Graffiti Pop Street. Œuvre originale unique, signée et datée de 2020, avec certificat d'authenticité, encadrée. Tirage giclée original, format 8,5 x 11,5 pouces (21,6 x 29,2 cm). « Ce certificat atteste l'authenticité de l'œuvre d'art de Buff Monster qui accompagne cette reproduction. Cette impression giclée unique est signée par l'artiste et représente l'un des personnages créés pour la série Jumbo de The Melty Misfits. Le verre de musée qui protège cette œuvre contre les UV ; comme pour toute œuvre d'art, il est conseillé de l'exposer à l'abri de la lumière directe du soleil et des endroits très humides. » – Buff Monster Totem Melty Misfits, impression giclée géante unique par Buff Monster L'estampe giclée grand format unique « Totem Melty Misfits » de Buff Monster illustre la fusion entre un design de personnage fantaisiste et l'esthétique du street art pop et du graffiti contemporains. Reconnu pour son style mêlant couleurs vives et nuances plus sombres, Buff Monster poursuit cette approche caractéristique dans cette giclée encadrée, mettant en lumière à la fois ses thèmes de prédilection et son expérimentation inventive avec les formes et la présentation. Imprimée sur papier d'art de qualité supérieure et ornée des mentions officielles au dos et du logo Melty Misfits, cette œuvre s'impose comme une pièce de collection incontournable de la culture urbaine pop contemporaine. Un hommage totémique à la culture Melty La face avant de l'œuvre présente un totem composé de plusieurs personnages emblématiques de Melty Misfits. Chaque niveau du totem mêle des motifs psychédéliques d'yeux à des créatures mutantes du désert, rendues dans des tons numériques éclatants. L'arrière-plan dévoile un paysage extérieur serein, avec un ciel bleu stylisé et une cime d'arbres, contrastant l'étrangeté des figures avec le calme de la nature. Cette composition rend habilement hommage aux totems amérindiens tout en créant une mythologie cartoon satirique ancrée dans l'univers de Buff Monster. Les traits exagérés, les expressions débridées et les textures gluantes donnent l'illusion de jouets en vinyle fondants, le tout construit avec une symétrie parfaite pour évoquer à la fois structure et chaos. Art pop urbain encadré Imprimée en giclée, l'œuvre offre une netteté et une brillance exceptionnelles, essentielles pour restituer la richesse des dégradés du trait de Buff Monster. Ce format particulièrement rare est présenté dans un cadre professionnel avec passe-partout, sublimant son esthétique digne d'une galerie. Au dos, un certificat d'authenticité est solidement fixé sous le logo The Melty Misfits, garantissant la provenance attendue d'une œuvre d'art urbain pop et graffiti en édition limitée. Un autocollant fluorescent scelle la présentation, signature de l'identité visuelle de Buff Monster. Les qualités tactiles de l'œuvre, associées à son encadrement artisanal et à la narration qui en découle, en font bien plus qu'une simple impression. C'est une affirmation tridimensionnelle de rébellion visuelle, dissimulée sous un voile de fantaisie sucrée. L'héritage de Buff Monster dans le mouvement des jouets de créateurs et du pop art Né aux États-Unis, Buff Monster s'est imposé comme une figure de proue de la culture pop et street art hybride grâce à des décennies de fresques murales, de création de jouets et d'estampes expérimentales. Des ruelles new-yorkaises aux foires d'art de Tokyo, son œuvre est immédiatement reconnaissable. L'estampe géante « Totem Melty Misfits » témoigne non seulement de son engagement constant envers le projet Melty Misfits, mais aussi de sa capacité à transformer le street art en chefs-d'œuvre encadrés et de collection. Chaque élément de cette estampe illustre la volonté de Buff Monster de rendre la joie subversive et la satire accessible. En anthropomorphisant des friandises en divinités pop grotesques, il construit une nouvelle iconographie pour une génération post-ironique. Cette œuvre compacte et saisissante est un témoignage de l'humour surréaliste et de l'intensité graphique qui caractérisent l'un des artistes de graffiti les plus célèbres du pop surréalisme.

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Holiday Thailand Brown Art Toy par Kaws - Sculpture en vinyle en édition limitée de Brian Donnelly, œuvre d'art de collection d'un artiste pop street. Œuvre d'art en édition limitée épuisée de 2025, format 7x11, neuve dans sa boîte, estampillée/imprimée, représentant Kaws Companion, la mère/le père/l'ami et l'enfant tenant une lune fluorescente phosphorescente GID assis sur une Terre lumineuse, par l'artiste Kaws - Brian Donnelly. Holiday Thailand Brown Art Toy par KAWS – Brian Donnelly L'œuvre « Holiday Thailand Brown Art Toy » est une sculpture en vinyle en édition limitée, une pièce remarquable de Brian Donnelly, artiste américain mondialement connu sous le nom de KAWS. Sortie en 2025 et désormais épuisée, cette pièce de collection représente un moment clé dans l'évolution du street art et du graffiti. Mesurant environ 18 x 28 cm, l'œuvre met en scène les personnages emblématiques de l'artiste, les Companions, reconnaissables à leurs gants stylisés, leurs formes douces et leurs yeux barrés. Dans cette édition, une grande figurine Companion est assise sur un globe aux couleurs vives, tenant une plus petite figurine enfantine, tandis que toutes deux bercent une lune texturée et phosphorescente. La Terre, représentée en bleu et vert éclatants, ancre l'œuvre dans un message environnemental et humaniste fort. Un symbole de soin, de lien et de responsabilité Cette œuvre se distingue des précédentes créations de KAWS par son insistance sur l'intimité et la contemplation, plutôt que sur la parodie commerciale. La grande figure du Compagnon, incarnant tour à tour une mère, un père ou un protecteur, soutient délicatement l'enfant sur ses genoux. La lune qu'ils tiennent ensemble brille dans l'obscurité, symbolisant la lumière, la guidance et l'imagination partagées. L'imagerie planétaire renforce le sentiment d'interconnexion mondiale et de responsabilité individuelle, un thème de plus en plus pertinent dans le Street Pop Art et le graffiti. Plus qu'une critique, cette édition se présente comme une offrande de réconfort et d'unité, un sentiment qui a trouvé un écho considérable auprès des collectionneurs et des admirateurs de l'œuvre de Donnelly. KAWS et l'expansion du pop art urbain Brian Donnelly a débuté sa carrière en taguant les murs et en détournant les publicités à New York, avant de devenir l'une des figures les plus reconnues et appréciées du street art et du graffiti contemporains. Son personnage, Companion, apparaît sous forme de sculptures, de peintures, d'installations monumentales et de jouets de collection. Chaque version de Companion exprime une émotion différente, et l'édition spéciale Fêtes de Thaïlande est l'une des plus sincères. Le choix de Donnelly de représenter le personnage assis sur Terre, tenant un astre, s'inscrit dans la continuité de sa narration visuelle, souvent axée sur les thèmes de l'isolement, de la bienveillance et de la vulnérabilité partagée. Les yeux barrés d'une croix, autrefois associés à l'ironie ou au détachement, deviennent ici le symbole d'un monde intérieur paisible. Importance pour les collectionneurs et détails artistiques Cette édition faisait partie de la série Holiday, qui mettait en scène les figurines Companion dans des lieux symboliques du monde entier. Pour la Thaïlande, la posture douce et les thèmes universels de la sculpture reflètent une dimension spirituelle. La lune phosphorescente est réalisée avec des textures de surface détaillées imitant la surface lunaire, ce qui renforce son réalisme et son attrait tactile. Le pied de la figurine est estampillé et imprimé, certifiant son authenticité et la rattachant aux éditions limitées précédentes. Comme beaucoup d'œuvres KAWS, cette édition a été rapidement épuisée et est aujourd'hui très recherchée. Sa rareté, sa qualité de fabrication et sa résonance émotionnelle en ont fait une pièce de collection emblématique dans le domaine du street art et du graffiti. Collectionneurs et institutions culturelles apprécient de plus en plus ce type d'œuvres pour leur capacité à exprimer des sentiments complexes à travers des formes simples. La figurine Holiday Thailand Brown Art Toy est un puissant récit visuel sur la bienveillance, la fragilité et la conscience globale, rendu dans le langage familier et toujours évolutif de KAWS. Cette sculpture n'est pas qu'un simple jouet, mais une méditation en vinyle, qui continue d'influencer la trajectoire du Street Pop Art et du graffiti dans le monde entier.

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Sérigraphie et estampe à paillettes Contra Cocaine de Robert « Robbie » Conal, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Sérigraphie au format 18 x 24 pouces. Contra Cocaine de Robert « Robbie » Conal : une œuvre emblématique du pop art et du graffiti. L'œuvre « Contra Cocaine » de Robert « Robbie » Conal marque un tournant dans l'histoire du street art et du graffiti. Cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm, avec son crâne inquiétant se détachant sur un fond camouflage, est bien plus qu'une simple déclaration visuelle : c'est un manifeste politique d'une précision artistique remarquable. Tirée à la main sur papier d'art, cette édition limitée à 100 exemplaires témoigne de l'entrée fracassante de Conal dans le monde du street art, un domaine qu'il domine depuis. Peintre de talent, formé à Stanford, Robbie Conal est connu pour ses portraits saisissants et d'une précision extrême, représentant souvent des personnalités politiques sous des formes grotesques. Son œuvre, profondément politique et engagée, offre une critique acerbe de la corruption et des malversations politiques. « Contra Cocaine » est sans doute son œuvre la plus controversée, une représentation symbolique du scandale Iran-Contra qui a entaché l'administration Reagan. Sa version originale de 1988 a la particularité de faire partie de la collection permanente du Los Angeles County Museum of Art (LACMA), soulignant ainsi son importance culturelle et historique. Contre la cocaïne : le point de rencontre entre l'art et l'activisme politique L'œuvre « Contra Cocaine » de Conal transcende la simple démarche artistique ; elle incarne l'engagement de l'artiste à confronter et à exposer les aspects les plus sombres des structures du pouvoir politique. Cette pièce est un commentaire poignant sur l'affaire Iran-Contra, le crâne symbolisant de façon macabre les conséquences mortelles des manœuvres politiques. Grâce au langage visuel percutant et saisissant du street art, l'œuvre de Conal devient accessible et engageante, incitant le public à réfléchir aux mécanismes souvent invisibles des malversations gouvernementales. La diffusion de « Contra Cocaine » par le biais d'affiches dans les rues de plusieurs villes des États-Unis a marqué les débuts de Conal dans le street art. Ce travail d'affichage sauvage, forme d'activisme citoyen, visait à provoquer un débat public et à faire sortir le commentaire politique des galeries pour l'amener dans la rue. L'image est devenue synonyme de la désillusion et de la colère d'une génération, canalisant l'esprit de la contestation dans une œuvre d'art d'une force exceptionnelle. L'héritage et l'influence de Robbie Conal dans le street art L'influence de Robbie Conal sur le street art et le graffiti est profonde. Son engagement à fusionner art et activisme a inspiré d'innombrables artistes, les incitant à considérer l'espace urbain comme une plateforme d'expression et de transformation sociale. Le placardage des affiches « Contra Cocaine » à travers le pays n'était pas seulement une prise de position artistique, mais un véritable appel à la mobilisation, incitant une « armée » de bénévoles à diffuser largement cette image percutante. La méthode de Conal – activer un réseau de volontaires pour distribuer ses affiches – reflète la nature collective du street art, où la communauté joue un rôle crucial dans la diffusion et la réception de l'œuvre. Cette « armée » mobilisée par Conal témoigne de l'esprit de collaboration propre au mouvement du street art, brouillant les frontières entre artiste et public, entre création individuelle et expérience collective. Contre la cocaïne : une déclaration d'importance artistique et historique Le contexte historique de « Contra Cocaine » amplifie son importance dans les annales du street art. Publiée à l'occasion de l'exposition « The Missing Link » au Country Club en 2010, cette estampe fait également partie des collections Beautiful Losers Archive et Iconoclast Editions, qui rendent hommage aux artistes ayant façonné le paysage de l'art contemporain en marge des systèmes traditionnels. « Contra Cocaine » non seulement inscrit Robbie Conal dans l'histoire du street art, mais témoigne aussi du pouvoir de l'art visuel comme moyen de résistance politique et de réflexion sociale. En tant qu'œuvre de street art pop et de graffiti, elle illustre le potentiel du genre à influencer l'opinion publique et à susciter des dialogues qui transcendent le médium visuel, pour entrer dans le domaine de la mémoire collective et de la documentation historique. La pertinence toujours actuelle de « Contra Cocaine » réside dans sa confrontation directe avec la corruption politique et dans la manière dont l'art peut dénoncer et critiquer les puissants. À travers cette œuvre et l'ensemble de son travail artistique, Robbie Conal démontre le rôle durable de l'artiste comme provocateur et observateur social, maniant pinceaux et sérigraphies comme d'autres manient stylos ou pancartes. Son héritage dans le street art se définit par son style visuel unique et son engagement indéfectible en faveur de l'activisme par l'art.

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Licorne Man, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre de 20 x 25 cm (8 x 10 pouces). Homme nu avec corne de licorne, pensif. Impression giclée par Mike Mitchell. Homme licorne dans une œuvre d'art pop art et graffiti de rue « Unicorn Man », une estampe giclée en édition limitée de Mike Mitchell, illustre parfaitement la fusion caractéristique de l'artiste entre humour, surréalisme et pop art contemporain. Sortie en 2014 à 100 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre incarne la fantaisie et la satire propres au street art moderne. Avec ses lignes épurées, sa palette de couleurs pastel douces et son sujet à la fois absurde et contemplatif, elle remet en question les normes artistiques conventionnelles tout en interrogeant la perception de soi et le rôle du fantasme dans le quotidien. L'absurdité ludique de l'image « L'Homme-Licorne » représente un homme nu, assis, dans une pose paisible et méditative. Son physique rondouillard, ses traits enfantins et sa petite moustache confèrent au personnage une dimension à la fois comique et attachante. L'élément le plus frappant reste cependant la corne de licorne qui jaillit de son front, scintillante et se fondant dans ses cheveux blonds et soyeux. Une petite queue de licorne renforce encore cette métamorphose mythique, suggérant subtilement que cet homme, malgré son humanité ordinaire, se perçoit comme un être plus magique. L'œuvre de Mike Mitchell met souvent en lumière l'absurde d'une manière à la fois humoristique et étrangement stimulante. « L'Homme-Licorne » ne fait pas exception. En plaçant un homme par ailleurs ordinaire dans un contexte extraordinaire, l'œuvre interroge les notions d'identité, d'acceptation de soi et de besoin d'évasion. Le pop art urbain utilise fréquemment de telles représentations exagérées pour engager le public dans un dialogue ludique et profond sur la vie moderne. Éléments stylistiques et surréalisme pop La composition d'« Homme-Licorne » s'inscrit dans les principes du surréalisme pop, un mouvement qui mêle des éléments de la culture populaire à une imagerie onirique ou absurde. Les lignes nettes, presque caricaturales, reflètent une esthétique numérique très soignée, caractéristique du street art pop contemporain. La palette de couleurs restreinte, dominée par des teintes beige chaud et rose tendre, confère à l'œuvre une douceur et une convivialité qui rendent le personnage accessible malgré l'étrangeté de sa transformation. Le style unique de Mitchell combine des techniques d'illustration qui évoquent la nostalgie tout en conservant une touche de modernité. Les couleurs franches et franches, ainsi que la simplicité expressive de la figure, créent une impression d'immédiateté, rendant l'œuvre facile à appréhender tout en lui conférant une profondeur de sens. La lueur onirique qui entoure la corne de la licorne souligne la nature surréaliste de la perception que le personnage a de lui-même, invitant le spectateur à pénétrer dans son univers imaginaire. Symbolisme et commentaire culturel L'œuvre « Unicorn Man » dépasse le simple humour visuel pour s'inscrire dans le champ du commentaire culturel. Dans le street art et le graffiti, le fantastique sert souvent à interroger la réalité. La pose paisible et méditative du personnage suggère l'acceptation de son identité unique, aussi absurde puisse-t-elle paraître aux yeux d'autrui. Ceci pourrait symboliser la lutte pour l'expression de soi et l'individualité dans un monde qui prône souvent le conformisme. La licorne elle-même est depuis longtemps associée à la pureté, à la magie et à des idéaux inaccessibles. En juxtaposant ce symbolisme mythique à une figure humaine ordinaire, l'œuvre met en lumière la tension entre aspiration et réalité. Elle suggère que chacun, à sa manière, nourrit le désir d'être perçu comme extraordinaire, même si ce fantasme n'existe que dans son imagination. L'attrait persistant de l'homme-licorne Unicorn Man continue de fasciner les collectionneurs et les amateurs d'art pop contemporain grâce à son mélange de fantaisie, de satire et de thèmes qui invitent à la réflexion. Le tirage limité de cette estampe en fait une pièce très recherchée dans les milieux du street art et du graffiti. La capacité de Mike Mitchell à allier humour et sophistication artistique garantit la pertinence et l'attrait constants de son œuvre. Cette œuvre nous rappelle que la créativité s'épanouit dans l'inattendu. En fusionnant le ridicule et la sérénité, Unicorn Man invite les spectateurs à embrasser leur part d'absurdité et à trouver la magie dans le quotidien. Qu'on y voie un personnage léger ou une métaphore plus profonde de la perception de soi, l'œuvre renforce le pouvoir du street art de bousculer les perspectives tout en suscitant le sourire.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Sérigraphie interdimensionnelle en collaboration avec KEF ! Simon Rohlen x Dalek - James Marshall. Épreuve d'artiste. Sérigraphie 15 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts. Édition limitée. Œuvre d'art pop, street art et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 18x24 Exploration des univers fascinants de « Interdimensional Collab Cut AP » par KEF!, Simon Rohlen et Dalek « Interdimensional Collab Cut AP » est un témoignage saisissant de la synergie qui naît de la convergence d'artistes pop art, street art et graffiti. Cette sérigraphie d'artiste est l'œuvre d'un trio dynamique : KEF!, Simon Rohlen et Dalek, alias James Marshall. Leur collaboration de 2022 a donné naissance à une sérigraphie artisanale en 15 couleurs, débordante d'énergie et d'intensité chromatique, caractéristiques des œuvres pop art urbaines en édition limitée. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette œuvre est un véritable régal pour les yeux, incarnant l'esprit du street art contemporain par son amalgame de formes, de figures et de couleurs vibrantes. Chaque couleur est méticuleusement superposée pour créer une composition aussi complexe que captivante, invitant le spectateur à plonger dans un univers qui transcende les frontières visuelles traditionnelles. Le terme « interdimensionnel » est tout à fait approprié, car l'œuvre ouvre un portail vers un monde où les lois de l'espace et de la forme sont réinventées, et où une énergie vibrante jaillit de la toile. La nature collaborative d’« Interdimensional Collab Cut AP » se reflète dans l’intégration harmonieuse du style distinctif de chaque artiste. Les lignes fluides et calligraphiques de KEF! animent la composition, tissant une tapisserie vibrante de mouvement organique. Le penchant de Simon Rohlen pour les formes abstraites et géométriques apporte un équilibre structurel à cette fluidité, ancrant l’œuvre dans une harmonie visuelle rythmique. Les emblématiques Space Monkeys de Dalek, ici représentés dans une nouvelle version, insufflent à l’œuvre une dose d’irrévérence et de narration. Ensemble, ils créent une œuvre qui dépasse la somme de ses parties : une vision unifiée née de la convergence de leurs parcours. Cette estampe témoigne du talent de l’artiste et de la maîtrise du procédé de sérigraphie, qui exige une grande précision et un savoir-faire pointu pour gérer les superpositions et interactions complexes de 15 couleurs. La mention « AP » indique qu’il s’agit d’une épreuve d’artiste, un exemplaire traditionnellement conservé à part de l’édition principale pour l’usage personnel de l’artiste ou à des fins d’archivage. De ce fait, elle porte une marque d'authenticité et d'exclusivité, souvent recherchée par les collectionneurs pour sa fidélité à la vision originale des artistes et sa rareté. L'« Interdimensional Collab Cut AP » est un emblème vibrant du street pop art. Ce mouvement repousse sans cesse les limites de l'expression visuelle en faisant le lien entre l'authenticité brute de la rue et la finesse des galeries d'art. Il invite les spectateurs à repenser les frontières entre l'art savant et l'art urbain, suggérant que cette division est superflue et limite le potentiel d'innovation artistique. Cette estampe célèbre l'esprit créatif qui anime le street pop art et le graffiti. Elle témoigne du pouvoir de la collaboration et des possibilités infinies qui émergent lorsque des artistes s'unissent pour réinterpréter le monde qui les entoure. Pour les collectionneurs, les amateurs et les néophytes, l'« Interdimensional Collab Cut AP » offre un aperçu fascinant de l'avenir du street pop art, où les frontières s'estompent et le langage visuel est en perpétuelle évolution.

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Street Prophet, œuvre originale unique en son genre, peinture acrylique sur papier d'archivage, par le célèbre artiste de graffiti de rue KC Ortiz. KC Ortiz « Street Prophet » KC ORTIZ Street Prophet, 2021 Peinture acrylique sur papier d'archivage 8,66 x 12,99 pouces 22 x 33 cm 1 sur 1.

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Workspace Tats Cru Peinture à la bombe originale par BG183 Œuvre d'art unique sur toile tendue sur châssis par un artiste pop art de rue. Peinture originale à la bombe et à l'acrylique, prête à accrocher, 20 x 16 pouces (50,8 x 40,6 cm). Espace de travail de BG183 de Tats Cru – Œuvres originales à la bombe aérosol et à l'acrylique, dans le style street art pop et graffiti. « Workspace » est une œuvre originale de 2022, réalisée à la bombe aérosol et à l'acrylique par BG183, membre du légendaire collectif de graffiti Tats Cru. Créée sur une toile de 50 x 40 cm (20 x 16 pouces) montée sur châssis, cette pièce unique capture l'énergie et le rythme visuel de l'espace créatif d'un artiste. Elle fusionne le graffiti wildstyle classique avec des aplats de couleurs abstraits et des éléments éphémères d'atelier. Au cœur de la composition se trouve une reconstitution libre et vibrante d'une scène de bureau en temps réel : un croquis de BG183 sur papier repose sur une toile texturée et éclaboussée de peinture, accompagné d'un stylo rose. Cette illusion de profondeur et de processus devient un élément narratif central, transformant l'œuvre à la fois en une composition achevée et en une image figée d'un graffiti en cours de réalisation. Le papier arbore une typographie audacieuse et lumineuse, dans des tons de rose, de bleu, de jaune et d'orange, où l'on peut lire « BG183 » dans un style graphique épuré et classique. Autour de l'œuvre se déploie un champ explosif d'éclaboussures vertes, noires et blanches sur un fond bleu sarcelle profond, évoquant le chaos et la liberté de la surface de travail d'un graffeur. Surfaces stratifiées et énergie du processus La surface de Workspace fonctionne à plusieurs niveaux. Au premier abord, elle se présente comme une photographie d'un atelier physique. Un examen plus attentif révèle que chaque élément – ​​de l'esquisse aux ombres en passant par le stylo – est rendu à la peinture. Cette technique du trompe-l'œil est la manière dont BG183 abolit la frontière entre création et présentation. Les zones d'éclaboussures imitent l'accumulation de peinture au fil des années que l'on trouve dans de véritables ateliers, mais ici, elles sont méticuleusement composées pour équilibrer mouvement et contraste. BG183 utilise ces gestes picturaux non seulement pour dynamiser le fond, mais aussi pour l'imprégner de l'ADN du graffiti : la superposition, l'accident, l'impulsion et la saturation des outils en action. Le lettrage graffiti comme élément central et identité Le lettrage central de la feuille imitant le papier illustre le style emblématique de BG183. Les lettres capitales, stylisées et en relief, sont soulignées d'une netteté saisissante et remplies de dégradés subtils et d'accents façon dessin animé. Le jeu d'ombres et de lumières, ainsi que les contrastes de couleurs, rendent hommage à l'esthétique graffiti new-yorkaise classique qui a façonné le parcours artistique de BG183. À la fois tag et signature, cette œuvre affirme sa paternité avec énergie et maîtrise. La présence du nom Tats Cru renforce l'influence et l'héritage du collectif, rappelant que cette pièce ne se limite pas à un style individuel, mais s'inscrit également dans une histoire collective et contribue à la culture graffiti mondiale. Intimité en studio dans l'art pop urbain et le graffiti L'espace de travail reflète le moment où le graffiti brut rencontre la rigueur de l'atelier, sans rien perdre de son authenticité. BG183 capture l'immédiateté de la culture urbaine et l'inscrit dans un cadre maîtrisé, non pour la dompter, mais pour la mettre à l'honneur. Les éclaboussures de peinture, les traînées d'encre et le chaos organisé de l'espace de travail dressent le portrait de l'artiste en mouvement – ​​du graffiti non seulement comme acte public, mais aussi comme rythme intime. Dans le contexte plus large du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre est à la fois un hommage et un témoignage. Elle offre un aperçu rare de l'univers personnel d'un maître du graffiti, un univers où se mêlent la peinture en aérosol, l'histoire et la tension créative, le tout capturé dans une œuvre qui célèbre le processus comme sujet et la toile comme narratrice.

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Haute Couture I Louis Vuitton Papier buvard d'archives Impression par Denial - Daniel Bombardier Édition limitée Tirage pigmentaire d'art d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Le luxe satirisé dans l'art de rue pop et le graffiti « High Fashion I Louis Vuitton » de Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, présentée sur papier buvard perforé. Tirée à 35 exemplaires et publiée en avril 2024, cette œuvre fusionne l'esthétique du luxe avec un médium provocateur traditionnellement associé à la culture psychédélique underground. Le monogramme iconique de Louis Vuitton et le motif à damier occupent le devant de la scène, intégrés dans une composition minutieuse qui explore les notions de statut, d'obsession et de marchandisation. Chaque exemplaire est perforé à la main par Zane Kesey, créant ainsi un lien textuel et conceptuel entre art, contre-culture et consommation. L'iconographie militarisée de Daniel Bombardier Depuis longtemps, Daniel Bombardier explore les thèmes du consumérisme et de la propagande à travers son art urbain, pop et graffiti. Sous le pseudonyme de Denial, ses œuvres critiquent les médias de masse, le culte des marques et la manipulation politique. High Fashion I Louis Vuitton s'inscrit dans cette démarche en mettant en lumière une maison de couture symbole de richesse et de prestige international. L'utilisation par Bombardier du format buvard, issu de la contre-culture psychédélique et de l'art imprimé clandestin, confronte frontalement le mercantilisme sophistiqué de la haute couture. La tension entre l'éphémère de la drogue et le langage du design élitiste devient une réflexion visuelle sur l'évasion, l'identité et les divisions de classe. Le papier buvard comme toile culturelle L'utilisation du papier buvard n'est pas qu'un choix stylistique : elle est symbolique. Dans le milieu de l'art underground, les buvards perforés servent de toiles miniatures pour la satire et la résistance. Appliqués sur des logos d'entreprises ou des icônes sociales, ils deviennent des critiques du pouvoir et du conformisme. La précision d'impression et la finition impeccable de cette édition contrastent fortement avec son support anticonformiste. Bombardier subvertit le format traditionnel en conservant l'esthétique raffinée du luxe tout en l'inscrivant dans un contexte reconnu pour son expression contestataire. Chaque carré de l'estampe, bien que non imprimé, porte le poids historique du psychédélisme et l'esprit DIY de l'art protestataire. Réappropriation de l'imagerie commerciale par le commentaire du Street Pop « Haute Couture I Louis Vuitton » est une synthèse de savoir-faire maîtrisé et de critique. La fusion de l'image de marque du luxe avec la forme modulaire des buvards soulève des questions sur la reproduction, le statut social et le rituel d'acquisition d'une identité. Il ne s'agit pas d'une simple appropriation, mais d'une véritable transformation. Sous l'égide de Denial, l'empire visuel de Louis Vuitton devient une carte satirique, traçant les frontières entre aspiration et illusion. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre affirme que rien n'échappe à la réinterprétation, pas même les icônes les plus sacrées de la mode.

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Planche de skateboard Paul's Boutique Deck Limited Edition Archival Pigment Print, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Ricky Powell. 2019 Signé et numéroté au verso Transfert d'impression pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid Taille : 8 x 31,875 pouces Sortie : 19 novembre 2019 Ricky Powell (1961-2021) Paul's Boutique, 2019 Impression pigmentaire d'archives en couleurs sur planche de skate 32 x 8 pouces (81,3 x 20,3 cm) Éd. 37/75 Numéroté à l'encre au verso. La fusion de la culture skate et du pop art urbain dans la planche Paul's Boutique de Ricky Powell La convergence de la culture skate et du street art pop incarne une forme d'expression urbaine singulière, qui a acquis une grande notoriété et le respect du milieu artistique. Ce mélange unique est magnifiquement illustré dans la planche de skateboard Paul's Boutique Deck, une édition limitée ornée d'une impression pigmentaire d'archives réalisée par le célèbre artiste de street art pop Ricky Powell. Sortie le 19 novembre 2019, cette pièce célèbre l'esthétique urbaine et les sensibilités de la culture pop, incarnant l'esprit de la rue grâce à son design saisissant et ses références culturelles. L'héritage artistique et l'influence urbaine de Ricky Powell Ricky Powell, né en 1961 et disparu en 2021, était une figure emblématique du street art. Reconnu pour ses photographies brutes et spontanées qui capturaient l'essence même de la vie urbaine new-yorkaise et de l'âge d'or du hip-hop, l'œuvre de Powell transcende le simple attrait visuel. Son incursion dans l'univers du skateboard avec la planche Paul's Boutique a consolidé sa réputation d'artiste capable de naviguer avec aisance entre les médiums tout en restant profondément ancré dans la culture urbaine. La planche elle-même, mesurant 81 x 20 cm, témoigne du sens du détail de Powell et de son talent pour raconter une histoire par l'image. L'impression pigmentaire d'archives présente des couleurs à la fois vibrantes et caractéristiques de l'époque où Powell s'épanouissait. Numérotée 37 sur 75, chaque pièce de cette série limitée porte l'empreinte de la vision de Powell, sa signature et sa numérotation au verso soulignant l'exclusivité et le caractère collector de l'œuvre. Les planches de skateboard comme supports d'expression pour le street art Les planches de skateboard sont depuis longtemps reconnues comme des supports d'expression artistique, souvent ornées de motifs reflétant le style ou la philosophie du skateur. Cependant, lorsque des artistes comme Ricky Powell s'emparent de ce médium, les planches transcendent leur fonction première et deviennent de véritables œuvres d'art urbain. La planche Paul's Boutique, avec son impression pigmentaire d'archives sur une planche naturelle pressée à froid et à profil incliné, se transforme en une fresque mobile, une œuvre de graffiti portable qui porte l'esprit indomptable du street art partout où elle va. Le choix de la planche de skateboard comme support est délibéré et témoigne de l'importance subculturelle du skateboard dans le paysage urbain. C'est un clin d'œil à l'esprit DIY des skateurs et des artistes de rue, une célébration des mouvements contre-culturels qui ont façonné l'esthétique et les philosophies de générations entières. Le travail de Ricky Powell sur cette planche brouille les frontières entre art et utilité, entre galeries et rues, créant une œuvre qui trouve aussi bien sa place dans une collection privée que sur les rampes et les trottoirs de la ville. La planche Paul's Boutique Deck est un vibrant hommage au pop art et au graffiti, figures emblématiques de la culture urbaine. Fruit du travail de Ricky Powell, cette planche de skateboard en édition limitée symbolise la synergie entre l'art et les sous-cultures qui l'inspirent. Témoin d'histoire, elle capture l'âme de la ville sur le bois et témoigne du pouvoir de l'art à sublimer les récits de la rue.

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Année du Tigre - Janvier - Tirage d'art en édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche de skateboard naturelle, par l'artiste de rue et de graffiti Mimi Yoon. Planche de skateboard en édition limitée (100 exemplaires), signée et numérotée par Mimi, avec certificat d'authenticité. Fabriquée aux États-Unis.

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« Get in the Van Followed », sérigraphie artisanale en édition limitée 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Estampe d'art en édition limitée Die Anatomie Archival Pigment sur papier d'art en velours de coton par l'artiste Nychos, légende du street art pop graffiti. Estampe d'art signée et numérotée 2021 par NYCHOS. Dimensions : 61 cm x 98 cm (24 po x 38,6 po). Édition limitée à 111 exemplaires. Papier d'art velours en fibres de coton. Signée et numérotée à la main.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier japonais fait main par l'artiste Jed Henry. Édition limitée signée 2022, format 12x17, bords découpés à la main « Si vous choisissez la voie rapide et facile, vous deviendrez un agent du mal. »

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King Janky The Sixth « Capo dei Capi » Janky SuperPlastic Édition Limitée Figurine de Collection en Vinyle Art Street Art Découvert à moitié enfoui dans une paire de Nike en ciment immaculées au fond de l'East River, ce membre le plus controversé de la famille royale Janky est orné d'une mitraillette Thompson, d'un fedora cubain et d'un journal imbibé de sang. Boîte ouverte, comme neuf.

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Masque de tigre - Première génération 400% BE@RBRICK Édition limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de collection. Tiger Mask 2021 est le personnage incarné par plusieurs catcheurs professionnels japonais. Cette version rend hommage à la première génération de catcheurs portant ce nom. Ce Bearbrick 400 % mesure 28 cm.

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Lights Out 10" - Figurine de collection Guggimon Chop Chop Janky SuperPlastic en vinyle, édition limitée, style street art, par Guggimon Édition limitée 2021 à 1555 exemplaires. Hauteur : 25,4 cm (10 pouces). La série Chop Chop de Guggi ne serait pas complète sans cette terrifiante figurine Night Terror de 25 cm. 1555 exemplaires produits en 2021.

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NY@BRICK Karimoku Chess 400% BE@RBRICK Jouet d'art en bois fait main extrêmement rare, fabricant de meubles japonais, sculpture Bearbrick d'art. Œuvre d'art en bois estampé, édition limitée extrêmement rare de 2020, présentée dans sa boîte en parfait état. Maître du travail du bois au Japon, Karimoku est une référence en matière de mobilier design et désormais aussi de figurines de luxe suite à ses collaborations avec Medicom.

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Kwame Did It, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Stephanie Buer.

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Playbot 1 Artwork Giclée en édition limitée, impression sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Mimi Yoon. Édition limitée signée pour Sneaker Con 2021

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Mona Lisa - Découvrir le paradis des fous, sculpture en vinyle et PVC en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste pop art moderne Straveling Muzeum . 2022 17.24 ZCWO et Straveling Muzeum 15x217.4 Présenté avec boîte Mona Lisa - Découverte par Fools Paradise et Straveling Muzeum : Une nouvelle vision du street art pop et du graffiti « Mona Lisa - Discovering » est une sculpture en vinyle et PVC en édition limitée, une œuvre d'art révolutionnaire née de la collaboration entre Fools Paradise et Straveling Muzeum, en partenariat avec ZCWO. Sortie en 2022, cette sculpture réinterprète le chef-d'œuvre intemporel de Léonard de Vinci avec une touche de modernité audacieuse et ludique. Mesurant 43,8 cm, elle est présentée dans un coffret soigné qui renforce son statut d'objet de collection. Cette réinterprétation fusionne le classique et le contemporain, insufflant à la Joconde une énergie vibrante puisant son inspiration dans la culture pop moderne, l'animation et la science-fiction, et s'intégrant parfaitement à l'univers en constante évolution du street art et du graffiti. Innovation artistique et excellence technique à l'origine de la Joconde - À la découverte de Le design de Mona Lisa - Discovering présente un effet de superposition mécanique qui découpe la figure en douze segments distincts, évoquant une technologie futuriste tout en préservant l'élégance historique du portrait original. Ces sections révèlent une double identité, fusionnant le visage serein et familier de la Joconde traditionnelle avec une version colorée et caricaturale, inspirée des précédents designs de boîtes surprises de ZCWO. Le contraste saisissant entre les segments réalistes et le noyau animé et ludique interroge les notions d'authenticité, de valeur et de transformation dans l'art. Cette présentation en couches rend également un hommage subtil au film Total Recall, faisant référence à la scène inoubliable des identités dissimulées et des couches cachées, en parfaite adéquation avec l'esprit subversif du Street Pop Art et du Graffiti. Le rôle de Fools Paradise et de Straveling Museum dans l'art de la culture pop contemporaine Fools Paradise, réputé pour ses objets d'art avant-gardistes et ses réinterprétations d'icônes culturelles, a collaboré avec Straveling Muzeum pour créer une œuvre qui capture l'essence même de l'admiration pour l'art classique et de sa réinterprétation pop. En fusionnant vinyle et PVC en une sculpture unique et détaillée, ils mettent en valeur à la fois le côté ludique et le savoir-faire qui caractérisent l'art de collection moderne. Leur capacité à intégrer harmonieusement des références aux beaux-arts classiques et à l'imagerie pop contemporaine est au cœur même du Street Pop Art et du graffiti, où l'art traditionnel est réinventé à travers le prisme de médiums accessibles et populaires. Ce projet ne se limite pas à la nostalgie ou à un simple hommage ; il contribue activement à redéfinir le regard que la société porte sur les œuvres d'art historiques à l'ère du numérique et de la production de masse. L'impact culturel et l'attrait de la Joconde pour les collectionneurs - À la découverte de « Mona Lisa - Discovering » est bien plus qu'un hommage ludique ; c'est une affirmation de la pertinence intemporelle de l'art classique réinterprété à travers le langage dynamique du street art, du pop art et du graffiti. L'alliance d'un sujet universel et de techniques visuelles contemporaines en fait une pièce incontournable pour les collectionneurs sensibles à l'innovation et au commentaire culturel. Le souci du détail, de la superposition segmentée à la qualité des matériaux (vinyle et PVC), transforme cette sculpture, d'une simple curiosité, en une œuvre d'art à part entière. Présentée dans son coffret, elle fusionne histoire de l'art, culture urbaine et innovation pop, confirmant l'idée que même les icônes les plus vénérées peuvent être revisitées et présentées à un nouveau public grâce à des collaborations audacieuses et créatives.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives de New York, sur papier beaux-arts 290 g/m², par l'artiste Stom500, artiste pop art. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2022. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22,5 pouces. #40 sur 40

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Œuvre d'art Action Jackson, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Ron English - POPaganda. L'hommage de Ron English à l'artiste Jackson Pollock par POPaganda était une figurine articulée personnalisée de 30 cm (échelle 1/6) présentée au salon (In)Action Figure Show du magazine Clutter, intitulée « Action Jackson ». Cette pièce exceptionnelle, signée par Ron English au dos, a également été reproduite en édition extrêmement limitée par tirage giclée 30 x 40 cm (12 x 16 pouces), numéroté et signé par l'artiste. Seuls 10 exemplaires de ce tirage ont été produits.

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Galimatias AP Sérigraphie par Etam Cru x Sainer x Bezt Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag à bords frangés Édition limitée Œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste AP 2015 Signée et marquée AP Tirage limité Dimensions de l'œuvre 29x30 Galimatias AP : Une collaboration sérigraphique unique d'Etam Cru, Sainer et Bezt Galimatias AP est une œuvre majeure du mouvement Street Pop Art et graffiti, née de la collaboration géniale du duo Etam Cru, composé de Sainer et Bezt. Cette sérigraphie d'artiste de 2015 révèle la fusion unique des styles distinctifs de chaque artiste. Tirée à la main sur papier d'art Coventry Rag, cette estampe de 74 x 76 cm (29 x 30 pouces) est une pièce imposante qui captive le regard par la finesse de ses détails et la force évocatrice de son imagerie, accentuée par le toucher du bord frangé du papier. Art et authenticité à Galimatias AP Chaque épreuve d'artiste atteste de l'authenticité et du caractère exclusif d'une estampe, et l'épreuve d'artiste de Galimatias ne fait pas exception. L'exemplaire est marqué « AP » et signé par Sainer et Bezt, ce qui indique qu'il fait partie d'une édition limitée. Ce marquage garantit l'authenticité de l'estampe et prouve qu'elle figure parmi les premières tirées de la série, souvent conservées par les artistes ou utilisées à des fins d'exposition. Savoir-faire en sérigraphie Le procédé de sérigraphie artisanale utilisé pour Galimatias AP est un art exigeant une minutie extrême. Cette technique traditionnelle, appliquée à une vision artistique contemporaine, produit une estampe d'une profondeur et d'une vivacité impossibles à obtenir par voie numérique. Le procédé sept couleurs employé pour Galimatias AP et l'utilisation d'un papier Coventry Rag de haute qualité garantissent la richesse des couleurs et la netteté de l'image, chaque couche contribuant à la narration et à l'esthétique d'ensemble. Symbolisme dans l'œuvre d'Etam Cru L'imagerie de Galimatias AP regorge de symbolisme, une caractéristique du travail d'Etam Cru. La juxtaposition d'éléments fantastiques et quotidiens crée une atmosphère surréaliste ouverte à l'interprétation, invitant le spectateur à découvrir le récit tissé dans la composition visuelle. Cette œuvre reflète l'approche du duo vis-à-vis du Street Pop Art et du graffiti, où la narration onirique et souvent introspective est au premier plan. Valeur de collection et impact des éditions limitées Le caractère limité des épreuves d'artiste, comme l'AP de Galimatias, contribue à leur valeur de collection et à leur impact au sein de la communauté artistique. Collectionneurs et amateurs recherchent ces estampes pour leur exclusivité et leur lien avec la vision originale de l'artiste. En tant qu'AP, celle de Galimatias est particulièrement convoitée, sa valeur étant accrue par sa rareté et la notoriété de ses créateurs dans le milieu du street art, du pop art et du graffiti. L'héritage d'Etam Cru dans le street art pop et le graffiti L'héritage d'Etam Cru au sein du mouvement Street Pop Art et du graffiti est incontestablement marqué par des œuvres telles que Galimatias AP. Sainer et Bezt, par leur collaboration, ont repoussé les limites du street art, bousculant les idées reçues et encourageant une appréciation plus profonde du genre. Leur influence est manifeste dans la manière dont leurs estampes, en éditions limitées, continuent de toucher et d'inspirer, leur assurant une place de choix dans l'histoire de l'art contemporain.

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Estampe giclée Grace de Bec Winnel, œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts, artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 11,75 x 16,5 pouces. Jeune femme tatouée, stylisée, en pleine réflexion, avec des motifs géométriques tribaux. Estampe giclée Grace : Un confluent d'introspection et de pop art urbain L'estampe « Grace » de Bec Winnel témoigne avec brio du talent de l'artiste pour exprimer une profonde introspection à travers le street art, le pop art et le graffiti. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée capture l'essence du dialogue entre l'art contemporain et les formes d'expression traditionnelles. Chaque estampe, mesurant 29,8 x 41,3 cm, est méticuleusement signée et numérotée par Winnel, garantissant son authenticité et sa valeur sur le marché de l'art. Le parcours artistique et le style signature de Bec Winnel L'artiste australienne Bec Winnel s'est imposée sur la scène artistique internationale grâce à son approche singulière du Street Pop Art. L'estampe « Grace » illustre parfaitement son style caractéristique, mettant souvent en scène de jeunes femmes ornées de tatouages ​​stylisés aux motifs tribaux et géométriques. À l'instar des graffitis, ces tatouages ​​agissent comme une armure symbolique, représentant à la fois la résilience et la vulnérabilité. Ils constituent un pont visuel entre le monde intérieur du sujet et la réalité extérieure, un thème récurrent dans l'œuvre de Winnel. Sa capacité à exprimer des états émotionnels complexes à travers ces images confère à son travail une résonance auprès d'un public diversifié. Comprendre l'essence du street art, du pop art et du graffiti L'estampe « Grace » n'est pas qu'un simple objet d'art ; c'est une œuvre narrative qui en dit long sur la complexité de l'expression humaine. L'œuvre de Winnel est une toile où se rencontrent l'intime et l'universel, à l'image de l'esprit du street art et du graffiti. Ces formes d'art, traditionnellement présentes dans l'espace public, sont ici réinterprétées par Winnel pour explorer les contemplations intimes de l'individu. Cette juxtaposition invite le spectateur à réfléchir à l'interaction entre exhibitionnisme et introspection, une dynamique essentielle pour comprendre l'influence du street art sur la culture contemporaine. La signification culturelle des œuvres d'art en édition limitée Les estampes en édition limitée, telles que « Grace Giclee Print », occupent une place à part dans le monde de l'art de par leur exclusivité et le lien qu'elles tissent entre l'artiste et le collectionneur. La rareté de ces œuvres d'art renforce leur attrait et, par extension, leur potentiel en tant qu'artefacts culturels. Le choix de Winnel de limiter le tirage à 25 exemplaires confère à « Grace » une dimension d'urgence et de prestige, faisant de chaque estampe un objet précieux pour les heureux acquéreurs. Au-delà de leur attrait esthétique, les estampes en édition limitée comme celle-ci symbolisent l'évolution constante du street art, qui continue d'influencer les sphères plus formelles de la collection et de la critique d'art. L'estampe « Grace Giclee Print » de Bec Winnel est une représentation saisissante de la fusion entre le portrait traditionnel et la puissance brute et expressive du Street Pop Art. Le dévouement de Winnel à son art et sa capacité à distiller des émotions complexes dans ses œuvres garantissent que celles-ci sont visuellement époustouflantes et intellectuellement et émotionnellement stimulantes. Le caractère limité de l'édition « Grace » ajoute à son mystère, promettant une place d'honneur dans les annales du Street Pop Art et du graffiti contemporains.

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XLARGE x D*Face - Brown 100 % et 400 % BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, figurines de collection urbaines D Face Xlarge Bearbrick Medicom Toy Be@rbrick 400% 100% Designer Con. Marque BE@RBRICK MPN BERBRICK400 GTIN 5019950332456 UPC 5019950332456 Caractéristiques principales du produit Année de fabrication 2020 Vintage Non Original/Sous licence Reproduction Original Personne/Artiste vedette Visages Matériau Vinyle, Plastique Espèce animale Ours Franchise Bearbrick Type Figurine d'action Collection Thème Designer & Urbain Vinyle

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Estampe sur bois « In This Together » de Ravi Amar Zupa, tirée à la main sur un panneau de bois recyclé, édition limitée. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 40 exemplaires. Gravure sur bois de 10 x 14,5 cm (4 x 5,75 pouces) sur panneau de bois légèrement vieilli, prête à être accrochée. Représentant un Jolly Roger avec une tête de mort et des os croisés surmontés d'une couronne. Inscription : « Distanciation sociale avec amour 2020. Ensemble face à cette situation. » « Unis face à l’adversité » est une estampe saisissante de Ravi Amar Zupa, artiste reconnu pour ses estampes artisanales d’une grande finesse sur panneaux de bois recyclé. Cette œuvre en édition limitée, faisant partie d’une collection de seulement 40 exemplaires, reflète une période marquée par la pandémie mondiale et incarne l’esprit de solidarité et de résilience. Mesurant 10 x 14,5 cm, cette pièce compacte et puissante est prête à être accrochée. Son aspect légèrement vieilli lui confère un charme brut. L’estampe représente le Jolly Roger, emblème iconique de la piraterie, couronné et portant une tête de mort, ici réinterprété pour symboliser l’unité dans l’adversité. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Zupa Le choix des images et du texte par Ravi Amar Zupa dans « Ensemble » est à la fois évocateur et d'une grande actualité. Associés à une couronne, le crâne et les os croisés symbolisent traditionnellement la mort et le pouvoir. Cependant, dans le contexte de cette œuvre, ils acquièrent une nouvelle signification : ils représentent la lutte collective et la nécessité de maîtriser la crise avec compassion, comme le suggère l'expression « Distanciation sociale avec amour ». La technique de la gravure sur bois, une forme traditionnelle d'estampe, confère à l'œuvre une dimension intemporelle et l'inscrit dans une longue tradition d'expression artistique. Parallèlement, le panneau de bois de récupération rappelle l'importance du développement durable et de l'ingéniosité. Résonance culturelle de l'œuvre d'art La résonance culturelle de « In This Together » au sein de la scène du street art et du graffiti est significative. L'œuvre capture un sentiment partagé qui a transcendé les frontières pendant la pandémie : la solidarité. Le travail de Zupa explore souvent des thèmes à forte portée sociale et politique, et cette pièce ne fait pas exception. Elle touche au cœur même du rôle social du street art : commenter, unir et inspirer. Cette œuvre n'est pas seulement le reflet de notre époque, mais aussi un cri de ralliement, un message de soutien et d'empathie qui a profondément résonné en cette période d'incertitude mondiale. La collectionnabilité et l'impact sur l'art contemporain L'intérêt de « In This Together » réside dans son édition limitée, signée et numérotée par Zupa, ce qui lui confère une exclusivité particulière. Son format la rend accessible, tandis que son message et sa qualité d'exécution en font une pièce de choix pour toute collection d'art urbain contemporain et de graffiti. L'impact de l'œuvre est renforcé par son support – la gravure sur bois sur panneau de bois – qui allie techniques artistiques traditionnelles et thèmes modernes, séduisant ainsi un large public d'amateurs d'art et de collectionneurs. « In This Together » de Ravi Amar Zupa est une œuvre d'art contemporain saisissante, en résonance avec l'esprit communautaire de l'art urbain et du graffiti. Grâce à la technique traditionnelle de la gravure sur bois sur bois de récupération, Zupa crée une œuvre à la fois témoin de son époque et intemporelle. Elle symbolise l'unité et l'amour dans une année marquée par la séparation et l'incertitude, offrant un message d'espoir et de solidarité aussi universel que puissant.

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Slumscape Apps #8 Petite éponge Édition limitée Impressions pigmentaires HPM d'archives embellies à la main sur papier aquarelle par Jeff Gillette Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2021. Tirage unique signé, issu d'une série de 43 estampes pigmentaires d'archives rehaussées d'un collage et d'une aquarelle réalisés à la main. Papier 13 x 20 pouces, image 11,25 x 19 pouces. 2021

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Holy Grails Yeezys Papyrus - Top 2-Color Hand-Pull Diamond Dust Limited Edition Silkscreen Print on Egyptian Papyrus Paper by Marwan Shahin Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 10 exemplaires, taille 14,25x10, chaussure Yeezy dorée de Kanye West stylisée avec des éléments égyptiens, sur papier papyrus personnalisé. Marwan Shahin – Yeezys Papyrus, le Graal : le pop art urbain rencontre l'iconographie antique « Holy Grails Yeezys Papyrus – Top » est une sérigraphie exceptionnelle de 2022, signée Marwan Shahin, figure provocatrice du street art égyptien. Réalisée à la main selon des techniques d'impression traditionnelles et sublimée par une fine poussière de diamant, l'œuvre est imprimée sur un papier papyrus égyptien sur mesure, condensant des millénaires de symbolisme en un objet résolument moderne. Cette pièce mesure 36,2 x 25,4 cm et fait partie d'une édition ultra-limitée à seulement 10 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste. Shahin métamorphose ici la silhouette iconique de la Yeezy Boost de Kanye West en un artefact visuel digne d'une vénération pharaonique. En représentant la Yeezy Boost horizontalement, de haut en bas, et en l'ornant de symboles de pouvoir – pointes, chaînes, étoiles, ankhs et références architecturales –, Shahin élève un article de streetwear au rang de mythe. La semelle de la chaussure devient une toile pour un motif complexe évoquant des cartouches royaux ou des gravures funéraires. Au lieu de simples logos ou marques commerciales, la surface est gravée d'éléments qui évoquent l'armement, les bijoux et les motifs religieux, affirmant ainsi le statut de la basket comme relique du XXIe siècle, symbole de pouvoir, d'influence et de dévotion massive. Traduire la célébrité en folklore à travers le matériel et le symbole L'impression sur papyrus n'est pas qu'un choix esthétique : c'est une subversion culturelle délibérée. Historiquement, le papyrus a servi de support aux textes sacrés, aux décrets royaux et aux écritures religieuses. Shahin utilise ce matériau ancien pour ériger la Yeezy de Kanye West en un objet de vénération moderne, empreint d'ironie et d'observation culturelle. En ajoutant de la poussière de diamant scintillante sur une encre dorée, l'artiste invite le spectateur à considérer la fétichisation des produits dérivés de célébrités comme une nouvelle forme d'objet rituel, suscitant loyauté et foi à grande échelle. Le choix de présenter la Yeezy en vue de dessus gomme l'identité personnelle et fait de l'objet lui-même le sujet de la dévotion. Le pied est absent, ne laissant place qu'au symbole. L'œuvre interroge la manière dont la société de consommation et les médias transforment les biens matériels en réceptacles d'aspiration, de vénération, voire de projection divine. Elle métamorphose la basket en un sarcophage pour la création de mythes modernes. La pyramide de sens en expansion de Marwan Shahin Holy Grails Yeezys Papyrus s'inscrit dans la continuité conceptuelle de Yeezus Papyrus, la précédente œuvre de Shahin, poursuivant son exploration des frontières floues entre icône, idole et objet. Là où Yeezus Papyrus humanisait la célébrité derrière le mythe, cette pièce en abstrait totalement la personnalité, se concentrant sur le symbole de consommation lui-même. La stylisation de la sneaker fait non seulement référence à l'esthétique physique de la culture hip-hop et de la mode de luxe, mais imite également le langage hiéroglyphique ancien : chaque étoile, chaîne et ligne porte une signification à plusieurs niveaux, à la fois littérale et symbolique. La capacité de Shahin à synthétiser l'iconographie de la culture pop avec un symbolisme historiquement ancré continue de faire de son travail une œuvre culturellement critique et visuellement saisissante. Son choix de limiter l'édition à seulement 10 exemplaires renforce l'idée d'exclusivité, un commentaire sur la culture du buzz alimentée par la rareté qui alimente les marchés de la sneaker et de l'art. Parallèlement, son savoir-faire et son héritage régional élèvent la basket au rang d'objet rituel, brouillant les frontières entre le sacré et le matériel. Un nouveau mythe du graffiti coulé en or Cette œuvre illustre l'influence grandissante de Shahin sur l'évolution du street art et du graffiti. De la texture sinueuse du papyrus aux ornements dorés qui soulignent la silhouette de la sneaker, chaque détail de Holy Grails Yeezys Papyrus témoigne d'une volonté délibérée de remettre en question la marchandisation, le symbolisme culturel et l'idolâtrie contemporaine. Shahin fusionne le vocabulaire du graffiti avec la vénération des reliques antiques, faisant de la Yeezy non seulement une chaussure, mais un totem culturel – un totem intimement lié au luxe, à l'aspiration, à la rébellion et à la ferveur numérique. En érigeant la sneaker en image sacrée, Shahin immortalise les tendances éphémères de la société de consommation à travers un médium qui fut jadis le témoin des civilisations anciennes. Cette transformation – du streetwear produit en masse en texte sacré moderne – fait de Holy Grails Yeezys Papyrus une prouesse artistique et un miroir philosophique.

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L'œuvre d'art « The Light Keeps It Away », impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky. Édition limitée signée 2011

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Mur de briques en cascade Tats Cru Peinture originale à la bombe de peinture par BG183 Œuvre d'art unique sur toile tendue sur châssis par un artiste pop art de rue. Peinture à la bombe aérosol, œuvre originale prête à accrocher, format 12x12 (2017) Mur de briques « Cascade » par BG183 de Tats Cru – Œuvre originale à la bombe aérosol, style street art pop et graffiti. « Water Fall Brick Wall » est une œuvre originale réalisée en 2017 à la bombe aérosol sur une toile de 30 x 30 cm (12 x 12 pouces) montée sur châssis. Cette pièce unique est une incarnation visuelle de l'héritage graffiti new-yorkais, mêlant une maîtrise illustrative exceptionnelle à la texture et à l'iconographie de la décrépitude urbaine. Le titre fait référence à la fois à une cascade d'eau et au flux rythmique de la peinture sur une surface patinée, évoquant l'histoire complexe des murs de graffitis où des années de tags, de traces effacées et de nouveaux graffitis convergent en un sédiment visuel. BG183 canalise cette histoire grâce à une technique à l'aérosol méticuleusement maîtrisée, utilisant des dégradés subtils, des formes audacieuses et des superpositions texturées pour imiter la profondeur et la permanence d'un mur de briques rongé par le temps, la peinture et l'énergie du graffiti. BG183 et la tradition Tats Cru En tant que membre fondateur de Tats Cru, BG183 a joué un rôle déterminant dans la redéfinition du graffiti, tant dans la rue que dans les galeries. Reconnu pour sa maîtrise technique, des graffitis wildstyle aux personnages hyper-détaillés, son œuvre conserve l'énergie de la rue, même transposée sur toile. « Water Fall Brick Wall » illustre cette capacité à intégrer l'esthétique brute du graffiti au langage des beaux-arts sans en altérer la puissance. La composition, à la fois audacieuse et équilibrée, est structurée par des couches à la fois spontanées et maîtrisées, une marque caractéristique d'un artiste fort de plusieurs décennies d'expérience sur les murs, les trains et les fresques murales communautaires. L'influence de Tats Cru sur la culture visuelle hip-hop, l'art public et le muralisme transparaît directement dans cette œuvre, lui conférant authenticité et force. Texture et profondeur de la surface de la peinture en aérosol La surface de « Water Fall Brick Wall » vibre de textures : contours flous, estompages marqués et coulures évoquent la stratification des graffitis au fil du temps. BG183 utilise la toile non comme un simple fond, mais comme un élément sculptural, conférant une présence visuelle à chaque couche de peinture. La palette chromatique, mêlant bleus froids et tons chauds, fait référence au mouvement de l’eau sur la brique dégradée, tout en conservant une grande vivacité. Les bords de l’œuvre rappellent la douceur de la pulvérisation, se fondant dans le châssis de la galerie et permettant ainsi à l’œuvre d’exister sans cadre. Cette présentation prête à être accrochée confirme l’idée que le street art s’intègre à l’espace des beaux-arts sans perdre son lien avec les surfaces extérieures et l’expression spontanée. L'énergie urbaine dans l'art de rue, le pop art et le graffiti « Water Fall Brick Wall » se dresse comme une explosion concentrée du langage brut du graffiti, réassemblée pour une contemplation intérieure. C'est un hommage aux strates de l'infrastructure urbaine : des murs qui portent les noms, les messages et les identités accumulés au fil du temps. BG183 ne cherche pas à reproduire le graffiti ; il en réinterprète l'essence, offrant une œuvre qui est à la fois le portrait d'un mur et un récit visuel autonome. Dans le débat plus large entre le Street Pop Art et le Graffiti, cette peinture représente le pont entre l'authenticité codée de la rue et la réalisation en atelier. Elle concentre le rythme visuel, la conscience spatiale et le respect culturel du graffiti dans chaque couche de peinture et dans chaque centimètre de tension superficielle. Ce n'est pas seulement une œuvre d'art : c'est une déclaration d'un graffeur qui a marqué son époque, signée à la bombe et construite de briques et de mouvement.

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