Déni - Daniel Bombardier

Qu'est-ce que je fais de ma vie ? - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 20 exemplaires. Format de l'œuvre : 11 x 11 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Dans l'univers de Denial, la mémoire est essentielle, car elle constitue le fondement de son œuvre. Elle invite le public, par une approche nostalgique, à s'y intéresser. De ce fait, son art est à la fois familier et troublant, car il révèle les aspects les plus dérangeants de la société, ceux que nous refusons d'admettre. Malgré son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins perçu comme une forme de vandalisme.

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La Fin Pt. 2 Œuvre originale peinte à la main, technique mixte multiple, à la bombe aérosol sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée 10 œuvres d'art de format 15x12 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Haute Couture I Louis Vuitton Papier buvard d'archives Impression par Denial - Daniel Bombardier Édition limitée Tirage pigmentaire d'art d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Le luxe satirisé dans l'art de rue pop et le graffiti « High Fashion I Louis Vuitton » de Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, présentée sur papier buvard perforé. Tirée à 35 exemplaires et publiée en avril 2024, cette œuvre fusionne l'esthétique du luxe avec un médium provocateur traditionnellement associé à la culture psychédélique underground. Le monogramme iconique de Louis Vuitton et le motif à damier occupent le devant de la scène, intégrés dans une composition minutieuse qui explore les notions de statut, d'obsession et de marchandisation. Chaque exemplaire est perforé à la main par Zane Kesey, créant ainsi un lien textuel et conceptuel entre art, contre-culture et consommation. L'iconographie militarisée de Daniel Bombardier Depuis longtemps, Daniel Bombardier explore les thèmes du consumérisme et de la propagande à travers son art urbain, pop et graffiti. Sous le pseudonyme de Denial, ses œuvres critiquent les médias de masse, le culte des marques et la manipulation politique. High Fashion I Louis Vuitton s'inscrit dans cette démarche en mettant en lumière une maison de couture symbole de richesse et de prestige international. L'utilisation par Bombardier du format buvard, issu de la contre-culture psychédélique et de l'art imprimé clandestin, confronte frontalement le mercantilisme sophistiqué de la haute couture. La tension entre l'éphémère de la drogue et le langage du design élitiste devient une réflexion visuelle sur l'évasion, l'identité et les divisions de classe. Le papier buvard comme toile culturelle L'utilisation du papier buvard n'est pas qu'un choix stylistique : elle est symbolique. Dans le milieu de l'art underground, les buvards perforés servent de toiles miniatures pour la satire et la résistance. Appliqués sur des logos d'entreprises ou des icônes sociales, ils deviennent des critiques du pouvoir et du conformisme. La précision d'impression et la finition impeccable de cette édition contrastent fortement avec son support anticonformiste. Bombardier subvertit le format traditionnel en conservant l'esthétique raffinée du luxe tout en l'inscrivant dans un contexte reconnu pour son expression contestataire. Chaque carré de l'estampe, bien que non imprimé, porte le poids historique du psychédélisme et l'esprit DIY de l'art protestataire. Réappropriation de l'imagerie commerciale par le commentaire du Street Pop « Haute Couture I Louis Vuitton » est une synthèse de savoir-faire maîtrisé et de critique. La fusion de l'image de marque du luxe avec la forme modulaire des buvards soulève des questions sur la reproduction, le statut social et le rituel d'acquisition d'une identité. Il ne s'agit pas d'une simple appropriation, mais d'une véritable transformation. Sous l'égide de Denial, l'empire visuel de Louis Vuitton devient une carte satirique, traçant les frontières entre aspiration et illusion. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, cette œuvre affirme que rien n'échappe à la réinterprétation, pas même les icônes les plus sacrées de la mode.

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Canette Pop - Jaune 7 Couleurs Tirée à la Main Édition Limitée Sérigraphie sur Papier Beaux-Arts par Denial Rare Street Art Artiste Pop Célèbre. Édition limitée signée de 40 exemplaires, 2019. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Sérigraphie 7 couleurs signée et numérotée 2019 sur papier beaux-arts. Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 30 novembre 2019. Un autre aspect du travail de Denial est l'humour. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme un outil de confrontation. « D'après mon expérience, faire rire quelqu'un, c'est le faire réfléchir. J'utilise l'humour dans certaines de mes œuvres précisément pour cette raison : ouvrir le dialogue. Je ne sais pas vraiment pourquoi les gens achètent mes œuvres, mais je suis reconnaissant d'avoir des fans et des collectionneurs qui contribuent à la pérennité de ma carrière. »

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Limite de crédit - Jusqu'à ce que les dettes nous séparent. Tirage d'art en édition limitée, pigmentaire et d'archives, sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Jusqu'à ce que les dettes nous séparent. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition de 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Jusqu’à ce que la dette nous sépare (refus) « Credit Limit : Until Debt Do Us Part » est une estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, une œuvre qui invite à la réflexion. Créée par l'artiste canadien de street art et de graffiti Daniel Bombardier, alias Denial, cette pièce, parue en 2020, fait partie de sa série emblématique « Credit Limit », qui critique le consumérisme et le lien profondément ancré entre amour, mariage et dépendance financière. Mesurant 61 x 46 cm et imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², cette édition limitée est signée, numérotée et estampillée au verso. Seulement 25 exemplaires sont disponibles. L'œuvre allie un visuel saisissant à un commentaire social incisif, ce qui en fait un exemple remarquable du style caractéristique de Denial. Explorer l'amour et le consumérisme à travers le pop art « Jusqu'à ce que les dettes nous séparent » présente une étreinte romantique entre un couple, sur fond d'un motif inspiré d'une carte de crédit American Express. La juxtaposition de l'amour et de l'engagement financier met en lumière la dimension monétaire, souvent négligée, des relations. La pose intime du couple, rendue dans des couleurs vibrantes et un style graphique rappelant la bande dessinée, traduit la passion et la tendresse. Cependant, la carte de crédit en arrière-plan rappelle brutalement les réalités financières qui peuvent influencer et compliquer les relations. Cette dualité entre émotion et matérialisme invite les spectateurs à réfléchir aux implications culturelles et personnelles de l'amalgame entre amour et obligations économiques. L'approche artistique unique du déni L'œuvre de Daniel Bombardier est reconnue pour sa fusion d'imagerie pop et de critique sociale. « Until Debt Do Us Part » illustre sa capacité à réinterpréter des symboles du quotidien en œuvres artistiques percutantes. Le design, inspiré d'American Express, souligne l'omniprésence des institutions financières dans la vie moderne, tandis que l'imagerie romantique confère une profondeur émotionnelle qui touche le public. L'utilisation d'une impression pigmentaire d'archivage garantit la préservation des couleurs éclatantes et des détails précis, tandis que le papier MOAB 290 g/m² sublime la qualité visuelle et tactile de l'œuvre. En combinant des éléments de street art et de graffiti, « Until Debt Do Us Part » crée une œuvre à la fois captivante visuellement et intellectuellement stimulante. La pertinence culturelle de « Jusqu'à ce que la dette nous sépare » Cette œuvre explore les liens complexes entre amour, mariage et société de consommation. En inscrivant un moment romantique dans le contexte de la dépendance financière, Denial critique les pressions sociales qui mêlent souvent engagements émotionnels et économiques. Son édition limitée renforce son importance et en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. « Until Debt Do Us Part » est un poignant rappel de l'influence des systèmes financiers sur nos relations les plus intimes, confirmant ainsi le statut de Denial comme figure majeure de l'art contemporain. Par son esthétique audacieuse et ses thèmes provocateurs, cette œuvre invite le spectateur à repenser la dynamique de l'amour et de la dette dans un monde matérialiste.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Black Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires (2022) - Illustration de skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Achetez Covid No 19- Bleue Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Bleue Covid19 Chanel Hand Sanitizer Virus Variant. Numéroté, signé, tamponné au verso. Édition de 19 tirages pigmentaires d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 GSM Taille 18 "x 24" Dans le monde de Denial, la mémoire est importante, car elle est à la base de son travail, car elle encourage avec nostalgie le public à s'y engager. Du coup, son art est aussi familier qu'inquiétant car il révèle les pans les plus déstabilisants de la société, ceux dont nous sommes dans le « déni ». Peu importe son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins considéré comme une forme de vandalisme.

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Rolex Designer Drugs PP Printers Proof Skateboard Art Deck par Denial - Daniel Bombardier Limited Edition Archival Print on Wood Skateboard Deck par Street Artwork Graffiti Artist. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard ornée du logo Rolex en forme de pilule. La planche de skateboard Rolex Designer Drugs PP Printers Proof témoigne de la fusion entre culture urbaine, art contemporain et image de marque emblématique. Minutieusement conçue par Denial, pseudonyme de l'artiste canadien Daniel Bombardier, cette pièce allie l'esprit subversif du street art et du graffiti au prestige d'une marque de luxe – une juxtaposition récurrente dans le monde du pop art. La capacité de Denial à tisser ces éléments apparemment disparates révèle son sens aigu de la culture, de l'ironie et de la puissance des symboles dans notre société de consommation actuelle. Cette pièce de 2018, portant la mention « PP Printers Proof », atteste de son exclusivité en tant qu'édition limitée. Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre imprimée, offrant un aperçu du processus créatif de l'artiste et garantissant la qualité des tirages finaux. De plus, elle est accompagnée d'un certificat d'authenticité et signée, offrant aux collectionneurs un lien tangible avec Denial lui-même. Mesurant 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : c'est un symbole de la culture urbaine. Si le choix de cette planche peut paraître inhabituel pour de nombreux artistes traditionnels, il s'inscrit parfaitement dans l'univers du street art et du graffiti, cher à Denial. Au centre de l'œuvre, le logo Rolex est revisité sous la forme d'une pilule. Cette représentation interroge l'obsession de la société pour le luxe et les extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre ou afficher leur richesse. L'utilisation de la pilule, symbole de solutions rapides et d'euphorie éphémère, soulève des questions sur la nature fugace du luxe et la pression sociale exercée par les marques. Brillante fusion de culture pop, de marques de luxe et de street art, la planche de skateboard « Rolex Designer Drugs » de Denial est bien plus qu'un simple régal pour les yeux. C'est une critique, un dialogue et un témoignage de l'évolution de l'art au XXIe siècle.

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Planche de skateboard Into The Madness, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur planche naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art et de graffiti Denial. Édition limitée 2020 à 50 exemplaires Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 20 juillet 2020. Dans l'univers de Denial, la mémoire est essentielle, car elle constitue le fondement de son œuvre. Elle invite le public, par une approche nostalgique, à s'y intéresser. De ce fait, son art est à la fois familier et troublant, car il révèle les aspects les plus dérangeants de la société, ceux que nous refusons d'admettre. Malgré son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins perçu comme une forme de vandalisme.

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Quels drones ? Édition limitée, rehaussée à la main, peinture en aérosol, acrylique, pochoir, techniques mixtes sur panneau de bois encadré, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. 2015 Édition limitée signée et numérotée de l'œuvre HPM Stencil 5, format 48x30 L'artiste canadien Denial et l'Australien Ben Frost unissent leurs forces pour une exposition audacieuse d'œuvres inédites explorant les limites de l'appropriation et proposant des réinterprétations de notre société dystopique actuelle. Se définissant comme des « voleurs visuels », ces deux artistes s'approprient et détournent depuis longtemps les icônes culturelles que la publicité et la société de consommation nous imposent, afin de créer des interprétations nouvelles et pertinentes, à la fois dérangeantes et humoristiques. Denial et Frost ont noué une amitié immédiate lors de leur rencontre au Canada en 2011 et créent depuis lors des œuvres captivantes aussi bien dans la rue qu'en galerie. « Company of Thieves » voit leur collaboration s'approfondir, avec des œuvres de différentes tailles faisant référence au Pop Art, au graffiti et au monde de l'entreprise qu'ils dénoncent. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Super Soup - Yellow Trip, édition limitée, papier buvard d'art, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par l'artiste pop moderne Denial. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Brûlons tout ! - Édition limitée standard, sérigraphie artisanale 8 couleurs sur papier beaux-arts français 140 lb, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée de 2019, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Canette Pop - Épreuve d'imprimerie rose PP 7 couleurs, tirage à la main, édition limitée, sérigraphie sur papier beaux-arts par Denial Rare Street Art, artiste pop célèbre. Épreuve d'imprimerie PP 2019, signée, édition limitée, format 18x24 Sérigraphie 7 couleurs signée et numérotée 2019 sur papier beaux-arts. Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 30 novembre 2019. Épreuve d’impression. Denial est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. J’ai une relation beaucoup plus facile avec les dessins animés et les illustrations qu’avec le photoréalisme. J’adore faire référence à des choses familières. L’humour et la nostalgie permettent d’ouvrir le dialogue. Je le fais depuis des années : j’utilise l’humour et la familiarité pour amorcer une conversation, car cela permet d’aborder des sujets importants et les différents messages que l’on cherche à transmettre. On est beaucoup plus en phase avec la conscience et l’expérience du spectateur, et on influence davantage sa perception de l’art. Si on arrive à le faire rire, à raviver des souvenirs ou à créer un lien avec une image… »

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Impression buvard Gucci haute couture par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression pigmentaire d'art d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Imprimé buvard Gucci haute couture par Denial L'œuvre « High Fashion Gucci by Denial », alias Daniel Bombardier, fusionne avec audace les codes visuels du luxe et l'esprit contestataire du street art et du graffiti. Tirée à seulement 35 exemplaires en 2024, cette estampe de 19 x 19 cm est réalisée à l'aide d'encres pigmentaires d'archivage sur papier buvard perforé. Chaque exemplaire est perforé à la main par Zane Kesey, faisant de cette œuvre un hommage à l'histoire de la contre-culture et une critique culturelle incisive. L'utilisation du papier buvard comme support souligne un message plus large sur l'évasion, la consommation et la manipulation de l'image dans la société moderne. Le luxe réinventé à travers un prisme subversif Centrée autour du logo iconique de Gucci et se détachant sur un motif de marque répétitif, l'œuvre met en scène un serpent rouge, noir et blanc enroulé sur lui-même. Le mélange visuel d'opulence et de danger est saisissant. Ce serpent symbolique – depuis longtemps associé à la tentation, à la rébellion et à la transformation – amplifie la tension entre désir de consommation et conscience critique. Loin de dénaturer l'image de marque, l'artiste la magnifie, obligeant le spectateur à appréhender la familiarité du logo dans un contexte radicalement différent. L'utilisation même de buvard, historiquement lié aux psychédéliques, enrichit la métaphore de la perception, de la transformation et de l'illusion culturelle. Gucci et l'esthétique du pouvoir L'identité visuelle de Gucci est devenue synonyme de statut et d'aspiration, et c'est précisément ce que remet en question l'œuvre « Denial ». Dans un monde où les logos ont souvent un poids culturel plus important que les produits eux-mêmes, l'artiste attire l'attention sur les mécanismes du marketing de marque et leur influence sur l'identité et l'expression. À travers le prisme du street art et du graffiti, cette œuvre rend les motifs emblématiques de Gucci accessibles tout en les rendant provocateurs. Elle transforme la mode en un outil de critique plutôt qu'en une célébration, montrant comment l'esthétique du luxe peut être détournée et réinterprétée comme une iconographie contemporaine. Commentaire continu de Daniel Bombardier Denial poursuit son exploration des liens entre médias, marques et comportements culturels. Reconnu pour son association de palettes de couleurs audacieuses et d'images subversives, son imprimé High Fashion Gucci offre à la fois une satisfaction visuelle et une richesse de sens. En travaillant sur du papier buvard perforé, il renforce la dimension tactile des mouvements underground et des contre-récits. Cette œuvre s'inscrit dans une démarche plus large de Denial visant à brouiller la frontière entre art commercial et commentaire social. Il ne s'agit pas simplement d'un clin d'œil stylé à la haute couture, mais d'une déconstruction perspicace de l'illusion consumériste. Chaque point, logo et symbole invite à un second regard, non pas pour ce qu'il vend, mais pour ce qu'il interroge.

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Brûlons tout - Œuvre d'art originale peinte à la main (HPM) 24 x 36, technique mixte, sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée signée de 10 exemplaires, HPM, œuvre d'art peinte à la main, format 24x36 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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La forme du capitalisme, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Œuvre d'art HPM en édition limitée, signée et numérotée, format 24x24 Présentant des œuvres couvrant près d'une décennie de carrière, l'exposition « Enjoy Denial » explore la satire des médias de masse, du consumérisme et de la publicité. L'artiste s'approprie des images et des objets familiers et les réinterprète en expressions artistiques uniques, incitant le spectateur à s'interroger sur la valeur et la différence (s'il y en a une) entre art et publicité. S'inscrivant dans la continuité d'une longue œuvre pop, « Enjoy Denial » révèle un artiste qui canalise les énergies négatives déversées par les entreprises sur la société et les retourne contre les structures de pouvoir établies qui régissent notre quotidien. À travers cette exposition, Denial dévoile les dessous de la surabondance de publicités et de logos pour mettre en lumière, de manière à peine voilée, les tromperies que la société combat quotidiennement de la part des entreprises. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Curser Original Hand-Painted Multiple (HPM) Aerosol avec finition Clear Coat sur bois découpé au laser prêt à accrocher par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Aérosol signé et numéroté 2019 avec vernis transparent sur bois découpé au laser. Dimensions : 14 x 18 x 2,5 cm. Sortie : 14 août 2019. Tirage limité à 100 exemplaires. « J’aime me considérer comme un activiste du pop art. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu’avec le photoréalisme. J’adore faire référence à des choses familières. L’humour et la nostalgie permettent d’ouvrir le dialogue. Je le fais depuis des années : j’utilise l’humour et la familiarité pour amorcer une conversation, car cela permet d’aborder des sujets importants et les différents messages que l’on souhaite transmettre. On est beaucoup plus en phase avec la conscience et l’expérience du spectateur, et on influence davantage sa perception de l’œuvre. Si on arrive à le faire rire, à raviver des souvenirs ou à créer un lien avec une image… » – Déni – Daniel Bombardier L'intersection novatrice entre technologie et art dans « Curser » de Denial Dans l'univers dynamique et en constante évolution du pop art moderne, « Curser », une œuvre multiple peinte à la main (HPM) du célèbre graffeur Denial, se distingue comme une pièce remarquable qui incarne l'esprit du street art et du graffiti contemporains. Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est une figure majeure du monde de l'art, reconnu pour son engagement et l'intégration d'éléments de la culture pop dans ses créations. L'œuvre « Curser » HPM, sortie le 14 août 2019, est une édition limitée à 100 exemplaires. Chaque pièce porte la signature unique de l'artiste, réalisée à la peinture aérosol et recouverte d'un vernis transparent sur bois découpé au laser. Cette œuvre, mesurant 14 x 18 x 2,5 cm, joue visuellement avec le curseur numérique, symbole omniprésent à l'ère du numérique. « Denial » métamorphose cet objet du quotidien en une œuvre d'art à part entière, invitant le spectateur à repenser les symboles qui imprègnent notre vie. L'utilisation du bois découpé au laser comme matériau fait écho à la précision et à la netteté des graphismes numériques. Parallèlement, la technique de la peinture aérosol à la main confère à l'œuvre l'authenticité et le charme brut du street art. La philosophie artistique du déni et son reflet dans « Curser » La philosophie de Denial, qui consiste à utiliser l'humour et la nostalgie pour captiver le public, se reflète avec force dans « Curser ». En réinterprétant un pointeur numérique en un objet tangible, façonné à la main, l'artiste abolit la frontière entre le virtuel et le physique, l'éphémère et le permanent. Denial croit au pouvoir du pop art d'initier le dialogue, une conviction qui transparaît dans l'écho que « Curser » rencontre auprès d'un large public. La forme familière du curseur, associée à un support inattendu et à une intervention manuelle, devient un point de départ pour la conversation, suscitant des discussions sur l'impact de la technologie sur l'art et la société. La finition vernie de « Curser » confère à l'œuvre un éclat moderne, rappelant les interfaces brillantes des smartphones et des ordinateurs, brouillant ainsi davantage les frontières entre le graffiti traditionnel et l'esthétique numérique contemporaine. Cette pièce n'est pas simplement une œuvre d'art, mais une réflexion sur la convergence de nos expériences numériques avec le monde physique. Le travail de Denial illustre la nature évolutive du street art, où les techniques traditionnelles fusionnent avec des thèmes modernes pour créer une nouvelle forme d'expression culturelle. Collectibilité et impact culturel du « maléfice » du déni En tant qu'œuvre de collection, « Curser » occupe une place à part dans le paysage du street art pop. Son tirage limité et les embellissements individuels réalisés à la main par Denial rendent chaque pièce de la série unique et convoitée par les collectionneurs qui apprécient la rencontre entre l'esthétique du street art et les commentaires sur la culture pop. L'œuvre de Denial, et plus particulièrement « Curser », témoigne de l'intérêt croissant porté au graffiti comme médium capable de divertir et de susciter la réflexion. L'impact culturel de « Curser » est amplifié par son accessibilité et sa capacité à toucher un large public. L'art accessible de Denial invite les spectateurs à réfléchir à l'interaction entre leurs habitudes numériques et le monde tangible, un thème de plus en plus pertinent dans notre société hyperconnectée. L'œuvre nous rappelle la place omniprésente des symboles numériques dans nos vies et l'importance de questionner et d'explorer ces éléments à travers l'art. « Curser » illustre parfaitement comment des artistes de rue contemporains comme Denial repoussent les limites de la représentation du street art pop et du graffiti. Cette œuvre incarne le potentiel transformateur de l'art, sa capacité à s'adapter et à répondre à l'évolution des symboles culturels et des enjeux sociétaux. L'art de Denial, qui insuffle à son travail esprit et familiarité, permet une connexion plus profonde avec le public, faisant de « Curser » une œuvre visuellement saisissante et un commentaire pertinent sur notre époque.

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Achetez TITLE Édition limitée Fine Art Archival Pigment Print Art sur papier buvard perforé. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XX Tirage pigmentaire d'archivage sur papier buvard perforé Taille : 7,5 x 7,5 pouces Sortie : 19 avril 2022 Les éditions limitées de buvard sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Limite de crédit - Bank of Ugh-Merica Tirage d'art pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Limite de crédit - Bank of Ugh-Merica. Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Refus de la Banque d'Ugh-Merica « Credit Limit : Bank of Ugh-Merica » est une puissante estampe d'art pigmentaire de qualité archivistique, créée par Daniel Bombardier, alias Denial, artiste de street art, pop art et culture contemporaine. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette œuvre reflète la critique acerbe que Denial adresse au consumérisme et aux systèmes financiers qui dominent la vie moderne. Imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², cette pièce de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) combine couleurs vives, références à la culture pop et imagerie satirique pour interroger la perception du spectateur sur la richesse, le crédit et les valeurs sociétales. Chaque estampe est signée, numérotée et estampillée au verso, ce qui en fait une pièce de collection très recherchée par les amateurs de street art, de pop art et de graffiti. Le commentaire visuel sur le consumérisme Credit Limit : Bank of Ugh-Merica transforme le design emblématique d'une carte de crédit en une critique acerbe du système financier et de la société de consommation américaine. La figure centrale – une femme au visage peint du drapeau américain – symbolise l'attrait et le fardeau du patriotisme, intimement liés à l'identité économique. Son expression exagérée traduit la désillusion, reflétant le poids émotionnel de l'endettement et de la dépendance financière. Le remplacement du logo habituel de la carte de crédit par la version satirique de Denial met en lumière le décalage entre les promesses de prospérité et les réalités des inégalités économiques. Cette œuvre illustre à merveille la capacité du pop art urbain à délivrer un commentaire social pertinent grâce à des codes visuels familiers. L'approche du déni face à l'art de la culture pop moderne L'artiste canadien Daniel Bombardier s'est fait connaître en critiquant la société de consommation, la politique et les normes sociales à travers son art urbain pop et ses graffitis. Son œuvre « Credit Limit : Bank of Ugh-Merica » illustre parfaitement son style caractéristique, alliant des éléments graphiques audacieux à des thèmes qui invitent à la réflexion. En s'appropriant l'imagerie de la carte de crédit – symbole de richesse et de statut social –, « Denial » invite le spectateur à reconsidérer les systèmes qu'il tient pour acquis. Son souci du détail, de l'impression pigmentaire d'archives d'une netteté exceptionnelle au papier d'art MOAB de haute qualité, garantit la clarté et l'impact du message. La pertinence culturelle de la limite de crédit Cette œuvre trouve un écho particulier à une époque où les débats sur les inégalités économiques, l'endettement et les habitudes de consommation sont plus que jamais d'actualité. « Credit Limit : Bank of Ugh-Merica » critique non seulement les structures qui perpétuent les inégalités, mais interroge également l'obsession culturelle pour la richesse matérielle et le pouvoir financier. Son édition limitée renforce son importance et en fait une œuvre à la fois artistique et culturelle. Témoignant de la capacité de Denial à fusionner humour, critique et culture pop en une œuvre cohérente et percutante, elle atteste du pouvoir durable du street art et du graffiti pour remettre en question les normes sociales.

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Édition limitée American Expression, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier d'art French Speckletone 300 g/m² par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. En 2000, il adopte le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent d'admettre. Depuis, il mène une campagne mondiale d'art urbain, avec plus de 500 000 autocollants, affiches et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Conçu comme un moyen de promouvoir l'absurde, DENIAL remet également en question les notions traditionnelles de graffiti et d'art public par ses subversions visuelles audacieuses et souvent satiriques. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Papier buvard LSDelinquent, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art LSD de la culture pop. Édition limitée signée de 50 exemplaires, 2019. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. En 2000, il adopte le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent d'admettre. Depuis, il mène une campagne mondiale d'art urbain, avec plus de 500 000 autocollants, affiches et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Conçu comme un moyen de promouvoir l'absurde, DENIAL remet également en question les notions traditionnelles de graffiti et d'art public par ses subversions visuelles audacieuses et souvent satiriques. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Covid No 19 - Verte Limited Edition Archival Pigment Print on 290gsm MOAB Fine Art Paper by Graffiti Pop Art and Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Gel hydroalcoolique Chanel Verte Covid-19 (variante Virus). Tirage pigmentaire d'archives numéroté, signé et estampillé au verso sur papier d'art MOAB 290 g/m², format 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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« Je t'aimerai jusqu'à la fin », édition limitée ornée à la main, peinture en aérosol, acrylique, pochoir, techniques mixtes sur panneau de bois encadré, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée HPM 5 de 2015, œuvre d'art embellie à la main, format 24x36, encadrée en bois, prête à être accrochée. Je t'aimerai jusqu'à la fin par Denial : Innocence et Apocalypse dans l'art urbain pop et le graffiti « I Will Love You Until The End » est une œuvre d'art en édition limitée de 2015, rehaussée à la main, réalisée par l'artiste canadien pop et graffiti Denial. Chaque exemplaire de cette édition de cinq est unique et créé à l'aide de peinture aérosol, de pochoirs, d'acrylique et de techniques mixtes superposées sur un panneau de bois entoilé de 61 x 91 cm. Signée et prête à être accrochée, cette peinture grand format allie une sincérité émotionnelle à une critique acerbe de l'instabilité mondiale et du chaos moderne. Elle constitue une contradiction visuelle où l'imagerie romantique se heurte au langage de la guerre, confirmant ainsi l'approche singulière de Denial en matière de street art, de pop art et de graffiti : à la fois émotionnellement provocatrice et conceptuellement subversive. Éléments visuels contrastés et dualité émotionnelle L'œuvre est centrée sur la silhouette d'un jeune garçon et d'une jeune fille face à face, figés dans un tendre moment d'affection. Le garçon dissimule un bouquet de fleurs derrière son dos, symbole d'un amour innocent et de la vulnérabilité de l'enfance. Derrière eux, cependant, explose un immense champignon atomique, rendu en contraste saisissant par des nuances vibrantes de rouge, de jaune et d'orange. Ce décor apocalyptique brise la sérénité du premier plan, suggérant que même les moments d'amour les plus purs ne sont pas à l'abri des conséquences violentes des décisions humaines. Le geste généreux du garçon et l'attention attentive de la fille deviennent des métaphores de l'espoir fragile au milieu de la destruction, soulignant la persistance de l'amour à l'ombre d'une catastrophe imminente. Matériaux, texture et procédé de peinture à la main Chaque œuvre est créée sur panneau de bois, ce qui lui confère une présence brute et tangible, en accord avec l'esprit du street art. Le travail artisanal de cette édition garantit que chaque panneau est unique, grâce à une superposition de pochoirs, de peinture aérosol expressive et d'imperfections voulues. L'utilisation de l'espace négatif dans les silhouettes contraste avec le fond d'une richesse de détails saisissante, plongeant le regard du spectateur au cœur d'un dialogue visuel entre affection et destruction. La texture du panneau et la superposition des techniques confèrent profondeur et intensité à la tension émotionnelle qui se dégage de l'œuvre. Vision et commentaire culturel du déni Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est connu pour son utilisation de l'ironie, de la contradiction et d'un symbolisme complexe afin de critiquer les médias, le consumérisme et la passivité politique. Dans « I Will Love You Until The End », son recours aux silhouettes juvéniles n'est pas empreint de nostalgie, mais d'une ironie délibérée. L'innocence de l'enfance devient un symbole d'espoir, menacé par le spectre omniprésent du conflit. L'art de Denial expose souvent l'absurdité des idéologies modernes, et ici, il interroge la capacité de l'amour à perdurer dans un monde en proie aux flammes. Cette œuvre reflète la dualité souvent présente dans le street art et le graffiti : beauté contre chaos, sincérité contre spectacle, et résilience des émotions humaines face aux systèmes de destruction. Par la métaphore visuelle et une esthétique provocatrice, Denial invite le spectateur à considérer non seulement la fragilité de l'affection, mais aussi sa force face à l'oubli.

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Let's Burn It All - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Édition limitée signée de 2020, format 11x11 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Libertee - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue graffiti et légende pop moderne Denial. Sculpture signée, édition limitée à 100 exemplaires, 2020, format 4x8 DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Ne jamais dire jamais ! Édition limitée, sérigraphie artisanale 12 couleurs sur papier beaux-arts par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020), format 24 x 18 pouces. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis, ayant notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Voilà Wall Folks ! - Impression pigmentaire d'archives Welcome Wall sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et légende pop moderne Denial. Édition limitée 2020 à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 4x8. DENIAL est une artiste canadienne dont l'œuvre critique le consumérisme et la condition humaine. Basée à Windsor, en Ontario, DENIAL passe une grande partie de l'année à voyager et à exposer au Canada et aux États-Unis. Elle a notamment présenté des expositions individuelles à Los Angeles, Chicago, Detroit, New York, Toronto et Vancouver. En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Covid No 19 - Bleue, tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Gel hydroalcoolique Chanel Bleue Covid-19 (variante Virus). Tirage pigmentaire d'archives numéroté, signé et estampillé au verso sur papier d'art MOAB 290 g/m², format 45,7 x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée DJ Qbert sur papier beaux-arts 310 g/m² par Ben Frost, Denial, DJ Qbert, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'artiste canadien Denial et l'Australien Ben Frost unissent leurs forces pour une exposition audacieuse d'œuvres inédites explorant les limites de l'appropriation culturelle et proposant des réinterprétations de notre société dystopique actuelle. « Company of Thieves » est présentée à la Inner State Gallery de Detroit, avec la participation exceptionnelle de DJ Qbert. Ces « voleurs visuels », comme ils se définissent eux-mêmes, ont une longue tradition de détournement et de subversion des icônes culturelles que la publicité et la société de consommation nous imposent, créant ainsi des interprétations nouvelles et pertinentes, aussi dérangeantes qu'humoristiques. Cette collaboration avec DJ Qbert s'inscrit dans la continuité de cette démarche : les trois artistes se réunissent sous le nom de « Company of Thieves », échantillonnant et remixant pour créer une œuvre totalement nouvelle. Ben Frost utilise l'imagerie familière de la culture occidentale pour formuler une critique de cette culture, notamment à travers le prisme du consumérisme, des icônes modernes et des grandes entreprises. Personnages de dessins animés, icônes de la pop culture, logos de marques et bien d'autres éléments sont transformés en œuvres d'art vibrantes et trouvent leur place dans les galeries. Dans cette optique, et dans le cas de Ben Frost, il est vain de tenter de tracer une frontière nette entre art populaire et art savant. En réalité, l'artiste souhaite que le public s'interroge sur les notions de haute et de basse valeur et, par extension, sur leur signification profonde. Au fil des années, les artistes de rue ont su s'imposer comme des créateurs respectés, certains acquérant même une renommée internationale, transformant le graffiti, autrefois art marginal servant parfois à marquer le territoire des gangs, en un secteur économique florissant.

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Credit Limit - Chase Your Tail, tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. Limite de crédit - À vous de jouer ! Œuvre d'art sur le thème de la carte de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Courir après sa queue par refus « Credit Limit: Chase Your Tail » illustre parfaitement la capacité de Denial à fusionner humour, critique et nostalgie en une œuvre percutante, à travers le street art et le graffiti. Ce tirage d'art pigmentaire de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) est une édition limitée à 25 exemplaires, numérotés, signés et estampillés au verso, imprimés sur papier d'art MOAB 290 g/m². Créée par l'artiste canadien Daniel Bombardier, alias Denial, cette œuvre poursuit son exploration de la culture de consommation et des constructions sociales, mêlant références à la pop culture et commentaire social incisif. Le format d'une carte de crédit est utilisé pour critiquer les systèmes financiers et les comportements humains dans un monde consumériste. Profondeur thématique et symbolisme Chase Your Tail réinvente la carte de crédit avec une touche fantastique, mettant en scène un loup-garou féroce serrant un sac d'argent. Cette image symbolise la quête effrénée de la richesse et la nature prédatrice des systèmes financiers. Le loup-garou, symbole de transformation et d'instinct sauvage, devient une métaphore des pulsions primaires et souvent destructrices qui sous-tendent le consumérisme. Le design de la carte, avec sa réinterprétation ludique d'une marque familière, souligne le cycle infernal de la recherche de la stabilité financière, tout en restant prisonnier des dettes et du matérialisme. Cette œuvre invite à réfléchir aux conséquences personnelles et sociétales de ces aspirations, tout en conservant l'esthétique audacieuse et accessible du pop art urbain. La perspective artistique du déni L'œuvre de Daniel Bombardier est reconnue pour son esprit, son impact visuel et sa capacité à critiquer les problématiques contemporaines. « Chase Your Tail » illustre son talent pour transformer des symboles du quotidien en œuvres d'art percutantes. En intégrant le format universellement reconnaissable d'une carte de crédit, Denial attire l'attention sur la manière dont la société de consommation façonne l'identité et les comportements. Son utilisation de couleurs vibrantes et d'éléments graphiques reflète l'influence du graffiti, tandis que la minutie de l'impression pigmentaire d'archives témoigne de son souci de la qualité. Cette alliance de savoir-faire exceptionnel et de thèmes provocateurs est la marque de fabrique de l'approche de Denial en matière de pop art urbain contemporain. L'impact culturel de Chase Your Tail « Chase Your Tail » trouve un écho auprès du public en abordant les thèmes de l'avidité, du pouvoir et de la nature cyclique du consumérisme. L'œuvre critique les systèmes financiers qui perpétuent les inégalités et l'obsession culturelle de la richesse, en présentant ces idées dans un format à la fois accessible et percutant. Le tirage en édition limitée renforce sa valeur de collection, tandis que le message de l'œuvre reste pertinent dans un monde de plus en plus dominé par le crédit, la dette et les disparités économiques. Cette œuvre témoigne de la capacité de Denial à utiliser le street art et le graffiti pour questionner les normes sociales et susciter des débats essentiels.

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American Daydream - Édition limitée Foil - Sérigraphie artisanale 9 couleurs sur papier d'art holographique Lava Foil 10 pt par l'artiste Denial. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Sérigraphie 9 couleurs sur papier d'art holographique Lava Foil 10 pt. Format : 45,7 x 61 cm. Sortie : 9 mars 2021. « American Daydream » de Denial et son reflet dans l’art pop urbain et le graffiti modernes « American Daydream - Foil », de l'artiste Denial, est une œuvre puissante, à la croisée du street art, du pop art et du graffiti, mêlant esthétique commerciale et subversion. Sortie le 9 mars 2021, cette édition limitée est une pièce majeure qui interroge la nature de la culture américaine et la marchandisation du rêve américain. Tirée à seulement 30 exemplaires, cette sérigraphie artisanale en 9 couleurs, imprimée sur un papier d'art holographique 10 pt à effet lave, témoigne de l'exclusivité et de la précision du travail de Denial. Mesurant 45,7 x 61 cm, « American Daydream - Foil » est un spectacle visuel saisissant, sublimé par son fond réfléchissant à effet lave, créant un jeu dynamique de lumière et de couleurs qui interpelle le spectateur. L'utilisation du papier holographique à effet lave est particulièrement marquante, métaphore des multiples facettes, souvent contradictoires, de la psyché américaine. L'œuvre de Denial capture l'essence du pop art par l'utilisation d'un style bande dessinée familier juxtaposé à une palette psychédélique qui semble se transformer et scintiller au gré des mouvements du spectateur. L'œuvre met en scène une figure féminine en pleurs, motif récurrent du pop art, évoquant le décalage émotionnel entre la réalité et la quête du bonheur dans le cadre du rêve américain. Le style caractéristique de Denial intègre des éléments graphiques audacieux et un sens aigu de l'ironie. En utilisant la sérigraphie, une technique popularisée dans le pop art par des artistes comme Andy Warhol, Denial renoue avec les racines du mouvement tout en repoussant ses limites grâce à des matériaux et des thèmes modernes. Commentaire contemporain à travers l'art en édition limitée « American Daydream - Foil » de Denial est bien plus qu'une œuvre visuellement saisissante ; c'est un commentaire sur le vernis lisse de la vie américaine et les complexités sous-jacentes que dissimule cette façade. Chacune des 30 estampes est signée et numérotée par l'artiste, ce qui lui confère une authenticité et une valeur de collection très prisées dans les milieux du street art et du graffiti. Les collectionneurs et les admirateurs du travail de Denial apprécient les qualités esthétiques de ses estampes et les messages stimulants qu'elles véhiculent. Le caractère limité de l'édition d'« American Daydream - Foil » symbolise la transition du street art, passant des fresques éphémères aux œuvres d'art convoitées. La décision de Denial de publier une édition aussi restreinte souligne sa volonté de préserver l'exclusivité et l'intégrité de l'œuvre. Ce principe est souvent au cœur du street art et du graffiti. Entre les mains des collectionneurs, ces estampes ne sont pas de simples objets décoratifs, mais des artefacts culturels qui capturent un moment précis et un sentiment ou une critique particulière. L'œuvre de Denial illustre parfaitement l'évolution du street art et du graffiti vers une forme qui reflète et critique la culture dont elle est issue. « American Daydream - Foil » se présente comme un miroir de la société, reflétant la complexité de l'expérience américaine à travers le prisme du pop art. C'est une réflexion audacieuse sur la nature des rêves et de la réalité, le consumérisme et la place de l'individu au sein de la société. Son édition limitée lui assure un statut unique et recherché dans le monde dynamique de l'art contemporain.

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« Je vois ce que tu as fait là », impression d'art en édition limitée sur papier buvard perforé, réalisée par Denial, une œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée signée de 50 exemplaires, 2021. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Covid No 19 - Sarcelle Limited Edition Archival Pigment Print sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 19 exemplaires : Sarcelle Covid19 Chanel, désinfectant pour les mains inspiré du virus. Tirage pigmentaire d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 g/m², numéroté, signé et estampillé au verso. Format : 45,7 cm x 61 cm. Le déni face à la COVID-19 : Le marketing de luxe à l’ère des crises mondiales « COVID No. 19 » de Denial est une saisissante estampe pigmentaire d'archives, éditée en 2021 à seulement 19 exemplaires, chacun signé, numéroté et estampillé à la main sur papier d'art MOAB 290 g/m². L'œuvre s'approprie la forme d'un flacon de parfum Chanel N° 5, remplaçant son étiquette iconique par un nom de produit fictif : Gel hydroalcoolique COVID No. 19. D'une précision numérique extrême, l'image reconfigure l'esthétique de la haute couture pour commenter les absurdités du consumérisme à l'ère de la pandémie. Le flacon de gel hydroalcoolique est présenté avec toute l'autorité visuelle d'un produit de luxe, transformant un objet de première nécessité en une parodie de statut et de désir. Au cœur de cette œuvre se trouve une observation culturelle brutale : lors d'une crise sanitaire mondiale, les outils de survie du quotidien – comme le gel hydroalcoolique et les masques – ont été érigés en symboles d'identité, de mode et d'accès économique. La réinterprétation par Denial du parfum Chanel en un produit de consommation à l'ère du virus confronte de front cette transformation. Cette œuvre ne se contente pas de parodier le luxe ; elle révèle comment les systèmes marketing peuvent absorber les traumatismes, les reconditionner et les revendre au public. L’étiquetage, à la manière de Chanel, est à la fois clinique et élégant, un clin d’œil à la façon dont le minimalisme visuel masque souvent la manipulation des entreprises. L'esthétique commerciale comme arme subversive La stratégie artistique de Denial repose sur le vol et la recontextualisation du langage commercial. Avec COVID No. 19, l'utilisation de lignes vectorielles nettes, de reflets lumineux réalistes et d'un design de produit précis imite la publicité jusqu'à la tromperie. Cette imitation est intentionnelle. Le spectateur est d'abord censé percevoir l'image comme authentique – tirée d'un magazine de mode ou d'une campagne de cosmétiques – avant que l'ironie du slogan ne lui apparaisse clairement. La dissonance entre la forme et le contenu invite à une critique de la tendance capitaliste à esthétiser la souffrance. Cette méthodologie visuelle s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Les racines de Denial dans la communication publique non autorisée et la subversion des images subculturelles demeurent présentes, même si l'œuvre se présente sous une forme d'art contemporain. L'absence de coulures de peinture ou de textures rugueuses n'atténue en rien la rébellion. Au contraire, elle réinterprète le langage graphique de la persuasion commerciale pour le subvertir de l'intérieur. Ce qui ressemble à une présentation de produit est, en réalité, une accusation visuelle. Ce n'est pas la pandémie en elle-même qui est critiquée, mais la manière dont elle est présentée. Le pop art urbain comme documentation de la pandémie COVID No. 19 fonctionne à la fois comme une satire et un témoignage historique. L'œuvre saisit un moment culturel où les outils de survie sont devenus des symboles de luxe, où la rareté était synonyme d'exclusivité et où le marketing s'étendait jusqu'aux fournitures médicales. L'œuvre de Denial illustre la manière dont les crises modernes sont non seulement vécues, mais aussi commercialisées : comment la peur de la maladie a été filtrée par les mêmes systèmes qui vendent beauté, mode et art de vivre. Le flacon de gel hydroalcoolique devient un symbole non de protection, mais de consommation. En fusionnant l'iconographie de la mode avec la réalité d'une pandémie mondiale, Denial oblige le spectateur à repenser les frontières entre design et éthique, entre marketing et survie. La simplicité visuelle de COVID No. 19 dissimule une critique subtile de la rapidité avec laquelle l'esthétique commerciale peut vider les événements de leur sens. Dans la lignée du street art et du graffiti, cette œuvre retourne les symboles familiers contre eux-mêmes, révélant la fragilité des apparences face à l'urgence humaine.

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Papier buvard à téléchargement inversé, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art LSD de la culture pop. 2021 Édition limitée signée et numérotée à 50 exemplaires . Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Tirages pigmentaires HPM d'archives, édition limitée, rehaussés à la main, par Denial Graffiti Street Artist, sur papier d'art fin, avec collages, aérosols, crayons et vernis. Tirage d'art pigmentaire d'archives, édition limitée numérotée et signée, encadrée sur mesure, agrémenté de collages, d'aérosols, de crayons et de vernis. Dimensions : 45,2 x 60,3 cm (17,8125 x 23,75 pouces). Sortie : 9 décembre 2021. Tirage : 15 exemplaires. Le Versace recyclé du déni : la médecine du branding dans le pop art urbain contemporain L'œuvre « Decycled Versace » de Denial, publiée en 2021 sous forme d'estampe pigmentaire d'archive rehaussée à la main, poursuit l'exploration incisive par l'artiste du culte des marques, de la construction identitaire et de l'esthétique séduisante du consumérisme. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 15 tirages mesure 45,2 x 60,3 cm et est unique, modifié par des collages, des aérosols, des crayons et des couches de vernis. Encadrée d'un cadre baroque doré, l'œuvre présente une grande capsule stylisée – ornée de la tête de Méduse iconique de Versace – sur un fond de motifs dentelés et de champs de couleurs fragmentés. La capsule porte la mention « 100MG », renforçant ainsi son identité à la fois d'objet visuel et de drogue conceptuelle. Denial, également connu sous le nom de Daniel Bombardier, utilise la pilule comme forme centrale dans sa série « Decycled » pour commenter la nature addictive du statut social et le rôle des logos de luxe dans la construction de l'identité moderne. En intégrant le logo Versace à l'intérieur de la capsule, l'œuvre assimile la consommation de marques à l'automédication. Ce geste n'est ni une glorification ni une condamnation ; c'est une mise à nu. Le logo devient un ingrédient, dosé avec précision pour susciter une forte émotion ou un impact social. Ainsi, Decycled Versace critique non seulement la marque, mais aussi les systèmes culturels qui érigent de tels symboles en quasi-mythologie. Bruit visuel et perturbation symbolique Le fond de « Decycled Versace » est composé de profondes diagonales, de textures éclaboussées, de trames et de traits de peinture expressifs. Ces éléments font référence à la fois aux techniques traditionnelles du graffiti et à l'esthétique du design numérique. La superposition crée une tension visuelle qui refuse toute immobilité ou résolution facile. Sur ce fond chaotique, la forme lisse et lumineuse de la pilule apparaît presque stérile par contraste. L'effet est désorientant mais intentionnel : le luxe, semble suggérer l'œuvre, s'épanouit lorsqu'il est placé au-dessus du désordre qu'il prétend effacer. La tête de Méduse, emblème historique de Versace lié à la mythologie grecque et aux thèmes du désir et du danger, est ici réinterprétée comme une icône de l'hypnose consumériste. Intégrée à la pilule, elle devient un objet d'intériorisation. L'utilisation de trames et de techniques de pochoir brutes par « Denial » déstabilise davantage l'aura lisse de la marque, rappelant aux spectateurs que derrière chaque logo impeccable se cache une illusion construite. Dans le contexte du Street Pop Art et du Graffiti, l'œuvre récupère l'espace visuel des systèmes marketing et le redistribue sous forme de critique artistique. L'illusion encadrée du pouvoir et de la permanence Le cadre doré orné qui entoure « Decycled Versace » joue un rôle crucial dans le message de l'œuvre. Traditionnellement associé au portrait classique et à la sacralité des galeries, ce cadre confère à l'œuvre une autorité artificielle. Mais cette vénération est contredite par son contenu : désordonné, chaotique, brisé. La forme de pilule, conçue pour paraître élégante et scientifique, flotte dans ce champ comme une relique sacrée. C'est dans la dissonance entre le raffinement matériel et la rébellion conceptuelle que l'œuvre tire toute sa force. La manipulation de l'objet d'art par Denial reflète la double vie des marques de luxe, souvent à la frontière entre exclusivité et visibilité de masse. « Decycled Versace » existe à la fois comme critique et comme artefact du système même qu'elle expose. En transformant les logos de marques en métaphores médicinales, Denial nous oblige à réévaluer la façon dont l'identité est consommée et dont le branding fonctionne à la fois comme symptôme et remède dans la culture moderne. Dans le langage du Street Pop Art et du Graffiti, cette œuvre fonctionne non seulement comme un commentaire, mais aussi comme une dose de clarté visuelle dans une culture accro à l'image.

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Planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs PP Printers Proof Art Deck par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression d'archives sur planche de skateboard en bois par un artiste de street art et de graffiti. Épreuve d'imprimeur PP 2018, marquée PP, édition limitée, signée, certificat d'authenticité, œuvre d'art pour skateboard, format 8x31, planche de skateboard avec le célèbre logo Louis Vuitton et des éléments de pilule stylisés. La planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs PP Printers Proof est une pièce iconique qui reflète l'interaction dynamique entre le luxe et l'esprit audacieux du street art. Ce chef-d'œuvre, conçu et réalisé par Denial, pseudonyme artistique du visionnaire canadien Daniel Bombardier, propose une exploration profonde du paysage sociétal contemporain, s'imposant comme un sujet de discussion majeur au sein des communautés pop art et street art. Cette création de 2018 se distingue non seulement par son originalité artistique, mais aussi par son exclusivité : elle fait partie d'une édition limitée à seulement 50 exemplaires, portant le label « PP Printers Proof ». Ces épreuves sont des versions préliminaires de l'œuvre finale, témoignant du processus créatif de l'artiste et garantissant une qualité optimale. Chaque pièce de cette collection est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé par Denial, attestant de son authenticité et de sa valeur. Avec ses dimensions de 8 x 31 pouces, cette planche de skateboard est bien plus qu'une simple toile : elle incarne l'énergie brute et sans concession de la culture urbaine. L'œuvre met principalement en scène le logo Louis Vuitton, mondialement reconnu, mais l'interprétation de Denial y apporte une touche d'originalité. Le logo iconique s'entremêle à des éléments stylisés de pilules, offrant une critique de l'obsession de la société pour le luxe et des extrémités auxquelles certains sont prêts à aller pour atteindre une opulence éphémère. La pilule, symbole d'un soulagement passager, suggère peut-être la nature éphémère du luxe matérialiste. À la croisée de la mode, de l'art et du commentaire social, la planche de skateboard Louis Vuitton Designer Drugs de Denial est bien plus qu'un simple spectacle visuel. Elle invite à questionner, à réfléchir et à dialoguer sur les valeurs et les obsessions du monde moderne.

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High Fashion II Hermès Blotter Print par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Haute Couture II Impression buvard Hermès par Denial « High Fashion II Hermès » de Denial, alias Daniel Bombardier, livre une critique acerbe du consumérisme de luxe à travers le prisme du street art et du graffiti. Tirée en 2024 à seulement 35 exemplaires numérotés et signés, cette œuvre de 19 x 19 cm est imprimée sur papier buvard perforé et perforée à la main par Zane Kesey. Elle utilise le logo Hermès Paris, immédiatement reconnaissable, et une palette orange éclatante pour souligner le point de rencontre entre symbolisme de la richesse et subversion artistique. Comme souvent chez Denial, l'utilisation de l'iconographie de la mode de luxe rend hommage à la culture de l'aspiration et critique son emprise sur l'identité et l'estime de soi. La mode comme marchandise et toile Dans cette estampe, Denial transforme l'emballage Hermès en un objet de réflexion. Le fond orange, le motif de la calèche et la typographie parisienne à empattements restent visuellement intacts, mais leur présence sur du papier buvard invite à la réinterprétation. Sous la plume de Denial, cette imagerie de marque devient plus qu'un simple élément décoratif. Elle prend une tournure satirique, incitant le spectateur à s'interroger sur la manière dont les marques façonnent le désir et la valeur. En l'appliquant sur un support traditionnellement associé au psychédélisme et aux états de conscience modifiés, l'artiste introduit une nouvelle dimension ironique : sommes-nous si profondément englués dans la société de consommation lorsque les logos de luxe suscitent des réactions émotionnelles ? L'art urbain pop et le graffiti en réponse à la culture du luxe Daniel Bombardier est reconnu pour son art de fusionner une esthétique graphique épurée avec une critique sociale incisive. Son œuvre explore souvent la société de consommation, le capitalisme et la culture de la surveillance, et l'estampe « High Fashion II Hermès » s'inscrit dans cette même thématique. L'œuvre concilie le respect de l'esthétique des marques de luxe et une interrogation sur leur influence psychologique. À l'instar des plus belles réalisations du Street Pop Art et du graffiti, cette estampe bouleverse les espaces traditionnels en détournant les symboles de statut social pour en faire des outils de contestation visuelle. Elle appartient à un courant artistique croissant qui transforme les logos et les marques de créateurs en objets de dialogue plutôt qu'en objets d'adoration. Le logo de luxe comme code culturel High Fashion II Hermès ne dilue pas son message. Au contraire, il le sublime par le contraste. La confrontation entre l'esthétique urbaine et les visuels de la haute couture instaure un dialogue sur le pouvoir, la visibilité et l'accès. Hermès, marque réputée pour sa sobriété et son savoir-faire, se réinvente dans un format associé à l'expression underground et contre-culturelle. Cette transformation redéfinit le luxe, le faisant passer d'un idéal inaccessible à un objet d'analyse critique. L'œuvre de Denial agit comme un miroir graphique, tendu à une société façonnée par ses consommations et ses idoles. À travers cette édition limitée de buvards, Denial fusionne critique et artisanat dans un carré de papier d'une grande force expressive.

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La Fin de la Fin - Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 20 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 24 x 36 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial La mini-série « The End of the End » de Denial : Amour, apocalypse et satire dans l’art urbain pop et le graffiti. « The End of the End Mini » est une œuvre multiple peinte à la main de 2020, réalisée par l'artiste canadien Denial, reconnu pour sa fusion de satire, d'iconographie et d'humour subversif. Créée dans le cadre de la série « True Facts Mini Multiple », cette pièce mesure 61 x 91 cm et est imprimée sur un panneau encadré de bois, prête à être accrochée. Chaque exemplaire de la série est une œuvre HPM (Hand Painted Multiple) originale, offrant un travail de pinceau et des embellissements uniques sur un fond imprimé uniforme. Limitée à 20 exemplaires signés et numérotés, l'œuvre représente un couple en silhouette, enlacé dans une étreinte romantique à l'intérieur d'une voiture, tandis qu'ils observent un champignon atomique exploser au loin. La scène se termine par une légende manuscrite stylisée qui dit simplement « The End », suggérant une finalité avec un mélange de tragédie et d'humour. Cette juxtaposition à l'humour noir est une marque de fabrique du travail de Denial, parfaitement ancrée dans l'univers visuel du Street Pop Art et du graffiti. Romance nucléaire et catastrophe comique L'imagerie de la mini-série « The End of the End » joue avec le style rétro des dessins animés et les angoisses de la Guerre froide, juxtaposant des symboles de romance juvénile – voitures anciennes, panoramas pittoresques, silhouettes de amoureux – à l'icône de l'anéantissement global : le champignon atomique. L'explosion, rendue dans des tons orange et jaune vifs, contraste avec le ciel bleu et l'horizon verdoyant, créant une palette étrangement joyeuse pour une scène d'extinction planétaire. Le couple reste indifférent, absorbé par son amour, suggérant soit un détachement total, soit une forme de défi ironique. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, de telles associations révèlent les contradictions des récits culturels, où romance et violence sont souvent vendues de concert. « Denial » utilise ce mariage absurde non pas pour promouvoir le nihilisme, mais pour susciter une réflexion sur la façon dont la société banalise les catastrophes à travers les médias et les mythes. Détails du matériau et format de collection Chaque panneau est peint sur un châssis en bois, offrant une dimension et une présence qui dépassent le cadre d'une simple impression. Les bords sont noircis pour créer un effet encadré, conférant à l'œuvre une qualité d'objet idéale pour les installations d'art contemporain comme pour les collections privées. L'image de base est sérigraphiée dans des tons graphiques nets, mais chaque édition est traitée de manière unique par des applications manuelles de peinture, des coulures, des bavures et des marques qui la personnalisent. Ainsi, chaque version de « The End of the End Mini » est une œuvre d'art singulière malgré son motif commun. L'édition limitée à 20 exemplaires renforce son attrait auprès des collectionneurs de pop art et de street art, où l'originalité et la rareté alimentent un intérêt durable. Le rôle du déni dans l'expression satirique contemporaine Denial, de son vrai nom Daniel Bombardier, est un artiste de Windsor, en Ontario, dont l'œuvre critique la société de consommation, l'absurdité sociale et la manipulation médiatique à travers un langage visuel puisant ses racines dans le graphisme propagandiste et l'esthétique urbaine. Fort d'une expérience en graffiti et en détournement de panneaux publicitaires, Denial transforme des formats familiers – bandes dessinées, publicités, affiches politiques – en énigmes visuelles complexes. L'œuvre « The End of the End Mini » s'inscrit dans ce récit continu, utilisant l'humour et l'horreur pour illustrer les contradictions humaines. Loin d'encourager le désespoir, l'œuvre met plutôt en lumière la banalisation ridicule du désastre dans l'imagerie populaire. C'est un instant figé dans un déni sublime, où intimité et destruction fusionnent sous un ciel bleu, incitant les spectateurs à rire, à s'exclamer et à repenser ce qu'ils célèbrent et ce qu'ils ignorent. Dans le lexique du street art et du graffiti, c'est une carte postale d'un futur absurde déguisé en présent.

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Estampe Goyard High Fashion sur buvard par Denial - Daniel Bombardier, édition limitée, impression d'art pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée de 35 exemplaires, tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé, 2024. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2024. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Imprimé buvard Goyard haute couture : une étude sur les motifs, le prestige et la subversion pop L'œuvre « High Fashion Goyard buvard print » de l'artiste canadien de street art et de graffiti Daniel Bombardier, alias Denial, transforme l'exclusivité de la marque Goyard en une œuvre d'art compacte et captivante. Sortie le 19 avril 2024, dans le cadre d'une édition d'art limitée à seulement 35 exemplaires, cette impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé est à la fois d'une grande précision d'exécution et d'un esprit rebelle. Perforée à la main par Zane Kesey, l'œuvre dégage une esthétique underground malgré ses références au luxe épuré. Mesurant 19 x 19 cm, elle s'inscrit dans la lignée de la critique acerbe de la société de consommation menée par Denial, repoussant les limites de l'imagerie de la mode vers de nouveaux horizons de réflexion et de collection. Des malles de luxe au papier contre-culturel : la recontextualisation de Goyard Fondée à Paris en 1853, Goyard est devenue un symbole de raffinement sur mesure grâce à son monogramme à chevrons peint à la main et à sa clientèle d'élite. « Denial » s'empare de cette image de marque emblématique et la distille en une nouvelle forme artistique : une feuille perforée traditionnellement utilisée pour l'art psychédélique du buvard. Cette transformation place le logo et son motif signature dans un contexte imprégné d'énergie contre-culturelle. Le motif Goyard, jadis associé à l'aristocratie et au patrimoine, est réinterprété comme un fond texturé propice à la satire et à la critique. Le passage de la toile de bagage au format buvard crée une rupture visuelle et conceptuelle qui s'inscrit dans les thèmes provocateurs et introspectifs du Street Pop Art et du Graffiti. Le commentaire de Denial sur l'obsession, le marketing et l'exclusivité L'œuvre de Daniel Bombardier dissèque souvent les thèmes de la consommation, du capitalisme et de l'identité à travers l'appropriation de logos et d'images publicitaires. Avec cette pièce Goyard, il enrichit ce langage en interrogeant le fonctionnement des logos comme monnaie et instrument de pouvoir au sein de la culture. La répétition de l'emblème Goyard imite le pouvoir hypnotique du marketing de masse et des états de conscience modifiés, tandis que la finesse des détails, le contraste et la symétrie confèrent à l'ensemble une force esthétique indéniable. Denial continue d'utiliser la haute couture non comme objet d'admiration, mais comme un prisme permettant d'observer et de questionner les aspirations, les désirs et les valeurs. Cette œuvre inscrit Goyard – marque généralement associée à l'élite mondiale – dans un contexte où ce sont les idées, et non la richesse, qui captent l'attention. Un buvard en édition limitée, conçu pour les mutations culturelles actuelles. S'inscrivant dans une série plus vaste interprétant les maisons de haute couture à travers une pratique artistique subversive, l'estampe Goyard sur buvard trouve sa place entre les murs d'une galerie et les archives culturelles. L'édition, signée et numérotée à la main, affirme le statut d'objet de collection, tandis que le format buvard évoque des métaphores et des transformations plus profondes. La perforation des feuilles par Zane Kesey établit un lien avec les motifs historiques des buvards à l'acide, amplifiant la juxtaposition surréaliste. L'estampe Goyard de Denial n'est pas un simple remix : c'est une critique culturelle précise, dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, célébrant le design tout en questionnant les systèmes qui l'idolâtrent.

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Papier buvard High Score, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Édition limitée signée de 50 exemplaires, 2020. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. En 2000, il adopte le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent d'admettre. Depuis, il mène une campagne mondiale d'art urbain, avec plus de 500 000 autocollants, affiches et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Conçu comme un moyen de promouvoir l'absurde, DENIAL remet également en question les notions traditionnelles de graffiti et d'art public par ses subversions visuelles audacieuses et souvent satiriques. Dans l'univers de Denial, la mémoire est essentielle, car elle constitue le fondement de son œuvre. Elle invite le public, par une approche nostalgique, à s'y intéresser. De ce fait, son art est à la fois familier et troublant, car il révèle les aspects les plus dérangeants de la société, ceux que nous refusons d'admettre. Malgré son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins perçu comme une forme de vandalisme.

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Appréciez cette peinture originale en techniques mixtes sur panneau de bois encadré, réalisée par l'artiste de rue Denial Graffiti, un artiste pop moderne. Prêt à accrocher. « Récemment, cette œuvre a été refusée à une exposition où je souhaitais la présenter. À Dubaï, les règles concernant l'obscénité et la vulgarité sont très strictes. Je rêvais de peindre cette toile depuis longtemps et je cherchais l'image parfaite qui lui servirait de base. Je l'ai finalement trouvée au fin fond d'Internet. Ce tableau est une visualisation d'une blague géniale de Bill Hicks, tirée de ses spectacles. Dans ses sketches, Bill détaille les méfaits de la publicité lorsqu'elle n'est ni contestée ni contrôlée. Il imagine et décrit une publicité dans un futur proche, une publicité qui pourrait un jour exister. Ce tableau représente cette publicité. Bill Hicks était un putain de génie et j'espère avoir rendu justice à son œuvre. Il a été une source d'inspiration immense pour forger mon état d'esprit actuel, celui d'un véritable artiste et d'un rebelle. Je m'inspire de différents artistes de différentes manières. J'aime visualiser des choses comme des chansons, des discours ou des sketches et jouer avec les différents éléments qui en résultent. J'ai l'esprit très joueur. » - Denial Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Impression par transfert pigmentaire d'archives en édition limitée Burger King sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Papier buvard Eat Me, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Et puis les choses se sont améliorées - Purple Mini, faisant partie de la série True Facts Mini Multiple, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Impression par transfert de pigments d'archives en édition limitée McDonald sur planche de skate naturelle pressée à froid, œuvre de l'artiste de la culture pop urbaine Denial. Édition limitée 2019 à 50 exemplaires En 2000, il a adopté le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent de voir. Depuis, il mène une campagne de rue mondiale permanente, composée de plus de 500 000 autocollants, pancartes et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Supreme Gucci Smashup Pill - Transfert d'impression pigmentaire d'archives en édition limitée Inverse Fine Art sur planche de skateboard naturelle pressée à froid par l'artiste de graffiti de rue Denial - Daniel Bombardier. Édition limitée numérotée de 50 exemplaires (2022) - Illustration de skateboard - Format 8,25 x 32 pouces Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate naturelle pressée à froid. Dimensions : 8,25 x 31,875 pouces. Sortie : 28 juin 2022. Du logo Gucci à ceux de Louis Vuitton et Supreme, en passant par les parfums Chanel et les cartes de crédit, il utilise ces produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. Il les recontextualise ainsi et les transforme de simples objets commerciaux en éléments de son héritage culturel.

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« You Lose », œuvre originale peinte à la main, technique mixte, à la bombe aérosol, sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. 2020 Édition limitée HPM signée et numérotée à 1 exemplaire. Dimensions de l'œuvre : 6,5 x 8,5 pouces. « Mon œuvre évoque un désastre imminent et des thèmes sinistres et grossiers, mais cela ne signifie en aucun cas que je souhaite que cela se produise. J'espère au contraire qu'elle suggère l'absurdité de la situation et montre comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial Denial est un artiste canadien qui expérimente avec l'aérosol et le pochoir. Ses principaux centres d'intérêt sont la société de consommation, la politique et la condition humaine dans la société contemporaine. Face à la popularité croissante du graffiti aux États-Unis et en Europe, les graffeurs devaient faire preuve d'une originalité toujours plus grande pour se démarquer. Leurs signatures sont devenues plus grandes, plus stylisées et plus colorées.

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Green Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 50 exemplaires (2022) - Illustration pour skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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