God Selection XXX 1000% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle édition limitée, figurines de collection urbaines GOD Selection a été fondée par Yasunari Miyazaki en 2003. Cette marque japonaise de streetwear et de mode jeune est devenue culte dès ses débuts. Aujourd'hui, en collaboration avec Bearbrick, GOD Selection XXX présente un design épuré, simple et immédiatement reconnaissable, orné du logo emblématique de la marque : le XXX. Hauteur : 68,5 cm (2 pi 3 po).

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Chicago Jordan 1s V2 Shoeuzi 75% Sculpture artistique en polystone moulée et peinte à la main, édition limitée, œuvre de l'artiste J-LDN, célèbre pour ses peintures de rue pop et graffiti. Édition limitée 2020 à 300 exemplaires, taille 75 %. Chaque sculpture Uzi est livrée en quatre parties (assemblage magnétique Shoeuzi Magnafix), avec boîte, socle et gants. Moulée et peinte à la main en résine de polystone. Neuve en boîte. Sculpture artistique Shoeuzi v2 « CHICAGO ». La v2 est le modèle amélioré à assembler magnétiquement en 4 parties. Micro Uzi à l'échelle 75 % (longueur : 185 mm), moulé à la main en polyrésine insaturée et peint avec une peinture à base de résine sans plomb. Comprend des panneaux en cuir « UZI ».

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Ours en peluche Low Fidelity Music Art Toy de Luke Chueh, sculpture de collection en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue pop graffiti. Œuvre d'art en édition limitée 2024, format 4x7, neuve en boîte, en vinyle estampé, figurine d'art représentant un ours en noir et blanc avec un casque audio, ambiance décontractée. Low Fidelity Music Bear : une sculpture en vinyle de la quiétude urbaine par Luke Chueh La figurine Low Fidelity Music Bear de Luke Chueh, sortie en 2024, est une pièce de collection minimaliste et chargée d'émotion, sculptée dans une palette monochrome de noir et blanc. Cette sculpture en vinyle estampé de 18 cm de haut représente un ours stylisé, debout, vêtu d'un sweat à capuche noir mat, les mains dans les poches et un casque audio sur les oreilles. Il s'agit d'une édition limitée créée par l'une des figures les plus importantes du Street Pop Art et du graffiti, reconnu pour sa capacité à transformer l'introspection en images. Présentée dans sa boîte d'origine et moulée en vinyle de haute qualité, cette sculpture allie simplicité et force symbolique. Résonance émotionnelle grâce à un design épuré L'œuvre de Luke Chueh s'ancre dans la représentation silencieuse des luttes intérieures et de la complexité psychologique, et l'Ours de la Musique Basse Fiabilité en est une illustration condensée. Le contraste entre l'ours d'un blanc immaculé et son sweat à capuche noir n'est pas qu'un choix stylistique : c'est une métaphore visuelle de la dualité – pureté et protection, visibilité et invisibilité, vulnérabilité et armure. Le visage de la figure demeure neutre, dépourvu d'expression traditionnelle, amplifiant le silence et invitant le spectateur à projeter ses propres sentiments sur cette toile vierge. Ce récit silencieux est au cœur du style de Chueh et a façonné sa contribution au graffiti et à la culture pop. Le langage de la solitude et du son L'ajout d'un casque audio à la sculpture confère une dimension conceptuelle unique. La musique, souvent source de clarté émotionnelle, est ici symbolisée non seulement comme divertissement, mais aussi comme isolement et repli sur soi. Dans un environnement urbain saturé de bruit, le détachement de la figure devient une forme de résistance. L'ours ne joue pas. Il écoute. Il se retire. Son immobilité, ses traits minimalistes et son esthétique en nuances de gris proposent une réflexion sur la solitude, la réflexion et le besoin humain de trouver la paix dans le silence sonore. Cette sculpture illustre comment le graffiti, art urbain par excellence, peut aborder les conflits intérieurs à l'aide de matériaux commerciaux et de personnages stylisés. Un objet de collection imprégné de récit Cette sculpture en vinyle de 2024 est bien plus qu'un simple objet de collection : elle invite à la réflexion sur le poids du silence dans une culture trépidante. À l'instar des autres œuvres de la série Low Fidelity, cette édition transforme l'écoute en un acte méditatif. Le sweat à capuche noir surdimensionné de la figurine fait office de carapace, tandis que les écouteurs la coupent du monde extérieur. Cet objet illustre comment Luke Chueh utilise le design de jouets comme un support d'expression narrative, s'inscrivant dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti. Chaque sculpture, estampillée et présentée dans sa boîte, porte l'empreinte indéniable de la vision de l'artiste : un mélange de mélancolie, d'humour et de précision minimaliste. L'ours de Chueh n'est pas seulement une icône de la culture des objets de collection modernes ; il est le reflet tangible des émotions contemporaines.

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Grems - Peinture aérosol rare en édition limitée noire, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Artiste complet à l'énergie débordante, Grems est de ces artistes infatigables qui repoussent sans cesse les limites. Ses deux principales tendances créatives, l'art et la musique, développées en parallèle, s'alimentent et se stimulent mutuellement pour une production toujours plus dynamique, créant ainsi l'inattendu tout en conservant son style unique et reconnaissable entre tous. Extrêmement actif et hyperproductif, sa créativité débordante a fait de son CV un véritable pavé : 6 albums solo, 8 collaborations avec Klub Sandwich, Disiz, Rouges à Lèvre, Olympe, PMPDJ, Foreign Beggars, 15 clips, de nombreuses expositions à travers le monde (Pékin, Perth, Séville, Mexique, Londres, Paris, Marseille, etc.), des murs couverts de ses graffitis (dont le Southbank Centre à Londres et le Musée Pompidou, le plus prestigieux musée d’art moderne de France), et des collaborations avec des marques comme Skullcandy, Nike, Swatch, Asics, Converse, Scott et Sixpack, pour n’en citer que quelques-unes. Grems a même trouvé le temps de créer Ussle, sa propre marque de vêtements.

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MQ - Édition limitée Chrome Silver, bombe de peinture rare, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Sans boîte. 2009 MQ Planet - Mque x Montana MTN Spray Paint. Depuis plus d'une décennie, cet artiste new-yorkais s'est fait un nom dans le graffiti grâce à son audace et à son attachement à la culture urbaine. Le style distinctif des lettres MQ a influencé toute une génération de graffeurs. On retrouve ses œuvres aussi bien sur les coques de navires à San Francisco que sur les murs de briques de New York. Édition limitée MQ Chrome Silver : Un monument du pop art urbain Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, la bombe de peinture MQ Chrome Silver en édition limitée témoigne de la fusion entre ingéniosité artistique et influence culturelle. Cette pièce rare, fruit d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture pour graffiti Montana MTN, marque une étape importante dans la carrière de l'artiste new-yorkais MQ Planet, alias Mque. Depuis sa création en 2009, cette bombe de peinture en édition limitée est devenue un symbole de l'approche intrépide de Mque vis-à-vis de la culture urbaine et de son impact durable sur toute une génération de graffeurs, souvent surnommés « bombers ». L'influence de Mque sur le street art et le graffiti Le parcours de Mque dans le graffiti a débuté dans les rues vibrantes de New York, où il a perfectionné son style distinctif de lettres MQ, un style qui allait influencer d'innombrables artistes. Son approche audacieuse et sans compromis de l'art se caractérisait par une immersion totale dans la culture urbaine à l'état brut. Les œuvres de Mque, qui s'étendent des toiles maritimes des navires de San Francisco aux murs de briques historiques de New York, témoignent de son adaptabilité et de son engagement envers l'essence même du street art. La bombe de peinture Chrome Silver Limited Edition n'est pas qu'un simple outil : c'est un morceau d'histoire, incarnant l'esprit et la ténacité de l'artiste. L'importance de la canette MQ Chrome Silver Limited Edition La bombe de peinture MQ Chrome Silver Limited Edition de Montana MTN est bien plus qu'une simple signature d'artiste sur un produit : c'est un emblème collaboratif de la communauté du street art. Cet objet rare incarne la synergie entre l'artiste et le fabricant, soulignant la reconnaissance par Montana MTN de la contribution de Mque à cet art. Collectionneurs et amateurs de pop art urbain et de graffiti, ils considèrent cette bombe comme une pièce de collection. Elle est aussi une source d'inspiration, incitant les artistes à repousser les limites et à laisser leur empreinte avec la même audace que Mque. Dans l'univers du pop art urbain, où le paysage urbain devient une toile et la bombe un pinceau, la MQ Chrome Silver Limited Edition rend hommage à l'évolution constante du graffiti. Elle honore l'héritage d'un artiste resté fidèle à l'esprit de la culture urbaine tout en y inscrivant une marque indélébile. L'œuvre de Mque, sa collaboration avec Montana MTN et la peinture Chrome Silver qui en résulte demeurent des éléments essentiels du pop art urbain et du graffiti pour les années à venir.

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Planche de skateboard Supreme Scarface Split Deck Limited Edition, conçue par la marque Supreme. Planche de skateboard Supreme x Scarface édition limitée imprimée 2017 représentant Al Pacino dans le rôle de Tony Montana, tiré du film culte Scarface, qui traite du trafic de drogue. La planche de skateboard Supreme Scarface Split Deck symbolise le point de rencontre entre la culture urbaine, le cinéma et le design, créant une œuvre d'art urbain et de graffiti qui parle à un large public. Cette planche en édition limitée, sortie dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017 de la marque Supreme, arbore des images emblématiques du film culte « Scarface ». Son design en deux parties, mettant en scène Al Pacino dans le rôle de Tony Montana, capture l'un des moments les plus intenses du film. Supreme, marque profondément ancrée dans l'univers du streetwear, a toujours su fusionner la culture populaire avec son style distinctif. La collaboration avec « Scarface » confirme cette approche, offrant bien plus qu'une simple planche de skateboard : une véritable toile qui reflète l'atmosphère crue et réaliste du film. Cette planche rend hommage au personnage de Tony Montana, dont la quête du rêve américain à travers les bas-fonds du crime a marqué durablement le cinéma et la culture populaire. La planche « Shower », en particulier, attire l'attention avec une image tirée de la scène culte où une transaction de drogue dégénère en violence, plaçant Montana dans une situation périlleuse. Cette image percutante est complétée par le slogan emblématique du film, imprimé sur le dessus de la planche, ancrant ainsi la planche dans l'univers de « Scarface ». Cette fusion d'art, de cinéma et de culture skate transforme la planche, d'un simple objet fonctionnel, en une pièce de collection incontournable du pop art et du street art. Le choix de Supreme de présenter ce visuel dans sa collection Automne/Hiver 2017 était une stratégie audacieuse, misant sur la nostalgie et l'esthétique des années 80, période où le skateboard et le film « Scarface » ont connu leur apogée. Le design de la planche capture l'essence de cette époque tout en restant en phase avec le paysage actuel du street art et de la mode. Véritable œuvre d'art urbain et graffiti, la planche Supreme Scarface Split Deck transcende les frontières traditionnelles, alliant fonctionnalité et expression artistique forte. Sa création témoigne d'une culture qui valorise l'esprit contestataire du street art et la force du récit visuel. Pour les passionnés et les collectionneurs, ce jeu de cartes représente un morceau d'histoire culturelle, incarnant l'esprit de rébellion et la poursuite acharnée de l'ambition, des thèmes toujours aussi pertinents aujourd'hui qu'à la sortie du film.

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Mug à peindre avec pinceaux, sculpture originale en céramique peinte à la main par Joshua Vides, série Shattered Dreams, œuvre d'un artiste de rue spécialisé dans le graffiti. Sculpture originale signée de 2023, pièce unique en céramique et peinture acrylique , format 4x7, mug noir et blanc mat avec marqueur, crayon et stylo, statue. Mug à peindre avec pinceaux par Joshua Vides : Illusion sculpturale dans l’art urbain pop et graffiti « Paint Mug With Brushes » est une sculpture originale en céramique peinte à la main, réalisée en 2023 par Joshua Vides, artiste de graffiti et innovateur visuel. Créée dans le cadre de sa série « Shattered Dreams », cette œuvre unique mesure 10 x 18 cm et est composée de céramique et de peinture acrylique. Elle représente une tasse à café blanche, stylisée dans le style graphique noir et blanc caractéristique de Vides, remplie d'outils de création hyper-stylisés : un crayon jaune, un feutre et un stylo noir. La sculpture capture une scène d'atelier sous une forme physique, utilisant des matériaux artisanaux pour simuler des objets généralement jetables, éphémères et négligés. Ce qui rend cette pièce si particulière, c'est non seulement sa précision visuelle, mais aussi sa subversion conceptuelle : transformer un objet utilitaire en un emblème sculptural de la pratique artistique et une parodie culturelle dans le contexte du street art et du graffiti. La tasse est ornée d'un motif en demi-teintes audacieux, façon bande dessinée, et d'une bulle de dialogue où l'on peut lire « MATTE BLACK », en lettres capitales stylisées qui font référence à l'esthétique du pop art et de la publicité des années 80. Les coulures noires sur le bord de la tasse sont minutieusement peintes pour imiter de véritables débordements d'encre, mais elles sont figées dans l'émail. Chaque outil à l'intérieur de la tasse est fixé de manière permanente, transformant ainsi des instruments de dessin du quotidien en éléments d'une illusion travaillée. Les surfaces sont couvertes d'éclaboussures et de marques d'usure, évoquant l'énergie brute d'un atelier en activité, tout en étant entièrement sculptées et scellées dans la céramique. Vides joue avec la texture, le contraste et les associations culturelles, créant une sculpture à la fois ludique et dérangeante. Transformation matérielle et geste statique Joshua Vides est surtout connu pour transformer des objets et des environnements réels en représentations audacieuses en noir et blanc, évoquant des croquis ou des celluloïds d'animation anciens. « Paint Mug With Brushes » s'inscrit dans cette démarche, mais à une échelle compacte et intimiste. La tasse et son contenu simulent les artefacts du travail créatif, tout en les réinterprétant comme des objets permanents. Cette transformation de l'éphémère en objet de collection souligne la tension entre processus et présentation, thèmes centraux de l'œuvre sculpturale de Vides. Le motif en demi-teintes et les éléments de bande dessinée font un clin d'œil aux traditions du pop art, tout en étant réinterprétés à travers le prisme du graffiti. Les outils à l'intérieur de la tasse sont exagérés en taille et en forme, créant une légère distorsion qui apporte humour et stylisation à l'œuvre. Bien que chaque élément semble familier, leur présentation collective en fait une réflexion visuelle sur la répétition, l'effort et la valeur du processus créatif. Joshua Vides et le langage de la culture des objets urbains Vides est devenu une figure majeure du dialogue entre les beaux-arts, la mode et la culture graffiti, reconnu pour son esthétique épurée et la cohérence de ses thématiques. Sa série « Shattered Dreams » prolonge son exploration du travail artistique et de l'identité commerciale, intégrant une critique au sein de formes d'une simplicité trompeuse. « Paint Mug With Brushes » transpose cette réflexion à une échelle domestique et personnelle. La surface en céramique, habituellement associée à l'artisanat utilitaire, est ici réinterprétée comme un médium sculptural au service de la métaphore visuelle. Cette sculpture ne s'attache pas à la fonction, mais au sens, à ce que signifie créer et aux outils que nous utilisons pour y parvenir. La bulle de dialogue contenant l'inscription « MATTE BLACK » fonctionne également comme un code culturel, faisant référence à la fois à l'esthétique littérale de la sculpture et à l'obsession contemporaine pour le marketing et le raffinement des éditions limitées. Entre les mains de Vides, la tasse n'est pas qu'un simple récipient, mais un commentaire sur le goût, les tendances et l'expression artistique. Elle reflète un mélange d'ironie de bande dessinée, de pratiques urbaines et de conceptualisme pop qui définit le Street Pop Art et le Graffiti dans toute leur intensité. Mug à peindre avec pinceaux comme icône du processus et symbole personnel Cette sculpture est plus qu'un objet : elle symbolise l'univers intérieur et extérieur de l'artiste, où les outils deviennent des trophées et les marques d'usage, des éléments stylistiques. « Paint Mug With Brushes » célèbre visuellement l'imperfection, le processus créatif et la persévérance. Elle immortalise une scène familière et paisible – le pot à crayons de l'artiste – et la rend permanente, sublime et empreinte de satire. Joshua Vides transforme le banal en iconographie, puisant dans le même instinct qui anime le street art : marquer ses outils, laisser une trace, raconter une histoire par des traits audacieux. Dans l'univers plus vaste du street art et du graffiti, « Paint Mug With Brushes » se dresse comme un autel miniature dédié à la créativité. À la fois épurée et brute, ludique et chargée de sens, sculptée et esquissée, elle fige l'instant où l'art prend naissance – le geste de saisir le stylo, le trempage du pinceau – offrant une performance statique d'énergie créatrice. À la fois relique d'atelier et artefact culturel, son message est simple mais puissant : même les plus petits outils peuvent porter une voix forte.

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Dessin original de poisson dessiné à la main sur papier d'art vieilli et frangé à la main, encadré, par l'artiste surréaliste Naoto Hattori. Dessin original unique au crayon/graphite signé en 2012. Œuvre encadrée. Dimensions du cadre : 8,5 x 8,5. Dimensions de l’image : 3 x 5. Encadrement et passe-partout personnalisés par l’artiste. Légères éraflures sur le cadre, normales compte tenu de l’âge. Le parcours artistique du dessin original de poisson de Naoto Hattori La contribution unique de Naoto Hattori au monde de l'art trouve souvent sa juste place à la croisée du surréalisme et du street art. L'œuvre originale « Fish Original », dessinée à la main sur papier d'art vieilli et frangé, est une illustration parfaite de ce mélange artistique. Réalisé en 2012, ce dessin original au crayon et au graphite témoigne du style complexe de Hattori et de sa capacité à créer profondeur et narration au sein d'un sujet minimaliste. L'œuvre, présentée dans un cadre sur mesure de 21,6 x 21,6 cm, dévoile une image de 7,6 x 12,7 cm, offrant un aperçu de la perspective surréaliste de l'artiste à travers le prisme du pop art et du graffiti. Cette pièce unique signée par Hattori est un dessin original et original, illustrant l'impact subtil et puissant de l'art monochrome. Le choix du papier d'art vieilli et frangé témoigne de l'attachement de Hattori aux qualités texturales que ce support confère à l'œuvre. Les bords irréguliers confèrent à l'œuvre une touche d'ancienneté et un aspect organique, enrichissant l'expérience visuelle et soulignant la simplicité du sujet : un poisson. Le dessin, d'une représentation directe, est empreint de mouvement et de vie, capturant l'essence du sujet avec un réalisme délicat, caractéristique du travail d'Hattori. Explorer les nuances du surréalisme d'Hattori dans le contexte du street art L'œuvre « Fish Original » de Naoto Hattori est un clin d'œil subtil à la fluidité du pop art urbain et à la force évocatrice du graffiti. Bien que le travail d'Hattori soit principalement ancré dans le surréalisme, l'influence du street art est manifeste dans sa manière d'aborder ses sujets. Ce dessin possède une certaine spontanéité et une authenticité, qualités souvent admirées dans le street art. Le trait de crayon est précis, mais une liberté et une spontanéité sous-jacentes s'accordent avec l'esprit du graffiti. Encadré et sous passe-partout sur mesure par l'artiste, le dessin « Fish Original » reflète l'implication d'Hattori dans son art, de sa conception à sa présentation. Les légères éraflures sur le cadre, témoins de son âge, ajoutent du caractère à l'œuvre, suggérant une histoire au-delà de son contenu visuel. Ce type de patine attire souvent les amateurs de street art, car elle confère à ces œuvres une dimension narrative riche et personnelle. Ces éraflures ne sont pas des défauts, mais les marques d'un parcours, à l'image des murs patinés qui servent de toiles au street art. Art urbain pop, graffiti et intimité des œuvres à petite échelle L'univers du street art et du graffiti est réputé pour son audace et sa visibilité à grande échelle. Pourtant, des œuvres comme « Fish Original » de Hattori remettent en question cette convention en mettant en lumière l'intimité des œuvres de petit format. À travers ce dessin, Hattori démontre que l'essence du street art ne se limite pas à la taille, mais réside dans l'authenticité et la puissance expressive de l'œuvre. Le choix de l'encadrement et du passe-partout personnalise davantage l'œuvre, lui conférant un caractère narratif, à l'instar du street art qui, souvent, raconte des histoires dans l'espace public. « Fish Original » de Naoto Hattori fait le lien entre les mondes souvent distincts des beaux-arts et du street art, alliant la précision du dessin au crayon à l'accessibilité et à l'émotion propres au street art. Cette œuvre illustre comment l'art peut transcender les frontières et s'adresser à un public diversifié. Ce dessin, d'une facture méticuleuse et sur fond de papier vieilli texturé, est une œuvre précieuse de l'art contemporain. Il offre un moment de contemplation et de connexion au cœur du dialogue foisonnant entre le pop art urbain et le graffiti. Il témoigne du potentiel que recèle la fusion de différentes disciplines artistiques, tel que le perçoit le regard visionnaire de Naoto Hattori.

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Étiquette autocollante Priority Mail 228-2016 Slap-Up, illustration originale de Saber, dessin permanent original sur étiquette d'expédition USPS par un artiste de graffiti, œuvre d'art de rue moderne. 2020 Signé par Tag Original Slap Up Graffiti Art Tag 4.25x5.5 Marqueur de couleur sur étiquette USPS United States Postal Service Priority Mail 228-2016. Étiquettes Priority Mail 228 : Toile de qualité supérieure pour les rues Le street art et le graffiti sont devenus synonymes de l'énergie brute, vibrante et souvent controversée des paysages urbains. Parmi les formes les plus captivantes de cet art figure l'autocollant « slap-up », une œuvre brève qui combine les tactiques de guérilla du street art et l'esthétique du pop art. Ces autocollants, que l'on retrouve fréquemment sur les murs, les lampadaires et les boîtes aux lettres, portent le pouls de la rue et la signature de l'artiste. L'étiquette Priority Mail 228 du service postal américain est un support particulièrement emblématique de ce genre. Initialement destinées à un usage postal, ces étiquettes ont été détournées par les artistes et transformées en supports pour leurs œuvres. Avec son design distinctif rouge, blanc et bleu, l'étiquette offre un fond immédiatement reconnaissable, profondément ancré dans l'iconographie américaine. Cette juxtaposition du symbolisme officiel et de la nature rebelle du graffiti crée une déclaration visuelle puissante, provocatrice et patriotique. Des graffeurs comme Saber ont transformé ces étiquettes en véhicules d'expression personnelle et de commentaire social. Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, est un artiste américain reconnu pour son travail au sein de la communauté graffiti et au-delà. Son implication dans cet art remonte aux années 1990, et il est depuis devenu une figure incontournable du street art. L'art du tag : affirmer sa présence et son identité Le tag, qui consiste à inscrire son pseudonyme ou sa signature de manière stylisée, est au cœur de la culture graffiti. C'est un moyen de s'approprier un territoire, d'affirmer son identité et d'interagir avec le public dans un dialogue souvent affranchi des conventions des galeries. L'œuvre de Saber utilise un marqueur permanent bleu pour créer un enchevêtrement de lignes et de formes qui fusionnent en son tag distinctif. Mesurant 10,8 x 14 cm, ce sticker est un exemple typique de tag art, incarnant la spontanéité et la touche personnelle qui caractérisent le genre. Créée en 2020 et signée par l'artiste, cette œuvre porte l'empreinte d'authenticité et l'immédiateté du street art. Malgré sa petite taille, le tag attire l'attention, l'intensité du marqueur bleu se détachant nettement sur les éléments pré-imprimés du sticker. La date du tag, mars 2016, situe l'œuvre dans le temps, l'ancrant dans un moment précis du parcours artistique de Saber. L'importance culturelle des étiquettes autocollantes réside dans leur accessibilité et leur caractère éphémère. Produites en masse et apposées à divers endroits, ces étiquettes permettent une large diffusion de l'œuvre de l'artiste. Cependant, leur durée de vie est imprévisible, car elles peuvent être facilement retirées ou détruites, à l'image de la nature fugace de la célébrité et de l'attention du public à l'ère numérique. L'utilisation par Saber de l'étiquette Priority Mail 228 s'inscrit dans une tradition du street art qui valorise le détournement d'objets du quotidien pour en faire quelque chose d'extraordinaire. La transformation de cette étiquette, d'un accessoire postal banal en une œuvre d'art, bouleverse l'ordinaire et invite le spectateur à percevoir l'extraordinaire dans le quotidien. Cette qualité inscrit les étiquettes autocollantes au cœur du Street Pop Art et du Graffiti, genres qui se redéfinissent sans cesse grâce à des matériaux et des méthodes non conventionnels. L'étiquette autocollante Priority Mail 228 de Saber est plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une affirmation, un élément du tissu culturel et le reflet de la présence de l'artiste dans le paysage urbain. Comme une grande partie du Street Pop Art et des graffitis, il capture un instant précis, une explosion d'énergie créative et un dialogue avec le public aussi vibrant et dynamique que les rues qui l'ont vu naître.

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Le plus grand de tous les temps 3 Muhammad Ali x Sonny Liston Œuvre d'art pop street en édition limitée Impression giclée sur papier aquarelle épais par l'artiste moderne Alec Monopoly Brand. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 36 x 24 pouces.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) de la série In-Crowd, objet d'art de collection 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une série en édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine à feuillets articulés en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un superbe fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète la dimension introspective et souvent méditative que peut susciter l'art contemporain. Cette exposition marquante a mis en lumière des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de « Beautiful Losers », cette pièce représente un moment charnière de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », une sérigraphie d'Ari Marcopoulos réalisée en 2004 sur papier d'archivage sans acide (50,8 x 40,6 cm), capture un instant de l'art du portrait contemporain. Cette œuvre fait partie d'une série limitée et très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter l'horizon. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et des contre-cultures. « Justin » n'est pas qu'un simple portrait ; c'est une œuvre marquante, qui interpelle le collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Pièce intemporelle, elle enrichit toute collection d'une beauté esthétique et d'une portée culturelle indéniables. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance, mini-livre de 1999 « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Le CD est présenté dans un boîtier orange vif, qui souligne l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et faisant écho au soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, qui emploie souvent des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre offre un lien concret avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que tous ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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1BN MonoPrint 1-en-un Sérigraphie originale en 4 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts, par M. Penfold, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Estampe originale unique signée de 2021, format 18,11 x 22,44 cm L'artiste aux multiples talents, également connu sous le nom de « Mr Penfold », réside actuellement à Bristol, où il possède son atelier et explore différents médiums. Son nom complet est Tim Gresham.

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Estampe de vandalisme sur panneau de bois encadrée, prête à être accrochée, par Nick Walker, artiste de street art et pop moderne. Pochoir de vandalisme sur bois, impression HPM par Nick Walker (2018), encadré 43,18 cm x 50,80 cm (17 x 20 po) « Vandalisme » de Nick Walker. Édition limitée exclusive DCon à 50 exemplaires, tirages d'art sur bois, signés et numérotés à la main. Chaque tirage est accompagné d'un certificat d'authenticité signé et numéroté. Tirage d'art sur bois de bouleau durable de 1,27 cm (1/2 po), finition blanc éclatant.

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Étiquette de carte du métro MTA - Œuvre d'art originale unique en son genre, dessinée au marqueur sur une carte du métro MTA par l'artiste populaire de la culture pop et du street art Stay High 149 - Wayne Roberts. Peinture/dessin original encadré et signé, datant de 2011, représentant un plan du métro new-yorkais (MTA). Dimensions : 22,75 x 32,25 pouces.

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Sérigraphie QR Code Smiley par RYCA - Ryan Callanan, impression artisanale 1 couleur sur papier beaux-arts, édition limitée. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Œuvre d'art de format 9,75 x 9,75 pouces. Sérigraphie. Sérigraphie QR Code Smiley de RYCA : une confluence de technologie et de pop art urbain L'estampe sérigraphique « QR Code Smiley » de RYCA, alias Ryan Callanan, illustre de façon saisissante la manière dont les artistes contemporains fusionnent motifs numériques et techniques d'impression traditionnelles. Le choix de RYCA de capturer l'essence d'un code QR, emblème de l'ère numérique, et de la transformer en une œuvre d'art urbain, à la croisée du pop art et du graffiti, est novateur et reflète notre époque. Le smiley dissimulé dans le code ajoute une touche ludique et nostalgique, évoquant les débuts de la communication numérique et soulignant l'omniprésence de la technologie dans la vie moderne. Cette œuvre, une édition limitée à 50 exemplaires (2022), a été réalisée selon le procédé artisanal et minutieux de la sérigraphie. Chaque estampe, signée et numérotée par l'artiste, mesure 24,8 x 24,8 cm et est imprimée sur papier beaux-arts. Le choix d'une palette monochrome accentue la sobriété et l'immédiateté du code QR, contrastant avec l'imagerie souvent colorée et foisonnante du street art. Cependant, cette simplicité même permet à l'œuvre de se démarquer, offrant une pause visuelle dans le langage visuel frénétique des environnements urbains. Le parcours artistique de RYCA et son intersection avec l'art urbain Le parcours artistique de RYCA est marqué par sa capacité à insuffler une nouvelle signification aux icônes culturelles familières. En intégrant le célèbre smiley à un symbole universellement reconnaissable comme le code QR, il crée un lien direct entre l'art et le public, rendant son œuvre à la fois accessible et captivante. Cette pièce témoigne du talent de RYCA pour utiliser les codes du pop art afin d'explorer l'intersection entre technologie et émotions humaines, un thème récurrent à l'ère du numérique. Tirée en édition limitée, cette estampe est une pièce de collection très recherchée et souligne la nature éphémère du street art, où la rareté et le lieu d'exposition d'une œuvre peuvent considérablement accroître sa valeur et son impact. L'œuvre de RYCA nous rappelle la nature transitoire du graffiti, souvent présent aujourd'hui et disparu demain, à l'image de la fugacité de l'information numérique à l'ère d'Internet. L'estampe sérigraphique « QR Code Smiley » est plus qu'une simple expression visuelle ; c'est un artefact culturel qui capture l'esprit du XXIe siècle. Les codes QR sont devenus omniprésents dans nos vies, une solution technique à un besoin culturel d'accès rapide et fluide à l'information. En intégrant ce symbole à son art, RYCA commente cette omniprésence et invite le spectateur à réfléchir à la relation entre les mondes numérique et physique. Par son esthétique minimaliste et sa profondeur conceptuelle, cette estampe reflète une tendance plus large du street art et du graffiti, où les artistes s'intéressent de plus en plus à la culture numérique. L'œuvre de RYCA est à l'avant-garde de ce mouvement, mêlant l'immédiateté du street art à la connectivité des technologies numériques. Le smiley à code QR de RYCA et sa place dans l'art moderne Alors que le street art et le graffiti continuent d'évoluer, des artistes comme RYCA ouvrent la voie, abolissant les frontières entre les formes artistiques et explorant de nouveaux médiums. La sérigraphie « QR Code Smiley » illustre parfaitement cette évolution, où un outil technologique est réinventé en un support d'expression artistique. Cette œuvre représente la vision créative de RYCA et une réflexion sur la frontière de plus en plus floue entre le virtuel et le réel. Dans un monde où les interactions numériques remplacent souvent les interactions physiques, la sérigraphie de RYCA nous rappelle avec force l'importance de l'art tangible à l'ère du numérique. Elle fait le lien entre deux mondes apparemment disparates, invitant le spectateur à s'interroger sur le rôle de l'art dans une société dominée par les écrans et les codes. La sérigraphie « QR Code Smiley » de RYCA est une pièce maîtresse du street art et du graffiti, offrant une perspective unique sur le point de rencontre entre l'art, la technologie et la culture. Son édition limitée souligne l'importance accordée à l'originalité et à l'authenticité dans l'art. À travers cette œuvre, RYCA nous invite à réfléchir à la nature omniprésente des symboles numériques dans nos vies et à la manière dont ils peuvent être réimaginés à travers le prisme de l'art.

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Rick Grimes Chillin, dessin original au crayon graphite réalisé à la main sur papier d'art fin par Mark Hammermeister, artiste de street art contemporain très en vogue. Dessin original au graphite signé de 2014 représentant Rick Grimes de la série télévisée Walking Dead en uniforme de police. Walking Dead comme sujet dans l'art urbain pop et le graffiti La série The Walking Dead est devenue une influence majeure du street art et du graffiti, inspirant les artistes à réinterpréter ses personnages, ses thèmes et son imagerie dystopique à travers une esthétique urbaine audacieuse. Comptant parmi les séries télévisées et les franchises de bandes dessinées les plus marquantes de l'ère moderne, son univers sombre et post-apocalyptique se prête naturellement au langage visuel du street art. Les thèmes de survie, de moralité et de chaos qui y sont abordés font écho à l'esprit rebelle du graffiti et des estampes urbaines d'inspiration pop, faisant de la série un sujet de prédilection pour les fresques, les sérigraphies et les œuvres au pochoir. Qu'il s'agisse de représenter ses personnages emblématiques ou de faire référence à ses thèmes obsédants de destruction et de résilience, les artistes se sont approprié la série comme un symbole de défi et de persévérance dans le paysage artistique contemporain. Personnages emblématiques et symbolisme visuel La série The Walking Dead est réputée pour ses personnages complexes et attachants, dont beaucoup sont devenus des icônes du street art et du graffiti. Des figures comme Rick Grimes, Daryl Dixon et Michonne sont fréquemment représentées sur des fresques murales de grande envergure et des sérigraphies en édition limitée, leurs visages étant réinterprétés grâce à des techniques de pochoir, des textures en demi-teintes et des aplats de couleurs audacieux. La violence de leur lutte pour la survie s'inscrit dans l'esthétique du street art urbain, où des visuels bruts et contrastés véhiculent une forte charge émotionnelle. De nombreux artistes intègrent des symboles religieux à leurs œuvres, faisant des personnages des saints ou des figures mythologiques, renforçant ainsi les thèmes du sacrifice et de la rédemption propres à la série. L'imagerie récurrente de crânes, de paysages dévastés et d'une typographie inquiétante accentue l'esthétique apocalyptique, conférant à chaque œuvre l'aspect d'un vestige d'un monde englouti par le chaos. Techniques artistiques du street art, du pop art et du graffiti De nombreux artistes du Street Pop Art et du graffiti utilisent la superposition de pochoirs, le collage d'affiches et la sérigraphie pour donner vie à l'univers de The Walking Dead dans les espaces urbains. Le contraste saisissant entre la vie et la mort dans la série se reflète dans des compositions en noir et blanc percutantes, des touches de rouge sang et des textures vieillies évoquant des affiches délabrées sur les murs des villes. L'utilisation d'encres métalliques et de vernis brillants apporte une touche contemporaine, élevant ces œuvres au-delà du graffiti traditionnel pour en faire des estampes d'art. Certaines fresques mêlent portraits réalistes et éléments de bande dessinée exagérés, reflétant les origines graphiques de la franchise tout en préservant la liberté d'expression du street art. L'intégration de textes tirés de la série, souvent en caractères gras et vieillis, rappelle les luttes existentielles des personnages et les angoisses du monde réel qui font écho aux thèmes dystopiques de la série. Impact culturel et pertinence artistique La série The Walking Dead a marqué durablement le street art et le graffiti en devenant une puissante métaphore de la survie, de l'effondrement de la société et de la résilience humaine. Sa présence dans les fresques murales, les sérigraphies et les œuvres multimédias témoigne de sa capacité à toucher un public bien au-delà du petit écran, influençant une culture visuelle nourrie par la rébellion et la réinvention. Les artistes continuent de réinterpréter son imagerie, utilisant ses thèmes pour commenter des problématiques contemporaines telles que l'isolement, la peur et la lutte pour l'espoir dans un monde fracturé. L'impact visuel persistant de The Walking Dead dans le street art en fait une source d'inspiration inépuisable pour ceux qui cherchent à capturer l'émotion brute et viscérale qui caractérise à la fois la série et le mouvement artistique urbain.

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Joker - Darkest Knight, sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs sur papier beaux-arts, par Brian Ewing, artiste pop art célèbre et rare. Batman Joker Darkest Knight Édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés (2021)

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Couverture de la bande dessinée Joker n° 2, édition limitée, sérigraphie HPM 1 couleur rehaussée d'aquarelle sur papier beaux-arts par Mr Brainwash - Thierry Guetta. 2019 Édition limitée signée et numérotée à 25 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 34 x 46 cm. Mr. Brainwash est heureux d'annoncer une nouvelle illustration pour sa série de couvertures de bandes dessinées, mettant cette fois-ci en scène l'un des super-vilains les plus célèbres : le Joker, tiré de la couverture de Batman. Sérigraphie monochrome sur papier d'art d'archive déchiré à la main, rehaussée d'aquarelle. Chaque exemplaire de cette édition est unique et les couleurs peuvent varier. Dimensions : 86 x 117 cm (34 x 46 pouces). Tirage limité à 25 exemplaires.

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« Peoples Power », une peinture originale réalisée avec des techniques mixtes (pochoir et peinture aérosol) sur un panneau de bois découpé, par Icy & Sot, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2015, réalisée à la bombe aérosol et au pochoir sur bois découpé, format 21 x 46 pouces (taille réelle). « American Dream s’inspire d’un sans-abri tenant un gobelet Starbucks et demandant de l’argent. Il y a beaucoup de sans-abri à New York, mais ils sont invisibles entre les gratte-ciel. Nous l’avons peint plus grand que l’Empire State Building pour qu’il soit plus visible. » – Icy & Sot Décryptage du langage visuel du « pouvoir du peuple » L'œuvre intitulée « People's Power », réalisée par le duo d'artistes de rue Icy & Sot, est un exemple saisissant de pop art moderne qui mêle l'intensité brute du graffiti à l'attrait captivant du pochoir. Créée en 2015, cette pièce originale a été minutieusement réalisée à l'aide de techniques mixtes, principalement le pochoir et la peinture aérosol, sur un panneau de bois découpé. Le choix des matériaux et la technique employée par les artistes témoignent de leur profond ancrage dans les traditions du pop art urbain et du graffiti, où l'utilisation de la peinture aérosol est emblématique et où les pochoirs permettent de créer des images nettes et répétables, rapidement réalisables dans l'environnement souvent complexe des espaces publics. L'expression artistique des réalités sociales « People's Power » s'inscrit pleinement dans l'esprit du street art en abordant avec audace des thèmes socio-politiques. Le travail d'Icy & Sot témoigne souvent d'une profonde compréhension des enjeux contemporains, et cette œuvre ne fait pas exception. Le récit du « rêve américain », source d'inspiration de « People's Power », trouve son origine dans l'observation par l'artiste d'un sans-abri à New York, serrant contre lui un gobelet Starbucks tout en mendiant. Cette scène poignante, se détachant sur fond de gratte-ciel imposants, a donné naissance à une œuvre qui vise à mettre en lumière la présence souvent invisible et marginalisée des figures urbaines. L'imagerie symbolique du « pouvoir du peuple » Dans « Le Pouvoir du Peuple », le personnage central est représenté comme plus grand que nature, éclipsant l'emblématique Empire State Building. Ce choix artistique élève le sujet, au sens propre comme au figuré, lui conférant une visibilité habituellement refusée dans la réalité. La foule hétéroclite qui l'entoure semble solidaire, suggérant un soulèvement collectif ou une opposition unie aux problèmes de société. Les couleurs vives qui colorent son visage insufflent une impression de vitalité et peut-être une lueur d'espoir au milieu du noir et blanc austère de la foule. Technique et forme dans le processus créatif d'Icy & Sot La maîtrise technique d'Icy & Sot transparaît dans la précision du travail au pochoir et le chaos maîtrisé de la peinture en aérosol. En choisissant un panneau de bois comme support, les artistes s'affranchissent du caractère éphémère des murs de la rue, permettant à « People's Power » d'exister comme un manifeste portable de leur position artistique et idéologique. La forme découpée de l'œuvre rompt avec la toile rectangulaire conventionnelle, lui conférant une présence quasi sculpturale qui fait écho à l'expérience tridimensionnelle de la rencontre avec le street art dans la rue. Contextualiser le « pouvoir du peuple » au sein du pop art urbain « People's Power » est bien plus qu'une œuvre visuellement captivante ; c'est un véritable artefact culturel qui incarne l'esprit du street art. Icy & Sot ont su exploiter avec brio le potentiel expressif du graffiti pour communiquer avec un large public, transcendant les barrières linguistiques et culturelles. L'accessibilité de l'œuvre est essentielle à son impact, s'inscrivant dans la tradition du street art qui s'adresse directement au public, sans les filtres des galeries et musées traditionnels. Impact et héritage du « pouvoir du peuple » L'héritage de « People's Power » réside dans sa capacité à confronter et à dialoguer avec son public sur des vérités dérangeantes. À l'instar de nombreuses œuvres majeures du street art, sa valeur est amplifiée par sa pertinence au regard des débats de société contemporains. L'engagement d'Icy & Sot à aborder les aspects les plus tabous de la modernité confère à « People's Power » le statut non seulement d'objet d'admiration esthétique, mais aussi de symbole de conscience sociale dans le domaine de l'art moderne.

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Planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo - Édition limitée noire, illustration de la marque Supreme. SS21 2021 - La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rouge arbore le logo classique de KAWS, déjà vu lors de sa précédente collaboration avec Supreme. Le logo s'étend sur toute la largeur de la planche et a été lancée le 18 février 2021, pour la saison printemps/été 2021 de Supreme. Planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo style pop art urbain La rencontre entre le streetwear et l'art est une caractéristique déterminante du Street Pop Art et du graffiti modernes, et la planche de skateboard « Supreme KAWS Chalk Logo Deck - Black Limited Edition » s'inscrit pleinement dans cette fusion culturelle. Fruit d'une collaboration entre Supreme, la marque emblématique reconnue pour son influence considérable sur le streetwear, et KAWS, artiste dont le travail a fait le pont entre l'art et le design commercial, cette planche arbore le logo KAWS classique, symbole de l'esprit du temps, fusionnant art et fonctionnalité. Le logo, présent sur toute la largeur de la planche, affirme avec audace la dimension universelle du street art. Sortie le 18 février 2021 dans le cadre de la collection Printemps/Été 2021 de Supreme, cette pièce était bien plus qu'une simple planche de skateboard : un véritable support d'expression artistique. Collaboration artistique et impact culturel Cette collaboration entre KAWS et Supreme souligne la relation réciproque entre streetwear et art urbain. Autrefois incontournable de la culture urbaine, le skateboard s'est transformé en une œuvre d'art de collection, porteuse de l'héritage des deux marques. La planche KAWS Chalk Logo Deck mêle l'art et la fonctionnalité, devenant un point de convergence des réflexions sur la nature et la valeur de l'art contemporain dans le monde commercial. La sortie de cette planche lors de la saison printemps-été 2021 témoigne d'une période où le monde de l'art et l'industrie de la mode se tournaient vers un monde post-pandémique, cherchant à affirmer leur identité à travers leurs créations. Le choix du logo à la craie, évoquant le caractère éphémère du graffiti, suggère une réflexion sur la nature transitoire de l'art urbain et des tendances de la mode. Pourtant, en l'intégrant à un support durable comme une planche de skateboard, la pièce souligne également l'impact pérenne de ces expressions culturelles. Les planches de skateboard comme médiums artistiques dans le pop art urbain Les planches de skateboard sont devenues un support de prédilection du Street Pop Art, offrant aux artistes une surface unique, intrinsèquement liée à la culture jeune, à la rébellion et à la vie urbaine. La planche Supreme KAWS Chalk Logo illustre parfaitement comment ces objets du quotidien peuvent être élevés au rang d'œuvres d'art, transformant le commun des mortels en objet prestigieux. Son édition limitée renforce son attrait, créant un sentiment de rareté souvent exploité dans le monde de l'art pour susciter la demande et l'intérêt. Le fond noir du logo à la craie crée un contraste saisissant, mettant ainsi en valeur le design iconique de KAWS. Cette stratégie visuelle est caractéristique de l'approche de KAWS, où la simplicité des couleurs souligne la complexité de ses figures et motifs. Cette collaboration n'est pas une simple fusion de deux marques, mais une véritable alchimie de leurs philosophies et langages esthétiques respectifs, donnant naissance à un produit à la fois fonctionnel et emblématique. La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo témoigne du dynamisme du Street Pop Art. Elle capture une époque où les frontières entre art et commerce, espaces publics et privés, culture savante et culture underground s'estompent et s'entremêlent inextricablement. Elle nous rappelle que l'art peut se trouver dans les lieux les plus inattendus et que la rue demeure une source d'inspiration essentielle pour les mouvements artistiques contemporains.

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X1 Édition Limitée Série ICON Impression Sérigraphique Manipulée à la Main en 4 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par DKNG Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Le vaisseau spatial X1 de Dark Vador, tiré du film de science-fiction Star Wars. Chaque film en possède une. Un accessoire, un décor ou un lieu emblématique. Quelque chose qui, en une seule image, peut représenter tout le film. L'équipe de designers Dan Kuhlken et Nathan Goldman, alias DKNG, nomme ces images « Icônes », et elles sont au cœur de leur toute première exposition personnelle à la Gallery 1988 West de Los Angeles. Intitulée simplement ICON, l'exposition présente 50 œuvres mettant en scène des lieux et des objets iconiques issus de vos films et séries préférés de tous les temps. Chaque œuvre, de petit format (30 cm de côté), représente un élément qui résume un film entier. Et bien sûr, chacune est réalisée dans le style distinctif de DKNG : lumineux, géométrique et pourtant riche en détails.

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Sérigraphie grand format Chuck D Black Steel par Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Artiste de la culture pop Obey. 2018 Signé par Sheppard Fairey, Janette Beckman et Chuck D. Édition limitée numérotée à 300 exemplaires. Œuvre d'art 24x36 Sérigraphie du rappeur Chuck D de Public Enemy & Prophets of Rage. Chuck D est depuis longtemps un héros pour moi, en tant que fondateur et rappeur principal de Public Enemy, figure engagée sur les plans social et politique, militant, et maintenant co-chanteur de Prophets of Rage. Je cherche toujours des occasions de collaborer avec Chuck et de célébrer son influence sur moi et sur la culture en général. J'étais donc ravi de travailler avec lui et Janette Beckman, dont j'admire les photographies hip-hop et punk depuis des années. À l'approche du 30e anniversaire de « It Takes A Nation of Millions To Hold Us Back » de Public Enemy, le 28 juin, j'ai pensé qu'une photo de Chuck prise par Janette à cette époque serait parfaite pour une illustration, en hommage à mon MC préféré et à mon album hip-hop préféré de tous les temps. Si vous ne possédez pas « It Takes A Nation of Millions To Hold Us Back » de Public Enemy, découvrez ce que peut être une musique à l'apogée de son potentiel sonore, politique et révolutionnaire. Les bénéfices de cette impression seront reversés à Central Coast Alliance United. Pour une économie durable (CAUSE). Toutes les estampes sont signées par Shepard, Janette Beckman et Chuck D. Merci pour l'inspiration, Chuck ! - Shepard Fairey - OBEY L'entrelacement de la musique et des arts visuels trouve une expression saisissante dans la sérigraphie grand format « Chuck D Black Steel » de Shepard Fairey, une œuvre qui témoigne de l'héritage durable des voix puissantes du hip-hop. Sortie en 2018, cette œuvre en édition limitée est le fruit d'une collaboration mettant en scène la figure emblématique de Chuck D, leader du groupe de hip-hop légendaire Public Enemy, immortalisée par la célèbre photographe Janette Beckman et réinterprétée par le style graphique unique de Fairey. Cette sérigraphie célèbre un événement marquant : le 30e anniversaire de l'album « It Takes A Nation of Millions To Hold Us Back » de Public Enemy, considéré comme l'un des albums les plus influents du hip-hop. Fairey, connu pour sa campagne « OBEY » et son rôle majeur dans la culture pop et le street art, imprègne souvent son travail de commentaires sociaux et politiques, faisant écho à l'esprit artistique de Chuck D. Le choix de la photographie de Beckman pour l'illustration est délibéré, reconnaissant son impact sur la culture hip-hop à travers son travail de documentation visuelle. La collaboration entre Fairey, Beckman et Chuck D pour la création de cette sérigraphie incarne une fusion de talents qui rend hommage au passé tout en affirmant une position dans le présent. L'œuvre présente un portrait en noir et blanc de Chuck D, sur un fond de mots et d'images qui font écho aux messages véhiculés par sa musique : résistance, émancipation et lutte contre l'injustice. Tirée à la main sur un papier d'art crème moucheté, cette sérigraphie de 61 x 91 cm (24 x 36 pouces) est encore plus exclusive grâce à son tirage limité à 300 exemplaires signés et numérotés. La décision de Fairey de reverser les bénéfices de cette sérigraphie à la Central Coast Alliance United for a Sustainable Economy (CAUSE) s'inscrit dans la lignée de l'engagement social inhérent à la musique de Chuck D. Cette initiative célèbre non seulement l'importance culturelle du hip-hop, mais aussi son potentiel de transformation sociale. La convergence de la musique, de l'art et de l'activisme dans cette sérigraphie souligne le rôle du hip-hop comme vecteur de commentaire social, avec des artistes comme Chuck D à l'avant-garde et des figures comme Shepard Fairey qui amplifient le message par le biais de l'art visuel. Cette œuvre n'est pas qu'un simple objet de collection ; elle constitue un récit, un point de rencontre entre l'art et les voix profondes d'un mouvement, continuant d'inspirer et de susciter la réflexion, à l'image du pop art et du street art.

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Krylon Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 18 juillet 2019 En substance, Denial satirise la réalité que lui et nous vivons à travers certains des symboles les plus emblématiques de la culture occidentale. Il utilise des produits culturels pour dénoncer le système qui les a engendrés. De ce fait, il les recontextualise et les transforme, de produits commerciaux, en un héritage culturel.

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Estevan Oriol - LA Fingers Black Édition Limitée Rare Bombe de Peinture en Aérosol Œuvre d'art croisée par le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Estevan Oriol LA FINGERS, 2021. Édition limitée à 500 exemplaires. Bombe de peinture Montana. Couleur : Noir. Estevan Oriol est un photographe, réalisateur et entrepreneur de renommée internationale. Après avoir débuté comme videur de boîte de nuit puis comme tour manager pour les groupes de rap populaires de Los Angeles, Cypress Hill et House of Pain, Oriol a développé sa passion pour la photographie au cours de ses voyages à travers le monde. Il a commencé à documenter la vie sur la route et s'est fait un nom au sein de la scène hip-hop émergente. En 1995, le photographe de rue chicano Estevan Oriol a réalisé une séance photo désormais célèbre où il a demandé à un mannequin latino aux ongles acérés de disposer ses doigts ornés de strass en forme de deux lettres : L et A. Ses lèvres noires et pulpeuses, en arrière-plan, offraient une image fascinante et provocante, symbole de la fierté de la côte ouest. Elle réinterprétait la typographie du panneau Hollywood et réinventait le symbole LA entrelacé des Dodgers. Depuis le palmier, l'autoroute enfumée ou la piscine solitaire de Hockney, aucune image n'avait aussi succinctement capturé l'essence de Los Angeles — inaccessible et interdite jusqu'à ce qu'Oriol (avec sa pleine bénédiction) nous la livre.

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Papier buvard Sun Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mike Giant, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. « L'illustration du Soleil est inspirée du LSD que je consommais à la fin des années 1990. La seule différence ? Celui que je buvais était sur du papier jaune. C'est l'une des six illustrations sur le thème du LSD que j'ai réalisées début 2017, après avoir repensé à l'époque où j'en consommais régulièrement (au moins une fois par semaine). Trois de ces six illustrations sont inspirées de vrais buvards de LSD que j'ai ingérés et vendus. Les trois autres sont des créations que j'ai imaginées pour illustrer des buvards. J'ai fait des recherches sur ce sujet et j'en ai trouvé quelques-uns que je me souviens avoir consommés et vendus. Les autres sont de mon invention. Ils sont vraiment uniques par rapport à ce que je propose habituellement et je suis sûr qu'ils prendront de la valeur un jour, car c'est la seule fois où j'ai réalisé des illustrations pour buvards de LSD. » – Mike Giant

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Achetez Ms Rainbow Flower - SP 13 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier d'art par Takashi Murakami TM / KK Rare Street Art Célèbre Pop Artwork Artist. Signé 2020 SP Edition de 25 Rare Takashi Murakami TM/KK Ms. Rainbow Flower Sérigraphie Artwork 19.68x19.68in 50x50cm

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Burnt Out » sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Luke Chueh, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Depuis de nombreuses années, j'ai le plaisir de collaborer avec 1xRUN et j'ai été témoin de leur croissance et de leur diversification. Pour cette exposition, je souhaitais créer une œuvre que je n'aurais pu réaliser qu'avec Inner State et 1xRUN. J'ai donc pleinement exploité les outils et les technologies de leur studio. De la sérigraphie aux estampes rehaussées à la main, en passant par les éditions découpées au laser, cette exposition repoussera les limites de mon travail artistique et explorera la fusion de l'art et du commerce », a déclaré Chueh depuis ses ateliers de Los Angeles. Depuis 20 ans, Chueh est une figure incontournable de la scène artistique contemporaine, naviguant entre beaux-arts, art populaire, figurines en vinyle en édition limitée et estampes d'art, et fédérant un public tout aussi fidèle dans chaque segment. En plus de proposer des œuvres accessibles aux collectionneurs de tous les budgets, Damaged Goods présentera également 15 peintures et personnages emblématiques de Chueh. « En tant qu'artiste, je partage constamment mon temps entre le développement de mes œuvres d'atelier et la production de divers produits inspirés de celles-ci. Je cherche sans cesse à réinterpréter les histoires et les personnages de mes peintures et à tirer parti des tendances des collectionneurs, qu'il s'agisse d'estampes en édition limitée ou de figurines d'art. » Luke Chueh

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Sérigraphie Yin Yang 1 couleur, édition limitée, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 335 g/m², par Buff Monster, artiste pop art célèbre et rare.

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Vans x David Bowie Sk8-Hi Bowie Check Noir et Blanc - Pointure 12 - Chaussures rares en édition limitée - Œuvre d'art de collection. Neuf dans sa boîte. Célébrez une légende et l'un des meilleurs albums de tous les temps avec les Slip-On 47 V Hunky Dory, chaussures de skate issues de la collaboration Vans et David Bowie. Issues de la collection Vans et David Bowie Archive, ces chaussures arborent des empiècements en fausse fourrure à carreaux noirs, gris et blancs sur le cou-de-pied et le talon, rappelant la veste en fourrure que Bowie porte sur l'album « Hunky Dory » de 1971. Des empiècements en daim jaune doré rehaussent le col et le côté, tandis que des brides à scratch apportent une touche de couleur. Le nom de David est embossé sur la bride supérieure, et l'inscription « Hunky Dory » est gravée sur la semelle extérieure, pour un hommage vibrant à ce grand artiste.

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Planche de skateboard Celtic Knot Deck - Édition limitée noire, sérigraphiée, illustration de l'artiste de la culture pop urbaine Supreme. Supreme a lancé sa collection automne/hiver 2021 avec la nouvelle planche de skateboard Celtic Knot. La planche noire Supreme Celtic Knot a été l'une des plus recherchées de la saison. Elle arbore le logo Supreme en blanc, surmonté d'un motif traditionnel de nœud celtique noir et blanc cassé.

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Araignée Veuve Noire Orange Néon HPM Technique Mixte Unique par Saber Peinture à la Main Encre, Crayons de Couleur, Feutre, Surligneur sur Papier Beaux-Arts Graffiti Street Artiste Art Pop Moderne. Édition originale unique, signée et numérotée, 2023, limitée à 10 exemplaires. Dessin réalisé à la main à l'encre HPM, au surligneur, au feutre et aux crayons de couleur. Format : 3,5 x 3 pouces. Mini-dessin d'araignées et d'une veuve noire. Enveloppe peinte à la main et étiquetée incluse. Explorer les profondeurs éclatantes de la Veuve Noire Orange Néon de Saber La série « Neon Black Widow Spider HPM Mixed Media Unique » de Saber est une collection captivante et vibrante qui capture l'essence du pop art urbain à travers le prisme unique de l'imagerie naturelle. Dans cette série signée et numérotée de 2023, limitée à une édition originale unique de 10 exemplaires, Saber explore le symbolisme puissant de la veuve noire en utilisant une variété de matériaux, notamment l'encre de stylo dessinée à la main, le surligneur, le marqueur et les crayons de couleur sur papier beaux-arts. L'approche artistique multimédia de Saber Saber, figure emblématique du graffiti, est reconnu pour son utilisation dynamique de l'espace et des couleurs. Dans cette série, il se concentre sur le format miniature de 8,9 x 7,6 cm pour donner vie aux détails complexes des araignées. La juxtaposition de couleurs néon et de la silhouette austère de la veuve noire crée un contraste saisissant, soulignant la réputation sulfureuse et la beauté intrinsèque de l'araignée. L'utilisation de techniques mixtes est essentielle dans le travail de Saber. Elle permet d'obtenir une profondeur et une texture difficiles à atteindre avec un seul médium. La superposition d'encre, de crayons de couleur et de surligneur confère une impression de mouvement et de dynamisme, tandis que les contours au marqueur apportent structure et définition. Cette combinaison de médiums reflète la nature multiforme du street art, qui intègre souvent divers éléments pour créer un ensemble cohérent. Symbolisme et signification dans l'art pop moderne Dans sa série « Neon Black Widow Spider HPM Mixed Media Unique », Saber explore le symbolisme. La célèbre marque rouge en forme de sablier de la veuve noire est souvent associée au danger, à la séduction et à la féminité. En la représentant en néon, Saber amplifie ces associations, rendant l'araignée impossible à ignorer et la transformant en une icône d'attrait et de mise en garde. Cette série, tout en s'éloignant des paysages urbains typiques et des caractères gras du graffiti traditionnel, reste fermement ancrée dans les principes du pop art urbain. L'œuvre invite les spectateurs à trouver la beauté dans les aspects souvent négligés ou craints de la nature, à l'instar du street art qui attire l'attention sur les facettes méconnues du paysage urbain. Saber, artiste américaine dont le nom est devenu synonyme du mouvement du street art, continue de repousser les limites du graffiti et du pop art avec cette série. Chaque pièce rappelle le pouvoir transformateur de l'art, capable de modifier les perceptions et d'aborder les symboles culturels de manière inédite et inattendue. En résumé, l'œuvre « Neon Black Widow Spider HPM Mixed Media Unique » de Saber constitue une fascinante rencontre entre nature et art urbain. À travers cette série, Saber démontre sa polyvalence artistique et contribue au débat actuel sur le rôle du street art dans le paysage visuel contemporain.

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Ty Cobb/ Dapper Thinking - Tigers Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de Ty Cobb/Dapper Thinking - Tigers

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Planche de skateboard en vinyle en édition limitée pour hoverboard Retour vers le futur, illustrée par l'artiste de la culture pop urbaine Joshua Vides. Figurine vinyle collector en édition limitée Hoverboard Retour vers le futur, signée Joshua Vides et disponible en ligne. Cette version de l'emblématique Hoverboard des films arbore son esthétique noir et blanc caractéristique, rehaussée de reliefs stylisés et de motifs à pois. Malgré sa résistance à la gravité, cette figurine en vinyle est équipée de sangles velcro blanches à l'avant et à l'arrière. Figurine vinyle collector Joshua Vides x Retour vers le futur Hoverboard (71 x 20 cm).

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Harlem World CCB Gangsters 81 Photo Print par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 20x16, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues de gangsters vintage à Harlem World. Photo de Joe Conzo Jr., Harlem World CCB Gangsters 81 Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » de Joe Conzo Jr. est une remarquable illustration de l'esthétique visuelle et de la théâtralité des débuts du hip-hop. Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée (2023), réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², il immortalise les légendaires Cold Crush Brothers dans des costumes vintage inspirés du gangsterisme. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm, signée par Conzo, offre un aperçu de la créativité et du talent qui caractérisaient les performances du groupe, mêlant musique, style et art urbain. Les Cold Crush Brothers : Icônes de style du hip-hop Les Cold Crush Brothers ont joué un rôle déterminant dans la formation de la culture et du son hip-hop à ses débuts, à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Reconnus pour leur talent d'écriture, leurs mises en scène élaborées et leurs costumes extravagants, le groupe a établi de nouvelles normes en matière de spectacle et d'innovation. Cette photographie, prise au Harlem World en 1981, met en lumière leur sens du théâtre. On y voit le groupe vêtu d'élégants costumes et de fedoras, accessoirisés d'armes factices, évoquant l'allure des gangsters classiques. Le Harlem World, lieu emblématique du Bronx durant l'âge d'or du hip-hop, était un véritable carrefour culturel pour les concerts, les battles et les rassemblements communautaires. Les Cold Crush Brothers s'y produisaient régulièrement, captivant un public conquis par leur style narratif unique et leur présence scénique hors du commun. Cette image illustre leur capacité à fusionner musique et mode en un récit cohérent, ancrant ainsi leur place dans l'histoire du hip-hop. Joe Conzo Jr : Documenter l’évolution du hip-hop Joe Conzo Jr est reconnu comme l'un des premiers photographes à avoir documenté l'émergence du hip-hop à New York. Son œuvre capture l'énergie brute, l'individualité et le talent artistique des pionniers du mouvement. Surnommé celui qui a pris les premières photos du hip-hop, Conzo a immortalisé la culture vibrante du Bronx et les figures qui l'ont façonnée. Ses photographies font le lien entre la musique et le Street Pop Art, offrant une perspective unique sur les intersections culturelles de l'époque. Cette photographie témoigne du sens aigu de la composition et du détail de Conzo, mettant en valeur la personnalité des Cold Crush Brothers et le soin apporté à leur image. Le motif gangster présent dans cette séance photo illustre comment les artistes hip-hop se sont approprié et ont réinterprété les symboles culturels pour exprimer puissance, assurance et créativité. Importance artistique et historique Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » illustre l'interaction entre musique, mode et art qui a défini les débuts du hip-hop. Les matériaux de qualité archivistique utilisés pour sa production garantissent la préservation des moindres détails de l'image, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 20x16 pouces amplifie l'impact visuel de la photographie, en faisant une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti. Ce tirage en édition limitée célèbre non seulement les Cold Crush Brothers, pionniers du hip-hop, mais témoigne également de la synergie créative entre musique et art visuel durant cette période charnière. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, l'image capture l'esprit d'innovation et d'expression personnelle qui continue d'influencer la culture contemporaine. Le tirage photographique « Harlem World CCB Gangsters 81 » est à la fois un document historique et une œuvre d'art moderne dynamique qui rend hommage aux racines du hip-hop.

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Le coût élevé de la liberté d'expression, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier crème moucheté, par Shepard Fairey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le punk rock a été une source d'inspiration inépuisable pour moi, tant sur le plan créatif que philosophique. Ses principes me rappellent sans cesse l'importance de dénoncer les abus de pouvoir et de remettre en question l'autorité. Les Dead Kennedys, The Clash, Black Flag et les Circle Jerks ne sont que quelques exemples de groupes qui ont évoqué des injustices telles que les violences policières et les abus de pouvoir dans leurs chansons, m'incitant à aborder ces mêmes sujets à travers mon art. J'ai tissé de nombreuses amitiés solides grâce au punk rock et à ses ramifications culturelles. Parmi ces amis, Sean Bonner, qui a commencé à commander mes estampes dans les années 90 alors qu'il était directeur artistique du label punk Victory Records.

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« Le vol d'un aigle », édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier Cougar naturel 130 lb, par Bernie Wrightson, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'artiste (EA) 2014 Signée et marquée EA Édition limitée Format 20x30 Chaque estampe mesure 20 × 30 cm et est signée par l'artiste lui-même, Bernie Wrightson. Il s'agit d'impressions sérigraphiques réalisées à la main sur papier Cougar Natural épais de 130 lb.

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American Dream, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier d'art Mohawk 140 lb, par Icy & Sot, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « American Dream s’inspire d’un sans-abri qui tenait un gobelet Starbucks et mendiait. Il y a beaucoup de sans-abri à New York, mais ils sont invisibles entre les gratte-ciel. Nous l’avons peint plus grand que l’Empire State Building pour qu’il soit plus visible. » – Icy & Sot

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Plateau en céramique Akira Syringe, objet d'art de la collection Supreme Limited Edition. Plateau/assiette en céramique Supreme, édition limitée estampillée 2017, dimensions 11,25 x 4,25 pouces, objet d'art de collection. Plateau en céramique Supreme AKIRA pour seringues : un classique culte revisité en porcelaine Le plateau en céramique Supreme AKIRA Seringue est un véritable objet culturel, fusionnant l'énergie brute du pop art urbain et la précision des illustrations manga. Sortie très attendue dans le cadre de la collection Automne/Hiver 2017, cette édition limitée incarne l'esprit avant-gardiste de la marque Supreme tout en rendant hommage au manga japonais culte AKIRA. Façonné avec précision, ce plateau en céramique blanche témoigne de l'influence durable de la série et de l'ingénieuse adaptabilité de l'esthétique streetwear de Supreme. Mesurant 28,6 cm sur 10,8 cm, le plateau est une toile qui donne vie à l'univers noir et blanc saisissant du néo-Tokyo d'AKIRA. Il présente une scène intense, directement tirée du manga, où Kaneda et Tetsuo, dans un moment de tension extrême, reçoivent une injection. Cette scène est un moment charnière de la série AKIRA et un aperçu de la narration complexe et pleine d'action qui captive les fans depuis des décennies. L'art de la céramique rencontre la narration graphique emblématique La synergie entre l'identité visuelle de Supreme et le graphisme d'AKIRA sur le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe illustre parfaitement comment le pop art urbain peut fusionner avec d'autres médias pour créer une œuvre à la fois inédite et familière. L'intégration subtile du nom de Supreme sur la seringue révèle une interaction ingénieuse entre identité de marque et imagerie narrative. Ce détail, bien que mineur, souligne la nature collaborative de la pièce et symbolise la fusion d'univers que les fans de Supreme et d'AKIRA apprécieront. Sous le plateau se trouve le logo iconique de Supreme, une signature qui atteste de l'authenticité de l'objet et le rattache à la lignée des précédents articles de collection de la marque. Cet emblème, juxtaposé au dessin manga, fait le lien entre l'esprit du temps du streetwear moderne et l'art classique du manga japonais. La présence du logo est un gage de qualité et un symbole qui trouve un écho auprès des collectionneurs conscients de la valeur des éditions limitées de pop art urbain. Impact et valeur de collection du plateau à seringues Supreme AKIRA Le plateau en céramique Supreme AKIRA Syringe est bien plus qu'un simple objet décoratif ; c'est un morceau d'histoire de la pop culture, moulé dans la céramique. Le choix d'immortaliser cette scène de manga sur un plateau de haute qualité témoigne d'une compréhension fine de la mentalité du collectionneur : ce n'est pas seulement l'objet qui a de la valeur, mais la convergence de l'art, du récit et de la marque qui en fait un trésor. En tant que pièce de collection, le plateau attire le regard, devenant un point de convergence qui suscite des discussions sur le street art, ses liens avec d'autres formes d'expression et la nature même des objets de collection contemporains. Dans le street art et le graffiti, des objets comme le plateau Supreme AKIRA Syringe soulignent le potentiel des objets du quotidien à devenir des supports pour la narration et l'expression artistique. La représentation saisissante de Kaneda et Tetsuo est un récit visuel figé dans la porcelaine, conférant au plateau un dynamisme souvent associé à l'immédiateté du street art et à la vitalité transgressive du graffiti. Pourtant, la permanence du matériau céramique et le charme intemporel de l'histoire d'AKIRA élèvent ce plateau au-delà de sa simple fonction, confirmant son statut d'œuvre d'art convoitée. Une fusion de formes artistiques pour le collectionneur contemporain Collectionneurs et amateurs de manga et de streetwear trouveront dans le plateau en céramique Supreme AKIRA l'objet qui incarne l'essence même de ces deux univers. La fusion harmonieuse du style urbain et percutant de Supreme et des visuels saisissants d'AKIRA fait de ce plateau une pièce emblématique pour les collectionneurs. À la fois fonctionnel et pratique, il invite à la contemplation en tant qu'œuvre d'art. Le plateau en céramique Supreme AKIRA témoigne de la puissance de la collaboration entre marques et artistes et reflète l'état actuel du street art et du graffiti : un domaine en constante évolution, toujours surprenant et résolument audacieux.

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Optichrome112p Œuvre d'art géométrique de rue, édition limitée, impression giclée sur papier chiffon coton 300 g/m² par l'artiste de graffiti urbain Felipe Pantone. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 19,67 x 27,56 pouces. Felipe Pantone OPTICHROMIE112p, 2022. Tirage giclée sur papier chiffon de coton pressé à froid 300 g/m². Bords droits. 50 x 70 cm. Édition signée et numérotée de 200 exemplaires.

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Swamp 13 HPM Peinture acrylique Sérigraphie par Maya Hayuk Impression 4 couleurs sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. 2013, peinture acrylique HPM, signée et numérotée, édition limitée à 40 exemplaires, embellie. Dimensions : 14,96 x 21,65 pouces. Swamp 13 de Maya Hayuk – Sérigraphie à la peinture acrylique HPM, style street art pop et graffiti. Swamp 13 est une œuvre multiple vibrante et immersive de 2013, peinte à la main par Maya Hayuk. Réalisée à l'acrylique et à la sérigraphie sur papier d'art, elle est éditée à 40 exemplaires. Mesurant 38 x 55 cm, cette œuvre fusionne la couleur, la texture et la géométrie, caractéristiques de l'artiste, pour créer une expérience visuelle riche et complexe. Chaque estampe a été rehaussée à la main, garantissant ainsi son caractère unique. Avec sa fusion de dégradés néon, de formes noires épaisses et d'éclaboussures picturales, Swamp 13 illustre parfaitement la capacité de Hayuk à allier symétrie maîtrisée et liberté gestuelle. L'œuvre devient une méditation psychédélique sur la couleur, l'espace et la forme – résolument abstraite, mais aussi profondément émotionnelle et précise. La couleur comme énergie psychédélique et signal urbain Dans Swamp 13, l'utilisation de la couleur par Maya Hayuk n'est pas purement décorative : elle agit comme une force énergique. Des éclats de rose fluo, d'orange éclatant, de bleu électrique et de vert acide jaillissent de formes noires épaisses, créant une tension subtile entre saturation et structure. Ces choix chromatiques font référence à la signalisation routière, à la culture rave, aux broderies folkloriques traditionnelles et à l'expressionnisme à la bombe. La palette fluorescente n'est pas un clin d'œil aux tendances, mais une affirmation délibérée de l'hypervisibilité : une volonté de susciter joie, urgence et une vibration spirituelle par le biais du pigment. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, cette stratégie visuelle fonctionne comme un son : elle vibre à travers la surface et le temps, invitant les spectateurs à ressentir autant qu'ils voient. Multiples peints à la main : fusion du contrôle et du chaos Chaque exemplaire de Swamp 13 a été rehaussé à la main par Maya Hayuk, qui a ajouté des couches de peinture acrylique à la base sérigraphiée en quadrichromie. Cet hybride de répétition mécanique et d'originalité picturale reflète la tension entre reproductibilité et individualité qui caractérise à la fois le pop art et le graffiti. Les éléments sérigraphiés forment une grille structurelle, ancrant l'œuvre dans des silhouettes géométriques audacieuses. Les superpositions acryliques débordent de ces lignes : coulures, éclaboussures et gestes reflètent le processus intuitif et rituel au cœur du travail mural de Hayuk. Le résultat final est une œuvre qui porte le poids du processus, et pas seulement de l'image. Chaque estampe est animée d'un mouvement, évoluant de l'uniformité à la présence grâce à une construction par étapes. La symétrie caractéristique et le respect de la rue de Maya Hayuk Swamp 13 n'est pas qu'une simple œuvre d'art : c'est le reflet de la philosophie de Maya Hayuk. Sa conviction que l'équilibre visuel peut être une force apaisante, que l'abstraction peut véhiculer un récit et que la couleur peut transcender les genres transparaît profondément dans cette composition. Bien que n'étant pas ancrée dans le lettrage graffiti traditionnel, Swamp 13 s'inscrit pleinement dans le Street Pop Art et le graffiti par sa méthodologie, son attitude et son audace. Elle fait écho au chaos stratifié des murs de la ville, à la répétition méditative des motifs folkloriques et à la résonance émotionnelle des aplats de couleur pure. Hayuk ne cherche pas à imiter le graffiti ; elle s'inspire de son ADN, traduisant son énergie en symphonies chromatiques structurées d'une puissance vibrante. Swamp 13 est une œuvre vibrante et intrépide d'une artiste qui continue de redéfinir les possibilités de l'expression contemporaine puisant ses racines dans la rue.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Pause café - Dessin de la Joconde - Impression sérigraphique monochrome réalisée à la main sur papier d'art tissé par l'artiste pop graffiti Madsaki - Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020), œuvre d'art de qualité supérieure, format 20,25 x 28,75 pouces. La scène artistique contemporaine est un paysage en constante évolution, foisonnant d'expérimentations et d'œuvres avant-gardistes qui remettent en question les normes artistiques traditionnelles. Un exemple éloquent de cette tendance est « Le Dessin de la Joconde pendant la pause café », une œuvre créée par le célèbre artiste pop graffeur Madsaki. Son interprétation du chef-d'œuvre de Léonard de Vinci réinvente l'image iconique, offrant une perspective inédite tout en rendant hommage à l'original. Par un mélange d'inspiration classique et d'exécution moderne, l'œuvre de Madsaki représente la fusion du passé et du présent, hissant le street art et le pop art au rang des beaux-arts. Utilisant la technique de la sérigraphie artisanale monochrome sur papier d'art tissé, l'interprétation de Madsaki met en valeur l'essence brute et la finesse des détails du street art. La sérigraphie est remarquable par sa polyvalence, permettant des applications de couleurs vibrantes et des motifs complexes. Le choix du papier d'art tissé confère une profondeur texturée à l'œuvre, enrichissant l'expérience tactile de sa contemplation. Le choix de Madsaki d'utiliser ces matériaux et techniques témoigne de son attachement à préserver l'authenticité du street art et du graffiti, tout en l'élevant à un niveau de sophistication qui séduit les amateurs d'art et les collectionneurs. L'année 2020 a marqué un tournant pour Madsaki et ses admirateurs avec la sortie de « Coffee Break Drawing of Mona Lisa », une œuvre d'art en édition limitée à seulement 100 exemplaires. Chaque pièce est signée par l'artiste, conférant ainsi une valeur exclusive et un lien personnel aux collectionneurs. Mesurant 51,4 x 73 cm, la taille de l'œuvre souligne son importance et en fait une pièce maîtresse adaptée à différents environnements d'exposition. Ces éditions limitées deviennent souvent des objets de collection très recherchés, incarnant à la fois la vision de l'artiste et un instantané d'une époque particulière de l'histoire de l'art. Dans le cadre plus large du pop art, du street art ou du graffiti, « Coffee Break Drawing of Mona Lisa » de Madsaki se distingue à plusieurs égards. Tout d'abord, cette œuvre remet en question les frontières traditionnelles entre art « savant » et art « populaire ». En s'appropriant une œuvre classique vénérée et en la présentant à travers le prisme du street art, Madsaki invite les spectateurs à reconsidérer leurs idées préconçues sur ce qui constitue un « art noble ». De plus, l'œuvre témoigne de l'acceptation et de la reconnaissance croissantes du street art et du graffiti au sein des milieux artistiques traditionnels. Des artistes comme Madsaki ne se contentent pas de se rebeller contre les normes traditionnelles ; ils les remodèlent et les redéfinissent. Dans le domaine de l'art moderne, le « Dessin de la Joconde pendant la pause-café » de Madsaki fait figure de phare, illustrant les possibilités infinies qui s'offrent à ceux qui rencontrent les inspirations classiques et les interprétations contemporaines. À mesure que l'art évolue, ce sont des œuvres comme celle-ci qui resteront dans les mémoires pour leur audace, leur créativité et leur impact profond sur le paysage artistique mondial.

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Sérigraphie sans titre Pointman & Vick par Verdy x Futura 2000 - Leonard McGurr Tirée à la main sur papier d'art Mohawk à bords frangés, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 40 exemplaires (2025). Œuvre d'art de 18 x 24 pouces, sérigraphie représentant un lapin panda stylisé Vick tenant une créature de science-fiction Pointman en rouge, noir et blanc. Verdy x Futura 2000 : Un dialogue dynamique entre l’art urbain pop et le graffiti L'estampe sérigraphique en édition limitée de 2025, intitulée « Untitled Pointman & Vick », est une collaboration très recherchée entre deux figures emblématiques du street art et du graffiti : Verdy et Leonard McGurr, alias Futura 2000. Tirée à la main au format 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces), cette œuvre est limitée à seulement 40 exemplaires signés et numérotés. Elle réunit deux personnages iconiques issus de traditions visuelles très différentes : Vick, de Verdy, un hybride panda-lapin débordant de mignonnerie urbaine et d'énergie punk, et Pointman, de Futura, une forme extraterrestre angulaire d'inspiration science-fiction, qui représente depuis les années 1980 l'évolution abstraite du graffiti chez l'artiste. La synergie de ces deux figures, disposées côte à côte sur une toile blanche immaculée, crée une œuvre visuelle saisissante et unique. Fusion de personnages : de la sous-culture tokyoïte au futurisme new-yorkais Vick, figure emblématique de la culture jeune et du streetwear japonais, est ici représenté avec des lignes audacieuses, un minimalisme affirmé et une forme de rébellion. Fréquemment présent dans ses œuvres liées à Girls Don't Cry et Wasted Youth, Vick incarne l'innocence mêlée de résistance, ici capturée par une posture expressive, sa chevelure hérissée et ses longues oreilles caractéristiques. Dans cette pièce, Vick se tient avec assurance, serrant contre lui Pointman de Futura, créature devenue emblématique de l'abstraction graffiti de l'ère spatiale. Souvent dépeint comme détaché et observateur, Pointman apparaît ici anthropomorphisé, mais dans une position de connexion, suggérant un contrôle créatif, une forme de révérence, voire une confrontation. Leonard McGurr, né aux États-Unis, a redéfini l'art du graffiti par son utilisation expérimentale des formes, de l'espace négatif et du récit conceptuel. Son personnage, Pointman, a rompu avec les lettrages et les tags traditionnels, optant pour un langage visuel combinant l'énergie de la bande dessinée, la théorie cosmique et la métaphore sociale. Ce personnage investit désormais l'univers minimaliste de Verdy, brouillant les frontières entre les époques et les esthétiques. Forme minimaliste à impact maximal Imprimée en rouge, noir et blanc, la sérigraphie, par son économie visuelle, amplifie la tension et l'harmonie entre les deux personnages. La palette restreinte confère à la composition une clarté saisissante, un clin d'œil visuel à la fois à l'animation vintage et aux graphismes des fanzines punk. Chaque trait est précis. Chaque forme est éloquente. Les proportions exagérées et le style surréaliste des personnages témoignent du talent des deux artistes pour mêler humour, symbolisme et subculture dans une expression visuelle. L'œuvre reflète le respect mutuel entre deux univers : la narration japonaise de Verdy, axée sur le design, et la rébellion avant-gardiste américaine de Futura. Une estampe de collection pour l'avant-garde artistique mondiale Tirée à seulement 40 exemplaires numérotés et signés, cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm est une pièce rare qui unit deux forces artistiques internationales en une œuvre unique. Bien plus qu'une simple collaboration, elle incarne la dynamique intergénérationnelle du street art et du graffiti. Les fans et collectionneurs des deux artistes reconnaîtront immédiatement la portée culturelle et historique de cette composition. Verdy et Futura 2000 ont créé ensemble un moment qui célèbre l'iconographie figurative comme un art contemporain légitime, émotionnel et profondément marquant. Cette estampe n'est pas qu'une œuvre visuelle : elle témoigne de la rencontre de deux univers artistiques.

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Sérigraphie Prey Red HPM Doodled par D*Face - Dean Stockton, impression sur carton, encadrée, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Œuvre unique signée, réalisée à la peinture et au crayon HPM en 2007, ornée d'un gribouillage sur le recto . Dimensions : 23,25 x 33 pouces (59 x 84 cm). Ce motif était initialement utilisé comme enduit décoratif dans plusieurs villes. Il s'agirait de l'une des deux versions produites et signées par D*Face sur papier de qualité supérieure. Encadrement sur mesure en métal rouge. Le style signature de D*Face en rouge Prey La confluence du pop art et du street art trouve une manifestation saisissante dans l'œuvre de l'artiste britannique Dean Stockton, plus connu sous le nom de D*Face. Parmi sa vaste collection d'œuvres percutantes, la sérigraphie « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » illustre parfaitement son talent pour fusionner les techniques subversives du street art avec l'esprit du pop art. Cette pièce en édition limitée, une sérigraphie sur carton et une œuvre originale rehaussée de gribouillis uniques à la peinture et au crayon réalisés par l'artiste lui-même, capture l'essence de sa critique du consumérisme et du culte des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de Stockton n'est pas une simple œuvre de street art ; elle reflète le parcours de l'artiste et son regard sur la société. L'œuvre se caractérise par des lignes audacieuses et des contrastes marqués, signature de l'esthétique de D*Face, fortement influencée par ses premières expériences dans le skateboard, le graffiti et la musique punk. L'estampe, mesurant 23,25 pouces sur 33 pouces, est encadrée dans un cadre en métal rouge sur mesure qui fait écho à l'éclat de l'œuvre d'art qu'elle renferme. D*Face et le mouvement Pop Street Art Conçue initialement comme une affiche collée dans les rues, « Prey Red » a évolué vers une expression plus raffinée de l'art de DFace lorsqu'elle a été réimaginée sous la forme d'une impression sur papier haut de gamme. Cette transition du street art à une œuvre digne d'une galerie souligne la fluidité des frontières entre les différentes formes d'art et la polyvalence de DFace. Le fait que cette pièce soit l'un des deux seuls exemplaires produits et signés par l'artiste renforce son exclusivité et son attrait. L'œuvre de DFace est souvent perçue comme un pont entre l'énergie brute et rebelle du street art et l'univers soigné et visuel du pop art. DFace remet en question les idées reçues sur l'art et sa place dans la société en exposant son travail en galerie sans rien perdre de son esprit urbain. L'impression sérigraphique « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » en témoigne, incarnant le talent de l'artiste pour donner de la profondeur et de multiples niveaux de signification à son œuvre. L'impact culturel des œuvres de D*Face Au-delà de son attrait visuel, « Prey Red » est une critique culturelle, à l'image du reste de l'œuvre de DFace. À travers son art, DFace invite les spectateurs à questionner les icônes et les symboles qui peuplent notre paysage visuel. Cette estampe, avec son imagerie percutante et le mot « PREY » inscrit en lettres capitales, suggère une réflexion plus profonde sur l'identité de la proie dans un monde saturé de médias et de culture des célébrités. « Prey Red HPM Doodled Silkscreen Print » de DFace n'est pas seulement une œuvre d'art à admirer pour son style ; c'est à la fois un sujet de conversation, un commentaire culturel et une pièce de collection. Elle témoigne de l'engagement constant de l'artiste à interpeller les spectateurs et le monde de l'art, les incitant à réévaluer ce qui est exposé sur les murs des villes et dans les galeries. Alors que DFace poursuit sa création et son évolution, des œuvres comme « Prey Red » lui assurent une place de choix dans l'histoire de l'art contemporain, jetant un pont entre la scène underground et le courant dominant.

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Pablo, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 2 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare. Édition limitée numérotée et signée de 2014 (60 exemplaires). Format : 45,7 x 61 cm. Quelques taches et légers plis. Cette estampe reproduit une affiche de recherche de Pablo Escobar. L'inscription « Muerto » (MORT) est imprimée sur son portrait. Rare estampe spéciale en édition limitée, désormais épuisée. Sérigraphie en édition limitée Pablo 2 couleurs, tirée à la main, par SSUR - Ruslan Karablin L'estampe sérigraphique en édition limitée « Pablo » (2 couleurs, tirée à la main) de SSUR - Ruslan Karablin est une œuvre provocatrice et rare, mêlant art urbain, pop art et graffiti. Elle fait directement référence à l'impact culturel et historique de Pablo Escobar à travers une affiche de recherche emblématique. Créée en 2014, cette édition limitée, signée et numérotée à 60 exemplaires, capture la convergence du commentaire politique, de l'histoire du crime et de l'esthétique du street art. Mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre délivre un message brut et percutant grâce à un design minimaliste et audacieux qui renforce sa portée. SSUR et l'influence de la contre-culture et de l'art urbain Ruslan Karablin, alias SSUR, est un artiste de rue contestataire reconnu pour sa capacité à fusionner thèmes historiques et politiques avec une narration visuelle audacieuse. Son œuvre critique souvent le pouvoir, le capitalisme et la glorification de l'infamie, faisant de cette estampe inspirée d'Escobar un prolongement naturel de sa démarche artistique. SSUR utilise depuis longtemps une imagerie de type propagande, des impressions à fort contraste et des messages subversifs, des techniques qui s'inscrivent parfaitement dans la rébellion d'inspiration punk du street art et du graffiti. L'estampe Pablo illustre sa capacité à réinterpréter des figures historiques dans un contexte moderne et hyper-commercialisé, transformant avis de recherche, imagerie révolutionnaire et symboles capitalistes en œuvres d'art de collection. La sérigraphie, réputée pour ses textures riches et ses contrastes marqués, confère à l'estampe une authenticité particulière, renforçant son esthétique underground tout en préservant sa grande valeur artistique. Symbolisme et impact culturel de l'estampe Pablo Cette œuvre en édition limitée réinterprète un véritable avis de recherche émis par le gouvernement colombien contre Pablo Escobar, le tristement célèbre baron de la drogue dont l'empire criminel et le mythe continuent d'imprégner la culture populaire, le cinéma et le street art. Au lieu d'une simple photo d'identité judiciaire, SSUR ajoute une barre de censure rouge sur les yeux d'Escobar, avec le mot « Muerto » (Mort) imprimé en caractères gras et percutants. L'utilisation du rouge sur une image en noir et blanc symbolise la violence, la censure et le caractère brutal et définitif de l'héritage d'Escobar. En utilisant cette image historique dans un format de street art pop, SSUR soulève des questions sur la mythification des criminels, la marchandisation du crime dans la culture populaire et la relation entre propagande et société de consommation. L'estampe « Pablo », à l'instar de l'ensemble de l'œuvre de l'artiste, invite les spectateurs à repenser les structures de pouvoir et la manière dont des figures comme Escobar sont immortalisées et idéalisées dans les médias contemporains. Rareté et valeur de collection Cette estampe en édition spéciale, désormais épuisée, est considérée comme une pièce de collection rare dans le monde du street art et du graffiti. Tirée à seulement 60 exemplaires, sa technique de sérigraphie artisanale garantit à chaque pièce un caractère unique, renforçant ainsi l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. Certaines estampes peuvent présenter de légères marques et taches, qui contribuent à leur charme brut, inspiré du street art. Les collectionneurs d'art urbain contemporain, de pop art politique et d'œuvres subversives issues de la culture street recherchent ce type d'œuvre pour son commentaire sur l'histoire, le pouvoir et le crime. L'estampe « Pablo » de SSUR est un exemple audacieux d'art de propagande moderne, transformant une prime offerte par le gouvernement en une œuvre engagée qui brouille les frontières entre récit historique et esthétique du street art contemporain.

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Horloge murale Bapex Type 4, édition limitée, objet d'art de collection, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Bape - A Bathing Ape. Cadran de montre Bapex Type 4 2021, utilisable comme horloge murale, neuf dans sa boîte.

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