Toutes les œuvres d'art

Travaillez bien ensemble - Sculpture en bombe de peinture rose en édition limitée, œuvre de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Certains ne vivront peut-être jamais, mais les fous ne meurent jamais. Gravure sur papier d'art de l'artiste Mark Powell. Œuvre en édition limitée. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 11 x 22,44 cm.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Objet d'art numérique doré par Ben Baller, œuvre d'art de collection en édition limitée d'un artiste pop designer. Balance numérique Golden Gram, édition limitée rare 2022, objet d'art neuf dans sa boîte. Fusion artistique des objets du quotidien : la balance numérique dorée de Ben Baller Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, l'interaction entre forme et fonction prend une tournure fascinante avec la balance numérique dorée de Ben Baller. Cette pièce de collection en édition limitée 2022 confère à un objet du quotidien l'éclat d'une œuvre d'art majeure, transformant le banal en sublime. Ben Baller, connu pour ses créations avant-gardistes qui mêlent élite et culture urbaine, remet une fois de plus en question les conventions avec cette balance dorée. Au premier abord, la balance numérique dorée est un emblème de luxe : un objet fonctionnel enveloppé dans la splendeur de l'or, un métal qui captive l'imagination humaine depuis des millénaires. Mais pour un œil averti, c'est une toile où l'esprit rebelle du street art rencontre la précision de la technologie numérique. Elle représente un mélange harmonieux de culture pop contemporaine et de l'attrait intemporel de l'or, ce qui en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cet objet d'art rare reflète la philosophie de Ben Baller : chaque création est un sujet de conversation. Le « B » audacieux n’est pas qu’un logo ; c’est une affirmation d’identité et la signature de l’artiste. Ses dimensions témoignent de l’idée que, entre nos mains, les objets du quotidien peuvent devenir des témoignages de notre personnalité. Balance numérique en or : une synthèse d'art, de précision et de philosophie La balance numérique dorée de Baller est bien plus qu'un simple instrument de mesure ; c'est une métaphore de l'équilibre dans la quête d'une vie épanouie. La précision de la balance – un outil de mesure – contraste avec la valeur intrinsèque et fluctuante de l'or, créant une dualité qui illustre l'équilibre entre praticité et luxe. Cette dualité est au cœur du Street Pop Art, qui explore souvent les contrastes et les contradictions, les présentant d'une manière à la fois stimulante et visuellement captivante. Le design de la balance renferme un récit à la fois personnel et universel. Son art réside dans son attrait esthétique et sa capacité à susciter une réflexion plus profonde sur la valeur – qu'elle soit matérielle ou matérielle. Elle incite l'utilisateur à s'interroger sur ce que nous mesurons et pourquoi, l'encourageant à réévaluer ce qui lui est précieux. Dans le domaine du graffiti, la balance devient un symbole de l'interaction de l'artiste avec le monde – un outil pour quantifier, questionner et perturber. Elle est une représentation physique de l'influence de l'artiste, mesurant l'impact de l'art sur la société. La balance numérique en or est ancrée dans le présent en tant que pièce en édition limitée, mais ses implications sont intemporelles. Objet de collection sous forme de balance numérique dorée L'attrait des objets d'art de collection réside souvent dans l'histoire qu'ils racontent et l'émotion qu'ils suscitent. Avec la balance numérique dorée de Baller, ce récit est riche et complexe. Pièce en édition limitée, elle évoque l'exclusivité et le désir humain inné de posséder un objet unique. Mais elle témoigne aussi d'innovation, d'une audace à réinventer la notion même d'objet de collection. Dans le contexte du Street Pop Art, cette balance est révolutionnaire. Elle s'affranchit de la toile traditionnelle, embrassant la technologie et les objets du quotidien comme vecteurs d'expression artistique. Elle nous invite à porter un regard neuf sur nos outils quotidiens, à reconnaître le potentiel de beauté et de sens présent dans chaque aspect de la vie. Le caractère précieux de cette pièce est renforcé par sa nouveauté, son état impeccable préservé dans un coffret. Cet écrin protège l'œuvre et contribue à son aura de mystère, aux histoires inédites qui attendent d'être dévoilées une fois le sceau brisé et la balance utilisée. En conclusion, la balance numérique dorée de Ben Baller fait le lien entre l'art, la technologie et l'expression personnelle. Elle illustre parfaitement l'évolution constante du street art et du graffiti, repoussant les limites de l'expression artistique. Cette œuvre, véritable artefact moderne, témoigne de l'ère de la précision numérique alliée à la quête artistique intemporelle. Objet de collection, elle interroge la valeur de l'innovation et l'équilibre du plaisir esthétique, nous invitant à trouver le juste milieu entre art et vie.

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Signes des crimes - Œuvre d'art rose vif encadrée, impression d'archives à séchage UV sur panneau d'aluminium HD verni, par l'artiste de culture pop urbaine Ron English - POPaganda. Édition limitée signée de 100 exemplaires (2020). Œuvre de 61 x 61 cm encadrée et prête à accrocher. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné du lettrage traditionnel et spontané pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Castlevania Édition Limitée 2 Couleurs Tirage Sérigraphique Manipulé à la Main sur Papier Beaux-Arts par Paige Reynolds x Phantom City Creative Graffiti Street Artiste Pop Art Moderne. Produit par « D&L Screen Printing »

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Alonso Alcalde 123 Klan Blue Spray Paint Can Artwork by Montana MTN Limited Edition Artist Paint Crossover Graffiti Street Object Art. 2024 123 Klan Blue Color Édition Limitée de 500 Bombe de Peinture avec Boîte en Bois Personnalisée Objet Œuvre d'Art Taille 3x8 Montana MTN Remplie de Peinture. Alonso Alcalde x Montana MTN 123 Bombe de peinture bleue Klan, une œuvre d'art pop art et graffiti. En 2024, l'artiste chilien Alonso Alcalde a collaboré avec Montana Colors pour la création d'une bombe aérosol en édition limitée, intitulée « 123 Klan Blue ». Reconnu pour son œuvre abstraite inspirée du street art et sa présence dans la culture graffiti internationale, Alcalde a transposé son langage visuel unique sur la surface cylindrique d'une bombe de peinture. Tirée à seulement 500 exemplaires dans le monde, l'édition était présentée dans un coffret en bois gravé sur mesure, ce qui en faisait à la fois un outil fonctionnel et un objet de collection. Cette création s'inscrit dans le cadre d'une initiative plus large de Montana MTN visant à mettre en lumière les figures influentes du mouvement Street Pop Art et Graffiti, en transformant les outils de création en supports de narration visuelle. Mesurant 7,6 cm de diamètre et 20,3 cm de hauteur, l'œuvre brouille la frontière entre matériau utilitaire du graffiti et sculpture d'art. Approche de conception et couches symboliques L'œuvre d'Alonso Alcalde, réalisée sur une bombe aérosol, présente un collage dense de photographies, de marques peintes, de fragments graphiques et de textures superposées, reflétant les techniques esthétiques qu'il applique à ses œuvres traditionnelles. L'image enveloppe la surface avec une fragmentation intentionnelle, suggérant les thèmes du mouvement, du lieu et de la mémoire – éléments clés de sa recherche artistique. Les tons dominants d'orange, de rouge et de jaune contrastent avec le dôme bleu du Ku Klux Klan, fusionnant chaos et maîtrise dans la composition visuelle. Le mot « Patiperro », l'un des pseudonymes qu'Alcalde utilise depuis longtemps, apparaît subtilement dans la composition, reliant l'objet à son identité de graffeur. Ce mélange d'énergie brute et de technique d'impression reflète l'évolution du graffiti, de ses origines urbaines éphémères à ses formats institutionnels et de collection. Il transforme la bombe aérosol, d'outil jetable, en un artefact d'archive à forte valeur artistique. Série d'artistes Montana MTN et pertinence culturelle Montana Colors est réputée pour ses collaborations avec des artistes profondément ancrés dans la culture graffiti et le langage visuel urbain. L'édition 123 Klan Blue, mettant en vedette Alonso Alcalde, perpétue cette tradition en sélectionnant un artiste qui incarne à la fois l'authenticité de la rue et l'art expérimental. Contrairement aux objets promotionnels de collection, cette bombe de peinture est utilisable, conservant ainsi son utilité tout en se révélant un objet sculptural. Cette dualité souligne la capacité du street art et du graffiti à s'épanouir aussi bien dans l'espace de la création brute que dans celui de la présentation raffinée. L'aptitude de l'artiste à intégrer une narration complexe à une forme fonctionnelle trouve un écho auprès des collectionneurs, des graffeurs et des amateurs de culture urbaine contemporaine. Statut d'édition limitée et impact sur le marché L'édition limitée à 500 exemplaires, chacun emballé individuellement et signé avec des éléments graphiques personnalisés, transforme la bombe aérosol d'un simple accessoire de graffiti en une œuvre d'art de grande valeur. S'inscrivant dans une longue tradition où la culture graffiti rencontre le design de produits, la bombe Alonso Alcalde 123 Klan Blue incarne la tendance actuelle vers des produits dérivés authentiques, conçus par des artistes de rue. Sa rareté, son emballage et la dimension artistique qui y est associée la placent dans la lignée des bombes aérosol de collection qui témoignent non seulement de l'esthétique créative, mais aussi de l'évolution du regard porté sur le graffiti par le marché de l'art. En participant à cette collaboration avec Montana MTN, Alcalde confirme son statut d'acteur majeur du Street Pop Art et du graffiti contemporain, produisant une œuvre qui, tout en rendant hommage à la tradition, en renouvelle la perception.

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Spacemonkey - Figurine de collection en vinyle bleu en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de la culture pop moderne Dalek. 2022 6,5 pouces de hauteur La nouvelle figurine Spacemonkey en vinyle de James « Dalek » Marshall, éditée par 3DRetro, est disponible en bleu clair. Elle représente Dalek dans son style caractéristique, avec son short vert, son couteau et son imposant maillet. Cette figurine compacte se distingue par ses bras et jambes courts, et ses pieds nus.

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Credit Limit - Chasing The Blues, tirage d'art pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Legend Street Art et Modern Pop Culture Artist Denial. 2020 Credit Limit - Chasing The Blues : une œuvre d'art sur le thème des cartes de crédit. Numérotée, signée, tamponnée au verso, édition limitée à 25 exemplaires, 24 x 18 pouces, impression pigmentaire d'archives sur papier d'art MOAB 290 g/m². Limite de crédit : Chasser le blues par le refus « Credit Limit : Chasing The Blues » est une estampe d'art pigmentaire d'archives provocatrice de Daniel Bombardier, alias Denial. Créée en 2020, cette œuvre fait partie de sa série emblématique « Credit Limit », qui critique la société de consommation et l'impact psychologique des systèmes financiers. L'estampe mesure 61 x 46 cm et est imprimée sur papier d'art MOAB 290 g/m², reconnu pour sa qualité et sa durabilité exceptionnelles. Tirée à seulement 25 exemplaires, chaque estampe est signée, numérotée et estampillée au verso, garantissant son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. Le langage visuel de Chasing The Blues « Chasing The Blues » s'approprie le design familier d'une carte de crédit et le transforme en une métaphore visuelle saisissante des fardeaux émotionnels et financiers liés à la société de consommation moderne. La figure centrale – une femme en détresse, représentée dans des tons de bleu vibrants – souligne le poids émotionnel de la quête de stabilité financière dans un monde de plus en plus marqué par l'endettement. Son expression d'anxiété et de désespoir contraste fortement avec le design épuré et impersonnel de la carte de crédit en arrière-plan. Par cette juxtaposition, « Denial » critique l'illusion de luxe et de liberté souvent associée au crédit et met en lumière les difficultés cachées qu'il engendre. Le souci du détail et le style graphique audacieux rendent cette œuvre à la fois visuellement captivante et thématiquement profonde. La vision artistique du déni Daniel Bombardier est un artiste canadien dont l'œuvre explore souvent les thèmes du consumérisme, du capitalisme et des constructions sociales. « Chasing The Blues » illustre sa capacité à utiliser l'humour, l'ironie et l'imagerie de la culture populaire pour formuler des critiques percutantes. L'utilisation d'une carte de crédit comme motif central témoigne de son talent pour transformer des objets du quotidien en œuvres d'art qui invitent à la réflexion. La fusion du street art et de l'esthétique du graffiti opérée dans « Denial » donne naissance à des œuvres à la fois accessibles et profondément marquantes. L'impression pigmentaire d'archives sur papier MOAB de haute qualité garantit la vivacité et la longévité de son œuvre, en faisant une pièce maîtresse de toute collection. La pertinence culturelle de la limite de crédit : à la poursuite du blues « Chasing The Blues » trouve un écho particulier dans une société où angoisse financière et aspirations matérielles sont souvent intimement liées. En mêlant symbolisme d'entreprise et émotion humaine brute, Denial invite le spectateur à s'interroger sur le coût du consumérisme et les pressions des systèmes économiques modernes. Cette œuvre d'art constitue à la fois une critique et une réflexion sur l'influence omniprésente du crédit et de la dette dans la vie contemporaine. Tirée d'une édition limitée, elle revêt une valeur considérable, non seulement en tant qu'objet de collection, mais aussi en tant que témoignage culturel des luttes de son époque. Le travail de Denial continue de bousculer les conventions et de susciter le dialogue, confortant ainsi sa place de figure majeure du street art et du graffiti.

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Œuvre de Groene Vlinder, impression giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton gravure 315 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Handiedan. Tirage d'art giclée avec réalité augmentée, papier coton 315 g/m², gravure sur papier chiffon, 42 x 54 cm (image et papier), signé et numéroté, logo en relief, édition limitée à 88 exemplaires, 2020 Réalité augmentée (RA) : https://vimeo.com/416245862 Utilise l' application Artivive

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La Beauté de la Rébellion, une œuvre d'art en polystone en édition limitée, créée par l'artiste de graffiti de rue Abell Octovan. Défiant les canons de beauté contemporains, la ballerine, vêtue d'un gilet et d'un masque, brandit une grenade fumigène et tournoie dans une danse rebelle. Inspirée des sculptures grecques classiques, « La Beauté de la Rébellion » présente un effet marbré lisse. La bombe aérosol, rehaussée d'une touche de rouge, symbolise le désir de s'affranchir des conventions de beauté établies. Une danse de la dissidence « La Beauté de la Rébellion » d'Abell Octovan fusionne la grâce classique d'une ballerine avec la dimension subversive du street art, créant une sculpture en résine de polystone qui remet en question et redéfinit les canons esthétiques conventionnels. Cette pièce de collection en édition limitée de 2021 incarne une protestation visuelle contre les normes de beauté rigides qui imprègnent la société, présentant une figure d'élégance prête à l'insurrection. L'œuvre représente une ballerine, icône traditionnelle de beauté et de grâce, vêtue non pas de sa robe délicate habituelle, mais d'un gilet et d'un masque, tenant une grenade fumigène. Cette juxtaposition crée une image saisissante de contraste et de conflit : au milieu d'une pirouette, la danseuse est simultanément un symbole de rébellion. L'œuvre établit un parallèle entre la rigueur du ballet et la nature chaotique de la contestation, suggérant que les deux requièrent une certaine passion et une certaine précision. Marbre et mouvement : une statue de la subversion La sculpture d'Octovan, avec son aspect lisse évoquant le marbre, fait écho aux statues grecques classiques qui incarnent un idéal de beauté et de forme intemporel. Cependant, « La Beauté de la Rébellion » subvertit cette tradition en introduisant des éléments de la culture urbaine, notamment la bombe aérosol, mise en valeur en rouge comme un symbole de défi. Cette bombe représente le désir de l'artiste – et de la société – de s'affranchir des normes de beauté conventionnelles. La ballerine se tient sur un nuage de fumée, un socle qui accentue le thème du bouleversement. Symbolisant le chaos, la fumée sert également de piédestal à la figure, conférant à son acte de rébellion une portée artistique et culturelle. Ce socle ancre la sculpture dans l'univers du pop art et du graffiti, où les messages sont souvent véhiculés par des déclarations visuelles audacieuses et inattendues. Définir la beauté par la rébellion « La Beauté de la Rébellion » n'est pas qu'un simple objet de collection ; c'est une réflexion sur l'évolution de la perception de la beauté dans la culture contemporaine. Abell Octovan utilise cette œuvre pour susciter un dialogue sur les pressions sociales liées aux normes de beauté et sur le pouvoir de l'expression individuelle. La danse de la ballerine devient une métaphore de la lutte contre ces pressions, sa grâce une forme de résistance, et sa grenade un outil d'éveil des consciences. Dans le contexte du street art et du graffiti, l'œuvre d'Octovan illustre la capacité du genre à aborder des problématiques culturelles et sociales majeures grâce à un art à la fois accessible et provocateur. La sculpture invite les spectateurs à considérer les multiples facettes de la beauté et la manière dont l'art peut remettre en question l'ordre établi. L'héritage de la rébellion dans l'art « La Beauté de la Rébellion » d'Abell Octovan rejoint le panthéon des œuvres iconiques du street art et du graffiti qui ont redéfini la représentation et la perception de la beauté. En fusionnant des éléments de l'art classique avec des symboles contemporains de résistance, Octovan instaure un dialogue qui dépasse le cadre de la sculpture pour s'inscrire dans le débat public. Cette œuvre de collection témoigne du pouvoir intemporel de l'art à interpeller et à questionner. Dans son mélange de classicisme et de modernité, « La Beauté de la Rébellion » symbolise le débat permanent sur la beauté, l'expression et le rôle de l'art dans la remise en cause des conventions établies. C'est une danse de la contestation, figée dans la résine, qui résonne dans les temples de l'art contemporain.

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Da Street Corner, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par Angel Gonzalez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. La première sérigraphie d'Angel Gonzalez, intitulée « Da Street Corner », est une sérigraphie monochrome (or métallisé) de 45,7 x 61 cm. Les écrans ont été exposés au soleil à l'aide d'un rubylith taillé à la main ; l'édition est limitée à 26 exemplaires.

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May Mantas Thrive, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid, par l'artiste de graffiti pop culture Caia Koopman. « Que les raies manta prospèrent » de Caia Koopman, publié à l’occasion de la Journée mondiale des océans 2015. Édition limitée à 50 exemplaires (signés et numérotés). Tirage d’art giclée sur papier aquarelle italien pressé à froid de qualité archive, 61 x 46 cm. Imprimé par Paragon Press.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Faire semblant d'être amoureux - Sérigraphie artisanale en édition limitée, 5 couleurs violettes, sur papier Cougar d'archivage, par Greg Gossel, artiste pop art de rue rare. Édition limitée 2015, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 19 x 25 Impression 5 couleurs 19 x 25 pouces sur papier blanc Cougar sans acide et de qualité archive

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The Beatles Anthology 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection. Medicom Toys présente en 2021 une anthologie des Beatles. Medicom Toys célèbre les Beatles avec la Bearbrick « The Beatles A'nthology », une collection de photographies du célèbre groupe de rock. La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des impressions. Cette Bearbrick 1000 % mesure 70 cm de haut.

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Te LoJuro - To Be Fearless, édition limitée, embellie à la main, impression pigmentaire d'archives à la peinture en aérosol HPM sur papier beaux-arts Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par Indie184, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 15 exemplaires. Format de l'œuvre : 13 x 17 pouces. Édition limitée signée 2021 TE LO JURO - ÊTRE SANS PEUR • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Embellissements uniques à la peinture sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm. Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste Indie184 dans une édition spéciale de 15 exemplaires.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression giclée en édition limitée d'une œuvre d'art de Death Valley sur papier beaux-arts 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Casey Weldon. CASEY WELDON « Death Valley » Tirage d'art sur papier 290 g/m² Édition de 50 exemplaires Signée et numérotée par l'artiste 30 x 30 cm

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Visage noir ou blanc 92 Peinture à l'huile originale de Peter Keil : Œuvre unique sur panneau Masonite par l'Homme sauvage de Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1992. Œuvre originale de 24 x 24 pouces, signée et datée par Peter Keil. Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse, et quelques écaillures peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Il s'agit d'une peinture représentant un visage en noir et blanc coiffé d'un chapeau. Plongée au cœur de « Black or White Face '92 » de Peter Keil « Visage noir ou blanc '92 » est une peinture à l'huile originale sur panneau de Masonite de Peter Keil, surnommé « L'Homme sauvage de Berlin », un surnom qui reflète son approche artistique intense et indomptée. Cette œuvre, créée en 1992 et signée par l'artiste, mesure 61 x 61 cm et est emblématique du style audacieux et expressif de Keil. Le tableau représente un visage rendu en noir et blanc contrastant, orné d'un chapeau coloré qui tranche avec la composition. L'utilisation d'une peinture épaisse par Keil est ici manifeste, une technique qui confère à l'œuvre sa riche texture et sa profondeur, et qui, avec le temps, a entraîné un léger écaillage de la peinture, une caractéristique qui donne une patine authentique à ses œuvres. La dichotomie du noir et blanc dans le tableau fait écho aux thèmes souvent explorés dans le Street Pop Art et le graffiti, où le contraste est utilisé pour transmettre des messages complexes et susciter un fort impact visuel. La représentation de Keil dépasse le littéralisme pour suggérer les dualités présentes au sein de la nature humaine et de la société. Avec ses couleurs éclatantes, le chapeau symbolise l'individualité et la créativité, éléments centraux de la philosophie artistique de Keil et de l'esprit des mouvements de street art et de pop art. Exploration de la signification de la technique et du médium de Keil Dans « Black or White Face '92 », la technique et le choix du médium de Peter Keil témoignent de son attachement à l'essence brute et immédiate du street art. L'application de peinture à l'huile sur des panneaux de Masonite, souvent en épaisses couches empâtées, crée une surface tactile qui invite le spectateur à une expérience immersive au-delà de son simple attrait visuel. Cette dimension sensorielle abolit la distance entre le spectateur et l'œuvre, la rendant plus accessible et captivante, à l'instar des graffitis qui ornent les paysages urbains. Le panneau de Masonite lui-même, en rupture avec la toile traditionnelle, souligne l'affinité de Keil avec le street art, qui privilégie les matériaux et les supports non conventionnels. La durabilité et la solidité du Masonite reflètent également l'impact durable de l'œuvre de Keil, à l'image de la permanence du graffiti, devenu partie intégrante du paysage urbain. Cette synergie entre le médium et le message est une caractéristique essentielle de l'art de Keil. Elle témoigne de son rôle de pionnier dans l'intégration de l'essence du street art aux pratiques artistiques reconnues. L'héritage artistique de Keil dans l'art moderne Comme en témoigne « Black or White Face '92 », l'héritage artistique de Peter Keil se caractérise par une représentation saisissante de la figure humaine et une utilisation débridée de la couleur et de la forme. Ses œuvres illustrent l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain, démontrant comment les expressions spontanées et brutes du Street Pop Art et du graffiti peuvent être transposées dans le langage des beaux-arts. Les peintures de Keil ne sont pas de simples représentations, mais de puissantes expressions d'émotion et d'identité, imprégnées des expériences et des observations de l'artiste. De plus, l'écaillage de la peinture dans ses œuvres leur confère une dimension temporelle et historique, suggérant un récit qui se prolonge au-delà de l'instant de la création. Cet aspect de son travail est particulièrement poignant dans le contexte du street art, où l'environnement et le passage du temps jouent un rôle crucial dans la vie de l'œuvre. Par ses explorations audacieuses et ses expressions authentiques, Keil a marqué durablement l'art moderne, inspirant artistes et amateurs d'art à embrasser l'inconventionnel et à apprécier la beauté inhérente aux imperfections du processus artistique. « Black or White Face '92 » n'est pas seulement une œuvre majeure de Peter Keil ; c'est un chapitre vibrant de l'histoire du street art et du graffiti. Elle incarne l'énergie, la diversité et la créativité de son art, tout en reflétant les grandes tendances et transformations de l'art contemporain. Cette œuvre, qui continue de captiver les spectateurs par son imagerie saisissante et ses textures riches, témoigne de l'influence durable de Keil sur le monde de l'art et de sa maîtrise de l'art de faire entrer la rue dans les galeries.

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Œuvre d'art « 9 Lives », impression giclée en édition limitée sur papier lenticulaire holographique, par l'artiste de graffiti de la culture pop Marwan Shahin. Nouvelle collaboration avec Fraktality « 9 Lives » 2020. Tirage d'art lenticulaire holographique en édition limitée à 39 exemplaires. Seulement 39 exemplaires seront produits. 40,6 x 50,8 cm. Livré encadré avec un certificat d'authenticité.

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Figurine What Party - Sculpture de collection en vinyle orange en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste moderne Kaws. Édition ouverte COVID 2020 épuisée. Format : 5,1 x 11,3 x 3,7 pouces. Neuf dans sa boîte. Pied imprimé. Orange Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ? La figurine « What Party » orange s'impose comme un symbole poignant dans l'œuvre de Kaws, artiste moderne influent dont les créations n'ont cessé de brouiller les frontières entre art commercial et beaux-arts. Cette sculpture en vinyle, en édition limitée, mesure 13 x 28,7 x 9,4 cm, une taille à la fois intime et imposante qui lui permet de trouver sa place dans toute collection. Sortie en 2020, année marquée à l'échelle mondiale par la pandémie de COVID-19, cette pièce de collection prend une résonance particulière, son titre, « What Party », faisant écho à l'isolement de cette année et à l'absence soudaine de rassemblements et de célébrations. Confectionnée dans un orange vif, la figurine est immédiatement reconnaissable comme une création de Kaws, avec ses yeux barrés caractéristiques et ses mains exagérées, éléments devenus emblématiques du langage visuel unique de l'artiste. Ce jouet n'est pas qu'un simple objet ludique ; c'est une œuvre d'art à part entière, percutante et porteuse de réflexions sur la condition humaine. Sa couleur éclatante peut être interprétée comme une lueur d'espoir ou un cri d'alarme, incitant à la réflexion sur les bouleversements de notre société, notamment durant cette période d'arrêt brutal du monde. Chaque sculpture est neuve et livrée dans sa boîte d'origine, garantissant qu'elle n'a jamais été exposée ni manipulée. Le pied imprimé de la figurine atteste de son authenticité, un critère essentiel pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Kaws. Bien que cette pièce ait été initialement proposée en édition ouverte, sa disponibilité a rapidement explosé face à une demande supérieure à l'offre, la rendant introuvable et la transformant en un objet de collection très recherché. La figurine « What Party » témoigne non seulement de l'influence durable de Kaws à la croisée du pop art, du street art et du graffiti, mais constitue également un commentaire culturel encapsulé dans du vinyle. Elle capture l'essence d'un moment historique unique, symbolisant l'aspiration collective à la connexion en période de bouleversements mondiaux et le pouvoir intemporel de l'art à refléter et à résonner avec l'esprit du temps.

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Noir Flower Woman Red AP Silkscreen Print par Shepard Fairey - OBEY Artist Proof Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2022 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une femme tenant une grande fleur de lotus. « L’estampe Obey Noir Flower Woman s’inspire de l’Art déco et des pochettes d’albums Dark Wave. L’image se prête à plusieurs interprétations. Je la perçois avant tout comme un hommage aux idéalistes qui protègent l’environnement, œuvrent pour la justice et cultivent l’optimisme. Nous sommes tous confrontés à des défis et des hostilités, mais les forces extérieures ne peuvent contrôler notre force intérieure ni notre idéalisme. C’est nous qui le contrôlons ! L’idéalisme mène à l’action. Ceux qui commettent l’injustice comptent sur l’apathie pour rester impunis. Nourrissez votre idéalisme, et vos actions constructives suivront. Une partie des bénéfices de cette estampe sera reversée à Greenpeace afin de soutenir son action pour renforcer la protection de l’environnement et lutter contre le changement climatique. » – Shepard Fairey. L'œuvre « Noir Flower Woman Red AP » de Shepard Fairey témoigne de l'harmonieuse fusion du pop art et du street art, avec un clin d'œil unique à la culture graffiti. Réalisée en sérigraphie artisanale sur papier d'art, cette estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) capture une femme tenant délicatement une fleur de lotus géante. Cette œuvre captivante, initialement publiée en tant qu'épreuve d'artiste en 2022, est une pièce rare non seulement en raison de son tirage limité, mais aussi grâce à la touche personnelle apportée par Fairey à travers sa signature et le sigle distinctif « AP ». Au premier abord, « Obey Noir Flower Woman » semble fortement influencée par l'Art déco et l'esthétique des pochettes d'albums Dark Wave. Pourtant, sous ses apparences visuelles se cache un message profond. Shepard Fairey puise son inspiration chez ces idéalistes qui restent engagés dans la protection de l'environnement, défendent la justice et cultivent un optimisme inébranlable, même face à l'adversité. Son œuvre affirme que les défis extérieurs ne sauraient jamais obscurcir la lumière éclatante de la résilience et de l'idéalisme intérieurs. Loin d'être de simples spectateurs passifs, Fairey invite chacun à puiser dans son idéal pour le transformer en actions concrètes. Ce message résonne d'autant plus fort qu'une partie des bénéfices de la vente de cette estampe est reversée à Greenpeace dans son combat acharné contre le changement climatique et pour une meilleure protection de l'environnement. Cette œuvre de Fairey n'est pas qu'une simple création artistique ; c'est un emblème qui illustre la convergence entre attrait visuel et engagement militant, une caractéristique qui distingue son art des genres pop, street art et graffiti. En s'immergeant dans les détails complexes de « Noir Flower Woman Blue AP », les spectateurs sont invités à réfléchir, à réagir et à agir pour le monde qui les entoure.

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Estampe d'art en édition limitée Harper and John R Archival Pigment Fine Edition sur papier Museo Portfolio Rag 290 g/m² par l'artiste pop urbaine Stephanie Buer, œuvre d'art moderne. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 20 x 16 pouces.

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Silhouette de la Faucheuse - Rosée du Matin, édition limitée, sérigraphie bicolore sur papier crème moucheté, par Jeff Soto, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le fameux robot géant en forme de boîte de Soto, qui rôde dans le ciel nocturne pendant votre sommeil ! Il s'agit d'une grande sérigraphie bicolore sur papier Cream Speckletone de 61 cm x 91 cm (24 po x 36 po).

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage, sur papier beaux-arts par l'artiste Rich Pellegrino. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format 11x14.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Holy Grails Yeezys Papyrus Blacked Out - Top 2 couleurs, impression sérigraphique en édition limitée à la main avec poussière de diamant sur papier papyrus égyptien par Marwan Shahin, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 10 exemplaires, taille 14,25x10, chaussure Yeezy dorée de Kanye West stylisée avec des éléments égyptiens, sur le dessus en papier papyrus noirci personnalisé. Marwan Shahin Holy Grails Yeezys Papyrus Blacked Out Silkscreen Print « Holy Grails Yeezys Papyrus Blacked Out » de Marwan Shahin est une sérigraphie artisanale bicolore de 2022 qui fusionne la culture des sneakers de luxe avec le langage visuel de l'Égypte antique, s'inscrivant dans le courant du street art, du pop art et du graffiti. La composition présente une vue plongeante d'une sneaker Yeezy stylisée, rendue en or métallisé sur un fond de papyrus noir profond. La chaussure est richement ornée de chaînes, de cadenas, d'étoiles, de formes pyramidales et de détails ornementaux qui font référence à la fois à l'iconographie hip-hop et aux insignes pharaoniques. Le papier de papyrus égyptien noirci apporte un contexte matériel historique, tandis que l'application de poussière de diamant ajoute une texture réfléchissante subtile qui rehausse l'opulence de l'encre dorée. Culture des baskets, symbolisme égyptien et contraste des matériaux Marwan Shahin est un artiste contemporain égyptien reconnu pour son intégration de motifs de l'Égypte antique à la culture pop et au luxe internationaux. Il est toujours actif. Dans « Holy Grails Yeezys », la basket devient un artefact, élevée au rang de relique par l'ornementation et la présentation. Le titre fait référence au concept de la basket comme Graal au sein des communautés de collectionneurs, tandis que les éléments égyptiens renforcent les thèmes de la permanence, du respect et de l'héritage. L'utilisation du papyrus est conceptuellement significative, ancrant un objet de consommation moderne dans l'une des plus anciennes surfaces artistiques connues de l'histoire de l'humanité. Dans « Street Pop Art & Graffiti Artwork », cette juxtaposition souligne comment les symboles de statut contemporains reflètent d'anciens systèmes d'affichage du pouvoir, de signalisation de la richesse et de narration culturelle. Rareté de l'édition et détails de production Cette estampe, signée et numérotée, est produite en édition limitée à 10 exemplaires, mesurant environ 36 x 25 cm, ce qui en fait une pièce d'une rareté exceptionnelle. La sérigraphie artisanale bicolore met en valeur la précision des détails dorés sur un fond noir intense. La superposition de poussière de diamant apporte du relief et un subtil chatoiement, accentuant le sentiment d'extravagance qui se dégage de l'image. S'inscrivant dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, « Holy Grails Yeezys Papyrus Blacked Out » est à la fois un commentaire culturel et un objet de collection, séduisant les collectionneurs intéressés par la rencontre entre la mythologie des sneakers, l'esthétique hip-hop et le symbolisme ancien, rendus par des techniques d'impression raffinées.

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LIE 2 Ben Bernanke Édition limitée 2 couleurs Sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Aelhra Graffiti Street Artiste Pop Art moderne. 201 1 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Impression sérigraphique Relief AP Artist Proof par Pose- Jordan Nickel, tirée à la main, 12 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite 160lb à couverture découpée à la main, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée « AP » Édition limitée sérigraphiée Format 23x30 Naviguant dans l'univers complexe et fascinant du pop art et du street art, l'estampe sérigraphique « Relief AP Artist Proof » s'impose comme un exemple d'art contemporain. Imaginée par l'illustre artiste Jordan Nickel, alias « Pose », cette œuvre incarne son style unique : un mélange harmonieux de palettes de couleurs audacieuses et de motifs complexes. Réalisée avec une méticulosité extrême grâce à la technique de la sérigraphie artisanale à 12 couleurs, l'œuvre dégage une richesse sublimée par la texture impeccable du papier Cover Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb. Le frangipanier du papier souligne le caractère brut et tactile de l'œuvre, ajoutant une touche organique à son essence moderne. Désignée comme « Épreuve d'artiste » et marquée « AP », cette estampe revêt une importance particulière dans l'œuvre de l'artiste. Les épreuves d'artiste sont généralement réservées à la collection personnelle de l'artiste ou à des occasions spéciales, ce qui rend cette estampe particulièrement recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cette création de 2023, mesurant 23 x 30 cm, est non seulement signée par Pose, mais porte également le prestigieux label « AP », gage de son exclusivité. Dans « Relief AP Artist Proof », l’imagination débordante de Pose se manifeste dans une symphonie de couleurs et de formes. L’entrelacement des éléments, des teintes éclatantes aux motifs rythmiques, reflète la convergence de l’énergie brute du street art et de la simplicité iconique du pop art. Témoignage de la contribution de Pose à la scène artistique contemporaine, cette œuvre fait office de phare, éclairant la voie de futures explorations artistiques.

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ComplexCon x Mutated Deck Set Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Takashi Murakami TM/KK. Ensemble de 3 planches de skateboard artistiques imprimées en édition limitée 2019 ComplexCon x Mutated Deck Set par Takashi Murakami : Mutation chromatique dans l’art urbain pop et graffiti Le triptyque ComplexCon x Mutated Deck Set de Takashi Murakami, sorti en 2019, est une édition limitée d'une estampe pigmentaire d'art de haute qualité, transférée sur un ensemble de trois planches de skateboard en bois naturel de 20 x 79 cm. Produit sous le label TM/KK de Murakami et présenté pour la première fois lors du phénomène culturel ComplexCon, ce triptyque illustre la maîtrise de l'artiste en matière d'imagerie pop hyper-saturée, de symbolisme et de design de personnages mutants. La composition met en scène une créature chaotique et joyeusement monstrueuse, entourée d'yeux, de flore psychédélique et de fleurs souriantes, offrant une explosion visuelle qui fusionne le surréalisme pop japonais avec l'énergie brute du Street Pop Art et du graffiti. Les planches forment une seule et même image lorsqu'elles sont exposées ensemble, centrée sur une grande figure mutante ressemblant à un ours, avec des dents acérées en barres de couleur, des yeux en spirale et des membres griffus qui s'étendent sur toute la partie inférieure. Les fleurs souriantes et les champignons multicolores, signature de Murakami, ainsi que des personnages latéraux amorphes, peuplent l'image. Chaque personnage est rendu par des contours épais aux dégradés néon et aux détails surréalistes, provoquant une saturation sensorielle évoquant un psychédélisme animé. L'image est à la fois fantaisiste, agressive et obsédante. Le langage visuel de Murakami n'est ici ni doux ni mignon ; il est sauvage, carnavalesque et délibérément déstabilisant. Les figures vibrent des contradictions émotionnelles qui animent les mondes mutants de Murakami. Les contributions de Takashi Murakami à ComplexCon et le skateboard comme toile ComplexCon s'est imposé comme une plateforme culturelle mondiale célébrant la fusion de l'art, de la mode, du design et de l'identité urbaine. La présence de Murakami à l'édition 2019 a été marquée par la sortie de ce set de planches de skate, offrant aux participants une pièce de collection en édition limitée, véritable œuvre d'art digne d'un musée. Les planches de skate, souvent utilisées par les artistes du mouvement Street Pop Art et Graffiti, offrent un support dynamique et riche de sens culturel. Leur rôle historique de supports pour les sous-cultures s'inscrit dans la volonté de Murakami de rendre l'art à la fois démocratique et immersif. En choisissant ce médium, Murakami poursuit sa démarche visant à remettre en question les frontières entre biens de consommation et beaux-arts. Le set de planches Mutated, bien qu'imprimé et destiné à la collection, conserve son statut d'objet urbain par excellence : symbole de mouvement, de rébellion juvénile et de narration visuelle. Ce format permet à son œuvre de s'épanouir non seulement sur les murs des galeries, mais aussi dans les mains et les foyers de celles et ceux qui perçoivent la culture comme fluide et plurielle. L'impression haute définition sur bois naturel offre une fidélité éclatante tout en préservant l'authenticité du matériau. Mutation symbolique et saturation émotionnelle dans le langage visuel contemporain L'utilisation par Murakami de personnages mutants dans cette œuvre reflète sa fascination pour la transformation postmoderne et la surcharge émotionnelle. La figure principale est un amalgame d'innocence et de chaos, entourée de formes fongiques et de fleurs anthropomorphes. Ces personnages reflètent des sentiments de surstimulation, d'addiction numérique et de fragmentation de la culture populaire. La superposition chaotique d'éléments reflète l'éthique du graffiti : occuper la surface, dominer l'espace, laisser une trace indélébile. L'œuvre s'inscrit pleinement dans la tradition du street art et du graffiti en instrumentalisant la mignonnerie, la transformant en une force primitive. Les fleurs ne sont pas douces ; elles observent. Les couleurs n'apaisent pas ; elles crient. Cette tension émotionnelle devient une forme de résistance culturelle, une affirmation que l'art peut être à la fois éblouissant et dérangeant. L'utilisation de la mutation comme thème récurrent chez Murakami inscrit son œuvre dans un dialogue direct avec l'obsession du street art pour la métamorphose, le jeu identitaire et la distorsion. La synthèse culturelle de Murakami et l'évolution du surréalisme pop urbain Takashi Murakami, né au Japon en 1962, continue d'influencer la culture visuelle mondiale grâce à ses projets multidisciplinaires qui unifient production commerciale et profondeur philosophique. Le jeu de cartes ComplexCon x Mutated en est un exemple frappant : il présente non seulement une composition foisonnante de couleurs et de chaos, mais aussi un artefact conceptuel qui témoigne de la capacité de l'art à muter, à l'instar de son sujet. Son œuvre fait dialoguer le folklore japonais, les traumatismes de l'après-guerre, les médias contemporains et l'esthétique urbaine à travers des personnages à l'apparence ludique mais d'une grande complexité. Ce jeu de cartes sert à la fois d'archive et d'outil d'activation, transformant des matériaux de la rue en visions à collectionner, unissant la clarté des beaux-arts à la puissance émotionnelle de la rue. Les formes mutantes de Murakami ne sont pas des déviations, mais des évolutions. Elles représentent la direction que prennent le Street Pop Art et le Graffiti : des expressions superposées, ludiques et pourtant d'une honnêteté brutale, reflétant le surréalisme et la saturation de notre culture actuelle.

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Sculpture en polystone Camden Maid, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. 2021 20 cm - Vous avez un secret à cacher ? Un problème à ignorer ? Un historique de navigation douteux ? Ou vous souhaitez simplement oublier une année difficile ? Camden Maid de Brandalised est là pour vous aider ! Quels que soient vos secrets, elle les dissimulera dans le mur, où personne ne les trouvera. C'est la personne idéale et la plus fiable pour cacher des secrets. Cette figurine de collection en polystone détaillée arbore la peinture au pochoir que vous appréciez tant dans nos collaborations Brandalised. Des détails incroyables ornent la pièce, des plis du mur soulevé aux traits du visage de Camden Maid. Possédez une œuvre d'art urbain iconique comme jamais auparavant. Sous licence BRANDALISED™ © Full Colour Black Ltd. MMXXII

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Publicité de campagne 666 Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure par Jeff Rial Rare Street Art Artiste célèbre du pop art.

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CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 Tirage photo par Joe Conzo Jr Édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. Tirage signé de 2023, édition limitée à 5 exemplaires, format 16x20, impression pigmentaire d'archives, représentant le groupe de rap Cold Crush Brothers en costumes et tenues vintage. Séance photo CCB Cold Crush Brothers, tirage 84 par Joe Conzo Jr. Le tirage photographique « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » de Joe Conzo Jr est une remarquable représentation de la culture hip-hop à son apogée. Ce tirage pigmentaire d'archive en édition limitée de 2023, réalisé sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², immortalise le groupe de rap iconique Cold Crush Brothers dans un portrait studio dynamique et stylé. Limitée à seulement cinq exemplaires signés, cette œuvre de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) capture le groupe dans leurs costumes vintage, soulignant leur contribution à la musique et leur influence sur le street art et le graffiti. Cold Crush Brothers : Pionniers du Hip-Hop Formé en 1978 dans le Bronx, à New York, le groupe Cold Crush Brothers est largement reconnu comme l'un des plus influents des débuts du hip-hop. Réputés pour leur virtuosité lyrique, leur présence scénique et leurs performances novatrices, ils ont joué un rôle déterminant dans la définition de l'art du MCing. Les membres du groupe, parmi lesquels Grandmaster Caz, JDL, Almighty KG et Easy AD, ont établi une norme de créativité et de performance qui a inspiré d'innombrables artistes du genre. La séance photo de 1984, réalisée par Joe Conzo Jr, met en lumière le sens de la mode et l'individualité des Cold Crush Brothers. Chaque membre arbore des costumes élaborés, reflets de la théâtralité et du charisme qu'ils insufflaient à leurs performances. Les motifs audacieux et les couleurs vibrantes de leurs tenues symbolisent l'énergie créative qui caractérisait le mouvement hip-hop de l'époque. Cette photographie n'est pas seulement un témoignage visuel de leur style, mais aussi un hommage à leur importance culturelle et à leur vision artistique. Joe Conzo Jr : Chroniqueur de l'histoire du hip-hop Joe Conzo Jr, originaire du Bronx, est reconnu pour son talent à documenter les débuts du hip-hop à travers ses photographies. Son travail capture l'esprit du mouvement, des performances live aux moments intimes des coulisses. Cette séance photo avec les Cold Crush Brothers illustre parfaitement son don pour fusionner art et histoire, présentant ses sujets avec authenticité et talent artistique. L'œuvre de Conzo est intimement liée à l'évolution du Street Pop Art et du graffiti, car il a su capturer non seulement les artistes, mais aussi le paysage culturel qui a donné naissance au hip-hop. Ses photographies, empreintes d'un sens aigu du lieu et de l'époque, préservent la vitalité du Bronx à la fin des années 1970 et dans les années 1980. La série de photos « CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 » illustre parfaitement son talent pour créer des images qui traversent les générations. La signification artistique de la séance photo 84 de CCB Cold Crush Brothers Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple photographie : c'est un témoignage historique qui fait le lien entre musique et art visuel. Les matériaux de qualité archivistique garantissent la préservation de chaque détail, des textures des costumes aux expressions des membres du groupe. Son format 40 x 50 cm renforce son impact visuel et en fait une pièce maîtresse pour toute collection d'art urbain ou d'objets liés au hip-hop. Le tirage CCB Cold Crush Brothers Photoshoot 84 témoigne avec force de l'innovation culturelle née dans le Bronx dans les années 1980. À travers l'objectif de Joe Conzo Jr, cette photographie célèbre le talent artistique, l'individualité et l'héritage de l'un des groupes fondateurs du hip-hop. Un incontournable pour les amateurs de street art, de graffiti et pour tous ceux qui apprécient la richesse de la culture hip-hop.

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Smodcast 4 mai AP Sérigraphie par Todd Slater Épreuve d'artiste Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop street et graffiti. Épreuve d'artiste (EA) 2010, signée et marquée EA, édition limitée, format 18 x 24 pouces, encre argentée métallisée. Théâtre Babcock, 30 avril 2010, Billings, Montana « Voici l'affiche d'un des tout premiers concerts de SModCo : la tournée Live Nude SMod en avril 2010. Nous avions créé trois affiches différentes pour cette tournée, mais celle avec Slater s'est le mieux vendue. Mon seul problème, c'est que je n'arrivais jamais à savoir quel Stormtrooper était censé me représenter et lequel était censé être Scott Mosier… » – Kevin Smith Smodcast du 4 mai, sérigraphie AP de Todd Slater Todd Slater est reconnu pour son talent à fusionner culture pop, humour et design complexe dans des sérigraphies en édition limitée. Son travail capture l'essence du street art contemporain et l'esthétique inspirée du graffiti, faisant de chaque estampe une pièce d'exception dans l'univers des affiches de collection. La sérigraphie Smodcast « May the 4th AP », sortie en 2010 en tant qu'épreuve d'artiste, illustre parfaitement son savoir-faire dans l'alliance d'images iconiques et de techniques d'impression d'art. Cette estampe en édition limitée a été créée pour le Live Nude SMod Tour, l'un des premiers concerts de SModCo, la marque de Kevin Smith. L'œuvre réinterprète avec humour Kevin Smith et Scott Mosier en stormtroopers, en accord avec le thème de Star Wars, tout en y intégrant une touche comique que les fans de SModcast reconnaîtront immédiatement. Avec son fond rouge vif, ses illustrations détaillées de stormtroopers et ses accents d'encre argentée métallisée appliquée à la main, cette sérigraphie est un hommage visuellement saisissant à la fois au monde du podcast et à la culture science-fiction. L'influence artistique de Todd Slater Todd Slater a bâti sa carrière sur la création de sérigraphies d'une grande précision, fortement imprégnées de culture pop. Son œuvre s'articule souvent autour de la musique, du cinéma et de figures emblématiques, transformant des images familières en compositions stylisées et complexes. Cette sérigraphie témoigne de son talent pour allier humour et esthétique, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs d'art urbain et de graffiti. L'utilisation de couleurs superposées et d'encres métalliques accentue la profondeur de l'œuvre, la transformant en bien plus qu'un simple hommage à Star Wars. La texture et les détails de l'armure de stormtrooper témoignent de sa maîtrise technique de la sérigraphie, tandis que le texte manuscrit en bas apporte une touche brute et organique qui s'accorde parfaitement avec l'esprit urbain de son travail. La signification culturelle des œuvres d'art de Smodcast Smodcast, le podcast à succès créé par Kevin Smith et Scott Mosier, a acquis un statut culte, faisant de cette œuvre d'art non seulement une pièce visuelle, mais aussi la représentation d'une époque de l'histoire du podcast. L'inclusion des détails de l'événement, notamment le concert au Babcock Theater de Billings, dans le Montana, renforce l'authenticité de l'estampe, véritable instantané du temps. L'influence de Smith sur la culture populaire s'étend du cinéma aux podcasts en passant par les concerts, et cette affiche incarne cette transition. La référence ironique à leur taille comparée à celle des stormtroopers ajoute une touche d'humour supplémentaire, rendant l'œuvre encore plus personnelle et accessible aux fans. Sérigraphie de collection Pop Art Street Cette épreuve d'artiste est une pièce de collection rare et très recherchée, notamment compte tenu de la notoriété grandissante de Todd Slater dans le monde de l'estampe contemporaine. Le procédé de sérigraphie artisanale confère à chaque exemplaire un caractère unique, le distinguant ainsi des affiches produites en masse. Fusion de street art, de graffiti et de références à la culture pop moderne, cette estampe se distingue par sa force visuelle et son importance culturelle. Son édition limitée et son lien avec l'univers Star Wars et SModcast de Kevin Smith ne font qu'accroître sa valeur, en faisant une pièce incontournable pour les collectionneurs d'estampes en édition limitée et d'objets de la culture pop.

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Stormtrooper Messiah - Impression pigmentaire d'archives sur métal avec base en acrylique gravée, œuvre d'art sculptée par l'artiste de rue et de graffiti Ron English, légende de la pop moderne - POPaganda. Ron English – POPaganda est largement considéré comme une figure majeure de l'évolution du street art, l'ayant éloigné des lettrages traditionnels de style sauvage pour se tourner vers des messages percutants et des trompe-l'œil magistraux. Depuis les années 1980, il crée des fresques et des panneaux d'affichage illégaux qui mêlent des visuels saisissants à des déclarations politiques, consuméristes et surréalistes incisives, s'appropriant l'espace public à travers le monde au service de l'art.

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Tub Chum, édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier moucheté blanc cassé de poids moyen, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Signé et numéroté au crayon par John Vogl.

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Peinture acrylique originale et unique de Tanuki Fighter sur papier d'art, réalisée par la célèbre artiste de graffiti de rue Nicole Gustafsson. Image originale signée, encadrée et sous passe-partout, 2014, cadre 3x3, 8,5x8,5 La vision artistique de Nicole Gustafsson L'œuvre de Gustafsson, dont « Tanuki Fighter », se caractérise souvent par une profusion de couleurs vibrantes et d'éléments imaginatifs qui évoquent l'innocence des rêves d'enfance et la complexité narrative du street art. Sa technique repose sur l'utilisation de l'acrylique – un médium reconnu pour ses couleurs vives et opaques et son séchage rapide – permettant ainsi de créer les compositions dynamiques et superposées qui sont devenues sa signature. « Tanuki Fighter » témoigne de sa maîtrise de ce médium, aboutissant à un spectacle visuel qui relève autant des beaux-arts que de la culture populaire. « Tanuki Fighter » est une peinture acrylique originale sur papier beaux-arts de Nicole Gustafsson, dont l'œuvre a profondément influencé le street art et le graffiti. Cette pièce, créée en 2014, est un exemple parfait de l'esthétique unique de Gustafsson, qui fusionne la fantaisie du pop art avec la force brute du street art, créant ainsi une œuvre distinctive et reconnaissable qui a conquis un public international. Représentation et symbolisme Le tableau représente un tanuki, créature mythique du folklore japonais, réputée pour son esprit espiègle et sa capacité à métamorphoser. Gustafsson revisite ce personnage en le dépeignant comme un combattant à l'expression déterminée et à la posture martiale. Le choix du tanuki comme sujet est un clin d'œil aux thèmes ludiques et souvent fantastiques du street art, tout en incarnant l'esprit transformateur et rebelle du graffiti. Le tanuki est représenté dans un style à la fois simple et expressif, avec une attention particulière portée aux détails de texture qui lui confèrent une présence saisissante. Sa pose et sa tenue rappellent celles d'un lutteur de sumo, ajoutant une dimension culturelle et humoristique à l'œuvre. Le contraste entre la palette monochrome du tanuki et le fond vert vif met en valeur la figure et attire immédiatement le regard du spectateur. Composition et cadrage « Tanuki Fighter » se distingue non seulement par son sujet et son style, mais aussi par sa présentation. L'image originale, mesurant 7,6 x 7,6 cm, est encadrée et sous passe-partout sur mesure, pour une dimension totale de 21,6 x 21,6 cm. Ce choix d'encadrement délibéré souligne l'intimité et la complexité de l'œuvre. L'échelle de la pièce, associée à l'audace de son contenu, joue avec la perception du spectateur, l'incitant à un examen plus attentif et à une interaction personnelle avec l'œuvre. Le choix de l'encadrement témoigne également de la compréhension qu'a Gustafsson du rôle de son œuvre, à la fois comme pièce autonome et comme élément d'un récit plus vaste au sein d'un espace de vie. Une œuvre encadrée possède un poids et une présence différents de ceux d'une œuvre de street art non encadrée, et « Tanuki Fighter » fait le lien entre ces deux univers, insufflant l'énergie brute du street art dans l'environnement soigné des galeries privées. Impact culturel et collectionnabilité Œuvre originale d'un célèbre graffeur de rue, « Tanuki Fighter » revêt une grande valeur pour les collectionneurs et les amateurs de pop art urbain. Les œuvres originales offrent un lien tangible avec la vision et le récit de l'artiste, constituant un témoignage authentique de la culture et de l'époque qui les ont vues naître. De plus, son statut d'œuvre unique renforce son attrait et en fait une pièce recherchée par ceux qui souhaitent posséder un fragment d'histoire de l'art contemporain. L'unicité de l'œuvre est encore renforcée par la signature de Gustafsson lui-même, gage de son authenticité et de son appartenance au parcours artistique de l'artiste. Les collectionneurs de telles pièces les considèrent souvent comme des investissements, non seulement financiers, mais aussi comme des artefacts culturels qui capturent l'essence d'un mouvement ou d'un style artistique particulier. En résumé, « Tanuki Fighter » de Nicole Gustafsson incarne l'esprit ludique et le métissage culturel qui caractérisent le street art et le graffiti. Son utilisation astucieuse du folklore, alliée à une esthétique et une présentation modernes, en fait une œuvre remarquable qui captive l'imagination et reflète l'évolution de l'art contemporain. Pièce originale, signée et encadrée sur mesure, elle occupe une place particulière dans l'œuvre de Gustafsson et dans le contexte plus large de l'art inspiré du street art.

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Joker Brand - Peinture originale unique en son genre, technique mixte acrylique et peinture aérosol, sur bois encadré, par Ben Frost, artiste de graffiti de rue populaire. 2022 « Joker Brand » - Acrylique et peinture aérosol sur panneau - Variante verte/rose 60 cm x 60 cm (23,5 x 23,5 pouces) Signée, titrée et datée au verso

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Achetez A Quiet Dream Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on Fine Art Paper par Nature Pop Artist Chris Austin Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de la taille de l'œuvre TBD 30x24

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« You Reaper You Sower » - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en deux couleurs noires sur papier Coventry Rag 290 g/m² par Cleon Peterson, artiste de street art et de pop art. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée.

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Tirages d'art en édition limitée sur papier Hahnemühle Photo Rag, réalisés à partir de pigments d'archives, représentant l'accident de carrosse de Cendrillon, par Jeff Gillette, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. « Cendrillon et son accident de calèche », tirage pigmentaire d’archives sur papier Hahnemühle Photo Rag, édition limitée à 100 exemplaires, signés et numérotés par l’artiste, 38 x 51 cm (papier), 32 x 46 cm (image), 2015

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Papier buvard Smiley, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mike Giant, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. « Le dessin du Smiley est un de mes graffitis, un "GI". J'ai commencé à le taguer sur les murs au milieu des années 90. C'est l'un des six dessins sur le thème du LSD que j'ai réalisés début 2017, après avoir repensé à l'époque où j'en consommais régulièrement (au moins une fois par semaine). Trois de ces six dessins sont inspirés de vrais buvards de LSD que j'ai ingérés et vendus. Les trois autres sont des illustrations que j'ai trouvées parfaites pour représenter des buvards. J'ai fait des recherches sur le sujet et j'en ai trouvé quelques-uns que je me souviens avoir consommés et vendus. Les autres sont de mon invention. Ils sont vraiment uniques par rapport à ce que je propose habituellement et je suis sûr qu'ils prendront de la valeur un jour, car c'est la seule fois où j'ai dessiné des buvards de LSD. » - Mike Giant

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TGIF V 20 Tirage d'archives par Dave Pollot Édition limitée sur toile PH neutre 17 mil Art de rue pop graffiti Œuvre d'art moderne d'artiste. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 57 exemplaires (2023), format 16 x 20 pouces, impression pigmentaire d'archives sur toile, représentant Jason du film d'horreur Vendredi 13 dans un marais. TGIF V 20 : Tirage d'archives par Dave Pollot L'estampe d'archive TGIF V 20 de Dave Pollot, sortie en 2023, est une fusion unique de références à la culture pop, de techniques des beaux-arts et d'esthétique du street art. Cette œuvre en édition limitée, signée et numérotée par Pollot, fait partie d'une série de seulement 57 exemplaires. Il s'agit d'une impression pigmentaire d'archive de 40,6 x 50,8 cm sur toile de 0,43 mm d'épaisseur, à pH neutre, garantissant sa longévité et sa résistance à la décoloration. L'œuvre met en scène le personnage emblématique de Jason Voorhees, tiré de la franchise cinématographique d'horreur Vendredi 13, dans un décor de marais serein, presque bucolique, mêlant ainsi les univers du cinéma d'horreur et de la peinture de paysage classique. Quand la culture pop rencontre les beaux-arts dans TGIF V 20 Dave Pollot est connu pour sa réinterprétation ingénieuse de l'art traditionnel, intégrant souvent des icônes de la culture pop et des éléments des médias contemporains dans des décors classiques ou idylliques. TGIF V 20 illustre parfaitement cette approche : Pollot y associe la figure menaçante de Jason Voorhees à un paysage champêtre paisible. Sur cette estampe, Jason se dresse, sinistre, dans un marais, son masque de hockey iconique reflétant la lumière d'un coucher de soleil lointain, tandis qu'une petite maison se niche à l'arrière-plan, apparemment indifférente à la terreur qui rôde à proximité. La capacité de Pollot à juxtaposer ces deux univers – l'horreur de Vendredi 13 et la quiétude d'une campagne idyllique – crée un sentiment de malaise et d'humour noir. Le spectateur est amené à contempler l'absurdité de Jason, figure de violence et de peur, évoluant sereinement dans un tel environnement. Cette contradiction ludique est une caractéristique du street art, où des symboles familiers sont recontextualisés de manière surprenante et souvent ironique. En plaçant Jason dans ce contexte inattendu, Pollot remet en question notre perception du personnage et du lieu, nous incitant à les voir sous un jour nouveau. L'influence du graffiti et du pop art urbain L'œuvre de Pollot, bien qu'ancrée dans les techniques traditionnelles des beaux-arts, est fortement influencée par l'esthétique et l'esprit du pop art urbain et du graffiti. Le pop art urbain est connu pour son utilisation audacieuse de la couleur, son intégration de la culture populaire et sa capacité à brouiller les frontières entre art savant et art populaire. Dans TGIF V 20, Pollot réunit ces éléments, utilisant Jason comme symbole de la culture de masse pour bouleverser les conventions de la peinture de paysage classique. La texture et la richesse de la toile, ainsi que la palette de couleurs vibrantes et équilibrées, renforcent l'impact visuel de l'œuvre. La scène, qui pourrait autrement ressembler à un paysage typique du XIXe siècle, est transformée par la présence de Jason. L'influence du graffiti et du street art se manifeste dans la manière dont Pollot insuffle une dimension urbaine et contemporaine au traditionnel. Jason, figure issue du cinéma d'horreur des années 1980, devient un intrus moderne dans un cadre intemporel, à l'image du graffiti qui perturbe souvent l'esthétique de l'environnement urbain en y introduisant des éléments nouveaux, souvent controversés. De plus, le fait que cette estampe soit numérotée à la main et en édition limitée souligne l'individualité et l'exclusivité souvent associées au street art. À l'instar des graffeurs qui signent leurs œuvres, Pollot signe et numérote chaque estampe, garantissant ainsi que chaque pièce est unique. Cela rejoint également la philosophie du street art, selon laquelle l'art est à la fois public et personnel, accessible et unique. Le contraste entre l'horreur et la beauté pastorale Au cœur de TGIF V 20 réside le contraste saisissant entre le genre horrifique et la quiétude du paysage naturel. Jason, habituellement vu traquant ses victimes dans des forêts sombres ou des campements déserts, est ici placé dans un décor qui évoque chaleur et nostalgie. Le chalet en arrière-plan, baigné par la douce lueur du soleil couchant, crée une atmosphère réconfortante qui s'oppose frontalement à l'imagerie violente souvent associée à Jason. Cette juxtaposition accentue le malaise, le spectateur s'interrogeant sur la présence d'une telle figure dans un lieu aussi paisible. Le titre de l'œuvre, TGIF V 20, joue également sur ce contraste. Si le vendredi 13 est synonyme de malchance et d'horreur, l'expression « TGIF » évoque généralement un sentiment de soulagement et l'anticipation d'un week-end de détente. Pollot utilise cette dualité pour brouiller davantage les frontières entre peur et réconfort, humour et horreur. Cette superposition de significations est caractéristique du street art, où de multiples interprétations peuvent coexister, incitant le spectateur à interagir avec l'œuvre à différents niveaux. Le choix de Pollot de représenter Jason dans un marais, plutôt que dans un décor d'horreur plus conventionnel, confère à l'œuvre une complexité supplémentaire. Les marais sont souvent associés à la décrépitude, au mystère et aux dangers cachés, ce qui en fait un cadre idéal pour la figure sombre et menaçante de Jason. Parallèlement, la manière dont Pollot rend la scène — avec des coups de pinceau doux, des tons chauds et une impression générale de calme — rend le marais presque accueillant. Cette tension entre beauté et menace est essentielle à l'attrait de l'œuvre, car elle invite le spectateur à s'interroger sur ce qui se cache sous la surface. L'approche moderne de Dave Pollot en matière d'art et de culture pop La démarche artistique de Dave Pollot s'ancre dans la fusion de l'art classique et de la culture populaire, une technique devenue emblématique du street art contemporain. Sa formation en techniques picturales classiques lui permet d'exécuter ses œuvres avec précision. Parallèlement, l'intégration d'icônes culturelles familières confère à ses créations une accessibilité et une pertinence nouvelles pour le public d'aujourd'hui. TGIF V 20 s'inscrit dans cette tradition, Pollot transposant l'univers du film d'horreur dans le cadre raffiné de la peinture de paysage. Symbole de peur et de violence, Jason Voorhees s'intègre au monde naturel sous la plume de Pollot, suggérant que même les aspects les plus terrifiants de notre imagination ont leur place dans le paysage culturel. En plaçant Jason dans un décor si serein et pittoresque, Pollot nous invite à repenser nos conceptions du beau et de l'effrayant. Cette fusion des univers est au cœur du street art, où le familier et l'inattendu se rencontrent pour créer une œuvre inédite. TGIF V 20 de Dave Pollot illustre avec force comment le street art contemporain peut enrichir et remettre en question notre perception de l'art et de la culture populaire. Grâce à son humour, ses contrastes et sa technique artistique affûtée, Pollot crée une œuvre visuellement saisissante et stimulante, offrant un regard neuf sur une figure emblématique du cinéma d'horreur.

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Œuvre d'art Sweet Dreams, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. DOUX RÊVES 50,8 x 61 cm (20 x 24 pouces) Impression giclée haute qualité sur papier beaux-arts 100 % coton Édition signée et numérotée de 150 exemplaires

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