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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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« Une saison de destruction », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Croquis d'Abe Sapien, dessin original au marqueur sur papier beaux-arts, par Rich Pellegrino, artiste de rue et de pop art moderne. Dessin original au feutre signé par Rich Pellegrino, 2013. Dimensions : 9 x 12 pouces.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Adventure Time Mystery Train - Édition limitée bleue - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Créé officiellement par Mondo, issu de la série Adventure Time de Cartoon Network.

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Adventure Time Mystery Train - Édition limitée rose - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Créé officiellement par Mondo, issu de la série Adventure Time de Cartoon Network.

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Adventure Time Mystery Train - Édition limitée jaune - Sérigraphie artisanale 3 couleurs sur papier beaux-arts par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Créé officiellement par Mondo, issu de la série Adventure Time de Cartoon Network.

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Tous les animaux sortent la nuit - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs noires sur papier d'art de qualité supérieure, par Oliver Barrett, artiste rare de street art et de pop art. Tirage limité à 50 exemplaires. Dimensions : 18 x 24 cm. Signature et numérotation incluses. Année de parution : 2013. Technique : Sérigraphie. Thèmes : Taxi, Film, Homme, Punk, Meurtre, Crime, New York, Ville de New York, Robert De Niro.

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« An Element Unprepared For », tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier photo d'archives, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 13 po x 17 po, bordure blanche de 1,5 po x 1 po incluse. Imprimé sur papier Hahnemühle Photo Rag 308 g/m² - signé et numéroté.

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Andrew Bird Hands of Glory - Yellow 2013 Music Limited Edition Gig Poster 2-Color Hand-Puled Silkscreen Print Artwork on Fine Art Paper by John Vogl.

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Andrew Bird - Santa Cruz, CA 2013 - Affiche de concert en édition limitée - Impression sérigraphique artisanale bicolore sur papier cartonné rose bubblegum 100 g/m² par John Vogl pour Andrew Bird et The Handsome Family.

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Œuvre d'art angélique, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 8,5 x 11 pouces.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Appetite » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Yumiko Kayukawa, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Rock You In a Tatami Room » en 2011. Il ne s'agissait pas d'une exposition thématique, j'ai donc créé des pièces qui reflétaient simplement ce que je ressentais à ce moment-là. Passionnée par les animaux et la faune sauvage, la façon dont ils tuent pour survivre est un sujet qui me tient à cœur. Même une magnifique grue se bat pour vivre. Je trouve cela beau, comme si elles dansaient. » – Yumiko Kayukawa

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Tirages d'art en édition limitée Arcane Science, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 20 po x 20 po, bordure blanche de 1 po x 1 po incluse. Imprimé sur coton lisse Innova 315 g/m², blanc pur, 100 % coton.

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Architecte du mythe préhystérique, impression giclée en édition limitée sur chiffon de coton velours par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Achetez Tactile Feast Artwork Giclee Edition Limitée sur Papier Fine Art par l'Artiste Graffiti Pop Culture Mandy Tsung.

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« L'automne arrive », édition limitée, sérigraphie artisanale 6 couleurs sur papier kraft moucheté français, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie six couleurs sur papier kraft moucheté français, 45,7 x 61 cm. Édition signée et numérotée à 600 exemplaires. Sortie le vendredi 6 septembre 2013.

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Azalée Chut... Œuvre d'art Giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Christine Wu.

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Pingouin ballon, œuvre d'art surréaliste en édition limitée, impression giclée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2013. Format de l'œuvre : 7 x 9 pouces. Impression originale

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Croquis de Batman, dessin original au marqueur sur papier beaux-arts, par Rich Pellegrino, artiste de rue et de pop art moderne. Dessin original au feutre signé par Rich Pellegrino, 2013. Dimensions : 9 x 12 pouces.

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Sérigraphie « Be Cool » de Choice Royce, tirée à la main sur papier d'art Cougar, édition limitée. Édition limitée signée de 35 exemplaires, 2013. Œuvre d'art de 17,5 x 23,5 cm. Sérigraphie. Sérigraphie Be Cool par Choice Royce « Be Cool » est une sérigraphie audacieuse et ludique de Choice Royce, une œuvre qui capture l'énergie expressive et dynamique du street art et du graffiti. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale sur papier Cougar Fine Art mesure 44,5 x 59,7 cm et a été produite en édition limitée et signée à 35 exemplaires. L'œuvre met en scène deux personnages caricaturaux et exagérés, engagés dans un échange intense, dont les émotions sont vivement traduites par des traits expressifs et des contrastes de couleurs saisissants. Cette estampe incarne le langage visuel brut et authentique du street art contemporain, puisant son inspiration dans la culture graffiti, le pop art et la bande dessinée underground. Personnages expressifs et influence du street art L'œuvre « Be Cool » de Choice Royce présente une composition d'une simplicité saisissante et d'une grande puissance. Deux figures arrondies et amorphes occupent le premier plan, se détachant sur un fond bleu dégradé. Le personnage de gauche, en jaune, semble légèrement contrarié : sourcils levés, dents serrées et front plissé formant les lettres « R U ». Le personnage vert de droite, en revanche, est beaucoup plus expressif ; sa bouche grande ouverte et ses expressions exagérées trahissent une explosion d'agressivité ou de frustration. La juxtaposition de ces deux personnalités crée un dialogue visuel captivant, plongeant le spectateur au cœur de la tension de la scène. Ce type d'œuvre, centrée sur les personnages, est caractéristique du street art et du graffiti, où expressions exagérées et designs simples mais audacieux transmettent l'émotion avec immédiateté. L'utilisation de contours noirs épais, de couleurs unies et d'un ombrage minimal confère à l'œuvre une énergie brute, presque dessinée à la main, rappelant les fresques et les stickers que l'on trouve dans les environnements urbains. L'influence de la culture urbaine, de l'esthétique DIY et des bandes dessinées underground est évidente dans la simplicité du design, qui mise sur un minimum de détails pour un impact maximal. Couleur, forme et langage du pop art urbain La palette de couleurs de « Be Cool » est à la fois saisissante et délibérée, utilisant des teintes primaires qui créent un contraste marqué et une clarté visuelle remarquable. Les personnages, d'un jaune et d'un vert éclatants, se détachent nettement sur le fond bleu dégradé, un choix de couleurs qui renforce le sentiment de confrontation et l'énergie qui se dégagent de la scène. Les formes douces et arrondies des personnages adoucissent l'intensité de leurs expressions, conférant à l'œuvre une esthétique ludique, presque caricaturale, en accord avec les thèmes d'humour et d'exagération souvent présents dans le pop art urbain et le graffiti. Cet usage de couleurs vives et contrastées est une caractéristique du pop art urbain, où la simplicité des formes est souvent contrebalancée par un impact visuel saisissant. L'absence de détails complexes oblige le spectateur à se concentrer sur la charge émotionnelle des personnages, faisant de l'œuvre une étude efficace de la communication visuelle. L'œuvre tire sa force de sa capacité à susciter des émotions humaines grâce à un style minimaliste mais expressif, une technique fréquemment employée par les artistes de rue qui utilisent l'espace public comme toile. La pertinence narrative et culturelle de Be Cool Au fond, « Be Cool » est une réflexion sur l'interaction humaine, la communication et les dynamiques relationnelles, faites de tensions et d'attirances. Les expressions et le langage corporel des personnages suggèrent un moment de tension, peut-être un désaccord ou une explosion émotionnelle, reflétant les conflits et les échanges quotidiens qui caractérisent la vie moderne. Le contexte ambigu permet au spectateur d'interpréter la scène à la lumière de son expérience personnelle, ce qui en fait une œuvre d'art accessible et captivante. La capacité de Choice Royce à distiller l'émotion dans une composition aussi minimaliste témoigne du pouvoir du street art et du graffiti comme moyen de narration. En réduisant l'image à ses éléments essentiels, l'artiste crée une scène universellement compréhensible qui transcende les barrières culturelles et linguistiques. Cette approche directe et sans fioritures de l'art s'accorde avec l'énergie brute du graffiti et de l'expression urbaine, faisant de « Be Cool » un exemple parfait de la façon dont le street art peut capturer les émotions humaines avec humour et une profonde résonance. Cette sérigraphie en édition limitée met en lumière le style unique de l'artiste et témoigne de l'impact durable d'un art urbain expressif et centré sur les personnages. « Be Cool » est une œuvre vibrante, ludique et stimulante qui capture l'essence de la culture visuelle urbaine contemporaine, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art urbain et de graffiti.

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Beer POP Édition Limitée Sérigraphie Manipulée à la Main en 2 Couleurs sur Papier Beaux-Arts par Clint Wilson, Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne.

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« Bigger on the Inside » Dr Who, sérigraphie de Tracie Ching, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée au dos (2013). Sérigraphie 18x24 pouces représentant le vaisseau spatial TARDIS (cabine de police) de Doctor Who. Édition spéciale 50e anniversaire de la série Doctor Who. Plus grand à l'intérieur Doctor Who Sérigraphie de Tracie Ching L'estampe sérigraphique « The Bigger on the Inside » de Tracie Ching, inspirée de Doctor Who, est un hommage saisissant au 50e anniversaire de l'une des séries de science-fiction les plus appréciées de tous les temps. Cette sérigraphie artisanale en édition limitée, créée en 2013, capture l'essence du TARDIS, le vaisseau spatial emblématique du Docteur, dans une composition saisissante et riche en superpositions. Signée et numérotée au dos, et limitée à 40 exemplaires, cette œuvre mêle l'esthétique du street art et du graffiti à une approche futuriste, presque hypnotique. La technique de la sérigraphie lui confère une texture riche et une profondeur remarquable, en faisant une pièce visuellement dynamique, à la fois nostalgique et contemporaine. Concept visuel et conception de l'impression L'interprétation du TARDIS par Tracie Ching joue avec les notions de mouvement et de distorsion temporelle, deux éléments fondamentaux de l'univers de Doctor Who. L'estampe présente de multiples images superposées de la cabine de police bleue, créant un effet de cascade qui suggère que le vaisseau passe d'une dimension à l'autre. Les contours géométriques nets et l'éclairage à fort contraste renforcent l'impression d'énergie cinétique, donnant vie à l'œuvre. Les tons bleu profond, associés à une technique de demi-teintes soigneusement appliquée, confèrent à la pièce une profondeur atmosphérique qui fait écho au mystère et à l'excitation du voyage dans le temps. La typographie joue un rôle important dans la composition, avec le titre « Doctor Who » présenté dans un style épuré et futuriste. L'intégration du logo de la série et de la mention « Le cinquantième anniversaire » en bas de l'estampe souligne le caractère festif de l'œuvre. Cette approche minimaliste et audacieuse permet au TARDIS de rester le point focal tout en rendant hommage à cet événement historique de la série. Cet équilibre entre design graphique et savoir-faire artistique confère à cette estampe un caractère unique, à la fois comme objet de collection et comme œuvre remarquable d'art urbain pop et de graffiti contemporain. Le TARDIS comme icône du street art et du graffiti Le TARDIS fascine depuis longtemps le street art et le graffiti, symbolisant l'aventure, l'évasion et les possibilités infinies du temps et de l'espace. Les artistes de rue l'ont souvent représenté sur des fresques, des pochoirs et des affiches collées, l'intégrant à des décors urbains inattendus pour créer l'illusion de sa matérialisation dans le monde réel. Le design de la cabine de police est une image iconique, immédiatement reconnaissable même pour ceux qui ne connaissent pas Doctor Who, ce qui en fait un puissant symbole visuel dans l'art public. L'interprétation du TARDIS par Ching pousse ce concept plus loin en explorant ses propriétés métaphysiques. En illustrant la cabine de police comme si elle oscillait entre différents moments du temps, l'œuvre reflète le fonctionnement du graffiti et du street art : éphémères, en perpétuelle évolution et existant sous de multiples formes. La superposition des couches du TARDIS dans l'œuvre reflète la manière dont le street art se construit souvent, les artistes ajoutant de nouveaux tags, motifs et textures aux œuvres existantes, créant ainsi une toile évolutive de narration visuelle. Ce parallèle entre le voyage dans le temps et la nature fluide du street art et du graffiti renforce l'idée que le TARDIS est bien plus qu'un simple artefact de science-fiction : c'est un symbole de réinvention artistique. L'importance de la sérigraphie en édition limitée Tirée artisanalement en sérigraphie, « Bigger on the Inside » bénéficie d'un savoir-faire unique, impossible à reproduire numériquement. La superposition des encres, la texture du papier d'art et la précision de l'impression contribuent à son caractère distinctif. Disponible à seulement 40 exemplaires, cette œuvre est une pièce de collection exclusive, fusionnant l'univers de Doctor Who avec l'esthétique du street art et du graffiti. Son tirage limité renforce son attrait, conférant à chaque exemplaire une valeur culturelle et artistique indéniable. Le talent de Tracie Ching pour allier culture pop et techniques graphiques modernes et complexes fait de cette sérigraphie une œuvre phare de l'art urbain contemporain. Sa vision du TARDIS capture l'émerveillement et la magie de Doctor Who tout en repoussant les limites de la narration visuelle. Par sa composition dynamique, ses textures riches et sa profondeur conceptuelle, cette œuvre témoigne de la puissance de l'alliance entre la mythologie de la science-fiction et l'univers expressif et en constante évolution du street art et du graffiti.

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Sérigraphie « Bird Kite Skateboarding » par Sentrock - Joseph Anthony Perez, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Sérigraphie au format 20x16. Sérigraphie « Bird Kite Skateboarding » par Sentrock – Joseph Anthony Perez « Bird Kite Skateboarding » est une sérigraphie saisissante de Sentrock, alias Joseph Anthony Perez. Cette édition limitée, réalisée à la main en 2013, met en lumière le style audacieux et illustratif ainsi que la narration symbolique qui caractérisent son art urbain pop et graffiti. Signée et numérotée à 30 exemplaires, cette œuvre de 50 x 40 cm (20 x 16 pouces) capture une scène à la fois surréaliste et profondément expressive, incarnant les thèmes de la liberté, du mouvement et de la découverte de soi. Par son imagerie dynamique et son énergie brute, cette pièce témoigne du talent de Sentrock pour créer un art à la fois visuellement captivant et émotionnellement puissant. Le symbolisme du mouvement et de l'évasion L'estampe « Bird Kite Skateboarding » de Sentrock représente une silhouette masquée, assise sur un skateboard, se propulsant à l'aide d'un cerf-volant improvisé composé de deux oiseaux attachés par des ficelles. Cette composition évoque immédiatement les thèmes du mouvement, de l'évasion et du désir de voler. La silhouette masquée, motif récurrent dans l'œuvre de Sentrock, suggère un récit plus profond sur l'identité et la transformation. Le masque d'oiseau est souvent un symbole de liberté, de résilience et de capacité à surmonter les difficultés. Les oiseaux, à la fois guides et moteurs, renforcent l'idée d'explorer de nouvelles possibilités. Le skateboard lui-même est une représentation de la culture jeune, de la rébellion et de l'expression de soi. Le skateboard est depuis longtemps associé à la transgression des normes sociales et à l'utilisation des espaces urbains comme support de créativité. En intégrant cet élément à l'estampe, Sentrock inscrit son œuvre dans l'esprit du street art et du graffiti, où le mouvement, la prise de risque et l'indépendance sont célébrés. La posture à la fois détendue et déterminée de la silhouette suggère à la fois maîtrise et abandon, une acceptation de l'imprévisibilité de la vie tout en avançant avec détermination. Esthétique du street art pop et du graffiti La composition visuelle de « Bird Kite Skateboarding » reflète la forte sensibilité graphique qui caractérise le travail de Sentrock. L'utilisation audacieuse du noir et blanc sur un fond rouge vibrant crée un impact immédiat, attirant immédiatement le regard sur le contraste saisissant entre la figure et son environnement. Le trait, brut et expressif, capture la texture et le mouvement avec une intensité illustrative qui semble prendre vie sur le papier. Cette estampe incarne l'énergie DIY du street art et du graffiti, où la simplicité de la forme amplifie la complexité du sens. Le contraste élevé permet au récit d'occuper le devant de la scène, rendant les émotions et le symbolisme de l'œuvre plus accessibles. L'utilisation par Sentrock de la sérigraphie artisanale souligne davantage la dimension humaine de l'œuvre, renforçant l'authenticité et le savoir-faire qui la caractérisent. Le tirage en édition limitée ajoute une touche d'exclusivité, faisant de cette estampe une œuvre convoitée par les collectionneurs d'art urbain contemporain. Le lien narratif et émotionnel L'art de Sentrock explore souvent les parcours personnels, la résilience et le désir de dépasser ses limites. « Bird Kite Skateboarding » ne fait pas exception, capturant un moment d'évasion onirique à la fois porteur d'espoir et introspectif. La figure masquée, élément emblématique de son œuvre, représente la dualité entre dissimulation et découverte de soi. L'anonymat du personnage permet aux spectateurs de projeter leurs propres expériences sur la scène, rendant le récit universellement accessible. Les oiseaux, symbolisant le guide et la libération, tirent la figure vers l'avant, renforçant l'idée que des forces extérieures – rêves, aspirations ou luttes personnelles – contribuent à façonner notre chemin. Cette œuvre résonne en chacun de ceux qui ont déjà ressenti le besoin de s'évader, de s'adapter ou de tracer leur propre voie. Sa capacité à susciter de telles émotions en fait une pièce majeure dans l'œuvre grandissante de Sentrock. « Bird Kite Skateboarding » témoigne de la maîtrise de Sentrock en matière de street art et de graffiti. Par une composition à la fois simple et puissante, il saisit l'essence du mouvement, de la liberté et de l'expression de soi. Cette sérigraphie en édition limitée témoigne non seulement de sa vision artistique, mais se fait également l'emblème de la résilience, ce qui en fait une pièce de choix pour toute collection d'art urbain contemporain.

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Oiseau à vélo, édition limitée, sérigraphie artisanale monochrome sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. ED 2

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Sérigraphie artisanale en trois couleurs, édition limitée « Crâne d'oiseau », sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Sérigraphie Black Sabbath Silver Black Crescent par Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 125 exemplaires, 2013. Œuvre d'art 18x24, sérigraphie représentant le groupe de musique metal rock 'n' roll Black Sabbath avec Ozzy Osbourne. Black Sabbath est l'un de mes groupes préférés depuis 25 ans. J'ai eu la chance de rencontrer Jack Osbourne grâce à mon ami Big Dave en 2000. Ma relation avec Jack et Big Dave a donné lieu à plusieurs projets formidables avec Ozzy et Sabbath. Un de mes plus grands moments d'admiration a eu lieu lorsque Dave m'a emmené en coulisses pour rencontrer les membres de Sabbath à l'Ozzfest en 2004, et que le bassiste et parolier Geezer Butler portait un t-shirt Obey ! Sabbath est toujours un groupe phénoménal en concert, et je suis incroyablement honoré de réaliser ma deuxième affiche pour la tournée Sabbath/Obey (la première datant de 2005). Sabbath a récemment sorti un excellent album intitulé « 13 » (produit par Rick Rubin) et est actuellement en tournée pour le promouvoir. - Shepard Fairey - OBEY. L'interprétation de l'héritage de Black Sabbath par Shepard Fairey En 2013, inspiré par l'influence de Black Sabbath sur sa vie et son art, Fairey a créé une sérigraphie en édition limitée pour commémorer la tournée américaine du groupe. Cette édition signée et numérotée, limitée à 125 exemplaires et de format 45,7 x 61 cm, est devenue un emblème de l'impact durable de Black Sabbath sur le rock et une pièce de collection emblématique du street art. L'œuvre, tirée à la main sur un papier beaux-arts crème moucheté, reprend les symboles iconiques de Black Sabbath, tels que la croix et le disque ailé, ainsi que la signature de Fairey, qui inclut souvent des éléments comme l'étoile et l'œil stylisé. La fusion du street art et de la musique se manifeste fréquemment dans les affiches de concerts, un médium que Shepard Fairey, célèbre pour sa marque OBEY, maîtrise à la perfection grâce à un style distinctif qui résonne profondément dans la culture pop. Son travail pour le groupe de metal rock emblématique Black Sabbath, et notamment la sérigraphie représentant un croissant argenté et noir, incarne l'essence même de l'héritage de l'artiste et du groupe. L'importance de l'œuvre de Fairey pour Black Sabbath réside dans sa capacité à fusionner l'expérience auditive de la musique et la stimulation visuelle de l'art. Cette sérigraphie ne se contente pas de représenter le groupe ; elle évoque l'esprit rebelle de leur musique, les thèmes sombres et mystiques qu'ils explorent, et le mouvement culturel qu'ils ont initié au sein du heavy metal. Les signatures artistiques de Fairey, comme le mot « obey », confèrent à l'œuvre un sentiment d'autorité et de provocation qui fait écho à l'éthique du groupe. Collectionnabilité et influence dans le monde de l'art L'anecdote de Fairey sur sa rencontre avec le groupe et sa découverte de Geezer Butler portant un t-shirt OBEY témoigne de l'influence réciproque entre l'artiste et le musicien. Elle souligne comment le street art et la musique se rejoignent souvent, les artistes influençant les musiciens et vice versa. Cette sérigraphie célèbre le retour du groupe avec l'album « 13 » et rend hommage à la relation historique entre l'artiste et Black Sabbath. C'est ce récit qui confère à l'œuvre une dimension personnelle, en faisant une déclaration profonde à la croisée de la pop culture et du street art. En tant qu'objet de collection, la sérigraphie Black Sabbath de Shepard Fairey se situe au carrefour des souvenirs musicaux et des beaux-arts. Sa rareté et la réputation de son créateur rehaussent sa valeur, non seulement financière, mais aussi culturelle. Collectionneurs et fans recherchent ces pièces pour leur attrait esthétique et leur capacité à immortaliser un moment historique, une période où musique et street art s'entremêlent pour créer une représentation tangible d'une époque musicale. Dans le vaste univers du street art et du graffiti, l'estampe Black Sabbath de Shepard Fairey illustre le potentiel du genre à transcender la rue pour accéder au monde de l'art contemporain et des objets de collection. Cette œuvre, par la finesse de son design et ses profondes références culturelles, témoigne du pouvoir de l'art visuel à célébrer et immortaliser l'esprit de la musique.

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Peinture originale reliée, technique mixte à l'aérosol et à l'aquarelle sur papier d'art, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 201 3 Œuvre originale signée, technique mixte, peinture aérosol et aquarelle, format 15 x 22

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Œuvre d'art Breathe Out, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Charmaine Olivia. Édition limitée à 350 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Format de l'œuvre à déterminer.

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Broome, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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Les affaires sont florissantes ! Tirages d'art giclée en édition limitée sur papier photo d'archivage par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. Format total : 12 po x 12 po ; format de l’image : 9,25 po x 9,30 po. Imprimé sur papier Innova Photo Rag 315 g/m². Signé et numéroté.

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Achetez Z-Bonds - Zombie Apocalypse Propaganda Limited Edition 2-Color Hand-Pull Silkscreen Print on Fine Art Paper par Ron Guyatt Graffiti Street Artist Modern Pop Art. L'artiste Ron Guyatt a créé cette superbe affiche de propagande pour soutenir notre lutte contre l'apocalypse zombie imminente. Ces affiches sensibilisent la population à la nécessité d'une intervention militaire face à cette menace. Chaque affiche, signée et numérotée, mesure 45,7 x 61 cm et est disponible en édition limitée à 100 exemplaires.

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C215 - Atmosphere Blue Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Aérosol Œuvre d'Art Crossover du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Œuvre d'art en bombe de peinture, édition limitée signée et estampillée de 2013 (500 exemplaires). C215 – Bombe de peinture bleue atmosphérique, édition limitée de Montana MTN, style street art pop et graffiti. La bombe de peinture Atmosphere Blue de l'artiste de rue français C215, sortie en 2013 en collaboration avec Montana Colors (MTN), est une pièce rare, à la croisée des chemins entre outils de graffiti et œuvres d'art. Produite en édition limitée à 500 exemplaires, signée et estampillée, cette pièce est bien plus qu'un objet de collection : c'est une véritable sculpture, fruit de la rencontre entre l'artiste, le médium et le message. La bombe est présentée dans un coffret en bois sur mesure, gravé du logo MTN, ce qui la transforme d'un simple contenant utilitaire en une œuvre d'art précieuse. L'œuvre ornant la bombe est un portrait au pochoir d'une précision extrême, réalisé dans le style photoréaliste caractéristique de C215, témoignant de sa maîtrise de l'expression faciale et de la texture urbaine. Cette édition fait partie de la série collector de MTN, qui rend hommage aux artistes œuvrant au cœur du mouvement street art en immortalisant leur travail sur l'objet même qui leur est le plus emblématique. C215 et la précision des émotions en milieu urbain C215, de son vrai nom Christian Guémy, est un artiste français de pochoir renommé dont l'œuvre confère empathie et profondeur psychologique à l'espace public. Ses portraits – souvent d'individus oubliés, de personnes âgées ou de visages anonymes – sont réalisés avec sensibilité et une maîtrise technique étonnante. Sur la bombe Atmosphere Blue, le visage représenté est intense et marqué par le temps, gravé de multiples détails qui reflètent la complexité de la vie urbaine et de l'expérience personnelle. En apposant ce visage directement sur une bombe de peinture pour graffiti, C215 rend hommage à ce médium d'expression urbaine et lui insuffle une âme. Son choix de se concentrer sur les visages humanise l'objet, le transformant d'un symbole de rébellion ou de vandalisme en un réceptacle d'identité et de mémoire. Au sein du Street Pop Art et du Graffiti Artwork, ce geste s'inscrit dans la démarche visant à valoriser le récit urbain par le design et la curation. Montana MTN et l'évolution des outils de marque d'artiste Montana Colors, basée à Barcelone, est une référence dans le domaine de la peinture pour graffiti. Sa collaboration avec C215 pour l'édition Atmosphere Blue s'inscrit dans un mouvement plus large où culture graffiti et reconnaissance institutionnelle ne sont plus incompatibles. MTN utilise des éditions limitées comme celle-ci pour célébrer le raffinement non seulement de l'application de la peinture, mais aussi de son emballage. La bombe aérosol devient une toile, et l'acte de taguer ou de peindre se hisse au rang d'œuvre d'art à collectionner. La précision et la richesse de l'impression sur le corps en aluminium, associées à la texture de la boîte personnalisée, témoignent de l'intégration profonde de ces formes autrefois underground dans le street art et le graffiti contemporains. Cette édition brouille les frontières entre l'outil commercial et l'œuvre finie. La bombe aérosol comme portrait, artefact et symbole de l'héritage de la rue Ce qui fait d'Atmosphere Blue une œuvre majeure dans l'histoire du street art et du graffiti, c'est sa double fonction. Elle rend hommage au processus créatif, à l'outil et à la contribution individuelle de l'artiste à la culture visuelle des villes. Bien que cette bombe de peinture ne serve peut-être jamais, elle renferme l'histoire de ce qu'elle représente : la visibilité, l'expression et la résistance. La capacité de C215 à insuffler la vie même au plus petit objet est ici manifeste. Son travail au pochoir, que l'on retrouve habituellement sur les portes, les murs des ruelles et les surfaces dégradées, trouve une nouvelle permanence sur ce récipient scellé. Il renferme énergie, potentiel et identité. L'édition Atmosphere Blue n'est pas seulement rare de par son numéro de production ; elle l'est parce qu'elle marque un moment où l'histoire du graffiti devient visible, tangible et préservée, non pas dans les galeries, mais dans le langage vivant de la rue.

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Calaveras de las Flores, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 6 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure par Dan Christofferson - Beeteeth, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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Achetez VINYLTOY Dunny édition limitée Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork par l'artiste ARTIST. 2022 Édition limitée de XXXX Taille XXXX INFO

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Casablanca, Afrique - Sérigraphie de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2013 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 50 exemplaires Dimensions de l'œuvre 18x24 Série Location, Location, Location Sérigraphie Ricks Cafe Panneau américain Lune et avion du film Casablanca. Sérigraphie Casablanca Afrique par Justin Van Genderen L'estampe sérigraphique Casablanca Africa de Justin Van Genderen, réalisée à la main en 2013, capture la mystique cinématographique de l'un des films les plus emblématiques de l'histoire. Cette œuvre de 45,7 x 61 cm, produite en édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, transforme des éléments clés de Casablanca en une pièce saisissante de street art pop et de graffiti. Avec sa palette de couleurs minimaliste, son design à fort contraste et sa composition atmosphérique, l'estampe évoque le romantisme et le mystère intemporels qui caractérisent à la fois le film et la ville elle-même. Composition minimaliste à la profondeur cinématographique Cette sérigraphie illustre le talent de Van Genderen pour condenser l'atmosphère d'un film entier en une seule image saisissante. La composition s'articule autour de l'enseigne lumineuse du Rick's Café Américain, la boîte de nuit mythique qui est le cœur de Casablanca. L'enseigne, d'un blanc éclatant sur un fond gris sombre, semble presque lumineuse, comme si elle brillait dans l'obscurité. Les palmiers en silhouette qui l'entourent ajoutent une touche d'exotisme, renforçant l'atmosphère marocaine du film. Au-dessus de l'enseigne du café, le ciel est dominé par une lune surdimensionnée et décentrée, un point d'ancrage visuel qui accentue le caractère onirique de l'œuvre. Un avion solitaire s'élève vers l'horizon, symbolisant à la fois l'évasion et la nostalgie, une référence indéniable à la célèbre fin du film. La texture granuleuse et les éléments vieillis de l'œuvre imitent les affiches usées et les fresques murales délavées que l'on trouve souvent en milieu urbain, conférant à l'ensemble une authenticité vintage. Esthétique du street art pop et du graffiti L'approche de Justin Van Genderen en matière de street art et de graffiti transparaît dans la manière dont cette œuvre fusionne nostalgie cinématographique et design urbain contemporain. La texture sérigraphiée et la palette monochrome évoquent l'esthétique des affiches de films noirs classiques, tout en intégrant la dimension brute et tactile du street art. La technique de superposition à fort contraste confère à l'œuvre un aspect de pochoir, un style souvent associé aux fresques murales et aux graffitis. L'absence de détails superflus oblige le spectateur à se concentrer sur les éléments essentiels de la composition : la lumière, l'ombre et la forme. Cette approche minimaliste, fréquente dans le street art moderne, permet à l'œuvre de conserver un impact visuel immédiat tout en lui conférant une profonde charge émotionnelle. Le jeu entre les silhouettes noires et nettes et la douce luminosité de la lune crée une tension dynamique, donnant vie à la scène malgré son minimalisme. L'influence de Casablanca sur l'art urbain et le pop art Peu de films ont eu un impact culturel et artistique comparable à celui de Casablanca, récit d'amour, de sacrifice et de la frontière floue entre lutte personnelle et politique. L'identité visuelle du film – silhouettes dans l'ombre, rues enveloppées de brouillard et enseignes lumineuses – s'accorde parfaitement avec l'esthétique du street art et du graffiti, où la lumière et l'ombre jouent un rôle crucial dans la narration. Cette sérigraphie capture cette atmosphère cinématographique tout en la réinterprétant à travers le prisme de l'art contemporain. Casablanca, la ville comme le film, est depuis longtemps une source d'inspiration pour les artistes. Son mélange d'influences européennes et nord-africaines, son architecture coloniale et son statut de carrefour des cultures contribuent à son aura de mystère. Les artistes de rue ont souvent utilisé des images du film dans des affiches, des pochoirs et des fresques murales monumentales, renforçant ainsi sa place dans la culture visuelle urbaine. La sérigraphie de Van Genderen s'inscrit dans cette tradition, transformant une image tirée du film en une œuvre d'art intemporelle et recherchée. Pour les collectionneurs d'art urbain, de pop art et de graffiti, cette estampe offre une œuvre à la fois sophistiquée et accessible, fusionnant histoire du cinéma et design contemporain. Qu'elle soit exposée en galerie ou intégrée à une collection privée, elle rappelle le pouvoir du cinéma et de l'art de transporter les spectateurs vers des lieux lointains et des instants oubliés. À l'instar de Casablanca, chef-d'œuvre intemporel de la narration, cette sérigraphie capture sa magie sous une forme à la fois inédite, actuelle et d'une force évocatrice inépuisable.

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Impression giclée en édition limitée « Cauldron Artwork » sur papier d'art naturel de qualité musée 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Adam Caldwell. Épreuve d'artiste (EA) 2013 Signée et marquée EA Format 12x16

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Tirage giclée en édition ultra-limitée Chaplin British sur papier d'art par Mike Mitchell, artiste de rue de la contre-culture. 2013 Signé et numéroté au dos Édition limitée à 100 exemplaires Œuvre d'art Format 4x6 Impression giclée par Mike Mitchell de Superman Clark Kent Pose stylisée avec Chaplin d'Angleterre Célèbre pour ses films vintage. Tirage giclée en édition ultra-limitée britannique de Chaplin par Mike Mitchell L'estampe giclée en édition limitée « Chaplin British Super Limited Edition » de Mike Mitchell est un fascinant croisement entre nostalgie, culture pop et satire contemporaine. Signée et numérotée, cette édition limitée de 2013, mesurant 10 x 15 cm, appartient à la célèbre série « Super Series » de Mitchell, une collection d'œuvres où des figures iconiques sont réinterprétées avec humour dans la pose emblématique de Superman. En fusionnant le personnage classique de Charlie Chaplin avec l'allure d'un super-héros, Mitchell interroge avec malice le pouvoir, la perception et l'histoire culturelle à travers le prisme du street art et du graffiti. L'influence de Charlie Chaplin sur l'art visuel Charlie Chaplin, l'une des figures les plus emblématiques de l'histoire du cinéma, incarne le génie du cinéma muet et la critique sociale à travers son jeu d'acteur. Son look iconique, avec son chapeau melon, sa moustache et sa canne, a fait de lui un personnage universellement reconnaissable, mêlant humour et profondes analyses de la société. L'interprétation stylisée de Mitchell s'inspire de l'esthétique vintage de Chaplin et la fusionne avec une pose de super-héros audacieuse et musclée, renforçant l'idée que Chaplin était un géant de la culture, sans pour autant avoir besoin du physique conventionnel du héros. Le style d'illustration épuré, les lignes nettes et le contraste accentué reflètent une esthétique pop art urbaine contemporaine, puisant dans les traditions de la bande dessinée et les réinterprétations satiriques de figures historiques. Le pop art urbain et la transformation des icônes culturelles La série « Super Series » de Mitchell s'inscrit dans la tradition du street art et du graffiti, où des figures emblématiques sont souvent réinterprétées, amplifiées ou juxtaposées à des thèmes modernes. Ici, Chaplin, célèbre pour ses comédies muettes et son activisme subtil, adopte l'allure d'un super-héros de bande dessinée, suggérant le pouvoir de l'humour comme forme de résistance sociale. L'influence visuelle des comics, alliée à la dimension rebelle du street art, fait de cette œuvre une fusion parfaite entre expression artistique ancienne et nouvelle. Le noir et blanc rend hommage à l'époque du cinéma muet de Chaplin, renforçant la référence historique tout en la rendant immédiatement reconnaissable par le public contemporain. Satire et nostalgie dans l'art de la culture pop moderne L'œuvre de Mitchell joue souvent avec l'équilibre entre nostalgie et satire, rappelant aux spectateurs que nos héros culturels évoluent avec le temps. L'influence de Chaplin dépasse largement le cadre du cinéma muet, car ses personnages, ses manières et ses thèmes de lutte et de persévérance humaines continuent de résonner dans la narration moderne et les mouvements artistiques. Cette édition giclée ultra-limitée est plus qu'une simple illustration : c'est un commentaire à la fois ludique et perspicace sur la manière dont la culture populaire immortalise les figures par la réinterprétation. La capacité de Mitchell à fusionner beaux-arts, stylisation de la bande dessinée et techniques du pop art urbain fait de cette édition giclée ultra-limitée de Chaplin une pièce de collection unique pour les amateurs d'art, les historiens du cinéma et les passionnés de créativité contre-culturelle.

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Sérigraphie Chi-Noceros de Phineas X Jones, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires, 2013. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces, sérigraphie représentant la ville de Chicago sur la corne d'un rhinocéros marchant dans la mer. Sérigraphie Chi-Noceros par Phineas X Jones Chi-Noceros, une sérigraphie de Phineas X Jones, est une fusion surréaliste et visuellement saisissante d'architecture urbaine et de faune sauvage, mêlant des éléments de street art et de graffiti à des techniques d'illustration raffinées. Cette sérigraphie artisanale, créée en 2013, témoigne de l'approche artistique imaginative et minutieuse qui caractérise Jones. L'œuvre de 45,7 x 61 cm, produite en édition limitée signée et numérotée à 100 exemplaires, représente un rhinocéros marchant dans l'eau, la silhouette emblématique de Chicago intégrée à sa corne. Cette image à la fois fantaisiste et profonde transforme l'animal en une incarnation vivante de la ville, symbolisant à la fois la force et la résilience, tout en brouillant les frontières entre nature et constructions humaines. La composition artistique et le symbolisme Le style d'illustration de Jones dans Chi-Noceros se caractérise par un trait complexe et une grande attention portée à la texture, conférant à la peau du rhinocéros un aspect organique et patiné qui contraste fortement avec les structures architecturales rigides qui semblent jaillir de son visage. L'utilisation de la Willis Tower et d'autres gratte-ciel de Chicago comme corne du rhinocéros est une audacieuse affirmation artistique, renforçant la présence imposante de la ville et son lien avec le monde naturel. L'eau qui entoure le rhinocéros ajoute une dimension mystérieuse, suggérant soit un mouvement à travers un paysage sauvage, soit la reconquête progressive des espaces urbains par la nature. Le corps du rhinocéros est également orné des quatre étoiles rouges du drapeau de Chicago, soulignant ainsi l'identité de la ville et faisant de la créature une représentation littérale de son esprit. L'intégration de ces symboles à la forme naturelle de l'animal ajoute une touche de fierté civique tout en conservant une dimension surréaliste. La palette de couleurs discrètes, composée de gris, de bleus et de rouges, assure une cohérence visuelle à la composition, renforçant la précision des traits et conférant à l'œuvre un aspect intemporel, presque vintage. Influences du street art, du pop art et du graffiti Chi-Noceros s'inscrit dans l'esthétique du street art et du graffiti en réinterprétant avec audace la culture urbaine et en transformant des éléments du quotidien en créations inattendues. L'hybride d'une créature organique et puissante et des structures urbaines rigides fait écho aux thèmes récurrents du street art, où le naturel et l'industriel dialoguent sans cesse. Cette interaction entre nature et développement humain est un motif récurrent dans l'art urbain, où les fresques, les estampes et les graffitis dépeignent souvent la lutte entre les forces environnementales et l'expansion incessante des villes. La capacité de Jones à fusionner un réalisme complexe et le surréalisme confère à son œuvre une singularité qui s'inscrit pleinement dans le mouvement du street art contemporain. Les proportions exagérées et les sujets non conventionnels interpellent la perception du spectateur, à l'instar des graffitis et des fresques qui bouleversent les espaces urbains traditionnels. Ses techniques d'illustration précises, combinées au flux organique de l'encre issu de la sérigraphie, renforcent l'énergie brute et artisanale qui caractérise ce style artistique. La valeur de collection et l'impact culturel des Chi-Noceros Tirage sérigraphique en édition limitée, signé et numéroté, Chi-Noceros revêt une grande valeur, à la fois comme œuvre d'art de collection et comme témoignage culturel. Son format de 45,7 x 61 cm permet d'apprécier pleinement la minutie du travail de Jones, garantissant la netteté et l'impact de chaque ligne et texture. Tirage artisanal confère à chaque exemplaire un caractère unique, faisant de cette œuvre une pièce recherchée par les collectionneurs de street art et de graffiti, ainsi que par les amateurs de design inspiré par Chicago. L'attrait durable de Chi-Noceros réside dans sa capacité à fusionner identité urbaine et expression artistique. Il parle aussi bien aux citadins qu'aux passionnés d'art, offrant une réflexion à la fois ludique et profonde sur l'interaction entre ville et nature. Le rhinocéros, animal réputé pour sa résilience et sa force, devient un emblème de Chicago, incarnant sa robustesse, son adaptabilité et son horizon iconique. Phineas X Jones s'est imposé comme un artiste qui fait le lien entre l'illustration de précision et le dynamisme de l'art urbain. L'œuvre de Chi-Noceros témoigne de sa créativité, transformant un sujet ordinaire en un récit visuel extraordinaire. Cette sérigraphie met en valeur sa maîtrise technique et confirme sa place dans le paysage en constante évolution du street art et du graffiti.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée 8 couleurs « Chief Skull » sur papier beaux-arts, par Joe King, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'ère d'une nouvelle génération.

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Christopher, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. BLK/MARKT

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