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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Gulf Girl sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée d'Iggy Pop sur papier beaux-arts 310 g/m² par John Wentz, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Iggy a toujours eu un visage extraordinaire. Chez le jeune Iggy, on perçoit cette volonté de conquérir le monde. Chez l'Iggy plus âgé, plus récent, c'est comme si son visage était un livre en braille. J'imagine les histoires qu'il pourrait raconter ! Son expression est presque celle d'une photo d'identité judiciaire, mais avec une certaine passivité. » – John Wentz

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Tirages d'art en édition limitée « In Your Arms » sur papier beaux-arts 310 g/m² par ThankYouX, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. « J'ai créé cette estampe spécialement pour 1xRUN. L'image représente une jeune fille qui se laisse aller, les bras levés, submergée par les couleurs, les sensations et les émotions. Elle a été inspirée par un remix que j'ai réalisé pour le DJ et producteur Michael Woods. Les paroles de la chanson m'ont inspirée et m'ont donné envie de créer quelque chose d'unique. Je crois que la musique et l'art ne font qu'un. Lorsque je compose de la musique, j'ai envie de peindre davantage ; lorsque je peins, j'ai envie de retourner en studio et de composer encore plus de musique. Je souhaite poursuivre ce projet Art/Musique jusqu'à la fin de l'année. » - ThankYouX Symphonie artistique de ThankYouX ThankYouX, reconnu pour ses œuvres vibrantes et expressives, a marqué de son empreinte le pop art moderne avec ses tirages pigmentaires d'archives en édition limitée. Son œuvre « In Your Arms » en est un exemple captivant, fusionnant l'énergie du street art et la sensibilité du pop art en une création riche en émotions et en couleurs. Sortie en 2016 à 50 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée, ce qui en fait un véritable trésor pour les collectionneurs et les amateurs. « In Your Arms » mesure 40,6 x 50,8 cm et est imprimée sur un papier d'art de 310 g/m², témoignant de l'engagement de l'artiste envers la qualité et la pérennité. L'approche de ThankYouX pour cette œuvre a été inspirée par un remix qu'il a produit pour le DJ Michael Woods. La synergie entre les paroles de la musique et l'imagination visuelle de ThankYouX a donné naissance à une image qui capture l'essence du lâcher-prise, représentée par la figure d'une jeune fille se laissant emporter par un tourbillon de couleurs et d'émotions. Cette œuvre symbolise la conviction de l'artiste quant à l'unité de la musique et des arts visuels. ThankYouX met en lumière l'inspiration cyclique qu'il puise dans ces deux disciplines : la peinture nourrit sa créativité musicale, et la musique, à son tour, l'incite à reprendre les pinceaux. L'artiste entend poursuivre ce projet Art/Musique, explorant ainsi l'harmonieuse relation entre les sphères auditive et visuelle. Résonance émotionnelle dans le pop art urbain La résonance émotionnelle de « In Your Arms » est palpable ; le sujet est saisi dans un moment d'extase, avec des éclats de couleurs vibrantes qui semblent jaillir de son âme même. Cette œuvre incarne l'essence même du street art et du graffiti, où le brut et le raffiné se rencontrent, et où l'émotion peut être aussi intensément retranscrite sur le papier que sur les murs de la ville. Le travail de ThankYouX, et notamment « In Your Arms », reflète le dynamisme de la scène street art, où la narration est viscérale et directe. La posture du personnage, l'explosion de couleurs et l'énergie invisible mais tangible qui émane de l'estampe sont caractéristiques de la puissance expressive du street art. C'est un art qui parle aux yeux et au cœur, invitant le spectateur à ressentir d'abord, puis à analyser. Dans la grande tapisserie du street art et du graffiti, « In Your Arms » est un fil qui tisse l'intimité de l'expérience personnelle avec l'universalité de la musique et de l'art. Elle invite à l'introspection et suscite un sentiment d'humanité partagée, créant un lien entre l'artiste et le public. L'œuvre de ThankYouX nous rappelle la capacité intemporelle de l'art à saisir et à communiquer les moments les plus profonds de notre existence. Les collectionneurs d'estampes de ThankYouX sont invités à participer à cette symphonie d'art et de musique et à posséder un fragment d'un récit qui transcende les frontières des formes artistiques traditionnelles. « In Your Arms » n'est pas seulement un régal pour les yeux ; c'est un voyage sensoriel qui incarne la vision de l'artiste : un monde où l'art et la musique dansent à l'unisson, s'enrichissant mutuellement et créant un héritage qui résonnera pendant des années.

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Interprétation en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives rehaussés à la main, peinture en aérosol sur papier beaux-arts 310 g/m² par Wane One Cod, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été créée exclusivement pour mon tirage unique. Elle fait partie d'une série en cours intitulée Rasta (en hommage à tous les artistes du métro). Toutes les œuvres sont peintes sur des plans du métro new-yorkais. J'ai choisi un plan de 1972 car, à mon avis, c'était le mieux conçu. De plus, le graffiti a envahi la ville au début des années 70, passant des murs au métro. J'ai réalisé une œuvre signée « Wane », car elle repose sur une base de lettres fortes, élément essentiel de l'art du métro. » – Wane One Cod

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Kunta Kinte sur papier beaux-arts 310 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Après le succès de sa première édition l'an dernier, POW! WOW! Taiwan, le plus grand festival de fresques murales au monde, revient en Asie et s'étend désormais au Japon avec de nouvelles fresques sur l'île de Tennoz à Tokyo, suivies de 3 semaines d'événements distincts à travers Taïwan !

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Link's Journey, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Jordan Mendenhall, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'ai toujours adoré les jeux Zelda et autres classiques du jeu vidéo. Même regarder les autres jouer était magique pour moi quand j'étais enfant. Mes grands frères jouaient surtout parce que j'étais nulle, mais ces jeux étaient magiques. On pouvait vivre, partir à l'aventure, faire la course, se battre et se faire des amis dans ces mondes parallèles. Je suppose que c'est pour ça que j'aime autant les jeux vidéo et l'art encore aujourd'hui. On peut créer des mondes, y vivre et s'évader de la réalité. La vie réelle est stressante et parfois même insupportable. J'aime m'évader grâce à mon art et aux jeux vidéo. » - Jordan Mendenhall

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée LivEvil sur papier beaux-arts 310 g/m² par Van Saro & John Park, artistes de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre était notre quatrième ou cinquième collaboration. Les thèmes variaient, mais la composition restait assez constante : les magnifiques figures peintes par Van servaient de point d’ancrage à mes couleurs de fond et à mes personnages secondaires. La citation de Van est tirée du Bouddha. Nous avions conservé une certaine constance dans la composition de nos collaborations : généralement, une des figures à l’huile de Van, légèrement décentrée, servait de point d’ancrage, tandis que je m’occupais de la composition des couleurs de fond et ajoutais les personnages secondaires. Je ne crois pas que nous ayons discuté de quoi que ce soit avant de commencer. » – John Park

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Lono sur papier beaux-arts 310 g/m² par un artiste de rue graffiti de premier plan, art pop moderne. John est un enfant des cités HLM, ancien graffeur et membre de gangs notoire, qui a sombré dans la violence et la drogue. Depuis la fin des années 1980, Prime est devenu un travailleur social accompli, un entrepreneur et un père de famille. En se réinventant, John a trouvé un moyen très efficace de détourner les jeunes des dangers inhérents à la vie dans les quartiers défavorisés et de les transformer en artistes et acteurs culturels engagés dans leur communauté. Sa méthode unique de développement de la jeunesse s'inspire de l'art mural du graffiti, un langage visuel urbain qu'il a su exploiter comme outil culturel de changement social positif. Ces huit dernières années, John a créé plus de 50 fresques murales et organisé de nombreux événements artistiques publics à O'ahu. Ces efforts ont mené à la création de 808 Urban.

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Loud Mouth Soup 1 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Nekoes, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre est inspirée par mon impatience et mon incompréhension face à la maladie mentale de mon frère, qui associe schizophrénie et trouble bipolaire. Pour la créer, je l'ai observée fumer énormément de cigarettes et je lui ai posé une multitude de questions sur les voix qu'elle entend et sur ses hallucinations. Puis, j'ai simplement commencé à peindre sur la toile. Cette œuvre (ainsi que quatre autres) a été créée en janvier 2014, juste après mon déménagement en Floride. De la première à la dernière, je dirais qu'il m'a fallu environ deux semaines. J'ai tendance à travailler sur une peinture jusqu'à ce qu'elle soit terminée. Je déteste commencer quelque chose, l'interrompre, puis y revenir. » – Nekoes

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Magic Mountain > Série New World Disorder, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Anthony Hurd, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ces œuvres font partie d'un processus qui a débuté comme des exercices d'exploration. Je prenais les restes de peinture d'autres toiles et je les appliquais librement, par larges coups de pinceau, sur un petit support, pour voir ce qui en ressortait. Les premières que j'ai réalisées de cette manière remontent à quelques années et étaient bien moins abouties : de simples coups de pinceau, avec juste quelques détails graphiques. L'année dernière, j'ai vraiment commencé à les développer et à les transformer en de tout nouveaux univers. C'est une véritable phase d'exploration pour moi. Entre les œuvres que j'avais déjà en cours, c'était un moyen de m'exprimer totalement librement. À ma grande surprise, ce fut une exploration très fructueuse à bien des égards.

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Morsel, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage, rehaussés à la main sur papier 330 g/m², par Laura Bifano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ce tableau a été initialement conçu pour une exposition à la galerie Thinkspace intitulée « Les récoltes de la saison ». J’avais d’abord exploré quelques idées, mais rien ne semblait se concrétiser jusqu’à ce que je fasse un voyage en voiture sur l’île de Vancouver pour rendre visite à ma famille. Le paysage était d’une beauté époustouflante : des terres agricoles d’un vert émeraude parsemées de moutons en pâture. Je m’en suis inspirée pour créer cette toile. J’ai toujours adoré les peintures pastorales anglaises et j’ai su immédiatement que je voulais créer quelque chose dans le même esprit. J’ai décidé d’introduire un élément prédateur dans cette scène par ailleurs idyllique, et une famille de loups m’a semblé tout à fait appropriée. À cette époque, je regardais aussi en boucle des documentaires animaliers de la BBC, ce qui m’a plongée dans une profonde réflexion sur les cycles de la vie, de la mort et de la renaissance. Je pense que l’ajout de ces moutons artificiels en pixels apporte une touche de fantaisie et de légèreté à une image qui serait autrement morbide. » – Laura Bifano

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Muso Inko, tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Helio Bray, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'ai commencé cette œuvre début mai 2012 pour une exposition à Lisbonne, intitulée « Formes pour tous ». La Stroke Art Fair a été une expérience formidable. J'ai réalisé d'autres œuvres pour cette même exposition, toutes légèrement différentes mais très similaires. Les matériaux sont mes matériaux habituels : acrylique et bombes aérosol. J'aimais particulièrement mélanger certaines couleurs avec des formes spécifiques, et c'est ce que j'ai fait ici. J'ai créé un univers pour Mickey Mouse, où l'on retrouve des strates abstraites. Dans cette œuvre, on apprécie tout particulièrement la pureté du trait. La peinture grise que j'ai utilisée est l'une des plus spectaculaires que j'aie jamais travaillées. » – Helio Bray

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Mystic> New World Disorder Series Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Anthony Hurd, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ces œuvres font partie d'un processus qui a débuté comme des exercices d'exploration. Je prenais les restes de peinture d'autres toiles et je les appliquais librement, par larges coups de pinceau, sur un petit support, pour voir ce qui en ressortait. Les premières que j'ai réalisées de cette manière remontent à quelques années et étaient bien moins abouties : de simples coups de pinceau, avec juste quelques détails graphiques. L'année dernière, j'ai vraiment commencé à les développer et à les transformer en de tout nouveaux univers. C'est une véritable phase d'exploration pour moi. Entre les œuvres que j'avais déjà en cours, c'était un moyen de m'exprimer totalement librement. À ma grande surprise, ce fut une exploration très fructueuse à bien des égards.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « New Horizons » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Dabs Myla, artiste de rue spécialisée en graffiti et pop art moderne. Cadre blanc. « Ce tableau provient de notre exposition de 2012, « Expéditions Merveilleuses », à la galerie Thinkspace. L’exposition était divisée en deux parties : l’une présentait nos œuvres, l’autre, que nous avions organisée, mettait en lumière le travail d’amis du monde entier. Le thème de l’exposition était le voyage. L’œuvre « Nouveaux Horizons » évoque un voyage que nous avons effectué l’année précédente à La Nouvelle-Orléans avec de chers amis. Les trois avions dans le ciel représentent les trois amis qui nous accompagnaient lors de ce voyage. » – Dabs Myla

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Carte du métro de New York, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Cope2, artiste de rue, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 17 x 24 pouces. « L’idée de faire imprimer une carte originale du métro new-yorkais que j’ai créée en collaboration avec 1xRun est géniale. De nombreux collectionneurs d’art pourront ainsi posséder un morceau de mon histoire new-yorkaise. Le concept même de cette carte s’accorde parfaitement avec mon parcours de légende du graffiti à New York, car c’est dans le métro que j’ai fait mes armes et que je me suis fait un nom, en taguant et en laissant mon nom sur chaque ligne et chaque réseau de la ville. » – Cope2 Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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« No Lifeguard On Duty », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Depuis des années, des amis me disent que je dois explorer Detroit. J’en ai enfin eu l’occasion l’été dernier (2014). C’était un véritable paradis pour l’exploration urbaine ! Je n’avais que deux jours pour rassembler des photos de la ville pour mes peintures et j’étais submergée par la quantité de matière. Mes peintures cherchent à capturer l’émerveillement et l’excitation ressentis en explorant ce qui était autrefois familier, devenu désormais irréel, la beauté dans la décrépitude. Ma peinture « Pas de maître-nageur en service » représente le centre de loisirs Brewster Wheeler. On m’a dit qu’il était désormais prévu de le réaménager. J’imagine que la fête du graffiti est terminée. Malheureusement, la plupart de mes sujets disparaissent peu après que je les aie peints. Cela me donne l’impression d’être une sorte de faucheuse de l’architecture. Mais depuis des années, j’ai une chance incroyable de les immortaliser avant qu’ils ne disparaissent. » – Jessica Hess

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Offre – Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée standard sur papier beaux-arts 310 g/m² par Taylor White, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre est l'un des tremplins de mon exploration visuelle des corps en mouvement. Elle est née de l'idée de l'impact phénoménal du corps humain dans l'espace, de la danse de l'âme et du flux des formes qui s'entrechoquent. Utiliser le corps comme outil d'expression explosive, c'est oser s'aventurer en territoire inconnu, un voyage qui exige une confiance immense, un sacrifice de soi sur l'autel de la vulnérabilité. La danse, lorsqu'elle est vécue pleinement et authentiquement, met l'âme à nu. J'ai commencé à étudier une forme de danse moderne appelée improvisation contact, et cette étude a éveillé en moi une nouvelle curiosité que j'ai pu explorer à la fois physiquement dans l'espace et visuellement sur le papier. Il s'agissait du point de non-retour, du sacrifice de l'ego et de tous ses artifices. « Danser » sur papier a été une véritable révélation et je l'ai abordée avec un esprit renouvelé. » – Taylor White

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Il était une fois, plus rien 2. Œuvre d'art lenticulaire giclée en édition limitée sur papier d'art lenticulaire de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Mimi Yoon. Œuvre lenticulaire signée et numérotée (2021), format 21 x 27 cm. L'image change selon l'angle de vue. Chicago Dior, Nike Shoes. La culture pop, le graffiti et le street art jouent un rôle essentiel dans la scène artistique contemporaine, proposant des interprétations originales de motifs traditionnels et embrassant la fusion de différentes formes artistiques. Mimi Yoon, artiste reconnue dans ce domaine, a rencontré un succès remarquable avec son œuvre intitulée « Once Upon A Time No More 2 ». Cette création témoigne de son ingéniosité, fusionnant harmonieusement l'imagerie des contes de fées classiques et les symboles culturels modernes. Réalisée en impression giclée, une méthode réputée pour sa capacité à reproduire les couleurs avec précision et une grande netteté, l'œuvre est présentée sur un papier d'art lenticulaire. Ce choix particulier de support est ce qui distingue « Once Upon A Time No More 2 ». L'impression lenticulaire est une technologie qui utilise des lentilles lenticulaires pour produire des images avec une illusion de profondeur ou la capacité de changer selon l'angle de vue. Cet effet visuel dynamique signifie que l'image se métamorphose en fonction de la perspective du spectateur, offrant une expérience interactive et riche. Le choix de cette technique par Mimi Yoon insuffle dynamisme et modernité à son œuvre, permettant au récit d'évoluer au gré des mouvements du spectateur. Le sujet, à la fois captivant et stimulant, met en scène une Cendrillon réinventée, juxtaposée aux iconiques chaussures Nike de Chicago Dior, remettant en question le récit traditionnel où les pantoufles de verre jouent un rôle central. Ce mélange délibéré de princesse de conte de fées et de streetwear contemporain reflète une mutation culturelle, suggérant un conte modernisé où logos de marques et style urbain occupent une place prépondérante. La présence de l'oiseau et de la souris, figures familières de l'histoire de Cendrillon, entremêle davantage l'ancien et le nouveau, ancrant le récit de Yoon comme un conte de fées des temps modernes. L'année 2021 a marqué une étape importante pour « Once Upon A Time No More 2 », avec sa sortie en édition limitée. Chaque exemplaire est signé par Mimi Yoon, garantissant son authenticité et une touche personnelle de l'artiste. Renforçant encore son caractère exclusif, l'œuvre est accompagnée d'un certificat d'authenticité signé et numéroté. Mesurant 53 x 69 cm, elle s'impose comme une pièce maîtresse, captivant le regard et suscitant le débat. « Once Upon A Time No More 2 » de Mimi Yoon est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est une réflexion sur l'interaction entre la société contemporaine et les contes ancestraux. En chaussant Cendrillon de Nike, Yoon non seulement remet en question le récit, mais le renouvelle, le rendant pertinent pour le public d'aujourd'hui. S'inscrivant dans le contexte plus large du pop art, du graffiti et du street art, cette œuvre illustre comment des artistes comme Yoon réinventent les normes et repoussent les limites. Elle nous rappelle que l'art est en perpétuelle évolution, constamment influencé par les mutations sociétales, les avancées technologiques et la vision de l'artiste. À travers « Once Upon A Time No More 2 », Mimi Yoon invite les spectateurs à contempler et à s'approprier un conte de fées résolument ancré dans l'air du temps.

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One Love, Many Hearts - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Made514, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été peinte sur une feuille d'ardoise provenant d'Inde. Peindre sur ce type de support a été une expérience incroyable, car j'aime peindre sur des matières vivantes. D'habitude, je peins la forme de mes lettres en m'inspirant des courbes présentes dans la nature, et cette fois-ci, je me suis retrouvé face à une surface aux motifs naturels différents. Les lettres sont inspirées de la forme d'un cœur et, ensemble, elles forment un style unique, une sorte de métaphore qui symbolise notre appartenance à un seul et même Tout. » - Made514

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Organica Utopia, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Melody Avis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Melody Avis est une artiste qui vit et travaille avec 808 Urban, une association à but non lucratif basée à Honolulu, Hawaï. 808 Urban est un collectif d'acteurs culturels communautaires : artistes, organisateurs et bénévoles engagés à améliorer la qualité de vie de leurs communautés grâce à des programmes artistiques. Dans toutes nos actions, nous nous efforçons d'allier l'innovation artistique la plus aboutie à l'organisation culturelle de terrain pour un changement social systémique et progressiste.

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Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée « Notre Père » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Sket One, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'avais 7 ans à la sortie de Star Wars et je pense que pour ma génération, Star Wars est un véritable phénomène de société, profondément ancré en nous. J'ai commencé à concevoir cette pièce il y a plus de trois ans, mais il me fallait le temps et les moyens de la réaliser. C'est le début d'une série plus importante, qui m'éloignera de mes créations habituelles de figurines personnalisées pour me concentrer sur une démarche artistique plus exigeante. Le commandement « Tu n'adoreras point les fausses idoles » devait être le titre d'une exposition, et il le sera peut-être encore, mais j'aurai une exposition entière consacrée à Star Wars et cette pièce en fera partie. » - Sket One

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« Power Of Movement », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Case Maclaim, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'un des aspects les plus marquants et communs à toutes les œuvres de Case réside dans la texture des supports qu'il utilise. Ses toiles sont peintes sur un fond composé de morceaux de carton de différentes tailles. La plupart de ces morceaux proviennent d'emballages de bombes de peinture et sont assemblés à l'aide de colle, d'agrafes et de ruban adhésif. Parfois, des fragments de bois sont également collés, créant ainsi une surface irrégulière et unique. Cette structure, à l'opposé des images généralement trop travaillées et perfectionnistes, confère aux œuvres de Case leur caractère singulier.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Prey » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Hueman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Hueman a grandi en Californie du Nord, où elle dessinait et peignait. Diplômée en design et arts médiatiques de l'UCLA en 2008, elle s'inspire souvent de la condition humaine pour créer des œuvres libres mêlant abstraction et figuration, beauté et grotesque. Elle cherche à insuffler un mouvement et une dimension éthérés à des surfaces planes et bidimensionnelles.

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Tirages d'art en édition limitée « Reclaimed Youth » sur papier beaux-arts 310 g/m² par Meggs, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Reclaimed Youth » était l'une des œuvres originales de mon exposition solo « Spoiled Rotten », présentée en septembre dernier à la Inner State Gallery. L'exposition explorait les thèmes de la perte, du consumérisme, du déclin et de la renaissance. Cette œuvre fait partie d'une série en cours qui explore la dualité à travers la représentation d'un visage ou d'un personnage divisé. Les images de cette série illustrent deux facettes, comme le bien et le mal, la richesse et la pauvreté, le héros et le méchant, etc. Cette œuvre en particulier représente l'idéalisme face à la réalité. » – Meggs

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Red GT sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Rosalina, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Kukula, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été créée en mai 2009 à l'huile sur MDF. Elle a été exposée à la galerie Dorothy Circus en Italie, la même année, dans le cadre de mon exposition personnelle « Sugar & Blood ». J'ai réalisé une série de tableaux où des fleurs, des petits arbres et des buissons poussent sur les corps de mes personnages féminins, symbolisant la création, la création artistique ou la création de la vie. Je trouve cette œuvre très féminine, mais je suppose que chacun crée quelque chose, donc chacun peut s'identifier à ce sentiment. » – Kukula

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Shelby Cobra sur papier beaux-arts 310 g/m² par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'œuvre de Camilo Pardo, créée au fil des ans, est omniprésente à Détroit. On en croise une quantité considérable sur nos autoroutes à toute heure du jour et de la nuit. Surtout connu pour son travail de conception sur la Ford GT, Camilo a insufflé une énergie nouvelle aux courbes de l'acier et nous a rappelé que la première combustion interne d'une voiture prend naissance dans l'esprit d'un artiste.

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Épreuves d'imprimerie Shell PP en édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Cey Adams, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x18 Impression d'archives Shell par Cey Adams « L’idée de ma série Trusted Brands était de revisiter les logos emblématiques de ma jeunesse pour renouer avec des repères familiers. Ces œuvres sont principalement réalisées à partir de papiers de fibres artisanaux d’Inde et du Népal. Je voulais rivaliser avec mes amis qui utilisaient la peinture en aérosol et renouer avec mes racines graffiti, mais sans pour autant suivre la tendance. J’ai pensé qu’il serait intéressant de me lancer le défi d’utiliser un médium inédit, et le collage m’a tout de suite séduit. » – Cey Adams. « Shell » de Cey Adams – Une convergence entre image de marque et art Cey Adams, figure emblématique du graffiti et du pop art urbain, présente une œuvre captivante : « Shell PP Printers Proof Limited Edition ». Cette œuvre fait partie de sa série « Trusted Brands », où il revisite les logos emblématiques qui ont marqué sa jeunesse. L'estampe, un tirage pigmentaire d'archives de 45,7 x 45,7 cm sur papier beaux-arts, témoigne de son exploration du collage, le distinguant de ses contemporains qui privilégiaient la peinture en aérosol. Cette épreuve d'artiste, signée et marquée par Adams, lui confère une valeur exclusive et de collection. Le choix d'Adams d'utiliser des papiers en fibres artisanales d'Inde et du Népal apporte une texture organique qui contraste avec la netteté commerciale du logo Shell. Son œuvre est un clin d'œil à la nostalgie et un dialogue entre passé et présent, consumérisme et artisanat. L'œuvre « Shell » illustre la capacité d'Adams à innover tout en puisant dans ses racines graffiti et en repoussant les limites de son expression artistique. Selon Adams lui-même, son parcours universitaire a été un véritable défi pour s'affranchir des normes du graffiti. Sa série « Trusted Brands », notamment l'estampe « Shell », reflète cette quête personnelle et artistique visant à établir un lien unique avec des symboles familiers, incarnant l'essence du pop art moderne dans le paysage urbain.

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Simeon Tradition, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Smithe, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Influencé par l'animé japonais, le style graphique des années 50 et les films de science-fiction, il commence à peindre des graffitis à l'âge de 13 ans, par simple plaisir et comme passe-temps. Autodidacte et en constante évolution, attiré par les beaux-arts, Smithe n'a cessé de réinventer son style et, au cours des dernières années, a exploré de nombreux thèmes dans son œuvre, tels que l'existentialisme, l'individualité et la machinerie intérieure. La défragmentation, symbole récurrent dans son travail, lui sert à exprimer les mécanismes internes qui animent ses personnages et se présente comme une machine surréaliste. Principalement connu pour ses graffitis, il s'adonne également à l'illustration, au design, à la sculpture et à la musique. Il a exposé en Allemagne, en France, en Belgique, au Royaume-Uni, en Espagne, aux États-Unis et au Mexique.

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Aaron Nagel, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre a été créée pour l'exposition « 20 Years Under the Influence of Juxtapoz », organisée par Thinkspace et Copro, qui a ouvert ses portes à Los Angeles le mois dernier. Elle est d'ailleurs toujours visible à la LA Municipal Art Gallery de Barnsdale Park. C'était ma première grande œuvre depuis un certain temps, et elle ne faisait pas partie d'un ensemble plus vaste. Je suis actuellement entre deux expositions, alors j'expérimente de nouvelles choses, je joue avec de nouvelles idées qui se retrouveront peut-être un jour dans un projet plus important. Cette œuvre m'a depuis entraîné dans des territoires beaucoup plus étranges – qui, je l'espère, verront le jour. » – Aaron Nagel

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Sirena Tiburon, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Tatiana Suarez, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Tatiana Suarez est une artiste installée à Miami, en Floride. Son style envoûtant est unique : son regard si particulier attire le regard du spectateur et le plonge dans un univers à la fois beau et surréaliste. Riche en symboles puisant dans ses origines brésiliennes et salvadoriennes, ses sujets semblent figés dans une immobilité sublime, comme sous l’eau. Leurs yeux de biche, d’apparence enfantine, dégagent pourtant une sensualité sous-jacente, ornés de plantes, d’insectes et d’autres éléments troublants. La beauté côtoie des créatures exotiques, voire inquiétantes, pour créer des récits enchanteurs.

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Solitary Child 1 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Hikari Shimoda, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format : 12x12 pouces. « Enfant solitaire » est une série d'œuvres centrée sur mon thème original de l'inévitabilité de l'Apocalypse. Dans cette série, je propose un nouveau sauveur pour l'humanité : une jeune fille aux pouvoirs magiques (Enfant solitaire n° 1) et un petit garçon héros (Enfant solitaire n° 3). Dans l'univers de mes peintures, l'humanité a péri, comme en témoigne le fond en collage où règne un chaos omniprésent. Dans ces images, mes sauveurs sont apparus devant une humanité agonisante. Après la mort de l'homme, le monde a trouvé un certain répit face au chaos qu'il a engendré. Pendant ce temps, l'humanité rêve égoïstement d'un bonheur nouveau dans l'au-delà. Dans la mythologie de mon œuvre, alors que l'humanité est anéantie, une seule figure subsiste : le Messie, représenté sous les traits d'un enfant. La jeune fille aux pouvoirs magiques fut la première à se retrouver seule après la destruction de l'humanité, confrontée au désespoir et aux dégâts qu'il a laissés derrière lui. Ses yeux brillent d'une lueur étincelante, mais son regard est vide. À l'inverse, les yeux de mon héros sont clos avec une infinie douceur. Pour lui, le monde est un chaos indescriptible, une épreuve accablante. Il ressent toute la joie, le désespoir, l'espoir, la tristesse, absolument tout… Dans un tel état, même le sauveur du monde doit fermer les yeux. – Hikari Shimoda Enfant solitaire 1, tirage pigmentaire d'archives par Hikari Shimoda « Solitary Child 1 » est une œuvre à la fois envoûtante et lumineuse de l'artiste japonaise Hikari Shimoda. Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² réalisé en 2016, ce tirage de 30,5 x 30,5 cm (12 x 12 pouces) fait partie d'une édition signée et numérotée de seulement 50 exemplaires. Il constitue un exemple remarquable d'art urbain, de pop art et de graffiti. Le langage visuel d'Hikari Shimoda est profondément influencé par l'anime, le manga et les traditions de la culture pop japonaise, mais elle transcende ces codes en y intégrant une réflexion complexe sur les tourments psychologiques, le désespoir existentiel et l'identité fragmentée d'une innocence post-apocalyptique. Un Messie enfantin dans un monde dystopique « Enfant solitaire 1 » met en scène un personnage central d'une intensité presque bouleversante : une jeune fille en costume de magical girl orné de cœurs et vêtue d'une tenue de marin. Ses cheveux roses et rouges, saturés d'énergie visuelle, sont constellés d'étoiles et de motifs cosmiques. La composition ronde suggère une fenêtre ouverte sur une autre dimension, un monde qui a déjà subi l'effondrement de l'humanité. Ses grands yeux brillants, rendus avec des effets chromatiques en 3D, fixent le vide, sans jugement ni tristesse. Ce vide est intentionnel, un fil conducteur dans l'œuvre de Shimoda, destiné à évoquer à la fois le détachement et une résilience forcée. En arrière-plan – un collage tourbillonnant de débris, de symboles et de fragments abstraits – transparaît le chaos d'une civilisation oubliée. Shimoda situe son personnage à la fois comme témoin et survivante. L'enfant ne pleure pas le monde, mais existe au-delà, comme son dernier vestige ou peut-être comme sa rédemptrice malgré elle. Ses yeux, scintillants de galaxies et d'étoiles, sont emplis d'émerveillement et de terreur. Sa silhouette menue contraste avec la densité des informations visuelles qui l'entourent, rappelant au spectateur qu'elle n'est plus une enfant au sens traditionnel du terme, mais un symbole d'espoir, de destruction, de mémoire et de transcendance. Le récit de l'apocalypse et le réalisme magique Cette estampe fait partie de la série Solitary Child de Shimoda, qui explore la chute inéluctable de l'humanité et l'émergence d'enfants symboliques comme figures messianiques. Son utilisation d'archétypes de magical girls et d'enfants héros mêle une esthétique kawaii contemporaine à des thèmes existentiels poignants. Il en résulte un paradoxe visuel : séduisant et innocent en apparence, il reflète pourtant profondément l'échec de la société, le vide affectif et la quête de sens après l'effondrement culturel. Solitary Child 1 est bien plus qu'une œuvre de pop art ; c'est une réflexion philosophique enveloppée de textures vibrantes et hallucinogènes. Une voix singulière dans le langage visuel apocalyptique pop L'œuvre « Solitary Child 1 » d'Hikari Shimoda se situe au carrefour de l'univers fantastique de l'anime, de l'esthétique pop et du réalisme émotionnel postmoderne. Imprimée avec une précision extraordinaire sur papier d'archivage, elle allie la délicatesse des textures au pinceau à la précision des couleurs numériques. Chaque exemplaire de cette édition est signé à la main et numéroté individuellement, ce qui lui assure une place de choix dans le panthéon restreint des œuvres de street art et de graffiti de collection. Alors que Shimoda acquiert une renommée internationale croissante, des œuvres comme « Solitary Child 1 » ouvrent les portes de son univers riche et foisonnant, où désolation apocalyptique et innocence magique s'entrechoquent pour interroger le sens de sauver un monde incapable de se sauver lui-même.

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Solitary Child 3 Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Hikari Shimoda, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Format : 12x12 pouces. « Enfant solitaire » est une série d'œuvres centrée sur mon thème original de l'inévitabilité de l'Apocalypse. Dans cette série, je propose un nouveau sauveur pour l'humanité : une jeune fille aux pouvoirs magiques (Enfant solitaire n° 1) et un petit garçon héros (Enfant solitaire n° 3). Dans l'univers de mes peintures, l'humanité a péri, comme en témoigne le fond en collage où règne un chaos omniprésent. Dans ces images, mes sauveurs sont apparus devant une humanité agonisante. Après la mort de l'homme, le monde a trouvé un certain répit face au chaos qu'il a engendré. Pendant ce temps, l'humanité rêve égoïstement d'un bonheur nouveau dans l'au-delà. Dans la mythologie de mon œuvre, alors que l'humanité est anéantie, une seule figure subsiste : le Messie, représenté sous les traits d'un enfant. La jeune fille aux pouvoirs magiques fut la première à se retrouver seule après la destruction de l'humanité, confrontée au désespoir et aux dégâts qu'il a laissés derrière lui. Ses yeux brillent d'une lueur étincelante, mais son regard est vide. À l'inverse, les yeux de mon héros sont clos avec une infinie douceur. Pour lui, le monde est un chaos indescriptible, une épreuve accablante. Il ressent toute la joie, le désespoir, l'espoir, la tristesse, absolument tout… Dans un tel état, même le sauveur du monde doit fermer les yeux. – Hikari Shimoda Enfant solitaire 3, estampe pigmentaire d'archives par Hikari Shimoda « Solitary Child 3 » d'Hikari Shimoda est une œuvre saisissante, imprégnée de symbolisme émotionnel et de récit post-apocalyptique, puisant son inspiration dans le street art et le graffiti japonais. Publiée en 2016 sous forme d'une estampe pigmentaire d'archive signée et numérotée, limitée à 50 exemplaires, cette œuvre circulaire de 30,5 x 30,5 cm est imprimée sur papier d'art 310 g/m². À l'instar de « Solitary Child 1 », elle met en scène un enfant comme sauveur spirituel après l'effondrement de l'humanité. Cependant, là où la jeune fille magique du premier volet contemple le monde avec des yeux brillants, « Solitary Child 3 » ferme les yeux, accablé par le chaos et la tristesse. L'enfant héros comme symbole de surcharge émotionnelle La figure centrale est un jeune garçon aux yeux mi-clos, au regard absent et aux joues roses. Son teint pâle, presque fantomatique, contraste avec l'éclat électrique du collage chaotique qui se trouve derrière lui. Il porte un t-shirt constellé d'étoiles où l'on peut lire « JE SUIS UN HÉROS ». Cette phrase n'est pas une déclaration d'ego, mais le poids des responsabilités dans un monde ravagé par l'erreur humaine. Avec de petites cornes noires sur la tête et une solennité implacable, le personnage oscille entre innocence et messager divin accablé. L'univers d'Hikari Shimoda se déroule dans un espace fantastique où des images enfantines se mêlent à de profonds thèmes existentiels. Dans Solitary Child 3, le décor est jonché d'étoiles néon, d'autocollants, de créatures inspirées des animés et de vestiges culturels. Ce chaos visuel symbolise la surstimulation de la société moderne et les débris laissés par son effondrement. L'enfant messianique se tient au milieu de ces décombres, les absorbant tous dans une contemplation silencieuse. Contrairement aux héros qui combattent avec des épées ou des pouvoirs, la résistance de ce sauveur réside dans son expérience émotionnelle intérieure. Tension esthétique entre kawaii et catastrophe Shimoda mêle l'imagerie traditionnelle de la culture pop japonaise à des angoisses profondément contemporaines. L'esthétique de son œuvre emprunte largement à la sensibilité kawaii – personnages mignons, motifs colorés, émerveillement enfantin – mais elle est filtrée par le prisme de l'apocalypse, du deuil et d'une ambiguïté spirituelle. Le personnage ne sourit pas. Ses yeux clos traduisent un besoin de se protéger de la souffrance du monde, alors même qu'il doit se dresser comme son rédempteur. L'artiste invite le spectateur à s'interroger sur le sens de l'innocence face à la destruction, et sur ce que requiert l'héroïsme lorsque le monde a déjà sombré dans le chaos. L'iconographie pop transformée par le récit spirituel « Enfant solitaire 3 » s’inscrit dans la nouvelle vague du street art et du graffiti en fusionnant techniques picturales, esthétique manga et symbolisme conceptuel. L’œuvre d’Hikari Shimoda remet en question les conceptions occidentales traditionnelles de la représentation de l’enfance dans la culture visuelle. Ici, l’enfant n’est ni naïf ni insouciant, mais au contraire profondément conscient, spirituellement complexe et bouleversé par ses émotions. L’utilisation d’une impression pigmentaire d’archives sur un papier d’art épais de qualité supérieure préserve la vivacité et la texture de l’original, permettant aux collectionneurs de ressentir l’intimité et la puissance de la vision de Shimoda. Cette estampe constitue une affirmation profonde au sein de la continuité mythologique de l’artiste. Elle rappelle au spectateur qu’au milieu des ruines, la dernière figure qui subsiste n’est ni un homme politique ni un guerrier, mais un enfant – silencieux, endurant et accablé par la douleur d’un monde déchu.

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L'Esprit du Renard, tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archivage, sur papier beaux-arts 310 g/m², par l'artiste de la culture pop Ana Bagayan. Tirage pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² Format : 43 x 61 cm (17 x 24 pouces) Sortie : 12 mars 2018 Tirage : 35 exemplaires

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Steel Passion, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Made514, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'aime beaucoup la forme des lettres dans cette œuvre. Elles me font penser à des formes bio-anatomiques. Cette pièce a été exposée pour la première fois à la galerie Artaq à Paris, puis vendue à l'espace Pierre Cardin, également à Paris, lors d'une exposition. Elle faisait partie d'une série en noir et blanc réalisée sur une plaque de métal, et c'est sans doute la plus réussie de la série. Je pense même que c'est l'une de mes œuvres préférées ; j'aime la fluidité et le mouvement qui s'en dégagent. J'ai utilisé de l'émail à l'eau pour le fond et de l'acrylique fine pour les styles. J'ai également brûlé le métal pour créer différents types d'ombres, ce qui donne plus de profondeur à l'œuvre. Le support est une plaque de métal recyclée d'une presse offset. » - Made514

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Stigma I Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Crajes.

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Stigma II, œuvre d'art en édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Crajes.

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Série Métro - 10 photos originales OTP, tirage pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Cope2, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Photo encadrée, signée et originale de 2010 (1/1), représentant un graffiti du métro. « J'ai toujours rêvé d'une exposition comme celle-ci. Ces derniers temps, je me suis surtout tourné vers la peinture en techniques mixtes, mais je pratique le graffiti pur et dur, si on peut dire, depuis plus de trente ans. C'est ce qui a fait de moi Cope2. J'aime varier les plaisirs et montrer mes différents styles. Avec cette exposition, je peux donc retracer l'évolution de mon style et mes progrès. « Versatile » illustre mes origines et ma démarche actuelle », a déclaré Cope2 depuis son atelier new-yorkais. Au milieu des années 1990, Cope2 a progressivement quitté la rue pour s'imposer dans le milieu artistique des galeries. À cette époque, le street art n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui et, pour le grand public, il restait inextricablement lié aux ghettos, au trafic de drogue, etc. L'artiste n'a jamais caché son passé difficile et se refuse à l'idéaliser pour valoriser sa carrière et son image artistique. Au contraire, il confie : « Franchement, il n'y a pas de quoi être fier de se débrouiller, mais j'ai eu mon premier enfant à 16 ans, mon fils. Alors, il fallait bien que je gagne ma vie pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. »

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