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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Styles AP Artist Proof Artwork Giclee Limited Edition Print on 290gsm Fine Art Paper by Pop Culture Graffiti Artist Low Bros. Épreuve d'artiste AP 2015 Signée et marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 6x20 Impression giclée par SerioPress. Épreuves d'artiste dans le domaine du street art pop et du graffiti Les épreuves d'artiste (EA) occupent une place de choix dans le monde de l'art, souvent considérées comme la référence absolue pour les collectionneurs et les connaisseurs d'estampes. L'épreuve giclée « Styles » des Low Bros témoigne de cette tradition, notamment au sein des univers dynamiques du street art, du pop art et du graffiti. En tant qu'EA, cette édition limitée bénéficie d'une aura d'exclusivité, faisant partie d'un groupe restreint d'estampes mises de côté par rapport à l'édition principale, souvent utilisées à des fins promotionnelles ou comme souvenirs personnels pour les artistes. La création des « Styles » par Low Bros « Styles » est né du milieu créatif de 2015, année où Low Bros a consolidé sa position de figures de proue du graffiti pop culture. L'œuvre, imprimée en giclée sur papier beaux-arts 290 g/m², reflète leur esthétique caractéristique, à la croisée de la spontanéité du street art et de la finesse des œuvres d'art. Le papier 290 g/m², support épais de qualité muséale, a été choisi pour sa surface lisse qui garantit l'éclat des impressions giclées. Cette technique d'impression à jet d'encre permet d'atteindre une précision des couleurs et des détails impossible à obtenir avec les méthodes giclées traditionnelles. L'exclusivité et la valeur de collection des tirages AP Cette épreuve d'artiste (EA) de « Styles » est signée par les Low Bros et clairement identifiée comme telle, ce qui souligne son importance et sa rareté. Les collectionneurs et amateurs de street art et de graffiti recherchent souvent les EA en raison de leur tirage limité et de leur lien direct avec la vision de l'artiste. De plus, ses dimensions généreuses (40,6 x 50,8 cm) permettent d'apprécier pleinement les détails complexes et les couleurs vives caractéristiques des créations des Low Bros. Le rôle de SerioPress dans l'impression des « styles » La réalisation de « Styles » a été confiée à SerioPress, une maison d'édition reconnue pour son excellence dans le domaine de l'estampe d'art. Réputée pour sa précision et son souci constant de préserver l'intégrité de l'œuvre originale, SerioPress a mis son expertise en impression giclée au service de la qualité exceptionnelle de cette édition limitée. Sa collaboration avec Low Bros pour la création de « Styles » a permis de garantir que chaque tirage réponde aux exigences rigoureuses des artistes et de leurs fans. L'impact artistique des "styles" de Low Bros L'œuvre « Styles » des Low Bros est bien plus qu'une simple estampe ; elle incarne l'esprit de son temps, capturant le dynamisme et l'innovation du street art et du graffiti. Les images, souvent composées de motifs animaliers stylisés et anguleux sur fond d'iconographie urbaine, interpellent le spectateur à plusieurs niveaux, questionnant ses perceptions et invitant au dialogue. Par la profondeur de son concept et de son exécution, cette œuvre illustre la contribution des Low Bros à l'art contemporain. L'épreuve d'artiste « Styles » des Low Bros occupe une place de choix dans le street art et le graffiti, alliant maîtrise technique et analyse culturelle pertinente. En tant qu'épreuve d'artiste, c'est une pièce précieuse qui symbolise la rencontre entre l'esprit urbain et la sophistication de l'estampe d'art. Pour les collectionneurs, posséder une telle estampe représente bien plus qu'une simple acquisition : c'est un investissement dans la riche histoire de l'évolution du street art et son dialogue permanent avec le monde de l'art contemporain.

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Œuvre d'art Styles, impression giclée en édition limitée sur papier beaux-arts 290 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Low Bros. Édition limitée signée et numérotée de 75 exemplaires, 2015. Œuvre d'art de 16 x 20 pouces, imprimée en sérigraphie par SerioPress. Fusion d'art urbain pop et de graffiti dans des tirages en édition limitée Les estampes en édition limitée occupent une place de choix dans le monde de l'art, offrant souvent aux amateurs un accès plus facile à une œuvre d'art majeure. L'œuvre « Styles » de Low Bros illustre parfaitement cette convergence entre collection et accessibilité au sein du Street Pop Art et du graffiti. Il s'agit d'une impression giclée sur papier beaux-arts 290 g/m², un support reconnu pour sa reproduction d'une grande fidélité. La technique et le support Le procédé d'impression giclée utilisé pour « Styles » permet de restituer les subtiles nuances de couleurs et la précision des détails indispensables à cette œuvre. Le papier beaux-arts de 290 g/m² offre une surface lisse et épaisse qui restitue la profondeur et l'éclat de l'œuvre originale. Il en résulte une reproduction qui non seulement reproduit fidèlement l'œuvre, mais qui, grâce à la qualité des matériaux, résiste également à l'épreuve du temps. Composition visuelle et édition « Styles » est une estampe de 40 x 50 cm, un format idéal pour une contemplation intime tout en étant suffisamment grand pour mettre en valeur la composition complexe et dynamique caractéristique du travail de Low Bros. Tirée à seulement 75 exemplaires, cette édition limitée fait partie d'une série exclusive. Chaque pièce est signée et numérotée par les artistes, ajoutant une touche personnelle qui relie directement le collectionneur à la vision des créateurs. Signature artistique et processus Le collectif Low Bros est reconnu pour son esthétique singulière, caractérisée par des couleurs vives, des motifs géométriques et des références à la culture pop et au street art. Leur travail sur « Styles » s'inscrit dans cette lignée, offrant un récit visuel à la fois saisissant et stimulant. SerioPress, réputée pour son expertise en sérigraphie, a garanti une reproduction fidèle de chaque tirage, à l'image du souci du détail des artistes. Pertinence culturelle « Styles » est bien plus qu'une simple estampe ; c'est un artefact culturel qui capture l'essence même de l'influence du street art sur la culture visuelle contemporaine. Sous l'égide de Low Bros, l'estampe devient un support d'exploration de thèmes propres au pop art et au graffiti, tels que la vie urbaine, l'identité et l'expression subculturelle. L'œuvre interpelle son public en faisant le lien entre l'underground et le mainstream, et en illustrant le pouvoir transformateur du street art. L'impact de la collecte Les collectionneurs d'art urbain et de graffiti cherchent souvent à acquérir des œuvres et à soutenir les artistes et le mouvement qu'ils représentent. Posséder une pièce comme « Styles » leur permet de participer au dialogue permanent entre l'art urbain et le monde de l'art contemporain. À mesure que l'art urbain gagne en reconnaissance, ces tirages en édition limitée acquièrent une importance historique et un potentiel d'appréciation. Le tirage giclée en édition limitée « Styles » de Low Bros est une pièce remarquable au sein des genres de l'art urbain et du graffiti, reflétant l'interaction complexe entre forme, contenu et culture. Cette œuvre incarne l'évolution de la place de l'art urbain dans le monde de l'art grâce à des techniques d'impression de pointe et des matériaux nobles. Le dévouement des Low Bros à leur art et leur engagement envers les thèmes contemporains font de « Styles » une pièce convoitée par les collectionneurs et témoignent de l'impact durable du genre.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Estampe typographique « The Swan Nurse » de Camille Rose Garcia, édition limitée 1 couleur sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, style graffiti, street art et pop. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires (2020). Œuvre d'art de format 8x10, impression typographique, Art Printmas 2020 représentant un cygne-oiseau monstrueux stylisé et effrayant déguisé en infirmière. Estampe typographique « L'infirmière cygne » de Camille Rose Garcia L'estampe typographique « L'Infirmière Cygne » de Camille Rose Garcia est une œuvre à la fois envoûtante et fantaisiste, mêlant surréalisme et esthétique audacieuse et provocatrice du Street Pop Art. Lancée en 2020 dans le cadre de la série Art Printmas, cette œuvre d'art de 20 x 25 cm est imprimée sur du papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, soulignant ainsi sa qualité artisanale. L'image représente un cygne stylisé, réinventé de façon grotesque en une infirmière sinistre, avec des traits exagérés, des accents gothiques et un costume orné d'un nœud papillon. Signée et numérotée dans une édition limitée à 100 exemplaires, cette estampe illustre la capacité de Garcia à créer des récits profondément captivants grâce à sa vision artistique unique. Camille Rose Garcia : Une visionnaire du surréalisme pop Camille Rose Garcia est reconnue pour son talent à mêler thèmes sombres et imagerie ludique, créant des œuvres qui suscitent à la fois curiosité et introspection. Née en 1970 à Los Angeles, son travail puise son inspiration dans les dessins animés anciens, la littérature dystopique et les mouvements artistiques surréalistes. À travers son style singulier, Garcia critique souvent le consumérisme, la dégradation de l'environnement et les constructions sociales, utilisant des personnages fantastiques et des décors oniriques pour exprimer son propos. « L'Infirmière Cygne » est un exemple frappant de son art de la narration. Le cygne, souvent associé à l'élégance et à la beauté, se métamorphose ici en une figure macabre aux traits acérés, aux proportions exagérées et au regard menaçant. Le costume d'infirmière, coiffé d'une toque ornée d'une croix médicale, ajoute une dimension inquiétante et ambiguë à l'œuvre, incitant le spectateur à s'interroger sur son sens. Cette juxtaposition d'innocence et de menace est une marque de fabrique du travail de Garcia, soulignant sa capacité à remettre en question les interprétations traditionnelles de la beauté et de la moralité. Le savoir-faire de l'impression typographique La technique d'impression typographique employée pour « The Swan Nurse » confère à l'œuvre une richesse tactile et un charme vintage. En pressant l'encre sur les bords frangés du papier Coventry Rag Fine Art de 290 g/m², cette méthode traditionnelle crée un fini texturé et gaufré qui met en valeur les détails complexes de l'illustration. La palette monochrome, rendue à l'encre noire profonde, amplifie les contrastes saisissants et le trait dramatique, laissant l'expression troublante du cygne dominer la composition. Le choix du papier frangé ajoute une touche artisanale à l'estampe, la rattachant davantage aux traditions du Street Pop Art. Cette importance accordée au savoir-faire est en accord avec la philosophie de Garcia, qui consiste à élever ses créations fantastiques au rang d'œuvres d'art intemporelles, fusionnant techniques classiques et thèmes modernes. L'infirmière cygne comme symbole du pop art urbain « L’Infirmière Cygne » est une œuvre saisissante, véritable illustration du Street Pop Art. Elle utilise un personnage surréaliste et légèrement grotesque pour explorer les thèmes de la transformation, de l’autorité et de l’inquiétante étrangeté. En réinventant le cygne – symbole de grâce et de pureté – sous les traits d’une infirmière inquiétante, Garcia bouleverse les attentes et plonge le spectateur dans un univers où beauté et menace coexistent. L’esthétique à la fois ludique et troublante de l’œuvre est caractéristique du Street Pop Art et de sa capacité à interpeller et à susciter la réflexion. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est une création narrative riche qui invite le public à en explorer les multiples niveaux de signification. Son format 20 x 25 cm et son tirage exclusif de 100 exemplaires en font une pièce de collection idéale pour les amateurs de l’œuvre de Camille Rose Garcia et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre beaux-arts et commentaire urbain. « L’Infirmière Cygne » témoigne de la maîtrise de Garcia dans l’alliance du savoir-faire, de la narration et de l’impact visuel, confirmant ainsi son statut d’œuvre majeure du Street Pop Art contemporain.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art tactile, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Emily Burns. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 16 pouces.

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Takaashigani - Œuvre rose, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Peinture acrylique originale et unique de Tanuki Fighter sur papier d'art, réalisée par la célèbre artiste de graffiti de rue Nicole Gustafsson. Image originale signée, encadrée et sous passe-partout, 2014, cadre 3x3, 8,5x8,5 La vision artistique de Nicole Gustafsson L'œuvre de Gustafsson, dont « Tanuki Fighter », se caractérise souvent par une profusion de couleurs vibrantes et d'éléments imaginatifs qui évoquent l'innocence des rêves d'enfance et la complexité narrative du street art. Sa technique repose sur l'utilisation de l'acrylique – un médium reconnu pour ses couleurs vives et opaques et son séchage rapide – permettant ainsi de créer les compositions dynamiques et superposées qui sont devenues sa signature. « Tanuki Fighter » témoigne de sa maîtrise de ce médium, aboutissant à un spectacle visuel qui relève autant des beaux-arts que de la culture populaire. « Tanuki Fighter » est une peinture acrylique originale sur papier beaux-arts de Nicole Gustafsson, dont l'œuvre a profondément influencé le street art et le graffiti. Cette pièce, créée en 2014, est un exemple parfait de l'esthétique unique de Gustafsson, qui fusionne la fantaisie du pop art avec la force brute du street art, créant ainsi une œuvre distinctive et reconnaissable qui a conquis un public international. Représentation et symbolisme Le tableau représente un tanuki, créature mythique du folklore japonais, réputée pour son esprit espiègle et sa capacité à métamorphoser. Gustafsson revisite ce personnage en le dépeignant comme un combattant à l'expression déterminée et à la posture martiale. Le choix du tanuki comme sujet est un clin d'œil aux thèmes ludiques et souvent fantastiques du street art, tout en incarnant l'esprit transformateur et rebelle du graffiti. Le tanuki est représenté dans un style à la fois simple et expressif, avec une attention particulière portée aux détails de texture qui lui confèrent une présence saisissante. Sa pose et sa tenue rappellent celles d'un lutteur de sumo, ajoutant une dimension culturelle et humoristique à l'œuvre. Le contraste entre la palette monochrome du tanuki et le fond vert vif met en valeur la figure et attire immédiatement le regard du spectateur. Composition et cadrage « Tanuki Fighter » se distingue non seulement par son sujet et son style, mais aussi par sa présentation. L'image originale, mesurant 7,6 x 7,6 cm, est encadrée et sous passe-partout sur mesure, pour une dimension totale de 21,6 x 21,6 cm. Ce choix d'encadrement délibéré souligne l'intimité et la complexité de l'œuvre. L'échelle de la pièce, associée à l'audace de son contenu, joue avec la perception du spectateur, l'incitant à un examen plus attentif et à une interaction personnelle avec l'œuvre. Le choix de l'encadrement témoigne également de la compréhension qu'a Gustafsson du rôle de son œuvre, à la fois comme pièce autonome et comme élément d'un récit plus vaste au sein d'un espace de vie. Une œuvre encadrée possède un poids et une présence différents de ceux d'une œuvre de street art non encadrée, et « Tanuki Fighter » fait le lien entre ces deux univers, insufflant l'énergie brute du street art dans l'environnement soigné des galeries privées. Impact culturel et collectionnabilité Œuvre originale d'un célèbre graffeur de rue, « Tanuki Fighter » revêt une grande valeur pour les collectionneurs et les amateurs de pop art urbain. Les œuvres originales offrent un lien tangible avec la vision et le récit de l'artiste, constituant un témoignage authentique de la culture et de l'époque qui les ont vues naître. De plus, son statut d'œuvre unique renforce son attrait et en fait une pièce recherchée par ceux qui souhaitent posséder un fragment d'histoire de l'art contemporain. L'unicité de l'œuvre est encore renforcée par la signature de Gustafsson lui-même, gage de son authenticité et de son appartenance au parcours artistique de l'artiste. Les collectionneurs de telles pièces les considèrent souvent comme des investissements, non seulement financiers, mais aussi comme des artefacts culturels qui capturent l'essence d'un mouvement ou d'un style artistique particulier. En résumé, « Tanuki Fighter » de Nicole Gustafsson incarne l'esprit ludique et le métissage culturel qui caractérisent le street art et le graffiti. Son utilisation astucieuse du folklore, alliée à une esthétique et une présentation modernes, en fait une œuvre remarquable qui captive l'imagination et reflète l'évolution de l'art contemporain. Pièce originale, signée et encadrée sur mesure, elle occupe une place particulière dans l'œuvre de Gustafsson et dans le contexte plus large de l'art inspiré du street art.

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Figurine de collection en vinyle édition limitée Target Black & Gold Red Wall, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. Sculpture de 2013, signée sur la boîte, édition limitée à 500 exemplaires. Dimensions : 6,5 x 10,5 pouces. Neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir rouge avec une cible dorée et un pot de peinture. L'œuvre « Target Black & Gold with Red Wall » de Luke Chueh : une variation audacieuse dans la sculpture pop symbolique de rue Sortie en 2013 en édition limitée à 500 exemplaires, la figurine en vinyle « Target Black & Gold with Red Wall » de l'artiste street pop et graffiti Luke Chueh réinterprète de façon saisissante sa célèbre sculpture « Target ». Mesurant 16,5 x 26,7 cm et présentée dans un coffret collector signé par l'artiste, cette édition conserve le thème visuel central de l'ours chargé d'émotion de Chueh, tout en accentuant la tension par le contraste des couleurs et des matières. Ici, la figure blanche se métamorphose en une forme noire mate, marquée d'une cible dorée fraîchement peinte. L'ours se dresse devant un mur de briques rouge sang criblé de balles, renforçant ainsi le thème de l'exposition volontaire et de la vulnérabilité existentielle. Esthétique et symbolisme émotionnel redéfinis Cette version de Target amplifie les thèmes psychologiques récurrents dans l'œuvre de Luke Chueh : la douleur, l'isolement et une introspection sombre, présentés à travers le langage visuel désarmant de personnages aux allures de jouets. L'ours noir mat, dépourvu d'émotion faciale, applique une cible dorée sur sa poitrine à l'aide d'un pinceau amovible à manche rouge, tandis qu'un seau de peinture dorée repose à ses pieds. Le décor, un mur de briques rouges délabré et criblé de balles, contraste fortement entre l'élégance de l'or et la brutalité du fond. Plutôt que de suggérer un chaos provenant d'une force extérieure, la figure participe activement à sa propre mise en cible. Ce geste évoque les cycles de honte, l'autodestruction émotionnelle et l'absurdité d'accepter la souffrance comme une identité. Art urbain pop et graffiti en trois dimensions L'édition Target Black & Gold n'est pas seulement une figurine de collection en vinyle, mais aussi une œuvre d'art à part entière, profondément ancrée dans la culture urbaine. Son design épuré et minimaliste s'inspire de l'esthétique pop moderne, tandis que le mur rouge criblé de balles et les graffitis rendent hommage à la rudesse des environnements urbains. Chueh explore avec finesse la profondeur psychologique et la culture de consommation, en accordant une attention particulière au récit, au ton et au symbolisme. Chaque élément de cette composition sculpturale est intentionnel, du choix d'une riche teinte dorée au fond rouge sang, soulignant l'acte de défi silencieux de la figurine dans un espace de confrontation. Importance de l'édition et impact sur les collectionneurs La sculpture Target noire et or à mur rouge demeure l'une des variantes les plus recherchées du catalogue de Luke Chueh, attirant l'attention des collectionneurs d'art contemporain et des amateurs de street art. Sa rareté en édition limitée, sa richesse conceptuelle et sa présentation méticuleuse lui assurent une place de choix parmi les œuvres majeures du street art pop et du graffiti. En réduisant la figure de son ours à l'essence même de l'expression par la posture et le contexte, Chueh atteint une résonance émotionnelle qui transcende la sculpture traditionnelle. Cette œuvre non seulement complète l'arc narratif de la série Target originale, mais en réinvente le langage par la couleur, la forme et une poésie visuelle brute.

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Figurine de collection Target Black HPM Shoot To Kill en édition limitée, œuvre d'art en vinyle réalisée par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. 2012, signée, avec une image et un texte uniques dessinés à la main et rehaussés à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,5 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible noire et un pot de peinture. Cible noire HPM Shoot To Kill de Luke Chueh La sculpture en vinyle « Shoot To Kill » de Luke Chueh, intitulée « Target Black HPM », est une œuvre d'art saisissante et d'une grande précision, signée par l'une des voix les plus marquantes du street art et du graffiti. Sortie en 2012 en édition limitée à 250 exemplaires, cette figurine fait partie de la célèbre série Target. Certains exemplaires ont été rehaussés à la main, imprégnés de l'humour noir et de la force symbolique caractéristiques de l'artiste, avec des illustrations et des textes personnalisés dessinés à la main sur le socle représentant un mur de tir, derrière la figurine d'ours. Cette version particulière arbore la phrase « Shoot To Kill » inscrite sur le fond brisé, créant un contraste glaçant entre innocence et violence. Symbolisme visuel et éléments artistiques Cette sculpture de 16,5 x 26,5 cm capture l'essence du style narratif de Chueh. Un ours blanc, solennel et impassible, tient fermement un pinceau et un seau rouge, arborant fièrement une cible noire fraîchement peinte sur sa poitrine. Derrière lui, un mur de béton fragmenté est criblé d'impacts de balles et orné d'un dessin enfantin représentant l'ours lui-même, les yeux grands ouverts, au milieu des décombres. Les mots « Tirer pour tuer » amplifient la confrontation de l'œuvre avec les thèmes de la vulnérabilité, du ciblage et de l'exposition émotionnelle. Chaque élément de la sculpture, de l'expression inexpressive du personnage au socle granuleux et aux marques façon graffiti, pousse le spectateur à s'interroger sur la frontière entre compassion et complicité dans un monde désensibilisé à la violence. Rareté de collection et poids conceptuel Produite par Munky King, cette version Target Black HPM est non seulement en édition limitée, mais aussi personnalisée, ce qui en fait une pièce de collection précieuse pour les amateurs de vinyles contemporains et d'art urbain. L'ajout d'ornements dessinés à la main directement sur le fond transforme cette pièce de série en un hybride entre jouet et œuvre d'art originale. Elle se situe à la croisée du récit et de la critique conceptuelle. L'emballage lui-même renforce l'importance de la pièce : la peinture originale est reproduite sur la boîte et un insert moulé protège parfaitement la figurine, le pinceau et le pot de peinture. Influence sur l'art urbain contemporain, le pop art et le graffiti Luke Chueh, artiste américain reconnu pour son exploration des traumatismes personnels et de la satire grinçante à travers des personnages anthropomorphes minimalistes, mêle sans cesse iconographie pop et expériences humaines brutes. Dans cette sculpture, il manipule la mignonnerie d'un ours de dessin animé et l'insère dans un contexte de conflit et de forte instabilité émotionnelle. Il en résulte une métaphore visuelle poignante : une mise à nu auto-infligée, où l'artiste devient littéralement la cible. « Target Black HPM Shoot To Kill » n'est pas qu'un simple objet de collection. C'est une réflexion sur la projection de la douleur, la construction de l'identité et la manière dont l'art reflète le malaise profond de la vie moderne avec une simplicité saisissante et une honnêteté percutante.

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Tirage giclée en édition limitée d'une œuvre d'art cible sur papier Moab Entrada 290 g/m² par l'artiste moderne Luke Chueh. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 10 x 12,5 pouces. « Target », œuvre provocatrice de l'artiste contemporain Luke Chueh, incarne l'esprit du pop art par sa fusion d'images accessibles et d'humour noir. Créée en 2015, cette œuvre est une impression giclée en édition limitée sur papier Moab Entrada, un matériau haut de gamme garantissant sa durabilité et la fidélité de ses couleurs. Mesurant 25,4 x 31,8 cm, il s'agit d'une estampe de grande taille, faisant partie d'une édition limitée à 150 exemplaires, chacun signé et numéroté par Chueh lui-même, ce qui renforce son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs. Le travail de Luke Chueh est reconnu pour ses fonds épurés, souvent monochromes, qui mettent en valeur la figure centrale – généralement un personnage anthropomorphe. Cette œuvre représente une figure à l'allure d'ours, peinte avec simplicité mais une expressivité profonde, touchée par des fléchettes sur une cible peinte sur son torse. La juxtaposition visuelle de l'innocence et de la violence crée un récit saisissant, invitant à une introspection sur les thèmes de la vulnérabilité et de l'exploitation. Ce motif s'inscrit dans la tradition du street art, qui utilise l'espace public pour exprimer avec force la condition humaine. Le choix de l'ours, créature innocente et généralement attachante, face à l'imagerie violente des fléchettes, crée un contraste saisissant et percutant. Ce contraste est emblématique du style de Chueh, qui explore souvent les thèmes de la contradiction et du conflit intérieur. Le message de l'œuvre « Target » est à la fois accessible et complexe, permettant de multiples interprétations, une caractéristique essentielle du pop art et du street art. Dans le contexte plus large du pop art et du graffiti, « Target » de Chueh est un récit poignant, capturé par un design minimaliste. Il touche au cœur du pop art, utilisant des références à la culture populaire pour affirmer une position, tout en incarnant l'esprit du street art par son message direct et percutant. Cette œuvre interroge la marchandisation des émotions et les cibles souvent invisibles que nous portons. Sa présence sur la scène artistique témoigne du pouvoir durable du récit visuel à travers l'art.

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Target Red King #2 HPM SDCC 12 Figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Luke Chueh. 2012, signé avec HPM unique, exclusivité San Diego Comic Con 2012 (SDCC). Image et texte dessinés à la main, rehaussés et embellis à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,7 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible rouge et un pot de peinture. Target Red King #2 HPM SDCC 12 Figurine en vinyle par Luke Chueh La figurine en vinyle Target Red King #2 HPM SDCC 12 de Luke Chueh se distingue comme l'une des créations les plus marquantes et émouvantes de la catégorie Street Pop Art et Graffiti. Sortie en 2012 en exclusivité pour le Comic-Con de San Diego et produite par Munky King, cette figurine en édition limitée fait partie d'une série plus vaste inspirée de la peinture originale Target de Chueh. Cette version particulière, ornée à la main d'une illustration unique de l'artiste sur le mur de tir, incarne les thèmes profondément introspectifs de Chueh à travers un médium sculptural qui trouve un écho auprès des collectionneurs, des critiques et des amateurs de pop art sombre et conceptuel. Cette figurine s'inscrit dans la continuité de l'exploration par Chueh de la vulnérabilité, de la conscience de soi et de la relation entre le créateur et son sujet. Conception, détails et structure physique Cette figurine de collection mesure 16,5 x 26,7 cm et est réalisée en vinyle avec un socle sculptural en techniques mixtes. Elle représente l'emblématique ours de Chueh, dans une palette minimaliste, peignant une cible concentrique rouge sang sur sa poitrine, devant un mur fissuré criblé de balles. Le décor, orné d'une tête d'ours et d'une couronne dessinées à la main et signées par Luke Chueh, symbolise la vulnérabilité. Cette version, connue sous le nom de Red King n° 2, fait partie d'une sous-édition limitée à 250 exemplaires. Chaque exemplaire est unique, avec des personnalisations réalisées à la main dans un style graffiti sur le socle, faisant de chaque pièce une œuvre d'art peinte à la main. La présence du pinceau et du seau amovibles confère à la figurine une dimension tragique, voilant la frontière entre émancipation et autodestruction. Récit conceptuel et symbolisme « Cible » n'est pas qu'un simple titre ; c'est une affirmation sur l'identité et la visibilité. En peignant la cible sur son propre corps, le personnage devient à la fois artiste et objet, agresseur et victime. Le mur derrière lui, évoquant un décor d'exécution urbaine, intensifie la tension de l'œuvre. Dans cette édition « Roi Rouge », la couronne supplémentaire tracée au-dessus de l'ours ajoute une dimension de souveraineté ou de martyre, élevant le personnage au rang de symbole de sacrifice. Cette dualité est depuis longtemps une marque de fabrique du travail de Luke Chueh, qui mêle des éléments à la fois mignons et tragiques dans un récit pop art surréaliste, reflet de sa réflexion constante sur l'anxiété, la dépression, l'image de soi et les difficultés de l'expression personnelle. L'héritage de l'art urbain contemporain Né aux États-Unis en 1973, Luke Chueh est une figure emblématique du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Son utilisation de personnages simplifiés et iconiques, ainsi que d'une palette de couleurs discrètes, lui permet de transmettre des émotions brutes à travers des lignes épurées et une mise en scène percutante. La collaboration de Munky King avec Chueh sur la série Target représente l'une des transpositions les plus réussies de l'art de personnages, initialement destiné aux galeries d'art, en objets de collection tridimensionnels. Chaque édition, et notamment les variantes rares comme Red King #2, porte en elle la profondeur émotionnelle et la simplicité visuelle que Chueh a cultivées à travers différents médiums. L'exclusivité de cette édition pour le Comic-Con de San Diego (SDCC) ne fait qu'accroître sa rareté et son attrait, la consacrant comme une pièce majeure dans l'histoire de la sculpture de collection moderne.

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Target Red King HPM SDCC 12 Figurine de collection en vinyle édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Luke Chueh. 2012, signé avec HPM unique, exclusivité San Diego Comic Con 2012 (SDCC). Image et texte dessinés à la main, rehaussés et embellis à la main : « Tirez pour tuer ». Édition limitée à 250 exemplaires (un nombre limité d'exemplaires HPM avec des dessins uniques dessinés à la main sur le mur). Sculpture de 16,5 x 26,7 cm, neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un pot de peinture amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir dessiné à la main avec une cible rouge et un pot de peinture. Target Red HPM SDCC 2012 Édition Limitée par Luke Chueh La sculpture en vinyle Target Red HPM SDCC Limited Edition 2012 de Luke Chueh illustre parfaitement comment des thèmes chargés d'émotion peuvent être rendus à travers l'art de collection. Sortie en exclusivité pour le Comic-Con de San Diego en 2012, cette édition de la série Target, ornée à la main et produite par Munky King, demeure l'une des pièces les plus recherchées de la carrière de Chueh. L'œuvre s'inspire de sa peinture emblématique représentant un ours solitaire se marquant d'une cible, face à un mur d'exécution criblé de balles. Cette sculpture capture non seulement l'essence de la conscience de soi et de la vulnérabilité, mais y ajoute une dimension brute grâce à sa matérialité et aux éléments dessinés à la main, uniques à chaque pièce. Détails ornés à la main et thèmes emblématiques Cette figurine Target, mesurant 16,5 x 26,7 cm, est neuve et présentée dans sa boîte d'origine. Elle est fournie avec des accessoires amovibles : un pinceau et un pot de peinture. Son emballage moulé imite le mur de pierre en arrière-plan du tableau original. Ce qui distingue cette édition SDCC 2012 des autres figurines Target, c'est l'ornement dessiné à la main au dos. Dans cette version HPM, Luke Chueh a dessiné un ours couronné et sa signature sur le mur de tir, jouant sur l'emplacement des impacts de balles pour accentuer le sentiment de mortalité et la dimension critique. Certaines versions ajoutent des phrases comme « tirer pour tuer », renforçant ainsi le sentiment de danger et offrant un commentaire social percutant. La cible rouge sur la poitrine de l'ours, peinte à la main pour un effet de fraîcheur, contraste fortement avec la destruction environnante. L'héritage de l'art urbain pop et du graffiti de Luke Chueh Luke Chueh, artiste de rue et graffeur basé à Los Angeles, s'est forgé une réputation grâce à ses figures minimalistes et à ses ours iconiques, qu'il utilise pour explorer des thèmes profondément psychologiques. Son œuvre fusionne le surréalisme pop avec l'esthétique urbaine et puise largement dans son vécu. Souvent réalisées dans des tons sourds, les figures de Chueh servent de vecteur à l'exploration de l'aliénation, de la dépression et de l'autodestruction. Dans l'édition Target Red HPM SDCC, il concentre toute la puissance de ces émotions dans un instant de vulnérabilité performative : son ours choisit de se condamner à la destruction, adossé à un mur déjà marqué par l'histoire. L'humour, la noirceur et une iconographie enfantine invitent le public à une confrontation désarmante avec des vérités profondes. Collectionnabilité et commentaire culturel Limitée à seulement 250 exemplaires, dont une sélection exclusive arbore des détails originaux dessinés à la main, la figurine Target Red HPM SDCC demeure une pièce de collection incontournable pour les amateurs de street art et de graffiti. Chaque sculpture capture un instant figé mais chargé d'émotion, reflétant des critiques culturelles plus larges sur la violence, les pressions sociales et l'identité à l'ère de l'hyper-visibilité. Sa présentation au Comic-Con de San Diego témoigne des racines de Chueh dans la culture pop et de sa capacité à la subvertir de l'intérieur. Cette édition symbolise non seulement la convergence entre la culture des jouets d'art et les beaux-arts, mais elle confirme également la place de Luke Chueh parmi les artistes les plus conceptuels du design de jouets et de l'art narratif contemporain.

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Figurine de collection en vinyle en édition limitée Target, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti urbain Luke Chueh. Sculpture de 2014, signée sur la boîte, édition limitée à 1000 exemplaires. Dimensions : 6,5 x 10,5 pouces. Neuve dans sa boîte. Fournie avec un pinceau et un seau amovibles. Issue de la célèbre série Target de Luke Chueh, elle représente un ours peignant une cible sur sa poitrine, debout devant un mur de tir. « Target », une œuvre d'art en vinyle de Luke Chueh : une étude sur la vulnérabilité et la perception de soi Créée en 2014 par Luke Chueh, artiste de street art et de graffiti reconnu, la figurine en vinyle « Target » présente l'une de ses créations les plus chargées d'émotion et de symbolisme visuel. Tirée à seulement 1 000 exemplaires, cette sculpture capture la dimension profondément personnelle et psychologique qui caractérise l'œuvre de Chueh. Mesurant 16,5 x 26,5 cm, la figurine est accompagnée d'un mur criblé d'impacts de balles, d'un petit pot de peinture noire et d'un pinceau amovible tenu par l'ours lui-même. Sur le torse de la figurine figure une cible fraîchement peinte, image qui évoque les notions complexes d'auto-sabotage, de vulnérabilité et de conflit émotionnel. Signée sur la boîte et d'une simplicité saisissante, cette pièce transforme un ours stylisé en une puissante expression de la souffrance psychologique, enveloppée dans une esthétique innocente. Symbolisme et langage de la pression auto-infligée Dans « Target », Luke Chueh utilise son langage visuel caractéristique, mêlant minimalisme et narration, pour évoquer des sentiments d'isolement et de vulnérabilité. L'ours blanc, un motif récurrent dans son œuvre, symbolise les émotions intérieures : apparemment insensible, il se charge en réalité de sens grâce à sa posture et au contexte environnant. La cible sur sa poitrine n'est pas l'œuvre d'une force extérieure, mais peinte par l'ours lui-même, symbolisant l'exposition volontaire au jugement, à la douleur ou au blâme. Le pot de peinture à proximité renforce l'acte conscient de se soumettre à la critique, à l'agression émotionnelle ou à l'incompréhension. Cet acte d'auto-exposition fige la sculpture entre agression et acceptation, une dualité fréquemment explorée dans le pop art urbain de Chueh, influencé par le graffiti. Le minimalisme pop enraciné dans la culture urbaine Alors que de nombreuses œuvres de Street Pop Art et de graffiti célèbrent la rébellion et l'expression publique, Chueh adopte une approche plus introspective. « Target » reflète les conséquences intérieures d'une vie dans un monde qui extériorise souvent la souffrance. Son esthétique, proche du jouet – courbes douces, finition mate et expressions délicates – contraste fortement avec les impacts de balles sur le mur et la symbolique d'une cible. L'œuvre, à la fois objet d'art et sculpture, attire les collectionneurs sensibles à la fusion du récit et de la forme. La charge émotionnelle contenue dans la silhouette épurée et moderne s'inscrit pleinement dans les thèmes profonds de l'art urbain : l'identité, le traumatisme et la quête de sens. Héritage et valeur de collection de la série Target « Target » est devenue l'une des sculptures les plus reconnues et commentées de Luke Chueh, prolongeant l'héritage de sa série Target dans le domaine de l'art tangible. Chaque élément de la figurine – le pinceau à pointe rouge, la peinture noire dégoulinante, le décor détaillé imitant le béton – a été soigneusement conçu pour soutenir le récit d'une prise de conscience de soi et d'une lutte psychologique. Le choix de doter l'ours des instruments de sa propre souffrance fait de la figurine un objet de choix plutôt qu'une victime, un thème récurrent dans l'œuvre de Chueh. Tirée à seulement 1 000 exemplaires et présentée dans un emballage exclusif, la figurine « Target » a acquis une grande valeur pour les collectionneurs et s'impose comme une contribution majeure au street art et au graffiti contemporains.

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Impression d'archives TDouble HPM AP Spray Paint par Woes Martin, édition limitée, plusieurs peintures à la main sur papier d'art, œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée « AP » 1/1 HPM Impression embellie à la main Œuvre unique Format 12x16 Pigment d'archives Beaux-arts d'un ours et d'un crâne disséqués avec finition à la peinture en aérosol. Le pop art, mouvement ayant connu son apogée au milieu du XXe siècle, connaît un regain de popularité à l'époque contemporaine, notamment grâce à des artistes comme Woes Martin. Son estampe « TDouble HPM AP Spray Paint Archival Print » capture l'essence du pop art moderne, imprégnée d'éléments urbains et de graffiti, et fait le lien entre classicisme et avant-garde. Cette œuvre est un mélange unique d'énergie brute et de technique raffinée, un hommage au pouvoir transformateur de la culture urbaine. Le choix de Woes Martin d'un ours disséqué juxtaposé à un crâne crée un puissant récit visuel. Il interroge nos perceptions, incitant le spectateur à explorer les multiples strates de sens, et suscitant des réflexions sur la mortalité, la nature et la dégradation urbaine. L'ours, souvent symbole de force et de courage, dans sa forme disséquée, évoque la vulnérabilité inhérente à tout être vivant, tandis que le crâne symbolise l'universalité de la mortalité. Imprimée sur papier beaux-arts, l'œuvre bénéficie d'une pigmentation d'archivage garantissant sa longévité, préservant l'éclat des couleurs et la netteté des détails. La technique de peinture multiple à la main (HPM) employée par Martin garantit l'originalité de chaque estampe, rendant chaque pièce unique. La finition à la peinture aérosol ajoute profondeur et texture, conférant à l'œuvre une authentique ambiance street art. Datée de 2023 et marquée « AP » pour indiquer son statut d'épreuve d'artiste, cette estampe 12x16 rehaussée à la main témoigne du talent et de la vision inégalés de Woes Martin dans le domaine du pop art. Collectionneurs et amateurs d'art sauront admirer cette œuvre, y voyant une parfaite illustration du pop art contemporain influencé par la culture urbaine.

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Tempest - Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 22x30 sur papier beaux-arts 310 g/m² par NC Winters, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'ai réalisé plusieurs tableaux intégrant une série de récits qui gravitent autour de ma relation avec mon fils, et voici la pièce majeure suivante de cette série en cours. J'imagine que cette série pourrait s'étendre sur plusieurs décennies, le temps d'explorer ce que signifie être père et de voir mon fils grandir, évoluer et construire son propre univers. Fait intéressant, la pièce précédente, à l'origine de cette série, était associée à une précédente sortie de 1XRUN : « Overdrive ». « Tempête » possède plusieurs niveaux de signification qui correspondent à différents états d'esprit et à l'expérience de la paternité évoquée précédemment. Pour répondre à la question qui pourrait surgir : non, il ne s'agit pas d'un enfant turbulent et capricieux, mais plutôt de la complexité bouleversante qu'implique l'éducation d'un enfant et son impact sur sa propre existence, sans parler du tourbillon de vie que l'enfant doit vivre en même temps. Je laisse au spectateur le soin d'en extraire d'autres significations personnelles. » – NC Winters

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée « Terminal Velocity » sur papier d'art blanc brillant de qualité musée 300 g/m² par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Cette œuvre m'est venue à l'esprit un jour où j'ai vu l'image d'un homme en costume tombant du ciel – une image à la fois étrange et poignante, reflet de l'état actuel du monde. J'ai alors travaillé à concrétiser le récit et ce que je voyais. Créer, c'est un peu comme écrire un livre, et si un public apprécie mon travail, c'est une source d'inspiration. J'aimerais que les gens perçoivent mon message et laissent ces idées se construire en contemplant l'œuvre. Mais au final… »

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Tex Mex Calavera Édition Limitée Sérigraphie 3 Couleurs Tirée à la Main sur Papier Beaux-Arts par Ernesto Yerena Montejano Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Il a créé cette calavera en hommage à la richesse de l'histoire et de la culture des Mexicains-Américains, aussi appelés Chicanos au Texas, ou encore Tejanos ou Tejanas, comme la plupart d'entre eux aiment se nommer. Issu d'une famille norteño (originaire du nord du Mexique), Ernesto a grandi au son de la musique norteño, version mexicaine de la polka allemande. Grand amateur de polkas depuis son installation au Texas, il a commencé à collectionner des disques tejano et à s'intéresser à cette culture.

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Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Thalassa Braddock, Pennsylvanie, 2012. Impression giclée par Swoon. « Thalassa Braddock Pennsylvania 2012 » est une puissante estampe giclée de l'artiste américaine Caledonia Curry, alias Swoon, figure majeure du street art et du graffiti. Cette œuvre, photographiée à partir d'une fresque murale monumentale collée sur le mur d'un bâtiment en briques délabré à Braddock, en Pennsylvanie, a été publiée en 2016 en édition limitée, signée et numérotée, à 175 exemplaires. Imprimée au format 48 x 33 cm sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui archive des interventions in situ en format collector, tout en préservant la matérialité et l'esprit des installations de rue. Thalassa de Swoon comme présence mythique et politique La figure de Thalassa dans cette œuvre est emblématique de la pratique de Swoon, qui mêle souvent allégorie mythologique et commentaire sur le monde réel. Représentée par des lignes fluides, des textures complexes et un regard radieux tourné vers le ciel, elle émerge d'une surface fracturée, incarnant une forme divine de transformation et de force. Braddock, ville industrielle de Pennsylvanie marquée par une histoire de difficultés économiques, était un lieu en phase avec les projets à vocation sociale de Caledonia Curry. Dans ce contexte, Thalassa est devenue un symbole de renaissance et de conscience environnementale. Créée à l'origine comme une installation monumentale au Musée d'art de La Nouvelle-Orléans, la figure de Thalassa acquiert ici une nouvelle résonance en se fondant avec un mur portant les stigmates de l'abandon, du déclin et de la résilience. Braddock et le contexte social de l'œuvre d'art de Caledonia Curry Depuis longtemps, Caledonia Curry intègre l'art socialement engagé à sa pratique, et sa collaboration avec Braddock s'est étendue à des projets communautaires allant au-delà des fresques murales. Cette estampe immortalise l'un de ces moments visuels clés où l'art métamorphose l'espace et insuffle une nouvelle signification à des structures délaissées. La brique apparente et la peinture défraîchie du bâtiment contrastent avec l'énergie luxuriante de la figure, dont les vêtements aux allures de tentacules s'enroulent en spirale vers le bas, fusionnant le langage visuel classique et l'urgence de la culture urbaine. L'œuvre comprend également des motifs rouges sérigraphiés qui remplissent les espaces des fenêtres, renforçant l'esthétique artisanale et superposée qui caractérise les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon. Ces choix environnementaux et compositionnels offrent une vision globale de la manière dont Curry réinvente les environnements urbains en supports pour la narration visuelle. Collection d'estampes de la série Swoon Street et préservation des œuvres éphémères L'édition giclée 2016 de l'œuvre « Thalassa Braddock Pennsylvania » offre aux collectionneurs l'opportunité de préserver un fragment éphémère de l'histoire de l'art public. Faisant partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », cette estampe représente une période charnière où les collages de Curry, disséminés dans des villes comme New York, Philadelphie et Braddock, ont acquis une renommée internationale grâce à leur capacité à fusionner savoir-faire, compassion et conscience politique. Imprimée avec une fidélité des couleurs et une précision exceptionnelles, cette édition limitée rend hommage au site original tout en élargissant l'accès à son œuvre à un public plus large. Caledonia Curry continue d'influencer non seulement le langage visuel du street art et du graffiti, mais aussi le rôle des artistes dans la construction d'un discours social porteur de sens.

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Ce que vous avez tenu ne vous a jamais appartenu. Tirage giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Estampe d'art en édition limitée Thaw Archival Pigment sur papier photo chiffon ultra lisse par l'artiste Josh Keyes. 2017. Tirage signé, format 20 x 14 pouces, édition limitée à 175 exemplaires. Imprimé sur papier d'archivage pressé à chaud, signé et numéroté.

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L'inconscient de l'artiste (Autoportrait, impression numérique Ultrachrome Giclée par Turf One - Œuvre de Jean LaBourdette, tirage en édition limitée sur papier photo Hahnemühle Fine Art, artiste graffiti pop de rue). Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2010. Format de l'œuvre : 16 x 24 pouces. L'inconscient de l'artiste : un aperçu de la psyché de Turf One « L’Inconscient de l’artiste (Autoportrait) » est une estampe numérique giclée ultra-chrome de Jean LaBourdette, alias Turf One. Tirée en édition limitée à 50 exemplaires signés et numérotés, cette estampe, parue en 2010, illustre parfaitement son exploration du street art et du graffiti. Imprimée sur papier d’art Photo Rag Hahnemühle, au format 40,6 x 61 cm (16 x 24 pouces), elle témoigne de l’exigence de qualité de Turf One et de son respect pour l’art de l’impression d’art. Symbolisme et technique dans l'impression giclée de Turf One Cette œuvre se distingue par sa complexité symbolique et sa minutie, caractéristiques du travail de Turf One. Le choix d'un chimpanzé coiffé d'un fez et contemplant un crâne humain évoque le thème classique de la vanité, touchant à la nature éphémère de la vie et à la quête du savoir. Ce motif récurrent dans l'histoire de l'art, rendu célèbre par le tableau « Les Ambassadeurs » d'Holbein, trouve une nouvelle dimension dans l'interprétation contemporaine de Turf One. L'utilisation de l'ultrachrome, une technique d'impression moderne reconnue pour sa fidélité des couleurs et sa longévité, fait le lien entre les supports artistiques traditionnels et l'ère numérique. Ce procédé permet de restituer avec une grande fidélité la profondeur et les nuances des peintures originales de Turf One, rendant ainsi les estampes fidèles à la vision de l'artiste. L'intersection du street art et de l'imagerie traditionnelle L'œuvre de Turf One mêle souvent la réalité brute du street art à la nature complexe et symbolique de l'imagerie traditionnelle. « L'Inconscient de l'Artiste » ne fait pas exception. Elle propose un commentaire sur le dialogue intérieur de l'artiste et la rencontre entre les instincts animaux et la quête intellectuelle de la conscience de soi. En juxtaposant le primitif et l'éclairé, Turf One présente un tableau propice à l'interprétation et à la réflexion. Le fez, souvent associé au mysticisme et à la philosophie orientaux, suggère un lien entre la sagesse et les aspects primordiaux de notre nature. La posture quasi humaine du chimpanzé et son regard contemplatif évoquent un sentiment de parenté avec le règne animal, un clin d'œil subtil à la dimension évolutive de la conscience et de la création artistique humaines. L'influence du pop art urbain sur l'expression de Turf One Dans « L'Inconscient de l'Artiste », Turf One intègre l'immédiateté et la spontanéité souvent associées au pop art urbain et au graffiti. Le papier beaux-arts choisi pour l'estampe confère une qualité tactile qui fait écho à la texture des murs servant de toiles dans l'univers du street art. Même sous forme d'estampe, l'œuvre possède la force et la présence d'une pièce pouvant orner un paysage urbain, transportant la dimension introspective des beaux-arts dans l'espace public. L'approche de Turf One vis-à-vis du street art ne relève ni du vandalisme ni du marquage territorial, mais d'une exploration plus profonde de l'identité personnelle et collective. Son travail transcende les frontières habituelles du street art, invitant les spectateurs à s'interroger sur les questions existentielles et personnelles, tout en conservant un lien avec les racines urbaines de son médium. Valeur de collection et impact des tirages en édition limitée de Turf One La valeur de collection de « L'Inconscient de l'Artiste » est renforcée par son tirage limité, faisant de chaque estampe une pièce convoitée par les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Turf One. La rareté des estampes garantit que chaque exemplaire demeure un précieux témoignage de l'exploration par l'artiste des profondeurs de l'inconscient. À l'instar de nombreuses éditions limitées, cette œuvre est bien plus qu'une simple représentation du talent artistique de Turf One ; elle est le réceptacle des idées et des thèmes qui imprègnent son œuvre. L'estampe est une manifestation physique du dialogue entre l'artiste et le public, un dialogue qui continue d'évoluer à chaque regard. Réflexions sur le parcours artistique de Turf One « L'Inconscient de l'artiste (Autoportrait) » retrace le parcours de Turf One à travers le pop art urbain et l'estampe d'art. Cette œuvre est un miroir reflétant la dualité de son univers : un pied dans le monde brut et expressif du graffiti, l'autre dans celui, contemplatif et introspectif, des beaux-arts. Elle témoigne du pouvoir intemporel de l'art à transmettre des idées et des émotions complexes, quel que soit le médium. À ce titre, elle constitue une œuvre majeure dans le travail de Turf One, incarnant l'essence de son esprit artistique et le potentiel transformateur du pop art urbain.

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The Beatles Anthology 1000% BE@RBRICK Édition Limitée Vinyle Illustration Medicom Toy Figurine de Collection. Medicom Toys présente en 2021 une anthologie des Beatles. Medicom Toys célèbre les Beatles avec la Bearbrick « The Beatles A'nthology », une collection de photographies du célèbre groupe de rock. La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des impressions. Cette Bearbrick 1000 % mesure 70 cm de haut.

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Les Beatles - Anthologie 100% & 400% BE@RBRICK Édition Limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de Collection. Medicom Toy célèbre les Beatles avec le Bearbrick « The Beatles A'nthology », orné d'une collection de photographies du célèbre groupe de rock. La technologie de transfert à l'eau garantit un placement unique des motifs. Les Bearbricks, disponibles en tailles 100 % et 400 %, mesurent respectivement 7 cm et 28 cm de hauteur.

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) de la série In-Crowd, objet d'art de collection 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une série en édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine à feuillets articulés en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un superbe fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète la dimension introspective et souvent méditative que peut susciter l'art contemporain. Cette exposition marquante a mis en lumière des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de « Beautiful Losers », cette pièce représente un moment charnière de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », une sérigraphie d'Ari Marcopoulos réalisée en 2004 sur papier d'archivage sans acide (50,8 x 40,6 cm), capture un instant de l'art du portrait contemporain. Cette œuvre fait partie d'une série limitée et très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter l'horizon. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et des contre-cultures. « Justin » n'est pas qu'un simple portrait ; c'est une œuvre marquante, qui interpelle le collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Pièce intemporelle, elle enrichit toute collection d'une beauté esthétique et d'une portée culturelle indéniables. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance, mini-livre de 1999 « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Le CD est présenté dans un boîtier orange vif, qui souligne l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et faisant écho au soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, qui emploie souvent des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre offre un lien concret avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que tous ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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L'Étalon Noir, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Nicolas Delort, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie. Numérotée à la main.

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L'œuvre d'art « La Baleine Bleue », impression giclée en édition limitée sur papier aquarelle italien pressé à froid de 310 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Jeff Soto. La baleine bleue est la plus grande créature ayant jamais existé sur Terre, mais son avenir est incertain. L'homme a chassé cet animal majestueux jusqu'à le mener au bord de l'extinction, et il nous incombe désormais de le sauver. Malgré sa taille imposante et sa puissance, elle est extrêmement vulnérable. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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« The Butterfly », sérigraphie artisanale en trois couleurs, édition limitée, sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'estampe papillon s'inspire d'une affiche du groupe de musique expérimentale Blitzen Trapper, originaire de l'Oregon. Elle ne s'illumine pas, ne danse pas et ne fait aucun bruit. Elle est simplement paisible et ravissante. N'est-ce pas suffisant ?

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The Button Pusher 2 AP 13-Color Silkscreen Print by Dalek- James Marshall Artist Proof Hand-Tired Screen Print on Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Artwork & Graffiti. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 24x18 En explorant le vaste spectre du pop art, du graffiti et du street art, on découvre une essence profonde qui rend certaines œuvres irrésistiblement captivantes. « The Button Pusher 2 AP 13-Color Silkscreen Print » du célèbre Dalek-James Marshall est une de ces œuvres fascinantes, vibrante d'énergie et d'émotion. Les sérigraphies réalisées à la main possèdent un charme unique, révélant la patte de l'artiste à chaque coup de pinceau, et cette pièce ne fait pas exception. Créée sur papier d'art de qualité, cette œuvre témoigne du dévouement de l'artiste à son art. Caractérisée par une palette saisissante de 13 couleurs vibrantes, « The Button Pusher 2 » met en scène un personnage fantaisiste, absorbé par l'action d'appuyer sur un bouton. Cette figure centrale est animée par le style caractéristique de Dalek, une combinaison de formes géométriques et de lignes fluides. Le fond, un mélange de teintes explosives, contraste avec la créature, créant un contraste visuel percutant qui captive le regard. On perçoit la méticulosité et la précision du procédé de sérigraphie, témoignant de la maîtrise de l'artiste. Soulignant son exclusivité, cette œuvre est désignée comme une épreuve d'artiste (EA), une classification très prisée dans le monde de l'art. Datée de 2023, elle fait partie d'une édition limitée, ce qui renforce son statut de pièce de collection. Chaque exemplaire est signé et marqué du label distinctif « EA » par Dalek-James Marshall, garantissant son authenticité. Dans le paysage artistique contemporain où le street art rencontre les influences pop, « The Button Pusher 2 » s'impose comme un emblème du parcours artistique de Dalek, faisant écho aux récits en constante évolution de l'art moderne.

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Estampe d'art giclée « The Card Sharks » de Joe Ledbetter, édition limitée sur papier d'art, œuvre d'art moderne pop graffiti street artiste. Estampe signée et numérotée de 2011, édition limitée à 99 exemplaires, format 16 x 20 pouces, impression giclée d'art Estampe d'art giclée « The Card Sharks » de Joe Ledbetter – Édition limitée – Art urbain pop et graffiti Joe Ledbetter, figure emblématique du Street Pop Art et du graffiti, présente « The Card Sharks », une estampe d'art giclée de 40 x 50 cm (16 x 20 pouces) sur papier d'art haut de gamme. À la fois ludique et conceptuellement pointue, cette édition limitée numérotée et signée à 99 exemplaires, sortie en 2011, illustre parfaitement la fusion caractéristique de Ledbetter : un design inspiré des dessins animés, un trait précis et un commentaire social teinté d'humour. Mettant en scène un groupe de requins anthropomorphes absorbés par une partie de poker endiablée, l'œuvre puise dans les motifs classiques du jeu tout en conservant l'identité visuelle unique de Ledbetter. La composition se déroule dans un salon sous-marin où différents requins, chacun avec sa personnalité propre, sont assis autour d'une table de poker. Les fauteuils en velours rose, les jetons de poker éparpillés et les gestes expressifs des requins dynamisent la scène et lui donnent une dimension narrative. Entre sourires en coin, regards furtifs et cartes dissimulées, les requins incarnent la ruse et la stratégie propres à la culture du jeu. L'utilisation de bleus, de violets et de gris aux tons froids contraste avec les teintes plus chaudes du mobilier et de la table de jeu, créant ainsi un ensemble visuellement dynamique et attrayant. L'influence de Joe Ledbetter sur le street art, le pop art et le graffiti Joe Ledbetter s'est forgé un style unique dans l'univers du street art et du graffiti, mêlant influences de jouets design, de graffiti et d'animation classique. Son utilisation de contours marqués, de formes géométriques et de personnages expressifs crée un langage visuel à la fois contemporain et empreint de nostalgie. Son talent pour insuffler humour et critique sociale à son œuvre lui permet de toucher un public bien au-delà de la simple esthétique. Sa formation artistique en illustration et en graphisme confère à son travail une allure à la fois soignée et spontanée, le rendant idéal pour une adaptation à différents supports, des fresques murales aux figurines en vinyle en passant par les estampes d'art. « The Card Sharks » illustre parfaitement cette approche : il transforme un scénario familier – une soirée poker – en une scène vibrante et satirique, riche de sens et de personnalité. Les requins, souvent symboles de pratiques commerciales impitoyables ou d'instincts prédateurs, incarnent ici, au sens propre comme au figuré, la stratégie à haut risque et la tromperie. Les requins des cartes – Une vision astucieuse du pouvoir et de la stratégie « Les Requins des Cartes » est bien plus qu'une simple représentation ludique de la culture du jeu ; c'est un commentaire visuel sur la stratégie, le pouvoir et la psychologie de la compétition. Les requins sont depuis longtemps associés à l'agressivité et à la domination, ce qui en fait des personnages tout indiqués pour une œuvre sur le thème du poker. Les expressions variées de chaque requin suggèrent différents états émotionnels – confiance, suspicion et tromperie – capturant l'essence même d'une partie à enjeux élevés. Les détails environnants, tels que les jetons de poker soigneusement empilés, les as dissimulés et les silhouettes d'autres poissons en arrière-plan, renforcent la tension au sein de la composition. Le contraste entre le cadre luxueux et la nature intrinsèquement dangereuse des requins ajoute une dimension ironique supplémentaire, rendant la scène à la fois humoristique et intrigante. L'utilisation de chaises rose pastel et d'un éclairage doux subvertit davantage l'ambiance sombre et mélancolique typique des lieux de jeu, transformant l'œuvre en une création à la fois fantaisiste et provocante. L'impact durable des Card Sharks dans l'art contemporain « The Card Sharks » demeure une œuvre phare du catalogue de Joe Ledbetter, illustrant à merveille son talent pour fusionner humour, satire et design épuré en une œuvre d'art unique et captivante. S'inscrivant dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, cette estampe représente la capacité de ce mouvement à réinventer des scènes du quotidien à travers des interprétations audacieuses et stylisées. Son édition limitée en fait une pièce très recherchée par les collectionneurs, car elle incarne à la perfection la vision artistique de Ledbetter. En associant les thèmes du jeu à des instincts animaux, « The Card Sharks » met en lumière le point de rencontre entre l'insouciance et la prise de risque calculée, un thème universel, tant dans l'art que dans la vie. La capacité de l'œuvre à raconter une histoire complète par l'expression, la composition et le symbolisme en fait un exemple parfait d'art urbain contemporain. Qu'on l'interprète comme un commentaire sur la compétition ou simplement comme une œuvre ludique et visuellement saisissante, « The Card Sharks » conserve toute sa place parmi les œuvres uniques et fascinantes du monde en constante évolution du Street Pop Art et du graffiti.

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Achetez PEINTURE Oeuvre de peinture originale unique en son genre MEDIA sur MEDIUM par l'artiste populaire Street Art Pop Culture ARTIST. 2022 Signé Original Peinture Taille XXXX INFO

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Le moteur d'amélioration cognitive - Blue Dunny, jouet d'art en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Doktor A. Limitée à 1000 exemplaires dans le monde, voici l'édition bleue classique. La nanohorlogerie révolutionne le monde. Ultra-rapide et ultra-compacte, elle représente le summum de l'ingénierie cognitive. Un objet indispensable pour tout Mechtorien en pleine modernisation, pour l'intégrer à l'ère de l'information. Ronson Travithick a mis au point des mécanismes d'horlogerie ultra-miniaturisés et les a utilisés comme système idéal pour générer des cerveaux. Mille fois plus complexes, plus rapides et plus intelligents que le système de poulies et de leviers installé dans la plupart des têtes de Mechtoriens. L'association avec des injecteurs statiques Teslastein brevetés optimise encore davantage le processus ! Complétez votre collection avec le Dunny Cognition Enhancer de 20 cm de Kidrobot, conçu par Doktor A.

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Sculpture en résine en édition limitée de l'artiste pop moderne Josh Keyes. Édition limitée 2017 présentée dans son coffret. « The Collector » est la troisième sculpture de Josh Keyes issue de notre collection Signature. Initialement une magnifique peinture, elle est désormais une sculpture d'une grande finesse, sublimée par une élégante finition blanc mat. Dimensions : environ 45,7 cm (L) x 17,8 cm (l) x 22,9 cm (H). Matériau : résine. « The Collector » de Josh Keyes est une remarquable illustration du pop art moderne, fusionnant l'esthétique du street art et les exigences de l'art contemporain. Cette sculpture en résine, en édition limitée de 2017, est la troisième de la célèbre série Signature de Keyes, qui met en valeur la force narrative de ses œuvres et leur souci du détail. La transition de la toile à la sculpture Conçue initialement comme une peinture, « Le Collectionneur » s'est transformée en une œuvre tridimensionnelle aboutie, conservant la finesse des détails et la profondeur thématique de son prédécesseur bidimensionnel. Le passage de la peinture à la sculpture a permis une nouvelle interprétation de la vision de Keyes, la présentant dans un matériau tangible et palpable. La finition blanche mate de la sculpture met en valeur sa silhouette sophistiquée, soulignant la pureté des lignes et le contraste saisissant entre le sujet et son environnement. Avec ses dimensions d'environ 46 cm de longueur, 18 cm de largeur et 23 cm de hauteur, la sculpture impose sa présence. Moulée en résine, un matériau reconnu pour sa durabilité et sa capacité à reproduire les détails avec précision, « Le Collectionneur » est une œuvre à la fois robuste et délicate, témoignant du talent de Keyes pour explorer la complexité de la forme et de la matière. Une déclaration dans le domaine du street art pop et du graffiti « The Collector » s'inscrit dans le courant du street art et du graffiti par son impact et sa présence. Malgré sa finition impeccable, l'œuvre porte l'esprit du street art : elle interpelle le spectateur, aborde des thèmes environnementaux et interroge l'interaction entre le monde naturel et les constructions humaines. Le rhinocéros, sujet récurrent dans l'œuvre de Keyes, est représenté aux côtés d'un lampadaire, une juxtaposition qui invite à réfléchir à l'empiètement de l'urbanisation sur les habitats naturels. Dans le contexte plus large du travail de Josh Keyes, « The Collector » est une œuvre emblématique qui témoigne de son intérêt pour les thèmes écologiques et post-apocalyptiques. L'art de Keyes met souvent en scène des animaux sauvages en milieu urbain, explorant les frontières entre civilisation humaine et nature, un thème qui trouve un écho profond dans notre société actuelle, soucieuse de l'environnement. L'impact culturel du « Collectionneur » En tant qu'œuvre d'art, « The Collector » transcende la simple esthétique pour engager un dialogue culturel. Elle explore visuellement les conflits et la coexistence entre la vie urbaine et la nature. La blancheur immaculée de la sculpture sert de toile, soulignant les ombres et les contours de l'œuvre et permettant à la forme de devenir le récit central. Cette absence de couleur suggère une tabula rasa, une page blanche, invitant le public à de multiples interprétations. L'œuvre de Josh Keyes, et plus particulièrement « The Collector », s'inscrit dans l'esprit du pop art moderne en puisant dans une imagerie reconnaissable et en la réinterprétant dans un nouveau contexte. Ce faisant, il crée un discours à la fois accessible et profond, à l'instar du street art et des graffitis qui ornent les murs des villes du monde entier. Ce discours témoigne de l'omniprésence des changements environnementaux et de l'impact omniprésent de l'activité humaine sur le monde naturel. En conclusion, « The Collector » de Josh Keyes est une œuvre profonde qui saisit l'essence des enjeux contemporains à travers le prisme du pop art urbain et du graffiti. Sa transformation d'une peinture détaillée en une forme sculpturale lui permet d'occuper l'espace physique et d'établir un contact direct et tactile avec le public. À travers cette œuvre, Keyes continue de questionner les spectateurs, les incitant à réfléchir à l'intersection des mondes humain et animal et à l'équilibre fragile à maintenir entre progrès et préservation. La sculpture, disponible en quantité limitée, est non seulement une œuvre d'art, mais aussi un objet de collection qui reflète les défis écologiques et culturels actuels de notre société.

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The Dark Rider - Bone, sérigraphie en édition limitée bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² par l'artiste Cleon Peterson. 2022. 48 x 71 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Tirage limité à 150 exemplaires.

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The Dark Rider - Sérigraphie en édition limitée argentée bicolore, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 290 g/m² par l'artiste Cleon Peterson. 2022. 48 x 71 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 75 exemplaires. Une petite goutte d'encre près de la pointe de l'épée, vestige du processus d'impression.

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« The Devil Likes Lo/Fi Low Fidelity Music Bear Vinyl Art Toy » de Luke Chueh, sculpture de collection en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti pop. Édition limitée 2024 à 300 exemplaires. Œuvre d'art de taille 4x7. Neuve en boîte. Figurine en vinyle estampé représentant un ours diabolique portant un sweat à capuche et un casque audio. « The Devil Likes Lo/Fi » de Luke Chueh : une méditation sur l'ambiance dans l'art urbain pop et le graffiti. « The Devil Likes Lo/Fi » est une figurine en vinyle en édition limitée de 2024, créée par l'artiste Luke Chueh et éditée à 300 exemplaires. Mesurant 18 cm de haut et 10 cm de large, elle représente l'emblématique ours de Chueh, réinterprété dans un rouge flamboyant. Il porte un sweat à capuche noir orné d'un chien diabolique et du mot « Possessed », ainsi qu'un casque audio surdimensionné. Cette sculpture est présentée dans un coffret sur mesure qui reprend la silhouette sombre et la posture posée de la figurine. Les mains enfouies dans les poches de son sweat, le regard intense et introspectif, la figurine puise son inspiration dans l'atmosphère émotionnelle de la culture lo-fi tout en s'inscrivant dans le cadre visuel et philosophique du street art et du graffiti. Design, posture et attitude de l'ours diable de Chueh Le personnage de « The Devil Likes Lo/Fi » est calme mais empreint d'une profonde émotion, saisi dans un moment d'isolement étrangement familier. Le corps en vinyle rouge de l'ours symbolise la tentation, la rébellion et le malaise, adoucis par la coupe décontractée du sweat à capuche et le symbole universel de l'espace personnel : un casque audio. Le mélange de vêtements décontractés et d'un design épuré fait écho aux thèmes de la déconnexion et du repli sur soi. Le simple contraste noir sur rouge et la sculpture minimaliste soulignent l'attachement de Chueh à la clarté émotionnelle plutôt qu'à la complexité. Cette figurine n'est pas une histoire, elle est une présence. Elle irradie le sentiment d'être seul sans être perdu, replié sur soi mais toujours en harmonie avec le rythme discret de la musique lo-fi et de ses pensées. En ce sens, le jouet incarne l'expression du monde intérieur qui définit le Street Pop Art et le Graffiti, utilisant l'iconographie et la stylisation pour communiquer des vérités émotionnelles profondes. L'univers en expansion des objets émotionnels de Luke Chueh Luke Chueh, artiste basé à Los Angeles, demeure l'une des figures les plus marquantes de la culture des jouets design contemporains et du street art pop et graffiti. Son talent pour condenser des expériences émotionnelles complexes en personnages d'une simplicité trompeuse l'a consacré comme un conteur visuel et un sculpteur du silence. « The Devil Likes Lo/Fi » s'inscrit dans la continuité de son exploration des émotions, de la perception et de l'esthétique du retrait. Avec des détails subtils et une prédominance de la posture sur l'expression, cette œuvre rejoint la longue lignée des ours et des diables utilisés par Chueh pour extérioriser son intériorité. Son travail transforme les figures pop en références culturelles propices à la réflexion psychologique, et avec cette édition, il fait dialoguer la culture audio contemporaine avec son langage visuel empreint de mélancolie et de solitude. Collectionnabilité et résonance conceptuelle dans la forme du pop art urbain Édition limitée à 300 exemplaires, « The Devil Likes Lo/Fi » est à la fois une pièce de collection et une réflexion sculpturale sur les états émotionnels contemporains. L'immobilité de la sculpture, le motif du casque audio et le choix des couleurs renforcent son message d'espace personnel, de rythme lo-fi et de rébellion silencieuse. Emballée avec précision et conceptuellement imprégnée du langage visuel de Chueh, cette œuvre se distingue comme une méditation sur la présence sans performance. Sa petite taille amplifie son message, incarnant l'idée que l'expression profonde passe souvent non par la force, mais par une subtilité maîtrisée et travaillée. Dans le contexte plus large du Street Pop Art et du Graffiti, cette sculpture est une véritable playlist d'émotions – rendue en vinyle, enveloppée de symbolisme, et attendant d'être comprise dans le silence.

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The Doors Strange Days 1000% BE@RBRICK Figurine de collection en vinyle édition limitée Medicom Toy. 2021 The Doors Strange Days Music x Bearbrick 1000%

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L'œuvre d'art automnale, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art épais, par l'artiste de graffiti pop culture Gene Guynn.

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