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Affiche de concert en édition limitée pour le Street Weapons Danceright Music Club Event. Impression sérigraphique artisanale 3 couleurs sur papier crème moucheté, réalisée par Matt Goldman (MFG). x Shepard Fairey. De 2006 à 2014, Shepard et moi avons organisé une soirée en club au centre-ville de Los Angeles, appelée Dance Right. Pendant cette période, je créais un flyer chaque semaine, et à partir de ces flyers, j'ai imaginé plusieurs designs qui ont ensuite servi à créer des vêtements pour OBEY Clothing, ainsi qu'une affiche en collaboration avec Shepard et MFG (Matt Goldman). Sortie en 2006. Sérigraphie 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Papier moucheté noir, rouge foncé et or métallisé. Édition limitée à 300 exemplaires, signés et numérotés par Shepard Fairey et Matt Goldman (fabricant). Sorti en 2006

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Strength Tree, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier d'archivage 100% coton, par Dave Kinsey, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Sérigraphie 3 couleurs 24 x 20 pouces. Édition signée et numérotée à 150 exemplaires. Imprimée en 2007 sur papier d'archivage sans acide.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archives, sur papier japonais fait main par l'artiste Jed Henry. Édition limitée signée 2022, format 12x17, bords découpés à la main « Si je suis terrassé, alors la croissance de ma puissance deviendra irrésistible. »

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Stubbed Toe - Sérigraphie en édition limitée, noire et bicolore, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste de la culture pop Cleon Peterson. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Stubbed Toe - Sérigraphie en édition limitée rouge bicolore tirée à la main sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés par l'artiste de la culture pop Cleon Peterson. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Stubbed Toe - Sérigraphie en édition limitée, blanche, bicolore, tirée à la main, sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, par l'artiste de la culture pop Cleon Peterson. 2022. 43 x 43 cm. Sérigraphie artisanale. Imprimée sur papier Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés. Chaque exemplaire est signé et numéroté. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Les styles changent, le style perdure - Sérigraphie en édition limitée magenta bicolore tirée à la main sur papier crème moucheté par Shepard Fairey, art de rue rare, artiste pop OBEY. 14,5 pouces sur 19 pouces. Édition limitée à 115 exemplaires. 18 juin 2020 Le skateboard m'a sauvé la vie ! En tant qu'activité et culture, il m'a ouvert les portes d'un monde où la créativité, l'audace, l'indépendance et le style pouvaient me permettre de forger ma propre histoire. Pour paraphraser Charles Bukowski, tout ce qui mérite d'être dit ou fait, banal ou dangereux, est meilleur avec du style. J'ai appris l'importance du style grâce au skateboard, et je l'applique à mon art et à pratiquement tout ce que je fais. Mon ami Blaize Blouin, le seul skateur pro de Charleston, en Caroline du Sud, où j'ai grandi, disait toujours : « Les figures à la mode vont et viennent, mais le besoin de style est constant. » Quand j'ai feuilleté le livre « Silver Skate 70's » de Hugh Holland, j'ai été fasciné par toutes les photos, mais surtout par celle d'un jeune inconnu réalisant un backside carve stylé sur les rampes de la Kenter Canyon School en 1976. - Shepard Fairey

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Sérigraphie Sub-Standard de Shepard Fairey - OBEY Tirage à la main 5 couleurs sur papier beaux-arts crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. Édition limitée signée et numérotée de 550 exemplaires (2023). Sérigraphie au format 12 x 24 pouces. Cette estampe, « Sub-Standard », dénonce le lien entre la cupidité des entreprises, les énergies fossiles, le réchauffement climatique et l’effondrement des écosystèmes. Les pratiques courantes, imposées par des acteurs comme Standard Oil et ses nombreuses filiales, devraient être redéfinies comme étant de qualité inférieure. Si nous voulons préserver la santé de notre planète et éviter la catastrophe, nous ne pouvons pas permettre aux grandes compagnies pétrolières de privilégier les profits au détriment de la planète et des populations (ainsi que de nombreuses autres espèces menacées). N’oublions pas que les grandes compagnies pétrolières, déjà très rentables, sont subventionnées par vous, contribuables, à hauteur de 50 milliards de dollars par an. En comparaison, les énergies renouvelables ne sont subventionnées qu’à hauteur du quart de cette somme. Nous devons exiger un changement. Une partie des bénéfices de cette estampe est reversée à Greenpeace USA pour soutenir ses actions en faveur d’une planète saine. – Shepard Fairey – OBEY La sérigraphie intitulée « Sub-Standard » de Shepard Fairey, issue de sa série OBEY, est une œuvre d'art contemporain saisissante qui porte un regard critique sur le problème urgent de la dégradation de l'environnement, liée à l'influence des entreprises et à la dépendance aux énergies fossiles. Tirée à seulement 550 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre est une déclaration audacieuse, tant par sa forme que par son fond, mêlant l'esthétique du pop art, du street art et du graffiti sur un papier d'art crème moucheté. Mesurant 30,5 x 61 cm, chaque tirage 5 couleurs, réalisé à la main, témoigne du talent technique de Fairey et de son engagement pour le commentaire social. Figure emblématique de la culture pop et du street art, Shepard Fairey utilise son art pour remettre en question l'ordre établi et susciter une réflexion sur les enjeux mondiaux les plus pressants. « Sub-Standard » cible plus particulièrement les conséquences des actions de l'industrie des énergies fossiles sur le changement climatique et la destruction de l'environnement. La référence de Fairey à Standard Oil et à ses successeurs met en lumière un héritage de politique environnementale privilégiant le profit à la santé de la planète, soulignant l'urgence d'une transformation des pratiques des entreprises. L'œuvre emploie un symbolisme puissant, juxtaposant un motif industriel à un arrière-plan évoquant un monde naturel en détresse, reflétant ainsi le propos de Fairey sur le conflit entre intérêts économiques et responsabilité environnementale. Un aspect important de cette œuvre réside dans sa dimension militante. Une partie des recettes de « Sub-Standard » est reversée à Greenpeace USA, finançant les actions de l'organisation pour lutter contre les atteintes à l'environnement et promouvoir le développement durable. Ce soutien financier s'inscrit pleinement dans le message de l'œuvre, établissant un lien direct entre art, militantisme et soutien concret à la préservation de l'environnement. Le choix de Fairey de souligner l'écart entre les subventions aux énergies fossiles et celles aux énergies renouvelables renforce l'appel à l'action de l'estampe, plaidant pour une réévaluation des investissements publics dans une perspective de santé planétaire à long terme. Dans le paysage de l'art moderne, « Sub-Standard » de Shepard Fairey se distingue comme une œuvre qui non seulement capture l'avant-garde esthétique du mouvement artistique OBEY, mais incarne également une profonde conscience sociale et environnementale, faisant progresser le débat dans le domaine de l'activisme artistique.

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Sérigraphie en édition limitée, rehaussée à la main, sur papier épais de 200 livres, par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Suckrealm 6000 4-Color Hand-Tiled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper by The Sucklord Rare Street Art Famous Pop Artwork Artist. Édition limitée 2021 à 50 exemplaires – 45,7 x 61 cm – Papier Reich 130# argent métallisé – Signé et numéroté par The Sucklord L'album « Sucklord 77 », d'un bleu transparent fantomatique, avec son illustration « Suckrealm 6000 », est une sérigraphie artisanale en édition limitée. Imprimée sur un papier Reich argenté métallisé de 130 lb, cette œuvre de 61 cm x 46 cm est la meilleure façon d'afficher Suck sur votre mur et de vous souvenir de son arrivée fracassante, « sorti de nulle part avec du nouveau matériel, de nouveaux beats, une nouvelle équipe et de nouvelles conquêtes ».

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Papier buvard Sugar Cube, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Stanley Mouse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Stanley s'est fait une place de choix dans la culture hot rod de Détroit en réalisant des peintures exceptionnelles sur les véhicules, au point qu'aucune voiture de qualité en ville ne pouvait se passer de ses liserés décoratifs. Peu après, il a commencé à appliquer ses motifs préférés sur des t-shirts à l'aérographe. En seconde, Stanley a tagué le bâtiment où se retrouvait son lycée et a été renvoyé. Le bon côté des choses ? Il s'est ensuite inscrit aux Beaux-Arts.

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Papier buvard Sun Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mike Giant, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. « L'illustration du Soleil est inspirée du LSD que je consommais à la fin des années 1990. La seule différence ? Celui que je buvais était sur du papier jaune. C'est l'une des six illustrations sur le thème du LSD que j'ai réalisées début 2017, après avoir repensé à l'époque où j'en consommais régulièrement (au moins une fois par semaine). Trois de ces six illustrations sont inspirées de vrais buvards de LSD que j'ai ingérés et vendus. Les trois autres sont des créations que j'ai imaginées pour illustrer des buvards. J'ai fait des recherches sur ce sujet et j'en ai trouvé quelques-uns que je me souviens avoir consommés et vendus. Les autres sont de mon invention. Ils sont vraiment uniques par rapport à ce que je propose habituellement et je suis sûr qu'ils prendront de la valeur un jour, car c'est la seule fois où j'ai réalisé des illustrations pour buvards de LSD. » – Mike Giant

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Coucher de soleil sur les rues 5 et 110 PP, tirage d'archives de Stephanie Buer, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 20x13 Pigments d'archivage « Coucher de soleil sur la 5 et la 110 » de Stephanie Buer : un moment capturé dans le paysage urbain « Sunset On The 5 And The 110 » de Stephanie Buer capture un instant fugace, un instantané où le paysage urbain rencontre la beauté éphémère du crépuscule. Ce tirage d'art, réalisé en 2019, témoigne de l'engagement de Buer à explorer les recoins souvent négligés de la vie citadine. Épreuve d'artiste (EP) sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre fait partie d'une série limitée supervisée et approuvée personnellement par l'artiste. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et marqué « EP », attestant de son authenticité et de sa provenance directe. Mesurant 50,8 x 33 cm, l'œuvre est réalisée avec des pigments d'archivage, préservant ainsi les subtiles variations de lumière et l'éclat des graffitis urbains. Buer est reconnue pour ses représentations détaillées et nuancées d'espaces urbains délabrés et abandonnés, s'intéressant souvent au jeu de textures entre le monde naturel et les constructions humaines. Son œuvre « Sunset On The 5 And The 110 » est emblématique de ce style, car elle dépeint avec minutie la convergence de la nature et du milieu urbain à un instant précis. Cette estampe témoigne de la capacité de Buer à saisir l’essence du street art et du graffiti dans un contexte d’art contemporain, invitant à une réflexion sur la nature éphémère de l’étalement urbain et de l’art qui l’orne. L'interaction de la lumière et de la texture dans l'œuvre de Buer Le souci du détail de Buer transparaît dans le rendu réaliste de la scène. Le contraste entre les silhouettes organiques des collines et la géométrie du béton du viaduc est adouci par les teintes chaudes du coucher de soleil, illustrant le dialogue entre l'environnement bâti et le milieu naturel. Les graffitis, emblématiques du street art, sont représentés non comme un acte de vandalisme, mais comme une composante essentielle du tissu urbain. Cette perspective révèle l'approche de Buer face à ses sujets, où des éléments souvent perçus comme délabrés sont dépeints avec dignité et une beauté intrinsèque. Le choix du papier beaux-arts Moab Entrada témoigne de la qualité et de la longévité de l'estampe. Reconnu pour son toucher exceptionnel et sa capacité à fixer les pigments sans dégradation, ce papier sublime la technique complexe et nuancée de Buer. Les pigments d'archivage utilisés lors de l'impression garantissent une reproduction fidèle des détails les plus subtils, jusqu'à la texture du béton et la lumière déclinante du ciel. Reflets du pop art urbain dans « Sunset On The 5 And The 110 » de Buer L'œuvre de Buer se situe à la croisée du street art et des beaux-arts, intégrant des éléments des deux pour créer une œuvre qui transcende les catégories. « Sunset On The 5 And The 110 » ne se contente pas de documenter une scène ; elle révèle les récits silencieux qui animent les espaces urbains. Les graffitis présents dans l'œuvre rendent hommage aux artistes de rue et reconnaissent les strates d'histoire et d'expression qu'ils apportent au paysage urbain. « Sunset On The 5 And The 110 » de Stephanie Buer est un poignant rappel de la beauté éphémère du paysage urbain. En tant qu'épreuve d'artiste, elle revêt une valeur exceptionnelle pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Buer, offrant un lien tangible avec son processus créatif. Buer sublime le quotidien en le rendant extraordinaire en représentant l'interaction entre la lumière, la texture et la structure, invitant les spectateurs à porter un regard neuf et nuancé sur le monde qui les entoure. Son œuvre continue de trouver un écho dans les sphères du pop art urbain et du graffiti, capturant la magnificence discrète de scènes qui pourraient autrement passer inaperçues.

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Sunset Sunset Sunset Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Michael Polakowski Œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'œuvre « Super Soaker Soldier » de l'artiste de graffiti pop culture Brandon Sopinsky.

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Plateau Super Sport Camaro Supreme, édition limitée, assiette de collection en porcelaine et verre d'art, œuvre d'art de l'artiste de rue OG Lady Pink. Plateau Lady Pink/Supreme 2021 - Camaro Super Sport - Boutique - Supreme. Plateau en porcelaine avec motif imprimé et logo imprimé au dos. 15 x 18 cm

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SuperStar Destroyer - Figurine de collection en vinyle noir en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue Bill McMullen - Billions. Édition limitée 2021 Star Wars Adidas The SuperStar Destroyer, créée par l'artiste Bill McMullen (Billions), est le troisième volet d'une trilogie de figurines en vinyle représentant des véhicules. Elle propose une nouvelle interprétation de ses influences majeures : les sneakers, le hip-hop et la science-fiction. Produite par Munky King.

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SuperStar Destroyer - Figurine de collection en vinyle blanc en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Bill McMullen - Billions. Édition limitée 2021 Star Wars Adidas The SuperStar Destroyer, créée par l'artiste Bill McMullen (Billions), est le troisième volet d'une trilogie de figurines en vinyle représentant des véhicules. Elle propose une nouvelle interprétation de ses influences majeures : les sneakers, le hip-hop et la science-fiction. Produite par Munky King.

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Supreme Drip Original, œuvre d'art unique en son genre, réalisée à l'encre et à la peinture en aérosol sur bois stratifié par le célèbre artiste de graffiti de rue Peter Van Flores. 2022. Œuvre originale signée SUPREME Drip, gravure sur bois. Un hommage à SUPREME. Encre, peinture aérosol et colle de blé sur plusieurs couches de bois découpées à la main. Pièce unique. Format moyen. Dimensions uniques et courbes. Collage original à la peinture aérosol Supreme Drip de Peter Van Flores.

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Supreme Drip - Estampe d'art en édition limitée, pigment rouge d'archives, sur papier cartonné n° 80, par l'artiste Peter Van Flores, légende du street art pop graffiti. Édition signée 2022 (20 exemplaires)

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Planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo - Édition limitée noire, illustration de la marque Supreme. SS21 2021 - La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rouge arbore le logo classique de KAWS, déjà vu lors de sa précédente collaboration avec Supreme. Le logo s'étend sur toute la largeur de la planche et a été lancée le 18 février 2021, pour la saison printemps/été 2021 de Supreme. Planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo style pop art urbain La rencontre entre le streetwear et l'art est une caractéristique déterminante du Street Pop Art et du graffiti modernes, et la planche de skateboard « Supreme KAWS Chalk Logo Deck - Black Limited Edition » s'inscrit pleinement dans cette fusion culturelle. Fruit d'une collaboration entre Supreme, la marque emblématique reconnue pour son influence considérable sur le streetwear, et KAWS, artiste dont le travail a fait le pont entre l'art et le design commercial, cette planche arbore le logo KAWS classique, symbole de l'esprit du temps, fusionnant art et fonctionnalité. Le logo, présent sur toute la largeur de la planche, affirme avec audace la dimension universelle du street art. Sortie le 18 février 2021 dans le cadre de la collection Printemps/Été 2021 de Supreme, cette pièce était bien plus qu'une simple planche de skateboard : un véritable support d'expression artistique. Collaboration artistique et impact culturel Cette collaboration entre KAWS et Supreme souligne la relation réciproque entre streetwear et art urbain. Autrefois incontournable de la culture urbaine, le skateboard s'est transformé en une œuvre d'art de collection, porteuse de l'héritage des deux marques. La planche KAWS Chalk Logo Deck mêle l'art et la fonctionnalité, devenant un point de convergence des réflexions sur la nature et la valeur de l'art contemporain dans le monde commercial. La sortie de cette planche lors de la saison printemps-été 2021 témoigne d'une période où le monde de l'art et l'industrie de la mode se tournaient vers un monde post-pandémique, cherchant à affirmer leur identité à travers leurs créations. Le choix du logo à la craie, évoquant le caractère éphémère du graffiti, suggère une réflexion sur la nature transitoire de l'art urbain et des tendances de la mode. Pourtant, en l'intégrant à un support durable comme une planche de skateboard, la pièce souligne également l'impact pérenne de ces expressions culturelles. Les planches de skateboard comme médiums artistiques dans le pop art urbain Les planches de skateboard sont devenues un support de prédilection du Street Pop Art, offrant aux artistes une surface unique, intrinsèquement liée à la culture jeune, à la rébellion et à la vie urbaine. La planche Supreme KAWS Chalk Logo illustre parfaitement comment ces objets du quotidien peuvent être élevés au rang d'œuvres d'art, transformant le commun des mortels en objet prestigieux. Son édition limitée renforce son attrait, créant un sentiment de rareté souvent exploité dans le monde de l'art pour susciter la demande et l'intérêt. Le fond noir du logo à la craie crée un contraste saisissant, mettant ainsi en valeur le design iconique de KAWS. Cette stratégie visuelle est caractéristique de l'approche de KAWS, où la simplicité des couleurs souligne la complexité de ses figures et motifs. Cette collaboration n'est pas une simple fusion de deux marques, mais une véritable alchimie de leurs philosophies et langages esthétiques respectifs, donnant naissance à un produit à la fois fonctionnel et emblématique. La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo témoigne du dynamisme du Street Pop Art. Elle capture une époque où les frontières entre art et commerce, espaces publics et privés, culture savante et culture underground s'estompent et s'entremêlent inextricablement. Elle nous rappelle que l'art peut se trouver dans les lieux les plus inattendus et que la rue demeure une source d'inspiration essentielle pour les mouvements artistiques contemporains.

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Planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo - Édition limitée rose, illustration de la marque Supreme. SS21 2021 - La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rouge arbore le logo classique de KAWS, déjà vu lors de sa précédente collaboration avec Supreme. Le logo s'étend sur toute la largeur de la planche et a été lancée le 18 février 2021, pour la saison printemps/été 2021 de Supreme. La fusion de la culture skate et de l'art dans la planche Supreme KAWS Chalk Logo La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rose illustre à merveille la fusion entre culture urbaine et art contemporain. Fruit de la collaboration emblématique entre Supreme, marque phare du streetwear, et KAWS, artiste reconnu pour son influence sur le pop art et le graffiti, cette planche a été lancée le 18 février 2021 dans le cadre de la collection Printemps/Été 2021 de Supreme. Elle représente parfaitement l'alliance de la fonctionnalité et de l'art, signature des deux marques. La planche arbore le logo KAWS classique, un symbole devenu emblème du street art. Ce logo s'impose sur toute la largeur de la planche, transformant un skateboard ordinaire en une véritable toile d'expression artistique. La couleur rose apporte un contraste vibrant aux lignes noires du logo à la craie, jouant avec l'esthétique brute traditionnelle du street art en y insufflant une teinte à la fois ludique et saisissante. Art urbain pop et graffiti : collaboration entre Supreme et KAWS Cette collaboration dépasse le simple cadre commercial pour devenir une affirmation culturelle reflétant la dynamique du street art. Ce dernier se caractérise par l'intégration d'éléments de la culture populaire dans un art souvent accessible dans l'espace public. La planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo Deck, que l'on retrouve dans la rue, dans les skateparks ou exposée comme une œuvre d'art, incarne les principes fondamentaux du street art en abolissant les frontières entre l'art « classique » et les objets du quotidien. Son édition limitée, lancée pour la saison printemps-été 2021, évoque la temporalité et l'exclusivité souvent mises en scène dans le street art et la mode. Cette planche de skate artistique capture l'esprit de son époque, faisant écho à l'exubérance juvénile et à l'énergie rebelle de la culture skate, tout en constituant un objet de collection précieux de par son design et sa signification culturelle. À travers cette initiative artistique, Supreme et KAWS mettent en lumière le potentiel du streetwear comme vecteur d'engagement critique et de discours artistique. La planche de skateboard devient un moyen de remettre en question les notions traditionnelles d'art et de public auquel il s'adresse, rendant ainsi un message accessible à un large éventail d'opinions. L'utilisation du rose dans ce contexte est particulièrement percutante, défiant les normes et les attentes liées au genre dans le monde du skateboard et la culture urbaine. La planche Supreme KAWS Chalk Logo rose n'est pas qu'un simple skateboard ; c'est une œuvre d'art pop urbaine qui capture l'essence de son époque. Elle témoigne du pouvoir de la collaboration entre les marques de streetwear et les artistes, ainsi que de la pertinence continue de l'art pop urbain et du graffiti dans la construction du paysage culturel.

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Planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo - Édition limitée jaune, illustration de la marque Supreme. SS21 2021 - La planche de skateboard Supreme KAWS Chalk Logo rouge arbore le logo classique de KAWS, déjà vu lors de sa précédente collaboration avec Supreme. Le logo s'étend sur toute la largeur de la planche et a été lancée le 18 février 2021, pour la saison printemps/été 2021 de Supreme. Planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo : un artefact vibrant du pop art urbain La planche de skate Supreme KAWS Chalk Logo jaune, issue de la collection Printemps/Été 2021, est un vibrant témoignage de la fusion entre le pop art urbain et la culture du skateboard. Cette pièce en édition limitée capture l'essence de la collaboration entre la marque emblématique de streetwear Supreme et l'artiste KAWS, dont l'influence sur le pop art, le street art et le graffiti est mondialement reconnue. Dévoilée le 18 février 2021, en même temps que la sortie de la collection saisonnière de Supreme, la planche arbore le logo KAWS classique qui s'étend sur toute sa surface. Le choix du jaune pour cette planche est particulièrement significatif. En psychologie des couleurs, le jaune est associé à la joie, à l'énergie et à la visibilité, des valeurs qui font écho à l'esprit du skateboard, un sport et une culture réputés pour leur dynamisme et leur énergie. Le contraste saisissant entre le contour noir du logo KAWS, évoquant la craie, et le fond jaune vif assure un impact visuel fort et rappelle les lignes brutes et expressives du graffiti. Intersection culturelle : l'esthétique partagée par Supreme et KAWS La collaboration entre Supreme et KAWS symbolise l'interaction entre la mode, l'art et la culture urbaine. Chaque planche de skateboard issue de ce partenariat se transforme en une œuvre d'art mobile. Le logo KAWS, motif récurrent dans son art, symbolise une critique plus profonde du consumérisme et de la culture populaire, thèmes constamment explorés dans le pop art urbain. L'étendue du logo sur la planche suggère une influence omniprésente, rappelant la manière dont le street art domine et définit les espaces qu'il investit. La sortie de la planche Supreme KAWS Chalk Logo jaune est également un reflet de notre époque, en phase avec l'esprit du printemps/été, période généralement associée au renouveau et à la vitalité. Le moment choisi pour sa sortie, combiné au design de la planche, témoigne de l'évolution constante du pop art urbain, qui cherche sans cesse à capturer l'air du temps sous des formes tangibles. Cette planche n'est donc pas qu'un simple outil pour le skateboard ; c'est un instantané d'art contemporain et d'expression culturelle, encapsulé dans un format accessible et utile. Ce modèle de planche s'inscrit pleinement dans les thématiques du street art et du graffiti, qui utilisent souvent les symboles et l'espace public pour exprimer des opinions personnelles, politiques, et bien d'autres choses encore. Avec sa couleur vive et son imagerie iconique, la planche Supreme KAWS Chalk Logo jaune devient un moyen pour l'artiste et la marque de communiquer avec un public plus large, transcendant les espaces artistiques traditionnels et s'intégrant au quotidien.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Supreme Vuitton Smashup Pill - Black Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Denial. Édition limitée numérotée de 100 exemplaires (2022) - Illustration de skateboard - Format 8,25 x 31,87 Naturellement, cet artiste s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine, tout en conservant une pertinence indéniable et en s'attachant à susciter la réflexion. Il explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels, inscrits dans la mémoire collective de la civilisation occidentale. Autrement dit, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Swamp 13 HPM Peinture acrylique Sérigraphie par Maya Hayuk Impression 4 couleurs sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. 2013, peinture acrylique HPM, signée et numérotée, édition limitée à 40 exemplaires, embellie. Dimensions : 14,96 x 21,65 pouces. Swamp 13 de Maya Hayuk – Sérigraphie à la peinture acrylique HPM, style street art pop et graffiti. Swamp 13 est une œuvre multiple vibrante et immersive de 2013, peinte à la main par Maya Hayuk. Réalisée à l'acrylique et à la sérigraphie sur papier d'art, elle est éditée à 40 exemplaires. Mesurant 38 x 55 cm, cette œuvre fusionne la couleur, la texture et la géométrie, caractéristiques de l'artiste, pour créer une expérience visuelle riche et complexe. Chaque estampe a été rehaussée à la main, garantissant ainsi son caractère unique. Avec sa fusion de dégradés néon, de formes noires épaisses et d'éclaboussures picturales, Swamp 13 illustre parfaitement la capacité de Hayuk à allier symétrie maîtrisée et liberté gestuelle. L'œuvre devient une méditation psychédélique sur la couleur, l'espace et la forme – résolument abstraite, mais aussi profondément émotionnelle et précise. La couleur comme énergie psychédélique et signal urbain Dans Swamp 13, l'utilisation de la couleur par Maya Hayuk n'est pas purement décorative : elle agit comme une force énergique. Des éclats de rose fluo, d'orange éclatant, de bleu électrique et de vert acide jaillissent de formes noires épaisses, créant une tension subtile entre saturation et structure. Ces choix chromatiques font référence à la signalisation routière, à la culture rave, aux broderies folkloriques traditionnelles et à l'expressionnisme à la bombe. La palette fluorescente n'est pas un clin d'œil aux tendances, mais une affirmation délibérée de l'hypervisibilité : une volonté de susciter joie, urgence et une vibration spirituelle par le biais du pigment. Dans le Street Pop Art et le Graffiti, cette stratégie visuelle fonctionne comme un son : elle vibre à travers la surface et le temps, invitant les spectateurs à ressentir autant qu'ils voient. Multiples peints à la main : fusion du contrôle et du chaos Chaque exemplaire de Swamp 13 a été rehaussé à la main par Maya Hayuk, qui a ajouté des couches de peinture acrylique à la base sérigraphiée en quadrichromie. Cet hybride de répétition mécanique et d'originalité picturale reflète la tension entre reproductibilité et individualité qui caractérise à la fois le pop art et le graffiti. Les éléments sérigraphiés forment une grille structurelle, ancrant l'œuvre dans des silhouettes géométriques audacieuses. Les superpositions acryliques débordent de ces lignes : coulures, éclaboussures et gestes reflètent le processus intuitif et rituel au cœur du travail mural de Hayuk. Le résultat final est une œuvre qui porte le poids du processus, et pas seulement de l'image. Chaque estampe est animée d'un mouvement, évoluant de l'uniformité à la présence grâce à une construction par étapes. La symétrie caractéristique et le respect de la rue de Maya Hayuk Swamp 13 n'est pas qu'une simple œuvre d'art : c'est le reflet de la philosophie de Maya Hayuk. Sa conviction que l'équilibre visuel peut être une force apaisante, que l'abstraction peut véhiculer un récit et que la couleur peut transcender les genres transparaît profondément dans cette composition. Bien que n'étant pas ancrée dans le lettrage graffiti traditionnel, Swamp 13 s'inscrit pleinement dans le Street Pop Art et le graffiti par sa méthodologie, son attitude et son audace. Elle fait écho au chaos stratifié des murs de la ville, à la répétition méditative des motifs folkloriques et à la résonance émotionnelle des aplats de couleur pure. Hayuk ne cherche pas à imiter le graffiti ; elle s'inspire de son ADN, traduisant son énergie en symphonies chromatiques structurées d'une puissance vibrante. Swamp 13 est une œuvre vibrante et intrépide d'une artiste qui continue de redéfinir les possibilités de l'expression contemporaine puisant ses racines dans la rue.

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Achetez TITLE Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main sur une œuvre d'art Pop Street Art en édition limitée MEDIUM. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art Sweet Dreams, impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100% coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori. DOUX RÊVES 50,8 x 61 cm (20 x 24 pouces) Impression giclée haute qualité sur papier beaux-arts 100 % coton Édition signée et numérotée de 150 exemplaires

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Sweet Home Chicago - Sérigraphie bicolore bleue tirée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste recherché Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 5x7

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Sweet Home Chicago - Sérigraphie monochrome blanche réalisée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste recherché Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 5x7

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Sweet Sins - Sérigraphie HOM ornée, édition limitée, bicolore bleue, tirée à la main, sur papier Lenox 100 par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires. Acrylique et encre sérigraphique sur papier Lenox 100. Coloris bleu/rouge. Signé, tamponné et numéroté par Faile.

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T-Rex King 02, œuvre d'art surréaliste en édition limitée, impression giclée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste populaire Naoto Hattori. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée à la main, 2014. Format de l'œuvre : 4x6. Impression originale

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Œuvre d'art tactile, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Emily Burns. Édition limitée à 30 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 16 pouces.

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Takaashigani - Œuvre rose, impression giclée en édition limitée sur papier d'archivage 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Barnaby Ward. Il s'agit d'une reproduction d'art giclée de qualité galerie, imprimée sur du papier d'archivage 100 % coton avec des encres d'archivage. Chaque tirage est proposé en fonction de son format et comporte une marge d'au moins 2,5 cm.

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Take Me Now, sérigraphie en noir et or de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre 18x18 Sérigraphie. Take Me Now, sérigraphie noire et or de Cleon Peterson L'estampe sérigraphique « Take Me Now » en noir et or de Cleon Peterson est un exemple saisissant du style caractéristique et des thèmes chers à l'artiste. Cleon Peterson, artiste américain reconnu pour ses représentations saisissantes de la lutte et de la confrontation, s'est forgé une réputation grâce à ses œuvres monochromes audacieuses qui captivent le regard et suscitent la réflexion. Cette pièce met en scène des figures en plein conflit, rendues en or sur un fond noir profond. La forme de chaque figure, à la fois anguleuse et fluide, saisit un mouvement qui reflète une vision crue des interactions humaines. Ses dimensions de 45,7 x 45,7 cm (18 x 18 pouces) en font une composition équilibrée d'un impact visuel fort. Imprimée sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, la texture et le grammage du papier renforcent l'effet global. Signée et numérotée par Cleon Peterson en 2024, cette édition limitée à 100 exemplaires offre aux collectionneurs et amateurs une occasion rare d'acquérir une œuvre qui témoigne de l'exploration constante des dynamiques de pouvoir par l'artiste. Le titre de l'estampe évoque la tension et l'urgence, faisant écho aux thèmes récurrents dans l'œuvre de Peterson. Il explore fréquemment les dualités morales, utilisant des contrastes de couleurs saisissants et des formes audacieuses pour susciter des réactions émotionnelles profondes. Si le spectateur y perçoit souvent un commentaire sur l'agression et le conflit, l'œuvre invite également à une réflexion plus profonde sur la complexité du comportement humain. La palette noire et or offre une esthétique raffinée, conférant une élégance certaine à une scène qui pourrait autrement être troublante. Chaque coup de pinceau et chaque ligne restent nets grâce à la sérigraphie de haute qualité, assurant une vivacité durable très appréciée des collectionneurs d'œuvres en édition limitée. Les bords frangés à la main rehaussent l'expérience tactile et soulignent le savoir-faire artisanal de cette estampe. Symbolisme audacieux dans l'art urbain pop et le graffiti Le langage visuel singulier de Cleon Peterson le place au carrefour du street art, du graffiti et de l'art contemporain. Son approche audacieuse puise son inspiration dans le graphisme et la culture urbaine, reflétant des influences allant des fresques murales européennes aux fanzines underground américains. L'énergie qui se dégage de la sérigraphie « Take Me Now Black & Gold » évoque la puissance brute de nombreuses œuvres de street art. Les personnages de Peterson, figés dans des poses combatives, font écho à l'imagerie percutante du graffiti et des œuvres pop. Cette synergie entre la gravure classique et les motifs d'inspiration urbaine confère à ses créations une résonance auprès d'un public diversifié à travers le monde. Les aplats de couleur délivrent un impact graphique qui séduira ceux qui apprécient à la fois l'esthétique du street art et le raffinement des techniques traditionnelles de la sérigraphie. Attrait pour les collectionneurs et détails artistiques Les collectionneurs recherchent les estampes signées et numérotées de Cleon Peterson pour leur valeur inestimable et leur narration audacieuse. Limitée à seulement 100 exemplaires pour cette édition 2024, l'estampe sérigraphique « Take Me Now Black & Gold » incarne l'exclusivité et l'ambition artistique. Chaque exemplaire présente le riche contraste du noir et de l'or métallisé, capturant la lumière et accentuant ainsi le dynamisme de la composition. Le papier d'art Coventry Rag de 290 g/m² garantit la longévité de l'estampe, tandis que la finition frangée à la main lui confère une touche personnelle unique, différente des bords découpés à la machine. Cette combinaison de matériaux haut de gamme, d'images saisissantes et de la signature de Peterson confirme sa place de choix dans les collections d'art urbain, pop et graffiti. Les passionnés comme les nouveaux venus constatent souvent que l'œuvre de Cleon Peterson suscite la réflexion, rappelant aux spectateurs la complexité du comportement humain à travers une vision à la fois brute et raffinée.

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Sérigraphie en noir et blanc « Take Me Now » de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, édition limitée. 2024 Signée et numérotée Édition limitée à 100 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 18x18 Impression sérigraphique. Une vision saisissante de la puissance brute Cleon Peterson est un artiste américain reconnu pour ses représentations de confrontations tendues et d'images saisissantes mettant en lumière le conflit entre les personnages. Cette sérigraphie en noir et blanc, intitulée « Take Me Now », illustre son style caractéristique, fait de contrastes marqués, de silhouettes audacieuses et d'une tension dramatique palpable. L'œuvre met en scène deux figures imposantes engagées dans une lutte dynamique, soulignant l'intensité du choc des corps et attirant immédiatement le regard. Imprimée sur un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, cette pièce révèle le talent unique de Peterson pour transmettre des émotions viscérales grâce à des contours minimalistes mais puissants. On perçoit souvent l'influence du street art et du graffiti dans le choix délibéré d'une palette monochrome et de formes volontairement simplistes, qui canalisent une énergie brute en un récit visuel saisissant. Des thèmes captivants et une réalisation magistrale « Take Me Now » aborde des thèmes complexes liés à l'agression, à la domination et à la survie. La tension qui se dégage de la composition saisit un instant fugace où une figure semble prête à frapper, tandis que l'autre lutte contre l'asservissement. Les silhouettes de Peterson apparaissent comme des symboles intemporels de luttes chaotiques qui résonnent à travers l'histoire de l'humanité. L'absence de détails faciaux complexes concentre l'attention sur la posture et la forme, soulignant la dimension universelle du conflit. Les contrastes saisissants de noir et blanc renforcent le caractère intemporel de l'œuvre, lui conférant une esthétique minimaliste et puissante. Collectionneurs et amateurs apprécient la manière dont Peterson combine les techniques des beaux-arts et les références au street art, au pop art et au graffiti, créant un style à la fois brut et raffiné. Œuvre d'art de collection en édition limitée Cette œuvre signée et numérotée de 2024 est éditée à seulement 100 exemplaires, soulignant son exclusivité et son caractère de collection. Mesurant 45,7 x 45,7 cm, l'estampe impose sa présence sur tout mur. L'utilisation par Cleon Peterson d'un papier d'art Coventry Rag 290 g/m² de qualité archive, frangé à la main, garantit sa durabilité et une texture raffinée qui s'accorde parfaitement avec ses créations graphiques audacieuses. Les bords frangés subtils témoignent d'une qualité artisanale, rappelant le soin méticuleux apporté à la réalisation de chaque estampe. Les collectionneurs d'art avertis recherchent souvent les œuvres de Peterson pour leur capacité à fusionner des influences contemporaines avec une essence intemporelle, presque mythologique, de confrontation et de conflit. Résonance dans l'art urbain pop et le graffiti Les admirateurs de Peterson apprécient la façon dont son œuvre s'inscrit dans la lignée du Street Pop Art et du graffiti, mouvements qui ont bouleversé les conventions artistiques par leurs visuels provocateurs. Ses figures, épurées de tout détail superflu, se détachent sur un fond où les lignes audacieuses et les contrastes marqués sont omniprésents. « Take Me Now » puise son inspiration dans la culture graffiti, dont le style se caractérise par des gestes rapides et précis. Parallèlement, elle porte en elle la notion pop art d'utiliser des images saisissantes pour exprimer les tourments de la condition humaine. Cette collision d'influences rend l'art de Peterson captivant tant pour les amateurs d'esthétique urbaine que pour les passionnés d'art contemporain. En fusionnant l'agressivité et l'élégance, « Take Me Now » illustre la puissance d'une palette simple et de lignes inflexibles pour captiver le regard et laisser une impression durable.

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Attention ! Peinture originale technique mixte, graffiti, pop art moderne sur véritable panneau de rue en métal, par Chris RWK. Panneau de rue original signé, technique mixte acrylique et peinture aérosol, 2022 Ce recours à l'intertextualité procure également au spectateur une forme de réconfort ou de familiarité. Les œuvres de Chris révèlent souvent des réflexions quotidiennes et des personnes que l'on croiserait dans la rue sans même s'y attarder.

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