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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Tirages d'art en édition limitée « Only Wild Around People » sur papier beaux-arts, réalisés par Ben Kehoe, artiste de rue graffiti et pop art moderne.

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En avant, Illinois ! Sérigraphie de Jay Ryan, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 230 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Œuvre d'art de format 18 x 24 pouces. Sérigraphie. En avant, Illinois ! Sérigraphie de Jay Ryan L'estampe sérigraphique « Onward, Illinois! » de Jay Ryan célèbre le mouvement, la communauté et l'art narratif, mêlant ses créatures ludiques emblématiques à une composition à la structure unique. Créée en 2013, cette sérigraphie artisanale en édition limitée capture l'essence du pop art urbain et du graffiti, où des personnages vibrants symbolisent l'énergie et la résilience de l'Illinois. De format 45,7 x 61 cm, l'œuvre utilise des tons de couleurs sourds et audacieux ainsi qu'un trait fluide, signature de la démarche artistique de Jay Ryan. Symbolisme et style artistique Cette œuvre présente une carte stylisée de l'Illinois, foisonnant de personnages animaux expressifs qui semblent en mouvement, fonçant ensemble vers l'avant. La disposition dynamique de ces créatures, parmi lesquelles des lapins, des chiens et des figures abstraites, traduit un sentiment collectif de progrès et d'unité. Un drapeau jaune solitaire, brandi haut, constitue un élément marquant de la composition et renforce les thèmes du leadership, du mouvement et de la persévérance. Les textures dessinées à la main et les lignes organiques, signature de Ryan, accentuent la profondeur visuelle, tandis que la palette de couleurs restreinte, composée de bleus et de verts, confère à l'œuvre un caractère unique. L'utilisation de nuances subtiles et de techniques de sérigraphie en superposition donne à l'estampe une impression de mouvement, créant un effet captivant et presque animé. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Jay Ryan est indissociable du street art et du graffiti, mêlant esthétique DIY et techniques d'impression contemporaines. Son trait audacieux, ses visuels narratifs et son utilisation des animaux comme figures symboliques s'inscrivent dans la lignée de nombreux thèmes du street art moderne. Si son travail est souvent associé aux affiches de concerts et à la scène artistique indépendante, il partage également un langage visuel commun avec les graffeurs urbains, qui utilisent le symbolisme et la répétition pour raconter des histoires dans l'espace public. Cette estampe illustre la fusion entre la sérigraphie d'art et l'énergie brute du street art, ce qui en fait une œuvre remarquable dans le domaine de l'affiche contemporaine. Son tirage artisanal et son édition limitée renforcent son authenticité et soulignent l'importance de l'art tactile et fait main dans un monde de plus en plus numérique. Héritage et impact culturel Ancrée dans la culture et le patrimoine artistique de l'Illinois, l'œuvre « En avant, Illinois ! » rend hommage à l'État et propose une réflexion plus large sur l'unité et la persévérance. Le récit de progrès et de parcours partagé qu'elle véhicule trouve un écho auprès des collectionneurs et des amateurs d'art urbain, faisant de cette estampe une pièce recherchée par les passionnés d'art narratif et artisanal. Jay Ryan continue d'influencer la sérigraphie moderne, l'art de l'affiche indépendante et l'esthétique pop urbaine, garantissant ainsi que des œuvres comme Onward, Illinois! restent des représentations très appréciées de la narration visuelle contemporaine.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Sérigraphie monotype Open Mouth FL rouge et verte par Pose- Jordan Nickel, réalisée à la main avec une encre bicolore à trois couleurs sur papier d'art Mohawk ultra-fin et blanc, édition limitée. Édition limitée à 2 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Sérigraphie de 22 x 30 cm représentant un gros plan du visage et des lèvres d'une femme à la peau rouge et à la bouche ouverte. « Open Mouth FL Red & Green Emote Monoprints » témoigne du pouvoir évocateur de l'art contemporain. Créée par Pose, pseudonyme du célèbre artiste Jordan Nickel, cette sérigraphie est une fusion magistrale de pop art, de street art et d'esthétique graffiti. La technique artisanale de la fontaine divisée en trois couleurs intensifie la vivacité et la profondeur de l'image, plongeant le spectateur au cœur des émotions brutes et des récits qu'elle renferme. La sérigraphie, technique historiquement adoptée par des figures emblématiques du pop art comme Andy Warhol, est ici réinterprétée avec une fraîcheur et une sensibilité urbaines par Pose. Le contraste saisissant entre les teintes rouge et vert vifs, associé à l'image d'un visage de femme, notamment sa bouche ouverte et sa peau d'un rouge éclatant, capture un instant à la fois intime et universel. Le choix du papier d'art Mohawk SuperFine UltraWhite, à grain frangé à la main, confère une dimension tactile à l'estampe, ajoutant à son charme et en faisant une pièce maîtresse pour tout amateur d'art. L'exclusivité de cette œuvre est soulignée par sa disponibilité limitée. Limitée à l'édition 2023, avec seulement deux exemplaires signés et numérotés, cette œuvre d'art mesure 56 x 76 cm. Elle n'est pas une simple représentation, mais une invitation à explorer les débats en constante évolution autour des liens entre le pop art et le street art. La création de Pose nous rappelle comment les techniques traditionnelles peuvent être réinventées et réinterprétées dans l'art moderne, tout en préservant l'essence brute et spontanée qui caractérise l'esprit de la culture urbaine.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Œuvre d'art Ophelia, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Rich Pellegrino. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2012, par Rich Pellegrino. Dimensions de l'œuvre : 16 x 20 pouces.

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Ophelia Legs #1 Édition limitée, sérigraphie HPM 1 couleur rehaussée à la main sur papier beaux-arts par Tavar Zawacki - Artiste de rue graffiti, art pop moderne. N° 1 sur 15

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Estampe d'archive Optimus Prime Transformer par Adam Lister, édition limitée sur papier beaux-arts mat pressé à chaud 300 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 6x8, pigments d'archivage, beaux-arts, Optimus Prime Transformer debout dans un style glitch. Optimus Prime : un artefact moderne de l'expression pop art Dans l'interaction dynamique entre culture populaire et art, Optimus Prime s'impose comme une icône monumentale. L'estampe d'archives d'Adam Lister (2023) capture le redoutable leader des Transformers dans un style qui harmonise l'esthétique des jeux vidéo rétro avec les tendances avant-gardistes de l'art contemporain. Cette série limitée à seulement 50 exemplaires témoigne de l'exclusivité souvent recherchée dans l'univers du graffiti et du street art. Chaque estampe est méticuleusement réalisée sur un papier d'art mat pressé à chaud de 300 g/m², conférant une dimension tangible à l'esthétique par ailleurs numérique du glitch art. L'interprétation d'Optimus Prime par Lister, dans un style glitch, constitue un puissant récit visuel explorant les thèmes de l'héroïsme, de la technologie et de la transformation. L'utilisation de pigments d'archives garantit que chaque œuvre d'art non seulement restitue le personnage avec éclat, mais résiste également à l'épreuve du temps, à l'image de l'héritage durable de la franchise Transformers elle-même. Le format 6x8 de l'œuvre invite le spectateur à interagir avec elle de manière personnelle, faisant écho à l'expérience intime de la contemplation d'une œuvre de street art dans un espace public. De l'animation à l'impression d'archives : l'évolution d'un leader L'évolution d'Optimus Prime, de personnage animé à sujet d'œuvre d'art, reflète la transformation de la perception de l'art à l'ère moderne. Figure centrale de la saga Transformers, Optimus Prime incarne le leadership, la force et l'intégrité morale. Le choix de Lister de représenter ce personnage dans un style pixelisé et glitché en dit long sur la rencontre entre les influences de l'enfance et la sophistication de l'art contemporain. La transformation de ce personnage, de l'écran à une estampe en édition limitée, fait écho à celle du street art, passé d'un mouvement underground à une forme d'expression artistique reconnue. Cette œuvre d'Adam Lister puise dans la nostalgie des années 1980, époque où les Transformers ont captivé l'imagination des enfants comme des adultes. En représentant Optimus Prime dans un style moderniste, Lister établit un pont entre passé et présent, offrant une réflexion sur l'influence durable des icônes de la culture populaire. Son œuvre fait également allusion à la transformation des médias, soulignant la progression des animations dessinées à la main aux créations numériques, et maintenant, aux œuvres d'art multimédias qui fusionnent le design numérique avec les techniques traditionnelles d'impression d'art. Adam Lister et l'esthétique de la nostalgie numérique Adam Lister, artiste américain, est reconnu pour son talent à distiller des images complexes en leurs essences géométriques. En choisissant de représenter Optimus Prime, personnage souvent associé au changement et à l'adaptabilité, Lister interroge le pouvoir transformateur de l'art. Son approche unique des beaux-arts – puisant son inspiration dans le pop art urbain et le graffiti – remet en question les frontières traditionnelles des médiums artistiques. Optimus Prime, tel que le représente Lister, n'est pas seulement la représentation d'un personnage, mais l'incarnation de l'influence de l'ère numérique sur l'art. Le style glitch, avec sa suggestion de fragmentation et de reconstruction numériques, fait écho à l'impact du monde numérique sur la culture et la société. L'œuvre de Lister est un dialogue avec le spectateur, l'invitant à réfléchir au rôle de la technologie dans l'art et au pouvoir des icônes de la culture populaire de transcender leurs supports d'origine. À travers ses tirages en édition limitée, Adam Lister offre aux collectionneurs et aux amateurs l'opportunité d'acquérir une œuvre d'art à la fois création moderne et hommage au passé. L'illustration d'Optimus Prime, aux couleurs vives et aux lignes nettes, célèbre le pouvoir d'inspiration de la culture populaire et le talent de l'artiste pour exploiter cette inspiration et créer une œuvre unique et stimulante. Elle témoigne de la pertinence toujours actuelle de personnages comme Optimus Prime et de la capacité de l'art à les réinventer pour toucher un public toujours plus large.

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Orange - Retratos Zupi Artwork Giclee Limited Edition Print on Fine Art Paper by Pop Culture Graffiti Artist Hsiao Ron Cheng. Hsiao Ron Cheng, un artiste exceptionnel originaire de Taipei, à Taïwan, et membre du collectif d'artistes Prisma.

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Sérigraphie acrylique HPM peinte de l'icône Orange Mister Melty par Buff Monster Screen Print sur papier cartonné d'art de qualité supérieure, édition limitée, œuvre d'art pop street art. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, en acrylique HPM, ornée de coulures et peinte à la main. Format : 9x12 pouces. Icône Orange Mister Melty, sérigraphie acrylique HPM peinte par Buff Monster L'estampe sérigraphique acrylique HPM « Orange Mister Melty Icon » de Buff Monster est une expression dynamique du street art pop et du graffiti. Créée en 2023 dans le cadre d'une édition limitée numérotée et signée à 50 exemplaires, cette pièce témoigne avec éclat du langage visuel caractéristique de Buff Monster. Malgré son format compact de 23 x 30 cm, elle dégage une force visuelle impressionnante grâce à l'alliance de l'énergie de la peinture à la main et de la netteté de la sérigraphie. Le personnage de Mister Melty, une créature fondante à un œil, est à la fois mascotte et métaphore, incarnant les thèmes de la transformation, de l'absurde et d'une joie surréaliste à travers des couleurs explosives et une simplicité iconique. Conception visuelle et techniques de superposition Cette version particulière présente un fond orange et jaune flamboyant, avec des touches de magenta et de rouge, sur lequel se superpose un contour sérigraphié avec précision de Mister Melty. Dominé par un œil unique et central, cerné de rose et de gris, le personnage flotte dans un cadre déformé qui structure les coulures et les éclaboussures de peinture, autrement chaotiques. Buff Monster a utilisé d'épaisses couches de peinture acrylique pour ajouter de la texture et un aspect visuellement chaotique, accentuant la spontanéité et le mouvement. Le fond révèle des motifs en demi-teintes et des éclaboussures, mêlant les textures du graffiti à la planéité du pop art. L'importance du HPM dans le processus de Buff Monster La technique HPM (Hand-Painted Multiple) est essentielle au caractère collector de cette estampe. Chaque version de l'édition présente des éléments uniques, peints à la main, ajoutés après la première sérigraphie. Cela rend chaque estampe unique et lui confère une dimension picturale brute, au-delà d'une impression strictement contrôlée. Dans cette variante Orange Mister Melty, ces embellissements prennent la forme de coulures éclatantes, de coups de pinceau irréguliers et de superpositions inattendues, offrant un impact visuel saisissant qui allie l'authenticité du street art au savoir-faire artisanal. L'influence de Buff Monster sur le pop art urbain moderne Buff Monster, artiste américain, se situe depuis longtemps à la croisée des chemins entre la culture des jouets de collection, le graffiti et le pop art psychédélique. Son œuvre intègre des motifs récurrents tels que la glace, la substance gluante, les globes oculaires et les coulures, et reflète une fascination pour l'esthétique pop japonaise et les bandes dessinées underground. Mister Melty, l'un de ses personnages les plus emblématiques, lui sert de terrain d'expérimentation créative. L'estampe HPM Orange Mister Melty témoigne de la recherche constante du détail artisanal chez Buff Monster, tout en préservant l'esthétique reproductible de la gravure. Elle représente la rencontre entre le raffinement industriel et la liberté de la rue, conçue pour les collectionneurs qui apprécient un design unique et chargé d'émotion. Cette estampe n'est pas seulement un objet de collection, mais aussi une pièce vibrante du récit visuel moderne qui définit aujourd'hui le Street Pop Art et le graffiti.

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Orientations de la nuit I Sérigraphie de Cleon Peterson sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à bords frangés, œuvre d'art en édition limitée. 2025 Signée et numérotée Édition limitée à 50 exemplaires par Cleon Peterson Format de l'œuvre : 12x16 Impression sérigraphique. Orientations de la Nuit I par Cleon Peterson « Orientations of the Night I » est une sérigraphie de 2025 créée par l'artiste américain contemporain Cleon Peterson. Tirée à 50 exemplaires numérotés et signés sur papier d'art Coventry Rag 290 g/m² à grain frangé, cette œuvre mesure 30,5 x 40,5 cm. Le contraste saisissant entre les figures noires et blanches sur un fond doré chatoyant témoigne de l'exploration constante par Peterson des thèmes de la domination, de la soumission et du conflit entre ordre et chaos. Reconnu pour son style à la fois dérangeant et élégant, Peterson crée un langage visuel intemporel et poétique, s'inscrivant dans la tradition du street art et du graffiti qui repoussent les limites politiques et psychologiques. Style visuel et structure symbolique L'estampe présente les figures emblématiques de Peterson, rendues en silhouettes plates aux courbes à la fois douces et agressives. Dans Orientations of the Night I, une silhouette noire et une silhouette blanche sont figées dans une pose visuellement intense et ambiguë, soulignant les rapports de force et la tension émotionnelle. Le fond doré contraste fortement avec les corps monochromes, accentuant la théâtralité et la charge symbolique de la scène. La composition saisit une impression de mouvement fluide et de lutte tout en conservant une structure rigide, presque classique. L'utilisation par Peterson du minimalisme, de la symétrie et d'une abstraction saisissante invite les spectateurs à s'interroger sur ce qu'ils voient et sur leur interprétation du conflit et de la vulnérabilité. Médium et production Réalisée selon un procédé de sérigraphie traditionnel, cette estampe témoigne de la maîtrise méticuleuse de Peterson sur sa production. Le fond doré, superposé à des encres noir mat et blanc éclatant, est imprimé sur papier Coventry Rag, réputé pour sa qualité d'archivage et ses bords frangés. Ce choix de matériaux renforce non seulement l'impact visuel, mais aussi le lien historique entre les beaux-arts et la culture urbaine, où la sérigraphie a longtemps servi de support à la création d'affiches politiques, de fanzines et de messages inspirés du graffiti. Le tirage limité de cette œuvre la confère à l'univers du Street Pop Art et du graffiti, transformant une esthétique graphique en un objet d'art de collection. Le rôle de Cleon Peterson dans l'art urbain pop et le graffiti Né aux États-Unis, Cleon Peterson s'est forgé une voix visuelle singulière et engagée dans l'art contemporain. Son œuvre puise à la fois dans la composition classique et dans l'immédiateté brute du paysage urbain. Bien qu'il ne soit pas un graffeur au sens traditionnel du terme, sa pratique s'enracine dans l'esprit du street art, utilisant l'audace visuelle et la critique sociale pour interroger le pouvoir, la justice et le contrôle de la société. Ses figures apparaissent souvent dans des scénarios dystopiques où l'autorité et la résistance s'affrontent violemment. « Orientations of the Night I » incarne cette dualité, dépeignant une lutte à la fois psychologique, mythologique et institutionnelle. Cette œuvre reflète l'intérêt constant de Peterson pour l'exploration des systèmes de domination et la frontière ténue entre protection et oppression dans la vie moderne. Par sa technique précise et sa narration symbolique, Peterson continue de contribuer avec une force inébranlable au discours en constante évolution du Street Pop Art et du Graffiti.

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Otaku - Blueberry Magenta, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts, par Aelhra, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 30 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Portfolio d'art lithographique offset Otaku, ensemble de 4 tirages par Glenn Barr, impression découpée et estampée à chaud sur papier beaux-arts, édition limitée, tirée à la main, œuvre d'art pop urbaine graffiti. 2018 Édition limitée signée et numérotée à 450 exemplaires Lithographie offset, ensemble de 4 œuvres d'art Format 11x12,63 Portfolio de lithographies offset Otaku de Glenn Barr : une collection d'œuvres d'art pop urbaines en édition limitée Dans le domaine du street art et du graffiti, le coffret de lithographies offset « Otaku » de Glenn Barr témoigne avec force de son talent artistique. Sorti en 2018, ce coffret en édition limitée incarne à merveille le style unique de Barr, qui fusionne harmonieusement les influences de la culture pop, l'esthétique urbaine et les univers oniriques de l'imaginaire. Limité à 450 exemplaires, chaque coffret est signé et numéroté par l'artiste, renforçant ainsi son exclusivité et son attrait pour les collectionneurs et les fans. Chaque estampe du coffret « Otaku » mesure 28 x 32 cm, un choix délibéré qui reflète le souci du détail de Barr et sa volonté de créer une expérience visuelle cohérente. Les estampes sont présentées dans un portfolio conçu sur mesure, orné de découpes complexes et d'un marquage à chaud bicolore, accentuant encore la valeur artistique et de collection de ce coffret. Le choix d'un papier beaux-arts pour les tirages garantit que chaque pièce capture l'intention créative de Barr et résiste à l'épreuve du temps en tant qu'œuvre d'art de collection. Importance culturelle et mérite artistique des estampes otaku de Barr Le coffret d'estampes Otaku est bien plus qu'une simple collection d'images ; c'est un récit tissé à travers l'art visuel. Le terme « Otaku » fait référence à la sous-culture japonaise fascinée par les ordinateurs et certains aspects de la culture populaire, un titre parfaitement adapté à l'œuvre de Barr, qui explore souvent les profondeurs de la sous-culture et de l'ésotérisme. Chaque lithographie du coffret ouvre une fenêtre sur l'univers de Barr, où les frontières entre réalité et fantaisie s'estompent et où les personnages s'entremêlent dans des scènes suggérant des histoires qui dépassent le cadre de la toile. Son talent de conteur à travers le Street Pop Art est indéniable. Ce coffret d'estampes comprend des personnages et des motifs qui résonnent chez le spectateur, évoquant souvent un sentiment de nostalgie tout en le propulsant dans un récit surréaliste. Ce mélange de familier et de mystérieux est la marque de fabrique du style de Barr, qu'il maîtrise avec précision dans ce coffret. Cette qualité unique confère au portfolio de lithographies offset Otaku l'essence même du street art et du graffiti, tout en lui assurant une identité propre au sein du genre. Valeur de collection et impact des lithographies de Glenn Barr Le tirage limité du coffret d'estampes Otaku, la signature de Barr et la numérotation séquentielle lui confèrent un caractère de collection très recherché. Collectionneurs et amateurs sont attirés non seulement par l'esthétique et les thèmes des estampes, mais aussi par leur potentiel d'investissement. La qualité artistique et la rareté des estampes font du coffret Otaku un objet de convoitise pour les connaisseurs du Street Pop Art et du graffiti. De plus, la présentation des estampes dans leur portfolio sur mesure témoigne de la compréhension qu'a Barr du désir de son public de posséder un ensemble artistique complet. Le portfolio est une œuvre d'art conçue avec soin pour mettre en valeur et protéger les estampes qu'il renferme. Cette attention portée à l'expérience globale du collectionneur démontre l'engagement de Barr envers la qualité et sa connaissance du marché de l'art. Le coffret d'estampes lithographiques offset Otaku de Glenn Barr est une collection remarquable qui capture l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. Cette exposition témoigne du talent de Barr, artiste capable de naviguer entre culture pop et art urbain pour créer des œuvres évocatrices et captivantes. Grâce à une sélection et une présentation soignées, cette édition limitée marque durablement l'art contemporain, incarnant la vitalité et le dynamisme qui caractérisent le parcours artistique de Barr.

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Notre véritable histoire, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par Ernesto Yerena, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2013 Édition limitée signée et numérotée à 100 exemplaires Œuvre d'art 18x24

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Estampe d'archive Outlook Not So Good de Luke Chueh, édition limitée sur format MEDIUM, art moderne de graffiti pop et d'artiste de rue. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 75 exemplaires, 2025. Dimensions de l'œuvre : 18 x 22 pouces. Pigments d'archivage. Reproduction d'art d'un ours blanc regardant une boule magique 8. Mélancolie du pop art urbain à travers des icônes minimalistes « Outlook Not So Good » de Luke Chueh est un exemple magistral d'art urbain contemporain, mêlant pop art et graffiti. Cette œuvre, à la fois profondément personnelle et universellement parlant, est imprimée en édition limitée à 75 exemplaires, signés et numérotés, en 2025. Ce tirage d'art pigmentaire de qualité archive mesure 45,7 x 55,9 cm. Il représente l'emblématique ours blanc de Chueh, penché sur une boule magique noire, tandis que la phrase « Outlook Not So Good » (Perspectives insatiables) apparaît en lettres blanches éclatantes au-dessus de lui. Le personnage, impassible, tient la boule comme en quête de clarté ou de résolution, mais se heurte à l'incertitude – une métaphore artistique saisie avec une élégante précision. Style et symbolisme de Luke Chueh Luke Chueh, peintre installé à Los Angeles, aux États-Unis, est reconnu pour son talent à mêler souffrance personnelle et simplicité visuelle propre à la culture pop. Son œuvre combine l'esthétique de figures douces et expressives, presque caricaturales, à une profondeur psychologique brute. L'ours blanc est devenu sa signature : un être au visage inexpressif, souvent représenté dans des scènes chargées d'émotion ou surréalistes. L'utilisation de la boule magique, objet de consommation courant associé au hasard et au destin, ajoute à son travail une dimension iconographique culturelle qui fait écho à l'incertitude et à l'introspection contemporaines. Le contraste saisissant entre le fond bleu profond et les tons désaturés de l'ours et de la boule noire souligne la gravité émotionnelle de l'œuvre. Placement contextuel dans le pop art urbain moderne Alors que le Street Pop Art continue d'évoluer, des artistes comme Luke Chueh jouent un rôle crucial en repoussant ses limites émotionnelles. Tandis que nombre d'œuvres du genre privilégient la rébellion ouverte, la satire ou un chaos vibrant, l'esthétique de Chueh embrasse le calme, la vulnérabilité et une honnêteté psychologique. « Outlook Not So Good » rejoint le panthéon des œuvres visuelles percutantes qui, par la simplicité et la métaphore, expriment un sentiment générationnel d'aliénation, de frustration ou de contemplation existentielle. Le style de Chueh s'intègre avec aisance aussi bien aux murs des galeries qu'à la culture urbaine, fusionnant harmonieusement beaux-arts et expression urbaine. L'estampe fait écho à la tension entre lutte intérieure et immobilité extérieure – des caractéristiques présentes dans certaines des œuvres de graffiti et post-pop les plus emblématiques des vingt dernières années. Support, format et pertinence pour les collectionneurs Imprimée sur papier pigmenté de qualité archive, cette édition offre une fidélité et une longévité dignes d'un musée. La richesse des tons, alliée aux dégradés subtils qui caractérisent les coups de pinceau réalisés à la main par Chueh, est parfaitement préservée. Son format 45,7 x 55,9 cm lui confère une présence murale affirmée sans être imposante, la rendant idéale pour les collections privées axées sur l'art urbain, le pop art contemporain et le minimalisme émotionnel. Tirée à seulement 75 exemplaires signés, elle revêt une valeur considérable pour les collectionneurs, notamment les amateurs de l'œuvre de Chueh et de l'iconographie émotionnelle du graffiti moderne. « Outlook Not So Good » s'impose comme une contribution majeure au Street Pop Art et au graffiti, reflétant les tourments intérieurs que beaucoup traversent derrière des visages impassibles et des symboles familiers. La capacité de Luke Chueh à extraire l'émotion d'une composition minimaliste donne une fois de plus naissance à une œuvre intemporelle à l'impact durable.

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Hors de l'espace et du temps, impression d'art giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 11x14 pouces (2021).

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Outta Time Controller 1.21 Gigawatts Édition Limitée Impression Giclée sur Papier Beaux-Arts par Tom Mac, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Outta Time Plate 1.21 Gigawatts Édition Limitée Impression Giclée sur Papier Beaux-Arts par Velvet Spectrum, artiste de rue de la contre-culture. Le collectif New Rule présente 1,21 GIGAWATTS, un hommage illustré à la trilogie culte Retour vers le futur ! L’histoire classique du jeune Marty McFly et du Doc Brown voyageant à travers le continuum espace-temps a inspiré toute une génération de passionnés de science-fiction et de voyages dans le temps à travers le monde, et reste encore aujourd’hui une œuvre cinématographique emblématique des années 80.

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Overloading The Grid David Byrne AP Sérigraphie par Shepard Fairey - OBEY x Bobby Grossman Couleur tirée à la main sur papier d'art Cream Speckletone Édition limitée Œuvre d'art Obey Pop Culture Épreuve d'artiste. Épreuve d'artiste AP 2024 Signée par Shepard Fairey - OBEY & Marquée AP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x24 Sérigraphie du chanteur des Talking Heads, David Byrne Photo par Bobby Grossman. « Je suis fan des Talking Heads depuis l'enfance, depuis que j'entendais des chansons comme « Once in a Lifetime » et « Burning Down the House » à la radio, bien avant de découvrir le punk rock et de comprendre le rôle important des Talking Heads dans l'émergence de la scène punk new-yorkaise au CBGB au milieu des années 70. Je me souviens avoir vu le film Stop Making Sense sur HBO à l'adolescence et avoir trouvé le chanteur des Talking Heads, David Byrne, très bizarre et incroyablement audacieux de danser dans un costume démesuré. Je ne savais pas encore qu'explorer l'étrangeté de l'existence était précisément le point fort de Byrne ! Plus tard, en mûrissant, j'ai réalisé à quel point les Talking Heads étaient créatifs et audacieux, tant musicalement que visuellement. » - Shepard Fairey Surcharge du réseau électrique : David Byrne, AP, par Shepard Fairey et Bobby Grossman L'épreuve d'artiste sérigraphique « Overloading The Grid » de 2024 réunit deux figures majeures de l'expression visuelle contre-culturelle : Shepard Fairey et Bobby Grossman. Tirée à la main, cette sérigraphie présente le portrait de David Byrne, leader emblématique des Talking Heads, d'après une photographie classique de Grossman réinterprétée par l'esthétique graphique inimitable de Fairey. Imprimée sur papier d'art Speckletone couleur crème, signée et marquée AP par Shepard Fairey, cette édition de 45,7 x 61 cm fusionne photographie, histoire de la musique et design engagé en un portrait unique, reflet d'un héritage artistique et d'une subversion culturelle. L'héritage de David Byrne dans l'innovation visuelle et sonore L'influence de David Byrne dépasse le cadre de la musique et s'étend aux univers de la performance, de la mode et du design. Chanteur des Talking Heads, son style à la fois cérébral et expérimental incarnait l'esprit de la scène new-yorkaise underground durant l'explosion punk des années 1970. Avec une présence scénique singulière et un don pour exploiter le malaise comme ressort thématique, Byrne a fait de la gêne un mode d'expression et de communication. Ses contributions aux clips, aux pochettes d'albums et aux mises en scène ont contribué à définir le langage visuel de la new wave et du post-punk, jetant les bases d'un style narratif visuel qui continue d'influencer l'art et le design contemporains. L'interprétation graphique de Shepard Fairey à travers le street art, le pop art et le graffiti La réinterprétation par Shepard Fairey de la photographie de Bobby Grossman s'inscrit pleinement dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti. À travers ses superpositions de grilles caractéristiques, sa palette de couleurs restreinte et ses ombres marquées, Fairey crée une tension visuelle entre formalité et rébellion. Son utilisation du contraste et son style confèrent au portrait une puissance souvent réservée à l'art de propagande, témoignant de son intérêt constant pour les messages et l'iconographie politiques. La sérigraphie, technique profondément ancrée dans le street art et la culture DIY, renforce le lien de l'œuvre avec l'esthétique underground. La technique de Fairey amplifie le regard de Byrne, faisant du portrait un symbole de défi créatif et de sophistication urbaine. L'influence de Bobby Grossman sur la mémoire culturelle Le photographe Bobby Grossman a capturé avec honnêteté et intimité l'énergie brute et intimiste des coulisses de la scène underground new-yorkaise. Son œuvre photographique, loin d'être un simple document, s'est pleinement intégrée à l'esthétique de l'époque. Cette collaboration avec Fairey rend hommage à l'influence de Grossman en tant que créateur d'images et archiviste des cultures punk, pop et street art. Son portrait de Byrne, stylisé, repensé et sublimé, trouve une nouvelle résonance dans le contexte plus large de l'art contemporain. En associant l'objectif de Grossman à l'univers visuel de Fairey, le tirage transcende le simple portrait : il témoigne de l'impact durable des artistes qui ont façonné le langage de la résistance et de la réinvention à travers le street art, le pop art et le graffiti.

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Œuvre d'art Ozymandias, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Pablo, sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 2 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure par SSUR - Ruslan Karablin, artiste pop art célèbre et rare. Édition limitée numérotée et signée de 2014 (60 exemplaires). Format : 45,7 x 61 cm. Quelques taches et légers plis. Cette estampe reproduit une affiche de recherche de Pablo Escobar. L'inscription « Muerto » (MORT) est imprimée sur son portrait. Rare estampe spéciale en édition limitée, désormais épuisée. Sérigraphie en édition limitée Pablo 2 couleurs, tirée à la main, par SSUR - Ruslan Karablin L'estampe sérigraphique en édition limitée « Pablo » (2 couleurs, tirée à la main) de SSUR - Ruslan Karablin est une œuvre provocatrice et rare, mêlant art urbain, pop art et graffiti. Elle fait directement référence à l'impact culturel et historique de Pablo Escobar à travers une affiche de recherche emblématique. Créée en 2014, cette édition limitée, signée et numérotée à 60 exemplaires, capture la convergence du commentaire politique, de l'histoire du crime et de l'esthétique du street art. Mesurant 45,7 x 61 cm, l'œuvre délivre un message brut et percutant grâce à un design minimaliste et audacieux qui renforce sa portée. SSUR et l'influence de la contre-culture et de l'art urbain Ruslan Karablin, alias SSUR, est un artiste de rue contestataire reconnu pour sa capacité à fusionner thèmes historiques et politiques avec une narration visuelle audacieuse. Son œuvre critique souvent le pouvoir, le capitalisme et la glorification de l'infamie, faisant de cette estampe inspirée d'Escobar un prolongement naturel de sa démarche artistique. SSUR utilise depuis longtemps une imagerie de type propagande, des impressions à fort contraste et des messages subversifs, des techniques qui s'inscrivent parfaitement dans la rébellion d'inspiration punk du street art et du graffiti. L'estampe Pablo illustre sa capacité à réinterpréter des figures historiques dans un contexte moderne et hyper-commercialisé, transformant avis de recherche, imagerie révolutionnaire et symboles capitalistes en œuvres d'art de collection. La sérigraphie, réputée pour ses textures riches et ses contrastes marqués, confère à l'estampe une authenticité particulière, renforçant son esthétique underground tout en préservant sa grande valeur artistique. Symbolisme et impact culturel de l'estampe Pablo Cette œuvre en édition limitée réinterprète un véritable avis de recherche émis par le gouvernement colombien contre Pablo Escobar, le tristement célèbre baron de la drogue dont l'empire criminel et le mythe continuent d'imprégner la culture populaire, le cinéma et le street art. Au lieu d'une simple photo d'identité judiciaire, SSUR ajoute une barre de censure rouge sur les yeux d'Escobar, avec le mot « Muerto » (Mort) imprimé en caractères gras et percutants. L'utilisation du rouge sur une image en noir et blanc symbolise la violence, la censure et le caractère brutal et définitif de l'héritage d'Escobar. En utilisant cette image historique dans un format de street art pop, SSUR soulève des questions sur la mythification des criminels, la marchandisation du crime dans la culture populaire et la relation entre propagande et société de consommation. L'estampe « Pablo », à l'instar de l'ensemble de l'œuvre de l'artiste, invite les spectateurs à repenser les structures de pouvoir et la manière dont des figures comme Escobar sont immortalisées et idéalisées dans les médias contemporains. Rareté et valeur de collection Cette estampe en édition spéciale, désormais épuisée, est considérée comme une pièce de collection rare dans le monde du street art et du graffiti. Tirée à seulement 60 exemplaires, sa technique de sérigraphie artisanale garantit à chaque pièce un caractère unique, renforçant ainsi l'authenticité et l'exclusivité de l'œuvre. Certaines estampes peuvent présenter de légères marques et taches, qui contribuent à leur charme brut, inspiré du street art. Les collectionneurs d'art urbain contemporain, de pop art politique et d'œuvres subversives issues de la culture street recherchent ce type d'œuvre pour son commentaire sur l'histoire, le pouvoir et le crime. L'estampe « Pablo » de SSUR est un exemple audacieux d'art de propagande moderne, transformant une prime offerte par le gouvernement en une œuvre engagée qui brouille les frontières entre récit historique et esthétique du street art contemporain.

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Pacific Rim, sérigraphie artisanale en édition limitée à 10 couleurs, encre métallique, sur papier beaux-arts, par Todd Slater, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Épreuve d'artiste (EA). 61 x 91 cm /// 10 écrans (avec un contour métallique), édition signée et numérotée de 175 exemplaires, EA de 75 exemplaires. « Lorsque j'ai découvert les premières images de Pacific Rim, j'ai été immédiatement frappé par la taille des Jaegers comparée à celle des humains. Ces images m'ont rappelé la fragilité de la vie humaine et j'ai décidé de créer mon œuvre autour de cette idée. Il y a une certaine tendresse dans les films espagnols de Guillermo que je souhaitais retranscrire dans cette estampe. Je voulais représenter ces machines géantes comme les protectrices de l'humanité face aux mystérieuses créatures surgies des profondeurs de l'océan. » – Todd Slater

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Dessin original de James Wilson, représentant une jeune fille peintre dans un style pop moderne et urbain. Ce dessin au stylo à bille et collage est réalisé sur papier d'art. Dessin original signé, 2022. Stylo à bille, papier découpé, journal et collage. Dimensions : 14,9 x 21 cm. Sortie : 10 février 2022. L'expression « hors réseau » véhicule une vision romantique de l'autosuffisance, du retour à la nature et à une époque plus simple, occultant souvent les aspects parfois oubliés de la sortie de sa zone de confort. Cette série d'œuvres peut être perçue comme une suite esthétique et thématique de la précédente collection « Ruptures et Défaillances », centrée sur l'idée d'une relation brisée. Désormais, l'œuvre explore des territoires inexplorés. En s'appuyant sur la technique du dessin au stylo sur papier, l'intégration de la découpe physique de fenêtres dans les pièces les transporte hors du connu et du familier, vers un univers expérimental et inconnu. « Ces œuvres continuent d'explorer l'évasion sous différents angles : le monde numérique de la réalité virtuelle, les espoirs placés dans les cryptomonnaies, le courage que procure l'alcool ou le frisson d'excitation lié aux environnements à haut risque. Toutes offrent une récompense, mais comportent aussi leurs propres risques. C'est en explorant au-delà du confort du connu et du rassurant, sans les filets de sécurité habituels, que l'on découvre le danger et le risque, mais c'est aussi dans l'inconnu que se trouvent le plus grand potentiel et la plus grande capacité d'épanouissement. » – James Wilson

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Estampe d'archives de la Tour du Peintre par Adrian Cox, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art de rue moderne. Tirage signé et numéroté 2023, édition limitée à 50 exemplaires, format 22x28, pigments d'archivage, beaux-arts. L'essence de « La tour du peintre » d'Adrian Cox « La Tour du Peintre » d'Adrian Cox est une œuvre fascinante qui capture l'essence de l'art contemporain à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Tirage d'art de qualité supérieure, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 50 exemplaires, chacun signé et numéroté, gage d'exclusivité et de la touche personnelle de l'artiste. Imprimée sur papier d'art Moab Entrada, un papier coton de 290 g/m² optimisé pour une haute résolution, l'œuvre révèle une richesse de couleurs et de textures caractéristique du travail minutieux de Cox. Ses dimensions, 56 x 71 cm, offrent un espace visuel généreux à son sujet complexe et mythique. Reflétant l'esthétique du street art, du pop art et du graffiti « Painter's Tower » témoigne du talent de Cox pour fusionner l'esthétique du pop art et la puissance expressive brute du graffiti. Sa représentation des « Borderlands » – un monde à la fois serein et complexe, peuplé de « créatures des frontières » – interpelle le spectateur. Ces créatures s'adonnent à des actes créatifs, peignant à l'intérieur d'une tour qui défie les lois de la physique et de la logique. Ce mélange de réalité et de fantaisie, de naturel et de surnaturel, reflète le pouvoir transformateur du pop art et du graffiti, métamorphosant souvent l'ordinaire en extraordinaire. Un voyage visuel dans le royaume mythologique d'Adrian Cox Cette estampe invite le spectateur à un voyage visuel au cœur du vaste univers mythologique de Cox. La figure centrale, une « Créature de la Frontière », est absorbée par sa peinture, entourée d'un paysage à la fois familier et étrange. Cette scène capture l'essence même de la création artistique. L'environnement autour du peintre est peuplé d'autres « Créatures de la Frontière », d'une flore luxuriante et de structures mystiques, le tout sous un ciel passant du crépuscule à la nuit. Riche en symbolisme, cette scène évoque le cycle de création et de transformation, faisant écho à la nature évolutive du Street Pop Art et du graffiti. « PaintCox'sT » d'Adrian Cox incarne les principes de l'art moderne dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti. Cette estampe en édition limitée abolit la frontière entre les beaux-arts et le Street Art, plus accessible au grand public, inscrivant le récit mythologique dans une perspective à la fois personnelle et universelle. L'œuvre de Cox continue d'inspirer et de captiver le public, prouvant que les récits du street art et du graffiti pop peuvent s'harmoniser avec les techniques raffinées des pratiques artistiques modernes reconnues.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie Panacea de MEUBON, tirée à la main sur papier d'art blanc coquille d'œuf extra-fin, édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de 300 œuvres d'art au format 20,25 x 15,75 sérigraphie. ยาตำราหลวง สถานที่จำหน่าย มาตำราหง เภสัชกรรม- Royal Medicine, Lieu de vente, Pharmacie Ma Tamra Hong Panacée par MUEBON – Remède satirique dans l'art urbain pop et graffiti « Panacea » est une sérigraphie en édition limitée de 2022, réalisée à la main par l'artiste thaïlandais MUEBON sur papier d'art Superfine Eggshell White, au format 51,4 x 40 cm. Signée et numérotée à 300 exemplaires, cette œuvre fusionne l'esthétique traditionnelle thaïlandaise avec un vocabulaire satirique propre au street art. La composition imite la mise en page et le ton d'une enseigne de pharmacie thaïlandaise vintage, avec des références typographiques à la médecine royale, des informations sur l'emplacement et des symboles réglementaires. Dans ce cadre, MUEBON insère son personnage emblématique : un oiseau noir espiègle à la posture quasi humaine, prenant soin de rangées de plants de cannabis aux couleurs éclatantes. La juxtaposition de l'autorité de l'État, de la légitimité médicale et de la rébellion populaire est exécutée avec une clarté visuelle chirurgicale et une acuité conceptuelle remarquable. Chaque ligne, chaque fissure, chaque élément graphique contribue à un message plus large sur la légalité, l'hypocrisie et l'évolution des normes culturelles. Symbolisme médicinal et ironie sociopolitique L'utilisation du titre « Panacée » par MUEBON évoque l'idée d'un remède miracle, d'une solution universelle aux maux de la société. Pourtant, l'estampe suggère que ce qui est présenté comme un remède est souvent dissimulé derrière des mécanismes de contrôle et des contradictions. Le personnage, rendu avec une précision de couleur et de personnalité remarquables, arrose des plants de marijuana avec l'indifférence désinvolte de quelqu'un qui a banalisé le tabou. L'arrière-plan imite des textures de murs usés et des panneaux défraîchis, suggérant un avis public officiel, désormais détourné. L'écriture thaïe affiche en gras des phrases telles que « ยาตำราหลวง » et « สถานที่จำหน่าย » (Médicament royal et Lieu de vente), tandis que la figure centrale sape le ton bureaucratique par une rébellion punk. Cette collision visuelle est typique de MUEBON : elle mêle un humour caricatural à une critique institutionnelle dans le style du Street Pop Art et du graffiti, et sert à la fois de documentation et de protestation. Technique de sérigraphie et précision esthétique L'estampe est réalisée selon les méthodes traditionnelles de la sérigraphie, ce qui permet à chaque couleur de conserver une saturation intense et une netteté parfaite des contours. Imprimée sur un papier blanc coquille d'œuf extra-fin, la texture subtile de l'œuvre accentue l'effet d'enseigne vintage, renforçant l'illusion de vieillissement et d'usure. La superposition maîtrisée des images – saleté, texte, plantes, timbres et personnages – témoigne de la précision de MUEBON dans la traduction de récits politiques complexes en œuvres d'art vibrantes et accessibles. Riche en codes culturels locaux, l'œuvre est universellement compréhensible, ce qui en fait un exemple remarquable, au sein du Street Pop Art et du graffiti, de la manière dont une voix régionale peut atteindre une résonance internationale grâce à une composition visuelle forte et une clarté thématique. MUEBON et l'anatomie culturelle de la légitimité Panacea n'est pas qu'une simple estampe : c'est un dialogue entre droit, commerce et autonomie individuelle. MUEBON utilise l'humour et une satire teintée de culture pop pour explorer l'évolution des relations en Thaïlande avec le cannabis médical, le contrôle gouvernemental et les tabous culturels. Son oiseau emblématique devient le symbole du citoyen lambda, naviguant dans un système qui légalise sélectivement ce qu'il criminalisait autrefois. L'œuvre fonctionne comme une métaphore visuelle des liens étroits entre pouvoir, propagande et santé publique. Dans le contexte du street art et du graffiti, Panacea propose un récit à plusieurs niveaux, dissimulé sous forme de signalétique publique. Elle suscite le rire, encourage le dialogue et invite les spectateurs à repenser la notion d'autorité lorsqu'elle se réinvente à travers des couleurs vives et des contradictions symboliques. MUEBON confirme ainsi son statut de maître de l'ironie visuelle et de l'analyse culturelle, à travers le prisme de la résistance urbaine.

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Pandemonium, estampe sérigraphique couleur à bords frangés tirée à la main sur papier beaux-arts, par l'artiste recherché Hijack, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés à la main et estampillés par l'artiste (2020). Œuvre d'art découpée à la main, format 22x22. Estampe caritative pour la Banque alimentaire mondiale contre la Covid-19 par Hijack. Présentation de « Pandémonium » par Hijack : une réflexion de street art pop sur la crise mondiale Créée en pleine période de crise sanitaire liée à la COVID-19, l'œuvre « Pandemonium » de l'artiste de rue Hijack capte l'esprit collectif d'un monde en proie à l'incertitude et aux bouleversements. Cette sérigraphie couleur, réalisée à la main sur papier d'art, est une impression en sérigraphie aux couleurs franches, incarnant la réponse poignante de l'artiste à l'impact de la pandémie sur la société. Hijack, dont le véritable nom contribue à son image énigmatique, est devenu une figure incontournable de la scène street art et graffiti contemporaine, avec des œuvres qui explorent souvent l'actualité et les problématiques sociales. Cette œuvre en édition limitée, de format 56 x 56 cm, est à la fois une déclaration visuelle et une initiative philanthropique : les bénéfices de sa vente seront reversés aux banques alimentaires internationales pendant la pandémie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun numéroté à la main et estampillé par l'artiste, « Pandemonium » devient une pièce de collection historique, immortalisant l'esprit du début des années 2020. Symbolisme et technique dans « Pandémonium » de Hijack « Pandémonium » offre un équilibre saisissant entre l'immédiateté du graffiti et la précision calculée de la sérigraphie pop art. L'image représente une silhouette en tenue de protection, dont la posture évoque un soignant et un agent de décontamination. Cette dualité souligne la réalité de première ligne face à la pandémie. L'utilisation de couleurs vives sur fond monochrome attire l'attention sur le sujet et insuffle à l'œuvre une vitalité inattendue au cœur de l'obscurité, caractéristique du street art et de sa capacité à révéler beauté et sens dans le sombre et le quotidien. Le papier beaux-arts sert de toile urbaine à Hijack, à l'instar des murs et des ruelles qui servent de support à d'autres graffeurs. Les bords irréguliers du papier font écho au caractère souvent brut et éphémère du street art, contrastant avec la permanence que symbolise cette édition limitée. C’est cette interaction entre le bref et le durable que Hijack explore dans « Pandemonium », réfléchissant à la nature éphémère de la pandémie tout en capturant un moment qui restera à jamais gravé dans l’histoire. La résonance culturelle du « pandémonium » dans le discours sur l'art urbain Dans le vaste discours du street art et du graffiti, « Pandemonium » résonne comme un artefact culturel, un phare de notre époque. L'œuvre illustre la manière dont les artistes de rue ont historiquement utilisé l'espace public et les supports accessibles pour refléter les sentiments de la société, susciter la réflexion et inspirer l'action. Le choix de Hijack de contribuer à une organisation caritative internationale par le biais de son art s'inscrit dans une tradition du street art qui consiste non seulement à commenter les problèmes sociaux, mais aussi à participer activement au changement sociétal. La représentation du personnage avec un flacon pulvérisateur portant l'inscription « COVID-19 » évoque un sentiment d'action et de responsabilité, une reconnaissance des efforts collectifs pour « purifier » le monde de la menace virale. Cette représentation dépasse la simple esthétique ; c'est un cri de ralliement, un hommage à la résilience de l'humanité face à une crise mondiale et un témoignage du rôle de l'art pour documenter, répondre et guérir les traumatismes collectifs. En tant qu'œuvre de street art, « Pandemonium » se distingue par sa capacité à saisir l'essence d'un événement mondial sans précédent, tout en conservant les éléments stylistiques et thématiques qui définissent le genre. L'œuvre de Hijack n'est pas seulement une réponse artistique à une pandémie ; c'est un témoignage historique et un commentaire sur la condition humaine, un rappel des bouleversements et des triomphes qui caractérisent notre époque. Dans l'histoire du street art, « Pandemonium » restera comme une réflexion poignante de l'ère de sa création, un témoignage du pouvoir de l'art à exprimer des émotions et des récits complexes. C'est un dialogue visuel entre l'artiste et le monde, une œuvre qui exprime la peur, l'espoir et l'esprit indomptable qui ont défini la réponse humaine à la pandémie de COVID-19. Avec « Pandemonium », Hijack contribue à la riche tapisserie du street art et du graffiti, qui continue d'évoluer et de résonner comme une voix du peuple dans l'espace public.

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Sérigraphie Pandemonium par TOMO77 x Shepard Fairey - OBEY Tirée à la main sur papier d'art crème moucheté, édition limitée. Œuvre d'art Obey Pop Culture Artist. 2021 Signée par TOMO77 et Shepard Fairey & Édition limitée numérotée à 300 exemplaires. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie « TOMO77 a documenté une période marquée par l'isolement et la confusion, depuis les premiers jours angoissants de la pandémie jusqu'à plus d'un an de troubles politiques et sociaux. Au milieu de ce témoignage poignant d'incertitude, de tumulte et de division, TOMO77 nous laisse avec une question : Où voulons-nous aller à partir de maintenant ? » - Shepard Fairey - OBEY. L'œuvre collaborative de TOMO77 et Shepard Fairey, la sérigraphie « Pandemonium », représente avec force la période tumultueuse qui a marqué le début des années 2020. Cette pièce en édition limitée, tirée à la main en quatre couleurs sur papier d'art crème moucheté, est un véritable artefact culturel, incarnant l'essence même du pop art urbain et du graffiti. Signée par TOMO77 et Shepard Fairey, elle fait partie d'un tirage limité à 300 exemplaires numérotés, témoignant de sa valeur et de sa rareté. Ses dimensions (45,7 x 61 cm) offrent un support idéal aux motifs complexes et aux contrastes saisissants, caractéristiques du travail des deux artistes. La contribution de TOMO77 est particulièrement marquante, son œuvre explorant souvent les thèmes du comportement humain, des bouleversements sociaux et de l'influence du capitalisme, notamment à travers le prisme de l'immigration. L'estampe « Pandemonium » reflète ces thèmes, abordant le désarroi mondial et l'introspection lors de troubles sociaux et politiques majeurs. La collaboration de Shepard Fairey avec TOMO77 sur ce projet renforce la portée narrative de l'œuvre, l'héritage de Fairey dans le street art et l'art engagé enrichissant le cadre conceptuel de l'estampe. Grâce à leur travail commun, « Pandemonium » devient plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une interrogation visuelle posée au public, l'invitant à réfléchir à la direction que prend l'humanité en temps de crise. L'estampe témoigne de la maîtrise technique de l'artiste et de son engagement à utiliser l'art comme outil de réflexion et de transformation.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Paranoïa n° 3 - Neon Rainbow 6 couleurs, édition mixte, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art de Tim Oliveira, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Estampe en édition mixte ME. Les couleurs des estampes varient selon les numéros de l'édition. Hommage à l'actrice Anita Ekberg. Tirage limité à 36 exemplaires (tous uniques). Dimensions : 45,7 x 57,8 cm. Sérigraphie en édition limitée, signée et numérotée au crayon. Chaque estampe de cette édition spéciale est unique, avec un fond dégradé, et ne sera jamais reproduite.

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Paranoïa - Sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 3 couleurs bleues sur papier d'art de Tim Oliveira, artiste pop art célèbre et rare. Hommage à l'actrice Anita Ekberg. Tirage limité à 27 exemplaires. Dimensions : 45,7 x 57,8 cm. Sérigraphie en édition limitée, signée et numérotée au crayon. Les 27 exemplaires sont identiques et numérotés de 1 à 27.

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Paranoïa - Sérigraphie artisanale en édition limitée rose vif 3 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Oliveira, artiste pop art célèbre et rare. Hommage à l'actrice Anita Ekberg. Tirage limité à 25 exemplaires. Dimensions : 45,7 x 57,8 cm. Sérigraphie en édition limitée, signée et numérotée au crayon. Les 25 exemplaires sont identiques et numérotés de 1 à 25.

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Paranoïa - Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs jaunes sur papier beaux-arts par Tim Oliveira, artiste pop art célèbre. Hommage à l'actrice Anita Ekberg. Tirage limité à 16 exemplaires. Dimensions : 45,7 x 57,8 cm. Sérigraphie en édition limitée, signée et numérotée au crayon. Les 16 exemplaires de cette édition sont identiques et numérotés de 1 à 16.

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Poisson-perroquet, sérigraphie bicolore réalisée à la main sur papier beaux-arts par l'artiste Nate Duval, œuvre d'art pop en édition limitée. Œuvre d'art signée en édition limitée de 2014, format 10x6

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Partiellement nuageux AP Pop Modern Movie Artwork Limited Edition Giclee Print on Fine Art Paper by Pixar Graffiti Modern Artist Raid71. Épreuve d'artiste AP 2022, tirage officiel Pixar « Partiellement nuageux », format 5x6, impression giclée courte, signée et numérotée à la main.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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