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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sam Flores - Bombe de peinture aérosol bleu clair en édition limitée, œuvre rare issue d'une collaboration avec le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Sans boîte. Sam Flores est un artiste américain contemporain originaire du Nouveau-Mexique, installé sur la côte ouest américaine depuis plusieurs années. Fortement influencé par le graffiti, il lui arrive fréquemment de peindre en direct avec des graffeurs. Son art unique mêle des personnages inspirés de l'art japonais à l'imagerie latine, caractérisée par une profusion de fleurs et de couleurs.

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SAMO©...Allongé sur un siège de voiture, West Broadway, 1978 Tirage d'art en édition limitée à l'encre pigmentaire d'archives sur papier d'art mat Hahnemühle William Turner 310 g/m² par l'artiste de graffiti pop moderne Al Diaz. Al Diaz « SAMO©...Allongé sur un siège auto, West Broadway, 1978» - Édition limitée à 25 exemplaires - 45,7 x 61 cm SAMO©...ALLONNÉ SUR UN SIÈGE AUTO, WEST BROADWAY, 1978 • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'art mat Hahnemühle William Turner, 310 g/m² • Bords frangés à la main • Vernis à la main • 45,7 x 61 cm Signé, numéroté et daté à l'encre par Al Díaz dans une édition limitée à 25 exemplaires • Avec inscription supplémentaire à l'encre « WE WERE SAMO©... »

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SAMO©…DEPUIS 1978... Coffret collector de luxe : tirage d’art en édition limitée, photos, livre et marqueur sur papier beaux-arts, réalisé par l’artiste de street art pop moderne Ali Diaz. Portfolio Al Daiz 2018, signé et numéroté, comprenant des estampes, des objets d'art, des supports et des photographies. Le Samo©… Depuis 1978… Le coffret collector de luxe comprend les articles suivants : Un exemplaire de première édition signé, avec une dédicace exclusive d'Al Díaz et Mariah Fox. Tirage d'archive signé et numéroté de 8 x 8 pouces, photographie d'Al Díaz datant d'environ 2018. Un ensemble de 11 tirages d'archives de photographies vintage SAMO©, mesurant chacune 4 x 6 pouces, avec des photographies d'Al Díaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav datant d'environ 1978/79. Un marqueur de peinture signé, utilisé pour créer une œuvre d'art originale SAMO©. Un sac fourre-tout en toile sérigraphié à la main, imprimé sur chaque face, mesurant 15 x 20 pouces. Une broche en forme de croix émaillée. Un paquet d'autocollants. Un marque-page. Un marqueur bleu. Une lettre d'authenticité signée. Importance historique et composition du SAMO©…DEPUIS 1978… Coffret collector de luxe Sorti en 2018, ce portfolio en édition limitée d'Al Diaz est un ensemble complet regroupant divers objets, chacun imprégné de l'essence du street art pop. Un livre de première édition, signé et dédicacé, offre un aperçu de la genèse et de l'évolution du tag SAMO©, un récit co-créé avec Mariah Fox. Ce livre est accompagné d'un tirage d'archive signé et numéroté, une photographie de 20 x 20 cm prise par Diaz, offrant un complément visuel au texte. L'univers du street art pop et du graffiti est en constante évolution, brouillant souvent les frontières entre œuvre d'art et document historique. Le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » illustre parfaitement cette intersection, offrant un lien tangible avec les racines du street art, vues à travers le regard de l'artiste influent Al Diaz. Ce coffret n'est pas qu'un simple assemblage d'objets d'art ; c'est une capsule de patrimoine culturel qui retrace l'ascension de l'un des tags les plus énigmatiques de l'histoire du graffiti. Pour approfondir le contexte historique, le coffret comprend onze tirages d'archives de 10 x 15 cm, présentant des photographies vintage de SAMO© signées Al Diaz, Natalya Maystrenko et Jane Burrell Yadav. Ces images capturent l'énergie brute de la fin des années 1970 et du début des années 1980 à New York, période où SAMO© est devenu un symbole reconnu de rébellion et de liberté artistique. L'inclusion d'un marqueur de peinture signé, utilisé pour la création d'une œuvre originale de SAMO©, atteste de l'authenticité du processus de création et fait le lien entre passé et présent. La valeur artistique et de collection de l'œuvre d'Al Diaz Le coffret collector de luxe rassemble des objets d'art allant au-delà des estampes et des photographies. Ce mélange éclectique comprend un sac fourre-tout en toile sérigraphiée à la main, une broche en forme de croix émaillée, une planche d'autocollants et un marque-page. Chaque objet est un souvenir précieux et un témoignage du parcours artistique d'Al Diaz. Le coffret contient notamment un marqueur bleu et une lettre d'authenticité signée, attestant de sa valeur en tant qu'objet de collection. La contribution d'Al Diaz à la scène du graffiti est profondément ancrée dans le patrimoine culturel de l'art urbain. Son œuvre, en particulier le tag SAMO©, co-créé avec le légendaire artiste Jean-Michel Basquiat, est devenu un symbole de l'esprit DIY et du caractère provocateur du street art. Ce coffret collector de luxe ne se contente pas de refléter l'empreinte artistique de Diaz ; il transmet les histoires, l'époque et le mouvement que représente SAMO©. Héritage de l'étiquette SAMO© L'héritage du tag SAMO©, immortalisé dans ce coffret collector de luxe, est multiple. Il témoigne du pouvoir des mots et des images dans l'espace public, et rappelle la nature éphémère mais aussi l'impact profond du street art. Les messages énigmatiques de ce tag ont jadis suscité la curiosité et les échanges entre les passants dans les rues de New York. Grâce à ce coffret, ils continuent d'inspirer la réflexion et l'appréciation des collectionneurs et des amateurs d'art. En somme, le coffret collector de luxe « SAMO©…SINCE 1978… » d'Al Diaz est bien plus qu'un simple objet de valeur ; c'est une pièce incontournable pour quiconque s'intéresse à l'histoire et à l'évolution du street art et du graffiti. À travers cette collection, Diaz inscrit son nom dans l'histoire de l'art et invite chacun à explorer et à comprendre l'impact profond du street art sur la société et la culture. Tirée à seulement 25 exemplaires, cette édition limitée occupe une place unique parmi les objets de collection d'art moderne, incarnant l'esprit d'une époque où l'art investissait la rue, bousculant les conventions et transformant à jamais l'expression urbaine.

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MartÍ Sawe Glossy Black Spray Paint Can Artwork by Montana MTN Limited Edition Artist Paint Crossover Graffiti Street Object Art. 2024 MartÍ Sawe Glossy Black Color Limited Edition of 500 Spray Paint Can with Custom Wood Box Object Artwork Size 3x8 Montana MTN Filled with Paint. Bombe de peinture aérosol noire brillante Sawe de Montana MTN, style street art pop et graffiti. En 2024, l'artiste de graffiti barcelonais Sawe a collaboré avec Montana Colors sur une édition limitée : une bombe de peinture noire brillante entièrement recouverte d'un motif. Reconnu pour ses personnages aux formes exagérées et ses lettrages audacieux, Sawe fusionne souvent la technique du graffiti avec une esthétique ludique inspirée des dessins animés. Cette bombe de peinture collector s'inscrit dans la tradition de Montana MTN, qui consiste à transformer des objets conçus par des artistes en œuvres d'art hybrides, à la fois fonctionnelles et utilitaires. Produite à 500 exemplaires, la bombe est à la fois un objet pratique rempli de peinture noire et une œuvre d'art à part entière, présentée dans un coffret en bois sur mesure. Elle constitue ainsi une fusion rare entre culture urbaine et design de collection. Mesurant 7,6 x 20,3 cm, elle conserve les proportions familières d'un outil de graffiti tout en offrant une surface d'expression tridimensionnelle. Composition artistique et identité visuelle L'illustration de Sawe sur la canette présente une composition vibrante et animée, jouant sur des contrastes de couleurs audacieux, des contours noirs nets et des volumes exagérés. Le traitement visuel est caractéristique de l'artiste, avec ses formes douces et gonflées et son abstraction centrée sur les personnages. La face avant de la canette arbore des formes bulbeuses et entrelacées dans des tons de rose, de cuivre, de vert et de bleu, évoquant des figures anthropomorphes ou des tags de graffiti surréalistes. Au dos, la signature de l'artiste, stylisée en blanc, se détache sur un dégradé de tons pastel et de textures floues. Ce niveau d'illustration et d'impression témoigne de l'engagement de Montana Colors à reproduire fidèlement des œuvres originales sur des supports non conventionnels. L'aptitude de Sawe à équilibrer chaos, humour et clarté est au cœur de son identité visuelle, et cette canette capture cette tension dans un format cylindrique compact qui renferme à la fois de la peinture et une énergie narrative. Contexte artistique et influence stylistique Né et élevé à Barcelone, Sawe est reconnu dans toute l'Europe pour son approche du graffiti mêlant BD et lettrage. Il expérimente fréquemment avec la création de personnages, l'intervention urbaine, l'animation et la fresque, forgeant une identité flexible oscillant entre surréalisme comique et traditions du graffiti. Son style brouille souvent la frontière entre graffiti et narration visuelle, où les lettres acquièrent des qualités anthropomorphiques et les scènes se transforment en univers complexes. La décision de Montana MTN de collaborer avec Sawe dans le cadre de sa série d'artistes 2024 le place parmi un groupe restreint de créateurs qui font le lien entre les racines brutes du graffiti et l'art contemporain. Son œuvre parle à une génération biberonnée à l'animation, à l'art numérique et à la BD, tout en conservant une crédibilité urbaine ancrée dans le tag et le muralisme. Édition limitée : forme et importance pour les collectionneurs La bombe Sawe Glossy Black est présentée dans un coffret en bois signé, doté d'une face avant transparente protectrice permettant d'admirer pleinement l'œuvre. Chaque bombe, numérotée et faisant partie d'une série limitée à 500 exemplaires, est remplie de peinture Montana MTN Glossy Black. Cette fusion entre outil de rue et objet d'art transforme la bombe en une véritable sculpture de collection. L'emballage, orné de la signature de l'artiste, renforce cette intention et ancre davantage l'objet dans la culture graffiti. À la fois hommage à l'art de peindre et témoignage de l'héritage visuel de Sawe, cette édition se distingue dans le paysage du street art et du graffiti, offrant une contribution tangible à l'imagination d'un artiste et à sa place dans le débat international sur l'art urbain.

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Photo d'archive Scale Up par Martha Cooper x 1UP Crew - One United Power x Nika Kramer x MOG Museum of Graffiti Édition limitée sur papier d'art Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. 2023 Signé par 1UP Crew - One United Power & Tirage numéroté en édition limitée à 40 exemplaires. Format : 19,75 x 24 pouces. Tirage pigmentaire d'archives. Photo Polaroid stylisée agrandie, prise par Martha Cooper et Nika Kramer Fine Art. Publié par 1UP Crew et le MOG Museum of Graffiti. Représente une photo vintage des graffeurs et artistes de rue de 1UP Crew, masqués, posant entre amis près d'une barrière de sécurité. L'équipe 1UP vue par Martha Cooper et Nika Kramer L'estampe d'archives « Scale Up » incarne l'esprit collectif du street art, capturé par l'objectif de deux photographes de renom, Martha Cooper et Nika Kramer, et incarné par le célèbre collectif 1UP Crew – One United Power. Cette œuvre d'art en édition limitée, réalisée en collaboration avec le MOG Museum of Graffiti, est une pièce riche et complexe qui immortalise un instant et raconte une histoire de camaraderie, d'identité et de culture street art. L'estampe, mesurant 50 x 61 cm et éditée à 40 exemplaires, est un agrandissement stylisé d'un Polaroid qui fige le 1UP Crew dans une pose spontanée derrière une barrière de sécurité, une scène familière aux escapades audacieuses des graffeurs et des artistes de rue. L'image est imprégnée de l'authenticité de l'univers du graffiti, le décor, les poses et les expressions traduisant l'essence même du street art. Un monde où les artistes opèrent souvent anonymement, les masques servant à protéger leur identité et symbolisant l'unité du 1UP Crew. L'estampe elle-même, signée et numérotée, devient une pièce de collection qui dépasse la simple esthétique, plongeant au cœur du récit du street art tel qu'il est vécu par l'un de ses collectifs les plus importants. Le récit artistique de « Scale Up » « Scale Up » n'est pas qu'une simple photographie ; c'est un récit visuel qui témoigne de l'esprit du collectif 1UP et de la culture du street art qu'il représente. La qualité vintage de l'image, alliée à la technique moderne de l'encre pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts, crée un pont entre les générations d'artistes de rue. La photographie de Martha Cooper, pionnière dans la documentation du street art, et de Nika Kramer, reconnue pour ses photographies culturelles, est un témoignage de la pérennité de ce mouvement. L'image raconte une histoire d'unité, de résilience et du pouvoir du street art à créer un sentiment d'appartenance parmi ses pratiquants. Le collectif 1UP, connu pour ses œuvres percutantes et de grande envergure, est ici représenté dans un moment de solidarité sereine, contrastant avec l'énergie souvent frénétique de son art public. Cette œuvre célèbre leurs réussites collectives et reflète les liens personnels qui constituent le fondement de leur travail. Le rôle du MOG Museum of Graffiti dans la préservation de l'art urbain Le MOG Museum of Graffiti joue un rôle essentiel dans la préservation et la promotion du travail d'artistes de rue comme le collectif 1UP Crew. En publiant et en exposant « Scale Up », le MOG réaffirme son engagement à faire passer le street art d'expressions éphémères à des œuvres d'art pérennes. L'implication du musée dans ce projet reflète sa mission plus large de préserver l'histoire du street art et de défendre son importance culturelle. La collaboration du MOG avec des artistes et photographes, tels que 1UP Crew, Martha Cooper et Nika Kramer, crée une synergie qui fait progresser le récit du street art. En offrant une plateforme à ces œuvres, le MOG garantit que les histoires et l'art des paysages urbains soient capturés et partagés avec un public plus large. L'engagement du musée envers la communauté du street art contribue à développer une appréciation de cette forme d'art et encourage le dialogue sur sa place dans le paysage artistique contemporain. Dans le monde de l'art, « Scale Up » témoigne du pouvoir transformateur de la collaboration, de la photographie et du street art. C’est un rappel de l’importance de préserver les moments qui définissent une culture et de célébrer les individus et les collectifs qui façonnent le langage visuel de nos environnements urbains. Alors que le street art et le graffiti continuent d’influencer notre paysage visuel et culturel, la contribution d’artistes comme le collectif 1UP et de photographes comme Martha Cooper et Nika Kramer continuera d’être saluée pour leur rôle dans la documentation et la définition de ce mouvement artistique dynamique.

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Photo d'archive Scale Up par Revok x Martha Cooper x 1UP Crew - One United Power x Nika Kramer x MOG Museum of Graffiti Édition limitée sur papier d'art Pop Graffiti Street Artiste Œuvre d'art moderne. 2023 Signée par Revok et numérotée Tirage limité à 40 exemplaires Dimensions de l'œuvre 19,75 x 24 Pigments d'archives Photo Polaroid stylisée agrandie Prise par Martha Cooper x Nika Kramer Fine Art Publiée par 1UP Crew x MOG Museum of Graffiti. Échelle supérieure : une convergence d'icônes dans la photographie de rue L'estampe d'archives « Scale Up » témoigne de l'esprit de collaboration qui anime les univers du street art et du graffiti. Cette œuvre est le fruit d'un partenariat unique entre le graffeur de renom Revok, la photographe de street art légendaire Martha Cooper, le collectif berlinois 1UP Crew et la photographe culturelle Nika Kramer, sous l'égide du MOG Museum of Graffiti. Tirée à 40 exemplaires numérotés et signés par Revok, cette édition limitée mesure 50 x 61 cm et immortalise un moment de l'histoire du street art sous la forme d'un agrandissement stylisé d'une photo Polaroid. Imprimée sur papier d'art avec des pigments d'archives, elle capture un instantané du street art en pleine action, reflétant l'énergie brute et la créativité spontanée qui caractérisent ce genre. Cette collaboration met en lumière la synergie entre artistes et photographes, chacun apportant sa vision et son talent uniques pour créer une œuvre qui transcende les formes artistiques traditionnelles. Revok et l'art de l'expression urbaine Revok, figure emblématique du street art, est reconnu pour ses œuvres abstraites complexes et colorées, utilisant souvent des matériaux de récupération et des paysages urbains comme supports. Son style caractéristique, marqué par une exploration vibrante des couleurs et des formes, est imprimé sur l'estampe « Scale Up », conférant à l'œuvre une profondeur et une texture uniques. La collaboration avec Martha Cooper, Nika Kramer et le collectif 1UP pour ce projet fusionne différentes perspectives du monde du street art, de la création à la documentation, offrant aux spectateurs un aperçu complet de la nature multiforme de cet art. Le rôle de Martha Cooper en tant que documentariste de la culture street art, associé aux photographies culturelles de Nika Kramer, offre un récit visuel qui complète l'éthique artistique de Revok. Leurs photographies sont bien plus que de simples témoignages du street art ; ce sont des œuvres dynamiques qui capturent l'essence de l'instant et le contexte dans lequel l'art s'inscrit. 1UP Crew - One United Power et MOG : Célébration de l'esprit collectif du street art L'implication du collectif 1UP Crew, reconnu pour ses œuvres ambitieuses et souvent engagées politiquement, enrichit la dimension de l'estampe « Scale Up ». Leur philosophie s'inscrit pleinement dans la dimension communautaire du street art, où la collaboration et le partage d'expériences sont essentiels au processus créatif. Le rôle du MOG Museum of Graffiti dans cette collaboration est crucial : en tant qu'institution culturelle, il préserve et fait évoluer l'histoire du graffiti et du street art. Publiée conjointement par 1UP Crew et le MOG, cette estampe en édition limitée est un témoignage de l'histoire du street art, reflétant le dialogue permanent entre artistes de rue, photographes et institutions culturelles. Elle célèbre le dynamisme et l'impact du street art, garantissant que l'énergie des rues et la voix des artistes qui les colorent continuent de résonner au sein de la communauté artistique et au-delà. Dans le milieu artistique, des collaborations telles que « Scale Up » rappellent le pouvoir transformateur de l'art et sa capacité à métamorphoser les objets et les perceptions. Ils font office de monuments aux artistes et photographes qui ont ouvert la voie à la reconnaissance et à la célébration du street art, garantissant ainsi que l'essence même de la rue — la voix audacieuse et sans concession du graffeur — reste un élément essentiel du débat dans le monde de l'art.

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Photo d'archive Scale Up par Vhils - Alexandre Farto x Martha Cooper x 1UP Crew - One United Power x Nika Kramer x MOG Museum of Graffiti Édition limitée sur papier d'art Pop Graffiti Street Artiste moderne Œuvre d'art. 2023 Signé par Vhils- Alexandre Farto & Tirage numéroté Édition limitée à 40 exemplaires Taille de l'œuvre 19,75x24 Pigments d'archives Photo Polaroid stylisée agrandie Prise par Martha Cooper x Nika Kramer Fine Art Publié par 1UP Crew x MOG Museum of Graffiti. Visions croisées : Vhils et le tissu de l'art urbain « Scale Up », une estampe d'archives née de la collaboration créative de Vhils (Alexandre Farto), Martha Cooper, du collectif 1UP et de Nika Kramer, incarne l'esprit de collaboration qui anime le street art et le graffiti. Cette édition limitée, signée par Vhils et numérotée sur 40 exemplaires, témoigne de la richesse et de la profondeur narrative de l'art urbain. Mesurant 50 x 61 cm, l'œuvre est une fusion entre le talent artistique unique de Farto, fruit d'une technique soustractive, et le sens documentaire de Cooper et Kramer. Elle est présentée par le collectif 1UP et le MOG Museum of Graffiti. La contribution de chaque artiste à « Scale Up » tisse un fil distinct dans la riche tapisserie de l'estampe. La technique de Vhils, qui consiste à extraire des couches successives pour révéler un récit sous-jacent, est manifeste. De leur côté, Martha Cooper et Nika Kramer apportent leurs perspectives photographiques emblématiques, immortalisant l'essence de la rue en un seul cliché. Le collectif 1UP, synonyme d'unité et de puissance dans le street art, fait le lien entre ces visions, tandis que le MOG offre une plateforme pour leur convergence, ancrant ainsi l'œuvre dans le discours de l'art moderne. L'alchimie artistique d'Alexandre Farto Alexandre Farto, alias Vhils, a révolutionné la scène du street art avec ses portraits ciselés qui explorent les profondeurs des environnements urbains. Sa participation à « Scale Up » offre un portrait poignant de la condition humaine au cœur du chaos de la vie citadine. L’art de Farto est un dialogue entre création et destruction, où le retrait de matière est aussi significatif que l’image révélée. Sa technique est une métaphore de l’expérience humaine : chaque couche enlevée dévoile des histoires gravées dans les murs par le temps et l’histoire. L’approche de Vhils en matière de street art dépasse la simple esthétique. Elle interroge les thèmes de l’identité, de la mémoire et du rythme effréné du développement urbain. En signant « Scale Up », Farto imprègne l’œuvre de sa philosophie, mariant la nature éphémère du street art à la permanence des beaux-arts. L’œuvre est un régal pour les yeux et une réflexion philosophique sur les espaces que nous occupons et les traces que nous y laissons. Le pouls collectif de « Scale Up » « Scale Up » est un projet collaboratif qui vibre au rythme de la scène street art, faisant écho aux aspirations des artistes qui considèrent la ville comme une toile et une muse. La participation de Martha Cooper et Nika Kramer à ce projet unit les générations, associant l'esprit pionnier des photographies de street art emblématiques de Cooper au regard culturel contemporain de Kramer. Leur œil commun révèle la beauté brute du street art, capturant sa magie éphémère dans un support durable. Avec la publication de « Scale Up », le collectif 1UP Crew réaffirme son engagement envers l'action collective dans la création artistique. L'esprit du collectif est palpable dans cet ouvrage, offrant un récit plus vaste et unifié de résistance, de résilience et de liberté artistique. Soutenu par le MOG Museum of Graffiti, cet ouvrage devient un témoignage historique. Cette édition limitée illustre la force pérenne de la collaboration dans le monde du street art. Au sein de la communauté artistique, « Scale Up » est reconnu comme une convergence de figures majeures, une harmonieuse fusion de talents et de visions individuelles qui, ensemble, racontent une histoire plus remarquable que la somme de ses parties. Alors que le street art et le graffiti continuent de façonner le paysage culturel, les contributions de Vhils, Martha Cooper, Nika Kramer et du collectif 1UP seront saluées pour leur capacité à saisir l'esprit de l'art urbain et sa volonté inébranlable de remettre en question, de redéfinir et d'inspirer.

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Œuvre originale unique de Sechor, réalisée à la peinture en aérosol sur toile par le célèbre artiste de graffiti de rue Sechor. 2021 Œuvre signée, technique mixte, sur toile non tendue de 18 x 24 pouces

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Train SECHOR n°2 Sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne Sechor. 2021 Signé, 7x2 pouces, Train miniature vintage à l'échelle HO, peint à la main avec de la peinture acrylique.

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Peinture aérosol Seen UA - Cascade Green, édition limitée rare, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN et une artiste reconnue. - Sans boîte Écrivain, illustrateur et tatoueur, il a développé une influence majeure dans le monde du graffiti, inspirant des milliers de jeunes à travers le monde. Présent à New York à la fin des années 1970, il a fait partie de la génération qui a popularisé le graffiti et reste, encore aujourd'hui, une figure emblématique de la scène artistique internationale. Longue vie au parrain du graffiti. Légende vivante.

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Sen2 - Édition limitée bleu clair, peinture aérosol rare, œuvre d'art croisée du célèbre fabricant de peinture pour graffiti Montana MTN. Né à Porto Rico, ayant grandi dans le Bronx, et présent dans le monde entier, SEN2 (4Burners) est une icône new-yorkaise qui a développé son style dans le respect de la tradition du wild style et avec un intérêt pour les styles européens.

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Plusieurs tirages d'art en édition limitée, réalisés à partir de pigments d'archives et signés par l'artiste de graffiti pop moderne Sheefy McFly-Tashif Turner, sur papier photo Hahnemühle Photo Rag 308 g/m². Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2021. Format de l'œuvre : 17 x 17 pouces. Artiste : Tashif « Sheefy Mcfly » Turner Description : Tirage en édition limitée avec plusieurs signatures : Impression pigmentaire d’archives Papier : Hahnemühle Photo Rag 308 Dimensions : 43,2 cm x 43,2 cm (17 po x 17 po) Tirage limité à 10 exemplaires Signé et numéroté à la main par l’artiste Estampillé à sec par Duboski Art Collab

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Shadow sur papier d'art de musée par DAIM, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 20 x 13 pouces. « En 1989, j'ai écrit pour la première fois mon nom d'artiste. Après toutes ces années, je considère toujours cette inscription comme un autoportrait. En se concentrant sur une idée, une technique ou un style, en travaillant longuement sur une œuvre, en s'y investissant pleinement, on apprend beaucoup sur soi-même et sur sa personnalité. Et cela se reflète naturellement dans mes créations. Je souhaitais réaliser quelque chose de particulier : cette série de trois estampes a été conçue pour refléter toute la palette de mon travail. L'utilisation du nom DAIM y devient de plus en plus complexe. Mon évolution personnelle est étroitement liée à ce processus. C'est une forme de maturation, une manifestation du vieillissement en général. » – Daim Tirage pigmentaire d'archive en édition limitée Shadow par DAIM Shadow de DAIM est une saisissante composition graffiti tridimensionnelle qui explore le contraste entre profondeur, structure et abstraction. Ce tirage pigmentaire d'archive sur papier beaux-arts de qualité musée présente l'illusion caractéristique de l'artiste, celle d'une inscription sculpturale où des formes angulaires et acérées semblent émerger du fond avant de s'y fondre. Le jeu d'ombre et de lumière renforce la présence monumentale de l'œuvre, en faisant un exemple parfait de graffiti moderne transformé en art à part entière. Influence du lettrage tridimensionnel et de l'architecture DAIM, de son vrai nom Mirko Reisser, est internationalement reconnu pour son rôle de pionnier dans le lettrage graffiti tridimensionnel. Son approche allie précision architecturale et mouvement abstrait, créant des compositions qui semblent s'affranchir du plan bidimensionnel. « Shadow » incarne cette maîtrise grâce à un jeu de profondeur, d'ombrage et d'ombre qui crée l'illusion de structures flottantes. Cette œuvre utilise une palette de gris, de noirs, de blancs et de touches de bleu, créant une esthétique industrielle et austère. Les ombres portées par chaque fragment de lettrage donnent l'impression que la composition existe dans un vide atmosphérique, soulignant l'énergie dynamique de destruction et de reconstruction qui la traverse. Les formes des lettres, très stylisées tout en restant presque déconstruites, symbolisent la fluidité de l'identité et l'évolution artistique. Évolution personnelle et graffiti comme forme d'introspection Pour DAIM, le graffiti est bien plus qu'une simple expression visuelle : c'est un autoportrait. Son approche du lettrage a évolué au fil des décennies, devenant de plus en plus complexe et introspective. Il décrit son travail comme le reflet de sa croissance personnelle, chaque composition marquant une étape distincte de son parcours artistique et personnel. « Shadow » représente un raffinement de sa technique tridimensionnelle, réduisant les éléments à leurs formes les plus essentielles et percutantes. Le chaos maîtrisé de la composition reflète un équilibre entre mouvement et immobilité, illustrant la capacité de DAIM à créer une tension harmonieuse au sein de son œuvre. Les coulures contrôlées le long des bords de la pièce évoquent les racines organiques du graffiti, rappelant aux spectateurs les origines brutes et urbaines de cet art. L'influence de DAIM sur le street art pop et le graffiti Les contributions de DAIM au street art et au graffiti l'ont imposé comme une figure majeure du lettrage urbain tridimensionnel. Son œuvre brouille les frontières entre graffiti, architecture et abstraction contemporaine, remettant en question les conceptions traditionnelles du street art. « Shadow » témoigne de la profondeur et de la sophistication du graffiti en tant que forme d'art, repoussant les limites du lettrage pour l'inscrire dans le domaine des beaux-arts et du design moderne. Maîtrisant la lumière, la perspective et la structure, DAIM a transformé le graffiti en une expérience visuelle totalement immersive, marquant durablement le monde de l'art. Sa capacité à métamorphoser de simples lettres en sculptures multidimensionnelles continue d'inspirer la nouvelle génération d'artistes urbains.

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Sans titre - Créatures requins en mouvement. Œuvre originale unique en son genre, réalisée à la peinture en aérosol et à la sérigraphie sur papier d'art de qualité supérieure par El Pez, artiste de street art et de culture pop. Peinture originale signée, réalisée à la bombe et sérigraphiée en 2015. Numérotée 1/1. Dimensions : 19,75 x 27,63 pouces. El PEZ (né en 1976) Sans titre, début du XXIe siècle. Sérigraphie avec embellissements à la peinture aérosol sur papier. 70,1 x 50,2 cm (feuille). Édition unique. Signée et numérotée au crayon en bas.

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Peinture en aérosol originale USPS Priority et marqueur permanent, étiquette Slap-Up, dessin artistique par l'artiste de graffiti Tru Shark Toof, œuvre d'art de rue moderne. Dessin graffiti original signé de 2015, réalisé à la peinture aérosol et aux marqueurs techniques mixtes, format 4,75 x 3,5 pouces. Étiquette d'art graffiti Slap Up 4,75x3,5, peinture en aérosol et marqueur, taguée sur une étiquette USPS.

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SheOne - Bombe de peinture aérosol noire en édition limitée, œuvre d'art rare, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. L'artiste britannique SheOne a récemment sorti sa propre bombe de peinture ALIEN en édition limitée, signée Montana. Connu pour ses collaborations avec la marque de vêtements Addict et ses nombreuses œuvres réalisées entre New York, Los Angeles, Tokyo et Sydney, ce célèbre artiste s'associe pour ce nouveau projet à Montana, la référence en matière de produits graffiti. Seuls 500 exemplaires ont été produits.

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Shizentomate, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier d'art naturel de musée 310 g/m² par Oga Namahage, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Shizentomotel, une fresque murale basée à Shonan [Shizentomotteru], présente une variété de personnages qui peuvent être considérés comme son propre arrière-plan et qui ont continué à transmettre le message ainsi que le « naturel » que ce nom a également attaché au cours parallèle des choses.

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Panneau de rue en métal véritable « Trottoir fermé » par Sonic Bad, artiste de graffiti technique mixte, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2012, réalisée à la peinture aérosol et sur métal, représentant un panneau de rue (24 x 18 pouces) avec deux Beat Boys stylisés des années 1970-1980, des tags de graffiti new-yorkais et des lettres bulles. Panneau de rue barré. Ode de Sonic Bad aux rues : La série « Trottoir fermé » L'œuvre « Trottoir fermé » de Sonic Bad, une création originale de 2012, insuffle l'esprit rebelle de la culture urbaine des années 1970 et 1980 à un support emblématique des contraintes urbaines : un véritable panneau de signalisation métallique. Cette œuvre en techniques mixtes, signée par l'artiste, illustre de façon saisissante comment le pop art urbain et le graffiti peuvent détourner les objets de la signalisation publique pour en faire des supports qui remettent en question et réinterprètent leur fonction première. Réappropriation des symboles urbains dans l'art de rue Le choix de Sonic Bad comme support – un panneau de signalisation métallique – transforme un symbole quotidien de contrôle en une représentation de la libération créative. L'œuvre, mesurant 61 x 46 cm, est vibrante de couleurs et de vie, offrant un contraste saisissant avec la fonction banale du panneau, qui est de délimiter les espaces. En le recouvrant de peinture, Sonic Bad s'approprie l'objet pour en faire une œuvre d'art, à l'instar des graffeurs qui investissent les murs pour leurs tags et leurs fresques. L'œuvre elle-même est un collage dynamique de tags et de lettres bulles typiques du street art new-yorkais. Elle met en scène deux beat boys stylisés, figures emblématiques de la culture hip-hop qui a émergé dans les rues de New York dans les années 70 et 80. Ces personnages ne sont pas seulement les représentants d'une époque, mais aussi des symboles de l'énergie et du rythme de la vie urbaine. Le langage visuel du graffiti et son évolution L'œuvre de Sonic Bad constitue un véritable lexique visuel de l'évolution du graffiti, illustrant la transition du tag – souvent une expression identitaire brute et textuelle – vers des œuvres plus complexes et stylisées. La série « Sidewalk Closed » est particulièrement évocatrice de cette évolution, mettant en lumière le passage de simples lettres à des représentations élaborées et colorées, où la qualité du trait prime sur le message. La peinture aérosol, médium emblématique du graffiti, confère une authenticité à l'œuvre ; ses coulures et son opacité font écho aux textures du street art rencontré dans la nature. Le panneau métallique, autrefois réfléchissant et directif, se teinte de noir et se texture sous les couches de peinture, métaphore de la manière dont le street art peut transformer la nature et le discours autour des espaces et objets publics. Sonic Bad et l'histoire vivante du street art « Sidewalk Closed » de Sonic Bad est bien plus qu'une œuvre isolée ; elle s'inscrit dans l'histoire vivante du street art et du graffiti. Elle reflète une époque où la culture urbaine imprégnait tous les aspects de la vie citadine, de la musique diffusée par les boomboxes aux œuvres qui ornaient les murs et les trottoirs. Cette pièce célèbre cette ère, rend hommage aux racines du street art et témoigne de son influence durable. En mêlant nostalgie et expression contemporaine, l'artiste invite le spectateur à explorer la richesse et la diversité du street art. À travers cette œuvre, Sonic Bad rend non seulement hommage aux pionniers du genre, mais s'inscrit également dans la continuité des artistes qui ont fait de la rue leur galerie. Son héritage réside dans sa capacité à transformer l'ordinaire en extraordinaire, garantissant ainsi que l'esprit de la rue demeure vibrant et visible.

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Trottoir fermé - Panneau de signalisation original en bois, technique mixte, graffiti pop moderne, par Sonic Bad. Œuvre originale signée de 2018, réalisée à la bombe aérosol et techniques mixtes sur bois. Panneau vintage « Trottoir fermé » de New York (NYC). Dimensions : 21,5 x 11,5 pouces. L'alchimie artistique de Sonic Bad : réinventer les avis publics « Sidewalk Closed - Wood » de Sonic Bad est une illustration remarquable du pop art moderne, imprégné de l'esprit urbain et de la culture graffiti. Créée en 2018, cette œuvre originale signée témoigne avec force du pouvoir transformateur inhérent au pop art urbain et au graffiti. La fusion de la peinture aérosol et des techniques mixtes sur un support en bois ayant autrefois servi de panneau de signalisation à New York illustre le goût de l'artiste pour la métamorphose du fonctionnel en une œuvre visuellement extraordinaire. Technique et symbolisme dans l'œuvre de Sonic Bad L'œuvre, mesurant 54,6 x 29,2 cm, témoigne de la maîtrise de Sonic Bad en matière de techniques mixtes. Elle intègre harmonieusement les textures du bois à la fluidité de la peinture aérosol, créant un effet de superposition qui confère profondeur et complexité à la composition. Le choix d'un panneau « Trottoir barré » est significatif : il transforme un objet symbolisant une obstruction en un portail d'expression créative, invitant ainsi à réfléchir au rôle de l'espace public et aux règles qui le régissent. L'approche de Sonic Bad vis-à-vis du panneau est à la fois subversive et ludique, détournant son sens premier et engageant le spectateur dans un dialogue sur l'accessibilité de l'art et de la communication publique. La palette de couleurs vibrantes et le travail de conception complexe captent le regard et suscitent la réflexion, une caractéristique essentielle du pop art urbain efficace. La manière dont les lettres et les caractères s'entremêlent avec l'avertissement du panneau incarne une sorte d'alchimie artistique, métamorphosant le banal en magique. Impact et réception des illustrations de panneaux de rue de Sonic Bad L'œuvre « Sidewalk Closed - Wood » de Sonic Bad ne se contente pas d'occuper l'espace ; elle capte l'attention et suscite l'interaction. Sa présence dans une galerie ou une collection privée continue de remettre en question la place du street art dans la hiérarchie du monde de l'art. Le travail de Sonic Bad est reconnu pour son appropriation assumée de l'esthétique du street art, tout en repoussant les limites de ce que cet art peut communiquer et de la manière dont il est perçu. Sonic Bad, artiste qui demeure une figure énigmatique de la scène graffiti, utilise l'anonymat comme un outil, laissant son œuvre parler d'elle-même. La contribution de l'artiste au pop art urbain se mesure à la vitalité des œuvres exposées dans l'espace public et aux conversations qu'elles suscitent. L'influence de ce travail dépasse les frontières de la rue, s'infiltrant dans la culture populaire et remettant en cause le statu quo de l'art traditionnel. L'héritage de Sonic Bad dans le Street Pop Art « Trottoir fermé - Bois » de Sonic Bad n'est pas qu'un simple élément de mobilier urbain recyclé ; c'est un microcosme du potentiel du street art à redéfinir l'esthétique de la vie urbaine. Cette œuvre se dresse comme un artefact culturel, un fragment de l'histoire de New York racontée à travers le regard d'un artiste de rue. L'héritage de Sonic Bad est inscrit dans chaque touche de couleur et chaque courbe, témoignant de l'attrait intemporel et du message social du pop art urbain et du graffiti. L'héritage d'artistes comme Sonic Bad se mesure souvent à la pérennité de leur œuvre dans l'imaginaire collectif et à leur capacité à inspirer les générations futures. En transformant un panneau de trottoir en toile, Sonic Bad a non seulement modifié la finalité de ce panneau, mais a aussi contribué à définir le street art comme une forme d'art pop moderne. Cette œuvre restera une référence dans les débats sur l'interaction entre espace public et liberté artistique, incarnant l'esprit d'un street art qui refuse d'être marginalisé.

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Figurine de robot en bombe de peinture Silver East Coast Legends 5oz Canbot Canz Pop Graffiti Art Toy par Crash - John Matos x Czee13 Édition limitée. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires, neuve en boîte, format 3 x 5,5, robot graffiti Crash argenté, canette de peinture aérosol Canbot 5 oz, jouet d'art. Crash's Canbot : Un hommage à l'esprit du graffiti Le Canbot Silver East Coast Legends est une figurine d'art en édition limitée qui capture l'esprit et l'histoire du graffiti à travers sa conception. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur John « Crash » Matos et l'artiste Czee13, cette pièce de collection fusionne l'énergie rebelle du street art et l'esthétique du pop art. Sortie en 2023, cette série était limitée à 100 exemplaires, chaque pièce étant une figurine de robot neuve dans sa boîte, inspirée d'une bombe de peinture, l'outil emblématique du graffeur. Avec sa finition métallique brillante, le Canbot incarne le caractère industriel et provocateur du graffiti. Son design rend hommage à Crash, pionnier de la scène graffiti de la Côte Est, dont le tag « CRASH » est inscrit sur le dessus de la bombe. Le robot prend la forme d'une bombe de peinture personnifiée, avec un bouchon en guise de tête et un corps orné du graffiti iconique de Matos. Cette figurine d'art ne se contente pas de représenter une figure statique, mais symbolise le mouvement et la fluidité du graffiti. Matos et Czee13 : Un pont entre le street art et la culture des objets de collection John Matos, plus connu sous le nom de Crash, a joué un rôle déterminant dans l'ascension du graffiti des rues aux galeries d'art. Sa collaboration avec Czee13 sur le Canbot renforce encore le lien entre le street art et le monde des objets de collection. Le Canbot n'est pas qu'un simple objet d'art ; c'est une véritable œuvre de pop art urbain, fusionnant le marché des objets de collection et l'esprit du street art. Le design unique de chaque Canbot témoigne de l'individualité et de la créativité qui définissent le graffiti. Cette série prolonge l'histoire du street art dans les intérieurs et les espaces personnels des collectionneurs, leur offrant une interaction privilégiée avec un morceau d'histoire de la culture populaire. Avec son design épuré et sa valeur historique, le Canbot est une œuvre d'art fonctionnelle, incarnant l'essence même de l'impact du street art sur la culture contemporaine et son influence durable sur divers médiums artistiques. Le Canbot comme œuvre marquante dans l'art du graffiti Le Canbot Silver East Coast Legends est bien plus qu'un simple hommage ; c'est une œuvre marquante qui témoigne de la pérennité et de l'évolution du graffiti. Cette série en édition limitée met en lumière le parcours transformateur du street art, des marges de l'espace public aux vitrines des collectionneurs. Chaque Canbot argenté, avec sa finition brillante et son design détaillé, porte en lui l'histoire du graffiti : son passé, son présent vibrant et son avenir prometteur. Plus largement, le Canbot de Crash et Czee13 est la manifestation concrète des dialogues que suscitent le street art et le graffiti : des conversations sur l'art, l'accessibilité, la culture et leurs intersections dans notre monde moderne. À travers cette œuvre, les artistes invitent les spectateurs à réfléchir à la valeur intrinsèque du street art, au-delà des murs, dans le quotidien, offrant un lien tangible avec le pouls des rues et l'art qui les anime.

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Étiquette d'expédition ornée d'un dessin original au marqueur métallique argenté, réalisée par l'artiste de graffiti Sechor, œuvre d'art urbaine moderne. Étiquette d'art graffiti originale signée Slap Up, 2021, 5,5 x 4,25 pouces, réalisée au marqueur et étiquetée sur une étiquette d'envoi prioritaire USPS. Gestion des plis au niveau de la partie centrale.

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Sket-One Sharpie à pointe biseautée, édition limitée, objet d'art de collection créé par l'artiste Sket-One. Marqueur unique 2022

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Skull No Line, édition limitée, sérigraphie technique mixte embellie à la main sur papier épais de 200 livres, par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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SlapTag Urban Decay Original One of a Kind Montana Gold Spray Paint and Acrylic Painting Artwork on Wood by Popular Street Graffiti Artist Lyric One. Œuvre originale signée de 2021, Montana Gold, peinture aérosol et acrylique sur panneau de bois. Dimensions : 45,7 x 45,7 x 5,1 cm. Sortie : 1er novembre 2021.

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Estampe d'archive Slayer Iconicizm par Cope2 - Fernando Carlo, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², style pop graffiti, art urbain moderne. Tirage d'art signé et numéroté, édition limitée à 60 exemplaires (2025), format 14 x 12 pouces, impression pigmentaire d'archives. Bronx Icon 25 par Cope2 : Un aperçu vibrant du pop art et du graffiti new-yorkais Cope2, de son vrai nom Fernando Carlo, né dans le Bronx à New York, livre une explosion chromatique d'énergie et d'histoire dans son estampe pigmentaire d'archive en édition limitée de 2025, « Bronx Icon 25 ». Réalisée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², cette œuvre de 35,5 x 30,5 cm capture l'énergie, le rythme et la personnalité brute de l'une des figures les plus influentes du graffiti. Signée et numérotée à 60 exemplaires, cette édition témoigne non seulement du statut de Cope2 dans le monde du graffiti, mais aussi de sa transition réussie vers les beaux-arts, tout en préservant l'authenticité de ses racines. Le vocabulaire visuel de Cope2 Le style de Cope2 est reconnu pour ses lettres bulles distinctives, ses aplats de couleurs superposés et son langage de tags incessant, mais Bronx Icon 25 transcende les attentes. L'œuvre propose un chaos maîtrisé où compositions abstraites et lettrage wildstyle se rencontrent. Sur un fond saturé de verts néon, de roses électriques, de bleus vifs et d'argent métallisé, son style manuscrit complexe jaillit avec des lignes acérées et un geste rapide. L'estampe arbore ses throw-ups emblématiques, imbriqués dans des marques superposées qui évoquent les panneaux de métro et les coins de rue des décennies passées. La force de cette œuvre réside dans sa capacité à passer avec fluidité d'une agressivité brute à un équilibre orchestré, une approche que Cope2 a perfectionnée au cours de ses quarante années d'évolution, des rues aux galeries internationales. La marque d'un pionnier sur le papier Bronx Icon 25 s'impose non seulement comme une œuvre d'art, mais aussi comme un témoignage de la résilience urbaine. Le tirage pigmentaire confère à l'œuvre une saturation de couleurs profonde et une qualité d'archivage durable, amplifiant ainsi l'intensité brute de l'art urbain de Cope2 dans un nouveau contexte. Chaque marque fait écho aux murs du New York des années 1980, époque où le graffiti, bien que criminalisé, s'épanouissait comme un langage visuel de la jeunesse, de l'identité et de la survie. Dans cette édition, les éclaboussures, les coulures et les griffures prennent tout leur sens. L'utilisation du papier Moab Entrada offre une surface texturée qui met en valeur les techniques de superposition d'encre, permettant au spectateur un contact tactile avec la rue. L'héritage dans l'évolution du street art et du graffiti L'œuvre de Fernando Carlo est fondamentale. Rares sont les artistes à avoir eu un impact aussi important sur la scène graffiti, tant comme innovateur culturel que comme artiste de renommée internationale. Bronx Icon 25 fusionne la sensibilité brute de l'aérosol avec la finition raffinée de l'estampe d'art moderne. Cette œuvre est la rencontre entre la tradition locale et la pertinence contemporaine mondiale. Elle reflète une époque où le graffiti était plus qu'une simple expression : c'était une présence, une forme de contestation, un lien communautaire. L'empreinte de Cope2 demeure indélébile, et Bronx Icon 25 témoigne de son origine, de son évolution et de sa vitalité intemporelle.

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Smile - Sculpture en bombe de peinture cyan en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Smile - Sculpture en bombe de peinture rose en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Portrait souriant - Sculpture en bombe de peinture cyan, édition limitée, réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la pop culture Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Portrait souriant - Sculpture en bombe de peinture rose en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Portrait souriant - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée d’œuvres de peinture en aérosol.

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Portrait souriant - Sculpture en bombe de peinture jaune en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Smile - Sculpture en bombe de peinture rouge en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue, graffeur et légende de la culture pop Mr Brainwash - Thierry Guetta. Édition limitée 2020, signée et numérotée, à 150 exemplaires. Format de l'œuvre : 3 x 8 pouces. Signée par empreinte digitale et numérotée, avec coffret de présentation personnalisé. Pièce de collection ultra rare et exceptionnelle : Mr Brainwash – Thierry Guetta, édition limitée, œuvre d’art réalisée à la bombe de peinture.

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Aperçu exclusif d'une sérigraphie en édition limitée, tirée à la main en 7 couleurs sur papier satiné Somerset 300 g/m², par Martin Whatson, un artiste pop art de rue rare et célèbre. Œuvre d'art en édition limitée, 2021, avec timbre en relief. Dimensions : 24,4 x 9,84 cm. Papier gaufré sur le pourtour du rideau pour un effet 3D, avec un graffiti en arrière-plan. Timbre réalisé par Martin Whatson & Graffitiprints. Éléments artistiques de « Sneak Peek » « Sneak Peek » est une sérigraphie en édition limitée de l'artiste norvégien Martin Whatson, reconnu pour sa fusion unique d'images en niveaux de gris et d'éléments vibrants de street art. Créée en 2021, cette œuvre est une impression artisanale en sept couleurs sur papier Somerset Satin 300 g/m², réputé pour son fini lisse et sa grande qualité, un support de choix pour les estampes d'art. L'œuvre présente un tampon en relief et mesure 62 x 25 cm. L'un des aspects les plus saisissants de « Sneak Peek » est le papier gaufré sur le bord du rideau, qui confère un effet 3D au graffiti en arrière-plan. Cette technique illustre l'approche novatrice de Whatson en matière d'estampe, alliant précision et qualité tactile des techniques traditionnelles. Style signature Martin Watson L'art de Whatson est un commentaire visuel sur les contrastes saisissants entre le paysage urbain et l'expérience humaine. Dans « Sneak Peek », l'utilisation du gris pour représenter la main et le rideau symbolise les aspects souvent monochromes et banals de la vie. Parallèlement, les graffitis colorés en arrière-plan représentent les strates vibrantes, souvent cachées, de la ville et sa culture expressive du street art. Intégration du street art pop et du graffiti « Sneak Peek » incarne l'esprit du street art et du graffiti en combinant références à l'art classique et techniques contemporaines du graffiti. L'œuvre est signée Martin Whatson et Graffitiprints, gage d'authenticité et hommage à la nature collaborative du street art. Le travail de Whatson est un dialogue entre tradition et modernité, et cette estampe témoigne de cette conversation permanente. En conclusion, « Sneak Peek » est une pièce de collection qui résume la perspective unique de Martin Whatson au sein du mouvement street art et graffiti. Elle met en lumière son talent pour fusionner différentes formes d'art et créer une œuvre à la fois accessible et complexe, offrant un aperçu du monde riche et nuancé du street art.

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Snoopy Bad INC est un artiste de graffiti original utilisant différentes techniques mixtes — du pop art moderne sur de véritables panneaux de signalisation métalliques Sonic Bad. Œuvre originale signée de 2015, technique mixte à la bombe aérosol sur panneau de sécurité en métal. Sonic BAD INC Snoopy Bad INC. Dimensions : 14 x 10 pouces. Représentation de Peanuts, Red Baron, Snoopy et Woodstock Bomber. Style graffiti stylisé : Snoopy tenant un pistolet, une caméra de sécurité et un bonhomme de neige. L'iconographie unique de Sonic Bad : Snoopy Bad INC. « Snoopy Bad INC » de Sonic Bad est une œuvre saisissante qui fusionne l'univers des personnages classiques de la bande dessinée avec l'esthétique brute du street art, révélant le talent de l'artiste pour mêler références à la pop culture et esthétique urbaine. Réalisée en 2015, cette œuvre mixte sur métal utilise la peinture aérosol pour insuffler une vie vibrante à un panneau de sécurité autrement banal. Mesurant 35,5 x 25,5 cm, cette œuvre originale signée présente une version revisitée des personnages emblématiques de Peanuts, Snoopy et Woodstock, réinventés en icônes rebelles dans une interprétation graffiti stylisée. Interpréter les récits de rue à travers le prisme de la culture populaire Sonic Bad, artiste reconnu pour repousser les limites du pop art urbain, imprègne « Snoopy Bad INC » de multiples significations. En représentant Snoopy le Baron Rouge et un poseur de bombes, Woodstock tenant un pistolet, juxtaposés à une caméra de surveillance et un bonhomme de neige, l'œuvre interroge l'État de surveillance et la perte d'innocence dans la société contemporaine. L'imagerie ludique contraste avec le message sous-jacent sur la sécurité, la surveillance et la militarisation du quotidien. La transformation de figures familières et rassurantes en agents de l'anarchie ou de la résistance est un thème récurrent du pop art et du graffiti modernes, où la recontextualisation d'images connues remet en question les perceptions et les attentes des spectateurs. La représentation de Sonic Bad invite à réfléchir à la manière dont l'innocence et l'insouciance peuvent être perverties par le contrôle et la violence de la société. Commentaire sur la fabrication de toiles et de métaux Le choix d'un panneau de signalisation métallique comme support pour « Snoopy Bad INC » est particulièrement significatif, suggérant une subversion de l'autorité et une appropriation de l'espace public généralement dévolu à ces panneaux. L'adaptation par Sonic Bad de ce symbole conçu pour réguler et avertir, en une œuvre d'art, souligne une reconquête du pouvoir d'agir, transformant un outil de contrôle en un moyen d'expression libre. L'utilisation de techniques mixtes dans « Snoopy Bad INC » met en lumière la polyvalence de Sonic Bad en tant qu'artiste. La peinture aérosol, élément incontournable du graffiti, confère à l'œuvre une dimension urbaine. Parallèlement, l'intégration d'autres matériaux ajoute texture et profondeur, créant une œuvre visuellement saisissante et qui invite à la réflexion. Cette œuvre témoigne du pouvoir du street art de transformer les objets et icônes du quotidien en messages profonds. L'évolution artistique et l'impact de Sonic Bad « Snoopy Bad INC » illustre l'évolution artistique de Sonic Bad et son impact sur le street art et le graffiti. Son talent pour fusionner culture populaire, esthétique du street art et critique sociale le place parmi les figures majeures du genre, capable de susciter le débat et de remettre en question les normes sociales. Cette œuvre est un ajout vibrant au discours du street art, témoignant de la capacité d'adaptation et d'évolution de ce genre. Le travail de Sonic Bad, à travers des pièces comme « Snoopy Bad INC », continue d'influencer et d'inspirer, assurant la pertinence et la vitalité du street art dans un paysage culturel en constante mutation. L'héritage de cet art réside dans sa capacité à interpeller, à provoquer et à perdurer, à l'image de l'artiste qui le crée.

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Œuvre unique de l'artiste : CFYW Portrait, tirages d'art en édition limitée à base de pigments d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop CFYW x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait CFYW • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Geoff Hargadon (Cash For Your Warhol) • Édition limitée à 25 exemplaires

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Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bill Barminski, édition limitée, tirages d'art pigmentaires d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Bill Barminski x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bill Barminski • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Bill Barminski • Édition limitée à 25 exemplaires

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Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bisco Smith, édition limitée, tirages d'art pigmentaires d'archives sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Bisco Smith x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait de Bisco Smith • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Bisco Smith • Édition limitée à 25 exemplaires

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Œuvre unique de l'artiste : Dave Navarro Portrait, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage, sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Dave Navarro x KJ Shows. Édition limitée 2021, signée et numérotée, exclusive à l'artiste : Portrait de Dave Navarro • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par Dave Navarro (lifeafterdeath) • Édition limitée à 25 exemplaires Sosie de l'artiste : Dave Navarro Portrait par KJ Shows « Sole of the Artist : Dave Navarro Portrait » est une estampe d'art en édition limitée de 2021, créée par KJ Shows, artiste de street art et de pop culture, en collaboration avec Dave Navarro. Signée et numérotée, cette estampe pigmentaire d'archive, imprimée sur papier d'art Moab Entrada Rag Bright 290 g/m², mesure 35,5 x 43 cm et fait partie d'une édition exclusive de 25 exemplaires. Représentant de façon hyperréaliste les bottes usées et tachées de peinture de Navarro, cette œuvre capture l'essence du parcours d'un artiste, symbolisant la créativité, la résilience et l'individualité. La finesse des détails – texture, éclaboussures de couleur et cuir patiné – transforme l'œuvre en un puissant reflet de l'expression artistique et de l'identité personnelle au sein du street art, du pop art et du graffiti. Symbolisme et technique artistique La composition de « Sole of the Artist : Dave Navarro Portrait » se concentre exclusivement sur les bottes du musicien, un choix délibéré qui déplace l'attention de la personne vers l'histoire qui se cache derrière l'objet. Le cuir usé et éraflé, recouvert d'éclaboussures de peinture, suggère des années d'exploration artistique, renforçant l'idée que les outils et les vêtements d'un artiste portent les marques de son évolution créative. Le niveau de détail élevé des lacets, des œillets métalliques et des couches de peinture démontre la capacité de KJ Shows à capturer non seulement une image, mais un récit inscrit dans des objets physiques. Le choix d'une impression pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts garantit la préservation de chaque variation subtile de ton, de texture et de couleur, renforçant le réalisme de l'œuvre. L'équilibre subtil des ombres et des lumières ajoute de la profondeur, rendant les bottes tangibles, presque comme si elles pouvaient être détachées de la page. Cette approche s'inscrit dans la tendance du Street Pop Art et du Graffiti à trouver du sens dans les objets du quotidien, les élevant au rang d'œuvres d'art. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de KJ Shows s'inspire fortement de l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, où les objets sont souvent utilisés comme symboles de culture, de rébellion et d'individualité. L'accent mis sur des bottes usées et personnalisées s'inscrit dans le langage visuel de l'art urbain, où les artistes intègrent fréquemment des matériaux de récupération, des textures abîmées et des objets personnels à leurs compositions. Les éclaboussures de peinture évoquent l'esthétique des ruelles couvertes de graffitis, ces murs recouverts des traces artistiques laissées par d'innombrables créateurs. Le lien avec Dave Navarro, reconnu pour son influence dans la musique et les arts visuels, renforce l'ancrage de l'œuvre dans la culture urbaine, soulignant que l'identité artistique ne se limite pas à la performance : elle est ancrée dans le quotidien et les expériences vécues. Le caractère artisanal de l'estampe, chaque exemplaire étant signé, daté et gaufré à la main, s'accorde avec la qualité tactile et brute souvent présente dans les œuvres inspirées du graffiti et les sérigraphies en édition limitée. Collectibilité et impact culturel Édition limitée à 25 exemplaires numérotés et signés, « Sole of the Artist : Dave Navarro Portrait » revêt une importance considérable dans l'univers du street art et du graffiti. La signature supplémentaire de Navarro, sous son pseudonyme « lifeafterdeath », lui confère une authenticité supplémentaire, établissant un lien indissoluble entre art visuel et art musical. Cette estampe n'est pas une simple représentation d'un objet ; elle est une réflexion sur le processus créatif, illustrant comment des objets personnels deviennent des témoins de l'histoire artistique. La capacité de KJ Show à métamorphoser une paire de bottes en un portrait saisissant révèle la dimension narrative profonde du street art et du graffiti, où objets, textures et surfaces racontent des histoires avec autant de force que les visages. Cette œuvre célèbre le parcours d'un artiste et témoigne du lien indéfectible qui unit la musique, la culture urbaine et les arts visuels.

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Œuvre unique de l'artiste : The Sucklord Portrait, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage sur papier d'art brillant Moab Entrada Rag 290 g/m², par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop The Sucklord x KJ Shows. Œuvre unique de l'artiste : Portrait du Seigneur des Aigles • Tirage pigmentaire d'archives autographié • Imprimé sur papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 35,5 x 43 cm (14 x 17 pouces) • Signé, daté, numéroté et estampillé à la main par KJ Shows • Signé également par le Seigneur des Aigles • Édition limitée à 25 exemplaires

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Impression d'art Quantum PP de Peeta, édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2012 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 26x16 Pigments d'archivage La fusion artistique dans « Speaking Quantum » de Peeta « Speaking Quantum » illustre avec brio comment les concepts abstraits de la physique quantique peuvent être rendus à travers le langage vibrant du street art et du graffiti. Cette épreuve d'artiste (PP) de Peeta révèle une interaction exquise entre forme, couleur et illusion de profondeur, en parfaite résonance avec l'esprit de l'art contemporain. Tirée en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², elle est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un fragment de culture pop contemporaine figé dans le temps. Créée en 2012, cette œuvre a été signée et marquée « épreuve d'artiste » par Peeta, attestant de sa rareté et de sa valeur souvent supérieure à celle des séries numérotées. La mention « PP » indique qu'il s'agit d'un tirage d'un petit nombre d'exemplaires destinés à un contrôle qualité avant le tirage principal, généralement conservés par l'artiste ou l'éditeur pour leurs archives ou des distributions spéciales. Les dimensions imposantes de l'œuvre, 66 x 41 cm, suffisent à captiver le regard du spectateur, l'invitant à se plonger dans la complexité de ses strates et l'élégance de ses courbes. Le travail de Peeta est réputé pour ses effets tridimensionnels, créant une impression de profondeur et de mouvement qui interpelle la perception du spectateur. « Speaking Quantum » est d'une force évocatrice remarquable : ses formes s'entrelacent et se replient les unes sur les autres, offrant une expérience quasi tactile. L'utilisation de pigments d'archivage garantit la préservation des nuances de couleur et de la précision des lignes, assurant ainsi la pérennité de l'œuvre. La vision de Peeta dans le contexte du street art et du graffiti Dans le contexte du street art et du graffiti, « Speaking Quantum » se distingue par son approche novatrice. Peeta, graffeur au style unique intégrant souvent des éléments sculpturaux, a transposé l'énergie dynamique du street art sur un support d'art de qualité. Cette œuvre, avec sa représentation abstraite et son design complexe, témoigne d'une évolution du graffiti qui transcende le simple lettrage pour accéder au domaine de l'art contemporain. Elle ne se contente pas de refléter la vision de l'artiste, mais incarne la fluidité du street art : une évolution constante, un dépassement permanent des limites et une exploration permanente de nouveaux territoires. Le choix de Peeta de capturer l'essence de la physique quantique – souvent associée au subatomique et à l'inconnu – à travers le graffiti illustre la richesse et la profondeur de cet art. L'œuvre instaure un dialogue entre le connu et l'inconnu, le visible et l'invisible, à l'image de la physique quantique. « Speaking Quantum » invite le spectateur à interpréter la convergence et la divergence des éléments pour trouver un sens aux formes abstraites. La fluidité et le mouvement de l'œuvre suggèrent un moment de transformation, une représentation visuelle de l'énergie en mouvement. Cet artefact moderne enrichit le paysage visuel et suscite la curiosité et l'introspection, invitant à une exploration plus profonde du monde de la mécanique quantique et de l'art qu'elle inspire. En préservant « Speaking Quantum » sous forme d'estampe en édition limitée, Peeta permet aux amateurs d'art et aux collectionneurs d'appréhender le pop art urbain sous un angle nouveau. C'est une invitation à explorer les intersections entre l'art, la science et la philosophie à travers le prisme du graffiti, marquant une étape importante dans le parcours du street art, des ruelles et du métro aux galeries et collections privées. L'existence de cette œuvre en estampe PP rehausse son statut, lui assurant une place de choix et exclusive dans le paysage de la culture pop et graffiti.

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à l'aide de pigments d'archivage pulvérisés sur papier Moab Entrada 290 g/m², par l'artiste pop urbain Josh Keyes. Œuvre d'art moderne. Édition limitée 2017, signée et numérotée, à 175 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 20 x 16 pouces.

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