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Paysage 33 Œuvre d'art Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Sam Chivers. Impression giclée 16,5 x 23,4 cm sur papier d'art Hahnemühle. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Larry Bird 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, objets de collection urbains Larry Bird, numéro 33 et champion NBA, est l'un des plus grands joueurs de tous les temps. Son tir à trois points longue distance et son tempérament de feu ont fait de lui une légende. Il est désormais immortalisé en figurine Bearbrick, disponible en deux tailles : 100 % et 400 % ! Chaque figurine mesure respectivement 7 cm et 28 cm.

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Lava AP Pop Modern Movie Artwork Limited Edition Giclee Print on Fine Art Paper by Pixar Graffiti Modern Artist Raid71. Épreuve d'artiste AP 2022, tirage officiel Pixar Lava 5x6, impression giclée courte, signée, édition numérotée à la main de 40 exemplaires.

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Collection LDN Paris, sérigraphie de Paul Insect, imprimée à la main sur panneau, édition limitée. Édition limitée 2019, signée et numérotée, lot de 3 œuvres d'art sur carton, format 9,38 x 6,75 pouces chacune, sérigraphie. Collection Paul Insect LDN Paris, sérigraphies 2019 La collection LDN Paris 2019 de l'artiste contemporain britannique Paul Insect est un ensemble vibrant de trois sérigraphies qui illustre sa fusion de sensibilité pop, d'esthétique du street art et d'expérimentations graphiques audacieuses. Chaque œuvre de la série mesure 23,8 x 17,1 cm et est tirée à la main sur carton, signée et numérotée en édition limitée. Reconnu pour son utilisation saisissante de la couleur, ses compositions superposées et ses subtiles accents surréalistes, Insect présente un agencement hypnotique d'yeux humains partiellement voilés par des formes colorées vives et irrégulières, créant un sentiment d'intimité et de détachement. Le motif récurrent de l'œil invite le spectateur à un échange visuel direct, tandis que les formes environnantes perturbent et fragmentent le regard. Variations de couleurs dynamiques L'ensemble propose trois palettes de couleurs distinctes – des fonds à dominante rose, orange et bleue – chacune rehaussée de formes nettes et contrastées dans des tons de vert électrique, rose vif, jaune éclatant et bleu saturé. Le rendu pointilliste des yeux confère une texture d'impression vintage, juxtaposée aux aplats de couleurs contemporains. Ce contraste délibéré de styles d'impression accentue la sensation de mouvement et de tension au sein de l'œuvre, tout en témoignant de la maîtrise des techniques de sérigraphie par Insect. La réalisation artisanale des impressions garantit une richesse de couleurs et une précision de superposition exceptionnelles, permettant à chaque panneau de s'affirmer à la fois comme une pièce unique et comme élément d'un triptyque cohérent. Influence du street art et exécution en beaux-arts Le parcours de Paul Insect a longtemps fait le lien entre l'énergie brute de la culture urbaine et le raffinement des œuvres exposées en galerie. Ses compositions possèdent souvent l'immédiateté des affiches de rue collées à la paille, tout en étant méticuleusement élaborées avec la maîtrise et la pérennité de la gravure d'art. Dans la collection LDN Paris, les yeux désincarnés évoquent les thèmes de l'anonymat, de la surveillance et des récits invisibles de la vie urbaine. Les fragments superposés qui entourent le regard suggèrent à la fois camouflage et révélation, reflétant la tension entre présence publique et identité privée souvent présente dans le contexte du street art. La vision artistique de Paul Insect Né au Royaume-Uni, Paul Insect s'est fait connaître internationalement au début des années 2000 grâce à son approche singulière mêlant sous-entendus politiques, humour surréaliste et audace graphique. Son œuvre s'est exposée aussi bien dans des espaces clandestins de la rue que dans des expositions prestigieuses, brouillant souvent la frontière entre commentaire urbain subversif et œuvre d'art de collection. La collection LDN Paris illustre sa capacité à transformer des éléments visuels simples – ici, l'œil humain – en messages complexes et stimulants, sublimés par une utilisation audacieuse de la couleur. Ce coffret de sérigraphies en édition limitée témoigne non seulement de sa précision technique, mais aussi de l'énergie et de l'impact visuel qui ont fait de Paul Insect une figure majeure du street art, du pop art et du graffiti contemporains.

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Le Voleur, édition limitée, sérigraphie 4 couleurs sur papier d'art Mohawk 130 lb, par 123Klan, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Le voleur est l'un de nos personnages emblématiques. Il est représenté sur une toile de 152 x 91 cm disponible à la galerie Yves Laroche. Au premier abord, il ressemble à un simple voleur, mais il est en réalité une version moderne de Robin des Bois. » – 123Klan

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Leaf Fox, édition limitée, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Heath Ledger Joker Construction Zone Original Street Sign Painting by RD-357 Real Deal One a Kind Artwork on Real Metal NYC New York Construction Zone No Trespassing Street Sign by Graffiti Art Pop Artist. Peinture originale signée, réalisée en 2012, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur panneau de signalisation « Zone de construction – Défense d’entrer » de New York (24 x 24 pouces) . Le Joker, interprété par Heath Ledger dans le film Batman, regarde le spectateur. Étiquette RD rouge rouille. Le Joker d'Heath Ledger de RD-357 : une fusion de street art pop et d'iconographie L'œuvre originale de RD-357, alias Real Deal, intitulée « Heath Ledger Joker Construction Zone », une peinture de rue qui capture l'essence du pop art urbain. Elle utilise de manière provocatrice un panneau de signalisation public détourné à des fins artistiques. Créée en 2012, cette œuvre mixte, réalisée à l'acrylique et à la bombe aérosol, transforme un panneau « Défense d'entrer » de chantier new-yorkais en une toile représentant le célèbre ennemi de Batman, incarné par Heath Ledger. Cette performance interpelle et captive le spectateur. Contextualisation de l'approche artistique de RD-357 RD-357, artiste dont le véritable nom reste un mystère, fidèle à l'esprit d'anonymat propre au street art, est connu pour ses interprétations percutantes de figures de la pop culture sur des supports non conventionnels. Cette œuvre en particulier, mesurant 61 x 61 cm, témoigne de la versatilité du street art et de sa capacité à repousser les limites traditionnelles. RD-357 s'inspire de l'esprit anarchique du Joker, utilisant un symbole de loi et d'ordre – un panneau de chantier – pour dépeindre une image de chaos et de rébellion. L'ironie est frappante : le panneau, qui interdisait autrefois l'accès à une propriété privée, invite désormais le spectateur à une interaction personnelle, voire provocatrice, avec l'œuvre. Symbolisme et impact de l'illustration du Joker de RD-357 Cette œuvre n'est pas un simple portrait ; c'est une prise de position. En choisissant le Joker d'Heath Ledger, RD-357 puise dans la conscience collective d'une société fascinée par l'archétype de l'anti-héros. L'interprétation du Joker par Ledger a été célébrée à titre posthume, et sa mort en 2008 a laissé une empreinte culturelle que RD-357 exploite dans cette œuvre. La juxtaposition de la figure du Joker sur fond de panneau de chantier new-yorkais en dit long sur les courants chaotiques qui sous-tendent l'ordre apparent de la vie urbaine. L'utilisation de techniques mixtes, avec de l'acrylique et de la peinture aérosol, souligne la nature brute et viscérale du street art, tout en rendant hommage à la vitalité du pop art. Le regard du Joker, associé aux couleurs vives et alarmantes du panneau de chantier, crée une présence à la fois troublante et magnétique. Cette interaction oblige le public à réfléchir aux différentes strates de sens de l'œuvre – de la transformation d'un espace public en un moyen d'expression personnelle au dialogue entre l'art et le spectateur qui remet en question les normes sociétales et la définition même de l'espace public. En conclusion, le Joker d'Heath Ledger, réalisé par RD-357 sur un panneau de chantier new-yorkais, illustre de façon remarquable comment le street art peut fusionner iconographie culturelle et message subversif. À travers cette œuvre, l'artiste immortalise un personnage de film culte et interroge les notions d'autorité, de propriété et le rôle de l'art dans le débat public. Cette œuvre unique témoigne du pouvoir du graffiti à redéfinir les espaces et à susciter la réflexion, bien après que la peinture ait séché.

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Planche de skateboard Lee Quinones Logo Deck - Édition limitée bleue, sérigraphiée par Supreme, artiste de la culture pop urbaine. En 2018, la planche de skate Supreme x Lee Logo met à l'honneur l'artiste portoricain et acteur de « Wild Style », Lee Quiñones, dans une collection commémorative de la saison Printemps/Été 2018. Connu pour ses graffitis dans le métro new-yorkais des années 1970, Lee Quiñones a inspiré cette planche. Le dessus arbore sa signature imprimée en blanc, tandis que le dessous présente un graffiti « Supreme » en bleu, blanc et noir, sur un fond vert rappelant les carreaux du métro, avec l'inscription « Silent thunder » en blanc. L'acteur et artiste portoricain Lee Quiñones s'est fait connaître comme graffeur dans le métro new-yorkais des années 1970. Durant la saison Printemps/Été 2018, Supreme a sorti plusieurs articles reprenant les œuvres de Lee Quiñones, notamment des sweats à capuche, des vestes, des shorts, des pantalons et cette planche de skate bleue. Cette dernière présente un exemple de son célèbre style graphique, avec le mot « Supreme » en bleu sur fond vert. Le dessus du jeu comporte la signature imprimée de Quinones, ce qui le rend parfait pour être accroché dans votre berceau comme bon vous semble.

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Planche de skateboard Lee Quinones Logo Deck - Édition limitée rouge, sérigraphiée par Supreme, artiste de la culture pop urbaine. En 2018, la planche de skate Supreme x Lee Logo met à l'honneur l'artiste portoricain et acteur de « Wild Style », Lee Quiñones, dans une collection commémorative de la saison Printemps/Été 2018. Connu pour ses graffitis dans le métro new-yorkais des années 1970, Lee Quiñones a inspiré cette planche. Le dessus arbore sa signature imprimée en blanc, tandis que le dessous présente un graffiti « Supreme » en bleu, blanc et noir, sur un fond vert rappelant les carreaux de métro, avec l'inscription « Silent thunder » en blanc. L'acteur et artiste portoricain Lee Quiñones s'est fait connaître comme graffeur dans le métro new-yorkais des années 1970. Durant la saison Printemps/Été 2018, Supreme a sorti plusieurs articles reprenant les œuvres de Lee Quiñones, notamment des sweats à capuche, des vestes, des shorts, des pantalons et cette planche de skate rouge. Cette dernière présente un exemple de son célèbre style graphique, avec le mot « Supreme » en rouge sur fond vert. Le dessus du jeu comporte la signature imprimée de Quinones, ce qui le rend parfait pour être accroché dans votre berceau comme bon vous semble.

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Mini Nug Limonade en édition limitée, jouet d'art de collection fait main et peint par les artistes pop Nugg Life NY - Ian Ziobrowski. « LEMONADE », une mini-fleur de Lemonade, est idéale pour les aventuriers. Que vous escaladiez des montagnes ou traversiez les océans en kayak, votre journée semblera interminable grâce à cette variété énergisante. Vous pouvez aussi simplement vous détendre et la savourer comme un verre de limonade sucrée, en contemplant le ciel bleu et en laissant libre cours à votre imagination. Chaque mini-fleur mesure entre 6 et 7,5 cm de haut et est entièrement fabriquée à la main. Les bases sont sculptées et reproduites en résine. Livrée dans un emballage rappelant le service de livraison new-yorkais classique. Édition limitée à 10 exemplaires, signés et numérotés.

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Leonys Martin/ Old Man- Rangers Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale estampillée de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps avec un style pop art inspiré de : Leonys Martin/Old Man - Rangers

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Let Go Blotter Paper, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Slegh, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Liberty Girl - Sculpture en polystone Freedom, édition limitée, œuvre de l'artiste Brandalised, célèbre pour ses peintures de graffiti pop et son art urbain. Mesurant 25 cm de haut et arborant sa coiffure verte emblématique, la deuxième version de la célèbre Liberty Girl affiche fièrement ses inspirations. Juchée sur une boîte et se curant le nez, Liberty Girl fait preuve d'une arrogance enfantine dans sa quête de liberté. Ne manquez pas l'occasion de posséder cette œuvre d'art remarquable, désormais immortalisée dans une figurine en polystone en édition spéciale. Bougie en aérosol non consumée incluse.

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Sculpture en vinyle Liberty Grin Pride of USA en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste de rue et de graffiti Ron English - POPaganda. Figurine Popaganda Liberty Grin Pride Of USA de 56 cm (22 pouces) avec socle (vert) - Collection Ron English - Taille : 56 cm (22 pouces) - Figurine en vinyle La statue Liberty Grin de Ron English (POPoganda) célèbre le symbole iconique et intemporel de la liberté grâce à son esthétique caractéristique. La nouvelle édition « Fierté des États-Unis » rend hommage à l'Amérique avec un design patriotique orné des étoiles et des rayures du drapeau américain. Haute de 56 cm (socle inclus), la statue en vinyle Liberty Grin « Fierté des États-Unis » deviendra sans aucun doute la pièce maîtresse de votre collection et suscitera la conversation.

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Peinture murale originale Life Art Train, style métro, réalisée par l'artiste de rue Rek Santiago. Sculpture de train originale de style urbain, réalisée à la main au marqueur aérosol en 2010. Œuvre unique. Dimensions : 20,25 x 5 x 1,75 pouces. « La vie dans chaque souffle » Graffiti original peint à la main sur mur, style métro, pour quai de métro. Présenté avec sa boîte. Quelques salissures et imperfections dues à l'âge, en très bon état.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Lil Nekobasu, estampe en édition limitée à pigments d'archivage sur papier d'art de l'artiste pop Casey Weldon. Édition limitée numérotée de 150 exemplaires, 2017. Format de l'œuvre : 14 x 14 pouces. Lil Nekobasu par Casey Weldon – Une mutation fantaisiste dans l'art urbain pop et le graffiti L'estampe en édition limitée Lil Nekobasu de Casey Weldon (2017) s'impose comme une œuvre surréaliste et captivante dans l'univers du street art et du graffiti. Tirée à 150 exemplaires numérotés, cette impression pigmentaire d'archives de 35,5 x 35,5 cm est réalisée sur papier d'art de haute qualité, offrant une fidélité des couleurs et une précision exceptionnelles. L'image représente une créature hybride qui fusionne avec malice le charme félin et la structure visuelle d'un bus segmenté, un clin d'œil astucieux à la culture pop et un hommage direct au Chat-Bus, personnage de l'animation japonaise. Pourtant, la version de Weldon est unique, empreinte d'une douceur et d'une précision troublante, caractéristiques de son style imaginatif et expressif. Sur le fond, la créature repose sur ce qui semble être des genoux humains, entourée de textures naturelles comme l'herbe, brouillant les frontières entre confort, fantaisie et étrangeté. Casey Weldon : Réinterprétation surréaliste et pop américaine du familier Né aux États-Unis, Casey Weldon est connu pour ses compositions oniriques et son utilisation fréquente des chats, des yeux brillants et des références nostalgiques comme éléments thématiques. Son œuvre se situe à la croisée de la culture pop, de la sensibilité et de l'étrangeté. Avec Lil Nekobasu, Weldon explore sa fascination pour l'émerveillement de l'enfance et les jeux visuels, offrant une créature à la fois mignonne, énigmatique et troublante. Le soin apporté à la texture de la fourrure, l'éclat des yeux dorés du chat et l'intégration harmonieuse des segments mécaniques sur son dos créent un paradoxe visuel : ludique et inquiétant, tendre et étrange. Cette estampe est emblématique de la façon dont le Street Pop Art et le graffiti peuvent élever l'étrange et le personnel au rang d'œuvre d'art à part entière, sans rien perdre de leur lien avec l'humour et la nostalgie. Technique visuelle et matérialité dans une fusion numérique-physique L'utilisation de l'impression pigmentaire d'archives dans Lil Nekobasu confère à cette œuvre une intensité et une profondeur de couleur exceptionnelles, essentielles pour restituer les textures quasi hyperréalistes des formes peintes par Weldon. Ce médium est prisé des artistes contemporains pour sa longévité et sa capacité à reproduire la subtilité des coups de pinceau et des dégradés originaux. Le papier beaux-arts utilisé renforce l'impact visuel de l'estampe, créant une sensation tactile de profondeur qui fait écho à la matérialité des techniques traditionnelles tout en conservant l'efficacité et la netteté des procédés numériques. Le format 35,5 x 35,5 cm offre une composition carrée parfaite qui accentue l'intimité et la symétrie du sujet, plongeant le spectateur au cœur d'une étrange créature, dans un instant de douce fantaisie. Échos culturels et la douceur subversive du pop art et du graffiti de rue En faisant référence au Chat-bus de Totoro tout en créant un être totalement original, Weldon se livre à un remix culturel fondamental pour le Street Pop Art et le graffiti. La nature hybride de Lil Nekobasu parle à une génération élevée aux couleurs de l'animation fantastique, mais confrontée aux absurdités de l'âge adulte. La réinterprétation de Weldon évite l'imitation en amplifiant le symbolisme personnel et en privilégiant l'atmosphère au récit. L'œuvre invite le spectateur à éprouver de l'affection pour quelque chose d'indéfinissable. Sa sérénité troublante commente la façon dont le familier peut devenir étrange et charmant sous l'effet d'une légère distorsion. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, Lil Nekobasu incarne la capacité du genre à susciter simultanément rire, émotion et questionnement. Cette œuvre est un objet de collection non seulement pour les amateurs de chats ou de dessins animés, mais aussi pour ceux qui sont attirés par l'ambiguïté émotionnelle qui caractérise une grande partie de l'art contemporain pop le plus réussi.

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Sérigraphie « Lil' Tuff Junk Left » d'Emek Golan, tirée à la main sur papier d'art en feuille de cannabis et de marijuana, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2020 à 200 exemplaires. Œuvre d'art de format 8x12, sérigraphie sur papier métallisé stylisé représentant une créature robot fumant du cannabis. Synthèse artistique d'Emek Golan « Lil' Tuff Junk Left » d'Emek Golan est une sérigraphie singulière qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti, reflétant l'approche novatrice de l'artiste quant au contenu et au médium. Cette œuvre, tirée à la main avec une grande minutie sur un papier d'art imitant le cannabis, fait partie d'une édition limitée et témoigne de l'engagement de Golan à créer un art visuellement stimulant et conceptuellement exigeant. Son œuvre est une fusion captivante de techniques traditionnelles et modernes, incarnant l'esprit du pop art urbain dans son exécution et l'essence du graffiti dans ses subtilités stylistiques. « Lil' Tuff Junk Left » met en scène une créature robotique fumant du cannabis, un sujet qui propose une réflexion sur la technologie, la consommation de substances et peut-être l'opposition entre l'organique et le synthétique. En choisissant un papier métallisé stylisé pour le cannabis, Golan fait non seulement référence à la contre-culture associée à cette plante, mais renforce également l'impact visuel de l'œuvre grâce à ses qualités réfléchissantes et texturées. Savoir-faire et attrait de l'édition limitée Cette sérigraphie de 20 x 30 cm témoigne de la maîtrise de Golan dans l'art de la gravure. La complexité de l'image, avec ses lignes et ses superpositions fines, révèle sa capacité à appliquer la sérigraphie avec précision et créativité. Chacune des 200 pièces de cette édition est signée et numérotée, attestant de l'implication directe de l'artiste et conférant à l'œuvre son statut de pièce de collection. Le tirage limité garantit à chaque estampe un caractère unique, recherché par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Golan. Profondeur conceptuelle dans le Street Pop Art « Lil' Tuff Junk Left » est bien plus qu'une simple œuvre visuelle ; elle est imprégnée de la profondeur conceptuelle qui caractérise le travail d'Emek Golan. La figure robotique, ornée d'éléments mécaniques et végétaux, sert de métaphore à la rencontre entre nature et technologie. Cette œuvre peut inviter le spectateur à contempler l'intégration croissante de l'intelligence artificielle dans la vie quotidienne ou à s'interroger sur la manière dont la société module la conscience par le biais de la technologie et des substances. Intégration de l'esthétique du street art L'œuvre s'inscrit dans l'esthétique du street art par son audace et son accessibilité. L'utilisation de couleurs vibrantes et d'un sujet captivant par Golan fait écho au langage visuel du graffiti, reconnu pour la force de ses images et son engagement auprès du public. « Lil' Tuff Junk Left » trouverait aisément sa place sur les murs des paysages urbains, mais son format permet de l'apprécier dans un cadre plus intime. « Lil' Tuff Junk Left » d'Emek Golan contribue de manière significative au débat autour du street art et du graffiti. Elle incarne la vision unique de l'artiste et souligne son rôle d'innovateur. Cette œuvre témoigne du pouvoir de l'art en édition limitée à captiver et à provoquer, assurant à Golan une place de choix parmi les artistes visuels contemporains.

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Link's Journey, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Jordan Mendenhall, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « J'ai toujours adoré les jeux Zelda et autres classiques du jeu vidéo. Même regarder les autres jouer était magique pour moi quand j'étais enfant. Mes grands frères jouaient surtout parce que j'étais nulle, mais ces jeux étaient magiques. On pouvait vivre, partir à l'aventure, faire la course, se battre et se faire des amis dans ces mondes parallèles. Je suppose que c'est pour ça que j'aime autant les jeux vidéo et l'art encore aujourd'hui. On peut créer des mondes, y vivre et s'évader de la réalité. La vie réelle est stressante et parfois même insupportable. J'aime m'évader grâce à mon art et aux jeux vidéo. » - Jordan Mendenhall

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Papier buvard Lion, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Stanley Mouse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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« La Petite Boutique des Plombiers », une œuvre d'art en édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Brandon Sopinsky.

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Vivre. Travailler. Consommer. Mourir. 49 exemplaires en édition limitée, pochoir orné à la main, peinture aérosol et acrylique sur bois encadré, par Denial Graffiti, artiste de rue, art pop moderne. Édition limitée signée de 55 exemplaires, 2015. Format de l'œuvre : 12x12 « Je suis fasciné par les mires de télévision ; elles ont quelque chose d’apocalyptique. Comme si en voir une annonçait une catastrophe. J’ai aussi glissé dans cette œuvre un message qui reflète ce que je crois être le véritable message de la plupart des publicités télévisées : vivre, travailler, consommer, mourir. Voilà ce que la télévision nous incite à faire, de manière subliminale ou non. » – Denial Denial s'est imposé comme l'une des figures les plus marquantes de la pop art contemporaine. Toujours aussi pertinent, il s'attache à susciter la réflexion. Son travail explore depuis longtemps les limites de l'appropriation culturelle, qu'il utilise pour subvertir la valeur des produits culturels inscrits dans la mémoire collective occidentale. En d'autres termes, son œuvre invite le spectateur à réinventer notre société dystopique afin de la confronter, l'humour et l'ironie étant ses principaux outils.

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Papier buvard Lizard, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Stanley Mouse, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Tirages d'art giclée en édition limitée « Loner Days » sur papier photo d'archivage, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe.

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Longear Tiger P-40 Mixed Media Dessin sur papier Fine Art par Derek Hess graffiti street artiste moderne art original à vendre. 2014 Signé Encadré Original Mixed Media Peinture Dessin Oeuvre Taille 17x16 Cette pièce comprend un flotteur à cadre en métal noir de 1/2 pouce monté avec un verre mat de 2 pouces, un support en mousse et du matériel prêt à accrocher. "Mon premier lot a été réalisé en 2010/2011 et présenté lors du plus grand festival de mariganes du monde à Water Valley Mississippi, c'était génial. Tous ont été fabriqués à l'aide d'un stylo, d'encre et d'acrylique. Mon père était pilote de B-26 et mon père a aidé à susciter l'intérêt pour le sujet. Deux des pièces présentent une basse rock transformée avec un B-26. Celles-ci sont complètement différentes de ce que je fais normalement, quoi que "normal" signifie. Quoi qu'il en soit, c'était juste très amusant à faire Alors que certaines des pièces intenses que je fais, je sens que je dois les faire, comme pour les purger de mon système, qui fonctionne la moitié du temps (j'ai tendance à emporter ce truc avec moi). une grande distraction." -Derek Hess

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Regardez, Busy The Boss arrive... Œuvre originale peinte à la main, technique mixte multiple, à la bombe de peinture sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist, art pop moderne. Édition limitée HPM signée 2020 (10 exemplaires) Dimensions de l'œuvre : 13,5 x 11,5 « Mon œuvre évoque un désastre imminent et de nombreux thèmes crus et sinistres, mais cela ne signifie pas que je souhaite que cela se produise. J'espère qu'elle suggérera seulement le contraire : montrer l'absurdité de tout cela et comment nous pouvons trouver de meilleures solutions pour l'avenir. » – Denial « Look Busy The Boss is Coming… » de Denial comme commentaire sur le pop art urbain « Occupez-vous, le patron arrive… » est une œuvre saisissante de pop art moderne, signée par l’artiste de rue Denial, pseudonyme de l’artiste canadien Daniel Bombardier. Cette création de 2020 est une édition limitée à dix exemplaires, signés et peints à la main (HPM), mesurant chacun 34,3 x 29,2 cm. Réalisée à la bombe aérosol sur un panneau de bois découpé au laser, cette œuvre est prête à être accrochée et incarne l’humour, l’ironie et le commentaire critique propres au pop art et au graffiti. Le travail de Denial est souvent salué pour son utilisation vibrante des couleurs, la richesse de ses significations et son contenu incisif qui remet en question les normes et les comportements sociaux. Dans « Occupez-vous, le patron arrive… », Denial utilise des panneaux de bois découpés au laser pour donner un relief à l’œuvre, accentuant ainsi l’impact du texte et l’urgence du message. Le texte superposé, dont les lettres en gras se détachent sur le fond sombre, crée une illusion de profondeur, tandis que les yeux caricaturaux ajoutent une touche à la fois ludique et satirique à l'œuvre. Le style caractéristique de Denial, qui mêle souvent texte et image, invite le spectateur à une interaction plus riche avec l'œuvre. Explorer les différentes strates de sens dans l'expression artistique du déni L'expression artistique de Denial dans « Fais semblant d'être occupé, le patron arrive… » est riche et complexe, reflétant la complexité de la condition humaine et la réalité souvent absurde du monde du travail. L'expression « Fais semblant d'être occupé » est une satire de la dimension performative de la productivité dans la société moderne, où les apparences peuvent parfois primer sur l'efficacité ou la contribution réelle. L'ajout de ces yeux scrutateurs et exagérés souligne la surveillance et la pression constantes que ressentent les employés dans le milieu professionnel. Cette œuvre en dit long sur l'état actuel de la culture du travail, où la peur de l'autorité et le besoin de paraître constamment occupé peuvent occulter la valeur du travail authentique. Le message véhiculé par Denial à travers cette œuvre fait écho à sa vision plus large de la vie et de la société. Comme l'artiste l'a lui-même souligné, son travail aborde des thèmes graves, voire sinistres, à travers le prisme de l'absurde et de la satire. Son objectif n'est pas de promouvoir une vision pessimiste, mais d'utiliser l'humour comme outil de réflexion et, idéalement, d'inspirer des conversations qui mènent à de meilleures solutions aux problèmes de société. Le caractère à la fois fantaisiste et incisif de « Look Busy The Boss is Coming... » illustre parfaitement cette approche, car il tend un miroir au public, l'incitant à s'interroger et peut-être à rire des absurdités de son quotidien. Impact et réception du Street Pop Art du déni L'œuvre « Look Busy The Boss is Coming... » de Denial a un impact considérable au sein de la communauté du street art et auprès des collectionneurs. Tirée d'une édition limitée, sa valeur réside dans sa rareté et la force de son message, le tout présenté avec une esthétique soignée. L'œuvre trouve un écho auprès d'un large public grâce à son contenu universel et sa présentation accessible. La capacité de Denial à condenser des critiques sociales complexes en un street art visuellement captivant explique le succès de ses créations, recherchées aussi bien par les collectionneurs avertis que par les néophytes. Son travail, notamment « Look Busy The Boss is Coming... », alimente le débat actuel sur les liens entre street art, culture populaire et critique sociale. Sa voix unique dans l'art lui a valu l'attention et le respect, démontrant comment le street art et le graffiti peuvent transcender les frontières traditionnelles et engager un dialogue constructif avec un public plus large. À travers ses créations, Denial continue de remettre en question les perceptions, de susciter la réflexion et d'offrir de nouvelles perspectives sur le monde qui nous entoure.

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Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Loose Lips, Lime Artwork Giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti pop culture Jason Levesque. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 12

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Papier buvard Love Soup, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Slegh, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Ces buvards en édition limitée sont perforés à la main par Zane Kesey. L'alignement des perforations sur l'illustration peut légèrement différer de l'exemple présenté.

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Papier buvard LSDelinquent, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Denial, œuvre d'art LSD de la culture pop. Édition limitée signée de 50 exemplaires, 2019. Dimensions de l'œuvre : 7,5 x 7,5 pouces. En 2000, il adopte le pseudonyme « DENIAL » pour tourner en dérision la publicité, la politique et les messages médiatiques que la société contemporaine refuse souvent d'admettre. Depuis, il mène une campagne mondiale d'art urbain, avec plus de 500 000 autocollants, affiches et fresques murales, utilisant les caractères alphanumériques « D3N!@L ». Conçu comme un moyen de promouvoir l'absurde, DENIAL remet également en question les notions traditionnelles de graffiti et d'art public par ses subversions visuelles audacieuses et souvent satiriques. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Lutteurs de Lucha Libre, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore rose fluo et vert fluo sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par MFG-Matt Goldman Artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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Luigi Trece, œuvre d'art pop street, tirage giclée en édition limitée sur papier beaux-arts, par l'artiste moderne de graffiti urbain Bob Dob. Édition limitée 2020, signée et numérotée à 30 exemplaires. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. Tirage giclée signé de 2020, 16 x 20 pouces, édition signée et numérotée de 30 exemplaires avec graffiti de Greg 'Craola' Simkins inspiré de Mario Bros.

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M&M's Dots Édition Limitée, Impression Sérigraphique HPM 5 Couleurs Rehaussée à la main sur Toile, Encadrée par Steve Kaufman, Artiste de Rue Graffiti, Art Pop Moderne. Encadrement sur mesure signé, 2008. « M&Ms » est une sérigraphie artisanale en édition limitée, technique mixte sur toile, réalisée par Steve Kaufman (1960-2010), protégé d'Andy Warhol. Cette œuvre est numérotée HC/50 et signée à la main au verso. Dimensions approximatives : 40,6 cm x 119,4 cm (image). Connu pour sa collaboration avec Andy Warhol, Steve Alan Kaufman (29 décembre 1960 - 12 février 2010) était un grand artiste pop américain, militant et humanitaire. Encouragé par sa mère, Kaufman expose pour la première fois à l'âge de 8 ans dans une synagogue du Bronx, où il a grandi. À seulement 14 ans, il obtient une bourse pour la Parsons School of Design et poursuit ses études à la School of Visual Arts (SVA) de Manhattan, où il rencontre des artistes contemporains tels que Keith Haring et Jean-Michel Basquiat.

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M. Amanita Attersee Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Matt Gordon Œuvre d'art LSD de la culture pop. Matt Gordon est un artiste multimédia qui s'efforce de réaliser des peintures acryliques et des dessins au crayon soignés et très détaillés, ainsi que quelques fabrications 3D occasionnelles pour répondre à des besoins sculpturaux et fournir des modèles vivants pour des choses qui n'existent pas vraiment mais qui doivent en avoir l'air.

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L'homme dans le miroir, dessin original au marqueur permanent sur carton, réalisé par l'artiste de graffiti DrNuse69, œuvre d'art urbain moderne. Tag d'art graffiti original signé Slap Up, 2022, 7,5 x 4,5, marqueur, apposé sur l'extrémité d'une boîte d'expédition prioritaire USPS.

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Homme sur un fil, NYC World Trade Center, sérigraphie de Justin Van Genderen, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. 2013. Signée et numérotée au dos. Édition limitée à 50 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Série « Location, Location, Location ». Sérigraphie représentant le World Trade Center de New York et un funambule. Sérigraphie du World Trade Center de New York par Justin Van Genderen La sérigraphie « NYC World Trade Center » de Justin Van Genderen, réalisée à la main en 2013, immortalise un moment marquant de l'histoire à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Tirée à seulement 50 exemplaires et signée, cette estampe de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) présente le World Trade Center sous un angle surréaliste, presque onirique. La composition met en valeur la présence architecturale des Tours Jumelles tout en soulignant la traversée légendaire sur un fil qui eut lieu en 1974, mêlant histoire, culture urbaine et abstraction artistique en une image saisissante. Le pouvoir de la composition et de la perspective Cette sérigraphie utilise la perspective d'une manière qui immerge immédiatement le spectateur. Les tours du World Trade Center s'élèvent en biais, attirant le regard vers le ciel où un grand cercle blanc se dessine comme une pleine lune. Le ciel, aux nuances dégradées de turquoise et de blanc, crée une atmosphère cosmique qui amplifie la sensation de hauteur et d'espace. Des oiseaux volent librement autour des tours, ajoutant du mouvement et renforçant l'impression d'ouverture malgré l'imposante stature de ces structures. Au centre de la composition, la célèbre traversée sur un fil de Philippe Petit en 1974 est subtilement représentée. Un fil fin, presque invisible, s'étend entre les tours, sur lequel se dessine la silhouette d'un homme. Ce moment à la fois délicat et audacieux contraste avec l'énormité des bâtiments, créant une tension visuelle et émotionnelle qui exprime à la fois l'admiration et la fragilité. L'estampe rend hommage à cet acte de défi à la gravité, une idée qui résonne profondément avec l'histoire de New York et la culture artistique du street art et du graffiti. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Justin Van Genderen s'inspire fortement du street art et du graffiti, mêlant des techniques graphiques audacieuses à une narration urbaine. Le dégradé de demi-teintes stylisé des tours leur confère une texture, un aspect imprimé, évoquant les photographies de vieux journaux ou les cases de bandes dessinées. La palette de couleurs restreinte – dominée par des nuances de bleu, de blanc et de noir – renforce l'esthétique épurée et moderne de l'œuvre tout en préservant une énergie urbaine brute. La composition a une dimension cinématographique, comme si le spectateur levait les yeux depuis les rues de Manhattan, capturant à la fois la grandeur et l'intimité de l'instant. Si de nombreux artistes de rue intègrent des monuments architecturaux à leurs œuvres, l'approche de Van Genderen réduit la scène à ses éléments essentiels, lui conférant une dimension intemporelle et universelle. L'utilisation de contrastes marqués et de formes simplifiées s'apparente aux techniques de pochoir employées dans le graffiti, tandis que la sérigraphie est une technique emblématique du pop art et de l'art urbain. L'alliance de la précision, de l'abstraction et du minimalisme fait de cette œuvre un exemple frappant de la manière dont les espaces urbains peuvent être réinterprétés à travers le langage visuel contemporain. L'impact durable de l'image La sérigraphie du World Trade Center de New York, réalisée par Justin Van Genderen, transcende la simple représentation d'un événement historique pour le transformer en symbole d'expression artistique, d'ambition humaine et de la manière dont les villes façonnent la mémoire collective. Les Tours Jumelles demeurent une icône indélébile du paysage new-yorkais, et leur représentation dans le street art et le graffiti continue d'évoluer, les artistes trouvant sans cesse de nouvelles façons de rendre hommage à leur héritage. La présence d'un funambule dans cette œuvre symbolise l'équilibre, le risque et la beauté du mouvement au sein des lignes rigides de l'architecture. Les collectionneurs de street art et de graffiti trouveront dans cette sérigraphie une pièce unique et captivante. Tirée en édition limitée et réalisée à la main, elle témoigne d'un savoir-faire artisanal qui reflète la nature tactile et authentique de l'art urbain. Qu'on l'apprécie pour sa portée historique, son design audacieux ou son imagerie stimulante, cette sérigraphie illustre la capacité de l'art à métamorphoser le passé en une œuvre visuellement puissante et profondément émouvante.

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Marching to Oblivion Sérigraphie framboise bleue par Dalek- James Marshall 13 couleurs tirées à la main sur papier cartonné framboise bleue Fine Art French Paper Co Édition limitée Sérigraphie Édition limitée à 12 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art au format 18x24. Sérigraphie. Marching to Oblivion Blue Raspberry par Dalek (James Marshall) dans Street Pop Art & Graffiti Artwork « Marching to Oblivion Blue Raspberry » est une sérigraphie en édition limitée, réalisée en 2025 par l'artiste américain James Marshall, alias Dalek. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette sérigraphie vibrante a été tirée à douze exemplaires seulement, chacun signé et numéroté par l'artiste. Imprimée à la main en treize couleurs sur papier cartonné Blue Raspberry de la French Paper Company, cette œuvre témoigne de la précision technique et de la profondeur conceptuelle que Dalek insuffle au Street Pop Art et au graffiti. Marshall s'est fait connaître grâce à son personnage Space Monkey, qui a servi de point de départ à son exploration des thèmes de l'identité, de la répétition et de la culture visuelle urbaine. Cette pièce reflète son évolution constante à travers des compositions à fort contraste, des aplats de couleurs audacieux et un design de personnage dynamique, puisant ses racines dans le street art et l'esthétique pop contemporaine. Langage visuel et esthétique des personnages La figure centrale de « Marching to Oblivion Blue Raspberry » est une créature hyperactive aux membres d'un vert éclatant, aux oreilles rondes semblables à celles d'une souris et à une large bouche exagérée parsemée de pois. Le personnage est saisi en plein mouvement, jonglant avec rythme avec des maillets aux allures de jouets tout en dansant sur une plateforme grise minimaliste. Le fond bleu cyan offre un contraste saisissant, propulsant le personnage vers l'avant dans une explosion visuelle à la fois bruyante et équilibrée. Chaque membre et accessoire a été soigneusement positionné pour évoquer le mouvement, le volume et le rythme sans recourir aux indices de profondeur traditionnels. Cette composition graphique précise témoigne de l'expérience de Dalek dans l'illustration et le graffiti, où la narration se déroule souvent à travers des images figées du chaos. L'utilisation de couleurs vives et unies, de formes iconiques et d'une logique propre aux dessins animés inscrit résolument cette œuvre dans le courant du Street Pop Art et du graffiti, mêlant codes visuels urbains et exécution digne d'une galerie d'art. Procédés de fabrication et précision d'impression Réalisée selon un procédé de sérigraphie artisanale en treize couleurs, cette estampe témoigne d'une maîtrise exceptionnelle du savoir-faire et de la théorie des couleurs. Le papier cartonné Bleu Framboise offre un support original qui transforme l'arrière-plan en un élément visuel à part entière, et non en un simple support passif. Ce choix de matériau amplifie la palette de couleurs fluorescentes tout en préservant une richesse tactile. Chaque couche d'encre a été appliquée manuellement, soulignant ainsi le travail manuel souvent associé au graffiti et à l'art mural. La précision du repérage et la saturation des couleurs requises pour ce niveau de qualité élèvent l'œuvre à un niveau d'excellence en estampe contemporaine rarement atteint pour des tirages aussi restreints. La réalisation artisanale de l'estampe garantit de subtiles variations entre chaque exemplaire, soulignant l'importance de l'unicité, même au sein d'une série. Pertinence culturelle et évolution de la pop urbaine L'œuvre « Dalek's Marching to Oblivion Blue Raspberry » est bien plus qu'une simple image statique : elle constitue un témoignage culturel de la fusion entre l'énergie urbaine et la précision pop. James Marshall continue d'explorer l'intensité visuelle sans sacrifier la clarté ni la profondeur. Son art interroge les aspects performatifs et répétitifs du quotidien, représentés par ses personnages à la fois chaotiques et maîtrisés. La tension entre jeu et finalité, répétition et spontanéité, reflète la structure même du graffiti : tags répétitifs, mouvements rituels et explosions d'énergie contrôlée exposées au public. Cette estampe permet aux collectionneurs d'intégrer ces valeurs à leur collection sans en renier les racines. Elle s'inscrit dans le courant du Street Pop Art et du Graffiti, à la fois hommage et innovation, offrant une œuvre à la fois épurée et vibrante qui parle directement aux publics sensibles à la culture visuelle contemporaine.

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Marching to Oblivion Nightshift Silkscreen Print by Dalek- James Marshall 13 Color Hand-Tired on Nightshift Card Stock Fine Art French Paper Co Limited Edition Screenprint Artwork. Édition limitée à 12 exemplaires, signée et numérotée, 2025. Œuvre d'art au format 18x24. Sérigraphie. Marching to Oblivion Nightshift par Dalek (James Marshall) dans Street Pop Art & Graffiti Artwork « Marching to Oblivion Nightshift » est une sérigraphie en édition limitée (2025) de l'artiste américain James Marshall, alias Dalek. Tirée à la main, cette sérigraphie utilise treize couleurs sur un papier cartonné bleu Nightshift fourni par la French Paper Company, un choix de matériau qui confère profondeur et richesse à la palette néon saturée. Chaque exemplaire de cette édition de douze mesure 45,7 x 61 cm et est signé et numéroté par l'artiste. Dalek est reconnu pour sa capacité à fusionner la puissance graphique du graffiti avec la subtilité conceptuelle de l'esthétique pop contemporaine. Cette estampe illustre parfaitement cette approche : un personnage en pleine marche sur un support minimaliste est saisi dans un instant d'animation chaotique. Elle s'inscrit dans la tradition de Dalek, qui fusionne art urbain, pop art et graffiti, offrant une technique artisanale, une logique cartoonesque et une réflexion complexe sur la répétition, l'identité et le mouvement. Conception de personnages et théorie des couleurs en mouvement Le personnage de « Marching to Oblivion Nightshift » est une version évoluée du Space Monkey emblématique de Dalek, apparu pour la première fois dans ses œuvres du début des années 2000. Réalisée dans des tons contrastés de vert, de violet et de bleu, la figure jongle avec des maillets et des orbes, arborant une expression oscillant entre joie frénétique et précision mécanique. Les formes, à la fois nettes et ludiques, se situent à la frontière entre les dessins animés du samedi matin et l'esthétique du graffiti. Ses membres hypertrophiés, ses yeux démesurés et sa posture dynamique projettent énergie et volume, qualités essentielles au Street Pop Art et au graffiti. Ces formes émergent du fond avec une netteté saisissante grâce à la précision de la sérigraphie, où chaque couleur est appliquée à la main, l'une après l'autre. L'œuvre joue avec la profondeur spatiale et l'illusion de surface, créant à la fois un spectacle et une réflexion sur la répétition et la performance. Matériaux et techniques d'impression L'engagement de Dalek envers la gravure d'art est manifeste dans le niveau de détail et de maîtrise requis pour réaliser une sérigraphie 13 couleurs sur papier français foncé. Le choix du papier Nightshift Blue rompt délibérément avec les fonds blancs traditionnels, offrant une base profonde qui intensifie l'éclat des encres néon. Ce choix technique renforce le contraste tout en ancrant le personnage dans une atmosphère nocturne. Le procédé artisanal rend hommage aux racines du street art, forme d'art physique et laborieuse, et inscrit l'œuvre dans la tradition des arts appliqués. Chaque alignement de couleur, chaque marque de repérage, chaque bord net témoigne du travail minutieux qui a présidé à la création de l'image, faisant de chaque exemplaire à la fois une œuvre achevée et un témoignage du processus créatif. Dans le contexte du street art, du pop art et du graffiti, cette fidélité d'impression fait écho au dévouement des artistes qui peignent à la main les fresques et les graffitis. Positionnement contemporain et intention artistique « Marching to Oblivion Nightshift » se situe au carrefour de l'art figuratif, de la culture urbaine et de l'édition d'art. James Marshall continue de définir un territoire visuel unique où ses personnages ne s'expriment pas par les mots, mais par la posture, le mouvement et la répétition. Ce silence permet aux spectateurs de projeter leurs propres récits sur la scène, créant un dialogue en accord avec l'éthique participative du street art. La tension entre joie et oubli dans le titre suggère une réflexion plus profonde sur la routine, le spectacle et la distraction dans la vie moderne. En publiant cette œuvre dans une édition volontairement limitée à douze exemplaires, Dalek souligne l'importance de l'intention et de la rareté, concepts clés qui contrastent avec la reproductibilité de l'image numérique. À travers des projets comme « Marching to Oblivion Nightshift », Dalek renforce la place du Street Pop Art et du Graffiti comme discipline sérieuse et évolutive, capable d'allier théorie critique, plaisir visuel et maîtrise technique.

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Marilyn Manson - Rakugaki 3 122 Dessin original aux crayons de couleur sur papier par l'artiste de la culture pop Albert Reyes. Dessin original signé aux crayons de couleur sur papier, datant de 2021. Dimensions : 8,5 x 11 pouces.

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Marilyn Monroe - Joe DiMaggio Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Sérigraphie HPM sur toile par Steve Kaufman SAK Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 1996. Format de l'œuvre : 16 x 16 pouces. Toile non tendue, l'image est en parfait état. Version rare de Marilyn avec le joueur de baseball Joe DiMaggio.

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Mars Attacks - Œuvre d'art d'horreur, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Burrito Breath. Horror Show est un hommage illustré aux meilleurs et aux pires films d'horreur de série Z de ces dernières années.

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Marvin is Sick, œuvre d'art imprimée en édition limitée par giclée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky.

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MC Supersized Camo - Jakarta Édition Limitée Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Ron English - POPaganda x Mindstyle. 2021 Ron English - POPaganda x Mindstyle présente MC Supersized Camo. Chaque figurine représente une ville chinoise différente et arbore un motif camouflage unique. Hauteur : 20 cm. Signée à la main par Ron. Livrée avec une casquette et une carte. La figurine MC Supersized Camo - Édition Limitée Jakarta est une œuvre d'art en vinyle qui respire l'esprit du street art et du graffiti. Fruit d'une collaboration entre le célèbre graffeur Ron English-POPAganda et Mindstyle, entreprise reconnue pour ses figurines design, cette pièce de collection de 20 cm incarne l'essence de Jakarta à travers son motif camouflage distinctif. La série MC Supersized Camo de Ron English-POPAganda est un commentaire visuel sur la société de consommation mondiale, et l'édition Jakarta poursuit cette réflexion avec une touche locale. Le motif camouflage remplit une double fonction : il rend hommage à l'influence militaire dans l'histoire du streetwear et symbolise l'omniprésence de la culture fast-food dans la société contemporaine. Le visage souriant emblématique de la figurine, associé au camouflage d'inspiration militaire, crée une juxtaposition caractéristique du style provocateur d'English. Chaque exemplaire de cette édition limitée est signé à la main par Ron English-POPAganda, faisant de chaque figurine une œuvre d'art unique et personnalisée. L'inclusion d'un chapeau et d'une carte avec chaque figurine renforce l'authenticité et le lien avec l'œuvre, augmentant ainsi sa valeur pour les collectionneurs. L'édition Jakarta, à l'instar de ses homologues représentant d'autres villes, témoigne de la diversité culturelle et stylistique propre à chaque lieu. La figurine MC Supersized Camo est bien plus qu'un simple objet : c'est un commentaire culturel imprégné de l'esthétique du street art. Elle invite les collectionneurs à explorer les significations profondes de l'œuvre d'English : sa critique de la société de consommation, sa satire des marques internationales et sa célébration du street art comme forme d'expression artistique. Ces figurines en vinyle, avec leurs détails artisanaux et leurs motifs riches en culture, ne sont pas de simples objets de collection ; elles suscitent la conversation et reflètent l'interaction complexe entre art, culture et commerce.

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Medivac - Green Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante verte représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Medusae PP, épreuve d'imprimerie d'archives par Sarah Joncas, tirage en édition limitée sur papier d'art Moab 290 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2019 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 12x16 Pigments d'archivage Plongée dans « Méduse PP » de Sarah Joncas « Medusae PP », une estampe d'archive de Sarah Joncas, est une symphonie visuelle où se mêlent résonance mythologique et finesse contemporaine. Épreuve d'artiste (PP) d'une édition limitée de 2019, cette œuvre marque un tournant unique dans le travail de Joncas, où l'éthéré rencontre le tangible sur papier d'art. Signée et dessinée par l'artiste, l'œuvre mesure 30,5 x 40,6 cm. Imprimée sur papier d'art Moab 290 g/m², elle témoigne de sa qualité exceptionnelle et de l'engagement de l'artiste à préserver l'intégrité de sa vision. Symbolisme et féminité dans l'œuvre de Joncas L'estampe, intitulée « Méduses », explore la féminité et la transformation, représentant une femme dont la chevelure et la silhouette prolongent la mer, avec des tentacules semblables à des méduses qui suggèrent une aura envoûtante, voire légèrement inquiétante. Cette imagerie évoque le mythe de Méduse, figure à la fois crainte et vénérée, et résonne avec le pouvoir transformateur de la nature – un thème que Joncas tisse avec habileté tout au long de son œuvre. Dans « Méduses PP », le sujet de Joncas est énigmatique, son regard fuyant le spectateur, invitant à une interprétation aussi ouverte que l'immensité de l'océan. Les tons froids et le contraste avec la chevelure chaude et ondulante du sujet captivent l'attention du spectateur, l'entraînant dans un monde où mythe et modernité se confondent. Processus artistique et éditions limitées La création d'une épreuve d'artiste comme « Medusae PP » repose sur une étroite collaboration entre l'artiste et l'imprimeur, garantissant que chaque couleur et chaque trait reflètent l'essence de la peinture originale. La mention « PP » indique que cette épreuve précède l'édition numérotée, réservée à l'artiste et généralement très prisée des collectionneurs pour sa rareté et son authenticité. Le choix par Joncas d'utiliser des pigments d'art de qualité archivistique témoigne de son engagement à créer des œuvres qui perdurent au-delà de l'éphémère souvent associé au street art. Ce faisant, elle élève le médium, l'inscrivant dans la durée de vie des beaux-arts tout en préservant l'accessibilité et l'attrait propres au pop art urbain. L'influence de Sarah Joncas sur l'art moderne L'influence de Sarah Joncas sur la scène artistique contemporaine se manifeste par sa capacité à conférer à ses sujets une profondeur qui transcende la toile. Son œuvre est souvent perçue comme un pont entre l'immédiateté du pop art urbain et la minutie de l'estampe d'art, la consacrant comme une figure incontournable des deux domaines. « Medusae PP » n'est pas qu'une simple image : c'est une invitation à explorer la psyché pour confronter les récits que nous construisons autour de la féminité, de la beauté et de la transformation. L'œuvre de Joncas, et notamment cette estampe, témoigne du pouvoir intemporel du mythe et du discours en constante évolution du pop art, du street art et du graffiti. À travers son art, Joncas continue de questionner, d'enchanter et d'inspirer, confirmant ainsi son rôle d'artiste majeure dans l'histoire de l'art moderne.

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