Produits

Le Sacrifice de la Couleur... Tirage d'art en édition limitée sur papier Moab Entrada 290 g/m², réalisé à partir de pigments d'archives par l'artiste Adrian Cox, légende du street art pop et du graffiti. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2022 - 13 x 24 pouces Adrian Cox est un artiste contemporain reconnu pour ses peintures qui intègrent souvent des thèmes mythologiques, surréalistes et explorant l'interconnexion entre l'être et la nature. « Le Sacrifice de la Couleur » est une œuvre qui présente également des éléments caractéristiques du style de Cox. Un tirage d'art est une reproduction de haute qualité d'une œuvre originale, réalisée grâce à une technologie d'impression avancée garantissant une restitution fidèle des couleurs et des détails. Ces tirages sont réalisés sur des supports sans acide, de qualité archivistique, ce qui assure leur conservation et leur résistance à la décoloration et à la dégradation au fil du temps, préservant ainsi la beauté de l'œuvre pour les générations futures.

Lis Plus Moins

La forme du capitalisme, œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Œuvre d'art HPM en édition limitée, signée et numérotée, format 24x24 Présentant des œuvres couvrant près d'une décennie de carrière, l'exposition « Enjoy Denial » explore la satire des médias de masse, du consumérisme et de la publicité. L'artiste s'approprie des images et des objets familiers et les réinterprète en expressions artistiques uniques, incitant le spectateur à s'interroger sur la valeur et la différence (s'il y en a une) entre art et publicité. S'inscrivant dans la continuité d'une longue œuvre pop, « Enjoy Denial » révèle un artiste qui canalise les énergies négatives déversées par les entreprises sur la société et les retourne contre les structures de pouvoir établies qui régissent notre quotidien. À travers cette exposition, Denial dévoile les dessous de la surabondance de publicités et de logos pour mettre en lumière, de manière à peine voilée, les tromperies que la société combat quotidiennement de la part des entreprises. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

Lis Plus Moins

L'œuvre d'art « The Sleeping Woods », une impression giclée en édition limitée sur papier d'art de 290 g/m², par l'artiste de graffiti pop culture Josh Keyes. « The Sleeping Woods » est une estampe créée par Josh Keyes. L’image mesure environ 35,5 cm de large sur 21,3 cm de haut. Avec une marge pour l’encadrement, l’œuvre mesure 38 cm de large sur 24,1 cm de haut. Cette estampe de qualité archivistique a été imprimée sur un papier d’impression blanc naturel épais de 290 g/m², composé à 90 % de fibres de bambou et à 10 % de coton. L'œuvre de Josh Keyes se situe à la croisée du surréalisme et du réalisme. Aussi paradoxal que cela puisse paraître, son art parvient à concilier une précision physiologique et un photoréalisme saisissant avec des paysages et des interactions empreints d'éco-surréalisme. Le contexte théorique de son travail puise dans les thèmes mythologiques et folkloriques – notamment les légendes et les récits amérindiens – ainsi que dans l'imagerie onirique et cauchemardesque, pour exprimer une profonde angoisse existentielle et une grande incertitude.

Lis Plus Moins

UnReal Estate - La Sorcière attend. Tirage sérigraphique bicolore phosphorescent, réalisé à la main et imprimé en édition limitée sur papier d'art par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Faisant partie de la collection UnReal Estate. He-Man, Château des Ombres, La Sorcière, Super-héros, Guerrier, Crâne, Château Légère pliure hors de l'image sur le côté inférieur droit.

Lis Plus Moins

L'œuvre d'art « The Supersized States of America », une impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Ron English - POPaganda. Tirage giclée 30 x 30 cm illustrant l'hypocrisie manifeste sur un faux billet de 100 dollars. Édition limitée à 30 exemplaires signés et numérotés. Créé pour l'émission spéciale de Noël 2013 « Les 12 jours de la popagande de Ron ».

Lis Plus Moins

Impression d'archives The Take Over PP par Wane One Cod, édition limitée sur papier d'art naturel de musée 310 g/m², œuvre d'art moderne d'artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2016 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 24x17 Pigments d'archivage « The Take Over » de Wane One Cod : une œuvre marquante du pop art urbain « The Take Over », une épreuve d'imprimerie (PP) de Wane One Cod, capture l'essence du pop art urbain à travers sa représentation vibrante de graffitis sur un support mouvant : un camion de livraison en milieu urbain. Cette édition limitée de 2016, imprimée sur papier d'art naturel de qualité musée de 310 g/m² et mesurant 61 x 43 cm, est une pièce de collection, chaque exemplaire étant méticuleusement signé et marqué « Épreuve d'imprimerie ». L'œuvre reflète les racines de Wane One Cod dans le mouvement graffiti new-yorkais des débuts et sa transition vers une figure majeure du pop art, dont les œuvres sont reconnues sur la scène artistique contemporaine. Avec « The Take Over », Wane One transmet l'énergie brute et la présence imposante du graffiti, qui s'affranchit des murs statiques pour devenir partie intégrante du paysage urbain dynamique. Cette estampe témoigne de l'influence durable du street art et de sa capacité à transformer les objets du quotidien en vecteurs d'expression artistique.

Lis Plus Moins

« Le Tyran des Deux Mondes », estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

Lis Plus Moins

Affiche de concert en édition limitée « Underground Music Showcase », impression sérigraphique artisanale en 3 couleurs sur papier d'art par John Vogl, publiée dans le Denver Post. L'Underground Music Showcase par John Vogl - L'Underground Music Showcase, présenté par le Denver Post, s'est tenu du 24 au 27 juillet 2014 à Denver, dans le Colorado. Cette affiche commémore ce festival et représente un Tyrannosaurus Rex géant affrontant un Triceratops. Sérigraphie en édition limitée, œuvre du célèbre artiste John Vogl.

Lis Plus Moins

Soul Rider The Welcome, sculpture en polyrésine en édition limitée, œuvre d'art du légendaire artiste Dulk-Antonio Segura Donat. Édition limitée 2023 à 100 exemplaires. Œuvre en résine coulée peinte. Dimensions : 37,1 × 22,9 × 22,9 cm. Édition limitée à 100 exemplaires numérotés, accompagnés d’un certificat d’authenticité et présentés dans un coffret en bois. Neuf. The Welcomer Soul Rider par Dulk : Fantaisie et symbolisme dans l’art urbain pop et le graffiti « The Welcomer Soul Rider » est une sculpture surréaliste en polyrésine créée par Antonio Segura Donat, artiste espagnol de beaux-arts et de street art mondialement connu sous le nom de Dulk. Faisant partie de sa série « Soul Rider », cette œuvre explore la mythologie caractéristique de Dulk à travers des formes ludiques et des personnages symboliques puisant leurs racines dans la fantasy, l'écologie et une narration complexe. Juchée sur un socle en forme de champignon à pois, une créature aux couleurs acidulées, combinant les traits d'un lapin, d'une licorne et d'un familier fantastique, se tient immobile, tandis qu'un autre personnage, masqué et cornu, la chevauche, une trompette levée en plein chant. Cette composition imaginative et théâtrale fusionne théâtralité et allégorie dans un format qui allie profondeur narrative et précision quasi-littérale, en faisant un exemple saisissant de street art et de graffiti en trois dimensions. Le personnage principal arbore une corne de licorne torsadée, des yeux en spirale surdimensionnés et un col de bouffon, mêlant l'innocence animale à une symbolique cérémonielle. Son expression est figée dans une béatitude confuse, marque de fabrique de l'ambiguïté émotionnelle de Dulk. Son corps rose contraste avec les tons froids du socle en forme de champignon, qui recèle des personnages et des détails cachés, comme une petite chenille accrochée à son bord. Le cavalier à l'arrière, aux oreilles allongées et coiffé d'un couvre-chef en forme de gland, porte un masque noir et brandit un instrument de musique, comme pour annoncer une arrivée. Cette scène dynamique évoque le rituel, la procession et une célébration surréaliste, offrant un récit à la fois ludique et poignant sur l'identité, la transformation et l'observation. Narration symbolique et dissonance ludique dans l'univers visuel de Dulk L'œuvre de Dulk explore souvent la dualité : lumière et ombre, célébration et extinction, innocence et déclin. Dans « The Welcomer Soul Rider », les personnages semblent surgir d'un folklore oublié ou d'un monde parallèle, leurs traits à la fois exagérés et précis. La palette pastel adoucit leur excentricité, leur conférant une présence accessible tout en préservant le mystère. Le langage visuel mêle des influences issues du street art, des contes classiques et de l'allégorie écologique. À l'instar de nombreuses œuvres de Dulk, cette sculpture soulève plus de questions qu'elle n'apporte de réponses, invitant le spectateur à en déchiffrer le sens par l'émotion et l'imagination. Le socle en forme de champignon joue un rôle important en tant que symbole de régénération et d'écosystèmes cachés. Il fait office à la fois de trône et de scène. Le cadenas surdimensionné à sa base suggère la présence d'un élément magique ou secret. Dulk utilise fréquemment ce type d'indices visuels pour suggérer que le monde recèle bien plus que ce que l'on voit. Le masque porté par le sonneur de trompette évoque les thèmes de l'identité et de la voix, symbolisant peut-être la protection, la cérémonie ou le déguisement. Ces objets et ces formes témoignent de la complexité et de la richesse souvent présentes dans le street art et le graffiti, où une fantaisie apparente dissimule une urgence sous-jacente. Le rôle de Dulk dans la narration sculpturale au sein du pop art urbain Antonio Segura Donat s'est imposé comme une figure majeure de l'art contemporain, fusionnant ses racines muralistes avec une pratique sculpturale qui transforme les récits muraux en objets tangibles. L'œuvre « The Welcomer Soul Rider » illustre comment son art transcende les supports, conservant la clarté émotionnelle et l'humour visuel de ses peintures murales tout en explorant la texture, le volume et l'espace. Elle se présente comme une scène suspendue dans un conte inachevé, à la fois figée dans le temps et pleine de mouvement. La sculpture s'inscrit dans l'esprit du Street Pop Art et du graffiti en privilégiant l'accessibilité et l'immédiateté visuelle tout en bousculant les conventions des beaux-arts par le biais de la conception des personnages, de la superposition symbolique et d'une satire mordante. L'esthétique de Dulk emprunte aux films d'animation, à l'iconographie urbaine et au folklore, créant un style à la fois profondément personnel et universellement accessible. Son œuvre invite à la réflexion sur l'écologie, l'empathie et les récits oniriques qui sommeillent en nous. Le Cavalier de l'Âme Bienvenue comme Mythe de Collection et Totem Émotionnel « The Welcomer Soul Rider » est bien plus qu'une simple sculpture décorative : c'est un totem émotionnel, un mythe moderne figé dans la résine. Le soin apporté par Dulk à la posture, aux couleurs et à la disposition des accessoires captive le spectateur à chaque regard, lui révélant de nouvelles significations et des figures cachées. Cette œuvre s'inscrit dans le courant croissant des sculptures d'art contemporain centrées sur des personnages, puisant leur inspiration dans l'art urbain tout en atteignant le niveau des œuvres de galerie. Qu’on l’apprécie individuellement ou au sein de la série Soul Rider, The Welcomer possède une voix singulière. Son appel, doux mais persistant, fait écho au message artistique de Dulk : protéger l’imagination, embrasser la dualité et célébrer celles et ceux qui portent des histoires à travers le chaos de notre monde moderne. À travers des personnages à la fois étranges et familiers, Dulk construit un univers qui s’exprime avec aisance dans le langage du street art et du graffiti, tout en conservant une signature indéniable.

Lis Plus Moins

L'Édition Limitée de « The Wretched Whole », impression giclée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

Lis Plus Moins

Achetez une sérigraphie 4 couleurs tirée à la main TITRE sur MOYEN par l'artiste désirable ARTIST oeuvre Pop Art en édition limitée. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

Lis Plus Moins

« Ils viennent vous chercher », sérigraphie artisanale en édition limitée 6 couleurs sur papier beaux-arts, par Paul Hanley, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Ils viennent vous chercher ! Artiste : Paul Hanley Format : Sérigraphie Dimensions : 45,7 cm x 61 cm Signatures : Signée et numérotée Tirage : 60 exemplaires « Il s’agit d’une sérigraphie spéciale que j’ai réalisée pour « Something Spooky », une exposition d’art sur le thème d’Halloween absolument incroyable, organisée par le grand Steve Niles et la légende de l’art d’horreur (et l’un de mes héros personnels) Bernie Wrightson. » – Paul Hanley

Lis Plus Moins

UnReal Estate - Third Earth - Glow Followed, édition limitée phosphorescente, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. ThunderCats, Super-héros, Jouet, Spinx, Chat, Télévision, Bandes dessinées, Phosphorescent

Lis Plus Moins

Cette horreur jamais défaite, estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

Lis Plus Moins

Dunny Kidrobot en vinyle, édition limitée « Visage à trois yeux 8 », œuvre d'art de l'artiste pop Keith Haring. Édition limitée 2020 Kidrobot x Keith Haring Dunny, œuvre d'art de taille 6x8, neuve et scellée dans sa boîte. Kidrobot et Keith Haring : Quand l'art et les objets de collection se rencontrent Kidrobot se positionne à l'avant-garde de la fusion entre art et objets de collection, offrant une expérience esthétique unique et un attrait précieux pour les collectionneurs. Leur Dunny en édition limitée « Visage à trois yeux » (Three-Eyed Face 8) est une figurine en vinyle qui illustre parfaitement cette fusion, mettant en lumière l'œuvre légendaire de Keith Haring. Cette collaboration est une célébration haute en couleur du street art, du pop art et du graffiti, offrant aux collectionneurs et aux amateurs d'art un accès à la vitalité de la vision de Haring. Keith Haring s'est imposé sur la scène artistique dans les années 1980, à une époque où la rue devenait une toile et l'art public un puissant moyen d'expression sociale. Le Visage à trois yeux, œuvre emblématique de son iconographie, incarne son esprit d'innovation et son engagement à rendre l'art accessible à tous. Le partenariat avec Kidrobot perpétue l'héritage de Haring, donnant une forme tangible à son iconique Visage à trois yeux pour une nouvelle génération d'amateurs d'art. Le savoir-faire du mannequin à trois yeux Le Dunny à trois yeux témoigne du savoir-faire méticuleux qui fait la renommée de Kidrobot. Mesurant 15 x 20 cm, il est idéal pour l'exposition et conçu pour susciter la conversation. Chaque Dunny est présenté dans un coffret spécialement conçu qui souligne son statut d'édition limitée. Il s'agit d'un témoignage contemporain de l'influence profonde de Haring sur le Street Pop Art et le graffiti. Kidrobot est depuis longtemps un pionnier dans le secteur des jouets d'art, faisant le lien entre l'art et les objets de collection ludiques. L'entreprise collabore avec la succession de Keith Haring pour faire entrer un morceau d'histoire de l'art dans le marché des collectionneurs d'aujourd'hui. Le Dunny à trois yeux en édition limitée 8 perpétue l'engagement de Kidrobot envers l'art, la collection et l'accessibilité, incarnant l'essence même des contributions artistiques et sociales de Haring. La place du street art, du pop art et du graffiti dans la culture moderne Le street art, le pop art et le graffiti ont bouleversé les codes de l'art traditionnel. Keith Haring a joué un rôle crucial dans cette évolution culturelle, utilisant son art pour communiquer, interpeller et inspirer. Le Dunny à trois yeux est un vecteur de son influence durable, permettant à son art de trouver un écho auprès du public contemporain et de conserver toute sa pertinence sociale. L'importance de cette édition limitée du Dunny à trois yeux est indéniable. Tirée en édition limitée, elle occupe une place de choix dans le monde des objets de collection, prisée pour sa rareté et sa valeur artistique. Scellée et conservée dans son emballage d'origine, elle représente bien plus qu'un simple jouet : un véritable morceau d'histoire, fusionnant art et collection.

Lis Plus Moins

Thriller, peinture originale acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2015, réalisée à la bombe aérosol et technique mixte, format 24 x 36 pouces. La fusion artistique du « Thriller » de Shark Toof « Thriller », une peinture originale de Shark Toof, est une exploration dynamique du graffiti et du pop art contemporain. Créée en 2015, cette œuvre en techniques mixtes – acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré – révèle le style caractéristique de Shark Toof, mélange d'influences urbaines et de rigueur artistique. Signée par l'artiste, cette pièce de 61 x 91 cm (24 x 36 pouces) atteste de l'authenticité de ce vibrant témoignage de son style protéiforme. Reconnu pour la force de ses créations visuelles dans le milieu du street art, Shark Toof met ici en avant ses racines graffiti. Son travail ne se cantonne pas aux codes traditionnels du pop art ; il explore un territoire où l'iconoclasme rencontre l'iconographie. Dans « Thriller », l'influence du street art est palpable, l'énergie brute du graffiti se traduisant par une composition structurée et dynamique sur bois. La démarche de Shark Toof témoigne d'une volonté délibérée de fusionner son style affirmé avec une irrévérence ludique, invitant le spectateur à s'interroger sur les icônes de notre époque et leur signification fluctuante. L'œuvre incarne la philosophie de Shark Toof selon laquelle l'art ne doit pas toujours être pris trop au sérieux, suggérant ainsi le pouvoir de la subversion de ses propres créations. Cette notion de « vandalisme » des icônes est une réflexion sur la nature éphémère de la célébrité et la fluidité des symboles culturels dans notre société. Ce mélange d'introspection et de critique extérieure confère à « Thriller » une place unique dans l'art contemporain. Shark Toof et l'éthique du « faites-le vous-même » du street art Le choix de Detroit comme toile de fond de son processus créatif par Shark Toof témoigne de son attachement à l'éthique du « fait maison » (ou DIY) souvent associée au street art. Son lien avec la ville, réputée pour son industrie florissante et son histoire d'innovation, fait écho à son parcours artistique. À Detroit, ville qui a connu la grandeur et la rudesse, Shark Toof trouve une âme sœur : un paysage qui est à la fois une toile et un catalyseur de créativité. « Thriller » incarne cet esprit DIY non seulement dans sa création, mais aussi dans sa présentation. L'utilisation de bois entoilé comme support est un clin d'œil aux surfaces improvisées souvent employées dans le street art, où tout espace ou matériau peut devenir le fondement de l'expression. Le choix des matériaux par Shark Toof – peinture pour bâtiment et aérosol – fait également écho au langage du street art, où l'immédiateté du médium correspond à l'urgence du message. « Thriller » de Shark Toof célèbre l'évolution du pop art et du graffiti. Son œuvre témoigne du pouvoir du street art à transcender ses origines urbaines et à trouver un écho dans l'espace des galeries. Par son utilisation audacieuse de la couleur, de la forme et des médiums, Shark Toof continue de questionner et de redéfinir ce que signifie être un artiste de rue dans le monde de l'art contemporain. Son travail est un dialogue avec le spectateur, une invitation à explorer les significations profondes qui se cachent derrière les images que nous voyons et les icônes que nous créons.

Lis Plus Moins

Tilting Dogs, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 23 x 35 pouces. Trois écrans sur papier blanc standard. Édition signée et numérotée à 170 exemplaires. Le papier peut présenter de légères ondulations.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art intemporelle Hello Kitty Pop Street, impression giclée en édition limitée sur papier Somerset Velvet par l'artiste moderne Joe Ledbetter. Estampe exclusive de la convention Hello Kitty de Los Angeles 2014. Impression giclée 40,6 x 50,8 cm sur papier Somerset Velvet. Signée, numérotée et marquée d'un filigrane en relief pour garantir son authenticité. Édition limitée à 75 exemplaires.

Lis Plus Moins

Figurine de collection TMNT Vandul - Vert n°4, édition limitée, œuvre d'art en vinyle de l'artiste de graffiti de rue Vandul. Édition limitée 2022 TMNT Vert VANDUL à 5 exemplaires. Œuvre d'art imprimée en 3D et faite à la main. Format : 3x7.

Lis Plus Moins

Édition limitée Together, sérigraphie artisanale en 4 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 8 x 10 pouces. Couverture en papier Speckletone français, ornée de quatre écrans. Édition limitée à 180 exemplaires, signée et numérotée. Sortie le 28 novembre 2014.

Lis Plus Moins

Tomadachi AP Artist Proof Archival Pigment Fine Art Limited Edition Print on 290gsm Moab Entrada Paper by Artist Jolene Lai. Épreuve d'artiste (EA) 2018 Signée et marquée EA Édition limitée Tirage pigmentaire d'archives Format 16x20 L'intersection des récits urbains dans « Tomadachi » de Jolene Lai (épreuve d'artiste) L'épreuve d'artiste « Tomadachi » de Jolene Lai incarne la fusion du pop art urbain et du graffiti, plongeant le spectateur dans un récit révélateur de l'expérience urbaine. Cette édition limitée, imprimée sur papier Moab Entrada premium 290 g/m² avec des pigments d'archives, est une pièce de collection rare. Estampillée AP (Épreuve d'Artiste) et signée par Lai en 2018, cette édition se distingue des séries limitées classiques, traditionnellement réservées à l'usage personnel de l'artiste ou à une distribution privée auprès de collectionneurs et de galeries. « Tomadachi » offre une fenêtre sur les moments de solitude qui ponctuent l'effervescence de la vie citadine. L'œuvre, de format 40,6 x 50,8 cm, est à la fois intimiste et porteuse d'une vision d'ensemble du paysage urbain, incarnant l'essence même du pop art urbain et du graffiti à travers son récit visuel. La scène – représentant une silhouette solitaire assise à côté d'un ours en peluche géant à un arrêt de bus – saisit un moment poignant et surréaliste au cœur de la tranquillité nocturne de la ville. Ce mélange de l'intime et du public, de l'imaginaire et du réel, confère à l'œuvre de Lai une dimension particulière au sein du genre. Capturer le pouls de la rue sous forme d'œuvre d'art L'œuvre « Tomadachi » de Jolene Lai témoigne de sa capacité à s'approprier le langage visuel de la rue et à le transposer en art contemporain. Le choix du papier Moab Entrada pour cette estampe souligne la qualité d'archivage de l'œuvre. Il rehausse l'éclat de la palette de couleurs, qui évoque l'audace du graffiti et le charme du pop art. L'œuvre de Lai n'est pas une simple image statique, mais un récit dynamique qui invite à l'interprétation et à la réflexion personnelle, une caractéristique des œuvres de street art et de graffiti les plus marquantes. La mention « Épreuve d'artiste » pour cette estampe lui confère une exclusivité particulière ; il s'agit généralement d'un tirage en nombre limité précédant l'édition principale. Les collectionneurs et les amateurs d'art recherchent ces épreuves pour leur rareté et leur fidélité à la vision originale de l'artiste. Dans le contexte de « Tomadachi » de Lai, la série d'épreuves d'artiste devient un témoignage du processus créatif de l'artiste, offrant un aperçu de ses réflexions et de ses ajustements artistiques. L'héritage et l'influence du « Tomadachi » dans l'art contemporain L'héritage de « Tomadachi » dans le street art et le graffiti est incontestable, grâce à sa force narrative et à son impact visuel. En tant qu'épreuve d'artiste, elle occupe une place particulière dans le parcours de Jolene Lai, offrant une compréhension plus profonde de son cheminement artistique. Cette estampe fait le lien entre la scène underground et le mainstream, trouvant sa place aussi bien dans une ruelle de street art que dans une galerie d'art. « Tomadachi » de Jolene Lai est bien plus qu'une simple estampe : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit de la vie urbaine et les paysages émotionnels qui la définissent. Cette œuvre continue de susciter l'admiration et les discussions parmi les collectionneurs, les critiques et les amateurs de street art et de graffiti, confirmant ainsi la place de Lai comme une artiste contemporaine majeure, dotée d'un regard aiguisé sur les récits qui émergent du chaos bétonné de la vie citadine.

Lis Plus Moins

Sérigraphie acrylique HPM « Tomato Pop Green » par Mr Brainwash - Thierry Guetta. Impression 4 couleurs unique, finie à la main, sur papier beaux-arts. Édition limitée. Œuvre d'art pop et urbain. 2023. Sérigraphie HPM acrylique signée et numérotée, rehaussée à la main, édition limitée à 95 exemplaires. Dimensions : 22 x 30 cm. Style Andy Warhol. Boîte à soupe Cambols avec pinceaux peints à la main. (Photo non contractuelle) L'univers du pop art et du street art a toujours été une tapisserie en constante évolution, tissée d'idées audacieuses, d'images iconiques et de techniques d'avant-garde. Parmi les ajouts remarquables à cette toile vibrante figure la sérigraphie acrylique « Tomato Pop Green HPM » du célèbre artiste Mr Brainwash – Thierry Guetta. Révélée en 2023, cette œuvre d'art est bien plus qu'une simple estampe : il s'agit d'une sérigraphie quatre couleurs unique, finie à la main sur papier d'art, témoignant du savoir-faire méticuleux de l'artiste. L'attrait de cette œuvre ne se limite pas à sa prouesse technique ; son édition limitée renforce encore son charme. Seuls 95 exemplaires existent dans le monde, chacun signé et numéroté par Mr Brainwash – Thierry Guetta en personne, ce qui garantit son exclusivité. Mesurant 56 x 76 cm, l'œuvre présente une image qui n'est pas sans rappeler le style d'Andy Warhol. Pour les connaisseurs de l'œuvre de Warhol, elle évoque immédiatement la célèbre boîte de soupe Campbell. Pourtant, Mr Brainwash de Thierry Guetta introduit une approche novatrice. Au lieu du contenu habituel de la canette, on trouve des pinceaux peints à la main, fusionnant le quotidien et l'artistique et interrogeant peut-être l'omniprésence de l'art dans la vie de tous les jours. Cette représentation singulière s'inscrit dans l'héritage du pop art tout en faisant écho à l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Le choix de la technique HPM (Hand-Painted Multiple) par Mr Brainwash de Thierry Guetta souligne la dualité de l'œuvre. Si la sérigraphie confère uniformité et répétition, chaque finition manuelle garantit le caractère unique de chaque pièce. L'estampe « Tomato Pop Green HPM Acrylic Silkscreen Print » témoigne de la fusion des formes d'art traditionnelles et contemporaines, invitant le spectateur à s'immerger dans ses subtilités.

Lis Plus Moins

Trop rapide pour vivre, trop jeune pour mourir. Papier buvard en édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par UFO907, œuvre d'art LSD de la culture pop. Édition limitée 2020 à 75 exemplaires, signée et certifiée conforme. Format du buvard : 7,5 x 7,5 pouces. Artiste graffeur reconnu, UFO 907 est célèbre pour ses motifs d'OVNIs extraterrestres disséminés dans tout New York. Depuis plus de 20 ans, son œuvre, de plus en plus nombreuse, attire des fans du monde entier. Ses motifs d'OVNIs, si particuliers, ont évolué au fil des ans, passant d'une simple forme d'OVNI à une représentation plus humaine, avec des yeux et des jambes. Il est toujours actif à travers le monde.

Lis Plus Moins

Tooth For Tooth est une peinture acrylique originale de RT Vegas, une œuvre d'art sur toile prête à être accrochée, réalisée par des artistes pop art de rue. Peinture acrylique signée sur toile tendue, prête à être accrochée, réalisée en 2010. Œuvre originale de 22,5 x 16 pouces. RT Vegas : Une voix vibrante du pop art urbain La peinture acrylique originale « Tooth For Tooth » de RT Vegas illustre à merveille la puissance dynamique et expressive du pop art urbain. Créée en 2010, cette œuvre est emblématique de RT Vegas, artiste pop reconnu pour son style audacieux et ses images qui invitent à la réflexion. Signée par l'artiste, cette toile prête à être accrochée mesure 57 x 41 cm et constitue une pièce maîtresse du paysage artistique urbain contemporain. L'approche artistique de RT Vegas allie la force brute du street art à l'attrait du pop art, donnant naissance à des œuvres visuellement saisissantes et riches de sens. « Tooth For Tooth » est une toile aux contrastes saisissants, aux formes fluides et à la présence troublante d'une figure anthropomorphe qui captive le regard et interpelle l'esprit. L'utilisation de l'acrylique permet d'obtenir des couleurs vibrantes et durables qui contrastent avec la toile, une caractéristique devenue la marque de fabrique du travail de Vegas. Cette peinture est une œuvre qui suscite la conversation et évoque l'expression brute et authentique du graffiti ainsi que l'audace du pop art. RT Vegas a développé un langage visuel unique qui alimente le débat public, mettant souvent en lumière des problématiques sociétales et des émotions humaines qui trouvent un écho auprès d'un public diversifié. Le titre de l'œuvre, « Dent pour dent », évoque les thèmes de la réciprocité et de l'équilibre, et suggère peut-être des réflexions plus profondes sur la justice ou la vengeance. Le pouvoir évocateur du street art dans l'œuvre de RT Vegas « Tooth For Tooth » de RT Vegas témoigne de la capacité de l'artiste à communiquer des thèmes complexes à travers le pop art urbain. La force de son œuvre réside dans sa capacité à transmettre des messages à la fois universels et profondément personnels, en exploitant l'accessibilité du street art et le large attrait du pop art. Les peintures de Vegas capturent souvent un instant, reflétant ses réactions au monde qui l'entoure. Dans cette œuvre, les visages impressionnistes et les lignes courbes créent une impression de mouvement et d'intensité, caractéristique du style de Vegas. La toile tendue est comme une fenêtre ouverte sur la psyché de l'artiste, distillant le monde extérieur en une série de vignettes émotionnelles. À l'instar de nombreuses œuvres de Vegas, cette peinture n'est pas une simple image statique, mais une entité vivante qui dialogue avec ceux qui la découvrent. « Tooth For Tooth » est un exemple éloquent de l'engagement de RT Vegas envers le pop art urbain. Son œuvre est un phare dans l'art contemporain, soulignant l'importance du street art et du graffiti comme formes d'expression artistique à part entière. Grâce à ses compositions saisissantes et à ses sujets captivants, RT Vegas continue de séduire les amateurs d'art et les collectionneurs, confortant ainsi sa position de figure influente du street art pop.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art Totem Buddies, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Brandon Sopinsky.

Lis Plus Moins

Toulouse la Tortue ! Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs sur papier beaux-arts par Clint Wilson, artiste pop art célèbre. Toulouse, né en 2013 (5x5), est une jeune tortue sulcata originaire de Nouakchott, en Mauritanie. Contrairement à la plupart de ses congénères, il est très sociable et adore se faire des amis.

Lis Plus Moins

Toy Story Alien 100% & 400% BE@RBRICK Figurines d'art en vinyle en édition limitée, figurines de collection urbaines Le set Bearbrick Alien de Toy Story comprend une figurine à 100 % et une autre à 400 %, mesurant respectivement 7 cm et 28 cm de haut.

Lis Plus Moins

Train 6, sculpture originale en acrylique sur wagon de marchandises miniature à l'échelle HO, œuvre d'art de l'artiste de rue graffiti et artiste pop moderne LushSux. Œuvre originale de graffiti signée, réalisée en 2014 sur un wagon de train miniature HO (14 x 3 pouces). Lush est un mannequin et parfois un graffeur international notoire. Analyse de « Train 6 » de LushSux : Un monde miniature d'art graffiti « Train 6 » est une œuvre fascinante de l'artiste de rue LushSux, connu pour son approche sans concession et souvent provocatrice du pop art moderne. Cette pièce originale de 2014 présente un tag graffiti vibrant apposé sur un wagon de train miniature à l'échelle HO. Mesurant 35,5 x 7,5 cm, sa réalisation exige une attention méticuleuse aux détails et une main sûre pour préserver l'intégrité du style graffiti à une échelle aussi réduite. Cette œuvre est un exemple emblématique du street pop art, un genre qui fusionne l'esthétique brute et énergique du street art avec l'attrait culturel du pop art. L'approche novatrice de LushSux en matière d'art urbain sur les trains miniatures LushSux, artiste australien dont l'œuvre a suscité autant d'éloges que de critiques, évolue sur la scène internationale du street art, exposant son travail au grand public et provoquant souvent des débats. Son choix d'utiliser un train miniature comme support pour « Train 6 » est emblématique de son approche novatrice du street art : il y intègre l'esprit du graffiti dans une forme traditionnellement associée à la précision et à la nostalgie, plutôt qu'à la nature subversive de cet art. L'œuvre révèle le style dynamique de LushSux, caractérisé par des lignes audacieuses et des couleurs éclatantes, qui captent immédiatement le regard malgré la petite taille du support. À travers ce médium, LushSux remet en question la perception du spectateur quant aux limites du street art, suggérant que tout objet peut devenir un vecteur d'expression artistique. La signification culturelle et artistique de « Train 6 » « Train 6 » est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui fait le lien entre le monde underground du street art et le loisir plus conventionnel du modélisme ferroviaire. La signature de LushSux sur le train miniature replace cet élément de la rue dans un contexte différent, invitant les spectateurs à repenser les frontières entre le pop art urbain et le graffiti. En signant l'œuvre, LushSux en atteste l'authenticité et la valeur, la positionnant comme une pièce de collection au sein du monde de l'art et de la sous-culture des passionnés de modélisme ferroviaire. Cette peinture représente un confluent de sous-cultures, témoignant de la versatilité et de l'influence considérable du street art. À travers des œuvres comme « Train 6 », LushSux continue de provoquer, de divertir et de rehausser le statut du street art sur la scène artistique contemporaine.

Lis Plus Moins

Impression giclée translucide par Dalek - Œuvre de James Marshall, édition limitée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 19,69 x 19,69 cm. Translucide par Dalek : Géométrie psychédélique et déconstruction des personnages dans l’art urbain pop et le graffiti Translucid est une estampe giclée en édition limitée de 2022, signée James Marshall, alias Dalek. Tirée à 50 exemplaires sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², cette œuvre de 50 x 50 cm est signée et numérotée par l'artiste. Le travail de Dalek explore la intersection du surréalisme numérique, de l'abstraction animée et du démantèlement de personnages, le tout à travers le prisme d'une saturation à contraste élevé et d'une syntaxe visuelle urbaine. Dans Translucid, Dalek revisite son univers Space Monkey en le propulsant par une explosion de superpositions translucides, de mouvements déconstruits et de répétitions psychédéliques, incarnant pleinement l'énergie et la philosophie du Street Pop Art et du graffiti. Au centre de la composition se dresse une figure hyper-stylisée aux membres bulbeux, aux yeux cyclopéens et à la posture agressive. Les couleurs sont électriques : verts néon, roses acides, bleus ciel et noir profond s’entrechoquent au sein d’un motif rythmé et bouclé. Chaque forme semble se dupliquer en traînées décalées, créant une impression de mouvement, d’écho et de distorsion dimensionnelle. Les bras s’étendent sauvagement, l’un d’eux se tendant vers l’espace tandis que des faisceaux géométriques jaillissent de la tête de la figure, tels un cri visuel. Derrière le personnage principal, des répliques semi-transparentes ondulent, évoquant un accéléré, un décalage numérique ou une animation multi-images figée dans une immobilité stratifiée. Couleur, répétition et chaos hyper-contrôlé La structure visuelle de Dalek dans Translucid est loin d'être fortuite. Sa maîtrise précise des lignes, des courbes et des aplats crée une impression d'hallucination assistée par la machine : un équilibre harmonieux et ordonné, tout en conservant une vitalité fiévreuse. L'arrière-plan se pare d'ombres circulaires douces et de formes évoquant des bulles, contrastant avec les explosions plus nettes du premier plan. Il en résulte une tension entre folie cinétique et symétrie graphique. Ce jeu imite la philosophie visuelle du graffiti, où la répétition, les tags et les symboles superposés deviennent des marques d'identité au sein d'un chaos maîtrisé. L'effet de translucidité est un élément clé. Ombres, lignes fantomatiques et silhouettes en écho suggèrent la multiplicité d'un sujet unique, brouillant la frontière entre l'original et le dupliqué. Cette approche reflète la saturation numérique de la culture visuelle contemporaine, où les icônes sont constamment remixées, réutilisées et diffusées en boucle sur les écrans. Dalek capture cette sensation d'écho et de surcharge visuelle sous forme d'œuvre d'art, reflétant le pouls de la rue dans un carré de 50 cm. Mutation du singe de l'espace et dialogue visuel avec la culture moderne La figure de Translucid pourrait bien provenir de l'emblématique Space Monkey de Dalek, mais elle a ici muté en quelque chose de plus abstrait et dynamique. Alors que les œuvres précédentes présentaient Space Monkey comme un observateur plat et énigmatique, Translucid métamorphose le personnage en un vecteur de mouvement, de forme et de puissance. Il danse, attaque et dysfonctionne, n'étant plus passif mais pleinement intégré au chaos qu'il contemplait autrefois. Le sourire déformé, les yeux irradiants et les membres déconnectés créent une atmosphère de joie paradoxale et d'épuisement numérique. L'œuvre de Dalek s'inscrit parfaitement dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, grâce à une énergie vibrante et une liberté conceptuelle qui n'en demeurent pas moins rigoureuses. Il distille la culture pop, le rythme des jeux vidéo et l'esthétique des murs de graffiti en une composition qui communique sans récit. Translucid ne raconte pas d'histoire ; elle émet une fréquence. C'est une peinture que l'on peut presque entendre en l'observant attentivement. Translucide comme artefact de l'abstraction pop et de l'identité contemporaine Imprimée sur papier d'art Hahnemühle 308 g/m², la texture et la tenue des pigments confèrent à Translucid une dimension de collection, tout en préservant l'esthétique urbaine caractéristique de l'œuvre de Dalek. Chaque exemplaire offre la même intensité et la même profondeur de couleur, capturant avec une précision absolue chaque ombre portée et chaque point de collision. À la fois objet et symbole, elle nous rappelle que la culture visuelle n'est pas linéaire et que la répétition peut être à la fois expressive et déstabilisante. La contribution de James Marshall au canon du Street Pop Art et du graffiti continue de s'enrichir grâce à des œuvres comme Translucid. Cette pièce encapsule le langage de la répétition, le design cinétique et le commentaire psychédélique, tout en respectant l'attachement de Dalek à l'abstraction ancrée dans l'évolution du personnage. Translucid ne vise pas la résolution ; elle explore le mouvement, la multiplicité et la joie fragmentée de naviguer dans un monde où le sens se superpose, se duplique et vibre d'une vie infinie.

Lis Plus Moins

Estampe d'art en édition limitée, réalisée avec des pigments d'archivage et imprimée sur papier d'art par l'artiste Tratos, figure emblématique du street art pop et du graffiti. 2022 Artiste : Tratos Titre : « Tratos » Technique : Tirage pigmentaire d’archives Édition : 50 exemplaires Signatures : Signé et numéroté par l’artiste Dimensions : 50,8 cm x 50,8 cm

Lis Plus Moins

Achetez Strawberry Cough Stoned Eye Mini Nug Limited Run Handmade & Painted Art Toy Collectible Artwork par les artistes pop Nugg Life NY. Hommage aux plantes sur le thème du cannabis/marijuana avec des accents colorés peints à la main. Mini Nug mesure environ 2,5 à 3 pouces de haut et est fait à la main, peint et assemblé avec un conteneur de livraison NYC. Tirage limité à 15 exemplaires signés et numérotés.

Lis Plus Moins

Tirage d'art sur papier buvard Trip Benzos, par Ben Frost, édition limitée, impression pigmentaire d'art sur papier buvard perforé. Édition limitée signée et numérotée 2025 de tirage pigmentaire d'archives à déterminer sur papier buvard perforé. Format : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2025. Les éditions limitées sur buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. Trip Benzos par Ben Frost : L’iconographie du jeu vidéo rencontre le pop art urbain et le graffiti « Trip Benzos », une estampe sur papier buvard en édition limitée (2025) de l'artiste australien Ben Frost, capture la collision saisissante entre culture nostalgique et critique pharmaceutique contemporaine, à travers le prisme du street art, du pop art et du graffiti. Présentée sous la forme d'un tirage pigmentaire d'archive de 19 x 19 cm sur papier buvard perforé à la main par Zane Kesey, cette œuvre est une réinterprétation psychédélique d'un personnage de jeu vidéo familier, métamorphosé en un avatar anxieux et souriant de l'intoxication médicamenteuse. L'exubérance déformée de l'expression et la palette audacieuse reflètent l'interrogation caractéristique de Frost sur les médias, la médecine et les états mentaux. Satire pharmaceutique et subversion pop Frost est mondialement reconnu pour sa capacité à détourner les icônes du divertissement commercial en une critique sociale incisive. Dans Trip Benzos, il s'approprie une mascotte de jeu vidéo emblématique et la revêt de son costume de raton laveur, cette fois-ci sous l'emprise de l'hyperréalité. Avec ses yeux aux couleurs de l'arc-en-ciel tourbillonnantes et ses membres hypertrophiés, la figure devient une métaphore des euphories artificielles et de l'évasion alimentée par les dessins animés, propres à la vie moderne. Le mot BENZOS, inscrit en lettres capitales au-dessus, ancre le regard du spectateur dans le thème pharmacologique. À l'instar de l'ensemble de son œuvre, Frost interroge ici l'éthique de la société de consommation et la frontière ténue entre divertissement et sédation. Culture visuelle sur buvard L'utilisation de buvards perforés est essentielle à la portée conceptuelle de l'œuvre. Ce support, traditionnellement associé à la distribution de LSD, est ici réapproprié comme un format d'art à part entière. L'exécution de Frost est précise, colorée et empreinte d'ironie. La vivacité hallucinogène de l'estampe et le style graphique épuré confèrent à l'image une intensité comique palpable. Les nuages ​​et les champs verdoyants forment un arrière-plan apaisant qui contraste fortement avec le titre de l'estampe, invitant le spectateur à concilier innocence et euphorie artificielle. Le support devient plus qu'une simple surface : il devient une réflexion sur la perception altérée, le marketing et l'identité. Ben Frost et le récit urbain contemporain Ben Frost, artiste basé à Sydney, s'est forgé une renommée internationale grâce à des œuvres mêlant iconographie d'entreprise, satire pop et esthétique graffiti. Son travail s'exprime souvent dans l'espace public, les galeries, et désormais sur des supports insolites comme le papier buvard, créant un dialogue entre légalité urbaine, beaux-arts et critique sociale. « Trip Benzos » prolonge l'intérêt de Frost pour la dépendance aux médicaments et la caricature de la santé mentale. C'est un instantané d'une culture imbuvable, accro au divertissement et aux médicaments qui la poussent au sourire. Cette édition limitée porte la voix de la scène underground tout en utilisant les outils du marketing de masse, une formule qui définit la puissance et la force de provocation du street art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Papier buvard Trips Festival, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Bob Masse, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 14,6 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

Lis Plus Moins

Tropic-Ana 16 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier Orange Plike 330 g/m² par Tim Conlon, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2022 signée et numérotée à 75 exemplaires. Œuvre d'art de 24x24 pouces représentant le logo orange Tropicana en gros plan d'un wagon, d'un camion ou d'un conteneur maritime. Tim Conlon, artiste reconnu pour son influence majeure sur le street art et le pop art, présente « Tropic-Ana », une sérigraphie artisanale d'une rare finesse, réalisée en 16 couleurs. Imprimée avec une qualité exceptionnelle sur papier Orange Plike 330 g/m², cette œuvre rayonne de couleurs vibrantes et de détails minutieux, signature de l'artiste. Mesurant 61 x 61 cm, elle ne passe pas inaperçue. Tirée à seulement 75 exemplaires, chaque estampe aux bords frangés est signée par l'artiste, ajoutant une touche d'authenticité précieuse pour les collectionneurs et les amateurs. Cette pièce s'inscrit pleinement dans la lignée de la célèbre série « Blank Canvas » de Conlon. Plus précisément, elle s'inspire de sa peinture originale « Blank Canvas #115 - TPIX ». Cette série illustre à merveille le talent de Conlon pour fusionner avec brio les techniques de la peinture aérosol, la typographie complexe, l'abstraction et le trompe-l'œil. Avec « Tropic-Ana », Conlon offre aux spectateurs une perspective intime, presque amplifiée, de la culture des peintures sur les trains de marchandises, un sous-domaine de niche mais profondément expressif du street art. Son approche novatrice, qui mêle les styles picturaux traditionnels à l'énergie brute du graffiti, fait de « Tropic-Ana » bien plus qu'une simple estampe : une véritable toile narrative. Cette collaboration avec BEYOND THE STREETS renforce l'importance de l'œuvre, l'édition estampée portant le gaufrage distinctif de l'organisation, gage de son approbation et de son association avec l'une des figures les plus influentes du monde de l'art contemporain. « Tropic-Ana » témoigne non seulement du talent artistique de Conlon, mais aussi de l'évolution et du dynamisme du street art et du pop art. Signée Tim Conlon, Tropic-Ana, 2022. Sérigraphie 16 couleurs sur papier Orange Plike 330 g/m², bords frangés, 61 x 61 cm. Édition limitée à 75 exemplaires. Signature directe de l'artiste. Estampillée BEYOND THE STREETS. Inspirée de sa peinture originale Blank Canvas #115 - TPIX, issue de sa prolifique série Blank Canvas, BEYOND THE STREETS est fier de présenter une édition rare de cette œuvre du peintre et graffeur emblématique Tim Conlon. Combinant peinture aérosol, typographie, abstraction picturale et trompe-l'œil, Conlon crée des tableaux grand format en gros plan, offrant un aperçu saisissant de l'art et de la culture du graffiti sur trains de marchandises.

Lis Plus Moins

True Detective Édition Limitée 1 Couleur Tirage Sérigraphique à la Main Phosphorescent sur Papier Beaux-Arts par Jeremy Wheeler Artiste de Rue Graffiti Art Pop Moderne.

Lis Plus Moins

Lithographie « Dieu Tortue », édition limitée, sur papier d'art, par Jeff Soto, artiste de rue pop et graffiti urbain. Dieu Tortue, 2007. Lithographie offset. Dimensions de l'image : 41,9 x 57,2 cm. Dimensions du papier : 45,7 x 61 cm. Édition numérotée et signée de 500 exemplaires.

Lis Plus Moins

Œuvre originale unique de Turtle Island Ganas Collage, réalisée à la peinture au pochoir sur papier d'art en chiffon de coton par l'artiste de street art et de culture pop Ernesto Yerena Montejano - Hecho Con Ganas. Peinture originale signée à la bombe aérosol, 2022. Dimensions : 52 x 67 cm. Pochoirs peints à la main à la bombe sur papier chiffon 100 % coton. Bords frangés à la main. Signée et numérotée par Ernesto Yerena Montejano. Pièce unique. L'expression artistique du "Collage Ganas de l'Île aux Tortues" d'Ernesto Yerena Montejano Ernesto Yerena Montejano est un artiste profondément ancré au carrefour culturel du pop art urbain et du graffiti. Son œuvre, « Turtle Island Ganas Collage », est une vibrante célébration de l'identité culturelle, de la résilience et de l'esprit de résistance. Cette pièce unique, réalisée à la peinture aérosol au pochoir sur papier chiffon, incarne l'éthique de la vision artistique de Montejano : « Hecho Con Ganas », c'est-à-dire « fait avec effort et désir ». Signée par l'artiste, cette œuvre de 52 x 67 cm témoigne de son engagement à créer des pièces non seulement visuellement captivantes, mais aussi porteuses d'un commentaire social et politique. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Montejano Dans « Turtle Island Ganas Collage », Montejano utilise la tortue, créature vénérée dans de nombreuses cultures autochtones pour porter le monde sur son dos, comme figure centrale symbolisant la terre et l'interdépendance du vivant. Le terme « Turtle Island » désigne le continent nord-américain, utilisé par plusieurs tribus amérindiennes, et son inclusion dans le titre ancre l'œuvre dans les thèmes du patrimoine et du territoire. Le choix des matériaux par Montejano – du papier chiffon 100 % coton aux bords frangés à la main – complète le sujet organique, ancrant l'œuvre dans la tradition et le savoir-faire. Les pochoirs appliqués à la main créent un contraste saisissant caractéristique du graffiti, tandis que les détails complexes et la superposition font écho à la richesse de l'imagerie pop art. La contribution d'Ernesto Yerena Montejano au Street Pop Art Montejano, artiste mexicano-américain, enrichit la riche palette du street art avec des œuvres telles que « Turtle Island Ganas Collage », qui abordent les thèmes de l'identité, de la communauté et de l'activisme. Son travail reflète souvent la réalité des zones frontalières entre les États-Unis et le Mexique, offrant un commentaire visuel sur le paysage socio-politique. En intégrant des motifs issus des cultures indigène et chicano, Montejano tisse un lien entre passé et présent, créant un dialogue entre récits historiques et enjeux contemporains. Son œuvre transcende les frontières traditionnelles du street art, proposant un récit à la fois universel et profondément personnel. À travers son art, Montejano invite les spectateurs à s'engager dans des discussions plus larges sur la justice sociale, le patrimoine et la condition humaine, confirmant ainsi sa place parmi les figures majeures du street art et du graffiti.

Lis Plus Moins

Deux œuvres d'art inspirées d'un accident de train, imprimées en édition limitée sur papier épais par l'artiste de graffiti pop culture Lady Pink. Impression giclée sur papier épais. Format 28 x 43 cm. Image : 23 x 38 cm. Signée à la main par Lady Pink (promotion 2005). Extrait d'une fresque murale de Brooklyn. Tirage limité à 6 exemplaires.

Lis Plus Moins

Ty Cobb/ Dapper Thinking - Tigers Collage unique orné à la main, technique mixte sur carte de baseball vintage par Pat Riot. Œuvre originale de 2014, technique mixte superposée sur une véritable carte vintage MLB Topps, avec un style pop art inspiré de Ty Cobb/Dapper Thinking - Tigers

Lis Plus Moins

Umphreys McGee Vampire AP Sérigraphie par Todd Slater Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop et graffiti de rue. Épreuve d'artiste (AP) 2008 Signée et marquée AP Tirage limité Format 15,5 x 21 cm Encre métallique Halloween Monster Mash Up The Warfield San Francisco 2008 Sérigraphie AP Vampire d'Umphrey McGee par Todd Slater L'art de fusionner musique, culture pop et imagerie surréaliste, illustré par la sérigraphie Umphrey's McGee Vampire AP, témoigne de la capacité de Todd Slater à créer un ensemble harmonieux. Réalisée en édition limitée en 2008, cette sérigraphie artisanale mêle horreur, humour et esthétique du street art. Conçue pour le concert Halloween Monster Mash Up du groupe au Warfield de San Francisco, elle capture l'atmosphère étrange de l'événement tout en conservant le style audacieux caractéristique de Slater. On y découvre une représentation saisissante d'une momie de vampire penchée sur une pierre tombale, où le nom du groupe apparaît en lettres dégoulinantes. Le fond est parsemé de friandises d'Halloween classiques, comme des tartes et des gâteaux, apportant une touche ludique et inattendue à cette scène inquiétante. L'encre métallisée sublime l'ensemble, créant une sérigraphie aux reflets texturés et profonds. L'approche unique de Todd Slater en matière de street art Todd Slater s'est forgé une réputation grâce à une fusion de street art, de graffiti et de graphisme audacieux. Son œuvre est reconnue pour ses détails minutieux, ses textures superposées et ses interprétations surréalistes de références culturelles. Cette pièce ne fait pas exception, puisqu'elle intègre sa technique de sérigraphie caractéristique, avec des contours marqués et une figure centrale très stylisée. L'utilisation d'encre métallique et de palettes de couleurs inspirées d'Halloween confère à cette affiche une dimension qui la distingue des affiches de concerts traditionnelles. Le visage vert du personnage et ses bandages blancs inquiétants contrastent fortement avec les tons sombres, tandis que la présence de gâteaux en arrière-plan ajoute une touche fantaisiste qui empêche l'œuvre d'être purement sinistre. Le lien entre la musique et les arts visuels Umphrey's McGee, groupe reconnu pour son rock progressif et ses performances improvisées, est un sujet idéal pour une affiche percutante. La fusion de l'imagerie horrifique et de la culture musicale est un thème récurrent des affiches de concerts, permettant aux artistes de créer des objets de collection dont le souvenir perdure bien après le concert. Cette affiche sert à la fois d'outil promotionnel et d'œuvre d'art à part entière, conçue pour être exposée et appréciée après l'événement. Les affiches de concerts font depuis longtemps partie intégrante de l'histoire de la musique, notamment dans les mouvements du street art et du graffiti. Ces affiches brouillent souvent les frontières entre design commercial et beaux-arts, ce qui les rend très recherchées par les collectionneurs. L'approche de Slater garantit l'originalité de son œuvre, puisant son inspiration dans le thème du concert tout en y intégrant ses propres influences artistiques. Une estampe en édition limitée de collection. Avec son statut d'épreuve d'artiste, cette sérigraphie est une pièce rare et très recherchée par les amateurs de musique et de street art. Son édition limitée garantit la valeur de chaque exemplaire, notamment pour les connaisseurs des techniques artisanales de sérigraphie. Le talent de Todd Slater pour insuffler à son œuvre une profondeur visuelle et une portée culturelle exceptionnelles fait de cette pièce un incontournable pour les fans de pop art moderne. Son mélange d'esthétique horrifique, de culture musicale et d'influences street art en fait un exemple remarquable d'affiche de concert contemporaine.

Lis Plus Moins

Œuvre d'art impie, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Jason Levesque.

Lis Plus Moins