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« Dance of the Dragons », édition limitée, sérigraphie artisanale 5 couleurs sur papier French Speckletone naturel 80 lb, par Rhys Cooper, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le jeune Rhys Cooper, originaire de Melbourne, s'est fait un nom dans le milieu des affiches rock au cours des 10 dernières années, travaillant notamment pour des groupes comme Them Crooked Vultures, Rage Against the Machine, Queens of the Stone Age, Soundgarden et Pearl Jam. Printed Oceans est le programme d'estampes d'art de la Fondation PangeaSeed. Il sensibilise le public aux enjeux environnementaux marins les plus urgents grâce au regard d'artistes parmi les plus reconnus d'aujourd'hui. Depuis 2012, nous avons publié plus de 100 éditions originales d'estampes d'art mettant en lumière des espèces marines menacées et des habitats océaniques. Ces magnifiques éditions contribuent à diffuser des récits importants sur la conservation dans les foyers et les espaces de travail du monde entier, suscitant un dialogue essentiel et inspirant des actions concrètes. En acquérant ces œuvres d'art en édition limitée, réalisées artisanalement avec soin, vous soutenez non seulement le travail novateur de la Fondation PangeaSeed dans les communautés du monde entier, mais vous contribuez également aux moyens de subsistance de nos artistes engagés. Ensemble, par l'art et l'activisme, nous pouvons sauver nos océans.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier beaux-arts, réalisés par Martine Johanna, artiste de graffiti, de street art et de culture pop, inspirés par David Lynch.

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L'Aube des Morts - Œuvre d'art d'horreur, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Olivier Bonnard. Horror Show est un hommage illustré aux meilleurs et aux pires films d'horreur de série Z de ces dernières années.

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Estampe d'art en édition limitée Dax Die-Cut Archival Pigment sur papier d'art Moab 290 g/m² par l'artiste Darien Birks, œuvre d'art urbaine de rue. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 16x16 « Je pense que ces images méritent de figurer sur un timbre, de par leur valeur nostalgique pour ceux qui ont grandi dans une communauté semblable à la mienne. Ce qu'elles représentent suffit généralement à faire sourire. Elles ravivent des souvenirs de l'époque où l'on voulait être à notre avantage, de la façon dont on souhaitait se présenter au monde. Quand une pommade ne nous donnait pas le résultat escompté (surtout des ondulations), on en essayait une autre ; cela donnait lieu à des débats passionnés pour savoir laquelle était la meilleure. Les couleurs vives et la typographie originale de la boîte en métal étaient d'autres détails intéressants, iconiques, et je voulais les recréer. » – Darien Birks

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Daydreaming II, œuvre d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art, par l'artiste de graffiti pop culture Alex Garant. Estampe signée en édition limitée de 2018, format 8x10

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Tapis Death Adder, édition limitée, objet d'art de créateur, œuvre d'art de collection par les artistes punk Mishka NYC - МИШКА. Tapis Death Adder 33x35, objet d'art en édition limitée 2021 par Mishka NYC- МИШКА. Tapis Death Adder : un point de rencontre entre l'art punk et la décoration intérieure En 2021, la marque emblématique de streetwear Mishka NYC, également connue sous le nom de МИШКА, a étendu son influence artistique au domaine de la décoration intérieure avec la sortie du tapis Death Adder. Cet objet d'art en édition limitée mesure 84 x 89 cm et arbore le motif Death Adder, emblème de la marque et symbole de son esprit audacieux et rebelle. Confectionné avec un souci du détail exceptionnel, ce tapis est à la fois un élément de décoration pratique et une pièce de collection inspirée de l'art punk. Mishka NYC : Brouiller les frontières entre mode et art fonctionnel Mishka NYC est depuis longtemps reconnue pour sa contribution au streetwear, fusionnant avec brio l'esthétique punk rock, le graffiti et le pop art urbain. Avec la création du tapis Death Adder, la marque franchit une nouvelle étape, transformant son langage graphique distinctif en un véritable objet d'art. Les bords cousus du tapis garantissent sa durabilité, tandis que sa texture douce et moelleuse offre une dimension tactile qui contraste avec son design visuel audacieux. Cette incursion dans la décoration intérieure témoigne de l'engagement de Mishka NYC à repousser les limites de l'art et du design traditionnels. En métamorphosant un objet utilitaire en un support d'expression, le tapis Death Adder bouscule les conventions artistiques, insufflant l'esprit punk dans nos espaces de vie. Le tapis Death Adder : un symbole de sous-culture dans la décoration intérieure Le tapis Death Adder incarne l'esprit du street art et du graffiti, traduisant l'énergie brute de la rue en une forme à la fois accessible et fonctionnelle. Véritable pièce maîtresse, il s'intègre parfaitement à n'importe quelle pièce, bureau ou même repaire, comme le suggère la marque avec humour. C'est ici que la nature rebelle et souvent underground de l'art punk trouve sa place dans un environnement plus domestique, offrant une juxtaposition saisissante et intrigante. La capacité de Mishka NYC à créer des objets d'art qui conservent leur crédibilité subculturelle tout en s'intégrant à la décoration grand public souligne l'évolution de l'art punk et sa place dans la culture contemporaine. Le tapis Death Adder, par essence, célèbre cette évolution, témoignant de l'influence durable de l'esthétique punk et de la versatilité du street art. Le tapis Death Adder de Mishka NYC représente l'expansion continue du street art vers de nouveaux horizons. Ce tapis illustre comment l'art peut transcender les supports traditionnels, offrant de nouvelles façons d'appréhender les messages rebelles et stimulants qui caractérisent l'art punk. Véritable œuvre d'art de collection, il occupe une place de choix parmi les fans et les collectionneurs, symbole de l'héritage durable de Mishka NYC dans le monde de l'art et du design.

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Death God Necros - Grim Green Decay, édition limitée, sérigraphie artisanale 10 couleurs sur papier beaux-arts par Skinner, artiste de rue graffiti, art pop moderne. SÉRIGRAPHIE 10 COULEURS ! ÉDITION LIMITÉE À 30 EXEMPLAIRES ! 61 x 91 cm (24 x 36 pouces) de fantasy d'un autre monde ! Qui sait quels actes funestes ce guerrier mort-vivant a commis sur des terres lointaines ? Quel dieu au cœur noir sert-il ? Et pourquoi ? Autant de questions qui vous hanteront à jamais tandis que vous contemplerez cette ode extravagante à la fantasy old-school et à la nostalgie ! C'est ma sérigraphie la plus ambitieuse à ce jour ! Imprimée par la désormais légendaire Monolith Press, cette estampe rendra votre père jaloux ! Créée à partir de mon amour pour les illustrateurs et les affiches de films old-school des années 70, je voulais créer quelque chose qui puisse inspirer les rockers défoncés de la vieille école ainsi que les jeunes rockers défoncés en devenir ! Comment ne pas vous aimer, les rockers défoncés ? Rêvez profondément des anciens destins qui attendent votre héros dans l'enfer de l'oubli ! Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie. Il a su créer un univers riche et harmonieux, mêlant fresques murales exceptionnelles, installations insolites et provocatrices, tout en menant une carrière commerciale florissante. Influencé par la pop culture des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'esprit de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré. « Death God Necros - Grim Green Decay » de Skinner : le dieu-monstre barbare, musclé et colossal, se dresse dans toute sa puissance, brandissant une immense épée, tandis qu'une créature des enfers enserre le puissant guerrier de ses tentacules. Tirage d'art Giclée en édition limitée, signé par le célèbre artiste Skinner.

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Cri décomposé au cœur de l'homme, estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Sérigraphie « Deconstructed Set » par Pose - Jordan Nickel, imprimée à la main en 15 couleurs sur papier Mohawk Superfine UltraWhite de 160 lb, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 85 exemplaires (2021), format 12x16, sérigraphie, lot de 4. Dans le monde en constante évolution de l'art moderne, où le pop art et le street art ont acquis une identité bien ancrée, Pose, alias Jordan Nickel, propose une perspective inédite avec son ensemble de sérigraphies « Deconstructed Set ». Ce captivant ensemble de quatre œuvres révèle une attention méticuleuse aux détails et une palette vibrante de 15 couleurs appliquées à la main. Le choix du papier Mohawk Superfine UltraWhite 160lb Cover, sublimé par une finition colorée, confère aux estampes une sensation tactile luxueuse. Créée en 2021, cette édition limitée reflète le style unique de Pose : un jeu harmonieux de couleurs, des motifs complexes et une déconstruction stimulante d'éléments familiers. Limitée à seulement 85 exemplaires, cette collection dégage une aura d'exclusivité, renforcée par la signature personnelle de Pose sur chaque estampe. Le format standardisé de 12 x 16 pouces de chaque œuvre assure une esthétique cohérente lorsqu'elles sont exposées ensemble, permettant au spectateur de s'immerger dans le récit qui traverse l'ensemble. Au premier coup d'œil, chaque estampe se présente comme une histoire indépendante. De la représentation intrigante d'une pochette à pois à l'image dynamique d'un œuf qui se brise, les œuvres invitent à une introspection sur des objets en apparence quotidiens. Pourtant, vues collectivement, elles tissent une tapisserie de récits interconnectés, célébrant l'esprit éclectique du street art fusionné aux accents iconiques du pop art. L'estampe sérigraphique « Deconstructed Set » de Pose témoigne sans aucun doute des possibilités infinies de l'expression artistique à l'époque contemporaine.

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Def Syntax - Bleu Jaune I Sérigraphie en édition limitée, ornée à la main, sur papier beaux-arts, par l'artiste Defer. Œuvre d'art pop contemporaine. 2022 Signée et numérotée HPM Technique mixte embellie à la main Édition limitée de 1 Œuvre d'art Taille 22x30 Estampillée par BEYOND THE STREETS 1 sur 1. « Def Syntax rend hommage aux racines anciennes de la typographie et au caractère intemporel des styles manuscrits. » – DEFER « Def Syntax - Blue Yellow I » est un vibrant hommage à l'évolution et aux subtilités de la typographie, conçu avec art par le célèbre artiste Defer. Figure incontournable du pop art, du street art et du graffiti, Defer entremêle avec brio respect de l'histoire et esthétique contemporaine, créant une œuvre qui touche autant les amateurs d'art que les historiens. Dans cette sérigraphie en édition limitée, rehaussée à la main sur papier d'art, la symphonie de bleus et de jaunes se fond harmonieusement avec la myriade dynamique de caractères et de symboles. Chaque trait, chaque nuance, témoigne du profond respect de Defer pour les racines ancestrales de la typographie. Le fond immersif, d'apparence chaotique au premier abord, est méthodiquement juxtaposé à une représentation verte et audacieuse d'une créature évoquant les mythologies anciennes. Ce jeu intentionnel entre l'ancien et le nouveau, le chaos et la structure, témoigne de la profonde compréhension de l'équilibre dont l'artiste fait preuve. Datée de 2022, cette œuvre représente une incarnation unique du parcours artistique de Defer. Il s'agit d'une édition limitée, réalisée en techniques mixtes et rehaussée à la main. Attestation de son authenticité et de sa valeur, elle est minutieusement estampillée par BEYOND THE STREETS, témoignant de son expertise dans le domaine de l'art contemporain. Tirée d'un seul exemplaire, son exclusivité lui confère un attrait supplémentaire, en faisant une pièce convoitée par les collectionneurs. Comme l'artiste l'a déclaré lui-même : « Def Syntax rend hommage aux racines anciennes de la typographie et à la nature intemporelle des styles manuscrits. » Cette affirmation résume l'essence même de l'œuvre, faisant le lien entre savoir-faire traditionnel et interprétations modernes. Pour tout amateur de pop art, de street art ou de graffiti, « Def Syntax - Blue Yellow I » est bien plus qu'une simple œuvre d'art : c'est un témoignage de la vitalité de l'expression humaine.

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Duo délicieux - Œuvre d'art pop à la crème d'artichaut, édition ouverte, impression giclée sur papier d'art crème par l'artiste moderne Nate Duval. Œuvre signée de 2014, format 11,75 x 18 pouces

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Duo délicieux - Œuvre d'art pop Artichaut, édition limitée, impression giclée sur papier d'art de l'artiste moderne Nate Duval. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Dimensions de l'œuvre : 11 x 17,25 pouces.

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Délicieux Lambfruit - Hohokum, estampe giclée en édition limitée sur papier d'art de Richard Hogg, artiste de rue de la contre-culture. Estampe originale de la série d'illustrations du jeu vidéo Hohokum de Richard Hogg.

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Logo Delta - Planche de skateboard sérigraphiée en édition limitée vert foncé, créée par les artistes de la culture pop urbaine Supreme x Delta.

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Sérigraphie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur papier d'art de qualité supérieure, signée Dan Christofferson - Beeteeth, artiste de street art rare et célèbre du pop art.

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée sur papier Moab Fine Art 290 g/m² par Glenn Barr, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 16,5 x 20 pouces. Portfolio « Crise de personnalité » – Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, inspirée par Detroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, de régionalisme, d'art brut, d'art alternatif, ou encore, selon son propre terme, de « B-culturalisme ». Barr puise son inspiration dans les rues de la ville, ainsi que dans les cultures pop et alternatives, insufflant une familiarité à ses multiples réalités parallèles. Avec un clin d'œil à la peinture des maîtres anciens, à l'art pulp et à la bande dessinée, les toiles de Barr fascinent par leur complexité narrative et leur maîtrise technique.

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Série Detroit 16 Peinture originale Peinture en aérosol, peinture acrylique et techniques mixtes sur bois encadré par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2010. Peinture originale signée et titrée, réalisée à la bombe de peinture acrylique et technique mixte sur panneau de bois entoilé. Prête à accrocher. Style graffiti. Format lettre bulle : 24 x 24 pouces. « J'ai toujours rêvé d'une exposition comme celle-ci. Ces derniers temps, je me suis surtout tourné vers la peinture en techniques mixtes, mais je pratique le graffiti pur et dur, si on peut dire, depuis plus de trente ans. C'est ce qui a fait de moi Cope2. J'aime varier les plaisirs et montrer mes différents styles. Avec cette exposition, je peux donc retracer l'évolution de mon style et mes progrès. « Versatile » illustre mes origines et ma démarche actuelle », a déclaré Cope2 depuis son atelier new-yorkais. Série Detroit 16 de Cope2 : Un emblème du pop art urbain et du graffiti Cope2, artiste emblématique du pop art urbain et du graffiti, nous présente « Detroit Series 16 », une œuvre qui capture l'essence même de l'expression urbaine. Cette peinture originale de 2010 illustre avec brio la fusion de la peinture aérosol, de l'acrylique et des techniques mixtes sur bois entoilé. Mesurant 61 x 61 cm, cette pièce prête à être accrochée est une création authentique de Cope2, reconnaissable à ses lettres bulles iconiques qui débordent de l'énergie et de la spontanéité caractéristiques de son travail. Cette œuvre de la série Detroit est une riche tapisserie de couleurs, de textures et de formes. L'utilisation du bois entoilé comme support marque une rupture avec les murs éphémères et les rames de métro qui servent traditionnellement de toiles aux graffeurs. Ce choix de matériau témoigne d'une volonté affirmée de Cope2 d'assurer la pérennité de son art, reflétant son désir d'évoluer et de s'adapter au fil de plus de trente ans de création. En employant une approche multimédia, Cope2 comble le fossé entre l'art brut et urbain du graffiti et la nature raffinée et délibérée des œuvres créées en atelier. L'évolution du style dans l'œuvre de Cope2 Le parcours que Cope2 décrit dans sa transition vers la peinture en techniques mixtes est manifeste dans « Detroit Series 16 ». Cette œuvre offre un récit visuel de son évolution stylistique, révélant les différentes strates de croissance et de transformation qui jalonnent sa carrière. Selon ses propres termes, la polyvalence de son art témoigne de la richesse de son expérience, des expressions débridées du graffiti « hardcore » aux œuvres complexes et multidimensionnelles qu'il crée aujourd'hui. L'œuvre raconte l'histoire d'un artiste qui refuse le statu quo et repousse sans cesse les limites de son médium pour explorer de nouvelles techniques et de nouveaux concepts. L'essence du street art, qui met l'accent sur l'accessibilité et l'engagement communautaire, est préservée dans cette œuvre, tout en intégrant des éléments du pop art, notamment son intérêt pour les médias de masse et la culture populaire. L'œuvre de Cope2, et plus particulièrement « Detroit Series 16 », témoigne du pouvoir transformateur de l'art à transmettre des parcours personnels et des récits sociétaux. Elle est une représentation visuelle de la conviction de l'artiste quant au changement, au potentiel d'évolution du graffiti et à sa capacité à refléter ces mutations à travers son art. Impact et héritage de la série Detroit de Cope2 L'impact de « Detroit Series 16 » dépasse largement l'attrait visuel de ses couleurs vibrantes et de ses formes complexes. Elle représente un moment charnière dans le récit plus large de l'intégration du street art au sein du monde des beaux-arts. L'œuvre de Cope2, avec son esthétique singulière et son attachement aux valeurs fondamentales du graffiti, a joué un rôle déterminant dans la redéfinition de la perception de l'art inspiré de la rue. La série, et plus particulièrement cette pièce, illustre la nature fluide de l'art contemporain, où les genres se croisent et où de nouvelles formes émergent. Alors que le street art continue de gagner en reconnaissance et en respect au sein de la communauté artistique, des œuvres comme « Detroit Series 16 » constituent des jalons sur la voie de cette acceptation culturelle. Elles rappellent les racines de cet art dans les expressions spontanées, souvent non autorisées, que l'on trouve dans les environnements urbains du monde entier. Elles symbolisent également la possibilité d'une transcendance, d'un art qui peut s'élever de la rue pour orner les murs des collectionneurs et des passionnés qui apprécient l'authenticité et la puissance brute que recèle le graffiti. En évaluant l'héritage de « Detroit Series 16 » de Cope2, il est impossible de ne pas reconnaître l'influence de l'artiste sur l'évolution du street art et du graffiti. Sa capacité à réussir la transition de la rue à l'atelier sans perdre l'essence même de l'esprit du graffiti est remarquable. Cette série témoigne visuellement de la pertinence durable de Cope2 dans le monde de l'art, soulignant son rôle non seulement d'artiste, mais aussi de chroniqueur du langage dynamique et en constante évolution du street art. À travers ses créations, Cope2 continue d'alimenter le débat sur la définition de l'art, sur qui peut le créer et sur les lieux où il mérite d'être exposé.

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Diaspora Ono Peinture originale Émail et acrylique sur plexiglas par Askew One Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2015 Peinture originale signée , format 20 x 14 pouces, encadrée sur mesure En avril/mai 2014, j'ai passé environ six semaines à Los Angeles à réaliser ces peintures pour mon exposition personnelle à la galerie Known. Je vivais et travaillais au-dessus du magasin TSL, m'efforçant de produire suffisamment d'œuvres pour remplir l'espace, une tâche plutôt ardue. Les pièces elles-mêmes sont une combinaison de portraits peints dans ce que je qualifierais de style caractéristique, ainsi qu'une série de petites œuvres abstraites qui symbolisent l'idée de migration à travers le Pacifique, d'un point de vue à la fois historique et contemporain. Le modèle pour les portraits était mon amie Sereima, alias Stelly, qui vit à Sydney et est d'origine fidjienne. Pour moi, elle représente vraiment le visage changeant du Pacifique à bien des égards. Suite au succès de mon exposition à Sydney, « The Evolving Face », je voulais m'éloigner des poses figées des portraits précédents et apporter plus de personnalité et d'exubérance, et Sereima était parfaite car elle incarne parfaitement ces valeurs. » – Askew Diaspora Ono Peinture originale par Askew One Diaspora Ono est une œuvre originale saisissante, créée en 2015 par Askew One, artiste renommé du graffiti et du Street Pop Art. Réalisée à l'émail et à l'acrylique sur plexiglas, cette pièce illustre la capacité d'Askew One à fusionner formes abstraites et palettes de couleurs audacieuses avec des récits profondément significatifs. Encadrée sur mesure et mesurant 20 x 14 pouces (51 x 35,5 cm), la peinture témoigne de l'aptitude de l'artiste à explorer les thèmes de l'identité culturelle et de la migration à travers son regard artistique unique. Le contexte et l'inspiration derrière Diaspora Ono Diaspora Ono faisait partie d'un ensemble d'œuvres plus vaste créé par Askew One lors de son séjour à Los Angeles, en préparation de son exposition personnelle à la Known Gallery. Cette pièce reflète les thèmes explorés tout au long de l'exposition, notamment le concept de migration à travers le Pacifique. Askew One se penche sur les mouvements historiques et contemporains de personnes et d'idées, créant des métaphores visuelles qui rendent compte de la complexité des échanges culturels. Cette série, qui comprenait des œuvres abstraites et des portraits, mettait en scène des modèles comme Sereima, une amie de l'artiste et incarnation de l'identité pacifique contemporaine. Ses origines fidjiennes et sa présence dynamique ont été des influences majeures, incitant Askew One à s'éloigner du portrait traditionnel et à capturer l'énergie, l'exubérance et la transformation. Diaspora Ono, bien qu'abstraite, porte cet esprit de migration et d'évolution à travers ses couleurs vibrantes et ses superpositions complexes. Le style artistique d'Askew One L'œuvre d'Askew One est reconnue pour sa fusion d'influences graffiti et de sensibilité artistique, et Diaspora Ono ne fait pas exception. L'utilisation d'émail et d'acrylique sur plexiglas crée une surface lisse et réfléchissante qui amplifie l'éclat des couleurs. Les lignes audacieuses, les motifs dynamiques et les détails texturés évoquent le mouvement des vagues, des vents et des échanges culturels qui caractérisent la diaspora du Pacifique. La composition circulaire de la peinture attire le regard du spectateur vers l'intérieur, symbolisant un cycle continu de migration et de connexion. L'approche singulière d'Askew One en matière de Street Pop Art se manifeste dans l'interaction entre abstraction et signification. En combinant l'énergie brute du graffiti à une esthétique moderne et raffinée, l'artiste sublime le médium tout en restant fidèle à ses racines urbaines. Diaspora Ono illustre sa capacité à transformer des matériaux du quotidien en puissants outils narratifs, établissant un pont entre l'intime et l'universel. L'importance de Diaspora Ono dans le Street Pop Art Diaspora Ono est une œuvre majeure du mouvement Street Pop Art, car elle met en lumière le rôle de l'art urbain face aux enjeux mondiaux et culturels. Par son abstraction et ses couleurs vibrantes, la peinture capture la fluidité et la complexité de l'identité dans un monde façonné par les migrations. Elle reflète le lien profond d'Askew One avec son héritage du Pacifique tout en s'inscrivant dans des débats plus larges sur les échanges et les transformations culturelles. Cette œuvre originale, qui fait partie d'une série marquante créée à un moment charnière de la carrière d'Askew One, témoigne de la polyvalence de l'artiste et de sa volonté de repousser les limites du graffiti et du Street Pop Art. Diaspora Ono est non seulement une célébration visuelle du mouvement et de l'identité, mais aussi un puissant rappel de l'interconnexion des personnes et des lieux. Elle demeure une pièce incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d'art urbain contemporain.

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Achetez Diaspora Ono Peinture originale émail et acrylique sur plexiglas par Askew One graffiti street artiste pop art moderne. 2015 Signé Original peinture oeuvre taille 20 x 14 personnalisé encadré "En avril/mai 2014, j'ai passé environ 6 semaines à Los Angeles à faire ces peintures pour mon exposition personnelle à la Known Gallery. Je vivais et travaillais au-dessus du magasin TSL, faisant de mon mieux pour faire assez de travail pour remplir l'espace ce qui était une tâche assez ardue. Les pièces elles-mêmes sont une combinaison de portraits de tête peints dans ce que je dirais être mon style de signature, puis aussi une série d'œuvres abstraites plus petites qui signifient l'idée de la migration à travers le Pacifique, à la fois dans un contexte historique et sens récent. Le modèle pour les portraits était mon amie Sereima alias Stelly, qui est basée à Sydney et d'origine fidjienne. Pour moi, elle représente vraiment le visage changeant du Pacifique à bien des égards. Suite à une exposition très réussie à Sydney, 'The Evolving Face', je voulais m'éloigner des poses de photos du corps précédent et apporter plus d'attitude et d'exubérance et Sereima était parfaite parce qu'elle est l'incarnation absolue de ces choses." - De travers

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Achetez Diaspora Ono Peinture originale émail et acrylique sur plexiglas par Askew One graffiti street artiste pop art moderne. 2015 Signé Original peinture oeuvre taille 20 x 14 personnalisé encadré "En avril/mai 2014, j'ai passé environ 6 semaines à Los Angeles à faire ces peintures pour mon exposition personnelle à la Known Gallery. Je vivais et travaillais au-dessus du magasin TSL, faisant de mon mieux pour faire assez de travail pour remplir l'espace ce qui était une tâche assez ardue. Les pièces elles-mêmes sont une combinaison de portraits de tête peints dans ce que je dirais être mon style de signature, puis aussi une série d'œuvres abstraites plus petites qui signifient l'idée de la migration à travers le Pacifique, à la fois dans un contexte historique et sens récent. Le modèle pour les portraits était mon amie Sereima alias Stelly, qui est basée à Sydney et d'origine fidjienne. Pour moi, elle représente vraiment le visage changeant du Pacifique à bien des égards. Suite à une exposition très réussie à Sydney, 'The Evolving Face', je voulais m'éloigner des poses de photos du corps précédent et apporter plus d'attitude et d'exubérance et Sereima était parfaite parce qu'elle est l'incarnation absolue de ces choses." - De travers

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Bombe de peinture originale Digital Pistachio Ice Cream par Buff Monster Sculpture, œuvre d'un artiste moderne emblématique de la culture pop. Œuvre originale signée de 2018, réalisée à la bombe de peinture (technique mixte), format 3x8 Expression créative sur des supports non conventionnels « Pistachio Ice Cream » de Buff Monster est une œuvre originale et vibrante réalisée à la bombe de peinture sur une bombe aérosol. Elle incarne la fantaisie et l'innovation qui caractérisent la contribution de l'artiste à la culture pop moderne et au mouvement du street art. Créée en 2018, cette œuvre originale signée, technique mixte, mesure 7,6 x 20,3 cm et illustre parfaitement comment des objets du quotidien peuvent se transformer en œuvres d'art. Le travail de Buff Monster est immédiatement reconnaissable à ses couleurs vives et audacieuses et à ses motifs inspirés de diverses sources, notamment la culture japonaise, le heavy metal et les parfums de glaces classiques. « Pistachio Ice Cream » ne fait pas exception. On y retrouve les motifs fondants emblématiques de l'artiste, une signature qui lui est propre. La bombe de peinture, un outil souvent associé au graffiti et au street art, sert de support à cette œuvre, brouillant davantage encore les frontières entre l'outil et l'œuvre d'art. Cette juxtaposition ludique met en lumière la capacité de Buff Monster à percevoir la beauté potentielle du banal et à le réinterpréter avec une pointe d'irrévérence et de joie. L'influence de Buff Monster sur le street art, le pop art et le graffiti Buff Monster est une figure incontournable du Street Pop Art et du graffiti, repoussant sans cesse les limites de l'expérience artistique et des lieux où l'art peut être découvert. Son œuvre s'étend au-delà des espaces artistiques traditionnels, invitant les spectateurs à percevoir la créativité là où on ne l'attend pas. « Pistachio Ice Cream » est une sculpture qui capture l'essence même de la spontanéité du street art et de l'accessibilité du pop art, instaurant un dialogue direct, intime et captivant avec le public. Dans le paysage de l'art contemporain, « Pistachio Ice Cream » et les œuvres similaires de Buff Monster incarnent un mouvement qui n'hésite pas à remettre en question l'ordre établi et à réinventer espaces et objets comme supports d'expression artistique. Ses créations célèbrent l'esprit du street art, incarnant la liberté et la joie de créer. La taille et le support de l'œuvre en font une pièce de collection unique, un témoignage tangible de l'énergie vibrante que Buff Monster insuffle au monde de l'art.

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Dissection de Grogu - Tirage d'art en édition limitée 24x20 sur papier d'art en coton velours, réalisé à partir de pigments d'archives, par l'artiste Nychos, légende du street art pop graffiti. Estampe d'art signée et numérotée 2021 par NYCHOS. Dimensions : 61 x 50 cm (24 x 19,7 pouces). Édition limitée à 111 exemplaires. Papier d'art velours en fibres de coton. Signée et numérotée à la main.

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DMT Mountain Fine Art, impression pigmentaire d'archives en édition limitée sur planche de skateboard naturelle pressée à froid, par l'artiste de street art et de graffiti Mear One. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et accompagnée d'un certificat d'authenticité (2020). Dimensions de l'œuvre : 8 x 31,875 pouces. Impression par transfert pigmentaire d'archives sur planche de skate en bois naturel pressé à froid. Dimensions : 8 x 31,875 pouces. Sortie : 21 juin 2021.

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Papier buvard DocEllis, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Bill Barminski, œuvre d'art inspirée de la culture pop et du LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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« Doing It All », tirages d'art giclée en édition limitée sur papier photo d'archivage, par Ben Kehoe, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Tirage giclée en édition limitée à 30 exemplaires. Format total : 20,3 cm x 20,3 cm ; format de l’image : 15,2 cm x 15,2 cm. Imprimé sur papier Innova Photo Rag 315 g/m². Signé et numéroté.

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Dollar Sign - State 4 Édition limitée Peinture à l'huile embellie à la main Impression sérigraphique HPM sur toile par Steve Kaufman Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Épreuve d'artiste (AP), non tendue, neuve, directement de l'artiste en 2002

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Estampe d'art en édition limitée, réalisée à partir de pigments d'archivage, sur papier beaux-arts par l'artiste Jolene Lai. Édition limitée à 40 exemplaires (2018) - Tirage d'art 14x18 pouces sur papier 290 g/m² - Signé et numéroté à la main

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Dominion Unto A Dead Dreamer, édition limitée, impression giclée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Ne vous approchez pas trop, tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Tony Hodgkinson, artiste de rue de la contre-culture. Inspiré par Avengers Assemble, tirage d'art giclée en édition limitée à 30 exemplaires, environ 24" x 12", léger jaunissement des marges.

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Ne les écoutez pas. Œuvre originale peinte à la main (HPM) sur panneau en bois encadré, prête à être accrochée, par Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. L'artiste canadien Denial et l'Australien Ben Frost unissent leurs forces pour une exposition audacieuse d'œuvres inédites explorant les limites de l'appropriation culturelle et proposant des réinterprétations de notre société dystopique actuelle. Se définissant comme des « voleurs visuels », ces deux artistes s'approprient et détournent depuis longtemps les icônes culturelles que la publicité et la société de consommation nous imposent, afin de créer des interprétations nouvelles et pertinentes, à la fois dérangeantes et humoristiques. L'art de Denial est profondément politique et social, l'artiste prenant position contre des problématiques telles que le capitalisme, la société de consommation et la publicité. Plus important encore, il est conscient de ses choix et de ses motivations : « Je me considère comme un artiste pop engagé. Mon rapport aux dessins animés et aux illustrations est bien plus simple qu'avec le photoréalisme. » L'humour est un autre aspect essentiel du travail de Denial. Son œuvre est satirique, ce qui signifie, par définition, qu'elle utilise l'humour comme outil de confrontation.

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Achetez Killer Season - CESpool Hand-Embellished Edition limitée Archival Pigment Print Art sur 290gsm Moab Entrada Rag Bright Paper par l'artiste Ces Contemporary Pop Artwork. 2022 signé et numéroté HPM orné à la main édition limitée de 10 œuvres d'art taille 18 x 24 Killer Season • Impression pigmentaire d'archives autographiée • Embellissements supplémentaires peints à la main sur du papier d'archives Moab Entrada Rag Bright 290 GSM • 18 x 24 pouces Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste CES dans une édition embellie limitée de 10

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Sérigraphie 4 couleurs tirée à la main « Trajectoire descendante » sur papier beaux-arts Cream Speckletone, par l'artiste Shepard Fairey, œuvre d'art pop en édition limitée. Édition limitée à 500 exemplaires, signée et numérotée, 2019. Format : 24x24 pouces. « Downward Trajectory est l'une des nombreuses œuvres inédites présentées dans le cadre de mon exposition du 30e anniversaire à Los Angeles, intitulée « Face au géant : trois décennies de dissidence et de nouvelles œuvres » – Shepard Fairey L'œuvre de Shepard Fairey est profondément politique et sociale, non seulement parce qu'il y intègre des personnalités politiques et des slogans, mais surtout parce que l'artiste cherche avant tout à toucher un public aussi large que possible, en exposant son travail sur les couvertures des livres que nous lisons, sur les pochettes des albums que nous écoutons et sur les murs des rues que nous empruntons. « Si je place mon œuvre dans un endroit audacieux, elle touche davantage le spectateur et témoigne de mes convictions », explique-t-il. En effet, Fairey exprime souvent sans détour ses opinions politiques et sociales dès qu'il en a l'occasion. Par exemple, après la diffusion de l'affiche « Hope », il a déclaré : « Obama a traversé une période très difficile, mais il a fait beaucoup de compromis sur lesquels je ne m'y attendais pas. Je veux dire, les drones et l'espionnage intérieur sont les dernières choses que j'aurais imaginées [qu'il soutiendrait]. » La dimension politique de son œuvre se manifeste également dans l'activisme et l'engagement humanitaire de Fairey. Nombre de ses créations ont été réalisées dans le cadre de campagnes militantes ou vendues au profit de causes liées aux arts, à la cause animale, à la lutte contre la pauvreté, à la recherche médicale, à l'environnement, etc. L'artiste ne se considère pourtant pas comme un militant : « On me demande souvent si je suis un militant, et je réponds non. Je suis un artiste qui a un point de vue, mais je souhaite contribuer aux causes qui me tiennent à cœur. J'ai la chance d'être en contact avec des personnes qui trouvent mes images utiles et qui m'aident à les diffuser. »

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Sérigraphie artisanale en édition limitée 3 couleurs (rose et vert fluorescents) sur papier cartonné blanc coton de qualité archive, par Matt Goldman (MFG). Artiste de rue graffiti, art pop moderne. Le style que j'ai développé pour mes estampes, inspiré par la complexité graphique et l'iconographie macabre du Jour des Morts, se caractérise par des visuels ornés de gouttes de couleur en suspension. Les encres fluorescentes et le papier blanc éclatant sont conçus pour briller sous lumière noire tout en conservant une belle luminosité à la lumière du jour. Encadrement idéal : cadre noir opaque de 2,5 cm. – MFG – Matt Goldman Sérigraphie 9 x 6,75 pouces, rose et vert fluorescents, sur papier cartonné blanc coton de qualité archive. Édition limitée à 80 exemplaires, sortie en 2008. Signée et numérotée par le fabricant, Matt Goldman.

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Tirages d'art en édition limitée Drip Phase, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier beaux-arts 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Sket-One. Phase de goutte • Tirage pigmentaire d'archive autographié • Imprimé sur papier d'archive Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 28 x 43 cm • Signé et numéroté à la main par l'artiste SKET-ONE dans une édition limitée à 35 exemplaires • Marquage à sec House of Roulx • Tampon « Authentic Edition » au verso • Certificat d'authenticité

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Planche de skateboard Drip Phase Artist Proof Deck Fine Art Limited Edition Archival Pigment Print Transfer on Cold Pressed Steep Natural Skateboard Deck by Street Artwork Graffiti Artist Sket-One. Épreuve d'artiste signée, édition limitée à 20 exemplaires (2022)

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Lâchez la bombe - Propagande sur l'apocalypse zombie, édition limitée, sérigraphie artisanale bicolore sur papier beaux-arts par Ron Guyatt, artiste de rue graffiti, art pop moderne. L'artiste Ron Guyatt a créé cette superbe affiche de propagande pour soutenir notre lutte contre l'apocalypse zombie imminente. Ces affiches sensibilisent la population à la nécessité d'une intervention militaire face à cette menace. Chaque affiche, signée et numérotée, mesure 45,7 x 61 cm et est disponible en édition limitée à 100 exemplaires.

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DropX Nerm Nermal Édition Limitée Anatomie Vinyle Art Jouet de Collection Œuvre d'Art par Street Brand Artists Rip N Dip. Figurine Nerm Nermal en vinyle, édition limitée 2022 à 150 exemplaires, taille 35,5 cm (14 pouces), inspirée de Terminator Dissected Art Toy. Neuve en boîte. La figurine en vinyle DropX Nerm Nermal est une incarnation fascinante de la rencontre entre le pop art contemporain et la culture urbaine. Produite en édition limitée par la célèbre marque de streetwear Rip N Dip, cette pièce de collection de 2022 mesure 35,5 cm et capture l'esprit à la fois ludique et provocateur de l'esthétique de la marque. Limitée à seulement 150 exemplaires, cette figurine en vinyle offre une interprétation unique du personnage de Nermal, la mascotte féline emblématique de Rip N Dip. Ici, Nermal est réinventé à travers une « dissection anatomique », une approche de conception qui révèle la structure interne de la figurine d'un côté, tout en conservant son aspect lisse et ludique de l'autre. Cette juxtaposition crée un récit visuel saisissant, reflétant les thèmes de la dualité et de la transparence, profondément ancrés dans le street art et la culture pop. Cette œuvre d'art, encore dans son emballage d'origine, est autant une œuvre d'art qu'un commentaire sur le marché actuel des objets de collection, où les articles sont souvent plus valorisés pour leur état impeccable que pour leur portée artistique. L'esthétique déconstruite de la figurine, un style popularisé par la communauté des art toys, reflète une fascination pour ce qui se cache sous la surface – tant au niveau du design de la figurine que, métaphoriquement, concernant la personnalité et la culture qu'elle représente. Le caractère exclusif de cette édition limitée souligne le point de rencontre entre l'art et le commerce, un thème récurrent dans l'évolution du street art vers les galeries et les marchés de consommation. Dans ce contexte, la figurine en vinyle Nerm Nermal n'est pas qu'un simple objet de collection ; elle incarne un fragment tangible de l'esprit qui anime la scène du street art, immortalisant l'humour irrévérencieux et souvent satirique qui caractérise depuis longtemps Rip N Dip et le street art en général.

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Duality Fox Mulder X Files Sérigraphie de Jeremy VanCleef Tirage à la main sur papier d'art Édition limitée 2013 Signée et numérotée au dos Édition limitée à 25 exemplaires Format de l'œuvre 18x24 Sérigraphie de Fox Mulder X Files. Duality Fox Mulder X-Files Sérigraphie de Jeremy VanCleef « Duality Fox Mulder » est une sérigraphie en édition limitée créée par Jeremy VanCleef en 2013, offrant une interprétation saisissante du personnage emblématique de la série « X-Files ». Tirée à la main, cette sérigraphie de 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces) a été produite à seulement 25 exemplaires signés et numérotés, ce qui en fait une pièce rare et très recherchée. L'œuvre capture la complexité psychologique de Fox Mulder grâce à une composition minimaliste et audacieuse, combinée à des textures en demi-teintes à fort contraste et à des touches de vert néon. Cette estampe reflète la fusion caractéristique de VanCleef entre le street art, le pop art et le graffiti, où les thèmes de la culture populaire sont réinterprétés à travers un prisme urbain et contemporain. Concept et symbolisme visuel La composition de Duality Fox Mulder explore les thèmes de la vérité, de la paranoïa et de la perception, essentiels à l'intrigue de X-Files. Le portrait de Mulder est partiellement fragmenté : des parties de son visage sont manquantes, remplacées par un espace négatif saisissant. Cette déconstruction renforce le conflit intérieur du personnage entre croyance et scepticisme, réalité et illusion. Les yeux vides ajoutent une touche fantomatique, suggérant que sa quête incessante de réponses l'a à la fois éclairé et consumé par l'obsession. La typographie environnante comprend des phrases telles que « Ne faites confiance à personne » et « La vérité est ailleurs », emblématiques de la série, renforçant le mystère et l'intrigue. La texture granuleuse et vieillie du fond imite des photocopies de dossiers conspirationnistes, accentuant l'idée de secret et de dissimulation gouvernementale. La palette de couleurs restreinte, dominée par le vert et le noir, fait directement référence à la lueur étrange souvent associée aux thèmes extraterrestres en science-fiction, conférant à l'œuvre un aspect à la fois vintage et futuriste. Influence du street art, du pop art et du graffiti L'œuvre de Jeremy VanCleef puise souvent son inspiration dans l'esthétique du street art et du graffiti, et cette estampe ne fait pas exception. L'utilisation de la technique d'impression en demi-teintes, des portraits inspirés du pochoir et des éléments textuels à l'aspect vieilli rappelle les affiches collées que l'on trouve dans les milieux urbains. Les touches de vert fluo confèrent à l'œuvre une dimension cyberpunk et underground, renforçant l'esprit DIY de la culture street art. La superposition de textes et d'images, ainsi que l'utilisation calculée de l'espace négatif, permettent une interaction entre une conception structurée et une expression brute et spontanée. Cette technique reflète la manière dont les graffeurs utilisent les murs comme toiles, superposant différents éléments visuels pour créer un récit évolutif. Les imperfections délibérées de l'application de l'encre rattachent davantage l'œuvre aux procédés artisanaux et analogiques qui caractérisent le mouvement de la sérigraphie dans le street art. Collectibilité et impact culturel Avec seulement 25 exemplaires existants, « Duality Fox Mulder » est une pièce de collection exclusive dans l'univers du street art et du graffiti. La capacité de Jeremy VanCleef à réinterpréter les figures de la culture populaire à travers une approche subversive et inspirée du street art fait de cette estampe un objet très recherché par les collectionneurs d'estampes contemporaines et d'objets de science-fiction. « X-Files » demeure une référence culturelle, ses thèmes – secret d'État, vie extraterrestre et quête de vérité – restant d'actualité. Cette estampe capture cette pertinence, utilisant les techniques du street art pour élever le personnage de Mulder au rang d'icône visuelle. Le savoir-faire artisanal de la sérigraphie garantit à chaque exemplaire un caractère unique, renforçant son statut de pièce majeure à la croisée de l'art urbain et de la mythologie télévisuelle culte.

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Impressions d'art en édition limitée sur toile, réalisées à partir de pigments d'archives, sur le thème du chien chasseur de canards, par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires (2022). Œuvre d'art de 24 x 20 pouces. Ducker Hunter, chien stylisé 8 bits de style Nintendo NES et canards réalistes volant sur un lac. À propos du chien chasseur de canards : Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée par Dave Pollot « On the Duck Hunter Dog » est une estampe d'art en édition limitée (2022) réalisée par Dave Pollot, artiste de street art et de pop culture, sur papier pigmentaire d'archives. Signée et numérotée à 100 exemplaires, cette œuvre de 61 x 51 cm met en scène un chien emblématique en 8 bits, tiré du jeu vidéo culte Duck Hunt sur Nintendo NES. Représenté dans sa forme pixélisée et nostalgique, le chien se détache sur un paysage réaliste peint avec minutie, où des canards planent au-dessus d'un lac paisible. La capacité de Pollot à fusionner l'univers onirique du numérique avec la sérénité de l'art traditionnel témoigne de sa maîtrise dans l'art de combiner références à la pop culture et esthétique classique, faisant de cette pièce un exemple remarquable de street art. La fusion de la culture pop et des beaux-arts Dave Pollot est reconnu pour son art d'intégrer harmonieusement des icônes de la culture pop à des décors classiques ou traditionnels. Sur l'œuvre « On the Duck, Hunter Dog », il illustre parfaitement cette approche en plaçant un personnage 8 bits à basse résolution, issu d'un jeu vidéo culte des années 1980, au cœur d'un magnifique paysage champêtre. L'œuvre capture l'essence de deux univers : la nostalgie numérique et pixélisée de l'époque du jeu vidéo et la sérénité d'un beau paysage. Le chien de Duck Hunt est l'un des personnages de jeu vidéo les plus emblématiques pour toute une génération de joueurs. Célèbre pour son rire moqueur lorsque les joueurs ratent leur cible, ce personnage suscite un mélange d'affection et de frustration chez ceux qui ont grandi avec ce jeu Nintendo. Le choix de Pollot d'intégrer le chien dans un décor réaliste ajoute une touche d'humour et transforme le simple personnage de jeu en une véritable œuvre d'art. La transition du monde 8 bits pixélisé à l'environnement traditionnel devient une réflexion sur l'empreinte indélébile que la culture moderne, et plus particulièrement la culture numérique et vidéoludique, a laissée sur la société. L'influence du pop art urbain et du graffiti dans l'œuvre de Pollot L'œuvre de Pollot reflète souvent les éléments audacieux et accessibles du pop art urbain, qui intègre des symboles largement reconnus issus de la culture populaire et du quotidien. « On the Duck Hunter Dog » exploite cette approche en utilisant l'image immédiatement familière du chien de Duck Hunt, un clin d'œil ludique aux souvenirs partagés par le public avec ce jeu. Le pop art urbain, à l'instar du graffiti, repose sur l'universalité de son imagerie, rendant l'art accessible et compréhensible par un large public. L'inclusion par Pollot d'une figure emblématique du jeu vidéo atteint précisément cet objectif. Bien que Duck Hunt n'ait pas ses racines dans le pop art urbain, le chien et les canards, placés dans ce cadre artistique délicat, imitent la nature subversive du graffiti. De même que le graffiti remet en question les normes traditionnelles définissant la place et la nature de l'art, l'œuvre de Pollot invite le spectateur à s'interroger sur les frontières entre art savant et art populaire. En insérant un symbole de divertissement de masse dans un paysage idyllique, Pollot transpose la philosophie du pop art dans l'espace de la galerie, démontrant que l'art peut surgir de n'importe où et susciter des émotions ou de la nostalgie, quelles que soient ses origines. Le style pixélisé du chien renforce encore ce lien avec le street art et le graffiti. Les lignes nettes et les contours précis du dessin 8 bits contrastent fortement avec la douceur du paysage peint, créant une tension visuelle et conceptuelle entre les deux styles. La juxtaposition des formes d'art numériques et analogiques est au cœur de l'œuvre de Pollot, et dans « On the Duck Hunter Dog », elle reflète la manière dont le graffiti perturbe et remet en question son environnement. L'influence de la nostalgie et du jeu Le choix du sujet par Pollot fait appel à une puissante nostalgie, notamment chez ceux qui ont grandi en jouant à Duck Hunt sur la console NES originale. Ce jeu, pilier des débuts du jeu vidéo à domicile, a marqué durablement des générations de joueurs grâce à son gameplay simple mais addictif. En intégrant le chien de Duck Hunt dans un décor artistique délicat, Pollot capture non seulement l'esthétique visuelle du jeu, mais aussi les émotions qu'il suscite : de tendres souvenirs d'enfance, les premières expériences vidéoludiques et l'hilarité parfois frustrante du rire iconique du chien. La dimension ludique de cette œuvre dépasse son simple attrait nostalgique. Pollot utilise fréquemment l'humour dans son travail, et « On the Duck Hunt Dog » ne fait pas exception. Voir un personnage de jeu vidéo pixélisé interagir avec un paysage réaliste est intrinsèquement amusant et invite le spectateur à repenser les frontières entre art et divertissement. L'absurdité de ce chien 8 bits, debout au bord de l'eau, observant avec avidité les canards hyperréalistes, évoque une fantaisie essentielle au style artistique de Pollot. Ce mélange d'humour, de nostalgie et de beaux-arts crée une expérience visuelle unique, où le familier et l'inattendu se rencontrent. La capacité de Pollot à combiner ces éléments en une seule œuvre témoigne de son talent pour abolir les frontières culturelles et rendre l'art accessible à un large public. Impression pigmentaire d'archives et savoir-faire L'œuvre « On the Duck Hunter Dog » est réalisée par impression pigmentaire d'archives, une méthode reconnue pour sa reproduction fidèle des couleurs et des détails. Ce procédé garantit la pérennité et la précision de l'œuvre, minimisant ainsi les risques de décoloration. L'utilisation d'une toile beaux-arts enrichit la pièce, offrant une surface texturée qui contraste harmonieusement avec l'aspect plat et pixélisé du chien en 8 bits. Le souci du détail de Pollot transparaît dans la netteté des pixels et les dégradés subtils du paysage, créant ensemble une composition visuellement dynamique. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette estampe est exclusive et recherchée. Chaque exemplaire est signé et numéroté par Pollot, garantissant son caractère unique. Ce savoir-faire artisanal est essentiel à la démarche de Pollot : même si l'œuvre intègre des éléments de la culture populaire, elle demeure une pièce unique, réalisée à la main. « On the Duck Hunter Dog » de Dave Pollot est un chef-d'œuvre mêlant art urbain, influences graffiti et peinture classique. En juxtaposant le chien iconique en 8 bits de Duck Hunt à un paysage réaliste et serein, Pollot remet en question les attentes du spectateur vis-à-vis de l'art et de la culture populaire. Ludique, nostalgique et d'une grande maîtrise technique, cette œuvre est un ajout précieux à toute collection d'art contemporain. Par son humour, son savoir-faire et ses références culturelles, Pollot continue de repousser les limites de l'art.

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Duke of Lizards SPAC #1 - Variante aquarelle, édition limitée, impression typographique manuelle 4 couleurs sur papier beaux-arts par AJ Masthay, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Épreuve d'artiste (AP). Fond frangé à la main, linogravure 4 couleurs. Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson, juillet 2013. SPAC, Saratoga Performing Arts Center, Entracte, Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson

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Duke of Lizards SPAC #2 - Variante aquarelle, édition limitée, impression typographique manuelle 4 couleurs sur papier beaux-arts par AJ Masthay, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Épreuve d'artiste (AP). Fond frangé à la main, linogravure 4 couleurs. Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson, juillet 2013. SPAC, Saratoga Performing Arts Center, Entracte, Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson

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Duke of Lizards SPAC #3 - Variante aquarelle, édition limitée, impression typographique manuelle 4 couleurs sur papier beaux-arts par AJ Masthay, artiste célèbre de pop art et de graffiti. Épreuve d'artiste (AP). Fond frangé à la main, linogravure 4 couleurs. Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson, juillet 2013. SPAC, Saratoga Performing Arts Center, Entracte, Triptyque, Lézard, Saratoga Springs, New York, NYC, Fête, Événement, Poisson

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