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Sérigraphie « Lil' Tuff Junk Left » d'Emek Golan, tirée à la main sur papier d'art en feuille de cannabis et de marijuana, édition limitée. Édition limitée signée et numérotée de 2020 à 200 exemplaires. Œuvre d'art de format 8x12, sérigraphie sur papier métallisé stylisé représentant une créature robot fumant du cannabis. Synthèse artistique d'Emek Golan « Lil' Tuff Junk Left » d'Emek Golan est une sérigraphie singulière qui capture l'essence du pop art urbain et du graffiti, reflétant l'approche novatrice de l'artiste quant au contenu et au médium. Cette œuvre, tirée à la main avec une grande minutie sur un papier d'art imitant le cannabis, fait partie d'une édition limitée et témoigne de l'engagement de Golan à créer un art visuellement stimulant et conceptuellement exigeant. Son œuvre est une fusion captivante de techniques traditionnelles et modernes, incarnant l'esprit du pop art urbain dans son exécution et l'essence du graffiti dans ses subtilités stylistiques. « Lil' Tuff Junk Left » met en scène une créature robotique fumant du cannabis, un sujet qui propose une réflexion sur la technologie, la consommation de substances et peut-être l'opposition entre l'organique et le synthétique. En choisissant un papier métallisé stylisé pour le cannabis, Golan fait non seulement référence à la contre-culture associée à cette plante, mais renforce également l'impact visuel de l'œuvre grâce à ses qualités réfléchissantes et texturées. Savoir-faire et attrait de l'édition limitée Cette sérigraphie de 20 x 30 cm témoigne de la maîtrise de Golan dans l'art de la gravure. La complexité de l'image, avec ses lignes et ses superpositions fines, révèle sa capacité à appliquer la sérigraphie avec précision et créativité. Chacune des 200 pièces de cette édition est signée et numérotée, attestant de l'implication directe de l'artiste et conférant à l'œuvre son statut de pièce de collection. Le tirage limité garantit à chaque estampe un caractère unique, recherché par les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Golan. Profondeur conceptuelle dans le Street Pop Art « Lil' Tuff Junk Left » est bien plus qu'une simple œuvre visuelle ; elle est imprégnée de la profondeur conceptuelle qui caractérise le travail d'Emek Golan. La figure robotique, ornée d'éléments mécaniques et végétaux, sert de métaphore à la rencontre entre nature et technologie. Cette œuvre peut inviter le spectateur à contempler l'intégration croissante de l'intelligence artificielle dans la vie quotidienne ou à s'interroger sur la manière dont la société module la conscience par le biais de la technologie et des substances. Intégration de l'esthétique du street art L'œuvre s'inscrit dans l'esthétique du street art par son audace et son accessibilité. L'utilisation de couleurs vibrantes et d'un sujet captivant par Golan fait écho au langage visuel du graffiti, reconnu pour la force de ses images et son engagement auprès du public. « Lil' Tuff Junk Left » trouverait aisément sa place sur les murs des paysages urbains, mais son format permet de l'apprécier dans un cadre plus intime. « Lil' Tuff Junk Left » d'Emek Golan contribue de manière significative au débat autour du street art et du graffiti. Elle incarne la vision unique de l'artiste et souligne son rôle d'innovateur. Cette œuvre témoigne du pouvoir de l'art en édition limitée à captiver et à provoquer, assurant à Golan une place de choix parmi les artistes visuels contemporains.

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Medivac - Blue Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante bleue représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Medivac - Green Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante verte représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Medivac - Orange Labbit - Sérigraphie en édition limitée 4 couleurs, tirée à la main, sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik. Œuvre rare de street art, célèbre artiste pop. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante orange représentant un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Medivac - Red Labbit, sérigraphie en édition limitée 4 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts brillant, par Frank Kozik, artiste de street art rare et célèbre du pop art. N° 50 sur 50. Estampe Medivac 2004, format 21x24, signée et numérotée par Frank Kozik. Tirage limité à 50 exemplaires. Variante rouge avec un Labrador fumant, le drapeau américain et une croix médicale.

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Mick Jagger à New York, peinture à l'huile originale de Peter Keil, œuvre unique sur panneau en mousse encadrée par The Wild Man of Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1985 par Peter Keil. Œuvre originale de 28,5 x 37,5 cm. Toutes les œuvres de Peter Keil utilisent une peinture épaisse ; quelques écailles peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Représentation du visage de Mick Jagger des Rolling Stones fumant une cigarette. Le panneau de masonite est légèrement bombé vers l'intérieur à l'arrière du cadre et se décolle légèrement du mur. Capturer l'icône : l'interprétation de Mick Jagger par Peter Keil « Mick Jagger New York » de Peter Keil est une huile sur toile originale qui capture l'essence de l'une des figures les plus emblématiques du rock. Créée en 1985 et encadrée sur un panneau de mousse rigide, cette œuvre illustre le style vibrant et expressionniste de Keil. Signée et datée par l'artiste surnommé « L'Homme Sauvage de Berlin », elle mesure 72,4 x 95,2 cm, témoignant du goût de Keil pour une œuvre audacieuse. S'inscrivant dans la tradition du pop art, la représentation du chanteur des Rolling Stones par Keil est une fusion parfaite entre culture des célébrités et innovation artistique. L'utilisation d'une peinture épaisse et texturée est caractéristique de la technique de Keil, conférant profondeur et intensité à l'image de Mick Jagger, une cigarette élégamment suspendue à ses lèvres. La présence possible d'écailles de peinture ajoute une dimension d'authenticité et d'histoire à l'œuvre, évoquant le vieillissement naturel des matériaux de prédilection de Keil et la pérennité de ses créations. Bien plus qu'un simple portrait du célèbre musicien, cette peinture est une œuvre narrative qui transmet le charisme brut et l'héritage durable de Jagger. L'utilisation de la couleur et de la forme par Keil rompt avec le portrait conventionnel, offrant une fenêtre sur l'âme du sujet et capturant l'essence des personnalités publique et privée de Jagger. Dans le contexte plus large du street art et du graffiti, la peinture de Keil se distingue par son appropriation des icônes de la culture populaire et sa capacité à les transposer dans un contexte artistique classique. L'œuvre s'inscrit dans l'esprit du street art, qui s'approprie souvent l'imagerie populaire pour exprimer des opinions sur la société, la célébrité et le passage du temps. La peinture de Keil le fait avec respect et créativité, faisant de « Mick Jagger New York » non seulement un portrait, mais un véritable témoignage de l'histoire culturelle. En somme, l'œuvre de Keil est un exemple de la fusion réussie entre la sensibilité du street art et la sophistication des beaux-arts. Son portrait de Mick Jagger est empreint d'une immédiateté et d'une intimité saisissantes, caractéristiques souvent présentes dans les œuvres d'art inspirées par le street art. À travers cette toile, Keil continue de repousser les limites de l'art contemporain, s'affirmant comme une figure incontournable de l'évolution du pop art et de son lien avec l'esthétique urbaine.

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Singe - Good Morning Sunshine, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 500 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte Reprenant le tableau qui a inspiré le personnage, le coloré « Good Morning Sunshine » est prêt (enfin, presque…) pour la nouvelle journée, une tasse de café à la main, une cigarette et un oiseau un peu trop joyeux. Dans l’édition originale, le singe porte son caleçon et arbore la même expression maussade que dans toutes les autres versions.

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Monkey-Lava, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte « Monkey » s'inspire du tableau original « Good Morning Sunshine » de Joe Ledbetter. Personnage emblématique de l'artiste, Monkey reflète parfaitement notre état d'esprit au réveil, lorsque nous avançons péniblement dans la jungle de la vie. La version LAVA traditionnelle, toujours très appréciée, a été présentée pour la première fois sur notre stand (n° 4851) au Comic-Con de San Diego en 2014. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Singe-Neige, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte Qui aime le froid ? Personne ! Les hivers sont de plus en plus longs et froids, et Snow Monkey n'en est pas du tout content !

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Achetez PEINTURE One of a Kind Artwork on MEDIUM par Street Art Pop Artist. 2022 Signé MEDIA Original Peinture Taille XXXX INFO

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Achetez One Love, une sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure, par 123Klan, artiste pop et street art rare. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires, 2011. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie 4 couleurs sur papier sans acide de 100 lb. Imprimée par Ben LaFond.

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Achetez SUPERKRANKY édition limitée Janky Vinyl Art Toy oeuvre de collection par Modern Design Artist x Sket-One. 2022 édition limitée SuperKranky Janky superplastique vinyle Art jouet œuvre taille XXXXX

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Impression giclée Pitter Patta Goes My Heart par Kathy Ager. Œuvre d'art en édition limitée, imprimée sur papier aquarelle 290 g/m² à bords frangés à la main. Artiste de rue, graffiti pop. Édition limitée à 22 exemplaires, signée et numérotée, 2023. Format de l'œuvre : 9 x 12 pouces. Exploration de la fusion du classique et du contemporain dans « Pitter Patta Goes My Heart » « Pitter Patta Goes My Heart », une estampe giclée de Kathy Ager, est une œuvre captivante qui fusionne harmonieusement la sensibilité de l'art classique avec l'énergie brute et vibrante du street art et du graffiti. Cette pièce en édition limitée, à seulement 22 exemplaires, illustre la trajectoire novatrice de l'art contemporain. Mesurant 23 x 30 cm, l'œuvre est imprimée sur un papier aquarelle beaux-arts de 290 g/m², à bords frangés à la main, ce qui confère à l'œuvre une dimension tactile et organique. Kathy Ager, reconnue pour son style unique mêlant art classique et moderne, présente un récit visuel qui juxtapose l'intemporalité d'un buste gréco-romain à la nature éphémère du graffiti. Le sujet, une statue, est orné de tatouages, un élément emprunté au street art, symbolisant la permanence de l'encre sur la peau face à la pérennité du marbre. Les tatouages ​​ne sont pas de simples ornements ; Elles racontent des histoires, révèlent des vérités cachées et expriment les pensées silencieuses du sujet de l'œuvre. La flore luxuriante et vibrante qui entoure la figure déborde de vie et de couleurs, évoquant les natures mortes des maîtres anciens, tout en étant empreinte d'un sentiment d'urgence et de rébellion caractéristique du street art. Ce choix de composition instaure un dialogue entre le permanent et l'éphémère, le vénéré et le subversif. L'importance des éditions limitées sur le marché de l'art Dans le domaine des estampes d'art, la rareté d'une édition limitée accroît considérablement la valeur de chaque exemplaire. « Pitter Patta Goes My Heart » est signée et numérotée par l'artiste, ce qui renforce son caractère exclusif et séduit les collectionneurs sensibles à la rencontre entre l'art contemporain et la culture urbaine. Cette disponibilité limitée crée souvent un sentiment d'urgence chez les acheteurs et les collectionneurs, désireux de posséder une œuvre de cette forme d'art éphémère qui capture l'esprit de la culture contemporaine. Matériaux et support : le choix de l'impression giclée L'impression giclée est réputée pour sa grande fidélité à l'œuvre originale, capable de reproduire les nuances de couleur et de texture avec une précision remarquable. En choisissant l'impression giclée sur papier aquarelle frangé à la main, Kathy Ager garantit que chaque tirage de « Pitter Patta Goes My Heart » reflète la qualité et l'intention de sa peinture originale. Ce médium fait également écho à la préférence du street art pour des supports non conventionnels, reflétant le caractère imprévisible et souvent éphémère des paysages urbains sur lesquels travaillent les graffeurs. L'impact de « Pitter Patta Goes My Heart » dans l'art urbain pop et le graffiti L'œuvre de Kathy Ager témoigne de l'évolution constante du Street Pop Art et du graffiti. Elle repousse les limites en intégrant des motifs classiques, établissant ainsi un pont entre l'histoire et la modernité. Le choix d'insuffler à un buste classique la sensibilité du street art est une affirmation forte sur les définitions changeantes de l'art savant et de la culture populaire. Cette œuvre n'est pas simplement un objet à accrocher au mur ; elle suscite le dialogue, exprime une fusion culturelle et marque une évolution artistique. Alors que le Street Pop Art et le graffiti gagnent en reconnaissance dans le monde des beaux-arts, des œuvres comme « Pitter Patta Goes My Heart » remettent en question les notions traditionnelles de ce qui est considéré comme « digne d'une galerie » et brouillent les frontières entre art urbain et art élitiste. En conclusion, « Pitter Patta Goes My Heart » de Kathy Ager illustre de façon saisissante le pouvoir de l'art contemporain à transcender les frontières. Hommage au passé, commentaire sur le présent et phare pour l'avenir de l'art, cette œuvre mêle avec brio des éléments de l'art classique au dynamisme du street art et du graffiti. Ager a ainsi créé un langage visuel universel qui parle à un large public et lui confère une place unique sur le marché de l'art.

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Impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, œuvre pop « Pool Party », par l'artiste moderne Natalia Fabia. Tirage d'art giclée en édition limitée à 40 exemplaires (2020), signé et numéroté (16 x 20 pouces).

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Pop Sub Final #6 Édition limitée 1 couleur, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par Matt Loomis, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée numérotée à 100 exemplaires, 2014. Format de l'œuvre : 12 x 12 pouces. Pop Sub Final #6 par Matt Loomis : Mysticisme et mortalité à l'encre « Pop Sub Final #6 » de Matt Loomis est une sérigraphie monochrome de 30 x 30 cm, d'une complexité saisissante, éditée à 100 exemplaires en 2014. Imprimée à la main sur papier d'art, cette œuvre puissante, grâce à une maîtrise exceptionnelle de l'encre noire, offre une narration visuelle saisissante. Elle représente un crâne vaporeux fusionné à des éléments cosmiques, brandissant une lame qui fend un ciel nocturne étoilé, où se dessine un croissant de lune. Sa palette monochrome accentue le contraste entre les détails et les espaces vides, attirant l'attention du spectateur sur l'imbrication surréaliste de la mort, de la nuit et du symbolisme cosmique. Alliant précision technique et audace conceptuelle, cette œuvre occupe une place à part dans le paysage du street art et du graffiti, puisant son inspiration dans la maîtrise de l'illustration et l'esprit de la culture urbaine. Matt Loomis et la profondeur de l'imagerie symbolique de la rue Matt Loomis est un illustrateur américain reconnu pour sa fusion de fantasy, de folklore et d'iconographie ésotérique avec le design contemporain. Son œuvre explore souvent la transformation, la dualité mythique et la violence poétique enfouie dans les paysages de l'inconscient. Pop Sub Final #6 illustre parfaitement cette approche. La forme squelettique n'est pas simplement une représentation de la mort, mais un être spirituel, enveloppé de fumée, évoquant des visions du néant. La faux qui fend le ciel nocturne circulaire fait référence au passage du temps, à la fin de l'existence et, peut-être, à la nature cyclique de la renaissance. Si le style de Loomis emprunte à la culture du tatouage et à l'esthétique du heavy metal, il transcende les frontières décoratives pour aborder des récits philosophiques. Au sein du mouvement plus large du Street Pop Art et du graffiti, Loomis se positionne non comme un provocateur, mais comme un mystique, visualisant des peurs ancestrales et des questions éternelles à travers l'encre moderne. Procédé d'impression et intention visuelle Cette sérigraphie témoigne de la puissance de l'impression monochrome lorsqu'elle est maîtrisée avec vision et précision. Chaque détail de la fumée tourbillonnante, du fond lunaire et de l'anatomie spectrale est sculpté avec une netteté saisissante par ce médium exigeant. Le choix d'une palette restreinte permet au spectateur de se concentrer sur l'épaisseur des traits, les espaces négatifs et la fluidité de la composition, renforçant l'idée que des outils minimalistes peuvent produire un impact psychologique maximal. Le papier beaux-arts offre un support immaculé à l'encre spectrale, conférant une présence physique à une image qui semble venue d'un autre monde. Le format 30 x 30 cm de l'estampe accentue son aspect confiné – un véritable rituel cosmique contenu dans un carré de 30 cm de surface. Quand le pop art urbain rencontre le futurisme occulte Pop Sub Final #6 est un exemple à la fois raffiné et brut de la manière dont des artistes proches du graffiti, tels que Matt Loomis, réinterprètent des thèmes classiques comme la mort, la nuit et le mystère à travers le prisme des sous-cultures modernes. Bien que dépourvue de tags traditionnels ou de couleurs vives, cette estampe s'inscrit dans le courant du Street Pop Art et du graffiti par son spiritualisme irrévérencieux et son contenu qui défie les frontières. En intégrant une imagerie rituelle à des formats inspirés de la rue, Loomis s'adresse à cette part de la vie urbaine qui cherche un sens au sein du chaos. Cette édition agit comme une incantation visuelle : elle capte l'attention, provoque l'introspection et murmure des vérités obscures à quiconque ose regarder de plus près.

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Punch Cigar, édition limitée, estampe sérigraphique HPM rehaussée à la main sur toile, encadrée par Steve Kaufman, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Cadre personnalisé. Sans doute la pièce de collection la plus recherchée de Steve Kaufman. Steve Kaufman (Américain, 1960-2010) « Punch Cigar », sérigraphie rehaussée à la main, édition 37/150, signée du monogramme au verso. Hauteur : 42 cm, largeur : 89 cm. Au début des années 90, le travail de Kaufman était très demandé, mais il souhaitait rester en contact avec un large public. Il organisa une exposition solo d'une seule soirée, durant laquelle il peignit 55 fresques murales sur le thème de l'harmonie raciale à New York, et participa à des émissions de télévision et de radio pour promouvoir la tolérance raciale. Il créa également un mémorial dédié aux victimes du sida à New York et recouvrit la lettre « D » du panneau Hollywood d'un tissu rouge en hommage à toutes les personnes décédées du sida.

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Achetez TITRE Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Moab Entrada 290gsm par Urban Pop Artist ARTIST Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Sérigraphie « Double Vision Left » de Scroteye par Emek Golan, tirée à la main sur papier d'art en feuille de cannabis (édition limitée). Édition limitée signée et numérotée de 2020 à 200 exemplaires. Œuvre d'art de format 8x12, sérigraphie sur papier métallisé stylisé représentant une créature monstrueuse fumant du cannabis. Fusion innovante dans la gravure « Scroteye's Double Vision Left » est un exemple saisissant de l'expression artistique d'Emek, mêlant techniques d'impression traditionnelles et matériaux non conventionnels. Cette œuvre, éditée à 200 exemplaires seulement, met en lumière sa maîtrise de la sérigraphie pour créer des images saisissantes et stimulantes. L'utilisation d'un papier métallisé stylisé au motif de cannabis comme support est à la fois un clin d'œil à la contre-culture et une affirmation de la polyvalence des médiums du street art. Ce choix de matériau reflète l'intérêt de l'artiste pour les thèmes contemporains et confère à l'estampe une texture unique, rendant chaque pièce de cette édition limitée singulière. Emek Golan, figure emblématique du monde des arts visuels, a marqué de son empreinte le street art, le pop art et le graffiti grâce à ses créations originales. Sa sérigraphie « Scroteye's Double Vision Left » sur papier d'art métallisé au motif de cannabis témoigne de son esprit novateur et de sa volonté de repousser les limites des formes artistiques conventionnelles. La vision artistique d'Emek Golan Cette estampe présente une représentation surréaliste, avec des formes organiques et une utilisation audacieuse de la couleur qui plonge le regard dans un univers d'images fantastiques. L'œuvre de Golan explore souvent le domaine du surréalisme, invoquant des éléments qui perturbent la perception du spectateur et l'invitent à une introspection plus profonde. « Scroteye's Double Vision Left » ne fait pas exception, offrant une exploration visuelle de la dualité et de la perception à travers le prisme du pop art urbain. Signée et numérotée, cette œuvre est directement liée au processus créatif de l'artiste, offrant aux amateurs d'art un fragment de son monde imaginaire. Art urbain pop et commentaire culturel Les œuvres d'Emek Golan, telles que « Scroteye's Double Vision Left », illustrent la capacité du street art à commenter les enjeux culturels et sociétaux. L'intégration d'images de cannabis dans l'œuvre témoigne de l'évolution des mentalités vis-à-vis du cannabis et de sa place dans la culture populaire. De plus, Golan détourne la sérigraphie, technique souvent associée à la production de masse et à la diffusion d'idées, pour transmettre ses propres messages, souvent subversifs. Il s'inscrit ainsi dans la tradition du street art qui s'engage dans l'actualité et le commentaire social. Valeur de collection et impact durable L'œuvre « Scroteye's Double Vision Left » d'Emek Golan est recherchée pour son édition limitée et la reconnaissance de l'artiste au sein de la communauté artistique. Les collectionneurs et les admirateurs de son travail sont attirés par la finesse des détails et la profondeur de ses estampes, souvent perçues comme un investissement dans le récit culturel de notre époque. Avec ses dimensions de 20 x 30 cm, cette œuvre s'intègre à divers contextes, des collections privées aux expositions publiques. Elle constitue une pièce majeure du courant pop art et graffiti. Dans le domaine plus large de l'art contemporain, « Scroteye's Double Vision Left » d'Emek Golan représente une fusion de maîtrise artistique, d'innovation dans l'utilisation des matériaux et de pertinence culturelle. Elle célèbre la vitalité et le dynamisme inhérents au street art et au graffiti, et témoigne du statut d'artiste de Golan, qui redéfinit sans cesse les frontières de l'expression visuelle.

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Découverte de soi - Papier d'archivage - Sérigraphie en édition limitée 6 couleurs tirée à la main sur papier beaux-arts frangé à la main par Mr Brainwash - Thierry Guetta, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 110 exemplaires. Dimensions de l'œuvre : 30 x 22 cm. Auto-découverte - Sérigraphie 6 couleurs sur papier d'archivage à bords frangés - Édition limitée à 110 exemplaires - Certificat d'authenticité - Signée et portant l'empreinte digitale de l'artiste - 30 x 22 cm - Signée 2022

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Senorita Lockheart, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée 16x20 sur papier beaux-arts par Pooch Graffiti Street Artist Modern Pop Art.

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Shark - Gold, œuvre originale peinte à la main, multiple sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2016​ Signé Édition limitée numérotée HPM estampillée à 7 exemplaires. Œuvre sur bois, format 9,25 x 17 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à en quelque sorte vandaliser ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Icône de requin - Peinture originale dorée, multiple peinte à la main sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2016​ Signé Édition limitée numérotée HPM estampillée à 7 exemplaires. Œuvre sur bois, format 9,25 x 17 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect de ce travail qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à en quelque sorte vandaliser ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Paquet de cigarettes Shark Toof, édition limitée, sérigraphie 2 couleurs sur papier d'art Cougar Fine Art 130 lb, par l'artiste de rue Shark Toof, art pop moderne. 2016 Signé Édition limitée numérotée à 4 exemplaires . Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Après une année bien remplie à implanter l'icône Shark Toof dans les rues, je ne savais pas vraiment quelle direction donner à cette icône. Il m'a fallu un peu de solitude pour défendre pleinement mes convictions sans devenir un artiste engagé. En réfléchissant aux formes iconographiques, le paquet de cigarettes m'est apparu comme une forme facilement identifiable, ce qui m'a conduit à l'idée des « Plaisirs coupables » et du paquet de cigarettes Shark Toof. Bien que je ne sois pas fumeur moi-même, je soutiens chacun dans son droit de s'adonner aux plaisirs qu'il souhaite, tant que cela ne nuit pas à autrui. – Shark Toof

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Sharktoof Cigarette Pack Limited Sculpture en résine, œuvre d'art de l'artiste de rue et graffeur moderne Sharktoof. Édition limitée 2016 à 100 exemplaires. Objet d'art miniature. Dimensions : 10,75 x 13,5 pouces. Pack de cigarettes Sharktoof, art de rue pop et graffiti Sharktoof est une figure emblématique de la scène artistique urbaine contemporaine, célèbre pour ses images iconiques de requins, devenues incontournables dans le langage du street art et du pop art. Cette œuvre, la sculpture en résine rose en édition limitée « Sharktoof - Paquet de cigarettes », témoigne de son style unique, mêlant graffiti, street art et sensibilité pop moderne. La « Sharktoof - Paquet de cigarettes rose en édition limitée » est une puissante expression du street art et du graffiti. Créée en 2016, cette pièce en édition limitée se distingue par son impact visuel saisissant et son commentaire sur la société de consommation et le concept de plaisirs coupables. Produite à seulement 100 exemplaires, cette œuvre d'art délicate est devenue une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art et les collectionneurs. Chaque sculpture à quatre faces mesure 34,3 cm x 27,3 cm x 14 cm et est présentée dans un coffret cadeau avec un support en mousse découpée qui la protège efficacement. Les dimensions de la sculpture (27,3 cm x 34,3 cm) offrent un support idéal au talent de Sharktoof. Peintes à la main avec un grand souci du détail, les deux sculptures sont uniques. Les dégradés originaux et le logo de l'artiste sur chaque pièce garantissent à chaque collectionneur une œuvre d'art unique. Le symbolisme du paquet de cigarettes La sculpture prend la forme d'un paquet de cigarettes ouvert, image universellement reconnaissable et chargée de symbolisme culturel. La cigarette, en tant qu'objet, représente de nombreuses idées, telles que la controverse, la rébellion, le pouvoir des grandes entreprises et une forme de force brute. À travers cette œuvre, Sharktoof souhaite susciter un débat public sur les plaisirs coupables – ceux auxquels nous nous adonnons malgré la pression sociale qui nous pousse à en avoir honte. Les réflexions de Sharktoof sur ce sujet sont intrinsèquement liées à la sculpture. Son approche de la silhouette du paquet de cigarettes se veut graphique et sans équivoque, un signal visuel qui invite à une réflexion plus profonde sur les plaisirs personnels et leurs implications sociétales. Réflexions sur les plaisirs coupables Selon ses propres termes, Sharktoof exprime une fascination pour l'idée de plaisirs coupables et la honte qui y est souvent associée. La sculpture constitue un défi visuel, incitant les spectateurs à se confronter à leurs vices et aux émotions qu'ils suscitent. C'est une affirmation audacieuse sur la façon dont ces plaisirs sont perçus et sur le conflit intérieur qu'ils peuvent engendrer. Le contraste saisissant du rose sur le fond sombre de la sculpture est plus qu'un simple choix esthétique ; il représente la juxtaposition du plaisir et de la culpabilité, du vibrant et de l'interdit. L'image du requin dans le paquet ajoute une autre dimension à la signification, car les requins sont souvent associés au danger et à la peur, à l'instar des risques liés au tabagisme. L'héritage de Sharktoof dans le pop art moderne L'œuvre de Sharktoof a toujours repoussé les limites du street art et du graffiti. Ses lignes audacieuses, ses couleurs vives et l'intégration de symboles emblématiques s'adressent à une génération profondément sensible au langage visuel de la culture pop et au commentaire social. La sculpture en résine « Sharktoof - Paquet de cigarettes rose, édition limitée » est une manifestation de cette philosophie, mêlant art et message dans une forme à la fois familière et stimulante. En tant qu'œuvre d'art, elle témoigne de son époque, incarnant la capacité du street art à commenter et refléter les normes et les dérives de la société. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Sharktoof n'acquièrent pas seulement une œuvre d'art ; ils participent à un dialogue culturel qui interroge les perceptions et invite à l'introspection. La sculpture en résine « Sharktoof - Paquet de cigarettes rose, édition limitée » est plus qu'un simple objet d'intérêt visuel. Elle suscite la conversation, est une œuvre engagée et reflète la réflexion profonde de l'artiste sur les comportements sociétaux et les choix personnels. À travers cette œuvre, Sharktoof a consolidé sa place dans le monde de l'art contemporain comme un artiste qui ose aborder les sujets inconfortables, controversés et souvent tus, laissant sa marque à chaque coup de pinceau et à chaque idée qu'il sculpte dans la réalité.

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Achetez Dream Catchers 17 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur papier satiné Somerset 410 g/m² par Eelus Rare Street Art célèbre artiste pop. 2022 27.55x27.55 Signé Edition Limitée

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« Sitting Seven », édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier Muscletone blanc français de 140 lb, par Camilo Pardo, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Nombre de mes tableaux, notamment les œuvres figuratives mettant en scène des modèles et des femmes, portent souvent des noms de planètes ou font référence à l'univers : « Galaxie », « Miss Mars », « Mercure », « Lune », etc. J'ai cherché, au fil des ans, à maintenir cette cohérence, à explorer la notion d'« espace » et de liberté infinie. L'apesanteur, c'est le moment où l'on échappe à l'attraction gravitationnelle, où l'on quitte l'atmosphère et où tout flotte. » – Camilo Pardo

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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Planche de skateboard Supreme Smoke Deck - Édition limitée noire, design par la marque Supreme FW19 2019 - La planche de skateboard Smoke Supreme Logo est sortie le 22 août 2019. Son design présente un motif de fumée blanche formant le nom de la marque Supreme sur un fond contrastant.

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Smoke Gets In Your Eye - Édition limitée noire, 1 couleur, sérigraphie artisanale sur papier blanc American Masters 225 g/m² par Zeb Love, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « L'idée de ces estampes m'est venue en constatant l'omniprésence de la publicité, véritable œil qui nous observe. Les agences de publicité scrutent sans cesse les activités et les habitudes des gens. Chaque estampe présente des peintures embellies à la main sur les bords et autour de l'œil, ainsi qu'une citation de Don Draper. Au total, les deux éditions proposent sept citations différentes. » – Zeb Love

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Planche de skateboard Supreme Smoke Deck - Édition limitée marine, design par la marque Supreme FW19 2019 - La planche de skateboard Smoke Supreme Logo est sortie le 22 août 2019. Son design présente un motif de fumée blanche formant le nom de la marque Supreme sur un fond contrastant.

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Planche de skateboard Supreme Smoke Deck - Édition limitée rouge, design par la marque Supreme FW19 2019 - La planche de skateboard Smoke Supreme Logo est sortie le 22 août 2019. Son design présente un motif de fumée blanche formant le nom de la marque Supreme sur un fond contrastant.

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Smoking Face 84 est une peinture à l'huile originale de Peter Keil, une œuvre d'art sur panneau de masonite réalisée par l'Homme Sauvage de Berlin, un artiste contemporain célèbre. Peinture à l'huile sur panneau de masonite, signée et datée de 1984. Œuvre originale de 61 x 61 cm (24 x 24 pouces). Peter Keil utilise une peinture épaisse, et quelques écailles peuvent être présentes en raison de l'âge et de la nature de son travail. Représentation d'un homme au visage marqué par les radiations fumant une cigarette. Analyse de « Smokey Face '84 » de Peter Keil « Smoking Face '84 » est une saisissante huile sur panneau de Masonite, réalisée par l'artiste contemporain Peter Keil, souvent surnommé « l'Homme sauvage de Berlin » pour son style énergique et anticonformiste. Datée de 1984 et signée par l'artiste, cette œuvre originale de 61 x 61 cm témoigne de l'expressivité de Keil, qui utilise des couleurs vibrantes et des coups de pinceau audacieux. Le tableau, représentant un homme au visage rougeaud fumant une cigarette, se distingue par l'épaisseur de la peinture, une technique caractéristique de son art. Au fil des ans, la peinture de cette œuvre remarquable s'est partiellement écaillée, conséquence naturelle du vieillissement du support et de l'utilisation généreuse de la matière par Keil, ce qui confère à l'œuvre une dimension tactile et une authenticité historique. Le sujet de « Smoking Face '84 » est présenté avec une intensité brute typique du pop art urbain et du graffiti. Les traits exagérés et les contrastes de couleurs saisissants confèrent à l'œuvre une immédiateté et un impact visuel typiques du street art. Le motif du fumeur, symbole chargé de connotations culturelles, est représenté d'une manière qui le transforme d'un simple acte en une véritable prise de position, témoignant de la capacité de l'artiste à insuffler une signification profonde aux scènes du quotidien. Cette œuvre illustre le talent de Keil pour saisir l'essence de ses sujets à travers un regard personnel et évocateur. La technique artistique et l'impact de Peter Keil Les aspects techniques de « Smoking Face '84 » témoignent du talent artistique de Keil et de son influence sur l'art moderne. Le choix du panneau Masonite comme support pour cette œuvre s'inscrit dans sa préférence pour des matériaux robustes et durables, capables d'accueillir une application de peinture généreuse. La douceur du support contraste avec la texture épaisse de la peinture, créant un jeu de textures visuellement stimulant et invitant au toucher. Cette expérience sensorielle fait écho à la dimension physique du graffiti, où l'environnement joue un rôle central dans la perception de l'œuvre. Par ailleurs, l'utilisation de la couleur par Keil dans « Smoking Face '84 » reflète son style distinctif, souvent caractérisé par une palette audacieuse et non conventionnelle. La teinte rouge dominante du visage n'est pas un simple choix chromatique, mais une volonté délibérée de transmettre émotion et personnalité. Cette représentation saisissante est une caractéristique du pop art, qui met l'accent sur la culture populaire et le street art, puisant ses racines dans une expression brute et spontanée. La peinture de Keil transcende la toile pour devenir une expression dynamique du caractère humain et un commentaire de l'artiste sur des thèmes sociétaux. L'héritage de « Smokey Face '84 » dans le pop art et le street art L'héritage de « Smoking Face '84 » dans le monde de l'art est considérable. Cette œuvre illustre la capacité de Peter Keil à faire le lien entre l'esprit rebelle du street art et l'imagerie iconique du pop art. Ce tableau témoigne de l'influence de Keil sur ces genres, révélant son talent pour transformer des sujets ordinaires en œuvres d'art extraordinaires. Ses contributions ont favorisé une meilleure compréhension et une plus grande appréciation de l'art inspiré du street art au sein des beaux-arts. De plus, le tableau révèle la vision plus globale de l'artiste, pour qui l'art est un médium accessible et universel. L'œuvre de Keil, dont « Smoking Face '84 », remet en question les frontières élitistes traditionnellement associées aux beaux-arts, promouvant une vision démocratisée de l'art, en accord avec l'esprit d'inclusion du Street Pop Art et du graffiti. Cette œuvre représente non seulement le parcours artistique de Keil, mais aussi le potentiel transformateur de la fusion entre l'art traditionnel et les expressions urbaines contemporaines. « Smoking Face '84 » est une œuvre marquante de Peter Keil, qui capture l'énergie et la passion qu'il insuffle à sa toile. Ce tableau vibrant, véritable récit, continue de captiver le public par son imagerie audacieuse et sa force expressive. Intégrée à l'œuvre de Keil, « Smoking Face '84 » demeure une pièce majeure, incarnant l'esprit du Street Pop Art et du graffiti, et témoignant de l'influence durable de l'artiste sur la scène artistique contemporaine.

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Achetez TITLE Pop Street Artwork Limited Edition Giclee Print sur MEDIUM par Urban Graffiti Modern Artist ARTIST. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX INFO

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Dunny Smoking Stoned Eye #3 Pink Kief Moon Custom Dunny Mini Nugs HPM Embellished Edition Dunny Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork by Street Artist Nugg Life NY- Ian Ziobrowski. 2022 1 sur 3 Dunny personnalisé de 3 pouces avec texture kief et accessoire pour joint.

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Smorkin Labbit 10 - Figurine de collection en vinyle rouge en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Tellement brillant ! Élégant, racé et irrésistible, ce Labbit de 25 cm est une version ultra-brillante du célèbre fumeur invétéré de Frank Kozik. Ornée d'une cigarette mate et d'une finition brillante (pour une meilleure aérodynamique), la figurine en vinyle Smorkin' Labbit de 25 cm de Frank Kozik – Édition Rouge Brillant Lustre – incarne véritablement le look du futur.

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Achetez une œuvre d'art de collection VINYLTOY Sculpture en vinyle en édition limitée par Pop Street Artist. 2022 Édition limitée de XXX Taille de l'œuvre XXX Nouveau dans la boîte Estampillé/Imprimé/COA INFO

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Certains ne vivront peut-être jamais, mais les fous ne meurent jamais. Gravure sur papier d'art de l'artiste Mark Powell. Œuvre en édition limitée. Édition limitée à 25 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 11 x 22,44 cm.

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« Speaking in Tongues », estampe d'art en édition limitée Giclée sur papier d'art de l'artiste pop moderne Alexis Price. Édition limitée à 20 exemplaires, signée et numérotée, format 16x20 pouces (40,6 x 50,8 cm).

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Star Spangled Shark Toof - Peinture originale orange à la main, multiple sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 7 exemplaires, signée et numérotée HPM, 2016. Œuvre sur bois, format 9,25 x 17 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à détourner en quelque sorte ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Star Spangled Shark Toof - Peinture originale argentée, multiple peinte à la main sur panneau de bois découpé au laser, prête à être accrochée, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 2016​ Signé Édition limitée numérotée HPM estampillée à 7 exemplaires. Œuvre sur bois, format 9,25 x 17 pouces. « Ce nouveau corpus d'œuvres est un mélange de mes racines graffiti, là où j'ai vraiment développé mon propre style. En même temps, il y a aussi un aspect qui consiste à ne pas se prendre trop au sérieux, à détourner en quelque sorte ses propres icônes », a déclaré Shark Toof lors de ses préparatifs à Detroit. « J'aime Detroit parce que c'est une ville très "faites-le vous-même", et je suis un artiste très "faites-le vous-même", donc c'est un endroit qui me correspond parfaitement. »

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Avec Bill Murray dans le rôle de... Herman Blume. Tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de Matthew Rabalais, artiste de rue de la contre-culture. Inspiré par la performance de l'acteur Bill Murray dans le film Rushmore.

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Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art réalisée par l'artiste de graffiti de rue Frank Kozik. Édition limitée signée de 2007 à 300 exemplaires. Œuvre de Frank Kozik, 20 cm de haut. Figurine signée Toy2R Strangekiss Anarchy Black Cat Qee avec boîte. Strangekiss Anarchy Black Cat Qee par Frank Kozik – Œuvre d'art pop et graffiti La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, créée par Frank Kozik, figure emblématique du street art pop, est une pièce de collection incontournable dans l'univers des figurines en vinyle. Sortie en 2007 chez Toy2R et distribuée par Strangekiss, elle fusionne la force esthétique de l'anarchie punk avec l'attrait underground de la culture graffiti. Limitée à seulement 300 exemplaires dans le monde, chaque pièce est signée par Frank Kozik lui-même, ce qui renforce son importance en tant qu'œuvre d'art et témoignage culturel. Cette figurine en vinyle de 20 cm est bien plus qu'un simple jouet : c'est une incarnation sculpturale de la rébellion, de la contestation créative et d'un commentaire avant-gardiste sur le design. L'utilisation par Kozik d'un noir profond, de touches de vert pâle et d'une expression faciale minimaliste canalise l'esprit des fanzines punk et l'éthique du « fait maison », pour créer une œuvre d'art qui ravira collectionneurs et amateurs. Le style caractéristique de Frank Kozik dans l'art urbain pop et le graffiti Frank Kozik, né en Espagne et ayant principalement œuvré aux États-Unis jusqu'à sa mort en 2023, s'est imposé comme une figure emblématique grâce à son langage visuel sans concession, présent sur des affiches, des supports musicaux et des figurines en vinyle. Reconnu pour son mélange de satire politique et d'esthétique subculturelle, son œuvre a toujours insufflé l'énergie irrévérencieuse du punk, de la bande dessinée underground et du graffiti. La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee illustre le goût de Kozik pour l'association de graphismes audacieux et d'influences issues de l'art populaire. Avec ses sourcils anguleux, le symbole de l'anarchie sur son front et une cigarette au bec, ce personnage incarne une position de défi face à l'uniformisation du design dominant. La silhouette féline exagérée est adoucie par des membres arrondis et des pattes surdimensionnées, créant un contraste humoristique avec l'allure agressive du personnage. Les jouets Qee Platform comme objets d'art dans le graffiti et la culture pop La plateforme Qee, développée par Toy2R à Hong Kong, est un pilier du mouvement des figurines de créateurs depuis le début des années 2000. Véritable toile vierge pour certains des artistes de graffiti et de street art les plus créatifs au monde, la série Qee a accueilli des créations personnalisées de grands noms tels que Shepard Fairey, Sket One et Kozik. La figurine Qee « Anarchy Black Cat » s'inscrit dans cette tradition tout en repoussant les limites grâce à son symbolisme engagé et son attitude expressive. Chaque exemplaire de cette édition limitée était présenté dans une boîte rose et jaune éclatante ornée de phrases comme « The Future Is Stupid », reflétant la propension de Kozik à contester l'autorité et la société de consommation tout en interpellant les collectionneurs par un humour provocateur et subversif. Art urbain pop et graffiti dans le mouvement de l'art vinyle Cette figurine Qee en édition limitée témoigne du métissage entre le pop art urbain, le graffiti et la culture des figurines de collection. En s'inspirant des symboles de la contre-culture et en les réinterprétant sous forme de figurines en vinyle à collectionner, Frank Kozik a forgé un nouveau langage visuel qui trouve sa place aussi bien dans les galeries d'art que dans la scène streetwear. Ses collaborations avec des marques comme Toy2R ont permis à une nouvelle génération d'artistes d'accéder au marché de l'art avec des œuvres tridimensionnelles qui font écho à l'éphémère et à l'esprit subversif du graffiti. La figurine Strangekiss Anarchy Black Cat Qee, avec son allure anarchiste et son sourire narquois, reste l'un des exemples les plus marquants de la manière dont la création de jouets par des artistes a contribué à façonner l'art urbain au début des années 2000. Cette figurine n'est pas qu'un simple objet en vinyle ; c'est une œuvre sculptée qui incarne un esprit contestataire, imprégné de l'expression du graffiti et du pop art.

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Impression giclée Super Trooper par Brian Viveros, œuvre d'art en édition limitée sur papier d'art lisse en coton 290 g/m², artiste graffiti pop de rue. Édition limitée 2023, signée et numérotée, à 70 exemplaires. Format de l'œuvre : 16 x 21 pouces. Impression giclée Super Trooper par Brian Viveros – Féminité farouche dans l'art urbain pop et graffiti L'estampe giclée en édition limitée de Brian Viveros, « Super Trooper », sortie en 2023, capture une fusion à la fois brute et séduisante de vulnérabilité et de défi, illustrant à merveille son approche du street art et du graffiti. Tirée à 70 exemplaires signés et numérotés, cette œuvre de 40,6 x 53,3 cm est imprimée sur un papier d'art lisse en coton de 290 g/m², offrant une surface riche et tactile qui met en valeur le réalisme saisissant et la précision picturale de l'œuvre. La figure centrale est une guerrière stylisée, drapée dans un débardeur Superman taché de sang et ornée d'une cigarette et d'un motif floral qui ondule sur sa peau et ses vêtements comme des tatouages ​​vivants. Son casque, marqué de l'emblème des Dodgers de Los Angeles et de taches de peinture, ainsi que la rose rouge audacieuse glissée sur le côté, fusionnent identité urbaine et beauté symbolique. Les roses floues en arrière-plan contrastent fortement avec le maquillage intense, les ecchymoses et le bandage de la femme, renforçant la tension caractéristique de Viveros entre beauté et brutalité. Brian Viveros et l'essor de l'archétype de la déesse de la guerre Né aux États-Unis, Brian Viveros s'est forgé une réputation en représentant des femmes farouches, le visage peinturluré, qui imprègnent la toile d'une présence brute et d'un magnétisme émotionnel saisissant. Ces personnages ne sont pas des sujets passifs, mais des icônes imposantes qui mêlent esthétique pin-up et symbolisme guerrier. Dans « Super Trooper », le regard défiant du modèle et son costume de Superman maculé de sang évoquent à la fois la culture pop et la résilience personnelle. Elle n'est ni une acolyte ni une muse : elle est la super-héroïne, réinventée. Viveros continue de bousculer les représentations traditionnelles du pouvoir féminin, utilisant des textures minutieusement détaillées, évoquant la peinture à l'huile, et des touches surréalistes pour conférer à chaque sujet une présence mythique. Son œuvre canalise traumatisme et force en une expression unique de domination, d'autonomie et de résistance envoûtante. Support, niveau de détail et grammage du format d'impression L'impression giclée sur papier chiffon de coton lisse de 290 g/m² garantit une restitution fidèle des teintes vibrantes de pourpre, de cobalt et de gris cendré, respectant ainsi la vision originale de Viveros. La finition lisse permet des dégradés subtils de carnation, d'ombres et de lumières, conférant à l'œuvre une impression de mouvement et de tension intérieure. Chaque pétale, chaque mèche de cheveux est rendu avec une précision obsessionnelle, contrastant avec le chaos fluide des éclaboussures de peinture et les imperfections brutes d'un casque usé et de vêtements tachés. Les dimensions de 40,6 x 53,3 cm (16 x 21 pouces) offrent une expérience visuelle intime, mettant en valeur l'émotion qui se lit dans le regard mi-clos du personnage et la complexité de son expression. Ce format sublime le mélange de photoréalisme et d'ornementation stylisée qui caractérise la contribution de Viveros à l'art urbain, pop et graffiti contemporains. Symbolisme, identité et création de mythes dans la rue Super Trooper se fait le cri de ralliement visuel pour une quête d'identité dans une culture obsédée par l'image, le fantasme et l'iconographie. Viveros ne propose pas l'évasion, mais la confrontation. L'insigne de Superman n'est pas porté avec fierté, mais avec conviction : un symbole de force réapproprié, terni par la douleur et l'expérience vécue. Le bandage sur la joue, orné d'un cœur rouge, en dit long sur la vulnérabilité dissimulée sous un stoïcisme apparent. La cigarette au coin des lèvres rouges ajoute une touche sombre, un signe de rébellion et de mépris des conventions. En enveloppant sa muse de symboles de guerre, de féminité, de passion et de brutalité urbaine, Viveros crée une œuvre de Street Pop Art et de graffiti qui échappe à toute catégorisation simpliste. Super Trooper incarne son engagement pour une représentation sans concession, s'adressant directement à un public qui reconnaît la force dans l'imperfection et la beauté dans les cicatrices.

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Coffret « The Beautiful Losers » (2004-2010) : Portfolio et catalogue, édition limitée. Ce coffret de collection présente des œuvres légendaires de street art réalisées par des dizaines d'artistes lors des expositions de 2004 à 2010. Véritable trésor pour les amateurs de street art et de pop art, il offre une collection complète qui capture l'esprit de l'exposition iconique « The Beautiful Losers ». Ce coffret en édition limitée témoigne de manière exceptionnelle d'un moment charnière de l'art contemporain et de la créativité brute de la scène street art entre 2004 et 2010. Chaque élément du coffret, numéroté, est en parfait état, garantissant sa valeur en tant qu'objet de collection et pièce d'histoire de l'art. Coffret original The Beautiful Losers Portfolio & Catalog 2004-2010 Museum Crate Set x Jonathan Levine. Les coffrets « The Beautiful Losers » de Jonathan Levine Projects ( 2004-2010) ont été édités en édition limitée : le coffret Portfolio à moins de 30 exemplaires et le coffret Catalogue à 100 exemplaires. Chaque coffret est présenté dans un coffret en bois numéroté et imprimé sur mesure, apportant une touche de sophistication et de soin à la présentation de ces œuvres. Les dimensions de ces coffrets (66 x 48 x 23 cm) ont été soigneusement étudiées pour accueillir les œuvres de tailles variées et garantir ainsi leur intégrité. Iconoclast a publié ces coffrets à l’occasion de l’exposition itinérante « Beautiful Losers », qui s’est tenue de 2004 à 2010. Cette exposition, ainsi que « Transfer », présentée dans différents lieux entre 2008 et 2010, a mis en lumière le talent émergent et la diversité des expressions artistiques au sein du Street Pop Art et du graffiti. L'exposition « Beautiful Losers » et ses publications, notamment l'ouvrage « Beautiful Losers : Contemporary Art And Street Culture » paru aux Éditions Iconoclast en 2005, ont joué un rôle déterminant dans la diffusion du dynamisme et de la pertinence du street art et du graffiti auprès d'un public plus large. Le coffret Portfolio, élément essentiel de ces coffrets, est un véritable trésor réunissant 28 des artistes de street art et de graffiti les plus influents. Cette collection comprend des estampes d'artistes renommés tels que KAWS et Shepard Fairey, chacun apportant sa vision et son style uniques. Chaque pièce de ce coffret fait écho aux thèmes et aux expressions artistiques de l'exposition « Beautiful Losers », soulignant ainsi l'importance de cette collection dans l'art contemporain. Le film « The Beautiful Losers » (2008) : À propos de l’exposition d’art Beautiful Losers est un documentaire de 2008 qui explore la vie et l'art d'un collectif d'artistes ayant joué un rôle essentiel dans le mouvement du Street Pop Art et du graffiti depuis les années 1990. Réalisé par Aaron Rose et coréalisé par Joshua Leonard, ce film est une production Sidetrack Films et BlackLake Productions, avec des artistes comme Harmony Korine et Steve « ESPO » Powers. Le film explore l'éthique du « faire soi-même » de ces artistes, dont le travail est imprégné de l'esthétique du skateboard, du graffiti et de genres musicaux underground tels que le punk rock et le hip-hop. Il retrace le parcours de ces artistes, de la culture de rue confidentielle à la reconnaissance internationale dans le monde de l'art, en détaillant leurs sentiments et convictions personnels lors de leur transition de la création personnelle à la participation à des projets commerciaux d'envergure. Beautiful Losers est bien plus qu'un film ; Ce projet s'inscrit dans un phénomène culturel plus vaste, comprenant un livre d'art éponyme, édité par Christian Strike et Aaron Rose, et une exposition itinérante présentant les artistes et leurs œuvres. Cette exposition sert à la fois de toile de fond et de point central au documentaire, soulignant l'influence considérable de ces artistes et leur pertinence toujours actuelle dans le discours sur l'art contemporain. Sérigraphies, photos, dessins et objets d'art en édition limitée signés par l'artiste 2004-2010 Beautiful Losers, livre d'art contemporain et de culture urbaine, 2004 Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture, anthologie majeure publiée en 2004 par DAP/Iconoclast, est une exploration essentielle d'une sous-culture vibrante qui a transformé l'esthétique de la fin du XXe et du début du XXIe siècle. Cette première édition est un véritable joyau pour les collectionneurs, présentée dans une reliure cartonnée en bon état, sous étui. La couverture en toile rouge est ornée de lettres dorées en relief sur le plat et le dos, témoignant de la richesse des illustrations et des œuvres originales qu'elle renferme. Bien plus qu'un simple recueil, il s'agit d'un récit profond retraçant l'émergence organique et spontanée d'un mouvement culturel. L'ouvrage suit le parcours d'artistes américains, souvent à l'aube de leur vie adulte, animés non par les impératifs du marché, mais par une passion et une créativité pures. Sans formation académique ni connaissance du milieu, ils puisaient leur inspiration dans la rue, influencés par l'énergie brute du skateboard, du graffiti, de la mode urbaine et de la musique indépendante. Des noms comme Shepard Fairey, Mark Gonzales et Spike Jonze figurent parmi les nombreux artistes qui ont puisé dans leurs expériences personnelles pour nourrir leur art, apprenant par la pratique et révolutionnant leurs médiums. « Beautiful Losers » rend hommage à ces artistes et retrace leur histoire, reliant Jean-Michel Basquiat et Keith Haring à des figures plus récentes comme Ryan McGinniss et KAWS. L'ouvrage présente diverses expressions artistiques à travers différents médiums, ainsi que des reproductions de documents d'époque qui incarnent l'esprit de cette période. Il est enrichi par des essais d'auteurs qui ont soutenu avec ferveur ces artistes depuis leurs débuts. Bien plus qu'un simple livre d'art, c'est un témoignage précieux d'un mouvement qui a marqué durablement le monde de l'art, de la mode, de la musique, de la littérature, du cinéma et même du sport. Si l'esprit d'indépendance incarné par ces créateurs a évolué, leur essence même – un esprit de rébellion, d'innovation et d'authenticité – demeure intacte. Beautiful Losers est une célébration de cet esprit indomptable, une invitation à contempler la beauté brute, authentique et réelle. Kaws - Brian Donnelly : Salutations chaleureuses, impression typographique 2005, signée et numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. « Warm Regards », créée en 2005 par KAWS, est une œuvre d'art captivante réalisée en typographie sur papier, mesurant 51 x 41 cm. Cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par l'artiste. Publiée par Iconoclast Editions pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et a marqué un tournant dans l'histoire de l'art contemporain et de la culture urbaine, cette œuvre met en scène un personnage emblématique du travail de KAWS, reconnaissable à ses yeux barrés et à ses mains et pieds aux proportions exagérées, évoquant un personnage de dessin animé. Cette estampe fait partie d'une série limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté individuellement par l'artiste. Cet ouvrage a été publié par Iconoclast Editions, probablement pour célébrer l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Cette exposition, qui s'est tenue de 2004 à 2009, a été un événement majeur mettant en lumière la convergence entre l'art contemporain et la culture urbaine. L'œuvre de KAWS fait souvent le lien entre ces deux univers, alliant une formation en graphisme commercial à une esthétique sophistiquée digne des plus grandes galeries. Ses personnages, généralement issus de la culture populaire, sont représentés dans un style à la fois ludique et critique, reflétant souvent la société de consommation et les émotions humaines. Shepard Fairey - OBEY : Boîte à soupe I Sérigraphie 2005 Signée/Numérotée Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2005. Format : 40,6 x 50,8 cm. « Soup Can 1 » de Shepard Fairey, œuvre emblématique de 2005, est une sérigraphie magistrale sur papier d'archivage sans acide. Cette œuvre de 50,8 x 40,6 cm fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires, chacun portant la signature de l'artiste et le numéro d'édition. Iconoclast Editions a édité cette sérigraphie pour commémorer l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009) et célébrer la synergie entre la scène artistique underground et la culture dominante. L'estampe « Soup Can 1 » a figuré dans de nombreuses expositions prestigieuses, dont l'exposition itinérante « Beautiful Losers », « Transfer » à Santander Cultural à Porto Alegre (Brésil) et l'exposition rétrospective « Supply & Demand ». L'œuvre a également été présentée à l'exposition « Transfer », hébergée au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, au Brésil, en 2010. Le travail de Fairey durant cette période est documenté dans de nombreuses publications, notamment la collection « Beautiful Losers » (2005-2009), l'ouvrage « Supply & Demand » publié par Rizzoli en 2009 et l'édition 2010 de « Transfer ». Chacune de ces œuvres offre un éclairage sur le processus créatif de l'artiste et l'impact culturel de son travail. La provenance de « Soup Can 1 » est solidement ancrée dans les archives de Beautiful Losers, ce qui lui assure une place de choix dans l'histoire de la culture urbaine contemporaine et confirme son statut de pièce de collection. Shepard Fairey - OBEY : Sérigraphie sans titre d'Angela Davis, 2005, signée et numérotée Cette puissante sérigraphie de l'artiste influent Shepard Fairey enrichit de façon remarquable son œuvre prestigieuse. De format 20 x 25 cm, cette pièce sans titre fait partie d'une édition exclusive limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé, numéroté et signé par Fairey lui-même, ce qui garantit sa rareté et sa valeur de collection. Fairey, reconnu pour sa capacité à insuffler à l'art un commentaire social, présente un portrait saisissant sur un fond rouge vif qui captive le regard. La silhouette contrastée saisit la force et l'intensité de son sujet, immortalisant un instant d'expression passionnée. L'image, écho visuel du passé, aborde également les thèmes contemporains de l'émancipation et de la résistance. Dans le coin inférieur gauche, l'emblème de Fairey – l'étoile entourée du mot « OBEY » – ancre l'œuvre, l'inscrivant dans son œuvre plus vaste, connue pour inciter les spectateurs à questionner l'autorité et le paysage de la culture visuelle. Cette œuvre témoigne de la pertinence continue de Fairey dans le monde de l'art et de son engagement indéfectible à exprimer des idées à travers son art. Les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Fairey reconnaîtront le style emblématique de l'artiste, devenu synonyme du mouvement du street art moderne. Henry Chalfant : Lee, Futura, Dondi, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette œuvre captivante, créée par le talentueux Henry Chalfant, célèbre le mouvement du street art et immortalise le travail de trois légendes du graffiti : Lee, Futura et Dondi. Intitulée « Lee Futura Dondi », cette pièce de 2004 est une sérigraphie sur papier d'archivage sans acide, garantissant sa conservation et sa qualité pour les années à venir. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, l'œuvre est suffisamment imposante pour créer un impact visuel fort tout en s'adaptant à différents environnements d'exposition. Le triptyque présente trois rames de métro stylisées et dynamiques, chacune ornée du style distinctif des graffeurs cités. Le panneau supérieur, aux teintes roses et bleues énergiques, met en valeur le lettrage emblématique de Lee, tandis que le panneau central présente l'approche futuriste de Futura, avec des formes abstraites et une palette de tons froids. Le dernier panneau rend hommage au wildstyle classique de Dondi, avec un lettrage audacieux dans des nuances de rose qui tranche avec le fond. L'œuvre de Chalfant n'est pas une simple représentation statique ; Elle traduit le mouvement et le rythme de l'art du métro new-yorkais tel qu'il circulait autrefois dans les rues de la ville. Chaque exemplaire de cette série limitée est signé et numéroté par Chalfant, garantissant son authenticité et son lien avec l'artiste. Cette série a été publiée à l'occasion de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui a mis en lumière les intersections et les influences de l'art urbain au sein de l'art contemporain. Cette estampe est une pièce de collection, non seulement pour sa valeur esthétique et historique, mais aussi parce qu'elle représente l'évolution de l'art urbain, des métros et des murs de la ville jusqu'aux sommets de l'art contemporain. Geoff McFetridge : Kemistry Dessin original avec DVD d'animation 2004 Cette œuvre, créée par Geoff McFetridge, est l'un des 100 dessins originaux qui composent une séquence d'animation complexe. Réalisé avec précision au crayon sur papier Canson, chaque dessin mesure 22,86 x 30,45 centimètres, capturant l'esthétique minimaliste et la fluidité des lignes caractéristiques du travail de McFetridge. Cette œuvre met en scène une silhouette faisant du skateboard, rendue par un trait continu et fluide qui traduit le mouvement et une subtile fantaisie. Un second personnage, curieux, apparaît en retrait, ajoutant une dimension narrative à la composition. En plus de l'œuvre originale, les collectionneurs reçoivent un DVD contenant l'intégralité de la séquence d'animation, offrant un aperçu rare du processus créatif de McFetridge et de la progression de l'animation, des images fixes à une expérience visuelle dynamique. Chaque dessin est signé par l'artiste, une touche personnelle qui garantit son authenticité. Cette acquisition n'est pas seulement l'achat d'une œuvre d'art unique ; c'est une invitation à plonger dans l'univers visionnaire de McFetridge, où le graphisme rencontre la narration cinématographique. Cette combinaison unique de dessin traditionnel et d'animation numérique offre une appréciation multiforme de l'approche novatrice de l'artiste en matière d'art contemporain. Ed Templeton : Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers, photographie de 2004 signée Capturée par l'objectif avisé d'Ed Templeton, cette photographie est une pièce majeure de l'histoire de l'art contemporain, témoignant de l'essence même du mouvement artistique « Beautiful Losers ». L'image présente Chris Johanson, artiste emblématique de l'esprit DIY du street art, lors de la première exposition « Beautiful Losers » à Cincinnati, dans l'Ohio, en 2004. Il s'agit d'un tirage argentique saisissant d'Ed Templeton, représentant Chris Johanson lors de cette exposition inaugurale. La photographie, de format 20 x 25 cm, fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun signé individuellement par Templeton, garantissant son exclusivité et son authenticité. Prise en 2004, cette image est un témoignage intemporel de l'histoire de l'art, documentant un moment charnière dans la convergence de la culture urbaine et de l'art contemporain. Cette photographie est un témoignage visuel et une incarnation de l'esprit de l'exposition, célébrant la rencontre underground du skateboard, du graffiti et du street art avec l'art contemporain. La composition de la photo, spontanée et sans filtre, révèle Johanson, le visage dissimulé par un tissu blanc, une présence énigmatique qui attise la curiosité. Ce choix de présentation fait écho aux thèmes de l'anonymat et du mystère qui imprègnent souvent la culture du street art. Le visage caché de Johanson, orné de lunettes de soleil posées sur le tissu et de sa barbe indomptée qui dépasse, crée un contraste saisissant, visuellement captivant et qui invite à la réflexion. Signée par Ed Templeton, cette photographie offre un lien tangible avec l'instant qu'elle immortalise, plongeant le spectateur au cœur d'un événement charnière de l'histoire du street art et du pop art. La signature de Templeton ajoute une touche d'authenticité et fait de cette œuvre un véritable point de rencontre entre son parcours photographique et le récit artistique de Johanson. « Chris Johanson à la première exposition Beautiful Losers » est une photographie qui transcende son médium, offrant un aperçu de la communauté et de la camaraderie des artistes qui ont marqué toute une génération. Cette œuvre occupera une place de choix pour les collectionneurs et les passionnés du mouvement, incarnant l'énergie brute et spontanée que représentaient les « Beautiful Losers ». Cynthia Connolly : Page de machine à glaçons sans titre, photographie d'Arizona , 1999. Signée et datée. Cette photographie de Cynthia Connolly, sans titre mais capturant avec émotion l'essence de Page, en Arizona, est un tirage argentique magistral qui incarne l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers ». Ce tirage de 10 x 15 cm fait partie d'une édition limitée à 100 exemplaires, chacun imprimé et signé avec soin par l'artiste, soulignant ainsi son caractère de collection. L'image met en scène une machine à glaçons, symbole à la fois banal et emblématique de l'Amérique du quotidien. Datée du 17 mai 1995, la photographie n'est pas seulement la représentation d'un lieu, mais aussi le témoignage d'une époque. L'annotation manuscrite « Page, Arizona » y ajoute une touche personnelle, évoquant un lieu et ancrant l'œuvre dans son contexte géographique. Le regard photographique de Connolly transforme l'ordinaire en extraordinaire, invitant le spectateur à trouver beauté et récit dans le quotidien. Le contraste saisissant du noir et blanc met en valeur le jeu d'ombre et de lumière, conférant à la machine à glaçons une dimension sculpturale. Cette œuvre est une exploration subtile des formes et des textures, où même l'utilitaire devient un sujet digne de contemplation artistique. Ce tirage est essentiel pour les collectionneurs qui apprécient le croisement entre la photographie documentaire et les beaux-arts. Il témoigne de l'engagement de Connolly à saisir les recoins méconnus des paysages américains, et constitue un ajout exceptionnel à toute collection célébrant la beauté subtile du quotidien au sein de la vaste tapisserie de la culture américaine. Barry McGee : Untitled Ryze 2007, tirage C et photographie étiquetée à la main L'œuvre « Untitled Ryze » de Barry McGee est un pilier du mouvement d'art contemporain, symbolisant la rencontre dynamique entre la culture urbaine et les beaux-arts. Ce tirage C saisissant de 2007, mesurant 40,6 x 50,8 cm, est une pièce de collection très recherchée, limitée à 200 exemplaires. Chaque exemplaire de la série est signé et numéroté à la main par McGee, un artiste qui appose rarement sa signature sur ses œuvres. L'œuvre a été présentée en parallèle de l'exposition majeure « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 dans de nombreux musées et galeries à travers le monde. L'image capture l'essence de Ryze, figure légendaire du street art bostonien, et témoigne du talent de McGee pour transposer l'énergie brute du graffiti dans un contexte muséographique raffiné. L'œuvre de McGee dépasse le cadre de la photographie, car « Untitled Ryze » est un élément central de ses installations et assemblages de grande envergure. Ce tableau est un témoignage visuel de l'héritage de l'artiste et un symbole de l'esprit culturel incarné par The Beautiful Losers. Acquise directement auprès d'Iconoclast Editions et des archives de The Beautiful Losers, cette œuvre représente une occasion unique pour les amateurs et les collectionneurs d'acquérir un fragment d'histoire du street art, vu à travers le regard de l'un de ses artistes les plus énigmatiques et les plus célèbres : Barry McGee. Barry McGee : Sans titre Bonjour, je m'appelle... Autocollant original Slap-Up 2005 signé Barry McGee, figure influente du street art et du graffiti, a marqué les esprits par son style et son approche uniques. Son œuvre « Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag » en est un exemple emblématique, mêlant l'énergie brute du street art à l'esthétique raffinée du pop art. Créée en 2005, cette pièce témoigne de la capacité de McGee à transformer des objets et des thèmes du quotidien en expressions artistiques saisissantes. Son parcours artistique a débuté dans la rue, où il a perfectionné son art en réalisant des graffitis sous le pseudonyme de « Twist ». Cette période formatrice a été cruciale pour façonner son style distinctif, caractérisé par un mélange de spontanéité propre au graffiti et d'audace, voire de force visuelle, propre au pop art. Son passage des murs de la rue aux galeries n'a en rien altéré l'authenticité brute de son travail. Au contraire, il lui a offert un nouveau terrain d'expression, lui permettant de toucher un public plus large tout en restant fidèle à ses racines dans la culture urbaine. Terry Richardson : Autoportrait du diable sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie sur papier, réalisée en 2004 et intitulée « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », offre un rendu visuel saisissant. Tirée à 200 exemplaires, elle est signée et numérotée individuellement par l'artiste, conférant à cette œuvre exclusive une dimension personnelle. Sur un fond jaune éclatant, l'artiste pose dans une attitude à la fois espiègle et rebelle. Arborant des cornes de diable et brandissant un trident, il fait un geste malicieux de paix, juxtaposant ainsi des symboles traditionnellement sinistres à une attitude légère. La dominante jaune monochrome de la sérigraphie renforce l'impact visuel de l'œuvre. Cette pièce a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), qui explore les intersections entre culture pop et art urbain et propose une relecture subversive de l'iconographie contemporaine. L'origine de cette œuvre est remarquable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle atteste de son authenticité et de son lien avec un mouvement majeur de l'art moderne. Cet autoportrait est bien plus qu'une simple image ; c'est une œuvre marquante qui capture l'essence d'un esprit culturel, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection d'art. Evan Hecox : Estampe sur bois « Rue de Kyoto », 2004, signée et numérotée « Kyoto Street », une sérigraphie captivante d'Evan Hecox, immortalise un instant figé dans le charme intemporel de l'ancienne capitale japonaise. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande minutie sur papier d'archivage sans acide et mesure 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Hecox lui-même, ce qui en fait une pièce de collection. Cette œuvre a été présentée dans le cadre de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », de 2004 à 2009, et a été exposée dans différents lieux. L'estampe « Rue de Kyoto » a été présentée dans des expositions de renom, notamment « Transfer » au Centre culturel Santander de Porto Alegre, au Brésil, en 2008, et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera, à São Paulo, en 2010. Dans cette œuvre, Hecox distille l'essence du paysage urbain de Kyoto en contrastes saisissants et en lignes épurées, capturant le jeu dynamique de la lumière et de l'ombre. Des lanternes ornées de caractères kanji ponctuent la scène, diffusant une lueur chaleureuse sur la ruelle. Parallèlement, le réseau complexe de lignes électriques au-dessus ajoute une dimension supplémentaire, suggérant l'énergie vibrante de la ville. La palette audacieuse et le style graphique affirmé de l'œuvre suscitent une certaine nostalgie, invitant le spectateur à contempler l'atmosphère à la fois sereine et animée des rues de Kyoto. Conservée dans les archives de Beautiful Losers, « Rue de Kyoto » n'est pas seulement une estampe, mais une œuvre narrative présentée aux côtés d'autres chefs-d'œuvre contemporains dans les catalogues « Beautiful Losers » et « Transfer ». C'est un témoignage de la capacité d'Hecox à capturer l'âme de l'environnement urbain, ce qui en fait une pièce de choix pour les collectionneurs et les admirateurs d'art contemporain ayant un penchant pour l'esthétique urbaine et la profondeur culturelle. Ryan McGinness : Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot, sérigraphie 2004, signée et numérotée Ryan McGinness, « Porte-bonheur pathétiques du hipster idiot ». Cette œuvre exquise de 2004 est une représentation magistrale de l'iconographie contemporaine, réalisée avec une minutie extrême par sérigraphie sur papier. Chaque estampe mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires, garantissant son caractère unique et de collection. Chaque exemplaire est signé et numéroté à la main par l'artiste, attestant de son authenticité et de la touche personnelle de McGinness. L'œuvre a été publiée en parallèle de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a mis en lumière l'énergie vibrante et le dynamisme du street art dans le contexte de l'art contemporain. L'œuvre est une symphonie de symboles, un lexique visuel reflétant l'esprit ironique et souvent autodérisoire de la sous-culture hipster. L'utilisation par McGinness d'images iconiques, mêlée de fantaisie et de critique, capture un moment où l'art, la culture et le commentaire social se rencontrent avec une grâce naturelle. Cette œuvre n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un morceau d'histoire culturelle, un miroir de l'esprit du temps du paysage urbain du début des années 2000. Harmony Korine : Sans titre Osama et ET, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre est une sérigraphie captivante d'Harmony Korine, intitulée « Sans titre (Oussama et E.T.) », datant de 2005. Tirée à seulement 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Korine, elle est une véritable pièce de collection. Cette estampe, mesurant 50,8 x 40,6 cm, révèle la vision unique de Korine en juxtaposant deux références culturelles radicalement différentes. L'image représente Oussama ben Laden enlacé avec l'emblématique extraterrestre E.T., personnage du célèbre film de Steven Spielberg. La fusion de ces images constitue une affirmation audacieuse et invite à de multiples interprétations de la convergence de symboles culturels disparates. Le personnage et E.T. sont dessinés avec une linéarité délicate qui contraste avec la gravité du sujet, créant un paradoxe visuel saisissant. Cette sérigraphie a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la rencontre entre le skateboard, le graffiti, la mode urbaine et l'art contemporain. La provenance de cette estampe est irréprochable : issue des éditions Iconoclast et des archives Beautiful Losers, elle revêt une importance historique et artistique indéniable. Le juxtaposition de figures aussi incongrues invite le spectateur à concilier les émotions et les récits contrastés que chaque personnage incarne. Plus qu’une simple expression visuelle, cette œuvre est un dialogue sur la culture populaire, les personnalités politiques, les personnages de fiction et leur place dans le champ artistique. Les collectionneurs et les amateurs de street art apprécieront la profondeur et le caractère provocateur de cette estampe, qui constitue une pièce de choix pour toute collection d’art contemporain. Larry Clark : Photographie Shorty sans titre, œuvre d'art 1996/2007, signée et numérotée Cette saisissante photographie, intitulée « Sans titre (Shorty) », est une œuvre marquante du célèbre artiste Larry Clark. Réalisée en 1996 et publiée en 2007, elle est imprimée sur papier aquarelle Anjelica et mesure 50,8 x 34,9 cm. Chaque exemplaire de cette édition limitée à 200 est signé et numéroté individuellement par Clark lui-même, avec une signature et une date supplémentaires au verso, garantissant son authenticité et sa rareté. Diffusée à l'occasion de la prestigieuse exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), cette photographie provient des Éditions Iconoclast et fait partie intégrante des Archives Beautiful Losers. Figure influente de la photographie et du cinéma depuis plus de cinquante ans, Larry Clark a marqué durablement le monde de la création grâce à des œuvres telles que « Teenage Lust » et « Tulsa », ainsi que des films comme « KIDS » et « Marfa Girl ». La photographie capture l'essence de Lyle Dean « Shorty » Easky, dont l'histoire s'entremêle avec celle de l'artiste et le récit plus large de la culture de la jeunesse américaine. Shorty, d'origine amérindienne, est décédé tragiquement en 2013. Sa vie et sa mort prématurée demeurent un récit poignant, dont les racines plongent dans le même quartier de Tulsa qui a inspiré une grande partie des premières œuvres de Clark – le même lieu que Francis Ford Coppola a choisi pour « Outsiders ». Raymond Pettibon : Soleil sans titre, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Cette œuvre saisissante, sans titre, date de 2005 et est signée par l'artiste renommé Raymond Pettibon, reconnu pour son influence majeure sur l'art et la culture. Il s'agit d'une sérigraphie sur papier, un médium qui permet une restitution vibrante et précise du design dynamique de Pettibon. Mesurant 51 x 41 cm, elle s'adapte à différents espaces et impose sa présence visuelle. Cette création de Pettibon fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, offrant un lien direct avec son processus créatif. L'œuvre présente une explosion de lignes émanant d'un point central, suggérant une énergie explosive ou un phénomène cosmique. L'utilisation du noir, associée à des touches de bleu et de jaune, confère à l'œuvre une impression de profondeur et d'intensité, tandis que le texte manuscrit en haut – « APPLIQUEZ-LE À L'ÉTUDE DES MIROIRS, DES ARCS-EN-CIEL OU DU SOLEIL ! » – invite à la contemplation et ajoute une dimension poétique à l'expérience visuelle. Cette édition a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait le croisement entre l'art underground et la créativité urbaine. L'œuvre de Pettibon témoigne de l'esprit de ce mouvement, incarnant l'énergie brute et l'esthétique audacieuse qui définissent le genre. C'est une pièce de collection, non seulement pour son attrait esthétique, mais aussi pour son importance culturelle dans l'art contemporain. Evan Hecox : Estampe sur bois de Chinatown, New York, 2004, signée et numérotée « Chinatown NYC », une estampe sur bois de 2004 d'Evan Hecox, réalisée sur un délicat papier de riz japonais, retranscrit avec minutie la vitalité urbaine. Chaque estampe de cette série limitée mesure 25,4 x 20,3 cm et fait partie d'une édition numérotée à 100 exemplaires, soulignant ainsi son exclusivité. Chaque pièce est imprimée et signée personnellement par Hecox, témoignant de l'implication directe de l'artiste dans l'expérience du collectionneur. Cette œuvre capture l'essence du quartier chinois animé de New York avec un sens aigu du détail et une approche stylistique singulière. L'utilisation des lignes par Hecox dans la technique de l'estampe sur bois traduit la nature dynamique de la ville en une image statique qui vibre de vie. L'artiste restitue avec maestria la complexité architecturale du paysage urbain, complétée par la présence humaine qui insuffle la vie à la ville. La superposition nuancée de l'estampe, avec son tracé complexe et ses subtiles variations de tons, fait écho à la richesse des expériences vécues en milieu urbain. Reconnu pour son talent à saisir l'essence d'un lieu dans ses œuvres, Hecox présente « Chinatown NYC » comme bien plus qu'une simple représentation visuelle : c'est un récit tissé d'encre et de papier, une histoire rythmée par le paysage urbain. Cette œuvre témoigne du génie artistique de Hecox et rend hommage à la richesse culturelle de Chinatown et à l'histoire en constante évolution de New York. Rostarr- Romon K Yang : Sans titre, Japon, HPM, peinture en aérosol, sérigraphie, 2005, signée et numérotée Découvrez la fusion de la tradition et de la rébellion avec « Untitled Japan HPM » de Rostarr, une œuvre provocatrice de Romon K Yang datant de 2005. Cette œuvre saisissante, réalisée sur papier (27,94 x 33,02 cm), est un mélange harmonieux de peinture aérosol et de sérigraphie. Tirée à seulement 100 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, elle témoigne du langage visuel singulier de Rostarr, où les traits calligraphiques rencontrent la spontanéité du street art. Des formes rouges audacieuses structurent la composition ; leurs contours fluides et leurs cercles pleins contrastent fortement avec les éclaboussures brutes et improvisées de peinture aérosol noire. Ce jeu de couleurs et de formes crée une tension dynamique, une symphonie visuelle qui capture l'esprit de l'art contemporain. Chaque exemplaire de « Untitled Japan HPM » est une célébration de l'expression unique, peinte et imprimée à la main, signature audacieuse du style iconique de Rostarr. La rareté de cette œuvre en fait une pièce convoitée par les collectionneurs et les amateurs désireux de posséder un fragment d'histoire de l'art qui fait le lien entre tradition et modernité, entre préméditation et spontanéité. « Untitled Japan HPM » n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un dialogue culturel qui résonne au rythme de la vie urbaine contemporaine. Rostarr - Romon K Yang : Papillon dans l'ouragan, sérigraphie de 2004 signée et numérotée Embarquez pour un voyage visuel avec « Papillon dans la tempête », une sérigraphie sur papier captivante de l'artiste renommé Rostarr, créée en 2004, année charnière. Cette œuvre illustre l'interaction dynamique entre forme et fluidité. Mesurant 51 x 41 cm, elle fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires, chacun portant la signature et le numéro uniques attribués par l'artiste. Fruit d'une exploration artistique audacieuse, « Papillon dans la tempête » a été dévoilée en parallèle de l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », célébrant la rencontre entre les mouvements artistiques underground et la culture dominante. L'œuvre présente une profusion de formes et de courbes abstraites, principalement dans des tons de bleu et de jaune, évoquant la grâce chaotique d'un papillon pris dans la tempête. Les couleurs vives tourbillonnent et dansent sur le papier, invitant le spectateur à contempler la relation entre harmonie et chaos. Cette œuvre est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; C'est une œuvre marquante, un fragment d'histoire culturelle, et un témoignage de la maîtrise de l'artiste qui mêle l'énergie brute de la culture urbaine à la sophistication de l'art contemporain. « Butterfly In The Hurricane » est une pièce incontournable pour les connaisseurs et les collectionneurs, promettant de susciter la conversation et de devenir un joyau de toute collection. Craig R Stecyk III : Sans titre, 2004. Photographie sérigraphique HPM unique, signée et numérotée. Œuvre singulière de Craig R. Stecyk III, cette œuvre sans titre de 2004 illustre avec brio la fusion entre art contemporain et culture urbaine. Réalisée avec une méticulosité extrême, elle présente un fond personnalisé peint à l'aérographe, une sérigraphie double face appliquée avec maestria et des accents de crayon sur un papier d'archivage blanc épais et robuste, sans acide, de 50,8 x 40,6 cm. Tirée à 200 exemplaires, chaque pièce est numérotée individuellement et signée par l'artiste, gage de son exclusivité. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009 et est très prisée au sein des archives Beautiful Losers. Son authenticité et son importance culturelle sont attestées par la provenance de cette pièce, issue des Éditions Iconoclast. Stecyk, figure emblématique du projet Beautiful Losers, a créé une installation qui a captivé le public et suscité un engouement sans précédent. Son œuvre rend hommage aux vibrantes sous-cultures californiennes, puisant son inspiration dans la culture des voitures customisées, le surf et le skateboard, le tout illustré par une documentation photographique exhaustive. Membre fondateur des Dogtown et des Z-Boys, Stecyk transcende la simple création artistique avec ses œuvres : elles sont de véritables témoignages d'un mouvement culturel décadent, transposés sur papier dans une palette qui vibre au rythme de l'énergie et de l'esprit de la rue. Cette pièce est une expression artistique et un artefact culturel qui capture l'essence même des sous-cultures californiennes, immortalisée par le regard visionnaire de Stecyk. Craig R Stecyk III : Épreuve sérigraphique argentique sans titre, signée et numérotée L'œuvre sans titre de Craig R. Stecyk III est une affirmation d'originalité et de défi artistique. Elle fait partie d'une série exclusive de 100 exemplaires, chacun étant un tirage argentique sérigraphié sur papier, mesurant 10,16 x 15,24 centimètres. L'œuvre arbore fièrement le mot « PROOF » en lettres rouges, attestant de son authenticité en tant que tirage photographique original. Le texte en dessous sert à la fois de déclaration et de restriction, soulignant la vocation contractuelle du tirage et interdisant expressément toute reproduction, revente et exposition publique. La signature de l'artiste, apposée avec énergie sur le tirage, renforce cette exclusivité, authentifiant chaque exemplaire et le désignant comme une pièce unique au sein de cette édition limitée. La signature devient partie intégrante de l'œuvre, se fondant dans le message textuel et le fond épuré, garantissant que chaque tirage témoigne de la philosophie artistique unique de Stecyk et de son héritage au sein du monde de l'art. Tobin Yelland : Sérigraphie sans titre d'Andy Roy, 2004, signée et numérotée « Sans titre (Andy Roy) » de Tobin Yelland est une sérigraphie saisissante qui capture l'essence de l'individualité et de la rébellion, caractéristiques de la culture urbaine. Réalisée en 2004, cette œuvre met en scène Andy Roy, figure emblématique du monde du skateboard, connu pour son style brut et son attitude sans compromis. Imprimée sur papier de haute qualité, chaque exemplaire de cette édition limitée mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une série de 200 tirages. Chaque pièce est méticuleusement signée et numérotée par Yelland, garantissant son authenticité et l'inscrivant dans une lignée d'objets de collection très recherchés. L'œuvre a été créée pour l'exposition influente « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » ​​(2004-2009). Cette exposition a joué un rôle déterminant dans la célébration et la reconnaissance de la culture urbaine au sein de la scène artistique contemporaine, en intégrant l'esthétique du skateboard, du graffiti et d'autres formes d'expression artistique dans l'espace des galeries. Issue d'Iconoclast Editions et des archives de Beautiful Losers, « Sans titre (Andy Roy) » est bien plus qu'un portrait : c'est un récit de la contre-culture, un emblème de l'esprit rebelle du street art et un instantané d'un mouvement qui a marqué durablement l'art contemporain. Collectionneurs et amateurs du genre trouveront dans cette sérigraphie une œuvre qui continue de vibrer au rythme et à l'authenticité de la culture urbaine. Tobin Yelland : Skate Smash Window PhotMills signé/numéroté « Skate Smash Window Photo » de Tobin Yelland est une photographie en noir et blanc, brute et dynamique, qui saisit un instant spontané de rébellion juvénile. Prise en 2004, cette image incarne l'esprit de la culture street et skate de l'époque. La photo illustre la spontanéité et l'impulsivité inhérentes à la culture du skateboard, incarnées par l'acte d'une planche de skate fracassant la vitre d'une voiture. Cette photographie a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition célébrait la fusion des sensibilités urbaines et du monde de l'art, intégrant l'authenticité des expériences subculturelles dans le contexte des beaux-arts. Provenant des archives de Beautiful Losers et ayant été acquise par Iconoclast Editions, cette œuvre est bien plus qu'une simple photographie : c'est un récit, une tranche de vie d'une culture souvent méconnue. La capacité de Yelland à saisir un instant aussi brut et authentique crée un lien viscéral avec le spectateur, offrant un aperçu des aspects les plus débridés de la culture jeune. La photo « Skate Smash Window Photo » témoigne de l'époque qu'elle représente, constituant un document historique de la contestation et de l'énergie subversive propres au skateboard. C'est une pièce précieuse pour les collectionneurs et les passionnés de photographie et de culture urbaine, offrant un regard sans concession sur les moments fondateurs d'un mouvement. Mike Mills : La police est en nous, sérigraphie 2004, signée et numérotée L'œuvre évocatrice de Mike Mills, « The Cops Are Inside Us », constitue une déclaration profonde dans l'art contemporain. Elle utilise la technique brute de la sérigraphie artisanale, combinée au crayon, sur un papier d'archivage blanc doux sans acide. Cette œuvre de 2004 mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition exclusive limitée à 200 exemplaires signés et numérotés. Chaque estampe de cette série témoigne du sens aigu de l'observation chez Mills, qui explore l'interaction entre texte et image, créant un récit qui évoque la lutte intérieure et l'introspection sociétale. La teinte rouge intense qui domine l'estampe, s'estompant en une représentation crue et granuleuse dans sa partie inférieure, crée un contraste visuel saisissant, suggérant une dualité inhérente à la condition humaine. Cette œuvre a été présentée lors de l'exposition majeure « Beautiful Losers », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cette exposition a mis en lumière l'importance culturelle du street art et son impact sur les pratiques artistiques contemporaines. « The Cops Are Inside Us » reflète l’esprit de son époque et continue de faire écho aux débats sociaux actuels, ce qui en fait une œuvre intemporelle pour les collectionneurs et les amateurs d’art engagé. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers, cette pièce de Mike Mills est bien plus qu’une simple œuvre d’art : c’est un commentaire culturel, préservé par la sérigraphie et offrant un aperçu du dialogue complexe entre la société et l’individu. Cheryl Dunn : Sérigraphie signée et numérotée, réalisée en 2004, et photographie signée. « Drafted. » de Cheryl Dunn est une sérigraphie provocatrice qui saisit avec force un instant d'interaction humaine, sur un fond jaune éclatant. Cette création de 2004 mesure 51 x 41 cm et fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son caractère exclusif. L'œuvre présente une scène à fort contraste, avec des silhouettes en contre-jour, l'une assise au sol et les autres semblant en mouvement. Les silhouettes de Dunn créent un récit universel, permettant à chacun d'y projeter ses propres histoires et significations. Le titre « Drafted. » suggère les thèmes de la compulsion et de la résistance, trouvant un écho profond chez le spectateur. Présentée lors de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette œuvre contribue au dialogue entre culture urbaine et beaux-arts. Cette exposition a été une vitrine essentielle pour les artistes influencés par des formes subculturelles telles que le skateboard, le graffiti et le punk. Issue de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive et produite par Iconoclast Editions, « drafted. » est bien plus qu'une œuvre d'art : c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'un mouvement. Elle exprime avec force la vision de Dunn et offre un commentaire visuel sur les forces qui façonnent notre société. Les collectionneurs d'art contemporain et les amateurs de culture urbaine y trouveront un mélange captivant d'audace esthétique et de pertinence sociale. Cheryl Dunn : C-4 San Francisco Tenderloin Hallway, estampe giclée 2004, signée et numérotée Cette captivante estampe giclée de Cheryl Dunn transporte le spectateur au cœur vibrant du quartier Tenderloin de San Francisco. Intitulée « C-4 San Francisco Tenderloin Hallway », elle témoigne du regard aiguisé de Dunn sur l'authenticité et la spontanéité, capturant un instant saisissant dans un couloir qui murmure des histoires du tissu urbain de la ville. L'estampe, au format 38 x 25 cm, est méticuleusement numérotée et signée personnellement par Cheryl Dunn, garantissant son authenticité et son lien avec la vision originale de l'artiste. Tirée à seulement 100 exemplaires, cette édition limitée est une pièce unique et de collection pour les amateurs d'art et les passionnés d'exploration urbaine. Le sujet se tient dans l'étroit couloir, incarnant une sérénité au milieu du chaos potentiel de la ville. Vêtu d'une veste rouge et verte éclatante, ornée d'oreilles d'ours fantaisistes, il apporte une touche d'innocence à cette scène par ailleurs brute. Cette personne tient une bombe de peinture, évoquant une histoire d'art urbain et d'expression. Parallèlement, les poches de sa veste sont intrigantes, remplies d'autres bombes, suggérant peut-être une réflexion de l'artiste sur la jeunesse, la rébellion ou la créativité dans l'espace urbain. L'estampe de Cheryl Dunn offre non seulement un récit visuel, mais invite également à une réflexion sur le pouls culturel de la ville, les histoires inscrites dans ses murs et les personnages hauts en couleur qui la fréquentent. Cette œuvre est plus qu'une photographie : c'est un fragment de l'âme de San Francisco, magnifiquement préservé grâce à une impression giclée de haute qualité. Cynthia Connolly : Machine à glaçons sans titre, sérigraphie, 2004, signée et numérotée L'œuvre « Sans titre » de Cynthia Connolly, issue de sa série « Machines à glaçons », est une sérigraphie sur papier captivante, mesurant 40,6 x 50,8 cm. Tirée à seulement 200 exemplaires, chaque pièce est signée par l'artiste et numérotée, garantissant son authenticité et sa rareté. Réalisée avec un sens aigu de l'esthétique américaine, cette œuvre est un témoignage poétique des machines à glaçons autrefois omniprésentes dans le paysage américain, aujourd'hui vestiges d'une époque révolue. Le travail de Connolly est reconnu pour sa capacité à saisir ces instants fugaces de la vie américaine, préservant la nostalgie et la valeur culturelle de ces objets du quotidien. L'estampe « Sans titre » a été éditée pour commémorer l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement marquant a permis d'introduire la culture urbaine, avec son authenticité brute, dans l'univers raffiné des galeries d'art, mettant en lumière le travail d'artistes puisant leur inspiration dans l'esthétique de la rue, le skateboard et les courants underground de la culture subversive. Les photographies de Connolly, réputées pour leur simplicité et leur profondeur saisissantes, figurent dans les collections permanentes de musées prestigieux. Cette estampe, appartenant à la série « Ice Machines », témoigne de son engagement à immortaliser des aspects de la vie américaine qui disparaissent peu à peu. Pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain empreints de nostalgie, « Sans titre » de Connolly est une pièce incontournable. Bien plus qu'une simple sérigraphie, c'est un morceau de patrimoine culturel, une réflexion profonde sur la fugacité du quotidien et une œuvre d'art remarquable d'une photographe et artiste de renom. Geoff McFetridge : L'éclat caché, sérigraphie 2004, signée et numérotée « L'Éclat Caché » de Geoff McFetridge témoigne de la maîtrise de l'artiste en matière de rythme visuel et de narration, sublimée par la sérigraphie. Créée en 2004, cette sérigraphie sur papier mesure 51 x 41 cm, un format qui permet aux motifs complexes et à la palette de bleus saisissante d'envelopper le champ de vision du spectateur. Chaque élément de la mosaïque vibre d'une énergie emblématique du talent graphique de McFetridge. À y regarder de plus près, on discerne la composition méticuleuse de formes abstraites et figuratives. Cette œuvre à motifs est un puzzle visuel sophistiqué où formes géométriques et organiques convergent pour créer une impression de profondeur et de mouvement. La répétition des éléments sert un dessein esthétique et tisse un récit plus profond, évoquant l'interconnexion des individus au sein d'une communauté ou la nature à la fois répétitive et unique des paysages urbains. Signée par l'artiste, cette pièce porte la marque personnelle de McFetridge, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au processus créatif. « The Hidden Radiance » a figuré dans la prestigieuse exposition « The Beautiful Losers Portfolio » à la galerie Agnes B de Los Angeles, au sein d'une collection célébrant la synergie entre l'art contemporain et la culture urbaine. Elle est également mise en avant dans l'ouvrage de référence « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », publié par Edition Iconoclast, qui documente le phénomène culturel que représente cette œuvre. Cette sérigraphie est une pièce décorative essentielle au dialogue entre le pop art urbain et les scènes artistiques dominantes. C'est une pièce de collection qui capture l'essence de l'influence de McFetridge sur le langage visuel de l'art contemporain. Ce langage parle aussi bien à l'amateur d'art averti qu'au passionné de la culture urbaine. Ed Templeton : Femme choquée (sans titre) Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Femme choquée (sans titre) », une œuvre saisissante d'Ed Templeton, révèle toute la puissance expressive de la sérigraphie. Créée en 2004, cette pièce de 40,6 x 50,8 cm fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par Templeton, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Cette sérigraphie témoigne du talent unique de Templeton pour saisir la condition humaine dans ses moments les plus vulnérables et les plus authentiques. L'œuvre représente une femme, son expression de surprise ou de choc, un instant figé dans le temps par la main experte de Templeton. L'utilisation de couleurs vives et contrastées, ainsi que la superposition d'éléments abstraits, confèrent à cette œuvre une dynamique à la fois troublante et fascinante. L'image, empreinte d'immédiateté et d'intimité, caractéristique de la démarche artistique de Templeton, invite le spectateur à se confronter aux émotions inattendues et souvent dérangeantes que manifestent ses sujets. Les coups de pinceau bruts et l'estompage délibéré des détails invitent à explorer les thèmes de l'intimité, de l'émotion et de la dimension voyeuriste de l'art. « Femme choquée sans titre » a été présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait la rencontre entre les scènes artistiques underground et la reconnaissance du grand public. L'œuvre de Templeton témoigne du pouvoir du pop art urbain à exprimer des expériences humaines profondes, faisant de cette pièce une acquisition précieuse pour les collectionneurs et les amateurs d'art contemporain. James Jarvis x Amos Toys : Figurine signée Wiggins (The Thin Blue Line) de la série In-Crowd, objet d'art de collection 2004 Il présente « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins », une figurine collector en édition limitée à 100 exemplaires signés (3,5 x 6 pouces), fusionnant l'univers imaginaire de James Jarvis et le plaisir tangible des objets d'art. Créée en collaboration avec Amos Toys, cette figurine représente une synthèse unique entre art, collection et narration. Il s'agit d'une figurine en vinyle de 10 cm (6 pouces) environ, nommée Wiggins, faisant partie d'une série très exclusive limitée à seulement 1 660 exemplaires dans le monde. Wiggins, le petit policier, se tient fièrement dans son uniforme, confectionné avec un souci du détail exceptionnel. Du haut de sa casquette de police classique aux semelles de ses bottes robustes, chaque élément de sa tenue a été soigneusement conçu pour refléter l'essence de son personnage. Il tient une matraque, accessoire qui suggère sa disponibilité à intervenir et à rétablir l'ordre. Pourtant, son visage, orné d'une moustache et d'une expression sévère, suggère une profondeur de personnalité qui dépasse ses fonctions officielles. Chaque figurine est présentée dans un coffret au design soigné, arborant fièrement la signature de James Jarvis, gage d'authenticité et lien direct avec l'artiste. L'emballage est une œuvre d'art à part entière, au même titre que la figurine elle-même. La fenêtre transparente dévoile la silhouette de Wiggins, brouillant la frontière entre jouet et sculpture. Wiggins n'est pas qu'un simple personnage : c'est un conteur à part entière, incarnant la complexité de son métier avec l'humour et la perspicacité caractéristiques de Jarvis. Selon son histoire, lorsqu'il ne patrouille pas les rues, il écrit des poèmes introspectifs, offrant un aperçu de son âme sensible, en contraste avec son image d'autorité. Cette pièce est un incontournable pour les amateurs de street art et pour tous ceux qui apprécient le croisement entre art et fantaisie. C'est un hommage au charme décalé et à la vision créative qui font la renommée de James Jarvis, faisant de « In-Crowd : The Thin Blue Line Wiggins » une pièce exceptionnelle pour toute collection de jouets d'art ou d'œuvres d'art contemporain. ESPO - Steve Powers : Sans titre, Next Door, sérigraphie HPM, 2006, signée et numérotée « Sans titre (Voisin…) » de Steve Powers est une œuvre d'art contemporain exemplaire, mêlant la spontanéité du street art à la sophistication d'une œuvre de galerie. Cette sérigraphie sur papier, mesurant 40,6 x 50,8 cm, fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection. L'une des particularités de cette œuvre réside dans les éléments uniques dessinés à la main par Powers sur chaque tirage, faisant de chaque exemplaire un trésor unique. L'œuvre est imprégnée de l'humour et du langage visuel caractéristiques de Powers, avec des graphismes audacieux et un jeu de mots qui tissent un récit complexe. Publiée à l'occasion de la célèbre exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » , qui s'est tenue de 2004 à 2009, cette sérigraphie capture l'essence d'un mouvement qui a brouillé les frontières entre art underground et art mainstream. Les éléments variés, de la pièce de puzzle « Inadapté » à la silhouette mélancolique coiffée d'un haut-de-forme, abordent les thèmes de l'identité, des pressions sociales et de la quête existentielle de sens. Issue d'Iconoclast Editions et des archives Beautiful Losers, « Sans titre (À côté...) » de Powers n'est pas une simple œuvre d'art imprimée ; c'est un dialogue avec le spectateur, un commentaire satirique sur la condition humaine et le reflet de la voix singulière de Steve Powers (alias ESPO) dans le monde de l'art. Cette œuvre enrichira toute collection et suscitera la conversation grâce à son imagerie vibrante et au talent narratif unique de l'artiste. ESPO - Steve Powers : Panneaux pratiques pour les personnes que vous connaissez à New York - Impression HPM personnalisée 2006 Steve Powers, alias ESPO, donne vie à l'essence même de la communication urbaine avec son œuvre « Handy Signs for People You Know in New York City » (2006). Cette collection d'autocollants découpés est bien plus qu'un simple objet décoratif : c'est une forme d'expression, incarnant le pouls des rues de New York. Chaque autocollant, une explosion de couleurs et de symboles, mesure 30,8 x 26 cm et est conçu pour capter l'attention et susciter la réflexion. L'œuvre catégorise astucieusement les différents archétypes que l'on peut croiser dans la métropole trépidante : les « CONFUSEURS » (main pointée en bleu), les « ABUSEURS » (pouce baissé en rouge), les « UTILISATEURS » (index pointé en vert) et les « PRODUCTEURS » (poignée de main en noir). Le jaune vif du fond agit comme un mégaphone visuel, amplifiant le message de chaque signe. L'œuvre de Powers est un commentaire sur la dynamique sociale de la vie urbaine, chaque signe étant une représentation concise des interactions complexes qui définissent l'expérience citadine. Présentés sous forme de planche d'autocollants découpés à l'emporte-pièce, imprimés sur papier mat haute pression (HPM), ces autocollants sont conçus pour adhérer à toutes les surfaces, transformant les objets du quotidien en supports d'échange social. « Handy Signs for People You Know in New York City » est une œuvre d'art interactive et un artefact culturel qui reflète le regard aiguisé de l'artiste sur les personnages qui composent le tissu social de la ville. Pour les collectionneurs et les admirateurs du travail de Steve Powers, cette planche d'autocollants offre un mélange unique de graphisme, d'art urbain et de commentaire ironique — autant de caractéristiques du style si particulier de Powers. Jo Jackson : Sérigraphie sans titre, 2004, signée et numérotée, accompagnée d'un livre d'artiste intitulé « States ». « Sans titre » de Jo Jackson (2004) est une sérigraphie sereine qui capture l'essence minimaliste des formes naturelles par la couleur et la forme. Mesurant 40,6 x 50,8 cm, cette œuvre fait partie d'une série en édition limitée, chaque exemplaire étant signé et numéroté par l'artiste, ce qui souligne son exclusivité et sa valeur de collection. « States » est un fanzine à feuillets articulés en édition limitée à 100 exemplaires. L'estampe présente un pic glacé et austère se détachant sur un superbe fond bleu, évoquant un sentiment de calme et de contemplation. Le sommet de la montagne est orné d'un flocon de neige unique et détaillé, suggérant la pureté et l'unicité des créations de la nature. En dessous, un champ de points blancs danse sur la base, rappelant une douce chute de neige ou un ciel étoilé. Publiée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine » (2004-2009), l'œuvre de Jackson reflète la dimension introspective et souvent méditative que peut susciter l'art contemporain. Cette exposition marquante a mis en lumière des artistes puisant leur inspiration dans la culture urbaine, le graffiti, le skateboard et d'autres formes d'art underground. Issue des archives de « Beautiful Losers », cette pièce représente un moment charnière de l'art contemporain où simplicité et symbolisme se rejoignent. Pour les collectionneurs comme pour les amateurs, « Sans titre » de Jackson est bien plus qu'une simple estampe : c'est une œuvre d'une beauté sereine, offrant un instant de réflexion au cœur du tumulte quotidien. Elle témoigne du talent de l'artiste pour condenser des émotions complexes en une image unique et poignante. Thomas Campbell : Peuple de la Pangée, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « People Of Pangea Unite » de Thomas Campbell est une sérigraphie sur papier saisissante qui offre une perspective à la fois poétique et profonde sur l'unité et le monde naturel. Cette œuvre de 2005 fait partie d'une série limitée, signée et numérotée individuellement par l'artiste, faisant de chaque exemplaire une pièce de collection. L'œuvre représente un paysage surréaliste où des figures humaines se fondent dans le tronc d'un arbre, créant une métaphore visuelle de l'interconnexion. Au-dessus, une bulle de dialogue se déploie avec le texte : « WHAT EXACTLY ARE CONSERVATIVES CONSERVING », une question provocatrice invitant les spectateurs à s'interroger sur la responsabilité politique et environnementale. Des touches de couleurs vives ponctuent une palette majoritairement composée de tons terreux, attirant le regard sur cette composition ludique. Publiée pour l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui s'est tenue de 2004 à 2009, l'estampe de Campbell incarne la célébration, par l'exposition, des formes d'art subculturelles et de leur influence sur l'art contemporain. Cet événement culturel majeur a fait entrer l'esprit du skateboard, du graffiti et du street art dans l'espace de la galerie. « People Of Pangea Unite » témoigne de la capacité unique de Campbell à mêler le fantastique à la critique, offrant une œuvre à la fois esthétiquement plaisante et intellectuellement stimulante. Pour les collectionneurs, cette estampe est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un sujet de conversation qui capture un moment charnière de l'histoire de l'art contemporain, caractérisé par son audace et sa capacité à remettre en question l'ordre établi. Thomas Campbell : Portefeuille personnalisé en édition limitée Paul Frank, fait main, édition limitée 2005, T Moe Still Smoking « Still Smoking » de Thomas Campbell est un portefeuille sur mesure, réalisé à la main, une œuvre d'art fonctionnelle qui allie utilité et dynamisme de la culture urbaine. Créé en 2005, cet objet en édition limitée célèbre le style personnel et la créativité artistique. Orné d'une myriade d'illustrations fantaisistes, signature de l'esthétique de Campbell, le portefeuille arbore un fond bleu clair rehaussé d'images vives et contrastées. Des nuages ​​représentés avec légèreté aux structures stylisées et aux figures oniriques, chaque élément est rendu avec joie et une audace graphique affirmée. Ce portefeuille a été lancé dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui s'est tenue de 2004 à 2009. Cet événement international a marqué un tournant en mettant en lumière la convergence du skateboard, du graffiti et du street art sur la scène artistique contemporaine. Le portefeuille « Still Smoking » de Campbell n'est pas un simple accessoire, mais une pièce de collection qui capture l'essence d'une époque où l'art ne se limitait pas aux galeries, mais se portait sur soi, faisant partie intégrante du quotidien. C'est un hommage à l'esprit des « Beautiful Losers » et un incontournable pour les collectionneurs qui apprécient le mariage de l'art et de la vie de tous les jours. Andy Jenkins : Untitled Hang Unique HPM Print 2005 Signé/Daté Cette œuvre saisissante d'Andy Jenkins fait partie d'une collection unique de 100 tirages jet d'encre, mesurant chacun environ 28 x 23 cm. Sans titre, elle est une véritable symphonie d'éléments visuels, mêlant typographie, graphisme et illustrations dessinées à la main pour créer un récit complexe. Le mot « HANG » y est affiché en lettres surdimensionnées et décalées qui dominent l'espace visuel, sur un fond mêlant avec subtilité des éléments de calendrier et d'écriture manuscrite, évoquant le passage du temps et la fugacité des instants. Une fusée esquissée, placée à côté du texte, ajoute une touche de dynamisme et d'exploration, enrichissant ainsi le récit. Chaque tirage de cette édition limitée est signé et daté individuellement par Jenkins, garantissant son authenticité et reliant directement le collectionneur au parcours créatif de l'artiste. Cette œuvre n'est pas seulement une déclaration visuelle, mais aussi un témoignage de l'approche multidisciplinaire de Jenkins, où texte et image s'entremêlent pour interpeller et questionner le spectateur. Andy Jenkins : Cercle sans titre HPM Estampe unique 2005 Signée/Datée L'estampe « Circle Untitled HPM Print » d'Andy Jenkins (2005) est un exemple remarquable d'estampe contemporaine, alliant la simplicité des formes géométriques à la complexité de l'expression individuelle. Cette œuvre, l'une des cent estampes jet d'encre uniques, mesurant chacune environ 28 x 23 cm, témoigne de la maîtrise de Jenkins en matière de forme, de couleur et de composition. Deux cercles noirs imposants dominent l'espace visuel, formant une étude de symétrie et d'équilibre parfaits. Autour de ces figures centrales se dessinent des notes et des gribouillis manuscrits, certains nets, d'autres flous, suggérant le processus créatif de l'artiste ou peut-être des pensées volontairement énigmatiques. L'estampe se détache sur un fond blanc immaculé, qui non seulement accentue l'éclat des cercles noirs et les touches de rouge à l'intérieur de l'un d'eux, mais met également en valeur le texte et le trait subtils, invitant le spectateur à s'approcher. Chaque estampe de cette série est signée et datée par Jenkins, attestant d'une touche personnelle et d'une authenticité souvent recherchées par les collectionneurs et les amateurs d'art. Le tirage limité de ces estampes confère à chacune un caractère unique, tant par sa place au sein de la série que par les légères variations inhérentes à l'impression jet d'encre. « Circle Untitled HPM Print » de Jenkins offre une expérience à la fois visuelle et tactile, le choix du papier et de la technique d'impression contribuant à la présence singulière de l'œuvre. Elle témoigne de la capacité de Jenkins à insuffler profondeur et narration à une esthétique minimaliste, invitant le spectateur à un dialogue silencieux, introspectif et universel. Avec ses lignes épurées et ses détails intrigants, cette pièce est un ajout précieux à toute collection appréciant la rencontre entre design moderne et expression personnelle dans l'art de l'estampe. Andy « Mel Bend » Jenkins : Scribble Scrabble, sérigraphie, 2005, signée et numérotée « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est une œuvre fascinante, réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier. Son audace graphique et son jeu subtil avec la typographie captivent le regard. Mesurant 51 x 41 cm, cette pièce fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, numérotés et signés par Jenkins, ce qui garantit son caractère unique et son statut de pièce de collection. La composition met en scène un poing levé, entrelacé de lignes fluides évoquant des rubans, sur un fond de gris doux. Le titre « Scribble Scrabble » y est inscrit en noir et rouge éclatants. La sensibilité graphique de Jenkins, forgée au fil des années en tant que figure incontournable de la culture skateboard, s'y déploie pleinement, fusionnant les codes du street art et une sensibilité artistique raffinée. Présentée lors de l'exposition fondatrice « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture » (2004-2009), « Scribble Scrabble » témoigne de l'intégration de l'esthétique du skateboard dans les espaces d'exposition. Jenkins, artiste aux multiples talents reconnu pour son travail de dessinateur de BD, d'illustrateur et de directeur artistique, a cofondé le magazine Dirt avec Spike Jonze et Mark Lewman au début des années 1990, renforçant ainsi son influence au sein de la culture underground. « Scribble Scrabble » d'Andy Jenkins est bien plus qu'une simple estampe ; elle témoigne d'une force créative qui a façonné le langage visuel de la culture du skateboard. Elle occupe une place de choix dans les archives de Beautiful Losers, représentant une époque où les frontières entre culture underground et culture savante étaient floues et harmonieusement entremêlées. Terry Richardson : Lunettes Smilen Broadway, objet d'art, 2004 Cette fascinante œuvre d'art de Terry Richardson, intitulée « Lunettes Smilen Broadway », témoigne de la fusion entre design fonctionnel et expression artistique. Présentée comme une œuvre d'art depuis 2004, cette paire de lunettes noires illustre le style visuel distinctif de Richardson, reconnu pour son audace et sa franchise. Mesurant environ 7,5 x 20 x 7,5 cm, les lunettes incarnent un style affirmé malgré leur format compact. Elles se détachent sur un fond où l'on peut lire « BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR », suggérant un thème où le consumérisme s'entremêle à l'identité personnelle. Les verres en acrylique transparent sont sertis dans une monture noire classique, un choix de couleur au charme intemporel. Ces lunettes ne sont pas de simples accessoires ; ce sont des pièces fortes qui reflètent la personnalité de celui ou celle qui les porte et le regard unique de l'artiste sur les objets du quotidien. Confectionnées avec un souci du détail méticuleux, elles portent les spécifications « STYLE STEVEN COLOR BLACK SIZE 56-16 TEMPLE 145 », attestant de leur caractère unique. Cette œuvre brouille les frontières entre objets utilitaires et pièces de collection, remettant en question les limites de la conception traditionnelle de l'art. L'œuvre de Richardson invite ici le spectateur à contempler le point de rencontre entre culture visuelle, mode et expression personnelle, ce qui en fait un ajout précieux à toute collection valorisant l'intégration novatrice de l'art dans le quotidien. Ari Marcopoulos : Justin, sérigraphie 2004, signée et numérotée « Justin », une sérigraphie d'Ari Marcopoulos réalisée en 2004 sur papier d'archivage sans acide (50,8 x 40,6 cm), capture un instant de l'art du portrait contemporain. Cette œuvre fait partie d'une série limitée et très recherchée, à seulement 200 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par Marcopoulos, garantissant son exclusivité et son statut de pièce de collection. Sur un fond rose vif, le portrait de « Justin » est une étude fascinante du caractère et de la forme. Le contraste saisissant entre le fond éclatant et le sujet monochrome confère à la figure une profondeur et une introspection remarquables. L'expression neutre du sujet est rendue avec une esthétique minimaliste, capturant un regard à la fois serein et pénétrant qui semble scruter l'horizon. Cette œuvre a été publiée à l'occasion de l'exposition « Beautiful Losers », une célébration de l'art qui brouille les frontières entre culture urbaine et art contemporain. Elle reflète l'esprit du mouvement, offrant un instantané brut et authentique de la jeunesse et des contre-cultures. « Justin » n'est pas qu'un simple portrait ; c'est une œuvre marquante, qui interpelle le collectionneur sensible à la convergence de cet art avec l'esprit de son époque. Pièce intemporelle, elle enrichit toute collection d'une beauté esthétique et d'une portée culturelle indéniables. Ari Marcopoulos : « Je pourrais me tromper », livre d'art de l'artiste, 2005 Cette image saisissante est extraite du livre d'art d'Ari Marcopoulos, « I Might Be Wrong », paru en 2005 sous forme de fanzine à tirage limité numéroté de 100 exemplaires. Cette œuvre captivante témoigne du talent de Marcopoulos pour saisir l'essence brute et authentique de la culture urbaine. La photographie, imprimée en offset pour une précision et une netteté exceptionnelles, mesure 20,32 x 12,7 cm, une taille qui invite à une observation attentive et à une interaction personnelle avec le spectateur. Dans ce portrait monochrome, une silhouette se tient devant un mur de briques patiné, son identité dissimulée derrière ce qui semble être un ghetto-blaster doté d'yeux, évoquant un sentiment d'anonymat urbain et de subterfuge artistique. Le ghetto-blaster est un symbole poignant de la musique et des scènes de rue des décennies passées, suggérant un récit qui entremêle expression personnelle et artefacts culturels. Le fond est recouvert d'affiches, dont une annonce pour la galerie Alleged, contextualisant et ancrant l'image dans un milieu culturel précis. Cette édition numérotée, limitée à 100 exemplaires, est un objet de collection offrant un aperçu intime de la vision de l'artiste sur la vie urbaine et l'art. Marcopoulos est reconnu pour son style documentaire qui explore souvent les marges de la culture dominante, et cette image témoigne de sa capacité à révéler la beauté et le sens du quotidien. Les collectionneurs et les amateurs de photographie contemporaine et de street art reconnaîtront la valeur de ce livre d'art comme une référence incontournable du récit dynamique et en constante évolution de la culture urbaine. Todd James : Vivant de plaisir, sérigraphie 2005, signée et numérotée Découvrez « Alive With Pleasure » ​​de Todd James, une remarquable sérigraphie sur papier de 2005, vibrante de l'énergie iconique et du style inimitable de l'artiste. Cette œuvre, mesurant 18 x 13 cm, fait partie d'une édition numérotée exclusive de 100 exemplaires, ce qui en fait une pièce de collection rare pour les amateurs d'art contemporain. Dans cette œuvre, James poursuit son exploration des thèmes de la joie et de l'exubérance qui imprègnent une grande partie de son travail. La composition met en scène deux figures rendues dans une teinte rose monochrome à la fois saisissante et ludique. Au premier plan, un personnage tient une cigarette ; son expression de bonheur pur, les yeux clos et un large sourire éclatant traduisent un sentiment de contentement et de ravissement. Derrière elle, une seconde figure, partiellement dissimulée, fait écho à ce sentiment, une main sur la bouche fumant, suggérant un rire ou un secret partagé. Le trait de James dans « Alive With Pleasure » ​​est fluide et assuré, avec une exagération presque caricaturale immédiatement reconnaissable comme sa signature. Les personnages sont ornés de détails, comme le motif arc-en-ciel sur la chemise du personnage central, qui ajoute une dimension visuelle intéressante et pourrait être interprété comme un clin d'œil aux thèmes de la diversité et de l'inclusion. Cette sérigraphie n'est pas qu'une simple œuvre d'art ; c'est un instantané de bonheur, une représentation des plaisirs simples de la vie et une célébration des moments qui nous font vibrer. Elle témoigne du talent de Todd James pour capturer l'esprit du pop art urbain et le présenter dans un format qui touche le spectateur au plus profond de lui-même. Pour les collectionneurs et les admirateurs de l'œuvre de Todd James, « Alive With Pleasure » ​​est plus qu'une œuvre d'art : c'est une véritable bouffée de joie et une représentation fidèle de l'attrait intemporel de l'artiste. Todd James : Sérigraphie BullieJames 2005 Signée/Numérotée « Bullies », une sérigraphie sur papier réalisée en 2005 par l'artiste renommé Todd James, alias REAS, est un vibrant témoignage de son style unique, profondément ancré dans la culture urbaine et l'esthétique du mouvement. Mesurant 51 x 41 cm, cette œuvre fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté par l'artiste, garantissant son caractère unique et sa valeur de collection. L'œuvre met en scène quatre personnages aux allures de dessins animés, aux expressions et gestes exagérés qui suggèrent le mouvement et l'interaction. Avec son teint vert et son poing levé, la figure dominante symbolise l'archétype du « tyran », un thème récurrent dans l'œuvre de REAS, qui explore souvent les dynamiques de pouvoir et les rôles sociaux à travers un regard à la fois ludique et critique. Réalisée en parallèle de l'exposition « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », « Bullies » incarne l'énergie et l'esprit du mouvement de la culture urbaine. L'utilisation de couleurs primaires vives et de lignes fluides est caractéristique de la démarche de Todd James, qui mêle des éléments du graffiti à une sensibilité artistique raffinée. Cette œuvre est un régal pour les yeux et contribue de manière significative au dialogue entre le street art et l'art contemporain. Elle fait écho à l'esprit rebelle des scènes underground dont Todd James est issu, tout en reflétant les enjeux de confrontation et de résilience qui caractérisent notre société. « Bullies » illustre parfaitement l'influence de Todd James sur l'évolution du graffiti et du pop art urbain, ce qui en fait une pièce recherchée par les collectionneurs et les amateurs. Elle incarne la fusion entre la débrouillardise urbaine et la finesse esthétique, une signature du parcours artistique de James et un ajout coloré à toute collection. Wes Humpston : Sérigraphie Bulldog Skates 2004 Signée/Numérotée Avec son mélange saisissant d'images audacieuses et de couleurs vibrantes, l'œuvre « Bulldog Skates » de Wes Humpston est une pièce marquante qui capture l'essence même de la culture skateboard. Créée en 2004, cette œuvre est réalisée en sérigraphie et au graphite sur papier et mesure 51 x 41 cm. Elle fait partie d'une édition spéciale limitée à 200 exemplaires, chacun numéroté et signé personnellement par l'artiste, établissant ainsi un lien direct entre Humpston et le collectionneur. Cette œuvre a été dévoilée lors de l'exposition acclamée par la critique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la richesse du langage visuel de la culture urbaine et son influence sur l'art contemporain. « Bulldog Skates » est emblématique du style distinctif de Humpston, intégrant des éléments de pop art urbain et de graffiti. L'image centrale – un bouledogue aux yeux flamboyants, enchâssé dans des flammes vertes éclatantes – est bien plus qu'un logo : c'est une icône représentant l'esprit rebelle et la passion ardente des skateurs. Le texte vertical qui borde la figure centrale, évoquant les tags de graffiti, porte le nom « Bulldog Skates », renforçant l'identité de la marque et ses racines dans l'énergie brute et authentique du street art. L'œuvre d'Humpston témoigne de l'authenticité et de la liberté créative qui caractérisent la scène du skate de rue, et trouve un écho auprès des passionnés comme des collectionneurs d'art. « Bulldog Skates » est plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit d'une époque et d'une communauté qui s'épanouit en marge des normes sociales. Glen E Friedman : Mes règles, sérigraphie, 2004, signée et numérotée Cette sérigraphie dynamique, « My Rules », de l'artiste renommé Glen E. Friedman, a été réalisée en 2004. Cette œuvre, une représentation audacieuse de l'influence de la culture urbaine sur les arts visuels, mesure 50,8 x 40,6 cm et fait partie d'une édition limitée à seulement 200 exemplaires dans le monde. Chaque pièce est signée et numérotée individuellement par Friedman, ce qui confère une authentification personnelle à cette pièce de collection. Conçue avec la précision et la vivacité caractéristiques de la sérigraphie, « My Rules » se présente comme un manifeste visuel de l'esprit punk et du skateboard. L'œuvre a été dévoilée dans le cadre de l'exposition emblématique « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », qui célébrait la rencontre entre le street art et l'espace des galeries d'art. « My Rules » est un emblème de la carrière prolifique de l'artiste, qui documente l'esprit rebelle des sous-cultures de la jeunesse. La sérigraphie est un montage de portraits dynamiques et de séquences en mouvement, centré sur une figure imposante qui exprime le message du titre. La typographie vert citron électrique tranche avec le fond monochrome, affirmant le caractère rebelle de l'œuvre. Plus qu'une simple œuvre d'art, cette pièce est un témoignage historique qui capte l'essence d'un mouvement. Elle incarne la voix d'une génération qui a défié les normes et vécu selon ses propres règles. Acquérir une œuvre de cette édition, c'est investir dans l'art, c'est reconnaître une période charnière de l'art contemporain, où la rue et l'atelier se sont rencontrés, et où Glen E. Friedman a su immortaliser ces instants. Chris Johanson : Sans titre Pourquoi sont-ils si frénétiques ? Sérigraphie 2004 Signée/Numérotée « Sans titre : Pourquoi sont-ils si frénétiques ? » de Chris Johanson est une sérigraphie saisissante qui, par son association de texte et d'images, est d'une grande force expressive. Créée en 2004, cette œuvre est imprimée avec une grande précision sur un papier d'archivage sans acide, au format 50,8 x 40,6 cm. Elle fait partie d'une édition limitée à 200 exemplaires, chacun signé et numéroté à la main par Johanson. Cette œuvre a été conçue pour l'exposition novatrice « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui célébrait les mouvements influents du skate, du graffiti et du street art entre 2004 et 2009. L'œuvre met en scène une figure extraterrestre aux contours minimalistes, porteuse d'un message invitant le spectateur à réfléchir aux phénomènes d'hystérie et de vulnérabilité au sein de la société. Le fond vert vif et audacieux accentue l'urgence et la dimension introspective du texte. L'œuvre de Johanson a voyagé à travers différents lieux dans le cadre de l'exposition « Beautiful Losers ». Elle a ensuite été présentée lors des expositions « Transfer » au Brésil, à la Santander Cultural de Porto Alegre et au Pavillon culturel brésilien du parc Ibirapuera à São Paulo. Son influence et sa portée sont documentées dans les bibliographies « Beautiful Losers » et « Transfer ». Issue des archives de Beautiful Losers, cette œuvre est un témoignage visuel et un instantané historique, incarnant l'esprit d'un mouvement qui brouille les frontières entre galerie et rue. Elle offre aux collectionneurs et aux amateurs une occasion unique d'appréhender une période charnière de l'art contemporain à travers le regard introspectif de Johanson. Chris Johanson : Ensemble de badges numérotés « Love Not War » 2004 « Love Not War » de Chris Johanson est une collection de badges de 10 x 17,78 centimètres qui invite à la réflexion. Présentée en édition limitée à 100 exemplaires, cette série témoigne de l'engagement de Johanson envers les thèmes socio-politiques contemporains, véhiculés par les messages brefs et percutants de chaque badge. Sur un fond jaune éclatant, rehaussé d'un badge vert, ces badges sont de véritables œuvres d'art à porter, incitant à la réflexion et au dialogue. Ils reflètent l'engagement de l'artiste pour la paix, son soutien à l'entrepreneuriat local et sa critique de la société de consommation et de la guerre. Chaque badge est un point de départ pour la conversation, qu'il s'agisse de la défense des droits humains dans le commerce international ou de la promotion de la sérénité intérieure et de l'amour. Cette collection numérotée est à la fois une œuvre d'art et un commentaire historique, capturant l'essence du militantisme et de l'expression personnelle dans de véritables manifestes miniatures. Avec son art, Johanson transforme le port d'un badge en une affirmation de ses convictions et un appel à la prise de conscience sociale. Mark Gonzales et Harmony Korine : « Adulthood », fanzine d'art d'artiste, 1995 « Adulthood » est un fanzine artistique collaboratif poignant, paru en 1995 et réalisé par Mark Gonzales et Harmony Korine, artistes reconnus pour leur influence respective dans les milieux du skateboard et du cinéma. Ce fanzine est un manifeste tangible de la subculture de l'époque, rendu par la photocopie qui lui confère une esthétique brute et authentique. Mesurant environ 20,32 x 12,7 cm, il témoigne de l'esprit DIY qui imprégnait les scènes artistiques underground de l'époque. La couverture présente une image granuleuse et contrastée de quatre jeunes hommes, évoquant le style des portraits du début du XXe siècle tout en exprimant l'attitude rebelle des années 90. Sous l'image, les noms « Mark Gonzales » et « Harmony Korine » affirment avec force cette collaboration, unissant deux forces créatives distinctes autour d'une vision commune. Le titre « ADULTHOOD » s'affiche en lettres dactylographiées, contrastant avec la date « Premier mars 1995 », ancrant l'œuvre dans un moment précis de la création culturelle. Limitée à 100 exemplaires, cette édition est autant un objet de collection qu'un témoignage de l'histoire culturelle, capturant l'esprit d'une génération à l'aube de l'âge adulte, profondément ancrée dans la culture jeune et subversive de l'époque. Chaque fanzine offre un instantané de cette période, un artefact tangible qui incarne l'esprit de collaboration et de créativité qui a fait la renommée de Gonzales et Korine. Cet ouvrage est un incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de la culture skate des années 90, du cinéma indépendant et de l'énergie brute de l'art urbain. Mark Gonzales : Désodorisant Krooked en édition limitée, objet d'art, 2004 Incarnant l'esthétique de la culture skate, Mark Gonzales présente le désodorisant Krooked en édition limitée, un objet d'art vibrant qui allie fonctionnalité et esprit street art. Lancés en 2004 dans le cadre du portfolio Beautiful Losers, ces désodorisants transcendent leur simple usage pratique pour devenir de véritables pièces de collection, reflets de la vision artistique de Gonzales. Chaque désodorisant arbore le caractère ludique et irrévérencieux de la marque de skate Krooked, rendu par des contours graphiques audacieux. Disponible en deux modèles, le premier se pare d'une riche teinte violette, reprenant le motif des yeux Krooked. Le second, à l'opposé, met en avant le caractère emblématique de la marque dans un blanc éclatant sur un fond bleu intense. Ces objets d'art ont été conçus pour l'exposition phare « Beautiful Losers : Art contemporain et culture urbaine », qui a célébré l'esprit DIY (Do It Yourself) dans l'art de 2004 à 2009. La collection puise son inspiration au cœur de la culture urbaine, insufflant aux objets du quotidien une dimension artistique et une rébellion contre les normes établies. Issus d'Iconoclast Editions et de la prestigieuse collection Beautiful Losers Archive, les désodorisants Krooked occupent une place à part dans l'histoire de l'art contemporain. Ils témoignent de l'influence de GGonzales sur les communautés artistiques et de skateboard, et symbolisent la diffusion de l'art underground dans le quotidien à cette époque. Ces pièces en édition limitée sont très recherchées par les collectionneurs et les passionnés, et représentent un moment où la culture urbaine a affirmé avec audace sa place dans le monde de l'art contemporain. Phil Frost : Marqueur rechargeable pour affiche ultra-large personnalisée 2004 Phil Frost présente une fusion unique d'utilité et d'art avec ses marqueurs Superwide et Poster Marker, créés en 2004. Ces marqueurs en plastique rechargeables et personnalisés sont bien plus que de simples outils : ce sont de véritables œuvres d'art, mesurant environ 5 x 12,5 cm, et disponibles en édition limitée à 100 exemplaires chacun. Les marqueurs sont ornés des motifs tribaux distinctifs de Frost, en noir sur un fond orange vif. Ce design est immédiatement reconnaissable pour les connaisseurs de l'œuvre de Frost, réputée pour ses motifs complexes et sa maîtrise du langage visuel primitif et pourtant contemporain. Provenant d'Iconoclast Editions et faisant partie des archives « Beautiful Losers », ces marqueurs incarnent l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture ». Ce projet célébrait la culture DIY et le street art qui ont influencé toute une génération d'artistes. Pour MMills, ces marqueurs constituent un témoignage tangible de l'exposition, incarnant l'essence même de l'influence de la culture urbaine sur l'art contemporain. Ils illustrent une vision où l'objet du quotidien se mue en support, fusionnant forme et fonction dans la fluidité propre au street art. Ces marqueurs sont à la fois des objets fonctionnels et des pièces de collection, qui permettent aux créatifs et aux amateurs d'art de s'approprier le style unique de l'artiste. Mike Mills : L'architecture de la réassurance, mini-livre de 1999 « The Architecture of Reassurance » de Mike Mills est un livre d'artiste captivant, relié, qui prolonge visuellement son court-métrage. Publié en 1999, ce livre de première édition, au format 17,8 x 10,8 cm, est une pièce de collection rare provenant directement des archives de Beautiful Losers. Il offre une riche collection de photographies et d'images extraites du film, qui capturent l'essence du parcours d'une jeune femme à travers les paysages suburbains de Los Angeles. Ces images s'entremêlent pour créer un récit explorant les thèmes de l'isolement urbain, de la quête d'identité et de l'uniformité rassurante, quoique parfois stérile, de l'architecture résidentielle. Le travail de Mills est reconnu pour sa capacité à distiller des observations socioculturelles profondes en visuels minimalistes. « The Architecture of Reassurance » ne fait pas exception, proposant une réflexion pertinente sur nos environnements et leur influence sur nos expériences et nos perceptions. Cette publication intimiste est à la fois un livre et une galerie portable témoignant du talent cinématographique et photographique de MMills. Pour les admirateurs de l'œuvre de MMills et ceux qui s'intéressent aux interactions entre le cinéma, la photographie et la théorie urbaine, cet artiste est un ajout inestimable à leur collection, offrant une pièce tangible de l'esprit de la fin du XXe siècle. Clare Rojas : Peggy Honeywell Faint Humms, édition limitée CD 2004 Cet objet d'art est un CD en édition limitée intitulé « Peggy Honeywell "Faint Humms" », de Clare E. Rojas, une artiste dont le travail explore divers médiums et aborde souvent les thèmes de l'identité et du folklore. Sorti en parallèle de l'exposition marquante « Beautiful Losers : Contemporary Art and Street Culture », ce CD est à la fois un support pour l'art sonore de Rojas et un objet de collection illustrant la rencontre entre musique et arts visuels au sein de la culture urbaine. Le CD est présenté dans un boîtier orange vif, qui souligne l'utilisation audacieuse de la couleur par Rojas dans ses œuvres visuelles. Le boîtier est enveloppé d'une doublure en mousse, assurant la protection du disque et faisant écho au soin généralement apporté à la conservation des objets d'art. Le disque, dont la surface réfléchissante crée un spectre de couleurs, rappelle le style caractéristique de Rojas, qui emploie souvent des teintes vibrantes et contrastées. Cette œuvre offre un lien concret avec l'esprit de l'exposition « Beautiful Losers », qui célébrait la diversité des formes d'art issues de la culture urbaine et leur influence sur l'art contemporain. En édition limitée, ce CD est un instantané d'un moment particulier de l'histoire de l'art, incarnant l'esprit créatif d'une époque où les frontières entre les différentes disciplines artistiques s'estompaient pour donner naissance à de nouvelles formes d'expression. Les collectionneurs et les amateurs de l'œuvre de Clare E. Rojas, ainsi que tous ceux qui apprécient l'héritage de la culture urbaine dans l'art, trouveront dans ce CD un ajout précieux à leur collection. Ryan McGinness : Pack d'autocollants personnalisés 2005, signé et numéroté Cette œuvre d'art est un coffret d'autocollants « Multiverse » personnalisé de Ryan McGinness, artiste renommé pour ses représentations graphiques et ses formes organiques. Sorti en 2005, ce coffret fait partie d'une édition spéciale limitée à 100 exemplaires, chacun méticuleusement signé et numéroté par McGinness, indiquant son numéro sur 100. Ses dimensions (12,7 x 12,7 cm) en font un format compact qui incarne l'essence même de la philosophie créative de McGinness. Présenté dans un élégant étui argenté aux reflets métalliques, le coffret dégage une impression d'exclusivité et de modernité. La signature de l'artiste, apposée sur le côté gauche de l'enveloppe, certifie l'originalité de l'œuvre. L'emblème iconique de la couronne, logo de Ryan McGinness Studios, situé à droite, est quant à lui un gage de qualité et d'authenticité. À l'intérieur, le coffret renferme une multitude d'autocollants, autant de fragments du multivers vibrant de McGinness. Bien plus que de simples ornements, ils constituent un véritable témoignage de son savoir-faire. Ce sont des œuvres d'art adhésives, permettant à celui ou celle qui les porte d'emporter avec lui un fragment de l'esthétique McGinness. Ces autocollants constituent une galerie portable, une démocratisation de l'art au cœur de la philosophie de McGinness. Ce pack d'autocollants Multiverse est un objet de collection qui brouille les frontières entre l'art savant et la forme d'art accessible que représentent les autocollants. Pour les admirateurs du travail de Ryan McGinness, ce pack est une occasion unique de posséder un morceau d'histoire de l'art interactif, ludique et profondément ancré dans le langage visuel de la culture contemporaine.

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