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MSK Taft Building 08 Édition limitée, sérigraphie HPM 2 couleurs rehaussée à la main sur papier vélin par Saber Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2008. Sérigraphie en couleurs avec embellissements à la main sur papier vélin, signée et numérotée. Saber MSK Taft Building 08, 2008. 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 200 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Poster Child Prints, Los Angeles. Bâtiment MSK Taft 08 par Saber : Un monument d’excellence en matière de graffiti « MSK Taft Building 08 » de Saber est une œuvre majeure, un monument au mouvement graffiti et à son empreinte indélébile sur le paysage urbain. Tirage sérigraphique bicolore sur papier tissé, rehaussé à la main et datant de 2008, cette pièce fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires. Chaque estampe est méticuleusement signée, numérotée et datée par l'artiste, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. Publiée par Poster Child Prints à Los Angeles, cette œuvre de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) capture l'esprit audacieux et rebelle qui caractérise Saber et son crew MSK, également connu sous le nom de Mad Society Kings. Né en 1976, Saber est une figure incontournable de l'évolution du street art et du graffiti, repoussant sans cesse les limites de la peinture aérosol. Ses œuvres se distinguent par une maîtrise des formes, une palette vibrante et une approche novatrice des textures et des superpositions. « MSK Taft Building 08 » est une puissante représentation du style de Saber, illustrant la capacité de l'artiste à transformer un support d'impression traditionnel en un reflet dynamique de la culture du street art. Importance culturelle et impact de l'œuvre de Saber L'importance culturelle et l'impact de l'œuvre de Saber sont indéniables. Sa contribution à la scène du graffiti a permis d'élever le genre à de nouveaux sommets, lui valant le respect et l'admiration du monde de l'art et du public. L'estampe « MSK Taft Building 08 » incarne l'essence même du graffiti à Los Angeles à une époque où ce médium connaissait une renaissance, passant de l'illégalité à la reconnaissance grand public. Avec ses embellissements réalisés à la main, cette œuvre offre un aperçu du processus méticuleux et du souci du détail que Saber déploie dans son art. Les finitions manuelles de chaque estampe garantissent que chaque pièce est unique, conférant à chacune son identité propre. Cette pratique d'embellissement à la main rappelle la touche du graffeur sur les murs de la ville, où chaque coup de spray, chaque ligne, chaque marque témoigne de sa présence et de son interaction avec le support. En somme, « MSK Taft Building 08 » de Saber est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; Ce document historique capture l'esprit d'une époque particulière de l'histoire du street art à Los Angeles. Il témoigne du talent et de l'influence de Saber et du collectif MSK, qui ont marqué de leur empreinte indélébile l'évolution du graffiti et du pop art urbain. Cette œuvre est non seulement une pièce de collection précieuse, mais aussi une source d'inspiration pour les artistes en herbe et un symbole du pouvoir transformateur du street art.

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Plan du métro MTA - Vert citron et violet. Œuvre originale unique en son genre, technique mixte, peinture acrylique en aérosol sur un plan du métro new-yorkais en papier recyclé, par un artiste de rue populaire. Carte du métro new-yorkais peinte à la main, couleur vert citron et violet. Pièce unique originale. 56 x 84 cm. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Étiquette de carte du métro MTA - Œuvre d'art originale unique en son genre, dessinée au marqueur sur une carte du métro MTA par l'artiste populaire de la culture pop et du street art Stay High 149 - Wayne Roberts. Peinture/dessin original encadré et signé, datant de 2011, représentant un plan du métro new-yorkais (MTA). Dimensions : 22,75 x 32,25 pouces.

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Panneau de signalisation du métro MTA - Œuvre d'art en techniques mixtes sur panneau de signalisation MTA, réalisée par l'artiste de culture pop urbaine Cope2. Authentique panneau de métro MTA d'origine : il s'agit d'un panneau métallique de 35,5 x 130 cm (14 x 51 pouces) peint à la bombe par cope2. Né en 1968 à New York sous le nom de Fernando Carlo Jr., Cope 2 a exposé ses œuvres lors d'expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger. Artiste autodidacte et figure légendaire du graffiti, il contribue depuis plus de 30 ans à la culture urbaine. Comptant parmi les graffeurs les plus prolifiques de New York, il a commencé à taguer son nom dans le South Bronx en 1978. Il a développé son style dans le métro et les rues du Bronx, créant des œuvres de graffiti tout au long des années 1980 et 1990 et acquérant une reconnaissance internationale pour son style unique. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Muelle - Peinture aérosol en édition limitée Fluor Violet, une collaboration artistique entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Bombe de peinture et coffret en bois, édition limitée à 500 exemplaires (2022). Illustration de 3 x 8 pouces. Bombe de 400 ml. « Vers 1981, le nom de Muelle commença à apparaître sur les murs de Madrid. C'était l'œuvre de Juan Carlos Argüello, un jeune habitant du quartier de Campamento qui taguait seul au début des années 80, ignorant apparemment que cela s'appelait du graffiti. Rapidement, de nombreux autres jeunes décidèrent de l'imiter, donnant naissance à la première génération de graffeurs madrilènes. Grâce à cela et à bien d'autres qualités, Muelle devint une figure célèbre et très respectée de la Movida Madrileña, et ce jusqu'à sa mort à l'âge de 29 ans. » - Montana MTN

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« My Shadows Got My Back », œuvre originale et unique en son genre, technique mixte (peinture en aérosol et acrylique) sur toile, réalisée par Chris RWK, artiste de street art populaire. Peinture originale sur toile signée de 2022, format 24x30 pouces Enfant des années 80, Chris baignait dans un univers imprégné des images et des idées véhiculées par la télévision, les bandes dessinées, la musique et les films de l'époque. Immergé dans ces différents médias, il a commencé à consigner les images issues de ces expériences quotidiennes dans ce qu'il appelle un « journal mental ».

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Carte du métro de New York, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Cope2, artiste de rue, art pop moderne. Édition limitée à 75 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 17 x 24 pouces. « L’idée de faire imprimer une carte originale du métro new-yorkais que j’ai créée en collaboration avec 1xRun est géniale. De nombreux collectionneurs d’art pourront ainsi posséder un morceau de mon histoire new-yorkaise. Le concept même de cette carte s’accorde parfaitement avec mon parcours de légende du graffiti à New York, car c’est dans le métro que j’ai fait mes armes et que je me suis fait un nom, en taguant et en laissant mon nom sur chaque ligne et chaque réseau de la ville. » – Cope2 Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Cartes du métro de New York IV Édition limitée Peinture en aérosol Embellie à la main Impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Fine Art par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. 2019. Tirage d'art en édition limitée à 15 exemplaires, signé et numéroté. Format : 43,2 cm x 61 cm (17 x 24 pouces). « Plans du métro de New York IV », 2019. Tirage pigmentaire d'archive en couleurs avec embellissements à la main sur papier Moab Fine Art. Édition limitée à 15 exemplaires. Signée et numérotée au crayon en bas à gauche. Une déchirure de 1,25 cm (0,5 pouce) est visible sur la bordure inférieure gauche. L'intégration des récits urbains : les cartes du métro de New York de Cope2 IV « New York City Subway Maps IV » de Cope2 est une fusion dynamique entre l'énergie brute du graffiti et l'esthétique raffinée du Pop Art moderne, incarnant le pouls de la vie urbaine sur un objet tangible témoignant du quotidien new-yorkais. Cette série limitée de 2019, composée de seulement 15 exemplaires signés et numérotés, représente une contribution majeure au mouvement du Street Pop Art et du graffiti. Chaque pièce, de format 43 x 61 cm, est une impression pigmentaire d'archive rehaussée à la main sur papier Moab Fine Art, offrant un mélange unique de culture urbaine et d'art contemporain. La signature de Cope2 authentifie l'œuvre, et son numéro d'édition est inscrit au crayon en bas à gauche. L'un des exemplaires présente une petite déchirure de 1,3 cm, ajoutant à son authenticité. L'œuvre constitue une archive visuelle de l'histoire du graffiti new-yorkais, immortalisant cet art spontané, souvent éphémère, qui orne les plans du métro de la ville. Originaire du Bronx, Cope2 apporte à son travail authenticité et crédibilité, fort d'une réputation de plus de trente ans sur la scène graffiti. Son œuvre « New York City Subway Maps IV » reflète la nature complexe et stratifiée de l'art urbain, où tags et symboles s'entremêlent pour raconter l'histoire des divers habitants de la ville. À la croisée du street art et des beaux-arts chez Cope2 L'œuvre de Cope2 se situe à la croisée du street art et des beaux-arts, capturant l'essence de l'un dans la forme de l'autre. Ses pièces dépassent la simple représentation du graffiti ; elles sont le fruit de l'expérience vécue de l'artiste et de son interaction avec l'environnement urbain. Les couleurs vives et saturées, ainsi que les coups de pinceau énergiques, évoquent l'âge d'or du graffiti des années 1980 et 1990, lorsque des artistes comme Cope2 ne se contentaient pas d'embellir la ville, mais marquaient des territoires et exprimaient des identités. Le format limité de « New York City Subway Maps IV » et les embellissements réalisés à la main par Cope2 lui-même garantissent que chaque estampe est une œuvre unique, incarnant à la fois l'esprit du street art originel et la touche personnelle de l'artiste. La série encapsule la brutalité de la culture graffiti tout en la sublimant par la technique de l'estampe d'art, remettant en question les notions traditionnelles de ce qui constitue l'art et de qui est considéré comme un artiste. L'œuvre de Cope2 célèbre le langage visuel de la rue, présenté dans le contexte des beaux-arts. Elle offre un récit profondément ancré dans le tissu culturel new-yorkais, offrant un aperçu d'un mouvement qui a évolué de la marge vers le courant dominant. La série « New York City Subway Maps IV » rend non seulement hommage à l'histoire du street art, mais affirme également sa place dans la continuité de l'art contemporain. À travers son travail, Cope2 continue d'influencer et de façonner le dialogue autour du street art et du graffiti, garantissant ainsi que le dynamisme de la culture urbaine demeure un élément essentiel du discours du monde de l'art.

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Cartes du métro de New York IV PP Épreuve d'imprimerie Édition limitée Peinture en aérosol Rehaussée à la main Impressions pigmentaires HPM d'archives sur papier Moab Fine Art par Cope2 Artiste de rue graffiti Art pop moderne. Épreuve d'imprimerie PP 2019, signée et marquée PP, édition limitée, format 17 x 24 pouces. Cartes du métro de New York IV, impression pigmentaire d'archives en couleurs avec embellissements à la main sur papier Moab Fine Art. L'héritage artistique de Cope2 dans « New York City Subway Maps IV PP Printers Proof » L'œuvre « New York City Subway Maps IV PP Printers Proof » de Cope2 représente la confluence de l'authenticité urbaine et de l'innovation artistique au sein du Pop Art moderne. Cette édition limitée de 2019, signée et marquée par l'artiste, rend hommage à l'esprit brut de la culture de rue new-yorkaise. L'œuvre, mesurant 43 x 61 cm, est un tirage pigmentaire d'archive rehaussé à la main sur papier Moab Fine Art, reflétant l'essence même de la vie urbaine à travers des graffitis vibrants et des styles de tags audacieux. Figure emblématique du mouvement Graffiti Street Art, Cope2 capture dans son œuvre la vitalité visuelle et l'énergie chaotique qui ne s'arrête jamais de la ville. Son œuvre « New York City Subway Maps IV » représente le réseau de transport iconique et offre une toile de fond à l'histoire complexe du graffiti, devenu indissociable du métro new-yorkais. Les embellissements réalisés à la main témoignent de la touche personnelle de Cope2, faisant de chaque pièce un fragment unique du récit urbain de New York. Allier les techniques traditionnelles à l'esthétique urbaine L'édition Printers Proof de Cope2 brouille les frontières entre les techniques d'impression traditionnelles et l'esthétique urbaine du graffiti. Grâce à l'intégration d'embellissements manuels, chaque estampe transcende son statut de simple reproduction pour devenir une œuvre d'art à part entière. Cette série met en lumière la polyvalence de Cope2, artiste capable d'adapter l'art urbain, spontané et naturel, à l'impression. La série « New York City Subway Maps IV » est un artefact culturel qui reflète l'évolution de l'art urbain, d'un acte de rébellion à une forme d'expression artistique reconnue. L'œuvre de Cope2 a ainsi migré des surfaces éphémères des rames de métro vers la permanence du papier d'art, permettant de saisir, de préserver et d'apprécier la nature transitoire de l'art urbain au sein du vaste canon de l'art contemporain. L'édition limitée Printers Proof témoigne de l'attrait durable de l'art urbain et de son importance dans le contexte plus large de la culture populaire. Cette œuvre souligne l'importance de préserver le caractère éphémère du graffiti tout en offrant aux collectionneurs et amateurs d'art un moyen accessible d'appréhender le street art d'une manière inédite. « New York City Subway Maps IV PP Printers Proof » de Cope2 est un vibrant hommage aux rues de New York, un fragment tangible de l'âme artistique de la ville. À travers son travail, Cope2 continue de jouer un rôle essentiel dans l'évolution du street art et du graffiti, veillant à ce que la voix de la rue soit entendue et célébrée dans les galeries et collections du monde entier. Son œuvre demeure un carrefour dynamique de couleurs, de formes et de récits urbains, capturant l'essence même de la ville dans chaque trait de peinture et chaque tag dessiné à la main.

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Planche de skateboard New York Yankees Airbrush - White Deck, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur placage de bois naturel, réalisée par des artistes de street art et de graffiti chez Supreme. Planche de skate Supreme x New York Yankees Airbrush 2021 - Blanche (8,25" x 32"). Entièrement recouverte d'un revêtement en aluminium, elle arbore le logo Supreme imprimé sur le dessous et le logo Box imprimé sur le dessus. Produit officiel des Yankees de New York (MLB), créé exclusivement pour Supreme.

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Peinture acrylique originale « No Cure » réalisée à la bombe par Cope2 - Fernando Carlo. Œuvre unique sur toile par un artiste pop art de rue. Peinture originale signée, technique mixte (aérosol et acrylique), 2020. Dimensions : 43 x 53 cm sur toile non tendue. Explosion de couleurs : « No Cure » de Fernando Carlo Fernando Carlo, alias Cope2, artiste originaire du Bronx et figure emblématique du street art et du graffiti, puise son inspiration dans l'énergie vibrante de la vie urbaine. Son œuvre intitulée « No Cure Original Acrylic Spray Paint Painting » est une toile spectaculaire qui révèle l'énergie brute et le chaos coloré propres au street art. Créée en 2020, cette pièce unique est un amalgame d'acrylique et de peinture aérosol, témoignant de la maîtrise des techniques mixtes par Cope2 et de son profond ancrage dans la culture graffiti. Mesurant 109 x 135 cm sur une toile non tendue, « No Cure » atteste de l'influence durable de Cope2 sur la scène du street art contemporain. La toile déploie une profusion de couleurs et de formes, s'entrechoquant et se fondant dans une harmonie presque musicale. Signée par l'artiste, l'œuvre est authentifiée et reconnue comme une pièce majeure de son œuvre. La signature de Cope2 est mondialement reconnue, un gage de crédibilité dans l'univers du graffiti, en constante évolution. Avec « No Cure », Cope2 démontre sa polyvalence et son engagement envers son art, offrant un festin visuel qui est à la fois un clin d'œil au passé et un pas vers l'avenir du street art. L'audace artistique de Cope2 Le parcours de Fernando Carlo sous le nom de Cope2 est une histoire gravée dans le tissu même des rues de New York. Depuis les années 1980, il est une figure emblématique de la scène graffiti, souvent considéré comme l'un des pères fondateurs du graffiti dans le métro new-yorkais. Son style a évolué au fil des décennies, tout en conservant l'essence du mouvement : audacieux, provocateur et résolument public. « No Cure » capture cette évolution, sa toile étant une collision dynamique entre les éléments traditionnels du graffiti et l'esthétique expérimentale du pop art. Le titre « No Cure » évoque à lui seul une expression brute et débridée. Il suggère un mal incurable, peut-être une référence à la nature addictive de la création artistique, en particulier dans le contexte du street art où l'acte de peindre peut être aussi captivant que l'œuvre elle-même. Cette peinture ne cherche pas à guérir, mais à saisir et à transmettre les multiples facettes de la vie urbaine, le récit intérieur de l'artiste et le vibrant dialogue culturel des rues. La présence assumée de textes, de motifs abstraits et d'éclaboussures de peinture illustre l'approche intrépide de Cope2 vis-à-vis de l'art et de la vie. Contextualisation de « No Cure » dans le Street Pop Art « No Cure » n'est pas qu'une simple œuvre d'art, c'est une représentation visuelle de la culture dont elle est issue. Comprendre cette pièce, c'est plonger dans l'histoire du street art et son intégration dans l'espace des galeries. Le street pop art, puisant ses racines dans les mouvements contre-culturels du XXe siècle, cherche à insuffler la vitalité de la culture urbaine au monde souvent aseptisé des beaux-arts. Cope2 y parvient avec brio, s'appuyant sur son expérience de natif du Bronx pour imprégner son œuvre d'une authenticité indéniable. L'année 2020, année de création de « No Cure », a marqué une ère où le street art s'était solidement imposé comme un genre capable d'investir les murs des galeries prestigieuses tout en conservant son ancrage dans la rue. Dans cette perspective, l'œuvre de Fernando Carlo fait office de pont, reliant les trottoirs bruts couverts de graffitis aux murs blancs des collectionneurs d'art en quête d'une part de la culture urbaine. « No Cure » incarne l'esprit de l'art urbain contemporain, un phare témoignant de la vitalité et de l'évolution constante du street art et du graffiti. Dans le vaste champ du street art, « No Cure » de Cope2 constitue un chapitre vibrant qui illustre la diversité et la complexité du graffiti. Cette œuvre éclatante révèle la force artistique de Fernando Carlo et l'empreinte indélébile qu'il a laissée sur le paysage urbain. Alors que les frontières entre street art et beaux-arts s'estompent, des œuvres comme « No Cure » nous rappellent qu'au cœur de ce mouvement réside la puissance d'une expression brute et authentique – une puissance qui, en effet, est incurable.

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« No Lifeguard On Duty », tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Jessica Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Depuis des années, des amis me disent que je dois explorer Detroit. J’en ai enfin eu l’occasion l’été dernier (2014). C’était un véritable paradis pour l’exploration urbaine ! Je n’avais que deux jours pour rassembler des photos de la ville pour mes peintures et j’étais submergée par la quantité de matière. Mes peintures cherchent à capturer l’émerveillement et l’excitation ressentis en explorant ce qui était autrefois familier, devenu désormais irréel, la beauté dans la décrépitude. Ma peinture « Pas de maître-nageur en service » représente le centre de loisirs Brewster Wheeler. On m’a dit qu’il était désormais prévu de le réaménager. J’imagine que la fête du graffiti est terminée. Malheureusement, la plupart de mes sujets disparaissent peu après que je les aie peints. Cela me donne l’impression d’être une sorte de faucheuse de l’architecture. Mais depuis des années, j’ai une chance incroyable de les immortaliser avant qu’ils ne disparaissent. » – Jessica Hess

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Interdit d'entrer, pas de graffiti 12x18- III Peinture originale technique mixte, artiste de graffiti, art pop moderne sur véritable panneau de rue en métal par Cope2. Panneau de rue en métal véritable, signé, réalisé à la bombe de peinture (lettres bulles), format 12 x 18 pouces. Œuvre originale de 2020. Défense d'entrer. Interdiction de graffitir. Panneau de surveillance. Cope2 remet en question les normes avec ses œuvres d'art urbain pop et graffiti. L'œuvre « No Trespassing No Graffiti 12x18- III » de Cope2 est une création provocatrice qui incarne l'esprit rebelle du street art et du graffiti. Cette peinture originale à la bombe, signée et réalisée en 2020, présente des lettres bulles sur un véritable panneau de signalisation métallique de 30 x 45 cm (12 x 18 pouces), proclamant avec audace : « Le graffiti est un crime ». Cette œuvre remet directement en question les frontières légales et sociétales qui pèsent depuis longtemps sur les graffeurs. Cope2, figure incontournable du monde du graffiti, utilise cette pièce pour confronter le paradoxe du graffiti en tant que forme d'art : son existence simultanée à la fois comme création reconnue et comme acte criminel. Le panneau de signalisation métallique, objet symbolisant généralement la loi et le contrôle, est détourné et réutilisé comme support d'expression artistique libre. Cette inversion est symbolique de la nature même du street art : un médium qui s'exprime souvent dans des espaces fortement réglementés et surveillés. En choisissant ce support, Cope2 ne se contente pas de créer une œuvre d'art ; Il rédige une déclaration sur le droit à l'espace public et la nature de la liberté artistique. Commentaire socioculturel de l'œuvre de Cope2 « Défense d'entrer, graffiti interdit » est bien plus qu'une œuvre visuellement saisissante ; elle offre un commentaire socioculturel sur l'état actuel du street art. Les couleurs vives et les lettres bulles caractéristiques sont des éléments essentiels du graffiti traditionnel, mais elles contrastent fortement avec le fond formel et autoritaire du panneau de signalisation. Ce contraste est une métaphore visuelle de la tension entre l'artiste et l'institution, entre créativité et conformisme. L'œuvre capture l'essence même de Cope2 : un artiste qui a prospéré malgré l'adversité et les obstacles juridiques pendant plus de trente ans. Cette œuvre en techniques mixtes témoigne de son dévouement à son art et de sa capacité d'adaptation et d'évolution. Il a exposé ses techniques mixtes dans la rue à une figure respectée du pop art moderne, tout en conservant l'authenticité et la spontanéité de ses débuts dans le street art. Impact du slogan « Propriété privée, pas de graffiti » sur le pop art et le graffiti urbain L'impact de l'œuvre « No Trespassing No Graffiti » de Cope2 sur la perception du street art et du graffiti est indéniable. Elle incarne la contestation souvent inhérente à ce genre artistique. Pourtant, elle représente aussi une maturation de la forme, signe que le street art a désormais toute sa place dans le discours artistique contemporain. L'œuvre se dresse comme un symbole de résistance à la criminalisation du graffiti, incitant à un réexamen des lois et des perceptions culturelles qui régissent l'expression publique. À travers cette œuvre, Cope2 affirme la valeur du street art comme forme légitime et puissante d'expression sociale et artistique. La peinture interpelle directement le spectateur, l'invitant à questionner et à redéfinir les frontières de la légalité et de l'art. C'est une déclaration audacieuse : la présence du graffiti dans l'espace public peut être à la fois un acte de vandalisme et un témoignage culturel significatif. « No Trespassing No Graffiti » est une œuvre charnière dans l'histoire du street art et du graffiti. Cette œuvre témoigne de l'influence durable de Cope2 et de son engagement à repousser les limites du langage du street art. Elle ne se contente pas de dénoncer la prohibition ; elle proclame le pouvoir transformateur du graffiti, son rôle dans la remise en question de l'ordre établi et son potentiel à modifier notre rapport à l'espace urbain. Elle incarne la complexité du graffiti et constitue un exemple vibrant du dialogue entre l'artiste, la ville et la société.

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Pas mal pour une fille ! Tirages d'art en édition limitée, pigmentaires et d'archives, sur papier Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Indie184. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 15 exemplaires. Format de l'œuvre : 13 x 17 pouces. Indie184 « Pas mal pour une fille » - Tirage d'art, édition limitée à 15 exemplaires - 33 x 43 cm (13 x 17 pouces) « Pas mal pour une fille » (Rita Moreno) • Tirage pigmentaire d'art signé • Imprimé sur papier d'art Moab Entrada Rag Bright 290 g/m² • 33 x 43 cm (13 x 17 pouces) Signé et numéroté à la main par l'artiste Indie 184, édition limitée à 15 exemplaires

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Carte NY Tripway I Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2 Œuvre d'art LSD de la culture pop. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Carte NY Tripway II Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2 œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Au début du nouveau millénaire, Cope2 abordait une nouvelle étape de sa carrière, se concentrant de plus en plus sur sa place dans le milieu artistique des galeries et des musées. Bien qu'il ait commencé à travailler sur toile bien avant les années 2000, c'est à cette époque qu'il a opéré un tournant décisif en acceptant d'exposer systématiquement en intérieur. Que l'on considère le graffiti comme une forme d'art expressive et vivante ou comme un acte de vandalisme irresponsable, une chose est sûre : ces dernières années, il a attiré l'attention du grand public jusqu'aux plus grandes galeries du monde.

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Carte NY Tripway III Papier buvard Édition limitée Impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2 œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Au milieu des années 1990, Cope2 a progressivement quitté la rue pour s'imposer dans le milieu artistique des galeries. À cette époque, le street art n'était pas aussi populaire qu'aujourd'hui et, pour le grand public, il restait inextricablement lié aux ghettos, au trafic de drogue, etc. L'artiste n'a jamais caché son passé difficile et se refuse à l'idéaliser pour valoriser sa carrière et son image artistique. Au contraire, il confie : « Franchement, il n'y a pas de quoi être fier de se débrouiller, mais j'ai eu mon premier enfant à 16 ans, mon fils. Alors, il fallait bien que je gagne ma vie pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère. »

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Carte NY Tripway IV, papier buvard, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Cope2, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté. Fernando Carlo, alias COPE2, est un artiste américain, figure emblématique de la scène graffiti new-yorkaise. Son implication dans le street art des années 80 et 90 a progressivement contribué à forger sa réputation, faisant de lui l'un des graffeurs les plus connus des États-Unis. À la fois controversée et iconique, son parcours et son engagement dans le graffiti depuis les dernières décennies du XXe siècle éclairent l'histoire même du graffiti et son évolution au fil des ans.

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Carte NY Tripway V Édition Limitée Papier Buvard d'Art Impression Pigmentaire d'Archives Art sur Papier Buvard Perforé par l'artiste pop moderne Cope2. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2022. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey.

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Livre d'art obscur étiqueté par Zes Zeser x The Seventh Letter, édition limitée rare, œuvres d'art modernes de graffiti pop et de culture urbaine, référence. Édition limitée signée de 2014, numérotée de 2014, format 24 x 16,5 cm, 121 pages, consacrée à l'art et aux œuvres de graffiti de Zes (alias Zaser). Cette édition reliée présente une couverture blanche ornée d'un cercle noir distinctif sur les deux plats, ainsi qu'un lettrage noir sur le dos. Non paginé, l'ouvrage contient 121 pages entièrement consacrées aux photographies en noir et blanc pleine page de Zes. Livre d'art obscur tagué par Zes Zeser : une édition limitée rare d'art pop graffiti moderne L'ouvrage « The Obscure » ​​de Zes, alias Zeser, est une publication rare et très recherchée, en édition limitée, qui dévoile l'univers brut et immersif du graffiti pop contemporain. Tiré à seulement 2 000 exemplaires, ce livre relié capture l'essence de la culture urbaine à travers 121 pages de photographies en noir et blanc saisissantes. Il constitue une référence incontournable pour les passionnés de street art et de graffiti, offrant un aperçu authentique de la vision artistique de l'un des graffeurs les plus influents de Los Angeles. Design et esthétique de l'édition limitée Cette édition limitée de 2014 présente un design minimaliste et saisissant. La couverture rigide est ornée de plats blancs contrastant avec un cercle noir audacieux sur les deux plats, conférant à l'ouvrage une identité visuelle forte et percutante. Le dos porte l'inscription noire « Obscure », qui résume la nature énigmatique du contenu. Le livre mesure 24 x 16,5 cm, un format compact mais imposant qui permet une immersion totale dans l'univers photographique et artistique de Zes. Un aspect particulièrement remarquable de cette édition est sa couverture signée à la main, rendant chaque exemplaire unique. Zes, figure emblématique du street art et du graffiti à Los Angeles, y a apposé sa signature, renforçant ainsi sa valeur de collection. Ce tag atteste de l'authenticité du livre en tant que produit de la culture graffiti, où signatures et tags constituent une forme fondamentale d'expression artistique. Exploration des profondeurs du pop art et du graffiti Le contenu d'Obscure est présenté sans pagination, permettant au lecteur de s'immerger pleinement dans le récit visuel créé par Zes. L'ouvrage est entièrement composé de photographies en noir et blanc pleine page, capturant des instants de la vie urbaine à travers le regard d'un graffeur. L'esthétique monochrome amplifie l'énergie brute des rues, révélant la force, le dynamisme et la rébellion inhérents à la culture graffiti. Originaire de Los Angeles, Zes est une figure active du graffiti depuis les années 1990. Son œuvre explore souvent les thèmes du mouvement, de l'espace et de l'identité, reflétant la nature transitoire et souvent éphémère du street art. Contrairement aux œuvres d'art traditionnelles exposées en galerie, le graffiti est par nature impermanent, susceptible d'être effacé, détruit ou recouvert par d'autres artistes. Ce livre constitue un témoignage essentiel du travail de Zes, préservant des moments qui, autrement, risqueraient de tomber dans l'oubli. L'importance de l'obscur dans la culture artistique urbaine Bien plus qu'un simple livre de photographies, Obscure est un témoignage historique d'une époque marquante du street art et du graffiti. Alors que les institutions artistiques reconnues s'attachent de plus en plus à légitimer le graffiti comme une forme d'expression contemporaine puissante, des ouvrages comme celui-ci constituent une documentation essentielle sur les artistes qui ont façonné cette culture depuis ses origines. Le livre saisit la tension entre création et destruction, anonymat et reconnaissance, éléments fondamentaux de l'univers du graffiti. Pour les collectionneurs, les amateurs d'art urbain et les chercheurs qui étudient le street art et le graffiti, cet ouvrage est une référence incontournable. Son édition limitée, signée à la main par l'artiste, ne fait qu'accroître sa rareté et son attrait. L'œuvre de Zes continue d'influencer et d'inspirer une nouvelle génération d'artistes qui explorent le paysage en constante évolution de l'expression urbaine, faisant d'Obscure un document inestimable de l'histoire du graffiti.

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Le vieil homme et Varaniassi avec des vignes d'automne Brooklyn 2013 Impression giclée par Swoon- Caledonia Curry Artwork Tirage en édition limitée sur papier chiffon épais beaux-arts Graffiti Pop Street Artiste. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Le vieil homme et Varaniassi avec des vignes d'automne par Caledonia Curry alias Swoon « The Old Man and Varaniassi with Autumn Vines Brooklyn 2013 » est une saisissante estampe giclée de Caledonia Curry, figure influente du street art et du graffiti, connue sous le nom de Swoon. Sortie en 2016 dans le cadre de la collection d'estampes « Swoon Street Series », cette édition signée et numérotée à 175 exemplaires présente l'une de ses interventions les plus poétiques et envoûtantes, réalisées à partir d'affiches collées. Capturée in situ, l'œuvre met en scène un portrait complexe en noir et blanc d'un homme âgé, collé sur un mur de Brooklyn à la texture patinée, envahi par des lianes d'automne et entouré d'éléments de street art colorés. L'estampe mesure 48 x 33 cm et est imprimée sur un papier chiffon beaux-arts de qualité musée, restituant ainsi la richesse des détails et des nuances de la composition originale. Symbolisme du pop art urbain dans les portraits urbains de Swoon La capacité de Caledonia Curry à insuffler une profondeur émotionnelle aux espaces publics a fait d'elle une figure incontournable de la culture urbaine contemporaine. Dans « The Old Man » et « Varaniassi with Autumn Vines », la figure apparaît contemplative et marquée par le temps, rendue dans son style caractéristique, mêlant dessin, découpage et collage. L'arrière-plan tisse une riche tapisserie de déclin et de vie : peinture écaillée, tags, autocollants et lierre coexistent, symbolisant à la fois la dégradation et la régénération, à la fois naturelles et culturelles. Cette synergie entre le sujet et son environnement reflète l'un des thèmes centraux de l'œuvre de Curry : honorer la dignité humaine au cœur du chaos urbain. Son travail puise dans le langage du graffiti et des beaux-arts, mêlant portrait et matérialité de la rue, et y intégrant un symbolisme qui invite à une observation attentive. Caledonia Curry, artiste de graffiti pop et de rue, et son héritage en matière de gravure Caledonia Curry repousse sans cesse les limites du street art et du graffiti en documentant ses collages éphémères dans des tirages d'art en édition limitée. Ces estampes ne sont pas de simples reproductions, mais des réinterprétations essentielles qui préservent l'impact émotionnel et esthétique des installations originales. « The Old Man and Varaniassi with Autumn Vines » illustre parfaitement comment Curry transforme des instants urbains fugaces en témoignages artistiques permanents. La densité du trait, l'atmosphère et l'interaction entre la figure et la décrépitude urbaine reflètent sa formation en gravure et son engagement envers les récits ancrés dans la communauté. Cette estampe est à la fois un morceau d'histoire de l'art et un prolongement du récit urbain. Préserver les récits urbains grâce aux éditions d'art L'œuvre « The Old Man and Varaniassi with Autumn Vines Brooklyn 2013 » témoigne de manière indélébile du travail de Swoon à New York durant une période charnière de sa carrière. Imprimée avec des encres d'archivage sur un papier d'art épais de qualité supérieure, cette édition reflète le soin technique et la profondeur conceptuelle que Curry insuffle à tous ses projets. Qu'on la contemple dans la rue ou qu'on l'admire comme une estampe de qualité galerie, son œuvre communique empathie, mémoire et résilience. Intégrée à la collection d'estampes « Swoon Street Series », cette pièce permet aux collectionneurs et aux institutions d'appréhender l'immédiateté brute de la culture urbaine dans un format qui rend hommage à sa valeur artistique et culturelle. Caledonia Curry continue de façonner le Street Pop Art et le graffiti grâce à sa vision unique, fruit d'une fusion entre la précision des beaux-arts et l'engagement social.

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« On a Heartbeat », une peinture originale en techniques mixtes, réalisée par Chris RWK, artiste de graffiti et artiste pop moderne sur un véritable panneau de rue en métal. Œuvre originale signée de 2022, technique mixte acrylique et peinture aérosol sur un véritable panneau d'arrêt de rue de 30 x 30 pouces. Immergé dans divers médiums, Chris a commencé à consigner les images issues de ces expériences quotidiennes dans ce qu'il appelle un « journal mental ». Ce journal était un refuge pour ses pensées, un lieu auquel il pouvait se référer à tout moment.

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Sur les épaules de minuscules géants I Tirages d'art en édition limitée sur toile, avec pigments d'archives, par Dave Pollot, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. 2021 #1/25 Édition limitée signée et numérotée à 25 exemplaires. Impression grand format sur toile (31 x 40 pouces) sur toile de 17 mil à pH neutre. Marge blanche de 2 pouces autour de l'image. Sur les épaules de minuscules géants I : Tirage d'art pigmentaire d'archives par Dave Pollot « Sur les épaules de minuscules géants » est une estampe d'art sur toile, réalisée à partir de pigments d'archives par Dave Pollot, artiste de street art et de culture pop. Sortie en 2021, cette œuvre est une édition limitée à 25 exemplaires, signés et numérotés par l'artiste. Le premier exemplaire (n° 1/25) mesure 79 x 102 cm. Cette œuvre grand format met en lumière le talent de Pollot pour fusionner la peinture de paysage traditionnelle avec des éléments de pop art et de graffiti. L'utilisation d'une toile de 0,43 mm d'épaisseur, au pH neutre, garantit la longévité de l'estampe, lui conférant à la fois une grande résistance et un aspect riche et texturé. Explorer les strates de tradition et de modernité dans l'œuvre de Pollot L'œuvre de Dave Pollot s'articule souvent autour de la rencontre ludique entre les formes d'art classiques et les références culturelles contemporaines. Dans « On the Shoulders of Tiny Giants I », Pollot s'empare de ce qui semble au premier abord un paysage traditionnel et le bouleverse par une explosion de modernité inspirée du graffiti. Le premier plan représente une scène pastorale paisible, avec des arbres bordant une rivière tranquille. Les couleurs sont douces, évoquant les tons chauds et terreux caractéristiques de l'art paysager du XIXe siècle. Le paysage lui-même semble inviter le spectateur dans un monde serein où le temps semble suspendu. Cependant, la signature de Pollot est de mêler ces éléments traditionnels à une audacieuse touche contemporaine. Au centre de l'image, la peinture semble se déchirer, révélant en dessous un motif de graffiti chaotique, presque caricatural. Cette sous-couche est remplie de gribouillis abstraits et de minuscules personnages, évoquant une énergie frénétique et la culture du street art urbain. L'effet est à la fois saisissant et fascinant, comme si la surface paisible de la toile avait été déchirée pour révéler le monde vibrant et souvent chaotique qui se cache en dessous. Ce contraste entre l'ancien et le nouveau, le serein et le chaotique, est un thème central dans une grande partie de l'œuvre de Pollot. Il invite les spectateurs à remettre en question leurs idées reçues sur l'art et la culture, se demandant si l'ancien et le nouveau peuvent véritablement coexister ou si l'un dominera toujours l'autre. Dans cette œuvre, Pollot semble suggérer que les deux sont inextricablement liés – que la culture moderne, avec tout son bruit et son chaos, repose sur les fondements du passé. L'influence du pop art et du graffiti de rue L'utilisation par Pollot d'éléments visuels inspirés du graffiti dans « On the Shoulders of Tiny Giants I » s'inscrit pleinement dans la tradition du pop art urbain. Ce dernier emprunte souvent des éléments du graffiti et les réinterprète dans le cadre des beaux-arts. Dans cette œuvre, Pollot procède précisément ainsi, utilisant la partie déchirée de la toile pour révéler un univers complexe de gribouillis et de personnages évoquant le graffiti. Les personnages de la couche sous-jacente rappellent les figures ludiques, parfois absurdes, que l'on retrouve fréquemment dans le street art, conférant à l'œuvre une touche d'humour et de fantaisie. Parallèlement, l'élément graffiti sert de commentaire sur la tension entre art savant et art populaire. Les paysages traditionnels sont souvent considérés comme faisant partie du canon de l'« art savant », tandis que le graffiti est généralement associé à la culture urbaine et aux mouvements contre-culturels. En combinant les deux, Pollot invite le spectateur à s'interroger sur les hiérarchies qui existent au sein du monde de l'art. Une forme d'art est-elle intrinsèquement plus précieuse ou légitime que l'autre, ou les deux ont-elles une contribution importante à apporter ? Le choix de Pollot de représenter la couche de graffitis comme une dimension cachée sous la surface de la peinture traditionnelle soulève des questions intéressantes sur ce qui est visible et ce qui est dissimulé dans l'art et la culture. Les graffitis sont souvent créés dans l'espace public, pourtant ils sont fréquemment recouverts ou effacés, leur présence étant jugée indésirable dans certains contextes. Dans « Sur les épaules de minuscules géants I », Pollot met en lumière cette strate cachée, obligeant le spectateur à se confronter au monde vibrant et chaotique qui se trouve souvent juste hors de son champ de vision. La technique et la matérialité de l'impression Le souci du détail de Pollot transparaît non seulement dans la composition de l'œuvre, mais aussi dans les matériaux et les techniques employés. Le procédé d'impression pigmentaire d'archivage garantit la vivacité des couleurs et leur fidélité à la vision de l'artiste. Ceci est particulièrement important pour une œuvre comme « Sur les épaules de minuscules géants I », où le contraste entre les tons feutrés du paysage et la couche de graffitis aux couleurs vives est essentiel à l'impact global de l'œuvre. L'utilisation d'une toile de 17 mil à pH neutre offre une surface robuste et de haute qualité pour l'impression, permettant à la texture de la toile d'enrichir l'image. Avec ses dimensions de 79 x 102 cm (31 x 40 pouces), l'estampe ne passe pas inaperçue. Ce grand format permet au spectateur d'apprécier pleinement les détails complexes du paysage et des graffitis. La marge blanche de 5 cm (2 pouces) entourant l'image renforce la sensation de profondeur et d'espace, attirant le regard du spectateur vers le centre de l'œuvre. Cette marge remplit également une fonction pratique, facilitant l'encadrement de l'estampe tout en préservant l'intégrité de l'image. L'évolution de l'art moderne dans l'œuvre de Pollot « Sur les épaules de minuscules géants I » illustre parfaitement comment des artistes modernes comme Dave Pollot repensent les frontières de l'art. L'œuvre de Pollot s'inscrit dans un mouvement plus vaste de l'art contemporain qui cherche à abolir les distinctions entre culture populaire et culture savante, tradition et modernité, beaux-arts et art urbain. En mêlant ces éléments, Pollot crée un dialogue visuel qui témoigne de la complexité de la vie moderne. Son choix d'intégrer des éléments de graffiti à un paysage traditionnel reflète également l'influence croissante du street art dans le monde de l'art contemporain. Des artistes comme Banksy et Shepard Fairey ont popularisé le street art, remettant en question les idées reçues sur la nature et la place de l'art. L'œuvre de Pollot s'inscrit dans cette tradition, utilisant le langage du street art pour bouleverser les conventions de la peinture classique. « Sur les épaules de minuscules géants I » témoigne de la capacité de Pollot à naviguer avec aisance dans le paysage complexe de l'art moderne. Son œuvre célèbre le passé tout en portant un regard critique sur le présent, invitant le spectateur à repenser ses conceptions de l'art, de la culture et du monde. Le tirage limité de cette estampe, associé au style inimitable de Pollot, en fait une pièce précieuse pour toute collection d'art contemporain, notamment pour les amateurs d'art urbain, de culture graffiti et de beaux-arts traditionnels.

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Achetez One Love, une sérigraphie en édition limitée tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art de qualité supérieure, par 123Klan, artiste pop et street art rare. Édition limitée signée et numérotée de 100 exemplaires, 2011. Œuvre d'art de 18 x 24 pouces. Sérigraphie 4 couleurs sur papier sans acide de 100 lb. Imprimée par Ben LaFond.

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Opal IV #5 Édition limitée, embellie à la main, impressions pigmentaires d'archives à la peinture en aérosol HPM sur papier d'art Hahnemühle par Indie 184, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 5 exemplaires, signée et numérotée, peinte à la main et ornée à la main (HPM), édition 2021. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces. Opal IV Édition Limitée Signée • Tirage pigmentaire d'archives autographié et embelli à la main • Aérosol sur papier d'art mat Hahnemühle William Turner, 310 g/m² • Vernis à la main • 18 x 24 pouces Embelli à la main, signé et numéroté par l'artiste Indie 184 dans une édition spéciale de 5 HPM.

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Open Arms - Bombe de peinture rouge clair en édition limitée, œuvre croisée du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Bombe de peinture et coffret en bois, édition limitée à 500 exemplaires (2021). Illustration de 3 x 8 pouces. Bombe de 400 ml. « Open Arms est une organisation non gouvernementale à but non lucratif qui se consacre à la protection des personnes tentant de rejoindre l'Europe par la mer, fuyant les conflits armés, les persécutions ou la pauvreté. Par le biais de la surveillance et du sauvetage en mer en Méditerranée centrale, son action solidaire s'étend à d'autres domaines tels que le conseil et la formation des migrants, le développement d'alternatives à la migration irrégulière et la sensibilisation sociale par le biais du signalement des injustices. » - Montana MTN

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Orange Umber #1 Peinture originale MTN Acrylique Spray sur papier aquarelle par Dvate Artiste de rue Graffiti Art Pop moderne. « Cette estampe est inspirée d'une œuvre originale créée il y a quelques années pour une exposition collective à notre ancienne galerie, PerSquareMetre. J'explorais alors les notions de dégradation et de superposition, et je peignais aussi sur des objets trouvés. L'original appartient à ma femme et elle y tient beaucoup ! Il a été réalisé avec un mélange de peinture acrylique et d'émail en aérosol. L'œuvre est peinte sur une vieille estampe ayant appartenu à ma mère. J'aimais beaucoup la texture et l'aspect vieilli du bois au verso, c'est donc cette face que j'ai choisie. L'estampe kitsch des années 50 est toujours de l'autre côté. À l'époque, je travaillais beaucoup avec des objets trouvés et j'adaptais mon style d'écriture en fonction. J'ai toujours utilisé la superposition dans mon travail pour créer de la profondeur et faire écho aux murs bruts de la rue qui me servaient de toile originale. » – Dvate

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Orange Umber #2 Peinture originale MTN Acrylique Spray sur papier aquarelle par Dvate Artiste de rue graffiti Pop Art moderne. « Cette estampe est inspirée d'une œuvre originale créée il y a quelques années pour une exposition collective à notre ancienne galerie, PerSquareMetre. J'explorais alors la dégradation et la superposition, et je peignais aussi sur des objets trouvés. L'original appartient à ma femme et elle y tient beaucoup ! Il a été réalisé avec un mélange de peinture acrylique et d'émail en aérosol. L'œuvre est peinte sur une vieille estampe ayant appartenu à ma mère. J'aimais beaucoup la texture et l'aspect vieilli du bois au verso, c'est donc cette face que j'ai choisie. L'estampe kitsch des années 50 est toujours de l'autre côté. À l'époque, je travaillais beaucoup avec des objets trouvés et j'adaptais mon style d'écriture à ces derniers. J'ai toujours utilisé la superposition dans mon travail pour créer de la profondeur et faire écho aux murs de la rue, qui étaient ma toile d'origine. » – Dvate

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Possédez votre pouvoir. Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 330 g/m² par Indie184, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée 2021, signée et numérotée à 15 exemplaires. Format de l'œuvre : 13 x 17 pouces. Ces deux œuvres ont été créées à l'origine pour ma première exposition solo, « Go Hard », à Los Angeles. Le titre et le thème de l'exposition sont nés d'une révélation et d'une devise qui me guide au quotidien. Dans ma vie, j'ai plusieurs rôles et, au final, personne ne me dira comment faire. Ma réussite dépend entièrement de ma détermination. Je suis mon propre artiste. Chaque œuvre est un univers de déclarations personnelles ; un rappel constant de ma force intérieure. En résumé, mon travail est imprégné d'auto-motivation, de dépassement de mes peurs et d'une indéniable touche de féminisme. J'ai choisi ces icônes féminines non seulement pour leur beauté saisissante, mais aussi pour leur parcours : comment elles sont arrivées, ont conquis le monde et l'ont marqué. « Don't Get It Twisted » avec Maria Montes, la reine du Technicolor, et « Own Your Power » avec Marquita Rivera, la reine des rythmes latins. J'admire ces filles de province qui ont poursuivi leurs rêves, brisé les barrières et marqué l'histoire. Elle a atteint un statut légendaire mondial, en voyant les choses en grand. J'aime cette touche féminine badass dans les pièces. - Indie

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Oxnard Orange SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One Figurine de collection en vinyle, édition limitée, œuvre d'art urbain Dans cette deuxième version du Kali Kolors Kranky, Superplastic et Sket One s'associent à nouveau pour vous offrir une explosion de couleurs Oxnard Orange dans votre collection Kranky ! Fraîchement pressé, ce nouveau venu acidulé dans la famille Kranky vous apportera votre dose quotidienne de vitamine C. Hauteur : 20 cm.

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Œuvre d'art Ozymandias, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste de graffiti de la culture pop Scott Listfield .

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Palmiers, édition limitée, sérigraphie technique mixte rehaussée à la main sur papier épais 200 lbs par Bobby Hill, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Chaque pièce est unique et les couleurs, la peinture et les effets de peinture au pistolet réalisés à la main par l'artiste sont aléatoires et variables ; vous pourriez donc ne pas recevoir l'article exact présenté sur la photo ! « J’utilise des images photographiques comme base pour mon art, mais il m’arrive de dessiner directement sur l’acétate avant de graver les écrans afin de faire ressortir des détails que je juge importants. Chaque pièce de cette série a été sérigraphiée individuellement et peinte à la main avec divers médiums acryliques et autres. Concentrez-vous sur les couleurs plutôt que sur l’image, même si cela peut parfois s’avérer difficile. Les couleurs représentent ce qui se passe dans ma vie à chaque instant. » – Bobby Hill

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Figurine de collection SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One en vinyle édition limitée, style street art, inspirée de Pasadena Pink. Sket One a livré son 3ème Kali Kolor, avec embout, capuchon amovible et ce cliquetis original, le tout recouvert d'un rose électrique.

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Panneau de rue métallique Peace & Freedom Dove, édition limitée, sérigraphie bicolore sur matériau de panneau de rue, graffiti, pop art moderne par l'artiste Shepard Fairey x Beyond The Streets. Panneau de rue réfléchissant en métal 2021 avec certificat d'authenticité signé. Édition limitée à 350 exemplaires. Dimensions : 24 x 24 pouces.

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Planche de skateboard Persue Invincible Collab Deck en édition limitée, sérigraphiée par l'artiste de la culture pop urbaine Persue. Édition limitée à 50 exemplaires, signée au marqueur métallique sur le pont, avec graffiti sur la face. Édition limitée à 50 exemplaires.

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Pesimo - Bishop Violet Édition Limitée Rare Bombe de Peinture Collaboration du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Pesimo est un artiste de rue péruvien de renom. Depuis 1998, il orne les murs de sa ville et son travail est reconnu tant localement qu'internationalement. En 2001, il étudie à l'École nationale des beaux-arts et devient le premier graffeur à exposer dans une galerie péruvienne. Son entrée dans le monde de l'art contemporain et son travail acharné lui ont permis de participer à de nombreux festivals et événements à travers le monde, faisant de lui une figure incontournable de l'art urbain en Amérique latine et un symbole de la scène émergente de l'art urbain au Pérou.

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Photographie originale AP Peinture acrylique en aérosol de Martin Whatson, œuvre unique sur toile tendue d'un artiste pop art de rue. Épreuve d'artiste AP 2008, peinture originale signée, réalisée à la main au pochoir, à la peinture en aérosol et à l'acrylique. Dimensions : 30 x 20 cm. Légères éraflures sur le bord droit. Martin Whatson Photographe Œuvres originales AP Street Pop Art et Graffiti Contexte et identité artistique Né en Norvège en 1984, Martin Whatson est internationalement reconnu pour sa capacité à fusionner des pochoirs monochromes détaillés avec l'énergie vibrante du graffiti. Cette approche singulière le place à l'avant-garde du pop art et du graffiti contemporains, séduisant aussi bien les amateurs d'art urbain que les collectionneurs d'art. Sa formation à l'École de communication Westerdals d'Oslo lui a fourni de solides bases en design, mais c'est sa découverte de l'art du pochoir au début des années 2000 qui a véritablement orienté son parcours artistique. Au fil du temps, Whatson a développé un style qui, tout en reflétant ses racines norvégiennes, s'adresse à un public mondial, mêlant la structure du pochoir à l'imprévisibilité du graffiti. À propos du photographe Peinture originale AP L'œuvre *Photographer*, épreuve d'artiste originale (AP) de 2008, est une pièce unique et rare, réalisée à l'aide de techniques artisanales de peinture au pochoir et d'acrylique sur toile tendue. Mesurant 76 x 51 cm, cette toile signée témoigne des débuts de la carrière de Whatson, lorsque son exploration du réalisme au pochoir se mêlait à une abstraction imprégnée de graffiti. La composition représente un photographe monochrome, d'un réalisme saisissant, en pleine action, pointant son appareil vers une explosion d'éclaboussures de peinture orange et jaune vif. Cette juxtaposition entre la figure structurée et minutieusement rendue et l'énergie spontanée de la peinture illustre la philosophie de Whatson : la vie est un équilibre entre contrôle et chaos. Symbolisme et narration visuelle L'œuvre *Photographe* ​​explore les thèmes de l'observation, de la créativité et de la relation entre l'artiste et son sujet. Le photographe, représenté en niveaux de gris, symbolise la concentration, la discipline et la maîtrise technique de la création artistique. À l'inverse, les éclaboussures de couleurs vives sur la toile représentent la créativité brute, la spontanéité et le caractère imprévisible de l'inspiration. L'utilisation de couleurs chaudes comme l'orange et le jaune insuffle de l'énergie et capte le regard, suggérant que la créativité émerge souvent de manière audacieuse et inattendue. L'œuvre invite à réfléchir à la manière dont les moments sont capturés – que ce soit en photographie de rue, en graffiti ou en beaux-arts – et à la façon dont l'acte de regarder est aussi artistique que l'acte de créer. Collectionnabilité et rareté En tant qu'épreuve d'artiste de 2008, cette œuvre de *Photographer* revêt une importance particulière. Les épreuves d'artiste sont généralement produites en nombre extrêmement limité, hors édition principale, réservées à la collection personnelle de l'artiste ou à des éditions spéciales. Le fait qu'il s'agisse d'une œuvre originale réalisée à la main, et non d'une estampe, renforce son attrait auprès des collectionneurs de street art et de graffiti. Sa datation précoce en fait un jalon important de l'évolution stylistique de Whatson, faisant le lien entre ses premières créations au pochoir et les compositions plus saturées de couleurs qui sont devenues sa signature. La place de Martin Whatson dans le pop art urbain Au fil des ans, l'œuvre de Martin Whatson a été exposée dans des galeries, ornée de fresques murales et intégrée à des collections privées du monde entier. Son art capture la tension dynamique entre la rigueur du pochoir et l'esprit débridé de la culture graffiti. Des pièces comme *Photographer* témoignent de sa maîtrise précoce du réalisme technique, tout en annonçant l'explosion de couleurs et de mouvement qui caractérise son œuvre de maturité. Dans le contexte plus large du street art contemporain, Whatson se distingue comme un artiste capable de fusionner la sensibilité des beaux-arts avec l'authenticité brute de l'expression urbaine, créant ainsi des œuvres aussi stimulantes intellectuellement que visuellement saisissantes.

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Concerto pour piano n° 1, édition limitée, œuvre d'art graffiti, sérigraphie offset sur papier d'art fin et brillant, par l'artiste de rue Crash - John Matos. Édition limitée 2021 signée et numérotée à 35 exemplaires. Format de l'œuvre : 16 x 20 pouces. L'œuvre intitulée « Concerto pour piano n° 1 » est une édition limitée du célèbre artiste de rue Crash, de son vrai nom John Matos. Elle illustre avec force comment le graffiti transcende le contexte urbain pour s'imposer avec audace et authenticité dans le domaine des beaux-arts. Créée en 2021, cette pièce fait partie d'une série exclusive de seulement 35 exemplaires signés et numérotés, faisant de chaque tirage une pièce de collection très recherchée. Ses dimensions généreuses (40,6 x 50,8 cm) permettent aux détails complexes et aux couleurs vibrantes de se détacher pleinement, captivant le regard du spectateur par leur rythme visuel. Réalisée en sérigraphie offset sur papier d'art fin et brillant, l'œuvre reflète les racines de Crash dans le mouvement graffiti du métro new-yorkais du début des années 1970. Son travail se caractérise par une maîtrise exceptionnelle des couleurs et des formes, alliant l'énergie brute de la rue à la précision et au savoir-faire d'un artiste de formation classique. Dans « Piano Concerto 1 », l’influence du pop art est manifeste, avec l’intégration de motifs de bande dessinée et de couleurs vives et contrastées qui ressortent sur le papier glacé. Chaque estampe de la série illustre le mélange unique d’éléments abstraits et figuratifs qui caractérise Crash. Ce qui frappe particulièrement dans cette œuvre, c’est le sentiment de mouvement qui se dégage de la composition : une explosion symphonique, à l’image du crescendo d’un concerto pour piano, d’où son titre. On observe une superposition à la fois ludique et maîtrisée des éléments, des mains aux allures de dessins animés aux éclaboussures et aux coulures, créant un effet quasi tridimensionnel. Cette œuvre n’est pas une simple image statique ; elle capture la vitalité et l’improvisation propres au street art et aux performances musicales. « Piano Concerto 1 » témoigne de la manière dont le graffiti continue d’influencer et de jouer un rôle majeur dans la scène artistique contemporaine. Elle démontre comment des artistes comme Crash peuvent investir l’espace urbain et l’atelier, créant des œuvres qui trouvent un écho auprès d’un large public et contribuent à l’évolution constante de la culture artistique urbaine.

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Pigeons nourrissant une famille, Brooklyn, 2005. Impression giclée par Swoon-Caledonia Curry. Œuvre d'art en édition limitée sur papier chiffon épais de qualité supérieure. Artiste de rue, graffiti pop. Édition limitée signée et numérotée de 175 exemplaires, 2016. Œuvre de 19 x 13 pouces issue de la collection d'estampes de la série Swoon Street. Caledonia Curry Street Pop Art : Famille nourrissant des pigeons, Brooklyn, 2005. Impression giclée par Swoon. « Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005 » est une estampe giclée signée et numérotée de Caledonia Curry, figure emblématique du street art et du graffiti américain, connue internationalement sous le nom de Swoon. Initialement collée sur un mur délabré de Brooklyn, l'œuvre a été photographiée puis transformée en une édition d'art, capturant la texture brute de l'environnement urbain et la tendresse des instants du quotidien. Imprimée sur un papier chiffon épais de qualité beaux-arts, cette pièce mesure 48 x 33 cm et a été éditée en 2016 à 175 exemplaires. Elle fait partie de la collection d'estampes « Swoon Street Series », qui immortalise ses interventions éphémères dans la rue en œuvres d'art de collection. Les œuvres d'art urbain pop et graffiti centrées sur l'humain de Swoon La pratique de Caledonia Curry mêle compassion et solidarité à des visuels engagés. Cette estampe giclée immortalise un collage de rue représentant une famille dans un moment de simplicité et de complicité : une famille nourrit des pigeons devant un mur peint à la main. La figure maternelle, empreinte de sérénité et de résilience, ancre la composition, tandis que les enfants apparaissent dans diverses poses, entre curiosité et soutien. Ce motif est une signature récurrente dans les œuvres de Street Pop Art et de graffiti de Swoon : des portraits intimes de l’humanité, créés à partir de blocs de linoléum gravés à la main, de découpages de papier et d’installations in situ. Chaque sujet puise son inspiration dans des communautés et des histoires réelles, reflétant souvent le travail collaboratif de Curry avec des populations défavorisées à travers le monde. Brooklyn comme toile de fond pour l'esthétique sociale de Caledonia Curry Au début des années 2000, les rues de Brooklyn ont servi de terrain d'expression à de nombreux artistes émergents, et les collages grand format de Caledonia Curry ont été particulièrement remarqués pour leur richesse émotionnelle et leur maîtrise technique. L'installation originale de « Pigeon Feeding Family » n'était pas seulement décorative, mais profondément ancrée dans le lieu, insufflant une présence humaine à ce mur délabré. L'engagement de Swoon envers l'art public dépasse la simple esthétique. Il incarne une forme de narration urbaine qui aborde les thèmes du déracinement, des difficultés économiques et de la résilience. La scène reproduite dans cette impression giclée illustre ces thèmes en transformant un geste humble – nourrir les pigeons – en un portrait de survie et de grâce face à l'adversité. Héritage et préservation dans la collection d'estampes de la série Swoon Street La parution en 2016 d'une giclée signée et numérotée de *Pigeon Feeding Family Brooklyn 2005* s'inscrivait dans un projet plus vaste d'archivage des œuvres murales éphémères de Swoon, datant des débuts de sa carrière. La collection d'estampes *Street Series* permet aux collectionneurs et aux institutions de préserver cette période charnière du pop art et du graffiti, qui, autrement, ne subsisterait que dans des photographies ou des souvenirs. Chaque estampe de la série est réalisée avec précision afin de refléter la texture, la couleur et le contexte environnemental de l'installation originale. Face à l'influence grandissante de Caledonia Curry dans le monde des beaux-arts et les milieux engagés, des œuvres comme celle-ci conservent toute leur valeur en tant que témoignages d'une époque où le street art était à la fois protestation et poésie.

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Figurine de collection SuperKranky Janky SuperPlastic x Sket One en vinyle, édition limitée, style street art, jaune ananas Sket illumine la gamme SuperKranky avec sa nouvelle teinte vintage ! Ouvrez le bouchon pour une dose de saveur unique en édition limitée ! 20 cm de vinyle souple et juteux. Ça cliquette quand on le secoue ! Seulement 700 exemplaires !

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Impressions pigmentaires d'archives en édition limitée Pink Nature sur papier d'art de musée par DAIM, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2016. Dimensions de l'œuvre : 20 x 13 pouces. « En 1989, j'ai écrit pour la première fois mon nom d'artiste. Après toutes ces années, je considère toujours cette inscription comme un autoportrait. En se concentrant sur une idée, une technique ou un style, en travaillant longuement sur une œuvre, en s'y investissant pleinement, on apprend beaucoup sur soi-même et sur sa personnalité. Et cela se reflète naturellement dans mes créations. Je souhaitais réaliser quelque chose de particulier : cette série de trois estampes a été conçue pour refléter toute la palette de mon travail. L'utilisation du nom DAIM y devient de plus en plus complexe. Mon évolution personnelle est étroitement liée à ce processus. C'est une forme de maturation, une manifestation du vieillissement en général. » – Daim Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Pink Nature par DAIM Pink Nature de DAIM est un exemple saisissant de street art pop et de graffiti, témoignant de la maîtrise de l'artiste en matière de lettrage tridimensionnel et de compositions jouant sur la profondeur. Cette édition limitée, imprimée sur papier d'art de qualité musée avec des pigments d'archive, s'inscrit dans la continuité de l'exploration par DAIM de la forme, de la structure et de l'identité au sein de l'univers du graffiti. L'utilisation d'ombrages audacieux, d'un mouvement explosif et d'angles fragmentés transforme le graffiti traditionnel en une composition sculpturale, quasi architecturale, qui repousse les limites de la perception visuelle. Technique de graffiti 3D emblématique de DAIM Pionnier du graffiti tridimensionnel, DAIM, de son vrai nom Mirko Reisser, a développé un style inimitable qui allie précision mathématique et mouvement organique. Ses lettrages s'affranchissent des surfaces planes, donnant l'illusion d'objets jaillissant du réel. Dans « Pink Nature », la précision des contours, les jeux d'ombres et de lumière créent une profondeur et une texture quasi tangibles, confirmant sa réputation d'artiste de graffiti parmi les plus talentueux au monde. Son influence s'étend aux fresques murales, aux installations de street art et aux estampes d'art, témoignant toutes de son attachement à l'abstraction typographique. Chaque ligne et chaque dégradé de couleur est calculé avec une précision méticuleuse, pour un résultat à la fois spontané et percutant. Les éclaboussures de peinture dynamiques et les rehauts savamment placés dans cette estampe amplifient l'énergie brute caractéristique du graffiti, tout en conservant une esthétique raffinée et futuriste. Le concept d'autoportrait à travers le graffiti DAIM a souvent évoqué son nom de graffeur comme une forme d'autoportrait, évoluant au rythme de sa croissance personnelle et artistique. Son attention portée au lettrage reflète non seulement sa maîtrise technique, mais aussi sa réflexion sur le mouvement graffiti. Il estime qu'en affinant et en réinventant sans cesse la manière dont il présente son nom, il traduit également sa propre transformation au fil du temps. Pink Nature fait partie d'une série d'œuvres qui illustrent l'évolution de la vision artistique de DAIM, soulignant la maturation de son approche du graffiti au fil des ans. Le jeu des tons roses, verts et terreux dans cette pièce traduit une impression de croissance et de destruction organiques, à l'image du cycle créatif lui-même. Les fragments de lettres anguleuses et audacieuses semblent exploser et se reconstruire simultanément, offrant une représentation visuelle de la tension entre création et déclin inhérente à la culture du street art. L'influence de DAIM sur le pop art urbain moderne DAIM a joué un rôle déterminant dans l'intégration du graffiti au sein de l'art contemporain, lui permettant d'être reconnu non seulement sur les murs des villes et les bâtiments abandonnés, mais aussi dans les galeries et les musées du monde entier. Son approche scientifique du design, alliée à son souci du réalisme et de la profondeur, le distingue au sein du mouvement. Pink Nature, avec son exécution méticuleuse et son chaos maîtrisé, incarne la fusion du graffiti et des beaux-arts, démontrant comment le street art et le graffiti peuvent être à la fois bruts et raffinés, explosifs et contrôlés. En transposant ses techniques de rue emblématiques sur des tirages d'art de qualité archivistique, DAIM assure la préservation, l'appréciation et la célébration de son œuvre dans de multiples espaces artistiques. Sa capacité à traduire l'énergie du graffiti dans des formats d'art de haut niveau continue d'inspirer les nouvelles générations d'artistes de rue et d'amateurs de pop art.

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Peinture originale Pop Graff, acrylique et peinture aérosol, technique mixte sur toile tendue sur châssis, par Sen2, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ayant développé mon style pendant trente ans, j'utilise souvent des couleurs vibrantes et une typographie originale pour capter instantanément l'attention du spectateur. Bien que mes graffitis se limitent généralement à la rue, j'ai décidé de présenter trois toiles originales en exclusivité pour 1xRUN. En tant qu'artiste, je voue un profond respect aux pionniers du Pop Art. Andy Warhol et Roy Lichtenstein ont été parmi mes plus grandes influences. Ils ont semé les graines, à la fin du XXe siècle, d'une révolution qui a transformé la perception de l'art. Il est remarquable de constater comment une poignée d'individus peuvent engendrer une révolution qui se poursuivra pendant de nombreuses années, jusqu'au XXIe siècle. Ils ont opéré un changement de paradigme dans l'interprétation de l'art et sont devenus des maîtres légendaires. » - Sen2

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