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Voleurs et traîtres - Édition collector - Impression sérigraphique à la main sur papier Mylar par l'artiste activiste Marwan Shahin - Œuvre rare en édition limitée. Édition limitée à 10 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Format de l'œuvre : 18 x 24 pouces. « Cette édition de l'œuvre est interprétée grâce à une toute nouvelle technologie d'impression permettant la superposition d'encres pour créer texture et relief sur un Mylar exceptionnel. Chaque tirage est minutieusement agencé avec un fin réseau de reflets métalliques, pour un résultat visuellement envoûtant. » - Marwan Shahin « Voleurs et Traîtres - Édition Collector » est une œuvre saisissante de Marwan Shahin, artiste engagé qui utilise son art pour questionner et analyser le paysage socio-politique. Cette œuvre rare, en édition limitée, est bien plus qu'une simple déclaration visuelle ; elle témoigne d'une innovation technique remarquable dans le domaine de la gravure. Créée en 2022 et faisant partie d'une série très exclusive de seulement dix estampes signées et numérotées, chaque exemplaire de 45,7 x 61 cm illustre à merveille le pouvoir de l'art visuel à communiquer des récits complexes. Le choix du médium par Shahin est aussi original que son sujet. Il utilise la technique de la sérigraphie artisanale, superposant les encres pour créer non seulement des couleurs et des formes, mais aussi une texture et un relief tangibles, produisant un effet quasi tridimensionnel sur le papier Mylar lustré. Le jeu de lumière sur les encres métalliques et la surface du Mylar invite le spectateur à une danse visuelle, où chaque angle et chaque source de lumière modifie la perception de l'œuvre. Cette édition se situe à la croisée de l'art et de l'alchimie. Chaque estampe de la série offre une expérience sensorielle unique grâce à l'utilisation subtile de reflets métalliques qui créent un effet visuel envoûtant. « Thieves & Backstabbers - Collectors Edition » de Marwan Shahin témoigne de sa réputation de pionnier du pop art contemporain. Elle incarne sa démarche caractéristique, qui intègre des références à la culture pop à des messages politiques profonds, produisant ainsi une œuvre à la résonance multiple. Véritable discours visuel, l'œuvre dénonce la duplicité et les multiples facettes de la nature humaine, sur fond d'un symbolisme opulent, riche en contrastes et empreint de significations. Les collectionneurs et les amateurs du genre ont ainsi l'opportunité non seulement d'acquérir une œuvre d'art rare, mais aussi de s'immerger dans une création qui repousse les limites de la sérigraphie et renforce la puissance narrative du pop art et du street art modernes.

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Think Small Artwork Sérigraphie en édition limitée sur papier beaux-arts par l'artiste de graffiti pop culture Justin VanGenderen. Justin VanGenderen « Think Small » (Exclusivité NYCC 2015), sérigraphie en édition limitée, signée et numérotée par l'artiste, tirage limité à 250 exemplaires, 42 x 52 cm (16,5 x 20,5 pouces). Sans cadre : 35 $.

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UnReal Estate - Third Earth - Glow Followed, édition limitée phosphorescente, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. ThunderCats, Super-héros, Jouet, Spinx, Chat, Télévision, Bandes dessinées, Phosphorescent

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Third Rail PP Printers Proof Limited Edition, tirage sérigraphique 7 couleurs réalisé à la main sur papier beaux-arts 320 g/m² par l'artiste graffiti pop Risk Rock. Épreuve d'imprimerie PP 2015, œuvre d'art signée en édition limitée, format 24x24 Third Rail, 2015. Sérigraphie en couleurs sur papier Coventry Rag Fine Art, 61 x 61 cm (feuille). Tirage limité à 50 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Sérigraphie 7 couleurs sur papier Fine Art 320 g/m². Format : 61 x 61 cm. Sortie : 10 mai 2015. Tirage : 50 exemplaires. Cette édition était initialement vendue avec la monographie de Risk, Old Habits Die Hard. L’ouvrage retrace le parcours de Risk, pionnier du graffiti à Los Angeles, et son ambition de repousser les limites de son art et de contribuer à la reconnaissance internationale du mouvement graffiti. « Third Rail », œuvre du célèbre graffeur pop Risk Rock, incarne avec force la vitalité et l'énergie subversive qui caractérisent le street art. Sortie le 10 mai 2015 en édition limitée, cette sérigraphie artisanale témoigne de la réputation de l'artiste, toujours à la pointe de la créativité. Chaque exemplaire de cette édition exclusive est imprimé sur un papier d'art premium Coventry Rag 320 g/m², au format 61 x 61 cm. Cet exemplaire spécifique, marqué « Épreuve d'imprimeur » (PP), se distingue de l'édition principale limitée à 50 exemplaires, ce qui le rend d'autant plus unique et recherché par les collectionneurs. Grâce à une palette de sept couleurs éclatantes, la sérigraphie employée par Risk Rock sublime la profondeur et l'intensité chromatique de l'œuvre, célébrant le lien intrinsèque du graffiti avec la culture urbaine. L'œuvre est non seulement signée par l'artiste, mais également numérotée et datée en bas, garantissant son authenticité et la rattachant directement à la carrière de son créateur. L'image elle-même, un visage diabolique et souriant sur fond de couleurs et de formes psychédéliques, exhale l'esprit rebelle inhérent au mouvement graffiti. Cette édition revêt une importance particulière car elle était initialement vendue avec la monographie de Risk, « Old Habits Die Hard ». Cet ouvrage explore le rôle influent de Risk comme l'un des précurseurs de la scène graffiti de Los Angeles. Son travail et son leadership ont contribué à propulser le street art de ses racines underground à un mouvement majeur reconnu mondialement. La monographie détaille le parcours de Risk en tant qu'artiste et son dévouement à faire progresser non seulement son expression artistique, mais aussi à contribuer à la reconnaissance et à l'appréciation du graffiti comme une forme d'art légitime et puissante. « Third Rail » de Risk Rock constitue une puissante représentation de cette période charnière pour l'art, symbolisant la transition du graffiti des coins de rue aux galeries d'art, et inscrivant l'héritage de Risk dans la riche culture du pop art, du street art et du graffiti.

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Sérigraphie 7 couleurs en édition limitée Third Rail, tirée à la main sur papier beaux-arts 320 g/m², par l'artiste graffiti pop Risk Rock. Édition limitée à 50 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Dimensions de l'œuvre : 24 x 24 pouces. « Third Rail » s'impose comme une œuvre majeure de Risk Rock, dont l'influence sur la scène du graffiti pop art est indéniable et novatrice. Ce chef-d'œuvre de 2015 fait partie d'une édition limitée, signée et numérotée, à seulement 50 exemplaires, garantissant son exclusivité et son attrait auprès des collectionneurs et amateurs d'art. Mesurant 61 x 61 cm, l'œuvre témoigne du talent de l'artiste pour la sérigraphie artisanale, avec une palette éblouissante de sept couleurs sur un papier beaux-arts de 320 g/m². Cette estampe capture avec force l'essence du pop art, du street art et du graffiti, révélant la maîtrise de Risk Rock dans l'art de fusionner couleurs, textures et symbolisme urbain. L'œuvre vibre au rythme de la rue, canalisant l'énergie brute de la culture graffiti en un tableau artistique saisissant. Chaque estampe de cette série est un fragment d'un récit plus vaste, un instantané du parcours de l'artiste, des murs et ruelles de la ville aux galeries prestigieuses de l'élite artistique. L'imagerie employée par Risk Rock est à la fois iconique et provocatrice, une caractéristique essentielle du street art. Son œuvre transcende les conventions, créant un langage visuel évocateur qui interpelle le spectateur à de multiples niveaux. En intégrant des éléments de risque et de rébellion, aussi indissociables de son identité que son pseudonyme, l'artiste remet en question les perceptions et encourage un dialogue sur la place et la valeur du street art dans la société contemporaine. Avec « Third Rail », Risk Rock ne se contente pas de peindre sur le tissu urbain ; il s'y intègre pleinement, devenant un fil conducteur de la tapisserie de l'art moderne. Ses œuvres ne se contentent pas d'être vues ; elles se vivent, suscitant une réaction aussi viscérale que visuelle. Pour les privilégiés qui possèdent une pièce de cette série limitée, il ne s'agit pas simplement d'acquérir une œuvre d'art ; c'est une immersion dans l'esprit et l'âme d'un mouvement qui a marqué le monde d'une empreinte indélébile.

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« Ceci pourrait vraiment arriver », sérigraphie de Justin Santora, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Édition limitée à 90 exemplaires, signée et numérotée, 2013. Sérigraphie au format 24 x 18 pouces. Ceci pourrait vraiment arriver. Sérigraphie de Justin Santora. Justin Santora est reconnu pour son talent à saisir les thèmes de la transition, de l'impermanence et de la fragilité à travers des sérigraphies détaillées. Son œuvre, « This Could Really Happen », est une sérigraphie artisanale réalisée en 2013, faisant partie d'une édition limitée signée et numérotée à 90 exemplaires. Mesurant 61 x 46 cm, cette œuvre illustre parfaitement le street art et le graffiti, mêlant réalisme, surréalisme et narration architecturale. L'image représente une maison de banlieue traditionnelle emportée par le vent, sa structure se dissolvant en un tourbillon de feuilles, évoquant les thèmes du changement, du déclin et de l'instabilité. Thèmes architecturaux et fragilité de l'abri Un motif récurrent dans l'œuvre de Santora est le concept d'abri et sa nature éphémère. La maison représentée dans « This Could Really Happen » paraît solide et structurée au premier abord, mais son côté droit se dissout dans un tourbillon de feuilles. Cette image suggère la vulnérabilité des environnements bâtis et le caractère fugace de la sécurité et de la permanence. Santora illustre souvent des structures à moitié construites ou déconstruites, et cette estampe s'inscrit dans cette thématique, explorant l'équilibre délicat entre stabilité et destruction. Cette focalisation sur la dégradation architecturale fait écho au pop art et au graffiti, où les artistes représentent fréquemment la transformation urbaine, les bâtiments abandonnés et les infrastructures délabrées. L'interaction entre les lignes architecturales maîtrisées et les éléments organiques chaotiques dans cette œuvre accentue le contraste entre ordre et entropie, une dynamique souvent explorée dans le street art à travers les peintures murales, les pochoirs et les estampes grand format. Technique de sérigraphie et palette de couleurs La technique de sérigraphie de Santora renforce l'impact visuel de l'estampe, grâce à des lignes nettes et précises et à des couleurs méticuleusement superposées. La palette feutrée de bleus doux, de gris et de tons terreux crée une atmosphère de calme avant la destruction, soulignant le silence inquiétant d'une tempête imminente. Les tourbillons de vent et les feuilles éparpillées sont rendus par des traits à la fois délicats et énergiques, conférant à la composition une impression de mouvement et d'inéluctabilité. Son dévouement à la gravure artisanale témoigne de l'influence de la culture DIY, un aspect fondamental du street art et du graffiti. La nature tactile de la sérigraphie confère à chaque estampe de subtiles variations, rendant chaque pièce unique – une caractéristique qui s'inscrit dans l'esprit du street art, où chaque fresque, collage ou pochoir porte en lui une part d'imperfection et d'authenticité. Symbolisme et impact culturel « This Could Really Happen » sert de métaphore visuelle au changement, à l’incertitude et aux forces qui nous dépassent. La maison, symbole de stabilité et de confort, est littéralement déchirée par des éléments naturels invisibles, évoquant le changement climatique, l’instabilité économique et les bouleversements personnels. Cette imagerie troublante fait écho aux thèmes fréquemment explorés dans le street art et le graffiti, où les artistes urbains utilisent souvent l’espace public pour mettre en lumière des préoccupations sociopolitiques et des récits personnels. La capacité de Santora à tisser une narration subtile et puissante dans son œuvre confirme sa place au sein du mouvement de l'estampe contemporaine et de l'art urbain. Ses sérigraphies, dont « This Could Really Happen », saisissent la nature éphémère de l'existence, trouvant un écho auprès d'un public sensible à la beauté de l'impermanence et à la poésie du passage.

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Cette horreur jamais défaite, estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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« This Is America », une œuvre d'art en édition limitée, imprimée en giclée sur papier d'art naturel de qualité musée 300 g/m² par l'artiste de graffiti pop culture Adam Caldwell. Épreuve d'artiste (EA) 2015 Signée et marquée EA Édition limitée Format 17x14 J'ai attendu toute ma vie pour créer une œuvre d'art intégrant le travail de mon grand-père, Erskine Caldwell. L'exposition à White Walls était l'occasion idéale. Il était l'auteur à succès de plus de 50 livres, dont « Tobacco Road » et « God's Little Acre ». L'exposition était consacrée à l'œuvre littéraire de mon grand-père et aux photographies de ma belle-grand-mère, Margaret Bourke-White. Ces dernières constituaient la pièce maîtresse de l'exposition et ont servi à la fois pour la carte postale et la publicité. Pendant que je peignais une série inspirée des romans de mon grand-père, j'observais les couvertures de ses romans populaires, avec leurs illustrations suggestives de femmes du Sud séduisantes, ainsi que les photographies de sa seconde épouse, Margaret Bourke-White. J'étais fascinée par ses portraits, salués par la critique et empreints de conscience sociale, des conditions économiques et sociales des métayers du Sud, et par la manière dont ses éditeurs commercialisaient ses livres de poche comme une forme de pornographie softcore détaillant la vie sexuelle de leurs personnages. Les photos de Margaret Bourke-White témoignent également d'un intérêt profond pour les questions de race, de classe et de société. « Des problèmes. » – Adam Caldwell

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This Is America PP Archival Print par Denial - Daniel Bombardier Tirage en édition limitée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m² Œuvre d'art moderne d'un artiste pop. Épreuve d'imprimerie PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 18x18 Pigments d'archivage Le récit provocateur du déni : « Ceci est l'Amérique » « This Is America », de Denial, pseudonyme de l'artiste Daniel Bombardier, illustre avec force la capacité du street art à aborder les problématiques sociales contemporaines. Publiée en 2020 sous forme d'épreuve d'artiste (PP), cette édition limitée, imprimée sur papier d'art Moab Entrada 290 g/m², utilise des pigments d'archivage pour une qualité durable. Chaque exemplaire de cette série, mesurant 45,7 x 45,7 cm, est signé et marqué par l'artiste, garantissant son authenticité et son caractère exclusif. La force graphique de l'œuvre et la puissance de son message textuel s'unissent pour former une œuvre à la fois percutante et critique sur l'état des États-Unis. Le travail de Denial est reconnu pour son esthétique audacieuse, mêlant pop art et graffiti pour dénoncer la société de consommation, la politique et les injustices sociales. « This Is America » ne fait pas exception, avec sa représentation graphique qui explore les thèmes de l'identité, de la représentation et de l'expérience américaine. Le titre de l'œuvre, une question chargée de sous-entendus sociaux et politiques, invite les spectateurs à réfléchir à la réalité de la promesse américaine par rapport à sa réalité, notamment en ce qui concerne les dynamiques raciales et sociales. L'influence artistique et la technique du déni Dans la tradition du pop art, Denial utilise des couleurs vives et saisissantes ainsi que des contrastes marqués pour capter le regard et susciter une réaction. Sa technique rappelle celle des pionniers de la sérigraphie, tout en y apportant une touche de modernité intégrant souvent des éléments du street art, tels que le pochoir et la peinture aérosol. L'utilisation du papier beaux-arts Moab Entrada 290 g/m² pour « This Is America » témoigne de l'exigence de qualité de Denial ; le grammage important et la texture lisse du papier en font un support idéal pour les pigments d'archivage, garantissant ainsi la vivacité des couleurs et des détails de l'estampe au fil du temps. La mention « Épreuve d'imprimeur » est significative pour les collectionneurs d'art. Traditionnellement, les épreuves d'imprimeur sont considérées comme rares et précieuses en raison de leur nombre limité et de l'implication directe de l'artiste dans le processus d'impression. La décision de Denial de signer et de marquer chaque épreuve « EP » la distingue des éditions courantes, créant un lien plus profond entre l'artiste et son œuvre et renforçant ainsi sa valeur de collection. Le pop art urbain et son rôle dans le discours culturel Le street pop art, hybride entre l'intérêt du pop art pour la culture de masse et l'expression brute et publique du street art, est devenu une force influente dans le discours culturel. Des artistes comme Denial exploitent la visibilité et l'accessibilité du street art pour mettre en lumière des problématiques sociales cruciales. « This Is America » sert de catalyseur visuel aux discussions sur la race, l'égalité et le rêve américain, utilisant efficacement le langage visuel du pop art pour impliquer un large public dans ces conversations. Le style direct et percutant de l'œuvre est caractéristique du street pop art, capable de remettre en question les perceptions et d'inspirer le dialogue. L'œuvre de Denial, et notamment cette estampe, exploite la puissance de la représentation graphique pour aborder des problèmes de société complexes, illustrant avec force comment l'art peut refléter et influencer son époque. En résumé, « This Is America » de Denial est bien plus qu'une simple œuvre d'art moderne : c'est une prise de position, une interrogation et le reflet de notre temps. Son imagerie provocatrice et les débats qu'elle suscite lui confèrent une place indéniable dans la continuité du street pop art et du graffiti. En tant que tirage d'archive PP, il témoigne du pouvoir durable de l'art visuel à commenter et à aborder les problèmes urgents de notre époque.

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Achetez This Is Bad Lands - Sérigraphie HOM embellie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur du papier Lenox 100 par Faile Rare Street Art, célèbre artiste pop. Impression d'art Faile "This Is Bad Lands". Edition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde ! Il s'agit de la dernière version de la série 150 qui comportait environ 7 variations dans l'édition ...... plusieurs variations de couleurs, peintes à la main, teintées et imprimées, etc ...... Imprimé sur du papier d'archivage épais et agréable et comme d'habitude, le dos de ceux-ci est vraiment cool aussi avec l'impression, l'estampage, etc... C'est la variation rouge/bleu très recherchée et elle est incroyable en personne. La texture de ces imprimés est incroyable ! L'impression mesure 12,5 "x 19" et a deux bords frangés et deux droits. Signé, numéroté, daté, tamponné et embossé par l'artiste !

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Achetez This Is Bad Lands - Sérigraphie HOM embellie en édition limitée 3 couleurs tirée à la main sur du papier Lenox 100 par Faile Rare Street Art, célèbre artiste pop. Impression d'art Faile "This Is Bad Lands". Edition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde ! Il s'agit de la dernière version de la série 150 qui comportait environ 7 variations dans l'édition ...... plusieurs variations de couleurs, peintes à la main, teintées et imprimées, etc ...... Imprimé sur du papier d'archivage épais et agréable et comme d'habitude, le dos de ceux-ci est vraiment cool aussi avec l'impression, l'estampage, etc... C'est la variation rouge/bleu très recherchée et elle est incroyable en personne. La texture de ces imprimés est incroyable ! L'impression mesure 12,5 "x 19" et a deux bords frangés et deux droits. Signé, numéroté, daté, tamponné et embossé par l'artiste !

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Ceci est Bad Lands - Tirage sérigraphique HPM en édition limitée, orné de motifs rouges et bleus, réalisé à la main en 3 couleurs sur papier Lenox 100 à bords frangés par Faile, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Édition limitée à 250 exemplaires, signée et numérotée, 2014. Œuvre multiple peinte à la main. Format : 12,5 x 19 pouces. L'estampe « Bad Lands » de Faile – un chef-d'œuvre en édition limitée à seulement 250 exemplaires dans le monde. Dernière-née de la série 150, cette édition propose environ sept variations uniques, incluant différentes combinaisons de couleurs, des versions peintes à la main, teintées et imprimées. Imprimée sur un papier d'archivage épais et résistant, la version rouge et bleue, au rendu saisissant, est une pièce très recherchée pour sa texture extraordinaire. L'estampe mesure 31,75 cm x 48,26 cm et présente deux bords frangés et deux bords droits. Le recto et le verso sont minutieusement détaillés, le verso étant orné d'impressions, de tampons et d'autres éléments. Chaque exemplaire est signé, numéroté, daté, tamponné et gaufré par l'artiste, ce qui en fait une pièce de collection véritablement exclusive et précieuse. Ne manquez pas cette occasion unique de posséder cette incroyable estampe – découvrez son impact visuel saisissant en personne ! L'estampe sérigraphique « This Is Bad Lands Red/Blue HPM » est une création de Faile, un duo d'artistes formé par Patrick McNeil et Patrick Miller. Faile est reconnu pour son style unique, qui mêle art urbain, graphisme, culture pop et beaux-arts. Dans cette œuvre, le titre « This Is Bad Lands Red/Blue HPM » désigne une sérigraphie multiple (HPM) peinte à la main, représentant un cowboy au volant d'une voiture de sport classique, dans des tons rouges et bleus. « Bad Lands » évoque un environnement désolé ou hostile, suggérant que l'œuvre peut transmettre un sentiment de danger ou de conflit. Le travail de Faile se caractérise souvent par la superposition d'images et de détails complexes, et leurs sérigraphies font généralement appel à de multiples couches de couleurs et de textures. Ils intègrent fréquemment des matériaux de récupération, des pochoirs et de la colle de farine, créant ainsi une esthétique singulière qui fusionne art urbain et art contemporain.

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This Land Is Your Land AP Silkscreen Print by Shepard Fairey- OBEY Artist Proof Hand-Tired Screen Print on Speckletone Fine Art Paper Limited Edition Pop Street Art Artwork. Épreuve d'artiste AP 2012 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Format 18x24 Sérigraphie d'une œuvre inspirée de la musique de Neil Young : Homme, montagnes, barbelés et la phrase « Défense d'entrer, cette terre est ma terre » « This Land Is Your Land AP » est une sérigraphie captivante, tirée à la main par le célèbre artiste Shepard Fairey, plus connu sous le nom d'OBEY. Créée en 2012 et estampillée « Épreuve d'Artiste » (EA), cette œuvre en édition limitée témoigne de la réputation de l'artiste pour ses créations emblématiques de street art et de pop art. Mesurant 45,7 x 61 cm, cette estampe est réalisée avec une grande précision sur papier Speckletone Fine Art, ce qui en rehausse l'attrait visuel et garantit sa longévité. L'inspiration de Shepard Fairey pour cette œuvre provient de l'interprétation par Neil Young de la chanson de Woody Guthrie, « This Land Is Your Land ». Au cœur de cette œuvre se trouvent les thèmes de la réforme de la politique d'immigration, du regard de la société sur les immigrés et de la promesse intrinsèque de l'Amérique. Fairey, fervent défenseur de la réforme de l'immigration, transmet un message percutant, mettant en lumière un couplet inédit de la chanson de Guthrie. Ce verset en particulier juxtapose avec force un panneau « Propriété privée » et son verso vierge, suggérant que la terre appartient véritablement à tous, indépendamment des divisions sociales. L'imagerie – un homme, des montagnes, du fil barbelé et la phrase percutante « Propriété privée. Cette terre est la mienne » – est un puissant mélange d'esthétique et d'idéologie. Woody Guthrie, auteur de la chanson originale, était vénéré pour son engagement contre les problèmes de société tels que les inégalités sociales et les abus de pouvoir. Si certains ont qualifié Guthrie de « socialiste », l'interprétation de Fairey le célèbre comme une figure compatissante qui a défendu les droits des marginalisés. En s'appropriant ce thème, l'œuvre de Shepard Fairey devient non seulement un régal pour les yeux, mais aussi un commentaire profond sur les enjeux contemporains, ce qui en fait une pièce inestimable dans les domaines de la pop art, du street art et du graffiti.

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Cette machine tue les fascistes AP Sérigraphie de Shepard Fairey - OBEY Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier d'art Speckletone Édition limitée Œuvre d'art pop de rue. Épreuve d'artiste AP 2006 Signée et marquée AP Tirage original en édition limitée Taille 18x24 Sérigraphie de Young Denny Laine des groupes de rock Moody Blues et Wings appuyé sur sa guitare. « This Machine Kills Fascists AP » est une sérigraphie captivante du célèbre artiste de rue Shepard Fairey, plus connu sous le pseudonyme d'« OBEY ». Cette œuvre témoigne de la capacité de Fairey à fusionner l'esthétique du street art avec les subtilités du pop art, créant ainsi des pièces à la fois visuellement saisissantes et politiquement engagées. Il s'agit d'une épreuve d'artiste (AP), un terme désignant dans le monde de l'art un tirage issu de la série originale et conservé par l'artiste à titre personnel ou de référence. Non seulement cette épreuve est marquée « AP » et signée par Fairey, mais elle est également datée de 2006, ce qui atteste de son authenticité. L'œuvre met en scène un portrait minutieux du jeune Denny Laine, figure emblématique de l'histoire du rock, membre de groupes mythiques tels que les Moody Blues et les Wings. L'image le représente appuyé sur sa guitare, symbole de son talent musical et de son héritage. Le choix de Laine comme sujet confère à l'œuvre une dimension culturelle et historique profonde. Fait intéressant, cette estampe est inspirée d'une photographie de Peter Webb datant de 1967, ce qui garantit que l'œuvre restitue non seulement l'interprétation de Fairey, mais aussi l'esprit de l'image originale. La décision de Shepard Fairey d'utiliser l'image de Laine et de l'associer à la déclaration provocatrice « Cette machine tue les fascistes » non seulement inscrit l'estampe dans les genres pop art et street art, mais invite également le spectateur à explorer les implications socio-politiques et les récits plus profonds qui entourent l'œuvre. C'est un mélange harmonieux d'attrait esthétique et de message puissant, qui souligne la maîtrise de Fairey dans l'art de communiquer des idées fortes par le biais de supports visuels.

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Achetez TITLE Edition Limitée sur MEDIUM Pop Artist Modern Artwork. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Archival Pigment Fine Art INFO

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« This Place is Still Gross », tirage giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure, par Oliver Barrett, artiste de street art dystopique et pop. Impression giclée 12″ x 12″, édition limitée à 40 exemplaires, signée et numérotée.

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Achetez Deep Ocean, Vast Hell Limited Edition Aérosol embelli à la main et sérigraphie sur papier d'archives Sommerset Deckled 250gsm par l'artiste Dee Dee Modern Pop art. 2020 Édition limitée signée et numérotée de 5 illustrations Taille 43-7/8 x 30-1/2 pouces Dee Dee est une artiste de rue basée à New York qui utilise le collage, la peinture et la sérigraphie pour donner vie à des rêveries et des cauchemars surréalistes et cinématographiques. C'est dans ce monde – entre sommeil et rêve, entre surface et subconscient – ​​que le spectateur est invité à entrer. Le travail résume les thèmes du visible et de l'invisible, du caché et du révélé, des masques que nous portons et de ceux que nous choisissons d'enlever.

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Autocollant « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker Original Tag Art by Saber Original Permanent Marker Art Sticker Arrow Sticker by Graffiti Artist Modern Street Artwork. Tag original de graffiti signé Slap Up, 4x6, réalisé au marqueur et apposé sur une étiquette autocollante « Flèche vers le haut » du service postal (2020). Le tag exact peut légèrement différer de l'image. Styles et symbolisme caractéristiques du mouvement graffiti Le street art et le graffiti sont devenus des langages visuels majeurs de la culture urbaine, véhiculant souvent des messages forts de contestation sociale et politique. Dans ce contexte, l'œuvre originale de l'artiste graffeur américain Saber, et plus précisément son autocollant « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker », illustre parfaitement la rencontre dynamique entre matériaux du quotidien et expression artistique. Figure influente de la scène graffiti, Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, a bâti une carrière remarquable qui s'étend bien au-delà de la rue pour investir les galeries d'art. Son œuvre « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker » témoigne de l'énergie brute et de la spontanéité du street art. Utilisant un autocollant fléché brillant comme support, Saber transforme un objet utilitaire banal en une œuvre d'art vibrante. Le choix du matériau n'est pas anodin ; il s'inscrit dans la tradition du graffiti qui consiste à s'approprier l'espace public et les objets pour exprimer sa personnalité. La flèche, symbole habituel de direction et d'intention, est ici détournée pour attirer l'attention sur les surfaces négligées des environnements urbains, devenues le domaine du graffeur. L'utilisation audacieuse de l'orange et les traits assurés du marqueur créent un contraste saisissant, renforçant l'impact visuel de l'œuvre. Les lignes gestuelles de Saber, superposées et imbriquées, défient la simplicité de la fonction première de l'autocollant. Ce jeu de couleurs et de formes est caractéristique du Street Pop Art, où la vitalité de la culture populaire est distillée en fragments visuels qui captivent le regard. L'année 2020, date de création de cette œuvre, a vu une renaissance du graffiti, reflétant une période de bouleversements sociaux et la recherche de nouveaux moyens d'expression. « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker » de Saber s'inscrit dans l'esprit historique du graffiti comme forme de résistance et d'affirmation identitaire. En signant l'œuvre, l'artiste en revendique la propriété et l'authenticité, une revendication audacieuse dans le monde souvent anonyme du street art. L'art du graffiti, longtemps perçu comme du vandalisme, a acquis une reconnaissance internationale, brouillant les frontières entre art savant et culture urbaine. L'œuvre de Saber, à l'instar de celle de ses prédécesseurs et contemporains, remet en question les idées reçues sur ce qui constitue l'art et sur qui est considéré comme un artiste. La permanence du marqueur sur l'autocollant fléché brillant symbolise l'impact durable de la culture graffiti, une marque indélébile dans l'histoire de l'art contemporain. L'autocollant « This Way Up Orange Slap-Up Label Sticker » de Saber est bien plus qu'une simple œuvre originale au marqueur indélébile. Il reflète l'héritage américain de l'artiste, offre un instantané de l'année 2020 et constitue une affirmation audacieuse au sein du mouvement Street Pop Art et Graffiti. Figure incontournable du graffiti, Saber continue d'inspirer et de provoquer, faisant de son art une composante essentielle du paysage urbain, au même titre que les rues elles-mêmes.

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Autocollant autocollant rouge et blanc « This Way Up », illustration originale de Saber, dessin original au marqueur permanent sur autocollant flèche brillant par un artiste de graffiti, œuvre d'art de rue moderne. Tag d'art graffiti original signé Slap Up, 4x6, marqueur, tagué sur une étiquette autocollante de service postal avec flèche vers le haut, datant de 2020. Art urbain pop : le langage audacieux de nos villes Le street art, le pop art et le graffiti ont toujours été synonymes visuels de rébellion et de quête identitaire au sein du paysage urbain. Saber, de son vrai nom Ryan Weston Shook, graffeur américain, a largement contribué à cette riche mosaïque urbaine. Son autocollant « This Way Up Red White Slap-Up Label Sticker » illustre à merveille comment le banal peut se métamorphoser en quelque chose d'extraordinaire. Ces dessins originaux au marqueur indélébile, apposés sur des autocollants fléchés brillants, représentent une fusion unique entre le street art et le pop art, se manifestant comme une œuvre d'art urbain moderne qui capte l'air du temps. L'expression artistique de Saber à travers les autocollants Le choix du support par Saber, l'autocollant fléché brillant, est profondément emblématique de la démarche artistique de l'artiste de graffiti : créer avec les outils à sa disposition. La flèche pointant vers le haut, symbole universel de direction et d'ordre, est détournée par le tag chaotique et vibrant de Saber. Le fond rouge et blanc de l'autocollant offre un contraste saisissant avec la fluidité des lignes de Saber, appliquées avec assurance et une spontanéité typique du street art. La création de cette œuvre en 2020, année marquée par d'importants troubles sociaux et des appels au changement à l'échelle mondiale, l'inscrit dans la tradition du graffiti, qui fait écho à la voix de la société. Chaque autocollant 4x6, bien que de style similaire, présente des variations uniques, soulignant la dimension personnelle de l'art du graffiti. L'art du graffiti : un reflet de la culture contemporaine L'œuvre de Saber ne se limite pas à un simple tag personnel ; elle s'inscrit dans le courant du Street Pop Art et parle à un large public. En taguant une étiquette postale, un objet éphémère voué à la poubelle, Saber remet en question les notions de permanence et de valeur dans l'art. Ce tag original, signé et réalisé avec brio, témoigne du talent de l'artiste pour créer des messages percutants sur des supports réduits. Si le graffiti a souvent été un médium transitoire, des artistes comme Saber ont œuvré pour lui conférer une place de choix dans l'histoire de l'art. Ses œuvres, vibrantes et sans concession, offrent un commentaire direct sur l'état du monde, vu à travers le regard de la communauté graffiti. Dans chaque tag, Saber incarne l'esprit du Street Pop Art et du graffiti – des genres qui ont transformé notre perception des espaces publics et de leur potentiel d'expression artistique. Son travail n'est pas seulement une stimulation visuelle, mais aussi un témoignage culturel qui raconte l'histoire de notre époque à travers le prisme de l'artiste de rue. Acteur majeur de la scène du street art, Saber puise son inspiration dans ses racines américaines et son influence constante, assurant ainsi que sa voix et sa vision restent aussi percutantes et mémorables que les stickers qu'il appose.

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Thoroughbred - Pocket Watch White, édition limitée, tirages pigmentaires d'archives sur papier beaux-arts 310 g/m² par Naturel Graffiti Street Artist, art pop moderne. « Thoroughbred est né de la même passion que l'on porte à Polo de Ralph Lauren. Revoir toutes les anciennes pièces Lo de 1994, c'est comme admirer une magnifique femme nue à cheval ! » - Naturel

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Thoroughbred - Stadium Red, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Naturel Graffiti Street Artist, art pop moderne. « Thoroughbred est né de la même passion que l'on porte à Polo de Ralph Lauren. Revoir toutes les anciennes pièces Lo de 1994, c'est comme admirer une magnifique femme nue à cheval ! » - Naturel

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Thoroughbred - Vulcanite Black, tirages pigmentaires d'archives en édition limitée sur papier beaux-arts 310 g/m² par Naturel Graffiti Street Artist, art pop moderne. « Thoroughbred est né de la même passion que l'on porte à Polo de Ralph Lauren. Revoir toutes les anciennes pièces Lo de 1994, c'est comme admirer une magnifique femme nue à cheval ! » - Naturel

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Thoughtcrime Ant Édition Limitée Peinture, pochoir et acrylique sur bois, peinte à la main et ornée, par Bask, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ces œuvres s'inscrivent dans la continuité de ma série Thoughtcrime. L'image de la fourmi est peinte sur une série de panneaux patinés. Cet ensemble a été achevé le mois dernier. Il est difficile d'estimer le temps de création, car la récupération des panneaux à divers endroits et sur une longue période fait partie intégrante du processus artistique, au même titre que l'application de la peinture. Chaque pièce porte en elle sa propre histoire. Chaque panneau est entièrement réalisé à la main, peint et travaillé par mes soins. J'apprécie l'idée de produire en petites séries, permettant ainsi d'acquérir une œuvre originale pour le prix de certaines reproductions actuelles. J'ai conservé ces panneaux pendant un certain temps et il était enfin temps de les découper et d'en faire des œuvres d'art. Des peintures reprenant le même motif au pochoir, mais chacune étant unique. Chaque pièce possède son propre caractère et sa propre personnalité, tout en conservant la répétition du motif Thoughtcrime. » - BASK

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Dunny Kidrobot en vinyle, édition limitée « Visage à trois yeux 8 », œuvre d'art de l'artiste pop Keith Haring. Édition limitée 2020 Kidrobot x Keith Haring Dunny, œuvre d'art de taille 6x8, neuve et scellée dans sa boîte. Kidrobot et Keith Haring : Quand l'art et les objets de collection se rencontrent Kidrobot se positionne à l'avant-garde de la fusion entre art et objets de collection, offrant une expérience esthétique unique et un attrait précieux pour les collectionneurs. Leur Dunny en édition limitée « Visage à trois yeux » (Three-Eyed Face 8) est une figurine en vinyle qui illustre parfaitement cette fusion, mettant en lumière l'œuvre légendaire de Keith Haring. Cette collaboration est une célébration haute en couleur du street art, du pop art et du graffiti, offrant aux collectionneurs et aux amateurs d'art un accès à la vitalité de la vision de Haring. Keith Haring s'est imposé sur la scène artistique dans les années 1980, à une époque où la rue devenait une toile et l'art public un puissant moyen d'expression sociale. Le Visage à trois yeux, œuvre emblématique de son iconographie, incarne son esprit d'innovation et son engagement à rendre l'art accessible à tous. Le partenariat avec Kidrobot perpétue l'héritage de Haring, donnant une forme tangible à son iconique Visage à trois yeux pour une nouvelle génération d'amateurs d'art. Le savoir-faire du mannequin à trois yeux Le Dunny à trois yeux témoigne du savoir-faire méticuleux qui fait la renommée de Kidrobot. Mesurant 15 x 20 cm, il est idéal pour l'exposition et conçu pour susciter la conversation. Chaque Dunny est présenté dans un coffret spécialement conçu qui souligne son statut d'édition limitée. Il s'agit d'un témoignage contemporain de l'influence profonde de Haring sur le Street Pop Art et le graffiti. Kidrobot est depuis longtemps un pionnier dans le secteur des jouets d'art, faisant le lien entre l'art et les objets de collection ludiques. L'entreprise collabore avec la succession de Keith Haring pour faire entrer un morceau d'histoire de l'art dans le marché des collectionneurs d'aujourd'hui. Le Dunny à trois yeux en édition limitée 8 perpétue l'engagement de Kidrobot envers l'art, la collection et l'accessibilité, incarnant l'essence même des contributions artistiques et sociales de Haring. La place du street art, du pop art et du graffiti dans la culture moderne Le street art, le pop art et le graffiti ont bouleversé les codes de l'art traditionnel. Keith Haring a joué un rôle crucial dans cette évolution culturelle, utilisant son art pour communiquer, interpeller et inspirer. Le Dunny à trois yeux est un vecteur de son influence durable, permettant à son art de trouver un écho auprès du public contemporain et de conserver toute sa pertinence sociale. L'importance de cette édition limitée du Dunny à trois yeux est indéniable. Tirée en édition limitée, elle occupe une place de choix dans le monde des objets de collection, prisée pour sa rareté et sa valeur artistique. Scellée et conservée dans son emballage d'origine, elle représente bien plus qu'un simple jouet : un véritable morceau d'histoire, fusionnant art et collection.

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Trois méthodes pour travailler avec le chaos. Impression giclée et livre relié par Faith XLVII - Faith47. Œuvre d'art en édition limitée sur papier beaux-arts. Artiste de rue graffiti pop. Estampe signée et numérotée, édition limitée à 100 exemplaires, 2018. Dimensions : 19,69 x 19,69 cm. En 2018, l'artiste renommée Faith47 a publié un livre relié présentant son œuvre unique et captivante. Ce magnifique ouvrage de 25 × 29 cm contient 232 pages d'images saisissantes et de textes éclairants. Entièrement en anglais, il offre aux lecteurs une immersion dans le parcours artistique de Faith47, mettant en lumière son talent exceptionnel et les messages évocateurs qui imprègnent ses créations. Neuf sous blister. Récit artistique de « Trois méthodes pour travailler avec le chaos » « Trois méthodes pour apprivoiser le chaos », une estampe giclée en édition limitée de Faith XLVII, alias Faith47, illustre la dimension dynamique et philosophique de son travail d'artiste de street art et de graffiti. Signée et numérotée par l'artiste, cette estampe synthétise symbolisme mythologique et existentialisme urbain, offrant une réflexion profonde sur la condition humaine et notre rapport à l'environnement. L'œuvre, de format carré (50 x 50 cm), se prête à une narration visuelle saisissante. Tirée à seulement 100 exemplaires, elle témoigne du caractère exclusif et de la valeur de collection des estampes de Faith47. La figure centrale du cheval, souvent associée à la liberté et à la puissance dans diverses cultures, est rendue avec une translucidité fantomatique qui contraste fortement avec la netteté et la précision des lignes de texte et des motifs géométriques qui l'entourent. Cette juxtaposition symbolise le chaos évoqué dans le titre, suggérant un équilibre entre les aspects sauvages et indomptés de la vie et les éléments structurés et compréhensibles que nous utilisons pour lui donner un sens. Symbolisme et technique dans l'œuvre de Faith47 Dans « Trois méthodes pour apprivoiser le chaos », Faith47 utilise une variété de symboles et de textes, créant ainsi des strates de sens qui invitent à une profonde contemplation. La présence de serpents aux côtés du cheval confère à l'œuvre une dimension d'instinct primitif et de transformation. Le fond de l'estampe, évoquant un parchemin ou du bois ancien, contribue à la qualité intemporelle de l'image, comme si l'œuvre était une relique d'une civilisation ancienne ou une page extraite d'un grimoire ésotérique. La technique d'impression giclée, reconnue pour sa capacité à produire des couleurs profondes et saturées ainsi qu'une grande finesse de détails, restitue parfaitement la texture et la profondeur de l'œuvre originale de Faith47, permettant ainsi d'apprécier pleinement les subtilités de sa technique. Résonance culturelle des graffitis de Faith47 Dans son œuvre, Faith47 explore les thèmes de la justice sociale, des droits humains et de l'interdépendance de tous les êtres vivants. « Trois méthodes pour apprivoiser le chaos » est une manifestation concrète de ces concepts, imprégnée de l'esprit du street art et de son engagement dans l'espace public. Cette estampe sert non seulement d'objet décoratif, mais aussi de point de départ à la discussion ; elle constitue une réflexion visuelle qui reflète l'héritage sud-africain de l'artiste et son expérience de citoyenne du monde. L'impact culturel de l'œuvre de Faith47 est amplifié par son rôle de figure féminine majeure du street art, un domaine traditionnellement dominé par les hommes. Impact et héritage de la foi47 Tirage en édition limitée, « Trois méthodes pour apprivoiser le chaos » s'inscrit pleinement dans le parcours artistique de Faith47. Son œuvre, reconnue internationalement, a été exposée dans des galeries et des musées du monde entier et orne les murs de villes du globe. La rareté de ce tirage en fait une pièce de collection très recherchée par les amateurs d'art et les passionnés de street art et de graffiti. La signature de Faith47 sur chaque exemplaire atteste de son lien direct avec l'artiste, renforçant ainsi l'authenticité de l'œuvre et son engagement envers son art. « Trois méthodes pour apprivoiser le chaos » de Faith47 est bien plus qu'une simple impression giclée : c'est un témoignage du pouvoir du street art et du graffiti à interpeller, inspirer et susciter la réflexion. Le caractère limité de ce tirage, associé à un symbolisme profond et à une technique méticuleuse, confirme le statut de Faith47 comme figure de proue et visionnaire de la scène artistique contemporaine. Par son exploration du chaos et de l'ordre, de la nature et de la civilisation, son œuvre continue d'influencer et de façonner le discours au sein du monde de l'art et au-delà.

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Gravure en trois parties, édition limitée, avec impression à l'aquatinte sur papier d'art de qualité supérieure décoré à la main, par Zwy Milshtein, artiste de pop art et de graffiti. Gravure d'art en édition limitée, signée et numérotée, 1970. Artiste : Zwy Milshtein. Titre : Gravure en trois parties. Technique : Eau-forte avec aquatinte. Dimensions : 53 x 76 cm. Édition : Signée au crayon et numérotée 26/75. Zwy Milshtein : Un maître de la gravure à l'eau-forte et à l'aquatinte Le parcours artistique de Zwy Milshtein est marqué par le mouvement, non seulement à travers les frontières géographiques, mais aussi par l'évolution de son style et de sa technique si particuliers. Né en 1934 à Kichinev, aujourd'hui en Moldavie, Milshtein traverse une période tumultueuse, passant de la Russie à la Roumanie, puis à Israël, au cœur de la Seconde Guerre mondiale. C'est toutefois à Paris, où il s'installe en 1955, qu'il trouve son véritable foyer artistique. Il y acquiert une renommée de peintre et de graveur, notamment grâce à ses eaux-fortes et ses gravures qui saisissent la complexité de l'expérience humaine. Les chemins entrelacés de la gravure et de l'art urbain La « Troisième gravure » ​​de Milshtein témoigne du savoir-faire et de la profondeur de la gravure en tant qu'art. Réalisée en 1970, cette gravure à l'aquatinte, signée et numérotée, en édition limitée de 53 x 76 cm, illustre parfaitement la maîtrise de l'aquatinte par Milshtein – une technique permettant de créer des effets de tonalité, produisant des textures riches et une gamme de nuances qui confèrent aux estampes une qualité picturale. Cette œuvre, faisant partie d'une série exclusive numérotée 26/75, se distingue particulièrement par sa composition abstraite et l'utilisation fascinante de l'espace négatif, qui invite le spectateur à un dialogue visuel évoquant le street art et le graffiti contemporains. L'influence de Milshtein sur l'art contemporain L'influence de Milshtein sur le monde de l'art est largement documentée par de nombreuses expositions et rétrospectives. Son œuvre a été présentée à l'ARC, le Musée d'Art Moderne de Paris, et en 1978, la Bibliothèque nationale de France a accueilli une rétrospective de ses gravures. Parmi ses réalisations artistiques figure sa participation au projet de la Maison Hans Christian Andersen en 1997, où, aux côtés d'autres artistes européens de renom, il a rendu hommage au bicentenaire de la naissance de l'écrivain danois. Les choix esthétiques et la maîtrise technique déployés dans des œuvres telles que « Trois gravures » font écho aux stratégies visuelles du pop art et du graffiti. L'art de Milshtein, tout en étant distinctif par son médium et son exécution, partage l'esprit d'innovation et de subversion qui caractérise le street art. Ses gravures invitent le public à explorer les thèmes de l'identité, de la mémoire et de l'existence, à l'instar du street art et du graffiti dans le paysage urbain. Les contributions de Zwy Milshtein au monde de la gravure et ses explorations de l'aquatinte ont assuré sa réputation d'artiste d'une grande virtuosité et d'une profonde profondeur. « Trois gravures » illustre parfaitement son talent pour communiquer des idées complexes par l’estampe. Son œuvre continue d’inspirer et d’influencer les artistes, au sein et en dehors du pop art, du street art et du graffiti, confirmant ainsi la puissance et la pertinence intemporelles de son art.

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Sérigraphie en édition limitée de l'œuvre GTO de Threepio, imprimée sur papier Metallic Star Dream Cover Stock de 100 lb par l'artiste de graffiti pop culture Lil Tuffy. Lil Tuffy - « Threepio's GTO » Sérigraphie 1 couleur, édition limitée à 100 exemplaires, papier métallisé Star Dream 100 lb, 44,5 x 58,5 cm

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Thriller, peinture originale acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré, par Shark Toof, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Œuvre originale signée de 2015, réalisée à la bombe aérosol et technique mixte, format 24 x 36 pouces. La fusion artistique du « Thriller » de Shark Toof « Thriller », une peinture originale de Shark Toof, est une exploration dynamique du graffiti et du pop art contemporain. Créée en 2015, cette œuvre en techniques mixtes – acrylique, peinture pour bâtiment et aérosol sur bois encadré – révèle le style caractéristique de Shark Toof, mélange d'influences urbaines et de rigueur artistique. Signée par l'artiste, cette pièce de 61 x 91 cm (24 x 36 pouces) atteste de l'authenticité de ce vibrant témoignage de son style protéiforme. Reconnu pour la force de ses créations visuelles dans le milieu du street art, Shark Toof met ici en avant ses racines graffiti. Son travail ne se cantonne pas aux codes traditionnels du pop art ; il explore un territoire où l'iconoclasme rencontre l'iconographie. Dans « Thriller », l'influence du street art est palpable, l'énergie brute du graffiti se traduisant par une composition structurée et dynamique sur bois. La démarche de Shark Toof témoigne d'une volonté délibérée de fusionner son style affirmé avec une irrévérence ludique, invitant le spectateur à s'interroger sur les icônes de notre époque et leur signification fluctuante. L'œuvre incarne la philosophie de Shark Toof selon laquelle l'art ne doit pas toujours être pris trop au sérieux, suggérant ainsi le pouvoir de la subversion de ses propres créations. Cette notion de « vandalisme » des icônes est une réflexion sur la nature éphémère de la célébrité et la fluidité des symboles culturels dans notre société. Ce mélange d'introspection et de critique extérieure confère à « Thriller » une place unique dans l'art contemporain. Shark Toof et l'éthique du « faites-le vous-même » du street art Le choix de Detroit comme toile de fond de son processus créatif par Shark Toof témoigne de son attachement à l'éthique du « fait maison » (ou DIY) souvent associée au street art. Son lien avec la ville, réputée pour son industrie florissante et son histoire d'innovation, fait écho à son parcours artistique. À Detroit, ville qui a connu la grandeur et la rudesse, Shark Toof trouve une âme sœur : un paysage qui est à la fois une toile et un catalyseur de créativité. « Thriller » incarne cet esprit DIY non seulement dans sa création, mais aussi dans sa présentation. L'utilisation de bois entoilé comme support est un clin d'œil aux surfaces improvisées souvent employées dans le street art, où tout espace ou matériau peut devenir le fondement de l'expression. Le choix des matériaux par Shark Toof – peinture pour bâtiment et aérosol – fait également écho au langage du street art, où l'immédiateté du médium correspond à l'urgence du message. « Thriller » de Shark Toof célèbre l'évolution du pop art et du graffiti. Son œuvre témoigne du pouvoir du street art à transcender ses origines urbaines et à trouver un écho dans l'espace des galeries. Par son utilisation audacieuse de la couleur, de la forme et des médiums, Shark Toof continue de questionner et de redéfinir ce que signifie être un artiste de rue dans le monde de l'art contemporain. Son travail est un dialogue avec le spectateur, une invitation à explorer les significations profondes qui se cachent derrière les images que nous voyons et les icônes que nous créons.

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Estampe d'archives « Villes florissantes » de Chris Austin, édition limitée sur papier beaux-arts, art pop graffiti, art urbain, œuvre d'art moderne. Tirage signé et numéroté de 2023, édition limitée à 40 exemplaires, format 32x18, pigments d'archivage, œuvre d'art représentant des requins nageant dans les rues animées d'une ville avec voitures et passants. Dans l'univers éclectique de l'art contemporain, « Villes florissantes » de Chris Austin témoigne avec éclat de l'imagination débordante de son créateur. Cette estampe d'art, magistralement conçue sur papier d'art, offre au spectateur un voyage surréaliste au cœur d'un paysage urbain bouillonnant, où s'entremêlent avec fascination les mondes aquatique et métropolitain. Capturant avec brio l'esprit du pop art, du street art et du graffiti, l'œuvre invite le regard à plonger au cœur de son récit. Mesurant 81 x 46 cm, « Villes florissantes » explore avec audace la juxtaposition des superprédateurs de la nature et de la jungle urbaine. Imaginant des requins nageant avec aisance au milieu des rues animées, se faufilant entre voitures et piétons, Austin crée un monde où les frontières entre nature sauvage et ville s'estompent. Si les requins symbolisent l'agitation incessante et le dynamisme implacable de la vie urbaine, ils instaurent aussi un sentiment d'appréhension, nous rappelant les dangers qui se cachent derrière nos routines en apparence banales. Réalisée avec des pigments d'archivage, cette estampe d'art, d'une qualité et d'une précision exceptionnelles, capture chaque nuance, du reflet du soleil sur les voitures à l'éclat des yeux des requins. Chaque exemplaire est signé et numéroté par Chris Austin, soulignant son caractère exclusif (seulement 40 exemplaires disponibles). Véritable emblème de l'expression artistique contemporaine, « Villes florissantes » est une réflexion saisissante sur la relation symbiotique entre nature et développement urbain, suscitant l'introspection et le dialogue chez les amateurs d'art comme chez le simple curieux.

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À travers les profondeurs AP Sérigraphie par Dalek - James Marshall Épreuve d'artiste Sérigraphie tirée à la main sur papier beaux-arts Édition limitée Œuvre d'art pop et graffiti de rue. Épreuve d'artiste AP 2023 Signée et marquée AP Tirage limité Format de l'œuvre 18x24 Sérigraphie « À travers les profondeurs » de Dalek – James Marshall « À travers les profondeurs » est une épreuve d'artiste de 2023, réalisée par Dalek, alias de James Marshall, artiste contemporain américain. Imprimée à la main en sérigraphie sur papier d'art, cette édition limitée, signée et estampillée AP, mesure 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). Elle témoigne du savoir-faire exceptionnel de Dalek et de l'évolution constante de son esthétique. Dans une palette saturée de jaune canari, bleu ciel, orange, rose et noir, la composition déborde d'une intensité cinétique, centrée sur la figure emblématique du Singe de l'espace de Dalek, dont les membres s'étendent dans un mouvement dynamique. Le singe de l'espace comme symbole et structure Le personnage central, le Singe de l'Espace, est représenté avec la géométrie caractéristique des Daleks : oreilles circulaires, visage quadrillé et membres hypertrophiés qui irradient une intention robotique. Armé d'un marteau rose et semblant suspendu dans un rituel cosmique, le singe est figé dans l'action, cerné par un déluge de faisceaux laser et de cibles géométriques. Le rythme de la composition, à la fois précis et ludique, fait écho aux motifs des graphismes de jeux vidéo, à l'influence de la pop japonaise et aux théories du design postmoderne. Le Singe de l'Espace des Daleks a longtemps servi de vecteur à des commentaires personnels et sociétaux. Visuellement ludique, il véhicule des récits de surveillance, d'anxiété, d'identité et de conformisme. Dans « À travers les profondeurs », le singe apparaît pris entre deux feux, entre ordre et explosion, comme s'il naviguait simultanément dans de multiples dimensions psychiques. L'arrière-plan, méticuleusement construit, présente des couches de cercles concentriques et de carrés aux contours nets, suggérant des portails ou des seuils conceptuels. Le titre évoque une plongée métaphysique, comme si cette créature traversait des strates de perception ou une architecture psychologique. Discipline technique en sérigraphie multicouche La maîtrise de la sérigraphie par Dalek se manifeste par la netteté des lignes, l'alignement parfait des calques et la saturation uniforme de couleurs vives et contrastées. Chaque calque est appliqué indépendamment, exigeant une planification rigoureuse et une grande précision. Le résultat final évoque à la fois une œuvre contemporaine et une carte psychédélique, exécutée avec une maîtrise absolue. L'utilisation de contours noirs et de couleurs vibrantes ancre l'œuvre dans les traditions du graffiti et du langage visuel de la bande dessinée, tout en l'élevant au rang d'estampe d'art. La surface de la sérigraphie est à la fois plane et en relief, construite à partir de champs de couleur qui s'entrecroisent et d'une composition mathématique. La palette vibrante est équilibrée par une structure dense, conférant à l'œuvre une élégance formelle sous son exubérance presque caricaturale. Cette dualité – chaos dans l'image et maîtrise dans l'exécution – est au cœur de l'impact visuel des œuvres de street art, pop art et graffiti de Dalek. Valeur de collection et résonance contemporaine En tant qu'épreuve d'artiste issue d'une série de sérigraphies en édition limitée de 2023, « Through The Depths » revêt une valeur unique auprès des collectionneurs de street art et d'art urbain contemporain. Les épreuves d'artiste sont souvent réservées aux archives personnelles de l'artiste, ce qui les rend d'autant plus précieuses de par leur rareté et leur lien avec la main de l'artiste. La capacité de James Marshall à traduire l'énergie de la culture urbaine en un format structuré et collectionnable le positionne comme une voix incontournable de l'évolution de l'abstraction moderne imprégnée de pop. « Through The Depths » témoigne avec force de l'innovation constante de Dalek. C'est une symphonie compacte de formes et de couleurs, une méditation sur le chaos, la profondeur et l'intensité de l'ère numérique, tout en conservant l'optimisme et la clarté graphique qui définissent son univers Space Monkey. Cette estampe invite à l'interprétation, capte l'attention et se prête à une contemplation prolongée.

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Œuvre d'art de collection en vinyle, édition limitée peinte à la main, inspirée du Canbot argenté rétro, par Czee13, graffeur de rue. Édition HPM 2021 signée et peinte à la main (limitée à 20 exemplaires). Canbot Canz couleur rouille, peint à la main par Czee13. Inspiré du robot argenté original, voici votre chance de posséder un morceau d'histoire du Canbot Canz, peint par son créateur, et arborant l'un des designs les plus recherchés ! Neuf dans sa boîte

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Tirages d'art pigmentaires en édition limitée, édition limitée du jeudi, sur papier Moab Fine Art 290 g/m², par Glenn Barr, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2020. Dimensions de l'œuvre : 16,5 x 20 pouces. Portfolio « Crise de personnalité » – Les créatures surréalistes, les spectres et les personnages tragiques de Glenn Barr évoluent dans un univers sordide, imprégné de la crasse et de la brume d'un paysage urbain onirique post-apocalyptique. Son œuvre, inspirée par Detroit, a été qualifiée de pop surréalisme, de pop pluralisme, de lowbrow, de régionalisme, d'art brut, d'art alternatif, ou encore, selon son propre terme, de « B-culturalisme ». Barr puise son inspiration dans les rues de la ville, ainsi que dans les cultures pop et alternatives, insufflant une familiarité à ses multiples réalités parallèles. Avec un clin d'œil à la peinture des maîtres anciens, à l'art pulp et à la bande dessinée, les toiles de Barr fascinent par leur complexité narrative et leur maîtrise technique.

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Achetez Covid No 19- Bleue Tirage pigmentaire d'archives en édition limitée sur papier d'art MOAB 290 g/m² par Graffiti Pop Art et Street Artist Denial. Bleue Covid19 Chanel Hand Sanitizer Virus Variant. Numéroté, signé, tamponné au verso. Édition de 19 tirages pigmentaires d'archives sur papier MOAB Fine Art 290 GSM Taille 18 "x 24" Dans le monde de Denial, la mémoire est importante, car elle est à la base de son travail, car elle encourage avec nostalgie le public à s'y engager. Du coup, son art est aussi familier qu'inquiétant car il révèle les pans les plus déstabilisants de la société, ceux dont nous sommes dans le « déni ». Peu importe son histoire controversée, le graffiti est de moins en moins considéré comme une forme de vandalisme.

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Sérigraphie soignée à quatre couleurs, réalisée à la main sur papier Mohawk Superfine UltraWhite par l'artiste de graffiti pop Pose-Jordan Nickel. Œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2017. Dimensions de l'œuvre : 18 x 24 pouces.

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Masque de tigre - Première génération 400% BE@RBRICK Édition limitée Medicom Vinyle Illustration Jouet Figurine de collection. Tiger Mask 2021 est le personnage incarné par plusieurs catcheurs professionnels japonais. Cette version rend hommage à la première génération de catcheurs portant ce nom. Ce Bearbrick 400 % mesure 28 cm.

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Tirages d'art en édition limitée, réalisés à partir de pigments d'archives, sur papier d'art Bauhaus Cotton, par Ben Frost, artiste de graffiti, de street art et de culture pop. « Tigger sous Zoloft », tirage numérique d'archive sur papier Bauhaus Photo Rag 310 g/m² 100 % coton, gaufré, signé et numéroté par Ben Frost, 30 cm x 30 cm (12 x 12 pouces), Melbourne, Australie. Édition limitée à 50 exemplaires. L'essence du commentaire de Frost repose sur la subversion du sens et des messages véhiculés par les médias traditionnels. Autrement dit, et comme il l'a déjà affirmé : « Moins vous encombrez votre esprit des artifices de la publicité et des émissions de télévision de piètre qualité, plus vous libérez de l'espace pour des choses qui ont de la valeur. » Parallèlement, son regard sur la culture populaire contemporaine est tout aussi pertinent. Médias traditionnels, publicité et politique figurent parmi ses principaux centres d'intérêt, qu'il exploite et mêle de façon provocatrice. Le terme « provocateur » n'est pas employé au hasard. L'art de Ben Frost consiste, en substance, à s'approprier et à instrumentaliser l'imagerie contre le système même qui l'a engendrée.

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TikkyWow MEGA TEQ63, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti de rue Quiccs x Martian Toys. Figurine vinyle Tikkywow MEGA TEQ63 de 30 cm (12 pouces) – 2021 – par Tikkywow x Quiccs x Martian Toys. Édition limitée à 222 exemplaires dans la boîte Artist Series MegaTEQ 01. Bulletpunk : La Quête de la Fin du Jeu.

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TikkyWow Mini TEQ63, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art créée par l'artiste de graffiti Quiccs x Martian Toys. Figurine vinyle Tikkywow MEGA TEQ63 de 7,6 cm (3 pouces) – 2021 – par Tikkywow x Quiccs x Martian Toys. Bulletpunk : La Quête de la Fin du Jeu.

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Sérigraphie « Jusqu'à ce que nous nous séparions » de Faile, tirée à la main en 4 couleurs sur papier d'art Lenox 100. Édition limitée. Édition limitée 2024, signée et numérotée, à 47 exemplaires. Œuvre de 18 x 24 pouces (45,7 x 61 cm), impression acrylique et sérigraphique. Une union vibrante de romance et de mystère L'estampe sérigraphique « Jusqu'à ce que nous nous séparions » de Faile présente un récit poignant qui mêle passion, mortalité et dévotion. Cette édition limitée de 47 exemplaires, signée et numérotée (édition 2024), mesure 45,7 x 61 cm et est imprimée sur papier d'art Lenox 100. Des rehauts acryliques vibrants ajoutent de la texture, sublimant le procédé de sérigraphie en quatre couleurs utilisé pour la réalisation de chaque pièce. La signature de Faile consiste à entremêler des motifs classiques à des touches contemporaines, créant ainsi une image à la fois empreinte de nostalgie et vibrante d'énergie moderne. Le regard est immédiatement captivé par la scène saisissante d'une silhouette enlaçant tendrement un squelette, une image qui interroge la frontière entre la vie et la mort, et les liens affectifs qui perdurent au-delà de l'existence physique. Influences du street art, du pop art et du graffiti Le duo américain Faile puise souvent son inspiration dans le street art et le graffiti pour ses compositions. Cette influence se manifeste par des lignes audacieuses, des couleurs saturées et une fusion de texte et d'images évoquant les fresques urbaines. « Til We Part » rend hommage au style irrévérencieux des interventions de rue, tout en contrebalançant cette énergie brute par un sens aigu de la composition. L'œuvre présente un agencement soigneusement orchestré de roses vifs, de rouges profonds et de noirs intenses, assemblés par sérigraphie. La superposition subtile de divers éléments symboliques, tels que des fleurs et des motifs décoratifs, souligne la tension entre la fugacité de la vie et la force durable des sentiments. Ces références à l'esthétique classique du graffiti aboutissent à une œuvre visuellement saisissante qui aborde le chagrin d'amour, l'espoir et la résilience des liens humains. Savoir-faire et techniques Créée à la main selon la technique de la sérigraphie quatre couleurs, « Til We Part » témoigne du dévouement de Faile à un savoir-faire d'exception. Le papier Lenox 100 Fine Art met en valeur les encres richement superposées et les accents acryliques, garantissant une composition nette et éclatante. L'ajout de touches acryliques au pinceau révèle une fusion entre les techniques traditionnelles des beaux-arts et la créativité inspirée du street art. Chaque estampe fait l'objet d'une attention méticuleuse lors de sa production, ce qui engendre de légères variations de couleur ou de texture et rend chaque pièce unique. L'attachement de Faile au processus créatif transparaît dans les motifs complexes des fonds, qui évoquent les styles publicitaires d'antan tout en affirmant une forte dimension contemporaine. Collectionneurs et amateurs apprécient le caractère unique de chaque sérigraphie et la manière dont les détails artisanaux rehaussent l'ensemble. Une pièce de collection inoubliable L'œuvre « Til We Part » séduit un large public par son imagerie provocatrice et ses prises de position artistiques audacieuses. En mêlant romantisme et touches de macabre, Faile invite à la réflexion sur l'amour, la perte et la transformation. La palette de couleurs et la composition s'harmonisent parfaitement, créant une œuvre dynamique qui touche à la fois à l'intime et à l'universel. Tirée à seulement 47 exemplaires, cette édition limitée souligne sa rareté et confère un caractère exclusif aux amateurs d'œuvres repoussant les limites esthétiques. Qu'elle soit exposée dans une collection privée ou une galerie, cette estampe interpelle le spectateur, l'invitant à méditer sur la portée émotionnelle de chaque geste et sur les récits plus vastes qui se tissent à la croisée de la culture populaire et des beaux-arts.

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Tilt - Édition limitée blanche rare - Peinture aérosol - Illustration croisée du célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Le graffeur et artiste toulousain TILT nous enchante depuis des années avec ses throw-ups inimitables. Il les a rendus célèbres à l'international. Son style graphique et son utilisation des couleurs continuent de distinguer son travail, comme en témoigne son édition limitée Montana Colors. Toujours prêt à s'amuser, TILT ne cesse d'expérimenter. Vers l'infini et au-delà !

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Tilting Dogs, édition limitée, sérigraphie artisanale en 3 couleurs sur papier beaux-arts, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne. 23 x 35 pouces. Trois écrans sur papier blanc standard. Édition signée et numérotée à 170 exemplaires. Le papier peut présenter de légères ondulations.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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Achetez What Party Figure - Orange Limited Edition Vinyl Art Toy Sculpture Oeuvre de collection par le légendaire artiste moderne Kaws. 2020 Épuisé COVID Open Edition Taille 5.1x11.3x3.7 Pied imprimé neuf dans la boîte Chum se demande ce qui est arrivé aux fêtes en 2020 ?

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