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Monkey-Lava, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte « Monkey » s'inspire du tableau original « Good Morning Sunshine » de Joe Ledbetter. Personnage emblématique de l'artiste, Monkey reflète parfaitement notre état d'esprit au réveil, lorsque nous avançons péniblement dans la jungle de la vie. La version LAVA traditionnelle, toujours très appréciée, a été présentée pour la première fois sur notre stand (n° 4851) au Comic-Con de San Diego en 2014. Édition limitée à 100 exemplaires.

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Singe-Neige, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Joe Ledbetter. Édition limitée 2014 à 100 exemplaires. Format de l'œuvre : 10x8. Affiché dans la boîte Qui aime le froid ? Personne ! Les hivers sont de plus en plus longs et froids, et Snow Monkey n'en est pas du tout content !

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Sérigraphie artisanale en édition limitée « Monkey Trick », 4 couleurs, sur papier beaux-arts, par Derek Hess, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Quatre couleurs et le blanc du papier créent les lignes de bronzage. – Derek Hess Analyse de la sérigraphie « Monkey Trick » de Derek Hess Dans le jeu complexe de couleurs et de lignes qui caractérise « Monkey Trick » de Derek Hess, l'œuvre se distingue comme un témoignage éloquent du talent de l'artiste pour fusionner l'intensité du graffiti avec la finesse du pop art contemporain. Cette sérigraphie en quatre couleurs, tirée à la main et imprimée en édition limitée sur papier d'art, illustre comment l'esthétique du street art peut se transformer en œuvres dignes d'une galerie. Hess, artiste américain originaire de Cleveland, dans l'Ohio, est reconnu pour son travail, qui reflète souvent les thèmes de la lutte, de l'émotion et de la complexité humaine. Sérigraphie : Fusion de l'art urbain et des beaux-arts La technique utilisée dans « Monkey Trick » est la sérigraphie, une méthode traditionnelle d'impression au pochoir. En utilisant un pochoir pour transférer l'encre sur le papier, à l'exception des zones rendues imperméables par un pochoir opaque, Hess déploie son style distinctif, habituellement présent sur les murs des villes et les planches de skate. L'affirmation de Hess, « 4 couleurs et le blanc du papier créent les lignes de bronzage », souligne sa méthodologie méticuleuse. La palette de couleurs restreinte n'en limite pas la profondeur ; au contraire, elle l'enrichit, le blanc du papier devenant un élément à part entière du récit. Ceci est particulièrement remarquable dans le street art, où l'environnement contribue souvent à l'œuvre, tout comme le papier ici. Les alentours ne sont pas de simples décors, mais des composantes essentielles de l'art. Dans « Monkey Trick », Hess utilise l'absence de couleur pour suggérer une présence, à l'instar du silence éloquent dans une conversation. Cela reflète la manière dont les graffeurs utilisent souvent les murs comme support, en adaptant et en intégrant leurs imperfections et leurs textures à leur travail. Le langage visuel de « Monkey Trick » Le sujet de « Monkey Trick » est typiquement Hess : une figure humaine complexe au repos, suggérant la vulnérabilité ou l’épuisement, côtoie une silhouette plus menue, qui semble être un singe, elle aussi au repos. La figure humaine, rendue par des lignes robustes et musclées, est à la fois influente et passive. Le singe, souvent symbole de malice ou d’espièglerie dans l’art, est représenté dans un moment de calme inhabituel, faisant écho à son homologue humain. Cette dualité reflète peut-être la nature multifacette de l’être humain, qui possède à la fois une part primitive et brute et une capacité émotionnelle plus complexe. L’utilisation de seulement quatre couleurs pour créer cette œuvre témoigne de l’ingéniosité de Hess. Elle invite le spectateur à trouver profondeur et texture dans la limitation, un thème récurrent dans le street art où les artistes travaillent souvent avec une palette restreinte en raison des contraintes environnementales et matérielles. La sérigraphie embrasse l’éthique brute et sans filtre du street art, qui s’appuie sur le minimalisme et la franchise pour transmettre des messages puissants. Les lignes et les nuances beige de « Monkey Trick » créent une texture tangible, presque palpable, qui rappelle la nature tactile des murs servant de toiles dans les paysages urbains. L'héritage de Derek Hess et de « Monkey Trick » L'œuvre de Derek Hess a joué un rôle déterminant dans le rapprochement des univers souvent cloisonnés du street art et des beaux-arts. « Monkey Trick » illustre parfaitement comment la spontanéité et l'imagerie saisissante du graffiti peuvent s'harmoniser avec le pop art. Elle témoigne également de la capacité de Hess à exprimer des émotions humaines complexes à travers des compositions simples mais captivantes. Cette sérigraphie enrichit son statut de pionnier de cette forme d'art hybride. Véritable témoignage culturel, elle capture l'essence d'une époque où le street art est de plus en plus reconnu comme une forme d'art légitime et influente. Avec « Monkey Trick », Hess contribue au dialogue sur la convergence des techniques du street art et des principes artistiques reconnus. Son œuvre trouve un écho au sein de la communauté artistique et au-delà, attirant ceux qui ont besoin d'une approche plus traditionnelle de l'art et les invitant à explorer les significations profondes qui se cachent derrière des visuels d'une simplicité trompeuse. Des œuvres comme celle-ci illustrent bien que le pop art urbain contemporain ne se limite pas à l'art lui-même, mais englobe également le processus créatif et le récit auquel il invite le spectateur à participer. À travers son art, Derek Hess nous invite à réfléchir à la condition humaine, à la brutalité de notre existence et à la beauté qui se cache derrière les contraintes de la forme et de la couleur.

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Mono Taxali Livre d'art signé par Gary Taxali, édition limitée rare, référence aux œuvres d'art pop modernes. Édition limitée à 200 exemplaires, signée et numérotée, de « Mono Taxali », œuvre de l’artiste Gary Taxali, publiée en 2011, est un précieux ouvrage bilingue (anglais et italien). Ce livre de 304 pages, aux dimensions de 15 x 18 x 4,5 cm, présente 175 illustrations, dont 156 en couleurs. Imprimé en quadrichromie sur un papier vergé naturel de qualité supérieure, il offre une reproduction fidèle de chaque illustration. Relié sous une couverture rigide robuste et orné d’une élégante jaquette française, « Mono Taxali » est catalogué sous la référence DC 012. Son ISBN 978-88-95165-11-0 en fait un ouvrage de référence dans le domaine de l’édition d’art. Maîtrise curatoriale et perspicacité artistique Le livre d'art « Mono Taxali », une édition limitée signée et numérotée, est un recueil exceptionnel de l'œuvre novatrice de Gary Taxali, figure emblématique du pop art moderne. Publié en 2011 à 200 exemplaires, cet ouvrage de 15 x 18 x 4,5 cm (5,9 x 7 x 1,8 pouces) rassemble 304 pages de récits visuels de Taxali, profondément ancrés dans son héritage indo-canadien et témoignant de sa contribution unique au monde de l'art. Sous la direction artistique rigoureuse de Franco Cervi, « Mono Taxali » offre aux lecteurs un regard intime sur le langage visuel de Taxali, qui fusionne avec brio pop art, street art et graffiti. Ce recueil propose un voyage à travers l'évolution artistique de Taxali, mettant en lumière son style distinctif qui mêle fantaisie et satire dans une célébration de la couleur et de la forme. La conception du livre reflète le génie créatif qui caractérise Taxali : chaque chapitre est agencé avec soin pour refléter la profondeur et l'étendue de son œuvre. Pour enrichir l'ouvrage, Seymour Chwast, Steven Heller et Charles Hively, figures emblématiques de l'art et du design, signent des préfaces qui contextualisent l'œuvre de Taxali. Leurs perspectives invitent à une immersion totale dans son univers imaginaire. Les textes de Ferruccio Giromin, quant à eux, proposent une analyse approfondie de l'œuvre de Taxali, en disséquant les multiples strates de sens et les références culturelles qui la caractérisent. Impact culturel et héritage « Mono Taxali » n'est pas qu'une simple vitrine d'œuvres artistiques ; c'est un récit vibrant qui tisse les fils de la culture urbaine, du pop art et de l'identité personnelle. L'œuvre de Taxali, caractérisée par un commentaire à la fois ludique et poignant sur la vie contemporaine, résonne de l'énergie spontanée du street art. Parallèlement, sa maîtrise des techniques artistiques traditionnelles ancre son travail dans le domaine des objets de collection et de l'art intemporel. Dans la grande tapisserie du Street Pop Art et du graffiti, « Mono Taxali » s'impose comme une pièce majeure – un ouvrage qui non seulement encapsule la splendeur visuelle de l'art de Gary Taxali, mais capture aussi l'esprit d'une époque célébrant la fusion de la sensibilité urbaine et de l'art contemporain. Ce livre d'art en édition limitée est un incontournable pour les fans et les collectionneurs, promettant un plaisir visuel et un héritage durable dans l'histoire de l'art moderne.

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Tirages d'art en édition limitée Monolithic Interruption, réalisés à partir de pigments d'archives sur papier d'archivage 100% coton, par l'artiste de graffiti, de street art et de culture pop Ben Kehoe. 20 po x 16 po, bordure blanche de 1,25 po x 1 po incluse. Imprimé sur coton lisse Innova 315 g/m², blanc pur, 100 % coton – signé et numéroté.

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Monroe POPfolio - Collage sérigraphié à la main en 13 couleurs sur papier d'archivage par l'artiste pop moderne Mr Brainwash - Thierry Guetta. Œuvre rare en édition limitée de Marilyn Monroe. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Straight Edges, sérigraphie 11 couleurs, signée et estampillée du pouce par l'artiste.

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Monroe POPfolio - Sérigraphie fragile 11 couleurs tirée à la main sur papier d'archivage par l'artiste pop moderne Mr Brainwash - Thierry Guetta. Œuvre d'art rare en édition limitée de Marilyn Monroe. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Straight Edges, sérigraphie 11 couleurs, signée et estampillée du pouce par l'artiste.

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Monroe POPfolio - Photo Tear, sérigraphie artisanale 11 couleurs sur papier d'archivage par l'artiste pop moderne Mr Brainwash - Thierry Guetta. Œuvre d'art rare en édition limitée de Marilyn Monroe. Édition limitée 2022, signée et numérotée, à 75 exemplaires. Format de l'œuvre : 24 x 24 pouces. Straight Edges, sérigraphie 11 couleurs, signée et estampillée du pouce par l'artiste.

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Objet artistique Monsters Boo Berry Cereal par Kaws - Brian Donnelly, édition limitée, pièce de collection d'artiste pop. Céréales pour petit-déjeuner, produit rare, non ouvert, datant de 2022. Objet d'art, format 7,5 x 10 pouces (19 x 25 cm). Ne pas ingérer. « Boo Berry Ghost » de General Mills, style Kaws. Illustration de l'objet céréale Monsters Boo Berry par Kaws L'œuvre d'art « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » de Kaws (alias Brian Donnelly) est une pièce de collection en édition limitée qui allie la nostalgie d'une marque à l'esthétique audacieuse et moderne du pop art urbain. Sortie en 2022, cette œuvre unique transforme une boîte de céréales classique en une véritable œuvre d'art, mettant en scène le fantôme emblématique de Boo Berry réinterprété dans le style caractéristique de Kaws. Mesurant 19 x 25,5 cm, cette boîte de céréales non ouverte n'est plus fabriquée et est considérée comme un objet de collection artistique, non destiné à la consommation. Une fusion de nostalgie et d'art contemporain Cette œuvre puise son inspiration dans le riche héritage culturel des céréales Boo Berry, une marque emblématique de General Mills lancée en 1973 au sein de sa gamme de céréales sur le thème des monstres. En intégrant son dessin reconnaissable du fantôme aux yeux en forme de X, Kaws insuffle une nouvelle vie à cette imagerie nostalgique pour un public contemporain. L'emballage coloré conserve les éléments classiques de l'identité visuelle de Boo Berry tout en y ajoutant la touche artistique singulière de Kaws, fusionnant harmonieusement design commercial et beaux-arts. Cette juxtaposition du ludique et du sophistiqué est une marque de fabrique du travail de Kaws, rendant cette pièce à la fois accessible et très recherchée par les collectionneurs. La vision de Kaws Brian Donnelly, alias Kaws, est un artiste de renommée internationale, reconnu pour son travail à la croisée du street art, du pop art et du graffiti. Sa carrière a débuté dans le graffiti avant de s'étendre aux beaux-arts, à la mode et au design. Kaws est réputé pour sa capacité à transformer des objets et des personnages du quotidien en œuvres d'art audacieuses. Son style caractéristique, avec ses yeux en forme de X et ses formes inspirées des dessins animés, critique la société de consommation tout en célébrant son langage visuel. L'œuvre « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » illustre parfaitement cette dualité, métamorphosant un produit de grande consommation en une pièce de collection en édition limitée qui repousse les limites de l'art. Un objet de collection rare Cette boîte de céréales scellée de 2022 est une pièce de collection rare et recherchée. Désormais introuvable, elle représente une fusion unique entre emballage alimentaire et art contemporain, ce qui en fait un ajout idéal à toute collection de street art ou d'objets liés à Kaws. Bien qu'étant une œuvre d'art, la boîte porte un avertissement clair indiquant qu'elle n'est pas destinée à la consommation, soulignant ainsi son rôle d'artefact visuel et conceptuel plutôt que de produit de consommation. Son format compact permet une présentation polyvalente : sur une étagère, dans une vitrine ou au sein d'une collection d'art. L'œuvre « Monsters Boo Berry Cereal Object Art » de Kaws illustre l'approche novatrice de l'artiste qui réinvente les objets du quotidien en œuvres d'art. En associant la nostalgie de la culture de consommation à l'esthétique du street art, cette pièce de collection transforme une simple boîte de céréales en une œuvre marquante, incarnant l'esprit créatif de Kaws et sa contribution à l'art contemporain.

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Monstres et Cie, œuvre d'art moderne pop du film, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de qualité supérieure par l'artiste moderne graffiti Pixar Raid71. Estampe officielle Pixar 2022 Monstres et Cie, impression giclée 18 x 24, signée et numérotée à la main

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Moon Over Biloxi, sérigraphie en édition limitée, tirée à la main, une couleur, sur papier beaux-arts, par Shepard Fairey, artiste de street art rare et célèbre du pop art. Sérigraphie signée et numérotée « Lune sur Biloxi » 18 x 24 pouces Édition de 400 exemplaires 27 juillet 2010. Le titre de cette estampe, « Moon Over Biloxi », est un hommage à la chanson « Moon Over Marin » des Dead Kennedys. En 1984, j'ai acheté ce qui était peut-être mon quatrième disque punk : le deuxième album des Dead Kennedys, « Plastic Surgery Disasters ». Cet album est excellent de bout en bout et comprend des morceaux percutants comme « Riot » et « Bleed For Me », empreints de critique sociale. La chanson surprise, cependant, est « Moon Over Marin »… Certains la qualifient de « U2 » des Dead Kennedys, mais je ne suis pas d'accord. « Moon Over Marin » est plus mélodique que la plupart des morceaux des Dead Kennedys, mais, juxtaposée à la noirceur des paroles, elle évoque une puissante mélancolie existentielle. Je crois que l'idée qui m'a marqué, et qui m'est restée, est que notre manque de respect les uns envers les autres et envers la planète pourrait bien nous perdre, mais que la vie continuera sans nous. Je pense qu'il est sain de reconnaître l'impermanence, mais aussi d'apprécier la valeur de la vie. Éphémère. La lumière de la lune, réelle ou artificielle, sera probablement présente, mais ce qu'elle éclairera est la véritable question. Il y aura toujours une lune au-dessus de Biloxi. – Shepard

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Moon Over Biloxi - Sérigraphie artisanale en édition limitée, monochrome blanche, sur papier beaux-arts, par Shepard Fairey. Rare œuvre de street art d'un artiste pop célèbre. Variante blanche signée et numérotée Moon Over Biloxi Sérigraphie 18 x 24 pouces Édition de 200 exemplaires 27 juillet 2010. Le titre de cette estampe, « Moon Over Biloxi », est un hommage à la chanson « Moon Over Marin » des Dead Kennedys. En 1984, j'ai acheté ce qui était peut-être mon quatrième disque punk : le deuxième album des Dead Kennedys, « Plastic Surgery Disasters ». Cet album est excellent de bout en bout et comprend des morceaux percutants comme « Riot » et « Bleed For Me », empreints de critique sociale. La chanson surprise, cependant, est « Moon Over Marin »… Certains la qualifient de « U2 » des Dead Kennedys, mais je ne suis pas d'accord. « Moon Over Marin » est plus mélodique que la plupart des morceaux des Dead Kennedys, mais, juxtaposée à la noirceur des paroles, elle évoque une puissante mélancolie existentielle. Je crois que l'idée qui m'a marqué, et qui m'est restée, est que notre manque de respect les uns envers les autres et envers la planète pourrait bien nous perdre, mais que la vie continuera sans nous. Je pense qu'il est sain de reconnaître l'impermanence, mais aussi d'apprécier la valeur de la vie. Éphémère. La lumière de la lune, réelle ou artificielle, sera probablement présente, mais ce qu'elle éclairera est la véritable question. Il y aura toujours une lune au-dessus de Biloxi. – Shepard

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Achetez Alice Bag 3 couleurs tirées à la main en sérigraphie en édition limitée sur du papier d'art Speckletone fin par Shepard Fairey x Melanie Nissen Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. 2022 Signé par Shepard Fairey & Melanie Nissen, Numéroté 18x24 pouces. Sérigraphie sur papier Speckletone crème épais. Edition numérotée de 550. "J'étais très enthousiaste à l'idée de rencontrer et de collaborer avec Melanie Nissen car, en tant que co-fondatrice du magazine Slash, elle a photographié certaines des figures et des moments les plus importants de la scène punk des débuts de LA, une scène qui m'a profondément marqué en tant que personne créative. Le nouveau livre de Nissen de ses photos punk de 1977 à 1980, Hard+Fast, est magnifiquement conçu et plein d'images étonnantes. Après quelques délibérations sérieuses, j'ai décidé que j'aimerais faire une illustration d'Alice Bag. J'ai d'abord rencontré Alice Bag en tant que un adolescent dans le documentaire de Penelope Spheeris "Le déclin de la civilisation occidentale", mais The Bags n'a pas sorti beaucoup de musique, et c'était difficile à trouver. Cependant, en lisant des livres sur la scène punk de Los Angeles comme "We Got The Neutron Bomb "et" Lexicon Devil ", ainsi que le livre du magazine Slash, j'ai réalisé qu'Alice était une figure très importante de la scène LA qui a continué à faire de la bonne musique et est une fervente championne de LatinX et des causes féministes. Elle est aussi une personne très gentille je suis content de fêter ça Alice pour ses contributions à la culture d'hier et d'aujourd'hui. Si vous n'êtes pas familier avec The Bags, je vous recommande de choisir "All Bagged Up… The Collected Works 1977-1980". – Shepard

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Estampe d'art en édition limitée Moonchild, réalisée avec des pigments d'archivage sur papier blanc brillant 340 g/m² par l'artiste Tratos. Édition numérotée et signée de 50 exemplaires (2022). Papier beaux-arts velours blanc brillant, résistant à l'eau, 340 g, fabriqué à partir de fibres de coton à 100 %.

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Moonrock Shrine - Moonrock Edition Partie 2 Pièce unique originale faite à la main et peinte Mini Nuggets Art Toy Collectible Artwork par les artistes du cannabis Nug Life NY. Sculpture originale signée, réalisée en techniques mixtes, représentant du cannabis (2022). « Les Sanctuaires des Yeux de Pierre sont disséminés partout dans Nugglife. Des jungles aux océans, du Grand Nord aux vastes déserts de Kief, d'anciennes pyramides abritent deux Eye Nuggs. Ces sanctuaires rassemblent fumeurs, cultivateurs et amateurs de nuggets. Que ce soit pour une quête de savoir ou une simple pause fumette, de grandes merveilles attendent ceux qui prennent le temps de les apprécier. Ils ne s'ouvrent qu'à ceux qui y croient vraiment. La rumeur court que ces reliques antiques auraient été utilisées par des extraterrestres pour communiquer avec d'autres mondes. Chaque Eye Nugg est sculptée à la main, avec des détails en résine. Les plantes sont fabriquées artisanalement à partir de fil de fer et d'argile. Chaque pièce est peinte à la main et trempée dans notre mélange de Kief exclusif. Dimensions : 10 x 9 x 7,5 cm. Livrée en boîte. » - Nugg Life NY - Ian Ziobrowski

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Œuvre d'art Moooo, impression giclée en édition limitée sur papier d'art de l'artiste de graffiti de la culture pop Xiau-Fong Wee. Xiau-Fong Wee - « Moooo », tirage d'art giclée en édition limitée à 40 exemplaires, signés et numérotés

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Mope Bhytpn - La carte Kid imprimée sur carte à collectionner GAS par SSUR - Ruslan Karablin. Œuvres imprimées 2022 pour les manifestations contre la guerre en Ukraine. Édition limitée. SSURO Images jouit d'une renommée internationale depuis le début des années 90. Ses messages percutants et mémorables, d'une grande force visuelle, sont présents dans son art et ses marques de streetwear depuis près de trois décennies. SSUR a créé des visuels pour certaines des marques les plus prestigieuses au monde. Cartes GAS inspirées par les racines et l'histoire de sa ville natale, Odessa, en Ukraine. La carte « Mope Bhytpn - The Kid » de Ruslan Karablin : un symbole de résilience En 2022, l'artiste Ruslan Karablin, alias SSUR, a lancé « Mope Bhytpn - The Kid » dans le cadre de la série de cartes à collectionner GAS, mêlant ses racines dans le street art à un récit poignant sur fond de guerre en Ukraine. Cette édition limitée puise son inspiration dans les origines ukrainiennes de Karablin, à Odessa, et confère à la carte une signification profondément personnelle et historique. SSUR : Créer des récits visuels pour une sensibilisation mondiale SSUR est une figure emblématique de la culture pop et du street art depuis le début des années 90, créant des images à l'écho international. Son œuvre capture souvent l'essence de l'instant, délivrant des messages forts grâce à des images saisissantes et des éléments textuels percutants. La carte « Mope Bhytpn - The Kid » s'inscrit dans cette tradition, constituant une protestation visuelle contre le conflit en Ukraine, tout en puisant dans la richesse de l'histoire et de la culture de la région. Chaque carte de cette série n'est pas un simple objet de collection ; c'est une œuvre d'art qui porte le poids de l'actualité et le lien personnel de l'artiste avec celle-ci. La capacité de SSUR à transmettre des messages complexes dans un format visuellement captivant fait de son travail une pièce très recherchée par les collectionneurs et les amateurs d'art. Cartes GAS : Fusion de l'art et de l'activisme GAS Cards est devenu synonyme de la rencontre entre le street art, le graffiti et l'activisme. « Mope Bhytpn - The Kid » illustre parfaitement cette fusion, incarnant l'accessibilité du street art et la popularité du pop art, tout en prenant position sur des problématiques contemporaines. Le format carte à collectionner constitue un support novateur pour l'art engagé, permettant une large diffusion de ces messages et enrichissant l'expérience du collectionneur. L'imagerie de la carte, évoquant le street art de Karablin, rappelle avec force l'innocence perdue durant la guerre en Ukraine. Le jeune personnage, sur fond d'un passé à la fois idyllique et marqué par les conflits, représente la résilience du peuple ukrainien et de sa culture. La carte « Mope Bhytpn - The Kid » de SSUR est bien plus qu'un objet de collection : elle témoigne du pouvoir de l'art à refléter son époque, à susciter la réflexion et à inspirer l'action. Le travail de Ruslan Karablin avec GAS Cards continue de faire le lien entre les mondes de l'art et du commentaire social, créant des œuvres aussi significatives que visuellement saisissantes.

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Plus de cerveaux ! Édition limitée, sérigraphie artisanale en quatre couleurs sur papier beaux-arts, par John Smith, artiste de rue graffiti, art pop moderne. "Plus de cerveaux !" Son portrait de Tarman pour l'exposition Icons Of Horror de la galerie Guzu, 2014. Édition numérotée de 50 exemplaires, 12" x 16".

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Tirages pigmentaires d'archives en édition limitée Morning Wood sur papier d'art en coton 300 g/m² par Ces One - Rob Provenzano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Morning Wood faisait partie d'une exposition organisée par Carhartt à New York. » - Ces One - Rob Provenzano

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Morrigan Lupus, estampe giclée en édition limitée sur papier chiffon de coton velours, par Skinner, artiste de rue de la contre-culture. N° 1/100 Skinner est un artiste autodidacte installé à Oakland, en Californie, qui a su créer un équilibre subtil entre des fresques murales exceptionnelles, des installations étranges et provocatrices, et une carrière commerciale florissante. Influencé par la culture pop des années 80, la lutte humaine, les mythes et la violence, les jeux de rôle et les légendes du heavy metal, l'univers de Skinner est un chaos psychosocial savamment orchestré.

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Morsel, tirages d'art en édition limitée, pigments d'archivage, rehaussés à la main sur papier 330 g/m², par Laura Bifano, artiste de rue graffiti, art pop moderne. « Ce tableau a été initialement conçu pour une exposition à la galerie Thinkspace intitulée « Les récoltes de la saison ». J’avais d’abord exploré quelques idées, mais rien ne semblait se concrétiser jusqu’à ce que je fasse un voyage en voiture sur l’île de Vancouver pour rendre visite à ma famille. Le paysage était d’une beauté époustouflante : des terres agricoles d’un vert émeraude parsemées de moutons en pâture. Je m’en suis inspirée pour créer cette toile. J’ai toujours adoré les peintures pastorales anglaises et j’ai su immédiatement que je voulais créer quelque chose dans le même esprit. J’ai décidé d’introduire un élément prédateur dans cette scène par ailleurs idyllique, et une famille de loups m’a semblé tout à fait appropriée. À cette époque, je regardais aussi en boucle des documentaires animaliers de la BBC, ce qui m’a plongée dans une profonde réflexion sur les cycles de la vie, de la mort et de la renaissance. Je pense que l’ajout de ces moutons artificiels en pixels apporte une touche de fantaisie et de légèreté à une image qui serait autrement morbide. » – Laura Bifano

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Mossiae - Bourgogne - Sérigraphie artisanale 24 couleurs sur papier satiné Somerset 330 g/m² par l'artiste pop graffiti Fin DAC - Œuvre d'art de rue rare en édition limitée Findac . Édition limitée à 150 exemplaires, signée et numérotée, 2022. Dimensions de l'œuvre : 24,8031 x 33,8583 cm « Mossiae - Bourgogne » de Fin DAC : Une symphonie en sérigraphie L'œuvre « Mossiae - Burgundy » de Fin DAC illustre la transition du street art pop vers les beaux-arts grâce à un procédé d'impression sérigraphique méticuleux. Cette sérigraphie artisanale en 24 couleurs sur papier Somerset Satin 330 g/m² est une pièce rare dans l'œuvre de l'artiste, incarnant la rencontre entre le dynamisme brut du street art et la précision de la production artistique haut de gamme. Limitée à 150 exemplaires, chaque pièce est signée et numérotée par Fin DAC, attestant de son exclusivité et de l'implication directe de l'artiste dans sa création. Comprendre la nuance artistique de Fin DAC dans « Mossiae - Bourgogne » L'œuvre, mesurant 63 x 86 cm, illustre l'esthétique singulière de Fin DAC, qu'il nomme « Esthétique Urbaine ». Dans « Mossiae - Bourgogne », le sujet est une figure féminine à l'allure presque éthérée, se détachant sur un fond bordeaux profond. Le visage est marqué par le style caractéristique de Fin DAC : des lignes nettes et précises, et une touche de couleur vibrante autour des yeux, qui font office à la fois de masque et de fenêtre sur l'âme. Ce motif visuel est un clin d'œil à ses influences classiques du portrait, avec une touche contemporaine qui capture l'essence même du pop art graffiti. Impact culturel et réception de l'œuvre « Mossiae-Bourgogne » du CAD de Fin L'influence de Fin DAC sur le street art pop est manifeste dans des œuvres telles que « Mossiae - Burgundy », très recherchées par les collectionneurs et les amateurs. Cette estampe en édition limitée est bien plus qu'une simple création visuelle : c'est un véritable artefact culturel qui capture l'esprit du street art contemporain. L'accueil réservé à cette œuvre témoigne de la reconnaissance et de la valorisation croissantes de l'art inspiré du graffiti au sein des collections d'art. La vision de l'artiste en tirages en édition limitée Le choix de la sérigraphie pour « Mossiae - Burgundy » est délibéré, permettant à Fin DAC d'explorer le jeu des textures et des couleurs sur papier, un médium qui préserve l'essence tactile du street art. Le tirage limité de cette estampe garantit à chaque exemplaire une place unique dans le parcours artistique de Fin DAC, tout en offrant au collectionneur un lien tangible avec sa vision. En somme, « Mossiae - Burgundy » témoigne de la maîtrise de son médium par Fin DAC et de sa capacité à communiquer des récits profonds à travers le langage visuel du pop art urbain. Son œuvre, à la croisée de l'expression spontanée et de la sophistication des galeries, fait de lui une figure incontournable de l'art contemporain.

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Most Wanted - Épreuve d'imprimeur PP, sérigraphie artisanale sur papier beaux-arts par l'artiste de graffiti pop Cope2, œuvre d'art de rue rare en édition limitée. Épreuve d'imprimerie PP 2010, signée et numérotée, encadrée, édition limitée, format 22 x 17 pouces. Encadré sous verre. Non examiné hors de son cadre. Dimensions encadrées : 19 x 24 pouces.

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Achetez VINYLTOY Dunny édition limitée Kidrobot Vinyl Art Toy Collectible Artwork par l'artiste ARTIST. 2022 Édition limitée de XXXX Taille XXXX INFO

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Sérigraphie artisanale 10 couleurs « Mother » sur papier Tauro Sappi 300 g/m² par l'artiste pop graffiti Flying Fortress. Œuvre d'art urbain rare en édition limitée. Édition limitée à 100 exemplaires, signée et numérotée, 2015. Format : 27,5 x 19,5 pouces. Légère bosse sur la marge extrême gauche

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Papier buvard Mother's March, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Mark Bode, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Format : 19 x 19 cm. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées de buvards sont perforées à la main par Zane Kesey et peuvent légèrement différer de l'exemple présenté.

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Papier buvard MothMan x Nai Palm, édition limitée, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé par Lauren YS, œuvre d'art pop culture LSD. Tirage d'art signé et numéroté 2021 avec certificat d'authenticité, impression pigmentaire d'archives sur papier buvard perforé. Dimensions : 7,5 x 7,5 pouces. Sortie : 19 avril 2021. Les éditions limitées sur papier buvard sont perforées à la main par Zane Kesey. MothMan x Nai Palm par Lauren YS : Récits surréalistes dans le street art pop et le graffiti « MothMan x Nai Palm » est une estampe pigmentaire d'archive en édition limitée, créée par l'artiste américaine Lauren YS et sortie le 19 avril 2021. Mesurant 19 x 19 cm, l'œuvre est imprimée sur papier buvard perforé, signée, numérotée et accompagnée d'un certificat d'authenticité. Chaque feuille a été perforée à la main par Zane Kesey, ancrant ainsi l'œuvre dans la riche tradition du buvard, médium emblématique de la culture visuelle psychédélique. Reconnue pour son imagerie audacieuse et hallucinatoire et son surréalisme narratif, Lauren YS utilise ce format pour célébrer l'identité personnelle, le fantastique et l'esprit de rébellion créative à travers des personnages puisant leurs racines dans la musique et la mythologie. La composition de « MothMan x Nai Palm » met en scène deux figures costumées : l'une représentant une créature papillon anthropomorphe aux couleurs vibrantes, et l'autre une version jumelle de Nai Palm, la chanteuse du groupe australien Hiatus Kaiyote. Ces figures flottent sur un fond psychédélique lumineux vert citron et jaune, évoquant les motifs topographiques souvent associés aux distorsions visuelles lors d'expériences sous LSD. Leurs lignes nettes et leurs teintes fluorescentes donnent l'impression que les personnages jaillissent de la surface, rayonnant de joie, de mystère et d'une fantaisie cosmique. La figure du papillon de nuit, symbole récurrent dans l'œuvre de Lauren YS, suggère la transformation et la curiosité, tandis que les jumeaux Nai Palm masqués, avec leurs ailes de chauve-souris et leur guitare électrique, font écho à la théâtralité, à la dualité et à la puissance du son. Déconstruction de la culture pop à travers l'iconographie fantastique Lauren YS est devenue une figure majeure du mouvement où l'esthétique urbaine rencontre le psychédélisme contemporain. Son utilisation du buvard comme support d'impression pour MothMan x Nai Palm fait le lien entre sa pratique artistique et son expérience en muralisme, en fanzine et en illustration underground. Cette œuvre fusionne hommage musical et mythologie psychédélique, fonctionnant à la fois comme un hommage visuel et une réflexion sur la perception, l'identité et la fluidité des personnalités créatives. La vivacité des couleurs et l'exagération des formes ne relèvent pas de simples choix stylistiques, mais constituent également des techniques visuelles conçues pour simuler la surcharge sensorielle et la conscience symbolique propres aux états psychédéliques. L'utilisation du buvard perforé est historiquement significative. Dans les années 1960 et au-delà, les artistes imprimaient des motifs sur des buvards pour associer l'art visuel à l'expérience du LSD. En adoptant ce même format, Lauren YS inscrit son travail dans la lignée des traditions radicales de l'activisme urbain et de la conscience expérimentale. La collaboration MothMan x Nai Palm devient non seulement une œuvre d'art, mais aussi un artefact symbolique de la culture pop psychédélique, apportant un récit visuel influencé par la musique à un format longtemps associé à l'éveil spirituel et mental. L'agentivité féminine et les formes hybrides dans l'art psychédélique contemporain Un élément clé de cette œuvre réside dans son exploration du genre, de l'identité et de la transformation performative. Les figures jumelles de Nai Palm, vêtues de costumes de chauve-souris assortis et brandissant une guitare verte lumineuse, s'affirment avec style et assurance, faisant écho à l'autonomie flamboyante des artistes et des métamorphes mythiques. La présence de la dualité au sein d'une même personnalité – un thème récurrent dans l'œuvre de Lauren YS – devient une réflexion sur la multiplicité intérieure, les personnalités créatives et la capacité d'adaptation de l'individu. Le papillon de nuit ajoute une dimension symbolique supplémentaire. Reconnu pour sa présence nocturne et sa beauté délicate, il est une figure idéale pour représenter la vérité cachée, la sensualité et l'exploration au-delà des apparences. La composition, à la fois fantastique et ludique, porte en elle un contenu profondément personnel et symbolique. Ces personnages incarnent la fusion de la force et de la douceur, faisant écho aux sentiments du Street Pop Art et du Graffiti, où l'émancipation, le rêve et la rébellion fusionnent à travers la couleur et la ligne. L'intensité du motif de fond et l'exagération intentionnelle des figures inscrivent l'estampe dans l'esthétique de la rue, où l'immédiateté et l'audace sont essentielles. Lauren YS et la nouvelle génération d'art pop urbain à base de buvards La collaboration de Lauren YS avec Zane Kesey pour cette édition limitée de buvards renforce le lien de l'œuvre avec l'histoire culturelle psychédélique. La narration visuelle de MothMan x Nai Palm transcende l'attrait superficiel pour devenir une porte d'entrée vers un monde où l'art se mue en mythologie. Son esthétique, à la fois fantaisiste et engagée, mêle force féminine, identité queer et fantaisie spéculative dans un format depuis longtemps reconnu pour son refus du conformisme. Cette œuvre représente la nouvelle vague du Street Pop Art et du graffiti qui se réapproprie des supports non conventionnels, célèbre l'expérimentation identitaire et s'oppose aux frontières traditionnelles entre beaux-arts, culture fan et symbolisme spirituel. MothMan x Nai Palm ne se limite pas à la musique ou à la fantaisie. Il s'agit de la manière dont les personnages, les couleurs et le format peuvent transformer un petit carré de papier en une hallucination visuelle collective, résonnant à travers l'histoire de l'art et dans la rue.

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Achetez Dream of Electric Sheep AP Archival Pigment Fine Art Edition limitée sur papier Hot Press par l'artiste Scott Listfield. AP Artist Proof 2021 Signé Taille 16x16 Édition de 28. Imprimé sur papier d'archivage, presse à chaud, signé et numéroté

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Œuvre d'art « Dieu de la montagne », impression giclée en édition limitée sur papier d'art 100 % coton, par l'artiste de graffiti pop culture Naoto Hattori.

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Achetez TITLE Hand-Pulled 4-Color on MEDIUM Limited Edition Pop Street Art Art. 2022 Édition limitée signée et numérotée de XXX Taille de l'œuvre XXXX Sérigraphie INFO

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MQ - Édition limitée Chrome Silver, bombe de peinture rare, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture graffiti Montana MTN. Sans boîte. 2009 MQ Planet - Mque x Montana MTN Spray Paint. Depuis plus d'une décennie, cet artiste new-yorkais s'est fait un nom dans le graffiti grâce à son audace et à son attachement à la culture urbaine. Le style distinctif des lettres MQ a influencé toute une génération de graffeurs. On retrouve ses œuvres aussi bien sur les coques de navires à San Francisco que sur les murs de briques de New York. Édition limitée MQ Chrome Silver : Un monument du pop art urbain Dans l'univers dynamique du street art et du graffiti, la bombe de peinture MQ Chrome Silver en édition limitée témoigne de la fusion entre ingéniosité artistique et influence culturelle. Cette pièce rare, fruit d'une collaboration entre le célèbre fabricant de peinture pour graffiti Montana MTN, marque une étape importante dans la carrière de l'artiste new-yorkais MQ Planet, alias Mque. Depuis sa création en 2009, cette bombe de peinture en édition limitée est devenue un symbole de l'approche intrépide de Mque vis-à-vis de la culture urbaine et de son impact durable sur toute une génération de graffeurs, souvent surnommés « bombers ». L'influence de Mque sur le street art et le graffiti Le parcours de Mque dans le graffiti a débuté dans les rues vibrantes de New York, où il a perfectionné son style distinctif de lettres MQ, un style qui allait influencer d'innombrables artistes. Son approche audacieuse et sans compromis de l'art se caractérisait par une immersion totale dans la culture urbaine à l'état brut. Les œuvres de Mque, qui s'étendent des toiles maritimes des navires de San Francisco aux murs de briques historiques de New York, témoignent de son adaptabilité et de son engagement envers l'essence même du street art. La bombe de peinture Chrome Silver Limited Edition n'est pas qu'un simple outil : c'est un morceau d'histoire, incarnant l'esprit et la ténacité de l'artiste. L'importance de la canette MQ Chrome Silver Limited Edition La bombe de peinture MQ Chrome Silver Limited Edition de Montana MTN est bien plus qu'une simple signature d'artiste sur un produit : c'est un emblème collaboratif de la communauté du street art. Cet objet rare incarne la synergie entre l'artiste et le fabricant, soulignant la reconnaissance par Montana MTN de la contribution de Mque à cet art. Collectionneurs et amateurs de pop art urbain et de graffiti, ils considèrent cette bombe comme une pièce de collection. Elle est aussi une source d'inspiration, incitant les artistes à repousser les limites et à laisser leur empreinte avec la même audace que Mque. Dans l'univers du pop art urbain, où le paysage urbain devient une toile et la bombe un pinceau, la MQ Chrome Silver Limited Edition rend hommage à l'évolution constante du graffiti. Elle honore l'héritage d'un artiste resté fidèle à l'esprit de la culture urbaine tout en y inscrivant une marque indélébile. L'œuvre de Mque, sa collaboration avec Montana MTN et la peinture Chrome Silver qui en résulte demeurent des éléments essentiels du pop art urbain et du graffiti pour les années à venir.

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Dessin original au marqueur MQ Silver Tag Dollar par MQ Planet - Mque sur billet de 1 dollar américain et lot de 100 pièces - Œuvre d'art pop moderne de rue. 2023. Dessin original au marqueur permanent argent et noir, signé par Tag, format 6 x 2,75 pouces, sur un véritable billet de 1 dollar américain. Comprend également deux impressions de billets de 100 dollars, avec soit une étiquette imprimée, soit des étiquettes au marqueur (difficile à dire, l'encre est brillante et mouchetée sur l'étiquette). « MQ Silver Tag Dollar » de MQ Planet : une monnaie du pop art urbain MQ Planet, connu sous son nom de naissance Mque, transcende les formes artistiques traditionnelles en fusionnant le pop art urbain et le graffiti avec le support emblématique de la monnaie. « MQ Silver Tag Dollar », une œuvre originale signée de 2023, illustre parfaitement comment l'énergie brute du street art peut être encapsulée sur un véritable billet d'un dollar américain. Mesurant 15,2 x 7 cm, cette pièce présente un dessin au marqueur permanent argenté et noir, soulignant l'approche novatrice de l'artiste en matière de pop art urbain contemporain. Moyen monétaire : une nouvelle voie d'expression Utiliser la monnaie comme support n'est pas un simple choix, mais une prise de position, une manière pour MQ Planet d'ancrer son message au cœur même des transactions quotidiennes. Imprimer son tag emblématique sur un billet d'un dollar est une provocation ; cela transforme le billet, simple monnaie légale, en œuvre d'art, incitant le spectateur à repenser la valeur que nous accordons à l'argent par rapport à l'art. Le « MQ Silver Tag Dollar » illustre comment l'artiste tire parti de l'omniprésence de la monnaie pour diffuser sa vision, assurant ainsi que son art circule aussi librement que le dollar lui-même. L'œuvre n'est pas seulement de l'art ; elle devient un vecteur de transmission de la culture pop urbaine. MQ Planet : Un alchimiste artistique Entre les mains de MQ Planet, le billet d'un dollar transcende sa simple fonction monétaire, se métamorphosant en un objet d'une portée culturelle bien plus grande. Avec le « MQ Silver Tag Dollar », Mque accomplit une véritable alchimie artistique, transformant l'ordinaire en extraordinaire. Son choix d'un marqueur argenté est délibéré : contrastant avec le vert éclatant du billet, il confère au tag un éclat chromé qui attire immédiatement le regard. Ce tag, une représentation audacieuse de la signature de l'artiste, est à la fois une marque personnelle et un symbole universel au sein de la communauté graffiti. Il signifie appropriation et présence, la revendication d'un espace par un graffeur, même sur un support aussi petit qu'un billet d'un dollar. Le « MQ Silver Tag Dollar » témoigne de la polyvalence et de l'adaptabilité inébranlables du street art et du graffiti. Il illustre comment des artistes comme MQ Planet repoussent sans cesse les limites de leur art, trouvant de nouvelles façons d'interagir avec le public et de marquer durablement le paysage culturel. À travers des œuvres comme celle-ci, MQ Planet appose sa signature sur un objet physique et inscrit sa vision au cœur même de la culture populaire.

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Épreuve d'imprimerie Mr A PP, sérigraphie de M. André Saraiva, tirée à la main sur papier d'art, édition limitée. Épreuve d'imprimeur PP 2020 Signée et marquée PP Édition limitée Œuvre d'art Format 12x28 Sérigraphie Épreuve d'imprimerie de M. A PP par M. André Saraiva – Romance de personnages dans l'art pop urbain et le graffiti « Mr A PP » est une sérigraphie artisanale de 2020 réalisée par l'artiste de rue franco-portugais André Saraiva. Imprimée sur papier d'art au format vertical 30,5 x 71 cm, cette œuvre est une épreuve d'artiste signée et numérotée, issue d'une édition limitée, témoignant de la précision et du caractère unique du procédé d'impression. Mettant en scène l'alter ego emblématique de l'artiste, Mr A, l'œuvre capture l'esprit de joyeuse rébellion, l'espièglerie romantique et la personnalité intemporelle du graffiti qui définissent l'héritage de Saraiva dans le Street Pop Art et le Graffiti. Mr A se dresse, grand et mince, son large sourire et ses yeux louches dessinés d'un trait noir assuré sur un fond bleu électrique vif réalisé à la bombe. Autour de lui, des symboles ludiques – cœurs, boucles et marques flottantes – transforment la figure en un emblème charismatique d'amour, d'ironie et de liberté. Monsieur A, icône urbaine et modèle émotionnel Le personnage de Mr A, avec son chapeau haut-de-forme, son œil unique qui cligne et son sourire perpétuel, s'est invité sur les murs, les ruelles, les toits et les galeries du monde entier depuis la fin des années 1980. Dans cette estampe, Saraiva le représente dans une pose à la fois simplifiée et expressive : ses membres allongés, sa présence aérienne et sa posture décontractée reflètent à la fois élégance et absurdité. Le XO sur son visage exprime à parts égales affection et irrévérence. Cette version de Mr A flotte avec grâce dans un océan de brume bleue, sa silhouette fantaisiste flanquée de cœurs dessinés à la main et de gribouillis abstraits. Le personnage devient un haïku visuel : minimaliste, codé et expressif. Dans le cadre du Street Pop Art et du graffiti, Mr A fonctionne à la fois comme un avatar personnel et un symbole universel, capable d'exprimer charme, distance et attitude en quelques traits et gestes. Technique de pulvérisation et de sérigraphie sur papier beaux-arts Cette sérigraphie est bien plus qu'une reproduction : c'est une œuvre artisanale qui allie la précision de l'impression à la spontanéité du graffiti. Le fond présente des motifs de peinture superposés dans des tons turquoise et bleu canard profonds, avec des nuages ​​de peinture et des projections qui confèrent à l'arrière-plan profondeur et dynamisme. Sur ce fond vibrant, le personnage de Mr A est imprimé en sérigraphie à l'encre noire intense, préservant la vitalité spontanée des dessins originaux de Saraiva. La verticalité de l'impression accentue la légèreté de la figure, comme si elle lévitait entre les couches de peinture. Le papier beaux-arts restitue chaque coup de pinceau et chaque contour sans brillance, conservant l'aspect brut de l'art urbain tout en offrant la durabilité et la netteté attendues des éditions d'art contemporaines. Monsieur André Saraiva et la frontière entre romantisme et rébellion L'œuvre d'André Saraiva se situe au carrefour de l'élégance et du graffiti, de la séduction et de la permanence. « Mr A PP » distille cet esprit en une seule figure : les bras tendus, une présence indomptable, un sourire désarmant. L'œuvre ne mise pas sur le volume ni le bruit, mais sur le caractère. Mr A se présente comme un ambassadeur romantique de l'expression urbaine, à la fois comme une trace de l'artiste et une invitation à la légèreté. Dans le langage du Street Pop Art et du graffiti, cette estampe est un objet parfait : expressive, minimaliste, affirmée et instantanément iconique. À travers Mr A, Saraiva écrit une ode aux villes, à la spontanéité et au pouvoir intemporel d'un simple trait, capable de porter un sens profond.

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Mr André - Bombe de peinture aérosol en édition limitée noire, œuvre d'art rare, fruit de la collaboration entre le célèbre fabricant de peinture pour graffiti Montana MTN. 2021 Mr André Glossy Black Color Limited Edition of 500 Spray Paint Bomb with Custom Wood Box Object Artwork Size 3x8 Montana MTN Filled with Paint. Bombe de peinture aérosol noire brillante Mr André par Montana MTN – Art urbain pop et graffiti La bombe de peinture Mr André Glossy Black Limited Edition, sortie en 2021 par Montana MTN, est une pièce iconique de la culture street art et du graffiti. Produite en édition limitée à seulement 500 exemplaires, cette bombe de 7,6 x 20,3 cm contient de la peinture aérosol noire brillante et est présentée dans un coffret en bois gravé de la signature de l'artiste et du logo Montana Limited Edition. Le design de la bombe est indissociable du célèbre alter ego graffeur d'André Saraiva, Mr A. Le visage aux lignes épurées, surmonté de symboles exagérés comme le X et le O, est une représentation visuelle de plusieurs décennies d'influence street art internationale. À la fois bombe de peinture fonctionnelle et objet d'art à part entière, cette pièce hybride fusionne la culture graffiti utilitaire et l'art de collection conceptuel. M. André : Artiste de graffiti et icône internationale du street pop André Saraiva, né à Uppsala en Suède et ayant grandi à Paris, est une figure emblématique du street art pop, reconnu internationalement, dont les racines dans le graffiti remontent au début des années 1990. Il s'est fait connaître grâce à la création de Mr A, un personnage devenu emblématique de la rébellion romantique et d'une joie irrévérencieuse à travers les paysages urbains du monde entier. Présent sur les toits, dans les ruelles et sur les murs, de Paris à Tokyo en passant par New York, le large sourire et les membres entrelacés de Mr A ont établi une identité visuelle aussi subversive que ludique. André Saraiva ne s'est pas limité aux murs de la rue. Son langage visuel s'est étendu à des collaborations avec les secteurs de la mode de luxe, de l'hôtellerie et du design, sans rien perdre de la spontanéité et de l'énergie brute de ses débuts dans le graffiti. Que ce soit sur toile ou dans le métro, son œuvre conserve son identité narrative audacieuse, soulignant l'importance du récit visuel dans l'espace public. La série d'artistes et la culture des objets de Montana MTN Montana Colors, basée à Barcelone, est depuis longtemps la référence en matière de peinture aérosol pour les graffeurs du monde entier. Sa collection Artist Series transforme la simple bombe aérosol en un support de collaboration artistique, offrant à des pionniers comme Mr André l'espace nécessaire pour réinterpréter l'objet à travers leur propre langage visuel. L'édition 2021 Mr André Glossy Black reflète la pureté des lignes et le minimalisme urbain de l'artiste. Le fond noir profond et les éléments graphiques orange confèrent à l'œuvre une présence symbolique, évoquant à la fois ses racines urbaines et sa présentation digne d'une galerie. L'utilisation de matériaux haut de gamme, associée à un emballage en édition limitée et à une identité visuelle centrée sur l'artiste, métamorphose la bombe aérosol d'outil en objet de collection. L'héritage du pop art urbain encapsulé dans la canette MTN de Mr André Cette pièce en édition limitée célèbre non seulement le rayonnement artistique international de Mr André, mais témoigne également de l'importance culturelle du graffiti dans l'évolution de l'art contemporain. La fusion de l'authenticité brute de la rue et d'une présentation digne d'une galerie d'art illustre la progression du graffiti, d'une sous-culture à un mouvement créatif reconnu. La bombe aérosol Mr André Glossy Black est l'expression concrète de cette évolution : une sculpture de collection qui symbolise le mouvement, la rébellion et une clarté stylistique. Pour les collectionneurs et les amateurs de street art et de graffiti, elle représente un lien à la fois tangible et symbolique avec l'un des artistes les plus emblématiques du genre.

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Mr Dob, une sculpture d'art en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de collection de l'artiste de la culture pop japonaise Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Édition limitée 2017 à 400 exemplaires Complexcon x BAITx Takashi Murakami 10 3/5 × 13 2/5 × 10 1/5 pouces Neuf en boîte. Mr. Dob, une sculpture en vinyle de Takashi Murakami : expression maximaliste du street art pop et du graffiti. « Mr. Dob A » est une sculpture en vinyle en édition limitée de 2017, créée par Takashi Murakami en collaboration avec BAIT et présentée lors de la ComplexCon. Cette pièce de collection, limitée à 400 exemplaires, mesure environ 27 x 34 x 26 cm et est livrée dans sa boîte d'origine ornée d'une illustration originale de Murakami. La sculpture représente Mr. Dob, personnage récurrent de l'artiste, reproduit en vinyle brillant avec une richesse de détails, de motifs et de couleurs impressionnante. Avec ses tentacules démesurés, ses yeux tournoyants, ses dents acérées aux reflets arc-en-ciel et son design hypnotique, « Mr. Dob A » incarne l'esthétique Superflat de Murakami et son exploration des excès de la culture pop contemporaine. Elle représente une convergence majeure entre l'art japonais, le spectacle de consommation et l'énergie visuelle audacieuse du Street Pop Art et du graffiti. Conception, symbolisme et technique sculpturale Cette sculpture de Mr. Dob A est à la fois fantastique et menaçante. Sa gueule béante est un vortex arc-en-ciel caverneux, cerné de dents triangulaires colorées, tandis que ses tentacules, semblables à ceux d'une pieuvre, s'enroulent autour, chacun orné de motifs d'yeux et de formes concentriques. Avec ses oreilles en spirale et ses yeux exorbités, le personnage oscille entre le kawaii et le kaiju, l'innocence et la menace. La finition brillante reflète l'obsession de Murakami pour la perfection polie, un clin d'œil à l'industrie du jouet et à la netteté de la production d'anime. Chaque courbe est intentionnelle, exagérée et imprégnée de chaos. La précision du moulage en vinyle et de la peinture transforme l'œuvre en bien plus qu'un simple jouet : c'est un objet d'art surréaliste, produit avec l'exactitude d'un article de créateur, mais vibrant d'une anarchie visuelle. Mr. Dob n'est pas une simple mascotte, mais une figure en constante évolution qui symbolise la collision entre les médias de masse, la mythologie et une folie personnelle. Le rôle culturel et l'influence de Takashi Murakami au niveau de la rue Takashi Murakami, né au Japon en 1962, est internationalement reconnu pour sa capacité à fusionner art et culture commerciale en un seul cadre visuel. Son concept emblématique, le Superflat, fusionne la peinture traditionnelle japonaise avec le consumérisme d'après-guerre, l'anime et la culture otaku. Mr. Dob est l'un des premiers et des plus importants personnages de Murakami ; il est à la fois un alter ego et une critique de la saturation culturelle. L'édition Mr. Dob A reflète le lien de Murakami avec les foires d'art contemporain et le phénomène de collection urbain, et a été présentée en avant-première à ComplexCon, un marché où se mêlent mode, art et culture hype. Dans l'univers du street art et du graffiti, l'œuvre de Murakami fait office de portail où tradition et rupture coexistent, et où des figures comme Mr. Dob deviennent à la fois symboles et produits d'une identité visuelle mondiale. Édition vinyle limitée en tant qu'objet de collection d'art Chaque sculpture Mr. Dob A est présentée dans un coffret sur mesure qui reflète l'expression du personnage, rendue en caractères vectoriels audacieux sur toutes ses surfaces. L'emballage et la figurine sont indissociables et forment un tout. Tirée à seulement 400 exemplaires, l'œuvre occupe une place à part, entre objet commercial et artefact culturel. Contrairement aux figurines en vinyle produites en masse, cette édition s'inscrit dans la lignée de l'art conceptuel et de la stratégie de collection de Murakami. Sa présence dans les galeries, les collections privées et les musées la place au cœur du débat plus large sur la place du jouet dans les beaux-arts. Au sein de l'univers en pleine expansion du Street Pop Art et du graffiti, Mr. Dob A se distingue comme une sculpture hybride : résolument expressive, autoréférentielle et à l'image d'un public international avide d'art mêlant spectacle, subversion et dimension visuelle.

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Sculpture d'art en vinyle en édition limitée Mr Dob B, œuvre d'art de collection de l'artiste de la culture pop japonaise Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Édition limitée 2017 à 800 exemplaires Complexcon x BAITx Takashi Murakami 9x12x8 Parfait état, comme neuf, exposé avec sa boîte. Sculpture en vinyle de M. Dob B par Takashi Murakami : Chaos multicolore dans l’art pop urbain et le graffiti « Mr. Dob B » est une sculpture en vinyle en édition limitée de 2017, créée par l'artiste japonais Takashi Murakami en collaboration avec BAIT et éditée à 800 exemplaires lors de la ComplexCon. Mesurant environ 23 x 30 x 20 cm, cette pièce met en scène Mr. Dob, personnage emblématique de Murakami, une création hybride mêlant oreilles de souris, expression psychédélique et exubérante, et couleurs vibrantes. Présentée dans un coffret collector entièrement illustré, cette sculpture témoigne du talent de Murakami pour transposer le chaos visuel bidimensionnel en une forme tridimensionnelle tactile. L'œuvre incarne la convergence de l'esthétique superflat japonaise, de la culture otaku et de la sculpture d'art, s'inscrivant pleinement dans le langage et l'impact du street art et du graffiti. Évolution du design, des dimensions et des personnages Mr. Dob B est l'une des manifestations physiques les plus saisissantes de l'univers de Murakami. Sa mâchoire ouverte révèle un tourbillon interne de dents, de langues, d'arcs-en-ciel et de pointes. Ses yeux tourbillonnants, ses traits exagérés et ses membres tentaculaires transforment la figurine en un spectacle visuel qui défie les codes traditionnels du design de personnages. Réalisée en vinyle brillant à la finition acidulée, la sculpture impose sa présence et reflète la lumière comme une idole futuriste. Le mélange subtil de références pop, d'éléments de l'animation japonaise et de couleurs publicitaires propre à Murakami donne naissance à une forme à la fois festive et provocante. Cette version de Mr. Dob est une distillation physique de la surcharge visuelle souvent présente dans les peintures et les fresques de Murakami. C'est une figure à la fois familière et terrifiante, comique et agressive, qui fait référence à la culture kawaii tout en la subvertissant. L'influence de Takashi Murakami sur la sculpture de collection pop Takashi Murakami, né au Japon en 1962, est reconnu comme une figure majeure de l'art contemporain imprégné de pop culture. Son œuvre brouille les frontières entre culture savante et consumérisme, intégrant l'anime, la mode et le graffiti dans des expositions muséales et des collaborations commerciales. Mr. Dob, apparu au milieu des années 1990, est devenu l'un des motifs les plus emblématiques de Murakami : à la fois mascotte, avatar et critique du marketing. Dans le contexte du Street Pop Art et du graffiti, les sculptures en vinyle de Murakami font office d'icônes de la subversion de la société de consommation. Conçues pour être collectionnées, exposées et célébrées, elles recèlent les codes du marketing, de l'histoire de l'art et de la culture numérique. Avec la sortie de Mr. Dob B à ComplexCon – un événement commercial réputé pour son croisement entre streetwear, art et buzz –, Murakami a encore renforcé l'image de sa sculpture comme emblème du remix culturel et de l'accessibilité de l'art contemporain. Vinyle en édition limitée, véritable capsule temporelle de la culture pop L'édition 2017 de Mr. Dob B est présentée dans un coffret grand format entièrement imprimé, reflétant l'esthétique chaotique de la figurine. Chaque sculpture bénéficie d'une finition d'usine impeccable, avec une peinture soignée et des formes harmonieuses, évoquant le raffinement commercial des figurines de collection. Contrairement aux objets de collection grand public, cette figurine fait partie d'une édition limitée, gage d'exclusivité et d'intégrité artistique. La présence de Murakami à ComplexCon a marqué un tournant : l'art contemporain n'a pas seulement intégré le phénomène de mode, mais en est devenu un élément central. Dans le domaine du street art et du graffiti, cette édition se dresse comme une capsule temporelle de la culture visuelle : ludique, précise et pleinement consciente de son impact. Mr. Dob B n'est pas qu'une simple sculpture ; c'est une réflexion sur la saturation, le spectacle et l'évolution de la définition de l'art dans un monde saturé de médias.

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Achetez Tour de Finch sérigraphie 3 couleurs tirée à la main sur papier Fine Art par l'artiste souhaitable Nate Duval édition limitée Pop Art Artwork. 2014 Signé Edition Limitée Oeuvre Taille 10x8

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UnReal Estate - M. St Hilary - Glow Followed, édition limitée phosphorescente, sérigraphie artisanale 4 couleurs sur papier beaux-arts par Tim Doyle, artiste de rue graffiti, art pop moderne. Transformers, Super-héros, Télévision, Film, Vaisseau spatial, Montagne, Avion, Jet, Forêt, Nature, Immobilier

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Mr Twisty, figurine de collection en vinyle en édition limitée, œuvre d'art de l'artiste de graffiti de rue Jason Freeny. Figurine d'art en vinyle de 23 cm (9 pouces), édition limitée à 300 exemplaires, neuve en boîte (2021). Jason Freeny revient avec une nouvelle création originale : Mr. Twisty ! Sculptée à la main par l’artiste en pâte époxy, cette pièce ludique évoque les manèges qui ont bercé notre enfance. Réplique fidèle des manèges grandeur nature, Mr. Twisty reproduit chaque détail avec une précision remarquable : de la boîte à pièces à la selle, en passant par les coutures et les attaches, tout y est ! Désormais disponible en édition limitée, Mr. Twisty promet des aventures imaginaires sans fin !

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Achetez l'œuvre d'art de collection en vinyle Mr Twisty en édition limitée par le graffeur de rue Jason Freeny. 2021 9" Vinyl Art Toy Édition Limitée de 300 Jason Freeny revient avec un nouveau design original, Mr. Twisty ! À l'origine sculptée à la main par l'artiste à l'aide d'argile époxy, cette pièce amusante rappelle les manèges pour enfants qui ont rempli bon nombre de nos enfances. Faisant référence à des manèges pour enfants grandeur nature, M. Twisty a pris en compte tous les détails; de la boîte à monnaie à la selle, aux coutures et aux attaches, tout est là ! Maintenant transformé en un objet de collection en édition limitée, partez pour des manèges imaginatifs sans fin avec M. Twisty !

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Mme Rainbow Flower - SP 13 couleurs, sérigraphie en édition limitée tirée à la main sur papier d'art de Takashi Murakami TM/KK, art de rue rare, artiste pop célèbre. Épreuve d'artiste SP State Artist Proof 2020, signée, édition limitée à 25 exemplaires. Rare sérigraphie de Takashi Murakami TM/KK, « Ms. Rainbow Flower », 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 po). L'attrait des éditions limitées dans le street art pop : Ms. Rainbow Flower de Takashi Murakami L'œuvre de Takashi Murakami, « Ms. Rainbow Flower - SP 13-Color Hand-Pulled Limited Edition Silkscreen Print on Fine Art Paper », illustre avec force la relation symbiotique entre le pop art urbain et les estampes en édition limitée. Figure emblématique du mouvement pop art, Takashi Murakami étend son champ d'expression au street art, brouillant les frontières entre art commercial et art savant. Cette épreuve d'artiste (EA) de 2020 témoigne du style unique de Murakami, qui mêle esthétique japonaise traditionnelle et culture pop contemporaine, créant une représentation colorée et optimiste, en résonance avec l'esprit du pop art et la spontanéité du street art. Cette œuvre fait partie d'une édition SP (Special Proof) exclusive de 25 exemplaires, soulignant la rareté et la valeur des éditions limitées sur le marché de l'art. Les épreuves d'artiste sont traditionnellement les premiers tirages d'une série, conservés de côté en raison de leur statut particulier et souvent signés de la main de l'artiste. La signature de Murakami sur « Ms. Rainbow Flower » authentifie l'estampe et souligne son importance en tant qu'œuvre issue directement du processus créatif de l'artiste. Chacune des treize couleurs est extraite à la main, un processus méticuleux et exigeant, qui confère à chaque estampe un caractère unique, même au sein d'une série. Takashi Murakami et son influence sur le pop art et le street art modernes L'influence de Murakami sur le pop art et le street art modernes est considérable. Son œuvre se caractérise souvent par des couleurs vives et éclatantes, ainsi que par l'intégration de motifs issus de la culture japonaise traditionnelle et populaire. Sa création, « Ms. Rainbow Flower », avec sa personnalité joyeuse et ses teintes psychédéliques, illustre parfaitement le « Superflat », un mouvement artistique post-moderne initié par Murakami, qui aplatit l'image et brouille les frontières entre les différents genres artistiques. Cette pièce, réalisée à la main selon la technique de la sérigraphie, rend également hommage aux méthodes du street art et du graffiti, où la main de l'artiste est essentielle à l'authenticité de l'œuvre. Mesurant 50 x 50 cm (19,68 x 19,68 pouces), cette sérigraphie est un format de collection, la rendant accessible aux amateurs d'art et aux collectionneurs avertis. Tirée à seulement 25 exemplaires, elle est rare et occupe une place de choix dans le monde du pop art et du graffiti. Les collectionneurs d'œuvres de Murakami apprécient leur attrait visuel et le commentaire sous-jacent que l'artiste intègre souvent à ses créations. « Ms. Rainbow Flower » de Murakami n'est pas une simple pièce décorative ; elle porte en elle le poids des symboles culturels et la fantaisie du pop art, imprégnée des interrogations philosophiques de l'artiste sur le monde de l'art et ses liens avec le commerce. Le rôle des éditions limitées dans le street art pop et le graffiti Les tirages en édition limitée comme « Ms. Rainbow Flower » jouent un rôle crucial dans la diffusion du street art et du graffiti. Ils permettent à ces formes d'art, traditionnellement éphémères, d'être préservées et appréciées au fil du temps. Dans le cas de « Ms. Rainbow Flower », le tirage limité est particulièrement significatif, car il représente un moment clé du parcours artistique de Murakami, capturant l'essence de son style en 2020. Posséder une telle œuvre, c'est participer à l'histoire du street art, de sa création dans la rue jusqu'à son intégration dans les galeries et les collections privées. Le statut d'épreuve d'artiste de ce tirage en fait un pont entre les archives de Murakami et le public. Il souligne la relation intime entre l'artiste et son œuvre, offrant un aperçu de son processus créatif et de l'élaboration de l'édition finale. Pour l'artiste, ces épreuves constituent un terrain d'expérimentation créatif avant la finalisation de la série. Pour le collectionneur, elles représentent un fragment de l'héritage de l'artiste, dont la valeur est susceptible d'augmenter avec le temps grâce à leur rareté et au prestige associé aux éditions limitées. En résumé, « Ms. Rainbow Flower - SP » de Takashi Murakami est bien plus qu'une simple représentation du pop art urbain et du graffiti ; c'est un artefact culturel qui incarne l'esprit de son époque et la vision artistique de l'une des figures les plus influentes de l'art contemporain. Son existence en édition limitée souligne l'importance de la rareté et de l'interaction avec l'artiste dans le monde de l'art, offrant aux collectionneurs l'opportunité de posséder un fragment de l'univers vaste et coloré de Murakami.

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MSK Taft Building 08 Édition limitée, sérigraphie HPM 2 couleurs rehaussée à la main sur papier vélin par Saber Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2008. Sérigraphie en couleurs avec embellissements à la main sur papier vélin, signée et numérotée. Saber MSK Taft Building 08, 2008. 61 x 45,7 cm (feuille). Tirage limité à 200 exemplaires. Signée, numérotée et datée au crayon en bas. Publiée par Poster Child Prints, Los Angeles. Bâtiment MSK Taft 08 par Saber : Un monument d’excellence en matière de graffiti « MSK Taft Building 08 » de Saber est une œuvre majeure, un monument au mouvement graffiti et à son empreinte indélébile sur le paysage urbain. Tirage sérigraphique bicolore sur papier tissé, rehaussé à la main et datant de 2008, cette pièce fait partie d'une édition exclusive de 200 exemplaires. Chaque estampe est méticuleusement signée, numérotée et datée par l'artiste, garantissant son authenticité et sa valeur de collection. Publiée par Poster Child Prints à Los Angeles, cette œuvre de 61 x 46 cm (24 x 18 pouces) capture l'esprit audacieux et rebelle qui caractérise Saber et son crew MSK, également connu sous le nom de Mad Society Kings. Né en 1976, Saber est une figure incontournable de l'évolution du street art et du graffiti, repoussant sans cesse les limites de la peinture aérosol. Ses œuvres se distinguent par une maîtrise des formes, une palette vibrante et une approche novatrice des textures et des superpositions. « MSK Taft Building 08 » est une puissante représentation du style de Saber, illustrant la capacité de l'artiste à transformer un support d'impression traditionnel en un reflet dynamique de la culture du street art. Importance culturelle et impact de l'œuvre de Saber L'importance culturelle et l'impact de l'œuvre de Saber sont indéniables. Sa contribution à la scène du graffiti a permis d'élever le genre à de nouveaux sommets, lui valant le respect et l'admiration du monde de l'art et du public. L'estampe « MSK Taft Building 08 » incarne l'essence même du graffiti à Los Angeles à une époque où ce médium connaissait une renaissance, passant de l'illégalité à la reconnaissance grand public. Avec ses embellissements réalisés à la main, cette œuvre offre un aperçu du processus méticuleux et du souci du détail que Saber déploie dans son art. Les finitions manuelles de chaque estampe garantissent que chaque pièce est unique, conférant à chacune son identité propre. Cette pratique d'embellissement à la main rappelle la touche du graffeur sur les murs de la ville, où chaque coup de spray, chaque ligne, chaque marque témoigne de sa présence et de son interaction avec le support. En somme, « MSK Taft Building 08 » de Saber est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; Ce document historique capture l'esprit d'une époque particulière de l'histoire du street art à Los Angeles. Il témoigne du talent et de l'influence de Saber et du collectif MSK, qui ont marqué de leur empreinte indélébile l'évolution du graffiti et du pop art urbain. Cette œuvre est non seulement une pièce de collection précieuse, mais aussi une source d'inspiration pour les artistes en herbe et un symbole du pouvoir transformateur du street art.

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Sérigraphie artisanale en édition limitée 2 couleurs sur papier beaux-arts, représentant le mont Frackmore, par John Vogl, artiste de rue graffiti, art pop moderne.

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